14 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Ottimo concerto quello di ieri sera con l' Orchestra de I Pomeriggi Musicali. La valida direzione di Jacopo Brusa proponeva tre brani differenti per genere e periodo di realizzazione. Partendo dal recentissimo Arcane, per orchestra di fiati, prima esecuzione assoluta di un lavoro di Alessandra Ravera, siamo andati a ritroso nel tempo con la Ballata per pianoforte e orchestra Op.19 di Gabriel Fauré, sino alla celebre Sinfonia n.7 op.92 di L.v. Beethoven, eseguita dopo il breve intervallo. Il brano cameristico della compositrice romana Alessandra Ravera (1977), allieva anche di Azio Corghi e di Ivan Fedele, è di particolare interesse per qualità espressiva. L'organico per strumenti a fiati, sostenuti anche dalle percussioni, si dipana per circa dodici minuti di musica esprimendo suggestive ed efficaci timbriche giocate sulle relazioni degli strumenti a fiato, tra interventi individuali, a piccole sezioni, e ampie coralità. La solida impalcatura costruttiva e gli efficaci interventi melodici dei bravissimi fiati de I Pomeriggi, hanno permesso armonizzazioni piacevoli al primo ascolto, con timbriche dal sapore orientale e di evidente valida resa espressiva. Applausi del numeroso pubblico anche alla compositrice salita sul palcoscenico. La Ballata per pianoforte e orchestra in fa diesis maggiore del francese Fauré è una delizia alle orecchie più attente. La leggerezza melodica del bravissimo compositore è solo la parte superficiale di un lavoro raffinato, giocato su armonizzazioni splendide dal punto di vista costruttivo. Non si poteva trovare meglio di Alessandro Deljavan ad esprimere l'importantissimo ruolo pianistico. Deljavan, affermato interprete internazionale, ha reso in modo particolareggiato e profondo il delicato gioco melodico, ricco di intrecci, della Ballata. È stato ben coadiuvato dagli orchestrali e dall'attenta direzione di Brusa. Splendida interpretazione. Di eccellente qualità il bis concesso dal solista con la preziosa Mazurca Op.17 n.2 in mi minore di F. Chopin resa con grande espressività. Dopo il raro Fauré, la celebre Settima Sinfonia di Beethoven ha trovato una direzione energica in Brusa per una valida restituzione degli orchestrali de I Pomeriggi, bravi in ogni sezione. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto. Sabato alle ore 17.00 si replica. Da non perdere.

13 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Il pianista goriziano Alexander Gadjiev è salito alla ribalta internazionale con la recente importante seconda posizione al prestigioso Concorso Internazionale Chopin di Varsavia del 2021. Ieri sera, nel bel concerto organizzato da Serate Musicali in Conservatorio, ha dato saggio delle sue qualità d'interprete del grande polacco impaginando un programma romantico che dedicava a Chopin la prima parte del concerto. La Polacca Fantasia in la bem.maggiore op.61 introduceva la serata ed evidenziava da subito la cifra stilistica del giovane interprete: le indubbie qualità tecniche e le timbriche sfumate ben evidenziate ben si addicevano all'Op.61 di Chopin, tra le polacche quella più visionaria e suggestiva. Le Tre Mazurche op.56 continuavano il concerto in un unicum espressivo in sintonia con il primo brano. La personalizzazione interpretativa di Gadjiev, certamente di ottima fattura, è lontana da quelle dei grandi interpreti storicizzati, quella dei Cortot, dei Rubinstein, di Lipatti o dei più vicini Pollini e Zimerman,- solo per citarne alcuni tra i massimi - e vuole cercare nuovi orizzonti, cosa non facile da apprezzare nell'immediato per chi ha orecchie abituate a riferimenti entrati nella storia interpretativa. Certamente Gadjiev ha espresso frangenti con ottimo stile e valida creatività musicale. Anche nella celebre Sonata n.2 in si bem.minore op.35, Gadjiev ha articolato momenti particolarmente rilevanti pur non facendo emergere, al primo ascolto, una chiara unità interpretativà. Dopo il breve intervallo, un altro grande romantico come Schumann e la sua Fantasia in do maggiore op.17 ha trovato una complessiva notevole resa espressiva. Dalle prime efficaci note del celebre lavoro è continuata un'esternazione di ottimo livello. Molto applaudito dal pubblico intervenuto in Sala Verdi, con molti giovani presenti, Gadjiev ha concesso poi tre bis certamente di qualità: il Preludio in do diesis minore op.45 di Chopin, un eccellente Debussy con lo Studio n.11 per arpeggi e l'ottimo Studio op.10 n.8 in Fa maggiore ancora del polacco. Fragorosi e meritati applausi. Un pianista da riascoltare con attenzione.

10 maggio 2022 Cesare Guzzardella

"La Verdi", con la nuova denominazione Orchestra Sinfonica di Milano, ha visto in questi giorni la direzione di Hannu Lintu per due brani sinfonici importanti quali il Concerto per pianoforte e orchestra n.3 Sz. 119 di Belá Bartók e la Sinfonia n.3 in mi bem. maggiore op.97 "Renana" di Robert Schumann. Il primo lavoro del compositore ungherese, ascoltato alla replica domenicale, è un brano maturo composto da Bartók negli Stati Uniti nel 1945 ed eseguito per la prima volta nel '46 a Philadelphia per la direzione di Eugene Ormandy, purtroppo mai ascoltato dal grande musicista, deceduto poco dopo la quasi completa realizzazione ( mancavano solo 13 battute completate poi dagli appunti da Tibir Serly) . Un ottimo pianista quale il milanese Luca Buratto ha sostenuto la parte solistica avendo chiarissimamente in testa la visione completa del difficile brano, caratterizzato da grande virtuosismo ma anche da momenti di pacato lirismo come nell'intenso Adagio religioso centrale. L'ottima direzione del finlandese Hannu Lintu, con resa chiara in tutte le sezioni orchestrali, ha sostenuto con efficacia l'eccellente interpretazione di Buratto, in un lavoro caratterizzato da una scrittura tonale ricca di contrasti, dove soprattutto l'elemento ritmico costruisce fraseggi articolati, marcati moto bene dal solista, con perfezione tecnica e discorsività profonda. Applausi calorosi ai protagonisti e ottimo il bis solistico con l'amato Schumann ed il primo dei Fantasiestucke op.12. La seconda parte del concerto ci ha portato indietro di quasi cento anni, al romanticismo di Robert Schumann e la sua Quarta Sinfonia "Renana" op.97. Si tratta di un lavoro maturo del compositore tedesco composto nel 1850 che si sviluppa in ben cinque movimenti, una rarità per il genere trattato. La direzione dirompente di Lintu ha reso molto bene i caratteri schumanniani, attraverso una restituzione fluida e di ottima qualità espressiva da parte della Sinfonica di Milano. Applausi calorosi al termine ai protagonisti.

Ieri sera, sabato 7 maggio la XXIV stagione del Viotti Festival, ormai vicina alla conclusione, ha proposto, nella sala del Teatro civico di Vercelli, un concerto che vedeva in programma due pagine tra le più note dell’intera storia della musica: il Concerto per violino e orchestra in mi minore op.64 di F. Mendelssohn-Bartholdy e la sinfonia n.3 in mi bem. maggiore op.55, universalmente celebre come l’”Eroica” di L. van Beethoven. A eseguire questi due immortali capolavori la ventenne violinista Giulia Rimonda e il Maestro Emmanuel Tjeknavorian, che sempre più spesso lascia l’archetto del violino per la bacchetta di direttore, in questa occasione alla guida della Camerata ducale. Avevamo già avuto modo di apprezzare Giulia Rimonda in un recente recital cameristico di elementi della Camerata ducale junior, in cui ci aveva colpito la già matura autorevolezza interpretativa, unita ad una scioltezza e sicurezza assolute nei passaggi più ardui di abilità: uscimmo da quel concerto con una certezza e con un desiderio: la certezza che la giovanissima Rimonda è già più che una semplice promessa e il desiderio di riascoltarla il più presto possibile. Il concerto di ieri sera ha appagato il desiderio e confermato pienamente le certezza. Giulia Rimonda ha ormai maturato un suo suono, calibrato e tornito con cura, tanto nei legati quanto negli staccati, fatto di energia, di morbidezza e duttilità davvero notevoli nel controllo delle dinamiche, con un timbro che imprime alle note chiarezza e calore, sostenuto da una perfetta intonazione, come ci assicura la somma autorità di uno dei suoi Maestri, S. Accardo La cavata è sempre fluida, limpida, tale da consentirle un fraseggio che con naturalezza sale dalle note più gravi sino ai vertici di siderali sovracuti, un fraseggio che è un incessante fervore di impulsi ritmici e melodici. Più che convincente la sua interpretazione del Concerto di Mendelssohn. Fin dall’apertura, in seconda battuta, dell’Allegro molto appassionato, la giovane violinista torinese trova la ‘sua’ chiave esecutiva, in unità con l’orchestra, per dare voce alla tensione che impronta questa sezione del concerto, non come scomposto sentimentalismo, o ansimante respiro della cavata, ma piuttosto come un anelito struggente che si esprime al meglio, in particolare quando suona a doppia corda, nel dare voce all’espansione ascendente della melodia, coi suoi guizzi che, muovendo dai registri gravi, si protendono all’acuto e al sovracuto, quasi attratti dal richiamo di un ignoto al di là del suono stesso. E’ una sezione ricca di figurazioni, che l’archetto di Giulia Rimonda rende con accurata incisività nel dettaglio, altra virtù dello stile esecutivo di questa violinista. Più che il ritmo in sé, Rimonda ci è sembrata ricercare e valorizzare i ‘vertici di tensione’ che questo capolavoro dissemina nei momenti più coinvolgenti del primo tempo, ed è davvero brava nella sezione in cui, alla ripresa del primo tema dopo l’esposizione del secondo, il violino deve suonare, quasi protendendosi, per ben tre volte una nota tenuta, nel registro sovracuto: qui il sentimento che la solista comunica all’ascoltatore non ha nulla di drammatico, o addirittura di straziante, come per molti interpreti, ma è avvolto da un indicibile ‘non so che’, una sorta di ‘sete di infinito’, perfettamente romantica. Ma Rimonda sa dare anche voce adeguata all’altra componente di questo stupendo concerto, quella più affabilmente e teneramente melodica delle due sezioni esterne del secondo movimento: il violino qui sa passare dall’energia e dalla tensione al canto puro, di intensa liricità, in cui peraltro la calma dell’andamento ritmico lascia filtrare talora un che di palpitante, quasi commovente, per poi cambiare ancora suono nella sezione centrale del movimento, con un vibrato su doppia corda, che ascende gradualmente, con superba gestione delle dinamiche di crescente intensità, fino a congiungersi in un magico accordo con il tutto dell’orchestra, come in una sorta di trionfale rivelazione. Naturalmente queste preziose qualità di intelligente interprete sono sorrette da un virtuosismo che le permette di affrontare senza sforzo, e con assoluta precisione i passaggi più impervi del concerto mendelssohniano e in particolare il quarto tempo, un Rondò sonata dai passaggi vorticosi, per rapidità di ritmi, ampiezza di intervalli e quant’altro. Davvero strameritati i lunghissimi e appassionati applausi del numeroso pubblico presente, cui Giulia Rimonda ha concesso, come fuori programma, una appassionata e malinconica melodia della tradizione popolare ucraina. Il concerto per violino di Mendelssohn non fa dell’orchestra un semplice sfondo di accompagnamento per l’esibizione virtuosistica del solista: all’opposto di Paganini, Mendelssohn propone una continua interazione dialogica tra orchestra e strumento, che tendono a integrarsi, più che a contrapporsi. E Tjeknavorian ha svolto egregiamente il suo ruolo, curando al meglio i dettagli timbrici e dinamici, staccando i tempi giusti, sostenendo perfettamente la solista nei momenti di maggior tensione della partitura, con una ben calibrata energia di suono, che non ha mai coperto il suono dello strumento solista. A Tjeknavorian è poi toccato dirigere uno dei monumenti sacri della musica occidentale, l’Eroica. E’ davvero difficile, oggi, dopo più di due secoli di esecuzioni, al ritmo di centinaia all’anno con l’avvento della registrazione, dire qualcosa di ‘nuovo’ su questo mostro sacro della musica. A nostro avviso il Maestro austro-armeno ha eseguito bene, facendo suonare al meglio la Camerata ducale: ne è uscita un’Eroica dalla sonorità compatta, ma con colori diversi per i quattro movimenti, (molto ben riuscito per scelta metronomica e alleggerimento del suono lo staccato degli archi e la successiva ripresa dell’oboe, che aprono lo Scherzo, dopo la Marcia funebre) e densa, grazie anche ad una buona conduzione dei fiati, anche nel dare ‘peso’ e densità al suono orchestrale coi loro raddoppi d’ottava. Volendo indicare uno dei momenti migliori della direzione di Tjeknavorian sceglieremmo il fugato del secondo movimento, dove al direttore riesce perfettamente di unire alla densità contrappuntistica della sezione un velo di accorata malinconia di fronte al mistero del dolore universale. Buona la gestione delle dinamiche, che eccelle nel gigantesco respiro dell’inizio e nella cura dei dettagli timbrici e motivici , che dà il meglio di sé nell’immenso sviluppo dell’iniziale Allegro con brio. Un gran bel concerto, che ha riscosso, a giudicare dai lunghi applausi del pubblico quasi al completo, un notevole e meritatissimo successo. Un’altra serata di buona musica che fa onore alla Camerata ducale, al suo ViottiFestival e a chi li organizza e li dirige, specie in tempi così difficili per la musica, l’arte, la cultura tutta.(Foto dall'ufficio stampa di Vercelli)

Bruno Busca 8 maggio 2022

7 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Una Scala al completo per l'ultima replica di Ariadne auf Naxos, testimonia il successo per un'opera di Richard Strauss non facile musicalmente e giocata soprattutto sulle abilità vocali e attoriali dei protagonisti. Un'orchestra di ristrette dimensioni, con molti frangenti cameristici, ben delineava gli sviluppi contenutistici del libretto di Hugo von Hofmannsthal e le efficaci voci presenti in scena. La valida direzione di Michael Boder ha dato buona energia alla riuscita regia di Sven-Eric Bechtolf, alle originali scene di Rolf Glittenberg, ai colorati costumi di Marianne Glittenberg illuminati dalle luci di Jürgen Hoffmann. La messinscena complessivamente ha rivelato un'unità d'interventi che hanno reso vitale un'opera complicata nei contenuti, che trova un valido compromesso tra situazioni drammatiche e divertenti. Le due compagnie teatrali presenti nella vicenda si sono ben amalgamate per restituire teatralità all'elegante costruzione scenica. Le ottime voci presenti erano quelle di Sophie Koch, splendida in tutti i registri di Der Komponist, di Markus Werba, valido Ein Musiklehrer, di Krassimira Stoyanova, ottima Ariadne, di Erin Morley, con ottima intonazione e perfetta attorialmente nel ruolo di Zerbinetta, di Stephen Gould, un adeguato Bacchus. Ottimo il terzetto delle Ninfe e bravissimi tutti gli altri. Ricordiamo la prossima opera in cartellone presente da questa sera con il verdiano Un ballo in maschera. Repliche per il 7, 10, 12, 14, 19, 22 maggio. Da non perdere. ( Foto di M. Brescia e R. Amisano dall'Archivio del Teatro alla Scala)

4 maggio 2022 C.G.

Oggi, primo maggio, è iniziata l'undicesima edizione di "Palazzo Marino in Musica", rassegna musicale organizzata dal Comune di Milano che propone una serie di concerti domenicali offerti alla cittadinanza milanese alle ore 11.00. L'offerta musicale di quest'anno indagherà sul rapporto tra musica e matematica, sia nei rapporti consolidati tra arte e scienza che dal punto di vista dei nuovi sistemi di produzione musicali lagati al mondo digitale e al computer. Il primo concerto ha visto la presenza di due affermati interpreti quali il violinista Francesco Manara ed il pianista Andrea Bacchetti. Manara, oltre a svolgere un'intensa attività concertistica solistica, è noto per essere da trent'anni "spalla"- (primo violino), della prestigiosa Orchestra del Teatro alla Scala. Il genovese Andrea Bacchetti da decenni è riconosciuto come eccellente interprete del repertorio settecentesco, soprattutto quello di J.S.Bach. Una Sala Alessi gremita di appassionati ha attentamente ascoltato il programma proposto, denominato Tre!, che prevedeva brani di Händel, Mozart, Bartók, Bloch e Saint-Saëns. L'ottima intesa del duo ha messo in rilievo le qualità classiche di Bacchetti nel sottolineare con chiarezza esaustiva ed eccellente equilibrio le splendida linee melodiche del violino di Manara. La Sonara op.1 n.4 di Händel e la Sonata in si bem.maggiore K454 di Mozart hanno messo in rilievo l'equilibrio "matematico" del duo giocato su un'evidente chiarezza coloristica. Le celebri Danze popolari rumene di B.Bartók, Nigun, adagio non troppo di Ernst Bloch e Introduzione e Rondó capriccioso di Camille Saint-Saëns, hanno esaltato l'efficace virtuosismo di Manara, violinista attento ad ogni dettaglio, preciso nei perfetti sopracuti, e soprattutto molto espressivo, sostenuto bene dalle armonie pianistiche di Bacchetti. Splendido anche il bis concesso al termine con il celeberrimo brano Meditation dal Thais di J.Massenet eseguito con profonda espressività melodica. Applausi fragorosi dal pubblico in una sala al completo. Prossimo concerto denominato "La sintesi degli opposti" è previsto per il 5 giugno e troverà Tania Birardi al clavicembalo

1 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Ieri sera al Teatro alla Scala, per la serie "Grandi pianisti alla Scala" è salito sul palcoscenico il duo femminile più celebre internazionalmente, quello formato dalle pianiste Katia e Marielle Labèque. Da decenni suonano anche da soliste, in formazioni cameristiche e spesso insieme, impaginando programmi diversificati, dove la tradizione classica si unisce sovente al Novecento e alla musica contemporanea, non rinunciando a volte a trasgressioni nel mondo pop e jazz. Il programma scaligero, presentato davanti ad un pubblico che riempiva il teatro, è un esempio di visione a 360 gradi della musica. Il classicismo di Schubert con la celebre Fantasia in fa min. D 940 per pianoforte a quattro mani è stato anticipato dal Claude Debussy dei Six épigraphes antiques per due pianoforti. Una musica, quella del francese, concepita nel 1901 che nasce dalla lettura di brevi versi poetici dell'amico Pierre Louýs. La traduzione pianistica è breve, poco più di tredici minuti di timbriche deliziose, dal sapore antico, eseguite magistralmente dalle due celebri sorelle, per un'unità sonora perfetta ed espressiva nei colori delicati e profondi. Il romanticismo schubertiano della celebre Fantasia in Fa minore è del 1828, l'ultimo anno di vita del genio viennese. Di notevole profondità e perfetta completezza formale, il brano è stato interpretato in modo introspettivo e senza eccessi dalle Labéque, per un'interpretazione di elevato valore artistico. E' con il bellissimo arrangiamento di Michael Riesman del corposo lavoro dell'americano Philip Glass, Les Enfants terribles, che la serata ha preso una piega più vicina ai nostri tempi. Il lavoro originario per balletto è del 1996, più recente la riuscita versione pianistica per due pianoforti. L'originario minimalismo di Glass trova in questo corposo lavoro formato da un' Ouverture introduttiva e da dieci brani, un'evoluzione particolarmente fantasiosa nelle sequenze di elementi ripetuti con infinite varianti. Le Labèque, conoscitrici profonde della musica di Glass, hanno restituito un'interpretazione accurata e intensamente espressiva, con perfetta sincronia delle parti. Applausi sostenuti e ben quattro bis concessi con il bellissimo Debussy iniziale a quattro mani di Le jardin féerique , ancora Glass, un brano in stile Boogie Woogie per due pianoforti e un'ultimo breve e divertente a quattro mani. Pubblico entusiasta e continue uscite sul palcoscenico con meritati applausi.

1 maggio 2022 Cesare Guzzardella

A volte le cose belle ritornano. Basterebbe questo per descrivere il concerto che sabato 7 maggio riporterà in scena Emmanuel Tjeknavorian nella veste di direttore e Giulia Rimonda in quella di violino solista – accompagnati dalla fedelissima Orchestra Camerata Ducale – al Teatro Civico di Vercelli (ore 21, concerto in abbonamento). Ritornano, proprio così. Perché Tjeknavorian è già stato in questa stagione ospite del Festival (per l'occasione come violinista), e perché entrambi si sono resi protagonisti nella scorsa edizione di un altro memorabile concerto. Questa è dunque una nuova tappa di un sodalizio artistico tra due musicisti giovanissimi, un concerto che dimostra come la genuina voglia di “fare musica” sappia davvero superare ogni confine: Giulia è infatti il talento di casa al Civico, dove ha debuttato in tenerissima età, ed Emmanuel parte dalla sua Vienna per portare la sua musica in mezzo mondo. Quando si è così giovani – lei è da poco ventenne, lui ventisettenne – un anno può fare una grande differenza. Non c'è dunque da stupirsi se, dopo un primo concerto già molto denso dal punto di vista musicale, in vista di questo appuntamento i due protagonisti hanno deciso di alzare ancora “l'asticella”, proponendo un programma di incantevole bellezza, ma indubbiamente di notevole impegno. La serata si aprirà infatti con Tjeknavorian a dirigere Rimonda in una vera e propria colonna del repertorio violinistico universale, ovvero il meraviglioso Concerto in mi minore op. 64 di Mendelssohn. Un'opera che richiese al suo autore ben sette anni di lavoro, e che riesce a incarnare mirabilmente quell'appassionato lirismo e quella capacità di rinnovare la tradizione che è il segno inconfondibile della grande musica romantica. A seguire, Tjeknavorian dirigerà l'Orchestra Camerata Ducale in un'altra composizione che possiamo definire “monumentale”, ossia la Sinfonia n. 3 di Beethoven, nota a tutti come l'Eroica. Opera sulla quale sono stati scritti fiumi di parole, e della quale possiamo ricordare ora che, sia per i contenuti musicali sia per la vicenda della dedica, prima concepita e poi negata, a Napoleone, rappresenta una svolta fondamentale nella definizione del ruolo dell'artista e del suo rapporto con la storia, con gli eventi, insomma con il mondo che lo circonda. Un concerto che rappresenta dunque uno dei momenti più significativi dell'intera stagione, e che si rivolge a tutti gli appassionati della grande musica, in particolare ai più giovani.

1 maggio 2022 dalla redazione

Una serata di particolare interesse quella di ieri sera in Auditorium con la Sinfonica Verdi e il direttore musicale Claus Perer Flor. Particolarmente attrattivo il brano di L.v. Beethoven con il suo Triplo concerto in Do maggiore per, violino, violoncello e pianoforte op.56, interpretato da tre giovani solisti affermati internazionalmente quali la violinista Francesca Dego, il violoncellista Edgar Moreau ed il pianista Filippo Gorini. Una composizione, quella del genio tedesco, concepita tra il 1803 e il 1804, con frangenti di altissima qualità espressiva, dove il concertato tra i tre solisti protagonisti raggiunge alte vette espressive. L'ottima direzione di Flor e l'avvincente restituzione orchestrale dell'Orchestra Verdi, ha esaltato gli interventi solistici con un violino, quello della Dego, perfettamente integrato con gli altri due strumenti e con rilevanti interventi solistici; con un violoncello, quello di Moreau, voluminoso e melodicamente efficacissimo e con un pianoforte, quello di Gorini, preciso e controllato nella perfetta sincronia d'intervento. L'unità d'intenti del trio e la resa complessiva hanno contribuito a rendere il concerto di alto livello espressivo. Il pubblico presente ha apprezzato l'esecuzione tributando al termine calorosi applausi e determinando le numerose uscite in palcoscenico dei protagonisti. Bellissimo il bis concesso dai tre virtuosi con un brano di Schumann dai Pezzi fantastici, il n.3, Duetto. Il concerto beethoveniano era stato anticipato da un cameristico lavoro di Mozart: la Serenata n.10 in Si bem. maggiore K361 "Gran Partita". Sette movimenti interpretati molto bene da undici strumenti a fiato e da un contrabbasso, tutti strumentisti della Verdi. Un'esecuzione accurata, nel tipico stile d'intrattenimento del genio salisburghese, per un brano concepito intorno al 1783. Applausi sostenuti. Questa domenica alle 16.00 la replica. Prossimo concerto invece per il 28 aprile, con repliche il 29 e il primo maggio. In programma le ultime tre sinfonie di Mozart. Da non perdere.

23 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Uno dei più importanti interpreti di musica del '900 e contemporanea, ha portato in Conservatorio, in una serata organizzata dalla Società del Quartetto, la musica di Johann Sebastian Bach. L'impaginato prevedeva l'esecuzione completa del Libro Secondo BWV 870-893 del Clavicembalo ben temperato, monumento musicale del genio tedesco, che oltre ad avere uno scopo didattico, essendo universalmente eseguito dagli studenti di Conservatorio, rappresenta una delle più alte opere di Bach. I ventiquattro Preludi con le relative Fughe - oltre due ore la durata complessiva d'esecuzione - sono stati equamente distribuiti in due parti, separate dal breve intervallo. Pierre-Laurent Aimard, francese, classe 1957, non ha bisogno certo di presentazioni, essendo tra i massimi specialisti al mondo di Stockhausen, Ligeti, Benjamin, Boulez, e di molti altri grandi nomi riferibili al Secondo Novecento e prima di loro anche di Messiaen. Il fatto che oggi porti nelle sale da concerto la musica di Bach dimostra la molteplicità degli interessi di un pianista che da giovanissimo, a meno di vent'anni, divenne il solista della parigina Ensemble Intercontemporain. Come interprete bachiano ci ha stupito. Con una mirabile tenuta tecnico- espressiva ha elargito un'interpretazione di altissimo livello in tutti i ventiquattro brani, considerando il Preludio e la Fuga come elemento unitario. Stupisce la capacità di Aimard di modulare il linguaggio stilistico e l'espressività in ciascuno dei ventiquattro numeri, creando una varietà incredibile di possibilità d'approccio e rendendo sempre nuovo l'evento sonoro. Splendidi i Preludi, alcuni più celebri di altri, e ancor più mirabili le Fughe, interpretate con una chiarezza espositiva esemplare nel fare emergere le singole voci, i contrappunti e la complessa logica costruttiva del sommo Bach. Dai momenti di sobria riflessione di alcuni preludi alle repentine e leggere discorsività di altri, tutti ci sono apparsi di pregio, e le fughe, ricche di chiarezza e di accenti nell'esposizione del tema, hanno trovato un intreccio nelle ripetizioni tematiche con escursioni dinamiche esemplari. Un esempio di grande Bach quello di ieri sera, che grazie alle mani fatate di Aimard e alla sua intensità riflessiva ed espressiva, ha fatto trascorre le oltre due ore di musica rapidissimamente. Un concerto memorabile, per un interprete applaiditissimo dal pubblico presente in Sala Verdi. Splendido il bis concesso con un brano esemplare di Ligeti, Autunno a Varsavia - il n.6 dal primo volume di Studi- in perfetta concordanza con il Bach ascoltato per i livello delle strutture costruttive e polifoniche, anche se dal carattere tragico. Dedicato da Aimard alle vittime della tragica guerra in Ucraina, come da lui detto poteva essere titolato Autunno a Kiev o a Maripoul. Splendida serata.

5 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli

È tornato il Don Giovanni mozartiano per la regia di Robert Carsen. Sono passati oltre dieci anni dalla medesima messinscena, allora diretta da Daniel Barenboim. Nella rappresentazione vista ieri sera, la terza, il Teatro alla Scala al completo e gli applausi tributati al termine, testimoniano ancora una volta la riuscita complessiva di un'opera che trova nell'insieme degli interventi artistico-musicali la sua rilevante riuscita. A partire dalla direzione dello spagnolo Pablo Heras-Casado per una visione equilibrata della partitura, molto rispettosa delle voci e qualitativamente di rilievo interpretativo. Le scene minimali di Michael Levine e i validi costumi di Brigitte Reiffenstuel erano perfettamente funzionali all'ottima regia di Carsen- autore anche delle luci insieme a Peter Van Praet. Una regia studiata per dar corpo attoriale sostenuto alle voci. I protagonisti in palcoscenico, molto in movimento e spesso in unione con le comparse e l'ottimo coro preparato da Alberto Malazzi, hanno riempito le scene spesso spoglie con lo sfondo di grandi quinte che rappresentavano il teatro. Valido il gioco di specchi subentrato in alcune scene nei due lunghi due atti. Di ottima qualità il cast vocale, completamente diverso rispetto all'edizione del 2011 e alla ripresa del 2017. Hanno reso per timbrica e voluminosità tutti i cantanti, ad iniziare da Christopher Maltman, un Don Giovanni con voce perfettamente impostata ed efficace presenza scenica. Stessa validità per Alex Esposito, voce incisiva e presenza scenica brillante quella del suo Leporello, il più applaudito. Sul versante femminile decisamente di qualità Hanna-Elisabeth Muller, una Donna Anna di grande presenza con voce ricca di colori e impositiva nel porgerla. Ottima attrice. Di qualità Emyli D'Angelo, una Donna Elvirà elegante con timbro adeguato al ruolo efficace attorialmente. Valida Andrea Carrol, una piacevole Zerlina, con valida emissione ed intonazione e ben presente in scena. Ancora sul versante maschile, di eccellente fattura la timbrica di Bernard Richter, un Don Ottavio perfetto nel porsi. Bravo Fabio Capitanucci in Masetto e rilevante vocalmente Günther Groissböck un Comendatore impositivo in scena e anche dal palco centrale illuminato insieme a tutto il Teatro. Numerosi i riusciti fuori scena con movimenti anche tra il pubblico presente. Applausi fragorosi a tutti i protagonisti. Prossime repliche per il 2, 5, 10 e 12 aprile. Da non perdere! ( Foto di Brescia - Amisano dall'Archivio del Teatro alla Scala)

1 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Una straordinaria intesa tra due strumentisti quella vista ed ascoltata ieri sera in Conservatorio al concerto organizzato da Serate Musicali. Gli estrosi musicisti, il violoncellista inglese Steven Isserlis ed il pianista finlandese Olli Mustonen, hanno trovato unione in quattro brani per violoncello e pianoforte, resi ottimamente con linguaggio personale ed estremamente espressivo. Iniziando con Felix Mendelssohn (1809–1847) e le Variazioni concertanti in re maggiore op.17, i due da subito sono entrati in sintonia: il pianista con la sua nota tecnica personale, brillante ed efficace, molto precisa nella pur evidente gestualità; il cellista con un'intensa melodicità in perfetta sinergia con le armonie pianistiche. Il virtuosistico brano, composto nel 1829 dal grande lipsiano, ha visto cambiamenti repentini nelle otto variazioni del delizioso tema iniziale, rese molto bene dal duo. Decisamente interessanti i due brani successivi. La Sonata per violoncello e pianoforte del pianista e compositore Olli Mustonen (1967) è del 2006 e, nei suoi quattro movimenti, - Misterioso, Andantino, Precipitato, Con visione - è un esempio felice di musica contemporanea, cosa non scontata. La scrittura, comprensibile, in ambito tonale con momenti di interessanti e ricercate dissonanze, rivela riferimenti storici che vanno da Stravinskij o Prokofiev a certo Messiaen ed altri ancora. La parte pianistica, ricca di virtuosismi espressi in modo chiaro da Mustonen, ha trovato appoggio dall'intensa melodicità di Isserlis, che è entrato perfettamente nel suo importante ruolo. Un ottimo lavoro, meritatamente apprezzato dal numeroso pubblico presente in Sala Verdi con applausi convinti. Il brano successivo, del ceco Bohuslav Martinů (1890-1959), ha destato altrettanto interesse ed è stato reso mirabilmente. La Sonata per violoncello e pianoforte n.3 è del 1952 ed è molto legata al folclore ceco. La costruzione, in tre movimenti, è nel tipico linguaggio del compositore che partendo dal neoclassicismo del primo Novecento , trova una personale modalità espressiva, resa bene dal duo. Il brano che ha concluso il bellissimo impaginato era quello più noto: la Sonata n.3 in la maggiore op.69 di L.v.Beethoven (1770-1827). Originalissima l'interpretazione del duo, con una personalizzazione, in senso virtuosistico e ritmico, valida e caratterizzante. Applausi sostenuti dal pubblico e un bis concesso con un brano intensamente melodico della compositrice francese Cécile Chaminade (1857-1954), Sommeil d'Enfant (1907).

22 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Un cambio di programma, per motivi legati alla positività-covid, ha visto la sostituzione del gruppo cameristico Ensemble Festa Rustica che doveva presentare il recente Cd sul compositore Francesco Antonio Vallotti, con un ottimo interprete quale il ventiseienne pianista Diego Petrella. Di lui avevamo già parlato in occosione di un concerto del 2020 in Conservatorio. Vincitore del Premio del Conservatorio di Milano nel 2019 e di altri prestigiosi Concorsi internazionali, il bolognese Petrella ha ancora rivelato le sue ottime qualità eseguendo con maestria J.S.Bach. Mario Marcarini, musicologo, organizzatore e discografico, ha anticipato il breve concerto parlando di Bach e dei suoi contemporanei al numeroso pubblico intervenuto nella sala degli Amici del loggione della Scala. Petrella ha eseguito l' Ouverture in Stile francese n.1 in si minore BWV 831 con padronanza tecnica e rilevante espressività. Due i bis concessi prima con Scriabin e il Poema op.32 n.1 e poi Chopin con un Notturno . Applausi sostenuti da tutti i numerosi presenti e delizioso brindisi con un eccellente vino bianco.

21 marzo 2022 Cesare Guzzardella

21 marzo 2022    dalla redazione

Applausi meritati al Teatro alla Scala a conclusione della settima ed ultima rappresentazione dell'opera più celebre di Francesco Cilea (1866-1950), Adriana Lecouvreur. Cilea, nato a Palmi in Calabria, fu autore non fecondo, ma con l’Adriana ebbe notorietà internazionale. Questi ha il merito di aver composto un’opera, nel 1902, molto ricca di raffinate melodie, un passo avanti rispetto al Verismo e se pur con ambientazione settecentesca, con sonorità a volte decadenti non lontane da Wagner o da R.Strauss, ma soprattutto dal sapore pucciniano, con una componente orchestrale con rilevante valenza sinfonica. Sonorità che anche in un allestimento tradizionale, come quello visto ieri sera in un teatro gremito di pubblico, ha ancora una valida ragione di essere apprezzato. La riuscita messinscena, come spesso, accade è dovuta al complesso delle interazioni di tutte le componenti artistiche. La valida regia di David McVicar -ripresa da Justin Way-, le ottime scenogafie di Charles Edwards con i costumi settecenteschi di Brigitte Reiffenstuel, le adeguate luci di Adam Silverman e le corrette coreografie di Andrew George, hanno trovato unione con la riuscita componente musicale, dall'ottima direzione di Giampaolo Bisanti, al suo debutto scaligero e applauditissimo, al coro sempre eccellente di Alberto Malazzi e, naturalmente, al cast vocale che ci è apparso di alto livello, con una punta nella coinvolgente voce di soprano di Maria Agresta. Un'Adriana, la sua, bravissima anche attorialmente con bel timbro, chiaro e delicato ma all'occorrenza incisivo e voluminoso. Yusif Eyvazov è stato un Maurizio Conte di Sassonia vocalmente adeguato in tutti i registri con valide qualità attoriali. Notevole la presenza scenica di Judit Kutasi, una Principessa di Bojillon con voce molto voluminosa ma anche limpida e particolarmente ricca di espressività. Validi Alessandro Spina, adeguato Principe di Bouillon e Carlo Bosi, l’Abate di Chazeuil. Notevole Corbelli in Michonnet. Questi ha sostituito all'ultimo momento Ambrogio Maestri indisposto. La sua splendida capacità attoriale ha ben integrato la sua rilevante vocalità. Bravi tutti gli altri, ballerini compresi. Un'Adriana Lecouvreur che ha degnamente espresso il capolavoro teatrale di Francesco Cilea. Da ricordare! Prossima opera Don Giovanni, dal 27 marzo al 12 aprile con sette rappresentazioni. (Prime due foto di M. Brescia e Amisano- Archivio Scala)

È iniziata oggi la 16°edizione del Festival 5 Giornate dedicato alla musica contemporanea. Si svolge prevalentemente nel bellissimo spazio dedicato al Museo del Novecento di Milano per l'organizzazione musicale di Alessandro Calcagnile e di Rossella Spinosa. Oggi il programma prevedeva la presenza del gruppo cameristico New Made Ensemble in brani di Manzoni, Sani, Ambrosini, Solbiati, Fedele e Sciarrino. Paolo De Gaspari al clarinetto e Rossella Spinosa al pianoforte hanno introdotto il concerto con un lavoro significativo di Giacomo Manzoni del 1988, Frase per pianoforte e clarinetto. È un breve brano, ottimamente sostenuto dai due validi interpreti, dove le solide timbriche dello strumento a tastiera- con effetti anche nella cordiera- si alternano ai timbri ricercati del clarinetto, ricchi di effetti coloristici ottenuti con una ampia varietà di modi d'approccio ai timbri. Particolarmente valida l'interpretazione. Gli altri cinque brani erano per solo strumento solista. Prima il flauto contralto, con l'ottima Birgit Nolte impegnata in Dialoghi Migranti di Nicola Sani, un lavoro dove anche la gestualità è utile nel definire le soffici e discrete volumetrie, poi il clarinetto basso di De Gaspari per un corposo pezzo di Claudio Ambrosini denominato Capriccio, detto l'ermafrodita; quindi ancora il flauto con un brano di Alessandro Solbiati, "As if to land.." , lavoro che come il precedente si snoda utilizzando lo strumento in una gamma di possibilità totale tra suoni tondi ed effetti ben miscelati nella marcata linea compositiva. Di altrettanta efficacia il successivo brano, sempre per clarinetto basso, di Ivan Fedele denominato "High- memoriam Miles Davis". Vuole essere un omaggio al grandissimo trombettista e, la maggior melodicità del lavoro, se comparata ai brani precedenti, trova anche relazioni col mondo jazzistico. Precisa e dettagliata l'interpretazione. A conclusione un originale brano per flauto di Salvatore Sciarrino, Immagine Fenicia, suonato molto bene e caratterizzato da una sorte di note ribattute e ripetute quasi a creare un effetto eco. Applausi sostenuti ai tre interpreti al termine. Domani alle ore 17.30 il secondo appuntamento con brani di Sani, Castiglioni e Scelsi. Altri appuntamenti previsti i giorni successivi sino al 22 marzo, ultima delle 5 giornate di Milano. Da non perdere.

18 marzo 2022 Cesare Guzzardella

17 marzo 2022 Cesare Guzzardella

16 marzo 2022 Cesare Guzzardella

15 marzo 2022 Cesare Guzzardella

È tornato alla direzione dell'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi" Giuseppe Grazioli, direttore milanese che abbiamo molte volte ascoltato in repertori a lui cari, come quelli dedicati al compositore Nino Rota. Ieri sera due compositori francesi hanno animato il palcoscenico dell'Auditoriun di Largo Mahler: prima George Bizet con una selezione di suite da l'Arlésienne (1872), poi Francis Poulenc con La voix humaine( 1958),dal testo di Jean Cocteau che ricordiamo essere stato il riferimento del Gruppo dei Sei, di cui il compositore faceva parte. Due lavori molto diversi, che hanno in comune solo l'eleganza e la raffinatezza musicale tipica dei francesi. Il voluminoso impatto sonoro dell'Ouverture della prima serie di Suite ha rivelato subito la splendida musica di Bizet, giocata su un'evidente capacità d'orchestrazione delle bellissime melodie popolari che l'Arlésienne ritrova. La musica, negli otto momenti scelti per le due serie di suite, descrive con taglio deciso l’evoluzione dei personaggi della popolare vicenda ambientata in Camargue, nei pressi di Arles. Grazioli con una direzione decisa, esuberante e particolareggiata, ha plasmato ottimamente gli splendidi orchestrali della Sinfonica Verdi, rilevanti in ogni sezione dell'orchestra, una compagine spesso fragorosa nell'insieme, come anche nella seducente Marcia finale di Farandole, ma con momenti di pacato lirismo cameristico come nell'Andantino e nel Menuetto dalla seconda suite. Dopo l'intervallo c'è stato un deciso cambio di registro con la celebre piece per voce recitante e orchestra del secondo parigino, Poulenc. La semplice ed elegante messinscena era curata dalla regista Louise Brun, mentre protagonista in scena, il soprano francese Alexandra Marcellier. Nell'unico atto, la donna, raffinata ed elegante, è impegnata costantemente in una telefonata amorosa che alterna momenti affettuosi ad altri di crescenti contrasti, ricchi di tensione, sino alle parole finali con quell'affranto «Je t’aime» ripetuto più volte. Poulenc ha in modo geniale espresso musicalmente l'originale testo di Cocteau, e l'integrazione tra la voce, quasi sempre in recitazione ma con frangenti di alto lirismo vocale, e le pregnanti sonorità orchestrali, è emersa splendidamente grazie all'avvincente direzione di Grazioli e alle qualità attoriali e vocali della Marcellier. Una voce, la sua, con timbrica perfettamente adatta al ruolo de " La voix humaine ". Applausi fragorosi al termine con uscite ripetute dei protagonisti. Bravissimi. Domenica, alle ore 16.00, l'ultima replica. Assolutamente da non perdere.

12 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Tre sono i validi motivi d'interesse per il concerto de I Pomeriggi Musicali ascoltato ieri sera e in replica sabato alle ore 17.00: la presenza di un direttore d'orchestra donna, cosa oramai pittosto frequente, ma che ancora incuriosisce; l'inserimento nell'impaginato di un brano di una compositrice che rarissimamente si ascolta; un giovanissimo pianista per un concerto mozartiano. Valentina Peleggi, che ricordiamo essere Direttore Musicale della statunitense Richmond Symphony Orchestra e Direttore Musicale Ospite in Brasile del Theatro de Opera São Pedro, ha infatti diretto l'Orchestra de Pomeriggi Musicali in tre brani tra i quali l'ultimo della francese Louise Farrenc (1804- 1875), con la sua Sinfonia n.3 in sol minore op.39. La Farrenc è stata all'epoca una celebre pianista di livello internazionale e come compositrice, autrice di brani pianistici, cameristici e di tre sinfonie riscoperte solo negli ultimi decenni. Il brano forse più atteso della serata è stato probabilmente il secondo con il Concerto n.13 per pianoforte e orchestra in do minore K 415 di W.A.Mozart per via del giovanissimo pianista milanese Antonio Alessandri, interprete quindicenne allievo di Davide Cabassi. Ad introdurre il concerto, l' Ouverture la Bella Melusina di F. Mendelssohn ha rivelato la spigliatezza del direttore nell'affrontare un brano tipico del musicista tedesco per energia profusa e naturale discorsività. L'ingresso sul palcoscenico del Dal Verme di Antonio Alessandri ha certamente destato interesse sia per la giovene età dell'interprete che per la scelta di un brano non facile del grande salisburghese. Antonio ha affrontato i tre movimenti con straordinaria disinvoltura, fornendo un'interpretazione di ottimo livello, con valida resa stilistica, tecnica fluida ben collaudata, sicurezza e grande musicalità. Certamente un pianista che va seguito nella sua evoluzione nei prossimi anni. Energico il bis concesso con lo Studio n.8 in fa maggiore op.10 di F. Chopin. La Sinfonia n.3 della Farrenc ha visto una valida interpretazione della trentanovenne direttrice. È un lavoro che risente molto dell'influenza beethoveniana con uno sguardo nel romanticismo soprattutto mendelssohniano. Notevole il terzo movimento, Scherzo.Vivace, di incredibile energia musicale e con una calibratissima resa dinamica. Applausi convinti a tutti i protagonisti. Come accennato, sabato la replica. Da non perdere.

11 marzo 2022 Cesare Guzzardella

10 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Pianista affermato internazionalmente, il quarantanovenne inglese Paul Lewis ha scelto un impaginato diversificato per il suo recital tenuto ieri sera in Sala Verdi al Conservatorio milanese. La prevalenza di brani beethoveniani, con due celebri sonate quali la Patetica (1799) e l'Appassionata (1804-5), eseguite all'inizio e alla fine del programma ufficiale, rivela la passione per il genio di Bonn, compositore prediletto nella sua imponente discografia insieme a Schubert (non presente nell'impaginato). Tra la Sonata n.8 in do minore op.13 e la Sonata n.23 in fa minore op.57 di Beethoven, brani di Sibelius, Debussy e Chopin hanno messo in risalto ulteriori qualità dell'interprete. Valida l'interpretazione delle due sonate, con i momenti migliori nell'Adagio cantabile e nel Rondò nella Patetica e nell'Allegro ma non troppo nell'Appassionata. Abbiamo trovato rilevanti qualità espressive nelle rare Sei Bagatelle op.97 (1920) di Jean Sibelius ed eccellenti nel successivo Children's Corner (1906-8) di Claude Debussy, sei brani destinati a giovani interpreti di apparente facilità, resi da Lewis con una raffinata esposizione coloristica e un perfetto equilibrio costruttivo. Di buona fattura il suo Chopin con la Polonaise-Fantasie op.61 (1846). Due i bis concessi con un ottimo Felix Mendelssohn dalle Romanze senza parole, il n.1 op.19 e il n.3 op.53 eseguiti con fluida e raffinata discorsività. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico presente i sala. Prossimo concerto il 15 marzo con il Quartetto Emerson.

9 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Prossimi appuntamenti: - sabato 8.1.2022, h. 21.00, Teatro Civico di Vercelli, concerto in abbonamento del Viotti Festival, Gloria Campaner, pianoforte eseguirà la Suite bergamasque di Debussy e i 24 preludi, op.28 di Chopin; - sabato 15.1.2022, h. 21, Teatro Civico di Vercelli, Benedetto Lupo, pianoforte e la Camerata Ducale Junior eseguiranno di Schumann Quintetto in mi b maggiore, op. 44 e di Brahms il Quartetto in do minore n.3 op. 60, concerto fuori abbonamento

29-12-2021 dalla redazione

22 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

Torna puntualmente a Milano in Conservatorio il pianista Roberto Cappello per i concerti organizzati da Serate Musicali. Questa volta per un impaginato dove il virtuosismo pianistico era rappresentato dalla figura del grande pianista-compositore Franz Liszt. Un programma interamente legato a Liszt, ma con un riferimento ad un altro grande genio dell'Ottocento musicale quale Franz Schubert. Tra le centinaia di trascrizioni o rielaborazioni fatte dal musicista ungherese su brani di altri compositori, certamente quelle sui lieder di Schubert occupano una parte rilevante. Il concerto, oltre novanta minuti di musica senza intervallo, ha trovato inizialmente otto lieder di Schubert nella trascrizione pianistica di Liszt, al quale si aggiunge l'Ave Maria eseguita a conclusione della splendida serata. Dopo i primi otto brani, due corposi lavori completamente di Liszt, Après un lecture du Dante: Sonata quasi una Fantasia e Bénédiction de Dieu dans la Solitude, hanno ancor più evidenziato la componente virtuosistica legata a Liszt e naturalmente espressa con efficace resa interpretativa dal pianista salentino. Cappello ha affrontato l'impegnativo impaginato con evidente concentrazione e profonda penetrazione del complesso materiale sonoro, esaltando la fondamentale parte melodica dei canti schubertiani in un contesto armonico deciso e limpido nelle timbriche espresse. La trasparenza dei piani sonori ha messo in risalto le melodie schubertiane in tutti i lavori, alcuni di essi maggiormente noti, come Sei mir gegrübt, Erkönig, Standchen ( la celebre Serenata) o l'altrettanto celebre Ave Maria. La perfezione tecnico-espressiva di Cappello ha messo in risalto ogni dettaglio, ben evidenziato nella solida costruzione architettonica. Di particolare intensità espressiva anche i due brani interamente di Liszt dove Cappello ha rivelato un taglio scultoreo nel definire le fragorose volumetrie spesso presenti, ma anche un modo sottile e raffinato d'espressione nei frangenti di più pacata discorsività, come nel secondo brano lisztiano. Una sequenza di brani scelti con coerenza, per una cifra stilistica che ha pochi uguali nel panorama pianistico internazionale. Un interprete che ricordiamo avere iniziato la folgorante carriera solistica nel lontano 1976 con la vittoria del prestigioso "Concorso Internazionale Ferruccio Busoni". Applausi fragorosi in una Sala Verdi purtroppo non al completo.

21 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

18 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

17 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

16 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

È ritornato Mikhail Pletnev ai concerti organizzati da "Serate Musicali" in Conservatorio. Questa volta per un "tutto Chopin", con una dozzina di brani tra Polacche, Notturni, Fantasie e Barcarola. Un pianista che, come sempre, si presenta statuario, con poca mimica e molta sostanza. Certo, Pletnev è Pletnev, nel senso che il suo modo di esprimersi è talmente personale da non essere che lui l'interprete di riferimento. Il problema è che il riferimento dovrebbe essere Chopin, l'amatissimo Chopin, storicizzato da molti eccelsi interpreti, e invece spesso troviamo Pletnev-Chopin, con il primo in maggiore evidenza del secondo. Premesso che ci troviamo di fronte ad un mostro di bravura, per quanto concerne il dominio assoluto della tastiera, il controllo delle dinamiche, dei timbri, di ogni dettaglio. Pletnev ha pochi rivali nel mondo dei grandi pianisti, che è inutile elencare. Insomma, quello che ha fatto il pianista russo è certamente un allargamento della prospettiva che consideriamo nell'ascoltare il grande Polacco. Uno Chopin iper-sfaccettato con frangenti eccelsi, che lasciano sgomenti per bellezza timbrica e raffinatezza di pensiero, come in quasi tutti i Notturni eseguiti, a cominciare da quello più celebre, il Notturno in mi bem. maggiore op.9 n.2, bello da togliere il respiro. Altri brani, come le Polacche Op.26 n.2 o Op.53, la Fantasia op.49, la Polonaise-Fantasie op.61 o la Barcarola op.60, fanno riflettere perchè Pletnev, in questi, porta l'ascoltatore dove vuole lui, facendo spesso dimenticare Fryderyk Chopin. Ma lui può permetterselo. Esemplare il bis concesso di Moszkowsky, l'Étude op.72 n.6. Applausi fragorosi dal numerosissimo pubblico intervenuto.

14 dicembre 2021  Cesare Guzzardella

Un programma di particolare interesse quello voluto dal direttore d'orchestra inglese Wayne Marshall, con brani di Dupré, Poulenc e Bizet per un concerto denominato "A tutto organo" , ascoltato all'ultima replica domenicale in Auditorium. L'Ochestra Sinfonica G.Verdi di Milano ha trovato la corposità delle timbriche di un grande organo, suonato dallo stesso Marshall, per esprimere un qualcosa che si ascolta raramente. Il Concerto per Organo, orchestra d'archi e timpani del parigino Francis Poulenc, brano composto tra il 1934 e il 1938, era in posizione centrale nell'impaginato, come lo era il bellissimo organo posizionato al centro del palcoscenico. Marshall ha introdotto in solitaria il concerto con un lavoro organistico di Marcel Dupré denominato Cortège et Litanie op.19 n.2, dove ha rivelato oltre alle sue eccellenti qualità di organista, anche la varietà dei registri dello straordinario strumento a tastiera - ben tre tastiere più la pedaliera - per un brano composto dal francese nel 1922 per undici strumenti, poi trascritto per questo strumento. È un lavoro breve, di circa sette minuti, dal carattere religioso, sapientemente restituito nei colori dal solista. Di maggiore particolarità il Concerto per Organo, orchestra d'archi e timpani di Poulenc. Lo stile caratteristico e unico del compositore parigino si trova condensato in questo eclettico brano in sette movimenti, dove gli intensi volumi timbrici dell'organo sono a volte in contrasto e a volte complementari, con le timbriche degli archi. Elemento d'unione tra le corpose masse sonore dell'organo e degli archi è quello dei fondamentali timpani, inseriti nei momenti cruciali della bellissima composizione. Eccellente la resa strumentale di Marshall alle tastiere e contemporaneamente anche alla direzione. Di grande effetto il bis solistico concesso da Marshall con una trascrizione organistica, probabilmente dello stesso direttore , di Jingle Bells.  Dopo l'intervallo l'esecuzione della luminosa e scorrevole Sinfonia n.1 in do maggiore di Georges Bizet - un altro compositore francese- ci ha fatto tornare indietro negli anni al 1855. Bizet aveva solo 17 anni è componeva la sua unica sinfonia, un lavoro in quattro movimenti di raffinata e ricca liricità ed esemplare orchestrazione, interpretato splendidamente dalla Sinfonica Verdi e dalla decisa bacchetta di Wayne Marshall. Splendido concerto!

13 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

Il debutto dell'Orchestra Sinfonica Giovanile  di Milano ha riscosso un meritato successo all'Auditorium di largo Mahler. Formata da giovanissimi strumentisti, alcuni neo-diplomati, altri con ancora studi in atto, viene seguita da tutor della Sinfonica Verdi come lo storico primo violino Luca Santaniello, e ha prossimamente in programma altri importanti concerti. Nell'impaginato del tardo pomeriggio di ieri, due i brani in programma: il Concerto per Violino e Orchestra n.1 K 207 di Mozart e la Sinfonia n.7 Op.92 di Beethoven. Nel giovanile concerto mozartiano una violinista di primo livello e di notorietà internazionale quale Francesca Dego ha sostenuto ottimamente la parte solistica, e l'Orchestra, diretta molto bene da Andrea Oddone, ha integrato con qualità altrettanto valida, le eccellenti escursioni melodiche della Dego. La resa complessiva è stata ottima. Francesca ha poi concesso un bis solistico con un brano composto, e a lei dedicato, da Carlo Boccadoro. Il compositore, pianista e direttore d'orchestra milanese ha scritto Come d'autunno per violino solo ispirandosi dalla nota poesia di Ungaretti. Un brano di non facile discorsività eseguito con maestria dalla violinista, con momenti di evidente virtuosismo. Dopo il breve intervallo, la nota Sinfonia in la maggiore del genio di Bonn ha rivelato ancor più le qualità dei giovani orchestrali. La grintosa direzione di Oddone ha trovato una valida risposta in ogni sezione della più ampia compagine orchestrale che, dopo l'energico Allegro con brio finale, ha strappato fragorosi applausi al numeroso pubblico intervenuto. Eccellente debutto!

12 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

La seconda serata dell’attuale stagione del Viotti Festival di Vercelli, prevedeva, ieri sera , sabato 11/12, secondo il programma ufficialmente pubblicato, l’esibizione al Teatro civico del Quartetto Adorno. Cause di forza maggiore hanno costretto quest’ultimo alla rinuncia, ed è stato sostituito da una delle più interessanti formazioni cameristiche ‘emergenti’ oggi in Italia, il Trio Chagall. Fondato a Torino nel 2013 dai giovanissimi Edoardo Grieco (violino), Francesco Massimino (violoncello) e Lorenzo Nguyen ( pianoforte), si è già fatto apprezzare in molte prestigiose sale della penisola, ottenendo numerosi riconoscimenti, tra i quali il più recente e significativo è il secondo premio (il primo non è stato assegnato) alla XX edizione dell’importante concorso “Trio di Trieste”. Molto interessante il programma con cui il Trio Chagall si è presentato al pubblico vercellese: a un inizio beethoveniano, con il Trio in Do min. n.1 op.3, è seguita una brusca virata sulla musica contemporanea, rappresentata da una composizione di Mauricio Kagel del 2001 , il Trio n. 2 in einem satz (in un movimento), per risalire agli anni venti del ‘900 con un’opera giovanile di D. Shostakovic, il Trio n.1 op.8 in do minore, composto nel 1923. Un impaginato costruito ‘ad anello’, dunque: all’inizio l’esordio nel genere Trio di un gigante del XIX secolo, alla fine il Trio d’esordio di un gigante del XX secolo. In mezzo, il linguaggio polimorfo, non riconducibile a un indirizzo o a una corrente dominante, proprio della musica contemporanea ‘postmoderna’. Non è facile ascoltare composizioni del ‘900, figurarsi poi del nostro tempo, nelle sale da concerto del Piemonte orientale e dunque grande è la nostra gratitudine a questi tre giovani dello Chagall e alla Camerata Ducale che li ha ospitati, per avercene offerta l’occasione! Fin dalle prime note del trio di Beethoven, l’ascoltatore è colpito dal suono che contraddistingue, in tutti e tre gli strumenti, il Trio Chagall: è un suono di straordinaria eleganza, fatto di pulizia, raffinata chiarezza delle linee strumentali, perfezione dialogica dell’insieme. A queste eccellenti qualità va aggiunta un’attenzione accurata ai timbri e alle dinamiche, subito messa alla prova dallo strano primo tema dell’Allegro con brio iniziale del trio beethoveniano, articolato in due sezioni agogicamente assai diverse, con una dinamica sfumata tra il piano e il pianissimo, resa con grande efficacia dai tre strumentisti. Questo Trio ‘battezza’ la tonalità di do minore, quale Beethoven la concepì nel suo c.d. “primo stile”, come voce di un’espressività improntata a un patetismo profondo, non privo di intensità drammatica: dunque il banco di prova ideale per verificare le capacità interpretative dei tre giovanissimi membri del Trio Chagall. Il tono generale con cui questo primo capolavoro beethoveniano è eseguito dai tre giovani interpreti è quello di un patetismo soffuso e vibrante, che tende, soprattutto nel Prestissimo finale, ad alleggerire i momenti più tempestosi della composizione, per privilegiare, con un sottile, quanto delicato gioco sui timbri e sulle dinamiche, il gioco dialogico tra le sezioni strumentali, ricondotto a un limpido equilibrio formale. Il punto più alto, anche emotivamente, di questa esecuzione è raggiunto col secondo movimento, un Andante, consistente in un tema di suggestiva cantabilità, seguito da cinque variazioni. Qui tutte le possibili combinazioni dialogiche fra i tre strumenti sono sfruttate con sapienza dal compositore: salvo la prima variazione, in cui a dominare è il pianoforte, nelle altre i tre strumenti sono posti su un piano di assoluta parità, in un colloquio incessante e sempre vario. Di questo movimento il Trio Chagall ha valorizzato al massimo, in funzione intensamente espressiva, la varietà timbrica, in cui il violino spiccava per una calda dolcezza, il violoncello colpiva per la morbidezza delicatamente brunita del colore, il pianoforte brillava con suono di impeccabile nitore, nel fluido disegno di biscrome della terza variazione, così come nel denso accompagnamento sincopato della quarta. A suggellare questo meraviglioso pezzo l’incantevole dolcezza che il Trio Chagall ha impresso alla coda, in un gioco di raffinati arabeschi, prima al pianoforte, poi al violino. Un’interpretazione assolutamente convincente, dunque sotto il profilo sia tecnico, sia espressivo, indice di una maturità e di una cultura musicale che non può non lasciare stupiti in giovani che hanno da poco superato i vent’anni. Il Kagel del Trio n.2, che ha la tragica particolarità di essere stato terminato nel pomeriggio dell’11 settembre del 2001, è certamente un Kagel piuttosto lontano da quello che era stato il compositore legato alle espressioni più radicali delle avanguardie musicali degli anni ’50-’60 del secolo scorso, in particolare sotto l’influenza di Cage e Stockhausen. E’ un Kagel che ha fatto i conti colla svolta del postmodernismo, con un recupero almeno parziale della tonalità, la contaminazione tra ‘alto’ e ‘basso’ nell’arte ( nel caso di questo trio, ad esempio, l’allusione al tango subito dopo momenti di sublime tragicità ‘classica’), il confronto con la tradizione. Il Trio n.2 presenta nel suo unico movimento, una notevole densità di materiale musicale, sviluppato con rapsodica libertà, ma, a ben guardare, si tratta di un Tema con variazioni: si apre infatti con uno sghembo ritmo di marcia, che più o meno affiora costantemente, trasfigurato, nel corso di tutto il pezzo. Il colore del suono cambia, soprattutto quello del violino, che deve assumere fin da subito, un timbro acido, quasi sgradevole, che si riverbera anche, attirandoli a sé, sul violoncello e sul pianoforte. Il trio di Kagel vede un alternarsi continuo di ritmi e di dinamiche, come una musica sempre sul punto di esplodere: i momenti per noi più coinvolgenti, ed eseguiti magnificamente dai tre interpreti, sono quei momenti lunari, avvolti in un’atmosfera come di attonita stupefazione, nei quali i tre strumenti mandano un suono flebile, quasi un messaggio disperato a un destinatario ignoto, fuori dallo spazio e dal tempo.Ma in generale i tre interpreti sono bravissimi a dar voce a quell’esuberanza musicale caratteristica di questopezzo e alla tensione che si nasconde sotto la sua superficie. Davvero un’ eccellente esecuzione, che ha suscitato lunghi e convinti applausi da parte di un pubblico non certo abituato a questo tipo di musica. Quanto all’ultimo brano in programmo, il Trio n.1 op.8 di Shostakovic, si tratta di ‘un ‘pezzo di baule’, presenza pressoché stabile nel repertorio del giovane Trio Chagall. Anche questo in un solo movimento, presenta una successione libera di momenti musicali, sull’esempio delle ‘Serenate’ settecentesche. Si apre con un tema pensoso e triste, cui segue immediatamente, per contrasto un tema più vivace, dal ritmo incalzante (anche qui sembra di riconoscere l’allusione ad un ritmo di marcia): è dunque già subito presente il contrasto che caratterizzerà sempre la musica migliore di Shostakovic, e che si esaspererà negli anni cupi dello stalinismo trionfante; il contrasto tra una musica che sa raggiungere abissi d’angoscia e una apparentemente più estroversa e ‘allegra’, ma di un’allegria amara e ironica. A partire da questo attacco, il trio prosegue con un’alternanza continua di sezioni di diverso andamento agogico. Osiamo definire stupenda l’esecuzione del Trio Chagall: citiamo, tra i momenti più coinvolgenti, il tema di ‘ninna nanna’, all’incirca al centro della composizione, esposto dal violoncello con una struggente intensità lirica senza pari; di poco successivo, un tema eroico, affidato prevalentemente alla mano sinistra del pianoforte, mentre la destra, ribatte un ostinato, cui sa dare il giusto colore di martellante disperazione; verso la fine, ciclicamente, la ripresa del tema introduttivo, in cui è il violino a spiccare con una melodia improntata a una tristezza velata, di sapore elegiaco. Ma ovviamente a rendere superba l’interpretazione di questo brano è il dialogo, sempre calibratissimo e sicuro, fra i tre strumenti, in cui ha spesso un ruolo di riferimento imprescindibile l’eccellente pianoforte di Lorenzo Nguyen. Gli applausi del pubblico, numeroso, anche se, coi tempi che corrono, i sold out dell’era precovid sono purtroppo un ricordo, hanno spinto il Trio Chagall a concedere un bis: anche questo un brano di Shostakovic, il primo dei cinque pezzi per due violini e pianoforte, in cui la parte del secondo violino è trascritta per il violoncello. Ignoriamo, francamente, se la trascrizione si debba allo stesso autore o ad altri. Certo è che, a paragone con l’originale, saremmo portati a preferire questa versione, che non avevamo mai ascoltato: si tratta di un breve pezzo, simile, per sentimento ispiratore, al primo, malinconico tema del Trio n.1 e interpretato altrettanto bene. Degno congedo di una serata di musica bellissima, che va ad aggiungersi alle tante che la Camerata Ducale ci ha regalato in questi anni. ( Foto dall'Ufficio Stampa di Vercelli)

12 dicembre 2021 Bruno Busca

Che terminasse con un'ovazione era pressoché scontato. Il pianista cinese Lang Lang è considerato oramai da molti anni un mito del pianismo mondiale. I suoi concerti, in ogni teatro, esauriscono rapidamente i biglietti disponibili. Così è successo anche ieri sera alla Scala. Un teatro completamente al completo, ha ospitato un pubblico eterogeneo, con presenti molti connazionali del pianista. Il programma incentrato nel genere "variazioni", prevedeva le celebri Variazioni Goldberg di J. S.Bach anticipate dall'Arabesque di Robert Schumann, un altro brano dove all'esposizione di un tema, qui ripetuto molte volte, segue una serie di variazioni. Certamente il contrasto tra i due lavori, il primo con evidenti riferimenti romantici, e il più corposo secondo, dove la costruzione razionale raggiunge vertici assoluti, si è notato. Il linguaggio, autenticamente personale, di Lang ha comunque creato una giusta unione dei due lavori. Le Goldberg sono un punto d'arrivo di moltissimi grandi pianisti, la maggior parte erano o sono specialisti di Bach. Lang Lang, noto per la varietà del suo repertorio, ha ben affrontato il tema e le trenta variazioni del capolavoro bachiano che, a secondo degli interpreti, variano notevolmente nella durata complessiva, e parliamo anche di oltre dieci minuti in più o in meno. Ben novanta minuti, secondo in più o in meno, la durata delle Goldberg, complete di ritornelli, di Lang-Bach. La dilatazione del tempo nell'Aria iniziale, ripetuta poi alla fine, e in molte delle variazioni, è certamente la caratteristica principale del suo Bach. L'escursione delle volumetrie con alcuni pianissimo quasi impercettibili, e i tenui contrasti, hanno intensificato la riflessività di alcune variazioni, in opposizione ad altre con tempi rapidi, ricche di accenti e con taglio netto e preciso. Indubbiamente Lang Lang ha mostrato di avere idee molto chiare in merito al suo Bach e le sue capacità di controllo, in ogni aspetto dinamico e timbrico sono fuori discussione. In molti frangenti, maggiormente negli andamenti rapidi, ha raggiunto dei vertici interpretativi dove il suo pianismo "creativo" , il suo Lang-Bach è risultato evidente. Il pubblico, dopo oltre cento minuti complessivi di religioso silenzio, con l'ultima nota ha dato sfogo ad applausi interminabili e Lang Lang, uscito più volte in palcoscenico, ha concesso due bis, il primo con "Jasmine Flower" da un canto tradizionale cinese e quindi il celebre beethoveniano Per Elisa, nell'apprezzabile dilatata versione ancora "alla Lang Lang". Ovazioni al termine e parecchie decine di cellulari per fotografarlo.

4 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

2 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

L'altro ieri in Sala Verdi una grande interprete come la Virsaladze, ieri, sempre in Conservatorio, un'altra grande come la pianista portoghese Maria João Pires. Un concerto straordinario quello organizzato dalla Società del Quartetto, con una Sala Verdi finalmente colma di pubblico, anche mediamente più giovane del solito. L'eccellente pianista, che non ascoltavo a Milano dal 2016 - quell'anno con due concerti, di cui uno alla Scala- ci ha fatto completamente dimenticare che in Sala Verdi ci sarebbe dovuto essere un altro grande interprete quale Daniil Trifonov, purtroppo indisposto, ma come dice un vecchio detto "non tutte le sfortune, sono sfortune". La Pires ha impaginato un programma ottimo, con brani noti ed importanti. Prima Schubert con la Sonata in la maggiore D 664, poi Debussy con la Suite Bergamasque e dopo il breve intervallo, Beethoven con la Sonata n.32 in do minore op.111. Tocco magico quello della Pires, ricco d'espressività e di una musicalità mutevole in rapporto al carattere del compositore. L'impatto iniziale con Schubert ha espresso un'interprete dal tocco leggero, asciutto e ben articolato nella progressione dinamica, con una tavolozza di colori ampia e completa che riesce a variare l'intensità volumetrica in modo eccelso. Le piccole imperfezioni non hanno assolutamente compromesso l'alto livello interpretativo. Ancor più efficace il suo Debussy, con una vetta nel celebre Clair de lune, interpretato magistralmente, con un'intensità espressiva mediata dalle splendide pause riflessive di chi è capace di ascoltarsi. Un Debussy robusto, scavato con il giusto discreto uso del pedale. Splendido! Di qualità, ricco di forza, il suo Beethoven con la celebre ultima sonata. La prorompente tensione iniziale ha trovato il giusto contrappeso con l'etereo finale definito da quei trilli interminabili espressi con maestria dalla pianista settantasettenne. Aveva già eseguto l'Op.111 nel febbraio 2016, in Sala Verdi, e come allora siamo rimasti entusiasti. Breve, ma di qualità il bis concesso, con l'Adagio cantabile centrale della Sonata "Patetica" beethoveniana. Applausi scroscianti, con molto pubblico in piedi e il sorriso soddisfatto della grande interprete.

24 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Da alcuni anni la pianista Zlata Chochieva è una costante presenza in Conservatorio ai concerti organizzati da Serate Musicali. Zlata è nata a Mosca ma è residente da tempo a Berlino. Ieri sera, in Sala Verdi, ha impaginato un programma di particolare interesse per la composizione dei brani scelti, alcuni di rara esecuzione. La maggior parte sono rielaborazioni o trascrizioni fatte da grandi pianisti del passato - e non solo pianisti- , quali Franz Liszt, Ignaz Friedman e Sergej Rachmaninov. Nella parte centrale della serata, la corposa suite in cinque parti Miroirs op.43, di Maurice Ravel, era l'unico lavoro originale. Brani di Grazioli, Bach, Mahler, Schubert, Mendelssohn e Gartner, quasi tutti estrapolati da lavori più ampi, sono stati ripensati virtuosisticamente dai pianisti-compositori sopracitati e hanno trovato in Zlata Chochieva un'inteprete eccellente per qualità espresse. La virtuosa, allieva in passato anche di Pletnev, ha rivelato facilità interpretativa anche nei frangenti più complessi. I brani, presenti anche in un suo recente Cd, si sono succeduti senza la classica interruzione di metà concerto. Il primo era un rarissimo Adagio, da una sonata per clavicembalo di G.B.Grazioli ( 1746-1820), trascritto da Ignaz Friedman (1882-1948), storico interprete che frequentò i corsi di Ferruccio Busoni. Il celebre Allegro iniziale, dal Concerto Brandeburghese n.3 di J.S.Bach- rivisto ancora da Friedman- ha rivelato ancor più le qualità virtuosistiche ed espressive della Chochieva. Dopo l'ottimo Tempo di Minuetto dalla Terza Sinfonia di Gustav Mahler, sempre nella trascrizione di Friedman, la pianista ha rivelato sensibilità ai colori di Ravel nelle celebri Miroirs, composti dal francese tra il 1904 e il 1905. Un'interpretazione precisa, sicura, all'insegna della delicatezza e della tenue espressività. Di ottimo livello anche i tre lieder di Schubert rivisti da Liszt, precisamente Wohin?, Litaney e Auf dem Wasser zu singen. Ancor più coinvolgente il lied di Mendelssohn-Liszt Auf Flügeln des Gesanges. A conclusione del programma ufficiale, prima un impeccabile Scherzo dal mendelssohniano Sogno di una notte di mezza estate, nella virtuosistica trascrizione di Rachmaninov e poi, dalle rarissime Sei danze viennesi di Eduard Gartner (1862-1918), il Tempo di Valse lente rivisto sempre da Friedman. Fragorosi gli applausi del pubblico intervenuto in Sala Verdi, purtroppo non numerosissimo, e due i bis concessi dalla bravissima e bella interprete: prima la nota Gopak di M.Musorgskij- Rachmaninov e quindi una rarissima, iper-virtuosistica e stravolgente Toccata del francese Pierre Sancan (1916- 2008). Ancora applausi fragorosi. Da ricordare

9 novembre 2021 Cesare Guzzardella

7 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Prosegue al Teatro alla Scala la messinscena de La Calisto di Francesco Cavalli. Il teatro d'opera post-monteverdiano è tornato a risplendere con questo lavoro in un Prologo e tre Atti, su libretto di Giovanni Faustini, tratto dalle Metamorfosi di Ovidio. Presentata a Venezia al Teatro Sant'Apollinare nel 1651, si rivela ben 370 anni dopo a Milano, con l'ottima regia di David McVicar, con le valide scene di Charles Edwards, i costumi d'epoca secenteschi di Doey Lüthi e l'avvincente direzione musicale di Christophe Rousset -tra i massimi esperti di repertorio barocco- alle testa di una formazione orchestrale che ha unito strumentisti dell'Orchestra del Teatro alla Scala con i suoi dei Les Talens Lyriques, tutti impegnati su strumenti storici. La terza rappresentazione, ascoltata e vista ieri sera, ha rinnovato il successo delle precedenti. La coerenza di un lavoro estremamente unitario nella molteplicità degli interventi - comprese le ottime luci di Adam Silverman, la coreografia di Jo Meredith, perfettamente inserita nel contesto scenografico, e anche i non pochi ed efficaci video di Bob Vale- ha contribuito in modo sostanziale alla riuscita di quest'opera barocca, certamente di non facile lettura per la molteplicità di angolazioni da cui può essere osservata ed analizzata. Le argomentazioni trattate, di straordinaria attualità pur appartenendo alla mitologia classica, spaziano tra erotismo, abusi di potere con relative punizioni, metamorfosi e tradimenti. Gli interventi attoriali di tutti i protagonisti, spesso resi ancor più efficaci dai ridondanti ed eccellenti costumi, non sono da meno rispetto alle ottime voci del valido cast internazionale. Cast che ha avuto modo di rivelarsi ancor più grazie alla passerella che corre attorno alla buca dell’orchestra, collegando il palcoscenico alla platea. Tra i cantanti, tutti di qualità, segnaliamo almeno il soprano israeliano Chen Reiss nei panni della protagonista, Calisto. Sensuale e leggera ha voce con bel timbro, luminoso e limpido in tutti i registri. Autorevole, con timbriche scure ed incisive, Giove nella voce del basso Luca Tittoto. Di qualità per il modo diretto di comunicare, il Mercurio del baritono Markus Werba; Olga Bezsmertna è un'ottima Diana, un soprano ricco di sonorità specie nei timbri più alti.(Foto di Brescia - Amisano- Arch. Scala)Molto apprezzato dal pubblico presente in teatro il controtenore Christophe Dumaux, un Endimione timbricamente espressivo e ben inserito nel suo ruolo. Perfettamente a suo agio nel severo costume, il soprano Véronique Gens si è rivelata una Giunone particolarmente valida. Di imponente presenza scenica ha espresso una timbrica chiara, asciutta e determinata. Di spessore e meritevoli tutte le altre numerose voci presenti. Ricordiamo le prossime recite previste per il 10 e il 13 novembre. Uno spettacolo assolutamente da non perdere.

6 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Un bel regalo il Concerto Straordinario donato al pubblico scaligero, in sostituzione dei concerti sinfonici programmati per il 3 e il 4 novembre al Teatro alla Scala e improvvisamente cancellati. "(...) Un caso sospetto di positività al Covid-19 nella Staatskapelle Berlin è stato rilevato nel pomeriggio e la direzione del Piermarini, in accordo con la Staatsoper Unter den Linden, ha scelto di rimandare a data da definirsi la prevista integrale delle quattro Sinfonie di Brahms per garantire la massima sicurezza ad orchestrali, maestranze scaligere e pubblico ...".Questo il messaggio arrivato: e immediata è stata la risposta del grande direttore ed eccelso pianista,che ha deciso di anticipare a ieri sera il concerto con le ultime tre Sonate di Beethoven, precisamente la n.30 op.109 in Mi maggiore, la n.31 Op.110 in La bem.maggiore e la n.32 op.111 in Do minore. Tre capolavori che, al pari degli ultimi quartetti per archi o della Sinfonia n.9, rappresentano la fine di un ciclo di produzioni in cui vengono raggiunte le più alte vette artistiche. Daniel Barenboim, ritornato al Teatro alla Scala - quello che alcuni anni fa era diventato il suo Teatro - ha condiviso con gli ascoltatori la forza dirompente delle ultime sonate pianistiche del genio tedesco. Una forza espressa dal direttore-pianista con un'apparente discrezione nei volumi sonori, un taglio stilistico tenue, che ha reso altresì evidente l'interiorizzazione totale degli elementi melodici e armonici. Piccole smagliature, peraltro rarissime, non hanno certo influito sulla resa intensamente espressiva delle tre celebri composizioni. Il pianista argentino ha fatto vivere al pubblico presente alcuni momenti di altissime esternazioni, in un contesto complessivo di elevata rielaborazione musicale. Rimarrà un ricordo indelebile il chiarissimo finale dell'op.111, magnificamente intenso e conclusivo. Nessun bis dopo le straordinarie ultime note, ma solo fragorosi e lunghissimi applausi, ad accompagnare le numerose uscite in palcoscenico del Maestro. Eccellente serata!

5 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Il pianista moscovita Boris Petrushansky ha tenuto ieri sera un recital per la Società dei Concerti in Conservatorio, affrontando due lavori importanti, impegnativi e corposi di Robert Schumann e di Modest Musorgskij. Davidsbündlertänze op.6, del musicista tedesco, eseguita nella prima parte del concerto, è una serie di diciotto brevi miniature composte nel 1837. Sono nel pieno stile romantico del compositore. I Quadri di un'esposizione, del grande compositore russo, datano invece 1873. L'ampia suite fu ispirata dai disegni e dagli acquerelli prodotti da Hartmann e destinati poi ad una grande mostra dalla quale Musorgskij prese ispirazione per realizzare il celebre lavoro. Rapprentano un deciso allontanamento dal linguaggio romantico. Due lavori molto in contrasto tra loro che il pianista russo, che da molti anni vive in Italia dove opera anche attraverso un'intensa attività didattica nella nota scuola specialistica di Imola, ha voluto unire in un medesimo impaginato, probabilmente per dare al concerto una possibilità di ascolto diversificato. Petrushansky ha evidenziato, ancora una volta, le sue eccelenti qualità espressive attraverso letture particolarmente analitiche che mettono in risalto gli elementi strutturali dei lavori. I tempi sono spesso dilatati, a vantaggio di una chiarezza espressiva che evidenzia i dettagli, e i colori sono apparsi, in entrambe le composizioni, molto nitidi. Esecuzioni quindi valide e personali . Specie nei Quadri, il noto interprete ha restituito la sua anima musicale russa attraverso una ricchezza di particolari e di contrasti evidenti. Il pubblico ha decisamente apprezzato l'ottima performance pianistica del Maestro, tributando fragorosi applausi al termine del programma ufficiale. Petrushansky ha concesso poi ben tre bis: di S.Prokofiev Suggestioni Diaboliche, di Claude Debussy Minstrels e, a conclusione, di Domenico Scarlatti la Sonata "Pastorale" K 9. Ottime interpretazioni. Da ricordare.

4 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Finalmente è tornato Rudolf Buchbinder in Sala Verdi, nel Conservatorio milanese, per un concerto organizzato dalla Società dei Concerti. Buchbinder, tra i più assidui pianisti presenti alle serate della nota società concertistica, ha voluto ritornare al suo amato Beethoven con le celebri 33 Variazioni su un Walzer di Diabelli op. 120. La serata ha avuto motivo di grande interesse anche per l'anticipazione musicale avvenuta nell' ambito del The Diabelli Project. Un progetto voluto da Buchbinder per omaggiare Diabelli, comissionando nuove variazioni sul celebre tema a 12 compositori contemporanei. Ieri sera sono state eseguite quattro variazioni rispettivamente di Brett Dean (1961, di Toshio Hosokawa (1955), di Tan Dun (1957) e di Jörg Widmann (1973). Lavori interessanti e molto differenti tra loro. Di grande impatto timbrico la prima di B.Dean e decisamente scherzosa la parodia elaborata da J.Widmann. A questo momento di "musica contemporanea", sempre nella prima parte della serata, ha fatto seguito l'esecuzione di Variazioni sul tema di quattro musicisti del periodo di Diabelli quali Kalkbrenner, Liszt, Schubert e Czerny, tutte pregievoli e ottimamente interpretate dal pianista austriaco. Dopo il breve intervallo, l'ascolto delle più celebri Diabelli Variations beethoveniane, ha fatto ancora una volta apprezzare, al numeroso pubblico di Sala Verdi, le qualità di Buchbinder. Interprete celebre per la sua assiduità nel frequentare le opere dei grandi autori classici della prima Scuola di Vienna, anche nelle Diabelli ha rivelato la sua cifra stilistica di grande interprete. La sintesi discorsiva operata nell'eseguire le 33 variazioni non è stata dsgiunta da fluidità ed espressività. Vette molto elevate sono state raggiunte in moltissime variazioni, dove il perfetto equilibrio delle dinamiche e i rilievi espressivi sono stati mediati da tocco leggero e luminosissimo. Grande interpretazione! Al termine un bis concesso con un eccellente Improvviso di Schubert, il N.4 dall'op.90. Da ricordare.

28 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

27 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

26 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

L'interessante concerto che ha visto in tarda serata le mani, su una tastiera di pianoforte, di Monica Cattarossi e di Emanuela Piemonti, prevedeva brani di Kurtág-Bach, Brahms-Schumann e Beethoven. Brani importanti adattati a "quattro mani", in un pianoforte "orchestrale" per le estensioni che venivano ricoperte. Prima quattro Corali d'organo di Bach trascritti sapientemente dal musicista ungherese Gýorgy Kurtág (1926) quali O Lamm Gottes, unschuldig, Alle Menschen müssen sterben, Allein Gott in der Höh'sei Her e Aus tiefer Not schrei ich zu dir; quindi dell'amburghese, Dieci variazioni op.23 sul "Geister thema", "tema degli spiriti" di Robert Schumann. La parte finale del concerto era riservata a Beethoven, con una superba trascrizione della Grosse Fuge in si bem.maggiore op.134, dalla versione originale per Quartetto d'archi (op.133). Di qualità l'interpretazione ascoltata in Sala Puccini, alla presenza di un numeroso pubblico. Il duo a quattro mani ha rivelato un'ottima intesa nel sostenere le sottili timbriche dei differenti brani di Bach, come la maggiore tensione dinamica di Brahms e ancor più nella coinvolgente op.134 di Beethoven, composta dal grande genio tedesco in piena sordità. Applausi sostenuti al termine e come bis ancora un Kurtág-Bach dalla Cantata BWV 106 "Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit" (Il tempo di Dio è il tempo migliore). Ottima serata.

25 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Poco più di duecento anni fa venne rappresentato al Teatro alla Scala "Il turco in Italia". Era il 1814, l'insuccesso di quest'opera rossiniana seguiva al grande interesse suscitato invece dalla più rappresentata "Italiana in Algeri". Negli anni '50 Gavazzeni, la Callas e Zeffirelli cambiarono i giudizi del pubblico e della critica riportando in scena un'opera che venne poi, più recentemente, rivalutata con le interpretazioni di Riccardo Chailly alla fine degli anni '90. La ripresa scaligera di questi giorni, per la direzione musicale di Diego Fasolis, la regia di Roberto Andò, le scene di Gianni Carluccio, i costumi di Nanà Cecchi e i video di Luca Scarzella, riportano l'interesse per questa divertente e riuscita messinscena. Due atti, su libretto di Felice Romani, che oltre alle voci di qualità, rivelano anche le abilità attoriali dei protagonisti. È una valida rappresentazione quella vista ieri sera, con situazioni di rilievo nel secondo atto, quando la componente corale ha un ruolo più esposto ed entrano in scena tutti i protagonisti. Diego Fasolis ha ben diretto la compagine orchestrale, senza mai eccedere nelle volumetrie, e dando il giusto spazio alle voci soliste, voci complessivamente di ottimo livello. Punto di forza è il soprano Rosa Feola, timbricamente perfetta nel ruolo di Donna Fiorilla, con intonazione equilibrata nella sua estensione vocale disinvolta ed incisica. Bravissima anche attorialmente. ( Foto di Brescia e Amisano - Archivio Scala) Di qualità anche il Selim di Erwin Schrott, un basso voluminoso e dinamicamente articolato. Di spessore anche il Geronio di Giulio Mastrototaro, con un fuori scena su un palco molto apprezzato dal pubblico presente in teatro. Ottimi la Zaida di Laura Verrecchia, il Don Narciso di Antonino Siragusa, applaudito fragorosamente nell'aria principale, il Prosdocimo di Alessio Arduini e anche Albazar di Manuel Amati. Prossima recita, l'ultima, per lunedì 25 ottobre. Da non perdere.

23 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

È finalmente tornata in Conservatorio la violinista Anna Tifu. Da alcuni anni è ospite immancabile della Società dei Concerti e ieri, in una Sala Verdi con molto pubblico, ha trovato ad attenderla un brano particolarmente diffuso anche nella rivisitazione operata dal compositore-musicista britannico - nato in Germania- Max Richter (1966). Ci riferiamo alle Quattro Stagioni vivaldiane denominate, nella nuova veste, "Vivaldi recomposed". È un'operazione interessante e molto piacevole quella operata dal musicista inglese nel 2012, un lavoro eseguito in tutto il mondo e che ieri ha trovato per l'esecuzione l'eccellente Orchestra d'Archi di Padova e del Veneto diretta per l'occasione da Biagio Angius, uno specialista nel settore contemporaneo. L'ottima interpretazione ha messo in rilievo le qualità di Anna Tifu, che in modo determinato, con grinta e con splendide timbriche, si è unita ai colori ricchi di sfumature dell'orchestra d'archi. La composizione è una sorta di rivisitazione in chiave " minimalista" dei dodici movimenti che compongono le celebri Stagioni. I temi, tutti riconoscibili e spesso assimilabili all'originale lavoro, subiscono cambiamenti in termini armonici e ritmici che mettono in risalto e rendono riconoscibile l'originale linguaggio estetico di Richter. Spesso i movimenti sono troncati in maniera brusca e altre volte terminano in modo sfumato. Applausi sostenuti al termine del brano e due i bis concessi: il primo nella ripetizione dell'energico Presto dall'Estate di Vivaldi-Richter e quindi un ottimo Bach con la celebre Sarabanda (Partita n.2) eseguita con espressività dalla violinista sarda. Nella parte introduttiva del concerto, l'Orchestra aveva ben interpretato il noto Adagietto dalla Quinta Sinfonia di G.Mahler e poi una novità compositiva di Alvise Zambon (1988) dal titolo "Un guardare senza confini" , un lavoro di circa dieci minuti per Orchestra d'archi, che sfrutta tutti i potenziali timbrici di questi strumenti, per una restituzione sonora di suggestiva presa emotiva. Da un inizio che utlizza i glissando degli archi, alla parte finale dove gli elementi più ritmici e maggiori contrasti tra le sezioni degli archi vengono messi in rilievo. Zambon con questo brano ha recentemente vinto il Concorso Nazionale di Composizione "Francesco Agnello", conferito da una giuria presieduta dal Maestro Salvatore Sciarrino. Ottimo lavoro.

21 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

20 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

L'Orchestra Cupiditas diretta da Pietro Veneri è approdata in Conservatorio per un concerto di estroversa resa musicale, con due lavori noti quali il Concerto in la minore per pianoforte ed orchestra Op.16 di Edvard Grieg e la Settima Sinfonia in la maggiore di L.v.Beethoven. Un programma certamente arduo, considerando la presenza di giovani orchestrali, tutti di età compresa tra i quattordici e i ventotto anni. Sono giovani motivati, provenienti dalle migliori scuole musicali toscane. A rendere ancor più attraente la serata è stata la partecipazione del pianista londinese Freddy Kempf, un virtuoso scoperto ed ospitato moltissime volte da Serate Musicali. Il Concerto in la minore di Grieg è certamente tra i più virtuosistici di quel genere. Kempf ha saputo dominare la tastiera esprimendosi con grinta e con un giusto equilibrio complessivo. L'ottima direzione di Veneri nel sostenere l'appoggio degli orchestrali, ha determinato un'interpretazione di eccellente qualità, dove l'elemento dominante, il pianoforte solista, ha trovato un aiuto nelle timbriche di ogni sezione dell'ampia orchestra, aiuto utile e appropriato. La forza espressiva del quarantaquattrenne pianista è visibile anche nella sua evidente gestualità, non fine a se stessa, ma funzionale all'ottenimento delle sue chiare e incisive timbriche. Di spessore la resa coloristica nel controllato contrasto delle dinamiche. Applausi fragorosi del pubblico al termine e decisamente bello il bis solistico con un Valzer di Chopin, l'Op.69 n.1, reso delicatamente e con profonda espressività. Il brano successivo, la Settima di Beethoven, ha dato la possibilità di osservare in modo più dettagliato l'operato dei giovani orchestrali. Valida la resa interpretativa complessiva, considerando le indubbie difficoltà da affrontare per un'interpretazione di un lavoro maturo e importante quale quello del genio tedesco. Bravi! Fragorosi applausi del numeroso pubblico intervenuto.

19 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

18 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

La nuova stagione musicale de I Pomerggi Musicali ha preso avvio ufficialmente ieri sera, al Teatro Dal Verme, con un interessante concerto sinfonico diretto da James Feddeck. Tre brani in programma, apparentemente molto diversi tra loro, ma volutamente legati ad un filo conduttore nella denominazione suggerita: "Racconti senza parole". F. Mendelssohn con la Suite op.61 da Sogno di una notte di mezza estate, Aaron Copland con la suite Appalachian Spring e Maurice Ravel col suo virtuosistico Concerto in Sol per pianoforte ed orchestra, si sono succeduti nella sala gremita di pubblico del Teatro Dal Verme. È da pochissimi giorni che è finalmente possibile occupare tutti i posti disponibili. Tre brani, che come avviene nei racconti, vorrebbero esplorare infinite situazioni, utilizzando, nel linguaggio musicale, una coerente successione di timbriche misurate e in relazioni tra loro. Tutti e tre i compositori presentati sono stati maestri di orchestrazione e ricercatori di colori adeguati per esprimere la loro arte. Adeguato e decisamente all'altezza di questi tre eccellenti lavori, è stato il direttore di riferimenti dell'orchestra "I Pomeriggi" James Feddeck. Questi ha affrontato con sensibilità, minuziosità e chiarezza espressiva i brani, forgiando un'orchestra ottima in ogni sezione strumentale. I numerosi interventi solistici- specie nel brano di Copland- sono apparsi perfetti nei chiari ed espressivi interventi. Dopo una valida interpretazione della Suite di Mendelssohn, siamo rimasti ancor più convinti del brano dell'americano Copland. Appalachian Spring, composto nel 1944, è un balletto dal quale l'autore ha ricavato una suite costruita splendidamente, di apparente facilità, che abbisogna invece di un equilibrio perfetto nelle parti orchestri, per una resa adeguata. L'ottima compagine e la calibrata direzione di Feddeck, hanno raggiunto l'obiettivo di qualità per l'interpretazione di un lavoro che andrebbe proposto maggiormente nelle sale da concerto. L'ultimo brano, il Concerto in Sol, del grande compositore e orchestratore francese, era probabilmente quello più atteso. Fondamentale la presenza di un solista al pianoforte quale il giovane Jae Hong Park, talentuoso virtuoso, fresco di vincita del Concorso Internazionale F. Busoni, uno tra i più prestigiosi al mondo. Park ha sostituito all'ultimo momento l'affermato Nicholas Angelich, indisposto. La prestazione del pianista ventiduenne sud-coreano, è stata eccellente, come adeguata la sinergia orchestrale. Oltre ad una disinvolta e sciolta abilità tecnica, che il brano impone, specie nell'Allegramente e nel Presto finale, Park ha fornito profonda espressività in tutto il brano. La precisione raffinata e la chiarezza nei dettagli dei frangenti più impervi, hanno trovato un'uguale resa estetica nel più apparantemente semplice Adagio assai, movimento centrale il cui lungo tema viene introdotto dal solo pianoforte per poi integrarsi con le tenui timbriche orchestrali. Park è un solista di indubbia eccellenza che ci auguriamo di ascoltare presto in un recital solistico. Di qualità i bis solistici concessi, entrambi di Claude Debussy. Prima La fille aux cheveux de lin e poi La cathédrale engloutie. Interpretazioni con perfetto dosaggio coloristico. Accorati applausi del pubblico a tutti i protagonisti. Sabato alle ore 17.00 si replica. Da ricordare.

15 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

La pianista cinese Ying Li ha vinto recentemente, meritatamente, il primo Premio Internazionale A.Mormone, concorso pianistico nato per commemorare la figura del fondatore e organizzatore della Fondazione La Società dei Concerti. Ieri sera, in Sala Verdi, abbiamo avuto l'occasione di riascoltare Ying Li in un classicissimo Mozart col noto Concerto per pianoforte e orchestra in la maggiore K488. Tre movimenti dove la parte solistica risulta fondamentale e trova il coronamento con una componente orchestrale che deve sottolineare ed esaltare gli interventi pianistici. Ying Li ha rivelato una particolare sintonia con Mozart, evidenziata da una perfezione tecnica di primo livello che definisce con chiarezza e bellezza di colore ogni frase. I momenti riflessivi del celebre Adagio sono stati ben delineati dalla pianista e la scorrevolezza dell'Allegro assai finale ha esaltato la carica energica della solista. Valida la componente orchestrale e la direzione del giovane Jonathon Heyward. Eccellente il bis concesso con l'Allegro dal Concerto Italiano di J.S.Bach e personale e ricco d'introspezione l'Intermezzo op.118 n.2 di J.Brahms proposto come secondo bis. Dopo il breve intervallo, rilevante la lettura orchestrale della giovanile Sinfonia n.1 in do maggiore di Beethoven, lavoro che trova nell'Allegro molto e vivace conclusivo il momento di maggiore esternazione e piacevolezza. Grintosa la direzione di Heyward in Beethoven ed ottimo ed energico il bis orchestrale con l'Ouverture mozartiana da "Le Nozze di Fogaro".

14 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Dopo due anni è tornato in Conservatorio, per inaugurare la nuova Stagione della Società del Quartetto, il direttore spagnolo Jordi Savall con i suoi Le Concert des Nations, una splendida orchestra che usa strumenti originali, molto riconoscibili nelle timbriche, specie nelle sezioni dei fiati. Il 21 ottobre del 2019, in epoca ante-pandemia, avevamo ascoltato Savall interpretare in modo eccellente le Sinfonie n.3 e n.5 di Beethoven. Ieri sera, in una Sala Verdi finalmente colma di pubblico, - da due giorni si possono occupare tutti i posti- si è ripetuto l'incantesimo con la Sesta Sinfonia in fa maggiore op.68 "Pastorale" e la Settima Sinfonia in la maggiore op.92. Come ho scritto la scorsa volta, siamo stati abituati alla frequentazione di Savall al Conservatorio milanese nel repertorio di musica antica o del '700, anche per poter ascoltare i colori strumentali d'epoca. Questi strumenti, soprattutto nella sezione dei legni e degli ottoni, sono stati utilizzati anche per Beethoven. Ancora due capolavori, definiti da momenti più cameristici, soprattutto nella Sesta, dove emergono le sonorità pure e autentiche dei legni, spesso suonati singolarmente o i tipici suoni "antichi" degli ottoni; in altri frangenti, una prorompente estroversione, come nei più voluminosi movimenti della Settima, ci portano al Beethoven più irrequieto, come nel geniale finale Allegro con brio, un movimento mozzafiato. La bellezza delle timbriche, la chiarezza dei singoli strumenti- tutti riconoscibili e perfettamente inseriti- gli equilibrati piani sonori, hanno ancora una volta reso le due interpretazioni di un livello di alta valenza estetica. Sono di nuovo emerse le profondità di pensiero del genio di Bonn e le qualità eccellenti della compagine orchestrale e del suo direttore. Savall prima del bis - il Minuetto dell'Ottava Sinfonia- ha voluto ancora ricordare l'avv. Antonio Magnocavallo, presidente per molti anni della prestigiosa Società del Quartetto. Splendida serata!!

13 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Ieri sera per le Serate Musicali, nella Sala Verdi del Conservatorio milanese - finalmente con un potenziale di posti fruibili al 100%-, è tornato il pianista polacco Piotr Anderszewski. Ha presentato un impaginato incentrato su J.S.Bach dove 12 Preludi e fughe dei 24 che compongono il Libro Secondo del Clavicembalo ben temperato erano in programma, da eseguire senza intervalli. I due libri del Clavicembalo, per complessivi 48 preludi e relative fughe, rappresentano un monumento di costruzione polifonica e armonica, utilizzato anche nella didattica per l'insegnamento degli strumenti a tastiera. È un' opera di straordinaria rilevanza estetica. Come già rilevato in precedenti concerti di Anderszewski dedicati a Bach, abbiamo trovato coinvolgente il livello interpretativo del pianista polacco. L'originale scelta di un ordine d'esecuzione che rispondesse ai propri gusti estetici è certamente adeguato. La sequenza era questa: N.1-12-17-8-11-22-7-16-9-18-23-24. (non ha eseguito però il n.12). La concentrazione assoluta, sottolineata anche dalla soffusa illuminazione del palcoscenico di Sala Verdi, con attenzione rivolta sulla tastiera dello Steinway, era funzionale alla messa in risalto delle splendide architetture musicali bachiane. Le dinamiche, ricche di contrasti, in un contesto esecutivo molto intimista, sono risultate eccellenti sia nei Preludi che nelle Fughe, esaltando sia i momenti più riflessivi che quelli di maggiore estroversione. I piani sonori e la sovrapposizione delle voci sono risultati di chiarissima resa all'ascolto. Certamente un Bach di altissimo livello quello di Anderszewski! Breve il bis e molto valida l'esecuzione, con il Preludio n.12 BWV 881 ( quello mancante dal programma ufficiale...ma non fa fatto la Fuga) con adeguata "personalizzazione" - in termini di fioriture- dell'eccellente interprete. Da ricordare a lungo.

12 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Il ritorno alla tradizione è ancora una volta presente nelle nuove rappresentazioni liriche. La nuova produzione del Teatro alla Scala del rossiniano Barbiere di Siviglia, opera in due atti su libretto di Cesare Sterbini, per la regia di Leo Muscato, sostituisce egregiamente la solida e quasi inespugnabile regia di Jean-Pierre Ponnelle - anche scenografo e costumista- che dal lontano 1969 e sino al 2015 -oltre 45 anni - ha imperversato al Teatro alla Scala. Ricordiamo che la prima rappresentazione del 9 dicembre 1969 di Abbado-Ponnelle, nella revisione critica di Alberto Zedda, venne offuscata dall'attentato di piazza Fontana avvenuto il 12 dicembre di quel anno, tragica vicenda che fece saltare le due rappresentazioni successive. La nuova regia di Leo Muscato, nel linguaggio della tradizione lirica, omaggia certamente Ponnelle e porta sostanziali cambiamenti. Muscato - regista teatrale da oltre vent'anni- si è avvalso delle riuscite scene di Federica Parolini, inquadrate in un' ampia cornice semi-circolare, dei costumi nella tradizione di Silvia Aymonino, dei ballerini classici della coreografa Nicole Kehrberger presenti in molte scene, della concezione delle luci non invasive di Alessandro Verazzi, unitamente alla unificante, italianissima e valente direzione di Riccardo Chailly. Modalità tradizionali, ma certamente di ottima fattura. La prima evidenza rilevata ieri sera, nella quarta e terz'ultima rappresentazione, è l'unità di lavoro di tutte le componenti artistiche. Un legame tra le parti piaciuto al numeroso pubblico intervenuto, ed unificato dalle novità inserite in messinscena, quali il teatro nel teatro con la preparazione del "L'inutil precauzione", i ballerini classici con Rosina in costume di danza, i numerosi interventi strumentali sul palco, ad iniziare dalla presenza di un'orchestra con Fiorello primo violino. Idee originali, potenziate dalla presenza di un ottimo cast vocale, ad iniziare dall'ancora unificante Figaro: timbro deciso, chiaro, corposo quello di Mattia Olivieri, la voce più applaudita. Ottime tutte le voci, con un Conte d'Almaviva-Lindoro elegante come Conte e dolce come Lindoro, nel timbro sottile e chiaro di Maxim Mironov. ( Foto di Brescia- Amisano- Archivio della Scala) Di spessore e timbricamente rilevante per bellezza la Rosina di Svetlina Stoyanova. Ottima la presenza vocale di Bartolo ovvero Marco Filippo Romano, sia nell'espressiva voce che nella chiara sillabazione; valido il limpido, anche se non troppo buffo, Basilio di Nicola Ulivieri. Bene anche Lavinia Bini in Berta e Costantino Finucci in Fiorello. Parte corale ben preparata da Alberto Malazzi. Chailly, come già detto, in grande forma, ad iniziare dall'Ouverture a sipario chiuso. Più evidente di un clavicembalo il Fortepiano di Paolo Spadaro Munitto e riconoscibile l'originale e raro strumento metallico a percussioni con funzione prevalentemente ritmica, denominato Sistro, progettato da Gioacchino Rossini per il suo “Barbiere di Siviglia”, ma scomparso subito dopo la prima di Roma nel 1816. Applausi intensi del pubblico e numerose uscite in palcoscenico dei protagonisti. Prossime recite - con utilizzo completo dei posti in teatro- per l'11 e il 15 ottobre. Da non perdere!

9 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

9 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

L'impaginato scelto dalla pianista pugliese Beatrice Rana per il bellissimo concerto ascoltato ieri sera ad inaugurazione della nuova Stagione concertistica della Società dei Concerti, ha messo in risalto i diversi approcci stilistici utilizzati per esprimere brani di compositori molto differenti. Nella prima parte erano presenti i Quattro Scherzi di Fryderyk Chopin, quindi, dopo il breve intervallo, il '900 di Claude Debussy con il 1°libro degli Etudes, e quello di Igor Stravinskij, con gli estroversi Trois Muovements de Petrouchka. Danse Russe, Chez Petruchka e Le semaine grasse compongono la versione pianistica, in tre parti, tratta dal celebre balletto per orchestra del russo. Ricordiamo che Chopin è in pieno '800, gli Scherzi datano dal 1831 al 1842, mentre Debussy, se pur nato nel 1862, compose i suoi due libri di Studi nel 1915, tre anni prima della sua morte parigina. Petrushka è invece del 1910-11 e la trascrizione pianistica ascoltata è del 1921. Gli ultimi lavori, gli Studi e Petrushka, rappresentano modalità nuove di intendere la musica pianistica, nelle quali la componente coloristica diventa dominante. Beatrice Rana ha affrontato tutti e tre i brani in programma con esemplare sicurezza, esprimendo in modo personale l'essenza musicale dei grandi compositori. L'impatto stilistico complessivo, ben determinato, ha rivelato piena maturità. La rilevante sintesi discorsiva emersa negli Scherzi di Chopin, con taglio netto e preciso nei frangenti più movimentati era in alternanza ai momenti di maggior riflessività delle parti centrali. Abbiamo ascoltato certamente qualcosa di nuovo in Beatrice nel modo d'intendere Chopin e certamente di rilevante qualità estetica. Ottimi anche i sei Studi che compongono il Primo Libro di Debussy, un Debussy molto moderno e precursore di nuovi linguaggi. I Tre Movimenti stravinskijani, eseguiti a conclusione del programna ufficiale, hanno ancor più esaltato le enormi qualità tecnico-espressive della Rana. I tempi rapidi, ma chiari e ricchi di dettagli, di questa eccellente interpretazione, hanno ben evidenziato l'idea complessiva del lavoro, idea restituita in alta qualità al numeroso pubblico presente. Sala Verdi del Conservatorio era al completo nei limiti imposti dalla pandemia. Eccellente il bis concesso con un riflessivo ed espressivo Notturno n.13 Op.48 n.1 di Chopin. Fragorosi applausi e numerose uscite della protagonista. Da ricordare a lungo

7 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

5 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Oggi è una delle pianiste più acclamate a livello internazionale; nel 2011, prima dellaconsacrazione al Van Cliburn, fu il fondatore della Società dei Concerti Antonio Mormone a capirne il talento e a farla debuttare in Sala Verdi con il Concerto di Tchaikowskj. A 9 anni già suonava con l’orchestra; a 18 già vinceva il concorso di Montreal; ma fu nel 2013, nella più selettiva competizione pianistica al mondo, la texana Van Cliburn, che Beatrice Rana fece prepotentemente irruzione sulla ribalta maggiore. Prima però, Antonio Mormone ne aveva già compreso il talento e l’aveva invitata alla Società dei Concerti: incantò il pubblico come solista nel primo concerto di Tchaikowskj. Da allora si è instaurato un rapporto profondo che trascende il mero fatto artistico; Rana ha confessato più volte il piacere nel tornare in Conservatorio per la Società che l’aveva lanciata, e questa volta lo fa con un programma di trascinante intensità: i 4 Scherzi di Chopin, manifesto della poetica musicale romantica, appena incisi nel suo nuovo premiato albumper Warner; i Tre movimenti da Petrouchka, brano di funambolico virtuosismo dove Stravinskij conferma la sua visionarietà rivoluzionaria; nel mezzo un’altra pietra miliare di inizio 900, il primo libro degli Etudes di Debussy, indagine immaginifica sulle nuove possibilità espressive, timbriche e coloristiche del pianoforte.( foto dell'ufficio stampa della Società dei Concerti)

LADRI DI NOTE in Sala Verdi il 6 ottobre al Conservatorio di Milano - Sala Verdi

Sarà il pubblico a scegliere il bis, chiedendolo agli interpreti. E lo ruberà, portandosi a casa la registrazione delle note appena ascoltate. Una originale, coinvolgente novità segna il cartellone 2021-22 degli storici “Incontri Musicali” della Società dei Concerti, quest’anno ospitati alla Palazzina Liberty. Sarà il pubblico a chiedere il bis, ma non semplicemente insistendo con gli applausi e ascoltando i classici encore che gli artisti sono soliti regalare dopo il programma ufficiale. Come accadeva nei grandi concerti del passato, quando Mozart doveva ripetere l’Adagio del suo Concerto in do minore o Beethoven l’Allegretto della sua settima Sinfonia, gli spettatori saranno chiamati a scegliere il preferito tra i brani o i movimenti dei brani appena ascoltati, e i musicisti lo riproporranno come bis. Un’esecuzione live unica che la Società dei Concerti registrerà e invierà per mail ai partecipanti: l’ascolto live, per sua natura estemporaneo e irripetibile, verrà così rubato e immortalato, così che si potrà riassaporare ad libitum l’emozione vissuta quella certa serata alla Palazzina Liberty.Ad inaugurare gli Incontri Musicali saranno Ludovica Rana (violoncello) e Maria Grazia Bellocchio (pianoforte). Gli Incontri Musicali furono creati da Antonio Mormone proprio per offrire ai giovani talenti un palcoscenico prestigioso per presentarsi sulla ribalta milanese. Fu il primo a intuire il talento della sorella di Ludovica, Beatrice, oggi considerata una delle più interessanti pianiste a livello internazionale. Ludovica aveva già inaugurato gli Incontri Musicali, accompagnata da Beatrice. Questa volta al suo fianco c’è Maria Grazia Bellocchio, pianista di grande esperienza, collaboratrice di Accardo, Filippini, Divertimento Ensemble.Rana e Bellocchio affrontano due capolavori della letteratura per violoncello e pianoforte: la quinta e ultima delle Sonate di Beethoven, dove il genio di Bonn, inoltrandosi in quello che la critica ha indicato come “terzo stile”, dal suo nuovo romanticismo guarda oltre il classicismo viennese e spinge lo sguardo fino al barocco, riprendendone la scienza polifonica, che qui pervade tutta la Sonata e modula il dialogo tra i due strumenti, fino a sfociare nel vertiginoso fugato a quattro parti del finale. Ed è sempre fonte di sorprese ascoltare i rari cimenti di Chopin construmenti diversi dal pianoforte: che qui è presente, ma per fondere il proprio timbro con quello del violoncello, in una ricerca non solo melodica ma di colori ed effetti di struggente suggestione. ( foto dell'ufficio stampa della Società dei Concerti)

1 ottobre dalla redazione

SETTEMBRE 2021

28 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Si è concluso ieri sera il ciclo pianistico "Preludi, la serie A del pianoforte", organizzato dalla Società del Quartetto, con un pianista autorevole quale Andrea Lucchesini. Classe 1965, il pianista toscano iniziò la sua carriera concertistica con la vittoria del Concorso Dino Ciani nel 1983. Il programma, interamente dedicato a Schubert, prevedeva i Tre Klavierstüke D 946 e la Sonata in la maggiore D 959. Notevole la qualità espressa da Lucchesini in entrambi i lavori. Un timbro chiaro e ricercato si è esternato nella precisa e lucida idea complessiva di questi capolavori. L'inesauribile ricchezza moledica del genio vennese è stata sostenuta da un'impalcatura pianistica solida, che ha delineato in modo sicuro tutte le componenti musicali delle articolate composizioni. In molti frangenti Lucchesini ha raggiunto altissimi vertici interpretativi , come nel superlativo Andantino della Sonata, dove le poche note che esprimono la semplice linea melodica, hanno visto una carica espressiva pregnante e di purezza assoluta. Lucchesini, nel rapportarsi con la musica del grande compositore ha rivelato importanti affinità che nella restituzione in sala da concerto, trova pochissimi rivali. Applausi calorosi in Sala Verdi e un inaspettato bis con una Variazione su un tema di Diabelli dello stesso Schubert. Da ricordare a lungo.

24 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Doppio concerto ieri al Dal Verme. Per il Festival MiTo, nel pomeriggio la novità era rappresentata dal giovane pianista di Kiev Dmytro Choni. Classe 1993, ha vinto nel 2018 il primo premio al Santander International Piano Competition ed ha avuto ottimi piazzamenti nei più importanti Concorsi. Ha presentato un programma incentrato su brani del primo Novecento di Debussy, Skrjabin e Rachmaninov e uno Studio (1985) di Ligeti. Il lavoro più preponderante era la nota Sonata n.2 op.36 del secondo russo, brano che ha concluso il programma ufficiale. Abbiamo molto apprezzato il pianismo di Choni, espresso con modalità interpretative che trovano nella grande scuola russa evidente riferimento. La leggerezza di tocco, non disgiunta da efficaci timbriche nei brani di Debussy, come in Et la lune descend sur le temple qui fût, (seconda serie di Images) o nel successivo L' isle Joyeuse, ha trovato in contrasto le disinvolte modalità espressive delle virtuosistiche Sonate n.4 op.30 di Skrjabin e soprattutto in quella citata op.36 versione 1931 di Rachmaninov. La robustezza e la plasticità del suo tocco, netto e preciso in ogni dettaglio, hanno portato ad espressioni di alto livello. Validi anche lo Studio n.5 di Ligeti e il più dolce e nitido Margaritki dall'op.38 sempre di Rachmaninov. Di qualità i bis proposti con uno splendido arrangiamento di Valzer viennesi e una energica scultorea Rapsodia op.79 n.2 di Brahms. Un pianista che certamente va riascoltato, speriamo presto. Nel concerto serale un fuoriclasse come il violinista Sergej Krilov ha trovato l'appoggio di un ottimo pianista come Michail Lifits per un impaginato diversificato e di eccellente qualità. In programna brani di Prokof'ev, Stravinskij, De Falla e Kreisler. Eccellente l'integrazione dei due strumentisti che con raffinata classe hanno espresso i numerosi numeri che compongono i Cinque canti senza parole op.35bis del primo russo, per procedere col Divertissement dal balletto stravinskiano Le baiser de la Fee. Sempre su toni pacati e di colori raffinati la Suite popolare spagnola di Manuel De Falla e a conclusione i classici, sia eleganti che virtuosistici, brani di Fritz Kleisler: La gitana, Caprice viennois e il profondo Preludio e Allegro. Applausi fragorosi al termine del programma ufficiale con un bis ancora di Kleisler. Dua concerti di ottima qualità.

23 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Il pianista milanese Luca Buratto ieri sera ha impaginato un programma di straordinario interesse, esegundo brani di compositori quali Chopin, Adès (1971), Couperin e Ravel. Una scelta ben strutturata dove in una prima parte l'alternanza di alcune Mazurche del grande polacco - op.7.n1, op. 24 n.2, Tre Mazurche op.50- alle Tre Mazurche op.27 di Thomas Adès ha evidenziato, oltre ai celebri brani chopiniani, le qualità espressive del compositore inglese che partendo dai colori e dagli accenti di Chopin, riscrive, con un personale e riconoscibile linguaggio, i suoi brevi ed espressivi brani. Dopo i primi meritati applausi del pubblico presente in sala, Buratto ha proposto Les folies françoises ou Les dominos di François Couperin, dodici barocche variazioni sul tema della follia spagnola, cui ha fatto seguito in modo continuo, la celebre Suite di Maurice Ravel Le tombeau de Couperin (1914-17), brano che con una scrittura dal sapore "antico" riscopre il collega francese nato ben due secoli prima. Buratto ha ancora una volta dimostrato le sue eccellenti qualità d'interprete. La perfezione nei dettagli, la chiara visione complessiva dell'insieme sonoro, in un contesto di equilibri decisamente strutturati e misurati, ha reso alta la qualità delle sue interpretazione. Oltre all'ottimo Chopin delle Mazurche, eseguite quasi di getto, decisamente valida la restituzione delle mazurche contemporanee, datate 2009, di Adès. Il convincente Couperin ha poi trovato una straordinaria continuazione nella suite di danze di Ravel, eseguita con fluidità e chiarezza espressiva nei pur rapidi andamenti, ben sei dal Prelúde iniziale alla Toccata finale. Un eccellente concerto quello ascoltato, con due rarità nei bis concessi: prima Schumann e poi ancora Adès. Da ricordare a lungo!

22 settembre 2021   Cesare Guzzardella

Due giornate di musica e cultura nel nome di Giovan Battista Viotti, il più importante compositore piemontese di sempre. 150 mini concerti "Face to Face" per un solo spettatore nel pomeriggio di sabato, in 5 giardini storici di Vercelli in e la serata al Teatro Civico, a partire dalle 19, un duo pianistico con un programma brillante dedicato alle arie d'opera di Verdi, uno spettacolo teatral-musicale "Viotti o Amleto, questo è il problema!" di e con Giovanni Mongiano con Guido Rimonda, violino e Cristina Canziani, pianoforte e, per finire, l'estro travolgente di Danilo Rea in "Piano Solo". La manifestazione Viotti Day and Night si svolgerà nello stesso weekend di Raccolti, Festival delle nuove narrazione con cui è stata realizzata una collaborazione con prezzi agevolati sui biglietti degli spettacoli al Teatro Civico (www.raccoltifestival.it). (Foto dall'uff. Stampa di Vercelli)

È un duo pianistico affermato e di qualità quello ascoltato ieri sera al Dal Verme per il Festival MiTo È formato dalla israeliana Yaara Tal e dal tedesco Andreas Groethuysen. La trascrizione per due pianoforti delle Variazioni Goldberg BWV 988 di Bach operata da Joseph Gabriel Rheinberger, nella revisione di Max Reger, ha certamente dato una differente prospettiva d'ascolto alla felice struttura architettonica del Sommo genio tedesco. Partendo dalla celebre Aria iniziale, poi riproposta alla fine, Bach ha creato una serie interminabile di variazioni , ben trenta, nelle quali gli elementi melodici, armonici e ritmici si susseguono con restituzioni perfette nella costruzione e godibilissimi all'ascolto. Il "raddoppio" della tastiera operato da Rheinberger e migliorato, soprattutto nelle dinamiche e nelle articolazioni da Reger, ha potenziato la composizione bachiana, con effetti di maggiore coralità dovuti anche a sovrapposizioni melodico-armoniche di originale interesse. Il duo ha rivelato un perfetto equilibrio timbrico, alternando molto bene le parti in un tutt'uno pianistico di ottima resa espressiva. La leggerezza di tocco sia di Tal che di Groethuysen, e l'eccellente capacità di alternarsi o sovrapporsi all'occorrenza nel delineare le frasi musicali, ha portato ad un'interpretazione di indubbio valore. Successo di pubblico, con numerose uscite in palcoscenico degli interpreti e un breve bis, ancora di Bach. Da ricordare.

21 settembre 2921 Cesare Guzzardella

Le corde spagnole della chitarra di Francesco Romano hanno riempito in modo tenue, ma deciso, l'ampio spazio del milanese Teatro Delfino. La chitarra, di piccole dimensioni, ma di chiara sonorità, era quella costruita dal liutaio Luis Panormo nel 1835 e la musica dei chitarristi-compositori Fernando Sor, Johann Kaspar Mertz e Dionisio Aguado, ha trovato in Fabio Vacchi la presenza di un compositore contemporaneo, non chitarrista ma certamente conoscitore dello strumento . Suo il suo breve ed intenso brano Plynn. Le arie di Mozart dal Flauto magico, arrangiate da Sor, hanno introdotto il concerto. Brani di Schubert tra cui la celebre Serenata, rivisti da Mertz, hanno occupato la parte centrale della serata. Dopo la Fantasia n.7 di Sor e Fandango di Aguado, una nuova accordatura della storica chitarra, ha coinvolto Francesco Romano nel lavoro di Vacchi. Raramente si ascolta lo strumento a sei corde in sala da concerto. È un'esperienza quasi mistica poter penetrare le sonorità sottili di uno strumento assolutamente completo, sia melodicamente che armonicamente. Basti citare ad esempio la celebre Serenata del grande viennese che, nella precisa trascrizione chitarristica di Mertz, ci fa cogliere dettagli simili alla più celebre trascrizione pianistica di Liszt. Bravissimo Francesco Romano in tutti i lavori, eseguiti con nitore espressivo e fluidità evidente. Sorprendenti i colori sottili e nascosti, ritrovati nelle parti più alte delle sei corde, nell'originale brano di Fabio Vacchi. È una composizione non recente, che data 1986, e che ha concluso ottimamente l'avvincente serata. Da ricordare.

18 settembre 2021   Cesare Guzzardella

Settimana interessante in Conservatorio per i concerti organizzati dalla Società del Quartetto per la serie "Preludi". Martedì, il pianista torinese Gabriele Carcano ha eseguito tutto Beethoven, oggi il veneziano Pietro De Maria ha scelto un impaginato interamente dedicato a Chopin. Carcano, classe 1985, sta eseguendo da tempo le sonate beethoveniane ottenendo unanime consenso. L'altra sera ha affrontato tre opere importanti quali l'Op.14 n.2, l'Op.13 "Patetica" e l'Op.57 " Appassionata". Tre lavori differenti, contrastanti, che rivelano il carattere complesso del grande genio di Bonn. Carcano ha rivelato le sue ottime qualità interpretative attraverso i luminosi colori della Sonata in sol maggiore, la prima in programma. Delle altre due, certamente più celebri, ci è piaciuto soprattutto l'Allegro assai dell'Appassionata. Un movimento affrontato con sicura disinvoltura ed eccellente resa espressiva. Valido il bis di Schubert ( Momento musicale n.3). Pietro De Maria, classe 1967, da anni è specializzato nell'opera del grande polacco. Il suo impaginato, comprendeva nove brani estrapolati tra Mazurche, Ballate, Notturni, Scherzi e Walzer. Questi hanno rivelato la geniale varietà compositiva di Chopin, ma anche la valenza interpretativa del pianista veneziano che ha rivelato di essere in sintonia con i colori del polacco. Ottima la resa espressiva, frutto di coerenza e chiarezza d'intenti. Tutti ben eseguiti i brani, con una mia preferenza per le tre Mazurche - op.67 n.4, op 24 n.2 e op.63 n.3-, per lo Scherzo n.2 op.31, il Valzer op.42 e per la Ballata op.52 n.4. Di qualità la Sonata scarlattiana suonata come bis. Bravissimi! Questa sera alle 20.30 replica per De Maria. Il 23 settembre, in Sala Verdi, ultimo concerto della serie Preludi con Andrea Lucchesini che esguirà tutto Schubert. Da non perdere!

16 settembre 2021 Cesare Guzzardella

16 settembre 2021 Cesare Guzzardella