I concerti del Festival MiTo, ieri sera, al Teatro Dal Verme, hanno aggiunto eccellenti qualità interpretative grazie ad un duo superlativo: quello formato dalla giovane violinista moldava Alexandra Conunova e dal pianista riminese Enrico Pace. L'impaginato prevedeva due corpose sonate, la primi, meno nota ma importante, era la Sonata n.2 in fa minore op.6 di George Enescu ( 1881-1955); la seconda la celebre Sonata op.47 "Kreuzer" di L.v. Beethoven. La Conunova, violinista di raffinata capacità, ha vinto importanti concorsi internazionali, primo fra tutti il "Joachim" di Hannover nel 2012. Enrico Pace, con la vittoria del Concorso Franz Liszt del 1989, si è imposto internazionalmente sia come solista che in duo con violinisti del calibro di Kavakos e di Zimmermann. Siamo rimasti stupiti dalla splendida intesa dei protagonisti, sia nella significativa sonata di Enescu, parecchio influenzata dal folclore rumeno e moldavo, sia dalla celebre "Kreutzer". La perfetta intesa dei due interpreti ha aspresso incisività timbrica e attenzione ad ogni dettaglio. Determinante il ruolo primario di Pace nel costruire un' architettura musicale che trova un perfetto equilibrio nelle parti, sempre espresse con disinvoltura e con forza musicale dirompente. La componente maggiormente melodica della violinista si è inserita con rigore e perfezione nel contesto armonico di Pace e il risultato complessivo ha portato ad elevate restituzioni in entrambi i lavori. Applausi convinti al termine del programma. Di estrema qualità il bis concesso con il primo dei Romantic Pieces op.75 di Antonin Dvořàk. Bravissimi!

7 luglio 2021 Cesare Guzzardella

4 luglio 2021 Cesare Guzzardella

Una formazione inconsueta ma estremamente interessante, quella formata dalle violinista LAURA GORNA, dal violinista GABRIELE PIERANUNZI e dal violista FRANCESCO FIORE. Tre archi per un programma che prevedeva brani di Dvorak, Prokofiev e Mozart. La Suite Miniature per 2 violini e viola (4 Pezzi Romantici) op.75 di Antonin Dvorak ha introdotto il concerto presentando subito la cifra stilistica dei protagonisti, cifra che ha trovato in tutti le qualità della grande scuola di strumenti ad arco italiana. Il dolce melodiare del grande compositore ceco, spesso espresso da poche note ricche di profondità espressiva, ha visto nel trio eccellenti interpreti, con intonazione, vibrato e dinamiche ottimamente gestite e in splendido equilibrio. Nella successiva Sonata per due violini op.56 di Sergej Prokof'ev i due archi si alternavano ed integravano definendo un mondo sonoro più astratto, meno lineare del precedente, ma con una costruzione armonica altrettanto importante. Le timbriche "spaziali" del grande compositore russo sono emerse grazie all'ottimo virtuosismo della Gorna e di Pieranunzi. Con Mozart e il suo Duo Kv 423 per violino e viola, siamo tornati ad un classicismo di fine Settecento, che unisce l'espressività delle mirabili melodie del salisburghese ad una sapiente costruzione d'insieme, dove la linea del violino di Pieranunzi è stata sostenuta dalla timbrica calda e profonda della corposa e volumetrica viola di Francesco Fiore. Ottima la resa complessiva. Di nuovo tutti e tre i protagonisti per il coinvolgente Terzetto Op .74 per due violini e viola ancora di Dvorak. I tre hanno ancora splendidamente interagito, creando quell'unico strumento ad arco che risulta quando l'affiatamento della parti e il rispetto dei ruoli raggiunge alti livelli, come quelli svelati con maestria dai tre sensibili attori. Applausi sostenuti dal pubblico intervenuto. Ottimo e divertente il bis concesso con il violista che lascia il suo strumento prediletto per sedersi al pianoforte e accompagnare i due violini in un brano del grande Pablo De Sarasate: Navarra op.33, un lavoro ricco di virtuosismi raffinati come è stato delineato in modo brillante e raffinato, evidenziando elementi folcloristici pensati magistralmente dal grande compositore e virtuoso spagnolo. Da ricordare.

30 giugno 2021 Cesare Guzzardella

Ogni ritorno di Maurizio Pollini al Teatro alla Scala è un avvenimento da non perdere. Anche questa volta il pubblico, prevalentemente milanese, ha risposto con evidente calore alle straordinarie qualità del grande virtuoso. Ieri sera, infatti, circa settecento persone presenti in teatro,- quelle consentite dalle severe regole della pandemia- hanno ascoltato in religioso silenzio l'artista milanese in un programma interamente dedicato a Fryderyk Chopin. Un impaginato ben strutturato, ben articolato e di ricca qualità, quello proposto: due Notturni Op.27, la Barcarola Op.60, la Sonata N.2 Op. 35 e, dopo il breve intervallo, lo Scherzo n.3 Op.39, la Berceuse Op.57 e la Polacca Op.53 "Eroica"; per finire due bis con lo Studio n.11 Op.25 e la Ballata n.1 Op.23. Tutti brani che ascoltiamo da decenni, ma che spesso trovano nel Maestro una ancora maggiore profondità interpretativa. Pollini oggi, all'età di 79 anni, ha il grande merito di dire qualcosa di nuovo, di non ancora sentito. Certo, in questi anni, le incertezze tecniche sono aumentate, l'elasticità digitale non è quella degli anni migliori, ma questo rappresenta, a mio avviso, un dettaglio di non significativa importanza rispetto alla profondità di pensiero e di resa complessiva di molti dei brani eseguiti. Nell'arte interpretativa, quello che maggiormente conta è lo spessore espressivo che si disvela internamente ai brani scelti in funzione dell'idea complessiva. L'espressività non solo è ancora presente nello Chopin di Pollini, ma è in costante salita per chiarezza d'idee e tensione drammatica. I due Notturni hanno trovato un' ottima introduzione al concerto in senso drammaturgico, con uno sviluppo della tensione emotiva già dal Notturno n.1 in Do diesis minore e dal più disteso e romantico Notturno n.2 in Re bem. maggiore, reso con estrema luminosità. La pacata Barcarola in Fa diesis maggiore, di straordinario equilibrio complessivo, ha anticipato il momento clou del concerto rappresentato dalla Sonata n.2 in Si bem. minore op.35, probabilmente quella più celebre e resa magistralmente in 24 minuti e 5 secondi. La straordinaria sintesi espressiva globale, ha trovato momenti apicali negli ultimi due movimenti, il terzo, quello dello Marcia funebre ed il brevissimo e rapidissimo Finale, Presto, movimento quest'ultimo di sconvolgente sintesi discorsiva e di straordinaria contemporaneità. Il breve intervallo ha visto di nuovo Pollini in palcoscenico per tre lavori ufficiali. Lo Scherzo n.3 in Do diesis minore op.39 è stato reso molto bene nella splendida "cascata" inversa di note; straordinaria la Berceuse in Re bem. maggiore op.57, ricostruita in modo perfetto e chiarissima nei dettagli. La successiva Polacca in La bem. maggiore op.53 "Eroica", altro cavallo di battaglia polliniano, ha trovato imperfezioni perdonabili nel complessivo impaginato. Tra i due bis proposti, lo Studio n.11 Op.25 "Winter Wind" e la Ballata n.1 in Sol minore Op.23, la seconda è stata di maggiore ricchezza, con profonda tensione emotiva ed equilibrio misurato come solo Pollini può! Numerose le uscite in palcoscenico dell'artista tra l'entusiasmo del pubblico. Da ricordare sempre.

26 giugno 2021 Cesare Guzzardella

Con la quarta settimana siamo arrivati al termine dellla riuscita rassegna musicale "A tutto Brahms". Un doppio incontro che ha visto impegnati il mercoledì e il giovedì solisti di fama internazionale ed eccellenti direttori d'orchestra. Ieri, nell'anteprima delle ore 17.00, abbiamo trovato al pianoforte il francese Pierre-Laurent Aimard e sul podio dell'Orchestra de "I Pomeriggi Musicali" il direttore americano James Feddeck. Un concerto importante e un brano particolarmente noto quello proposto. Il Concerto n.2 in si bem. maggiore op.83, ebbe una gestazione più facile del precedente e venne terminato da Johannes Brahms nel 1881, dopo tre anni d'intenso lavoro. Ottenne da subito un notevole successo. Come il primo concerto, ha caratteristiche decisamente sinfoniche ed è strutturato però in quattro movimenti, una rarità per questo genere di composizioni che di solito annoverano solo tre parti. L' eccellente dialogo che s'instaura tra il solista e l'orchestra, entrambi protagonisti, mette in risalto i numerosi temi che pervadono il celebre lavoro, ad iniziare dal corposo Allegro non troppo iniziale, per arrivare al fluido e spensierato Allegretto grazioso finale. Ottima l'integrazione sinergica tra il noto solista francese Aimard - pianista conosciuto soprattutto per le sue fondamentali interpretazioni del repertorio novecentesco e contemporaneo - e il direttore James Feddeck. Aimard ha mostrato un approccio molto strutturato e preciso nel suo modo di fraseggiare, attento ai dettagli e molto rispettoso dell'importante componente orchestrale. Momenti d'intensa forza espressiva si sono alternati ad altri di più pacata leggerezza. Valida la visione complessiva di Feddeck e l'espressività ottenuta, grazia agli ottimi orchestrali de I Pomeriggi, bravi in ogni sezione di strumenti. Applausi meritati dal numeroso pubblico pomeridiano. Nel pomeriggio di oggi, la Sinfonia n.2 in re maggiore op.73 (1877) ha rivelato le qualità direttoriali del trentasettenne Feddeck, che ricordiamo essere dal 2020 il direttore principale di questa valente orchestra e di essere stato vincitore, nel 2013, del prestigioso Sir Georg Solti Conducting Award. Particolarmente analitico, ma efficace, l' Allegro ma non troppo iniziale e di grande impatto discorsivo l'Allegro con spirito finale. Concerti da ricordare.

24 giugno 2021 Cesare Guzzardella

Siamo arrivati alla terza settimana di appuntamenti per la rassegna musicale "A tutto Brahms". Un doppio incontro che mercoledì ha trovato al pianoforte il canadese Louis Lortie e sul podio dell'Orchestra de I Pomeriggi Musicali ancora Donato Renzetti. Un concerto esemplare per potenza espressiva. Il Concerto n.1 in re minore per Pianoforte e Orchestra op.15, ebbe una gestazione non facile per il giovane Johannes Brahms che lo terminò nel 1858. Ai tempi venne considerato un concerto difficile da eseguire e non venne apprezzato, al contrario del meno trasgressivo e più "tradizionale" Concerto n.2. Le caratteristiche molto sinfoniche del lavoro, pongono l'orchestra ad un livello di esposizione pari, a volte superiore, a quella del solista. L'integrazione tra la monumentale parte orchestrale e quella solistica rimane esemplare, soprattutto nel lungo e scultoreo Maestoso iniziale, movimento dove l'ottima direzione di Donato Renzetti con i bravissimi "I Pomeriggi" unitamente alla plastica resa di Louis Lortie, che ha adattato le sue eccellenti qualità solistiche in ogni frangente del brano, hanno prodotto un'esecuzione di alto livello. L'Adagio centrale, dove le note più intime e personali del pianoforte hanno un ruolo maggiore, hanno rivelato l'ottima introspezione e la notevole espressività del pianista canadese. Molto bello anche il più estroverso e disteso Rondò finale. Applausi fragorosi dal numeroso pubblico. La Sinfonia n.4 in mi minore op.98, ascoltata oggi, è l'ultima delle quattro, ed è stata terminata nel 1885. Capolavoro assoluto per varietà e bellezza dei temi proposti, per rielaborazione delle architetture e per resa espressiva complessiva, questo lavoro conclude un ciclo compositivo proiettato verso il '900. Ha trovato un'ottima direzione nella bacchetta di Donato Renzetti in tutti i quattro movimenti, a partire dallo stupendo Allegro non troppo. Bravissimi gli orchestrali de I Pomeriggi in ogni sezione. Applausi meritati e per bis ancora una celebre Danza ungherese. Da ricordare.

17-06-2021 Cesare Guzzardella

È una costante presenza milanese quella del pianista genovese Andrea Bacchetti. Conosciamo bene le sue frequentazioni in territorio barocco, con l'eccellenza interpretativa riservata a Bach. Ieri sera in Sala Verdi era con l'Orchestra della Scuola dell’Opera del Teatro Comunale di Bologna diretta da Marco Boni per due concerti mozartiani: il Concerto per pianoforte e orchestra n. 26 in re maggiore K 537 ed il Concerto per pianoforte e orchestra n.12 in la maggiore K 414. Questi sono stati preceduti dall'Ouverture in si minore op.26 “Le Ebridi” di F.Mendelsshon, lavoro del 1832 del compositore tedesco che ci ha rivelato da subito la cifra espressiva dei giovani orchestrali che formano l'orchestra della Scuola dell'Opera bolognese attraverso un'interpretazione energica e ben sostenuta dall'ottima direzione di Boni. L'ingresso di Bacchetti nel palcoscenico di Sala Verdi ha segnato un cambio di rotta per un ritorno ad un classicismo chiaro e luminoso quale è quello del grande salisburghese. L' opera K 537, denominato anche "Concerto dell'Incoronazione" è del 1788. In stile galante presenta una moltiplicità di temi esposti sia dall'orchestra che dal solista mentre l'opera K 414 è del 1784 ed ha tinte più scure con situazioni che anticipano il romanticismo, come spesso accade nei concerti più eseguiti. Bacchetti ha rivelato in entrambi i lavori una scioltezza discorsiva sostenuta da una evidente luminosa espressività. L'ottima integrazione con le timbriche orchestrali, ben espresse in ogni sezione della compagine, ha portato ad interpretazioni di qualità in entrambi i lavori, con momenti di ancora maggiore profondità espressiva nell'Andante del Concerto in la maggiore (K.414). Fragorosi gli applausi al termine del programma ufficiale da parte del pubblico, purtroppo con limite numerico imposto dalla pandemia. Di grande qualità il bis concesso da Bacchetti con il Preludio n.9 dal Secondo libro del Clavicembalo ben temperato. Da ricordare

15 giugno 2021 Cesare Guzzardella

I fratelli Jussen, i pianisti olandesi Lucas & Arthur, sono approdati in Auditorium con l'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi" per eseguire il noto Concerto per due pianoforti ed orchestra di Francis Poulenc, un lavoro di grande impatto discorsivo scritto dal grande compisitore parigino nel 1932 ed eseguito per la prima volta nel settembre di quell'anno al Teatro la Fenice di Venezia. È nello stile tipico di Poulenc, un neo-classicismo ricco d'inventiva, con una quantità enorme di melodie unite in una sorta di "collage musicale" che denota anche influenze futuriste. I due pianoforti, in perfetto equilibrio tra loro e con esemplare integrazione con l'orchestra, hanno travato in Lucas e Arthur due interpreti ideali per determinazione e senso ritmico. Gli elementi virtuosistici, determinati anche da uno scorrimento rapido di molti frangenti musicali, come gli attacchi repentini nell'Allegro ma non troppo iniziale e dell'Allegro molto del terzo ed ultimo movimento, sono anche presenti nelle parti orchestrali che devono perfettamente integrarsi con le accentuate e ritmiche note dei pianoforti. Momenti di pacata liricità sono presenti nel suggestivo Larghetto centrale, ispirato dal classicismo dei concerti mozartiani. Un'esecuzione memorabile per i due fratelli e per l'Orchestra Verdi, diretta ottimamente da Alpesh Chauhan. Applausi fragorosi da parte del numeroso pubblico e due bis solistici concessi: il primo per due pianoforti con virtuosismi dei Jussen ispirati dal primo movimento della Sinfonia n.40 di Mozart ma anche da un celebre Carosone e poi un breve ma intenso Bach con la BWV 106 trascritta da G.Kurtàg per quattro mani. Il brano di Poulenc è stato preceduto da un interessante lavoro in "prima esecuzione assoluta" del compositore torinese Nicola Campogrande. Il brano per soprano e orchestra è denominato Hello, World ed è in quattro brevi parti. Una sorte di quattro lieder, intonati ottimamente dal soprano Vittoriana De Amicis, ispirati da termini usati nel linguaggio informatico. I quattro movimenti si chiamano infatti In B, Unix-Shell, In Delphi, In Malbolge. Questi termini e poche altre parole, vengono aggregate tra loro ed intonate dal soprano in modo quasi "futuristico " integrandosi con la parte orchestrale che utilizza invece timbriche tonali ottimamente costruite, con un linguaggio che ricorda la leggerezza della migliore musica dei primi del Novecento con riferimenti che vanno da Puccini sino ai viennesi più lirici. Un ottimo lavoro diretto benissimo dal direttore Chauhan. Il concerto è terminato con una rara giovanile Sinfonia n.1 in do minore op.11 di F. Mendelssohn, brano con molti spunti interessanti e ben orchestrati che rimandano ai grandi compositori che hanno preceduto il grande compositore tedesco. Da ricordare!

11 giugno 2021 Cesare Guzzardella

Procede la rassegna dedicata a Johannes Brahms con due lavori importanti quali il Doppio Concerto in la minore per violino, violoncello e orchestra op.102 e con la Sinfonia n.3 in fa maggiore op.90. Sul podio dell'Orchestra I Pomeriggi Musicali abbiamo trovati questa volta il direttore Donato Renzetti. Solisti nel Concerto ascoltato mercoledì 9, un duo di eccellenti qualità come quello dei russi Sergej Krylov e Mischa Maisky. Due fuoriclassi, spesso presenti nelle sale concertistiche di Milano, che hanno esaltato il contesto ampiamente melodico del celebre Doppio Concerto, composto dall'amburghese nel 1887. I canonici tre movimenti, Allegro, Andante e Vivace non troppo, si dipanano nell'arco di poco oltre trenta minuti partendo dal serioso inizio del primo movimento, quello più ampio, come spesso accade nei concerti per solista e orchestra. Le potenti brevi battute orchestrali iniziali e l'ingresso autonomo del violoncello solista sono da subito indicativi della forza drammatica di questo capolavoro. Una Cadenza, quella del violoncello, che trova una posizione iniziale inusuale, e che stabilisce quasi una gerarchia di valori nel quale questo strumento ad arco vorrebbe essere dominante. Maisky, con il suo tocco preciso e scavato riesce da subito a mostrare la sua eccelsa cifra stistica. Dopo poche note orchestrali l'ingresso più melodico del violino di Krylov, confluisce poi in una seconda cadenza esternata da entrambi i solisti. Bravissimi i due protagonisti, unitamente agli ottimi orchestrali diretti splendidamente da Renzetti, un direttore famoso nel mondo sin dalla vittoria del Concorso Cantelli nel lontano 1980. Di suadente impatto il celebre Vivace non troppo finale, con la folclorica melodia che introduce il terzo movimento. Grande successo con fragorosi applausi e un inaspettato bis - sembrava non esserci- con due incredibili, per qualità, Bach: prima la Sarabanda dalla Suite n.2 per violoncello solo e po senza soluzione di continuità, col violino la Sarabanda per violino solo dalla Partita n.2. Successo e fragorosi applausi dal numeroso pubblico intervenuto. Di qualità anche l'interpretazione della Sinfonia n.3 in fa maggiore op.90 ascoltata nel tardo pomeriggio sempre per la direzione di Donato Renzetti. Il noto lavoro sinfonico dell"amburghese, composto nell'estate del 1883 ha trovato una decisa sintesi formale in tutti i quattro i movimenti, dall'ampio Allegro con brio iniziale all'Allegro finale, passando per l' Andante e dal delizioso Poco allegro. Ottime tutte le sezioni della compagine orchestrale. Applausi sentiti per Renzetti e l'Orchestra anche dopo il bis concesso, ancora di Brahms, con una Danza ungherese. Da ricordare.

10 giugno 2021 Cesare Guzzardella

Là dove c'era il distanziamento sociale, ora ritorna la musica dal vivo: è ciò che accadrà domenica 13 giugno (ore 21) a Vercelli nello spazio Pisu, ovvero l'area ex ospedale, con protagonisti Guido Rimonda e l'Orchestra Camerata Ducale. Inserito nel programma estivo del Viotti Festival (40 concerti da maggio a settembre), il concerto sarà dunque fondamentale per il suo significato, ma anche originale per il suo contenuto. Guido Rimonda e il suo Stradivari Leclair 1721 accompagneranno infatti gli spettatori in un'avventura musicale tra le colonne sonore che hanno contrassegnato la storia del cinema.

Smile - Uno Stradivari al cinema nasce dal nuovo e sorprendente cd inciso da Guido Rimonda per Decca e mette insieme tre carte vincenti: uno Stradivari dal fascino oscuro e inquietante, un grande violinista che ama addentrarsi in territori inusuali e l'incanto del grande schermo. Il tutto condensato in una parola che regala leggerezza e ottimismo: smile.

10 giugno dalla redazione

10 giugno dalla redazione

Il recital del mezzo-soprano francese Marianne Crebassa, ascoltato ieri sera in teatro, ha trovato oltre al pubblico scaligero presente, limitato alle 500 persone imposte dalla pandemia, anche numerosi video-ascoltatori in diretta streaming. Accompagnata molto bene dal pianista parigino Alphonse Cemin, Marianne ha scelto un programma prevalentemente di autori francesi quali Debussy, Ravel, Berlioz e Bizet, anticipati da quattro brani del compositore basco-spanolo Jesús Guridi tratti da Seis canciones castellanas e inframezzati dall'altro spagnolo, Manuel de Falla, con due brani quali Séguedille da Trois Mélodies eVivan los que rien! da La vida breve. Forte l'impatto con i lavori di Guridi. Il taglio incisivo delle melodie ottimamente armonizzate e ben rese dalle mani di Cemin, hanno trovato una sinergica voce della Cabrassa con timbriche chiare, espressive, quasi angeliche nel lieve riverbero della platea del teatro scaligero, libero dalle poltrone. Decisamente coinvolgente l'ultimo dei quattro brani di Guridi: Mañanita de San Juan. Cambio di registro con i quattro brani di Claude Debussy proposti successivamente tra cui citiamo l'originale La chevelure e il cupo e sensuale Le tombeau des Naïades. Ritorno ad un taglio spagnolo ricco di contrasti con Chanson espagnole di Maurice Ravel e soprattutto con Sèguedille tratto dalle Trois Mélodies di Manuel de Falla. Nella seconda parte della serata, dopo il breve intervallo, i sei brani di Hector Berlioz da Les nuits d'été op. 7 per voce ed orchestra, hanno riportato ai sapori francesi e, in questi lavori, espressi con intensa drammaticità e sofferenza dalla voce ancor più calda della splendida interprete, abbiamo apprezzato le complesse armonizzazioni pianistiche dell'ottimo Cemin. Dopo un breve ritorno alla Spagna di Manuel de Falla con Vivan los que rien! da La vida Breve, il celebre brano di Georges Bizet tratto da Carmen, Près des remparts de Séville, ha concluso felicemente il programma ufficiale. Due i bis concessi: prima Ravel con la sua sensuale Habanera e poi ancora Bizet con l'Amour est un oiseau rebelle ancora da Carmen. Splendida la voce della Crebassa, ottimo il pianoforte di Cemin! Fragorosi gli applausi, con numerose uscite dei protagonisti. Da ricordare.

7 giugno 2021 Cesare Guzzardella

È una rassegna estremamente interessante quella che è iniziata ieri pomeriggio al Teatro Dal Verme con l' Orchestra I Pomeriggi Musicali. Denominata "A tutto Brahms", il non breve festival musicale dedicato al grande musicista amburghese occuperà i giorni di mercoledì e di giovedì delle prime tre settimane di giugno per l'esecuzione delle Sinfonie e di tutti i Concerti solistici. Direttori come George Pehlivanian, Donato Renzetti e James Feddeck e solisti di fama internazionale quali Julian Rachlin, Sergej Krylov, Mischa Maisky, Louis Lortie e Pierre-Laurent Aimard, si alterneranno sino al 24 giugno per questo "tutto Brahms". È un festival importante anche perchè segna finalmente il ritorno del pubblico in questa storica sala milanese. I concerti verranno sempre ripetuti: l'anticipazione del tardo pomeriggio -ore 17.00- verrà infatti riproposta nella prima serata alle ore 20.00, per dare la possibilità d'ascolto ad un pubblico più numeroso, viste le restrizioni imposte dalla pandemia che limitano di molto l'affluenza degli spettatori. Ieri è stata la volta di un grande virtuoso quale Julian Rachlin, diretto da George Pehlivanian, per il Concerto in Re maggiore per violino e orchestra op.77. Un capolavoro di scrittura sinfonica e violinistica del 1878, dedicato da Brahms al grande virtuoso di violino ungherese Joseph Joachim, violinista che ha personalmente curato la parte solistica ricca di difficoltà tecnico-virtuosistiche. Pehlivanian, prima del lavoro brahmsiano, in occasione della Festa della Repubblica ha eseguito l'Inno di Mameli. L'esecuzione dell'op.77 ha trovato una direzione corposa e decisa, ben rivelata nella valida interpretazione dell'orchestra de I Pomeriggi. La rilevante parte solistica di Rachlin è stata sostenuta con determinazione e virtuosismo sia nell'ampio Allegro non troppo iniziale che nei due movimenti successivi, quello più meditativo dell'Adagio e quello estroverso dell'Allegro giocoso. Due i bis solistici concessi da Rachlin al termine del programma ufficiale : prima un valido Bach con la Sarabanda dalla Partita n.2 e quindi un eccellente Ysaye con la Sonata n.3 "Ballade", brano che a conclusione ha strappato fragorosi applausi, decisamente meritati. Oggi, nell'anteprima pomeridiana, I Pomeriggi, ancora diretti da Pehlivanian, hanno ottimamente interpretato la Sinfonia n.1 in do minore op.68, lavoro di ampie proporzioni che Brahms terminò dopo lunga gestazione nel 1876. La valida interpretazione ascoltata ha trovato il momento migliore nello splendido Allegro non troppo del finale. Applausi sentiti. Prossimo appuntamento per mercoledì 9 con Donato Renzetti, Sergej Krilov e Mischa Maisky e il Doppio concerto op. 102. Da non perdere!

3 giugno 2021 Cesare Guzzardella

Da circa venti anni il violoncellista Enrico Dindo dirige l'orchestra d'archi I Solisti di Pavia, esprimendosi oltre che nella direzione anche con il suo prediletto strumento ad arco. Ieri sera, dopo alcuni rimandi "causa covid", finalmente è tornato sul palcoscenico di Sala Verdi in Conservatorio nel duplice ruolo di direttore e di solista. Dindo prima d'iniziare ha voluto ricordare l'Avv. Andrea Massimo Astolfi, compianto presidente de I Solisti di Pavia. L'impaginato prevedeva brani classici di marcata valenza melodica, alcuni di questi in trascrizione o orchestrazione per cello ed archi fatte dallo stesso Dindo. Il bellissimo brano Chant du Menestrel (1901) per violoncello ed archi di Aleksandr Glazunov, ha felicemente introdotto la serata rivelando da subito la cifra stilistica ed espressiva dell'eccellente violoncellista. Il suono dolce e vellutato, del suo strumento, ricco di vibrato, è apparso di notevole qualità sin dal primo breve ed intenso lavoro. A seguire il Rondò per violoncello ed archi (1891) di Antonin Dvorak ha proseguito la serata. La felice orchestrazione di Dindo del Requiem per tre violoncelli ed archi (1891) di David Popper - compositore e violoncellista boemo vissuto nel secondo Ottocento- ci ha portato ad un lavoro di rara esecuzione ma di ottima resa espressiva. Molto bravi anche gli altri due solisti  entrati in giocoin modo determinante nel valido brano. Rientrato in palcoscenico nel ruolo di direttore, Dindo ha scelto poi la celebre Serenata per archi di P.I. Čaikovskij, un ampio lavoro cameristico del 1880 caratterizzato da quattro movimenti d'immensa ispirazione e di perfetta costruzione melodico-timbrica L'ottima direzione operata da Dindo ci ha rivelato la statura d'alto livello del gruppo d'archi di Pavia, arrivato ad una tensione musicale di notevole impatto emotivo sin dal primo movimento, il profondo ed incisivo Andante non troppo, seguito poi dal celebre luminoso Valzer. Il programma ufficiale ha avuto una non breve coda con tre brani per violoncello ed orchestra eseguiti come bis. Il primo, il Notturno di Čaikovskij trascritto dal russo dall'originale per pianoforte op.19 n.4 ; il secondo, una trascrizione di Dindo del Cigno dal Carnevale degli animali di C. Saint-Saens ed in fine un'Ave Maria di Piazzolla ancora egregiamente trascritta per violoncello ed orchestra dal bravissimo solista. Mirabili esecuzioni. Successo di pubblico ed applausi meritatissimi.

Splendido il ritorno ai concerti delle Serate Musicali. Sala Verdi in Conservatorio ha visto un buon numero di attenti spettatori al concerto di Alexander Lonquich, di Tommaso Lonquich e di Irena Kavčič. Rispettivamente pianoforte, clarinetto e flauto per brani di ben sette compositori, con alternanza degli strumenti a fiato e quasi costante presenza del pianoforte di Alexander Lonquich. Il primo lavoro, il bellissimo Syrinx (1913) di Claude Debussy, ha trovato il flauto in solitaria della bravissima Kavčič. Luminosa e precisa la sua interpretazione per un lavoro particolarmente moderno e anticipatore di atmosfere più recenti. A questo brano è seguito quello del secondo francese, Gabriel Fauré con la Fantasia per flauto e pianoforte (1898). L'ottima interpretazione ascoltata è stata determinata da un sinergico intervento dei due protagonisti con la parte pianistica di Lonquich senior ben articolata nell'incedere grintoso e molto preciso, con timbriche ricche di sfumature. Di qualità i colori del sonoro flauto della Kavčič. Con il lavoro di F. Busoni e la sua Elegia in mi bemolle (1920), è entrato in scena il figlio d'arte Tommaso Lonquich col suo splendido e timbricamente corposo clarinetto. L'interpretazione del duo ha avuto un'intesa perfetta. Perfezione ripetuta poi negli altri lavori per pianoforte e clarinetto. Ricco di colori il brano di Oliver Messiaen, Le merle noir per flauto e pianoforte (1954) reso in modo mirabile dalla flautista in perfetta sintonia col pianista. Lavoro questo di assoluta contemporaneità per ricerca coloristica. Ancora autori francesi in programma, prima con le note grintose e ricche d'armonia di Camille Saint-Saens con la Sonata per Clarinetto e pianoforte (1921) eseguita in modo eccellente e poi i timbri eleganti e divertiti di Francis Poulenc con la Sonata per flauto e pianoforte (1957) interpretata con grande fluidità. A conclusione del programma ufficiale, un salto indietro nel tempo di oltre sessanta anni dai lavori più recenti con la romantica Sonata per clarinetto e pianoforte (1894) di J.Brahms ha determinato al termine fragorosi applausi dal pubblico. Finalmente il trio al completo nei due bis concessi con l'eccellente, rara e deliziosa Tarantella op.6 (1857) di Saint-Saens, espressione di raffinata costruzione melodica e armonica e a conclusione un movimento lento e breve dalla Sonatina op.85 (1935) del francese Florent Schmitt. Splendido concerto, certamente da ricordare.