Grande successo di pubblico, con lunghi e fragorosi applausi al termine dell'ultima replica de I Vespri Siciliani alla Scala. Le parziali critiche negative lette su alcuni giornali dopo la prima rappresentazione sono oramai andate nel dimenticatoio e il meritato entusiasmo verificato ieri sera nel teatro al completo trovano una decisa approvazione. I Vespri Siciliani, musicati da Verdi su libretto di Eugène Scribe e Charles Duveyrier, mancavano alla Scala dal 1989-90 e dopo oltre trent'anni questa nuova produzione ha trovato una resa complessiva valida a partire dalla ottima concertazione di Fabio Luisi e dall'importante ed eccellente componente corale preparata da Alberto Malazzi. Un'attenzione ai dettagli, una chiarezza timbrica e un rispetto delle voci che segnano l'alto livello interpretativo. La regia, le scene e i costumi di Hugo de Ana hanno mostrato una certa debolezza in alcuni frangenti, non nei momenti di grande coralità, ma in quelli nei quali pochi protagonisti si muovevano in scena. Se la regia ci è apparsa debole, la scenografia anche nell'attualizzazione e nei suoi toni grigi è comunque apprezzabile. Bene le luci di Vinicio Cheli e la coreografia di Leda Lojodice. Il cast vocale dell'ultima recita ha subito all'ultimo momento alcuni cambiamenti con Angela Meide, indisposta, sostituita da Marina Rebeka e Piero Pretti, indisposto, sistituito da Matteo Lippi. Ottima la resa complessiva dei cantanti: la Duchessa Elena della Rebeka ha assolto pienamente al suo ruolo con frangenti di eccellente espressività, anche se in alcuni momenti la mancanza di volumetrie hanno impedito un'ancor più alta resa. L'Arrigo di Matteo Lippi si è dimostrato una rivelazione per qualità e bellezza timbrica, molto chiara in tutti i registri anche se non di grande volumetria. Ottimi il Guido di Monforte di Roman Burdenko e il Giovanni da Procida Simon Lim, entrambi di chiara e potente espressivitá. Bravi tutti gli altri. Ricordiamo la prossima opera, La Bohème, in scena dal 4 al 26 marzo con ben otto recite complessive e un cast vocale importante. Da non perdere! (Foto in alto di Brescia e Amisano dall'Archivio del Teatro alla Scala)

19 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

18 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Un sorprendente successo per Daniel Barenboim al Teatro alla Scala, ritornato dopo un lungo periodo di convalescenza, avendo avuto seri motivi di salute. Il celebre direttore è arrivato inaspettatamente in sostituzione di Daniel Harding indisposto. L'impaginato invariato, prevedeva le ultime tre Sinfonie di W. A. Mozart, lavori composti dal salisburghese nel 1788, nell'arco di circa due mesi. La Sinfonia n.39 K 543 in mi bem. maggiore, la più celebre N.40 in sol minore K 550, per via del Molto allegro iniziale e forse la più importante N.41 K 551 in do maggiore "Jupiter", con quel travolgente Finale. Molto allegro, ci hanno rivelato la riflessiva, analitica ed equilibrata interpretazione del direttore argentino. Barenboim, beniamino del pubblico milanese essendo stato alla guida dell'Orchestra della Scala per numerosissimi anni, è stato accolto con fragorosi applausi ed ha concluso il concerto con un lunghissimo tripudio di applausi, con il pubblico in piedi, mostrando tutta la sua emozione. L'efficace resa espressiva dei tre lavori, legati da un equilibrio costruttivo molto simile, ha visto il direttore interpretarli con gesti misurati, ma di massimo controllo delle timbriche e delle dinamiche. Sonorità ben articolate e pesate nei rispettivi piani sonori, sempre limpidi nei colori e negli impasti dei diversi timbri delle sezioni orchestrali. Una certa dilatazione dei movimenti, elargiti con grande coerenza d'intenzione, ha dato un carattere riflessivo segnato da colori bruni. La forza espressiva della Sinfonia "Jupiter" con quel finale da carattere conclusivo, ha portato ad un successo memorabile che rimarrà nella memoria del Teatro alla Scala. L'ultima replica è prevista per sabato 18 febbraio, alle ore 20.00 . Da non perdere. ( Foto Amisano- Brescia - Archivio Scala)

Ieri sera, 11 febbraio, al Teatro Civico di Vercelli il ViottiFestival ha visto protagonisti due giovani interpreti ( poco più di quarant’anni in due) ormai ben più che ‘promesse’, ma entrambi affermatisi nelle sale da concerto italiane, in questi ultimi anni, fra i più validi esponenti della loro generazione, riscuotendo consensi unanimi del pubblico e della critica in numerosi recital solistici, cameristici o con orchestra. Parliamo della violinista Giulia Rimonda, figlia d’arte-cioè del celebre violinista e direttore dell’Orchestra Camerata Ducale, Guido Rimonda e della pianista Cristina Canziani-e del pianista Lorenzo Nguyen, ieri sera in duo per eseguire un programma impaginato su quattro tra le perle più preziose per questa formazione strumentale: i Quattro pezzi romantici op. 75 di A. Dvorak, la Sonata n.2 in La maggiore op.100 di J. Brahms, la Sonata in do minore op. 45 di E. Grieg, per concludere con il Ravel della famosa Tzigane. Un programma, dunque, che dopo avere attraversato il melodismo tardo-romantico ottocentesco nelle sue più suggestive sfumature, esplode alla fine nella scoppiettante girandola di una travolgente musicalità, tipica di un certo gusto primonovecentesco. Alla fine del suo splendido recital, Giulia Rimonda si è dichiarata ‘emozionata’, per avere suonato in un teatro che, non molti anni fa, la vedeva ancora bambina accompagnare i genitori. Ma ‘emozionato’ era anche il pubblico, come sempre assai numeroso e, per l’occasione, con una ancor più marcata presenza di giovani e giovanissimi: il Maestro Accardo ha definito ‘emozionante’ il suono che Giulia Rimonda sa cavare, con la sua tecnica strepitosa e la sua sensibilità, dalle quattro corde del suo strumento. Che cosa rende ‘emozionante, un concerto di Giulia Rimonda? Ovviamente, il suo stile interpretativo, che è già così maturo, da far talvolta dubitare l’ascoltatore che quella ragazza che sta suonando abbia solo vent’anni. Quando si parla di emozioni e di esecuzioni musicali emozionanti, è poi difficile, spesso, analizzare da un punto di vista puramente ’tecnico’ il modo in cui chi suona produce tale emozione, perché questa ha sempre qualcosa di segreto, di non completamente accessibile all’analisi razionale. Possiamo solo dire ciò che a noi ha procurato momenti di forte intensità emotiva. Il suono che Giulia Rimonda sa cavare dalle quattro corde del suo violino è un suono che, ad un timbro caldo e avvolgente, sa unire una delicatezza senza pari, unita ad un trattamento dell’agogica e della dinamica di rara sapienza: sa sfruttare al meglio le pause, probabilmente anche allungandole leggermente, rispetto alle più tradizionali esecuzioni, ottenendone un effetto di trepida sospensione, come di un’attesa o di un’eco misteriosa di un mondo sonoro che si dilegua, come accade in particolare (ma non solo in questo pezzo) nella sonata di Grieg, in cui il secondo movimento, un Allegretto espressivo, già di per sé intriso di lirismo, librandosi dal violino di Giulia Rimonda, si fa pagina di toccante poesia. Inoltre, la capacità di valorizzare al meglio i registri dinamici dona al suono di questa ‘emozionante’ violinista una capacità di produrre un fraseggio ombreggiato di un chiaroscuro tutto particolare, specialmente adatto allo scavo interiore del suono: un esempio potrebbe esserne proprio il pezzo iniziale del concerto, l’Allegro moderato dei Quattro pezzi romantici di Dvorak, una melodia delicatissima affidata al violino, che la Rimonda eseguiva sfuggendo alle insidie del ’rugiadoso,’ che spesso si nascondono in questi incantevoli esempi di ‘canto romantico’, ma avvolgendo lo sviluppo melodico di un velo di nostalgia, e conferendo al pezzo una dimensione introspettiva sottile, quanto affascinante. Infine, per quello che le nostre orecchie hanno percepito e la nostra memoria conserva come un ricordo prezioso, c’è, nell’arte di Giulia Rimonda, un suono che sa stagliarsi con una nitida purezza, donando ad ogni nota un ‘alone armonico’ cristallino, che la fa vibrare non solo nelle orecchie, ma anche nell’animo di chi l’ascolta. Questo avviene persino quando le sue dita danzano sulla quarta corda, come nel cupo inciso ritmico con cui si apre la sonata di Grieg, che in alcune esecuzioni, anche di solisti di chiara fama da noi ascoltate prima di questo recital vercellese, suonano come un poco annebbiate e confuse. Questo ritratto di Giulia Rimonda non sarebbe completo se non ne citassimo l’aspetto, a questo punto, forse più scontato: l’agilità ed energia stupefacenti con cui sa superare le difficoltà più ardue di un pezzo. In questo caso, il banco di prova nel programma della serata è stato naturalmente l’ultimo pezzo, la Tzigane di Ravel, in particolare la stretta finale, vero e proprio show pièce di tutte le più audaci sfide che un violinista è chiamato ad affrontare, dai pizzicati ai trilli, ai mordenti ai glissando… e che le dita di Giulia Rimonda hanno superato con olimpica disinvoltura e sfoderando un’energia quasi aggressiva Sarebbe somma ingiustizia non elogiare Lorenzo Nguyen, il cui contributo all’alta qualità di questo concerto è stato tutt’altro che secondario. I brani scelti per il programma del recital e in particolare le due grandi sonate di Brahms e di Grieg, concedono infatti al pianoforte un notevole margine di autonomia, spesso addirittura un ruolo di protagonista: non a caso, come giustamente si sottolinea nel programma di sala, il titolo originario della sonata n.2 di Brahms era, inusualmente, Sonata per pianoforte e violino. Nguyen sfoggia un suono sempre preciso, di grande duttilità: dal sommesso fruscio della mano destra con cui crea un sapiente sfondo sonoro per la melodia del violino nel primo Pezzo romantico di Dvorak, alla limpidezza incantevole del secondo tema , introdotto proprio dal pianoforte nell’Allegro amabile della sonata di Brahms, all’ampio assolo con cui, nell’Allegretto espressivo della sonata di Grieg, prepara, con un suono di delicato lirismo, l’ingresso del violino, per concludere con la brillante cadenza arpeggiata e armonicamente assai mobile, con cui il pianoforte, nella Tzigane di Ravel, dà il via alle evoluzioni virtuosistiche del violino, con un suono molto particolare, che cercava di riprodurre quello, un po’ metallico, di un tipico strumento della musica tzigana, il cymbalon. Anche Lorenzo Nguyen, insomma, è un musicista già maturo, completo , in pieno possesso di una tecnica sopraffina e di una capacità interpretativa ed espressiva di notevole spessore. Tutto il programma proponeva pezzi di alto interesse e di grande bellezza, ma il vertice era rappresentato dalla sonata n.2 di Brahms, una prova di grande impegno interpretativo per qualsiasi duo violino-pianoforte. L’esecuzione di Giulia Rimonda e Nguyen si distingue per la cura e la finezza dei dettagli timbrici e dinamici, che dà il meglio di sé nei due movimenti estremi: l’Allegro amabile iniziale evoca un mondo sonoro illuminato, dall’inizio alla fine dalla limpidezza di un La maggiore, che si risolve in un flusso di melodie suonate con leggerezza e soave eleganza da entrambi gli interpreti. L’Allegretto grazioso finale, nell’interpretazione di G. Rimonda e L. Nguyen, esalta le tinte morbide e piuttosto brunite, specie al violino, che sono l’inimitabile cifra dello stile brahmsiano. Splendido concerto, che ha entusiasmato il pubblico, cui sono stati offerti due bis: un pezzo di Brahms ( non abbiamo inteso bene quale, ma azzardiamo lo Scherzo per la F.A.E. sonata) e di nuovo il primo Pezzo romantico di Dvorak. Riteniamo doveroso segnalare che per i primi cinque minuti circa, il concerto si è svolto con tutte le luci spente, comprese quelle del palcoscenico, come testimonianza di partecipazione all’imminente Giornata degli ipovedenti: un’altra manifestazione della grande sensibilità umana e sociale di un gruppo, la Camerata Ducale, che sa aprirsi, con grande sensibilità, ai problemi e ai drammi del mondo e della comunità di cui è parte. ( foto Ivano Buat- Ufficio Stampa Vercelli)

12 febbraio 2023 Bruno Busca

Un "Omaggio a Nathan Milstein" di ottima qualità, quello ascoltato nell'elegante cornice del Salone d'oro della Società del Giardino per l'organizzazione di Serate Musicali. Il trentaseienne violinista milanese Alessio Bidoli e il noto pianista napoletano Bruno Canino, hanno rivelato una splendida intesa in un programma di brani classici e celebri, eseguiti in ordine cronologico di composizione. Da Giuseppe Tartini (1692-1770) con la nota Sonata per violino e basso continuo in sol minore "Il trillo del diavolo" nella trascrizione di Fritz Kreisler, all'ancor più celebre Sonata n.9 in la maggiore op.47 " Kreutzer" di Ludwig v. Beethoven (1770-1827). Dopo il breve intervallo, prima la Sonata n.2 in la maggiore op.100 di Johannes Brahms ( 1833-1897) e, a conclusione , la virtuosistica Tzigane, Rapsodia da concerto di Maurice Ravel (1875-1937). I brani di Tartini e di Ravel, prettamente violinistici, hanno esaltato le qualità virtuosistiche di Alessio Bidoli, un solista dotato di perfetta intonazione, con timbriche energiche, sicure e gamma di colori adeguati. Soprattutto in questi due brani, dove la componente virtuosistica risulta dominante, abbiamo rilevato un eccellente approccio con lo strumento ad arco giocato su una perfezione tecnica con ottimo vibrato nella evidente espressività complessiva. Le qualità pianistiche ben note di Bruno Canino, si sono ancor più rivelate nella splendida Sonata Kreutzer, probabilmente la più celebre tra le dieci sonate dedicate dal genio di Bonn a questa formazione cameristica. Segnaliamo il primo movimento, Adagio sostenuto.Presto, eseguito in perfetta sincronia ed equilibrio formale dal duo, con una sintesi discorsiva dal carattere improvvisatorio di eccellente restituzione sonora che ha pienamente meritato gli applausi anticipati dal numerosissimo pubblico intervenuto.Valida anche la Sonata op.100, seconda delle tre del compositore amburghese. Ancora ricca di estemporaneità il bis concesso con la nota Ridda dei folletti di Antonio Bazzini eseguita con rapida e suggestiva esternazione. Ricordiama che il duo Bidoli-Canino ha all'attivo numerose recenti incisioni discografiche che meritano un attento ascolto.

10 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Un'impaginato particolarmente valido quello predispisto dal violinista palermitano Davide Alogna e dal pianista riminese Enrico Pace. Alogna da alcuni anni è alla ricerca di rarità compositive di autori italiani come Margola, Fano, Wolf-Ferrari, Castelnuovo Tedesco, Pizzetti, ecc., che inserisce in concerti cameristici insieme a brani celebri di repertorio. Ieri sera, nel concerto di Sala Verdi organizzato da Serate Musicali, la serata è stata introdotta da un lavoro di Franco Margola ( 1908-1992) , musicista bresciano - di Orzinuovi- autore di una copiosa produzione musicale che andrebbe riconsiderata. La sua Sonata n.1 per violino e pianoforte del 1931, è in prima esecuzione a Milano, ha tre movimenti - Sostenuto/ andante, Lento e Vivace- , e un eccellente equilibrio formale che riprende lo stile, soprattutto francese, di fine Ottocento tradotto in un clima neoclassico. Ottima la resa interpretativa del duo Alogna-Pace, giocata su un'intesa perfetta nella distribuzione delle parti e nella resa timbrica sicura e dettagliata. I tre deliziosi brevi brani successivi, Pagine d'album n.2, del padovano Guido Alberto Fano (1875-1961) sono stati interpretati ancora con perfetta sincronia e corretto equilibrio dinamico. Le rilevanti qualità interpretative del duo sono emerse poi nei brani successivi di Schumann e Franck. Prima la nota Sonata in la minore op.105 del tedesco e poi, dopo l'intervallo, la straordinaria Sonata in la maggiore di Cesar Franck, preceduta dal suo Andantino quietoso op.6, hanno rivelato le alte qualità espressive sia di Alogna che di Pace, pianista quest'ultimo tra i più prestigiosi internazionalmente, ascoltato molte volte in Conservatorio con il celebre violinista greco Leonidas Kavakos. La minuziosa esternazione melodico-armonica di Pace, rivelata in ogni dettaglio con precisione ed espressività, ha trovato l'inserimento delle intense linee melodiche del bravissimo violinista, dotatato di perfetta intonazione e luminosa timbrica dai colori mediterranei. Applausi calorosi dal pubblico intervenuto in Conservatorio e molto bello il bis concesso con il raro Franck di Mélacolie, un brano dolcissimo ricco d'espressività. Bravissimi!

7 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Dopo una pausa di circa un mese e mezzo, è ripresa oggi, 5 febbraio, a Novara la quarantaduesima stagione del Festival Cantelli, promosso dall’Associazione Amici della musica Vittorio Cocito, con un recital del ventenne pianista Paolo Ehrenheim all’auditorium Olivieri, la sala concerti del Conservatorio cittadino. Allievo del Maestro Luca Schieppati presso il Conservatorio di Milano, Ehrenheim, nonostante la giovane età, ha già collezionato una lunga serie di affermazioni in numerosi concorsi nazionali e internazionali, tra i quali è d’obbligo segnalare il primo premio assoluto all’edizione 2021 del Premio Internazionale Martucci, concorso pianistico indetto annualmente, dal 2015, a Novara, dall’Associazione Amici della Musica. Nel concerto di ieri sera Ehrenheim presentava cinque composizioni, che abbracciavano tre secoli di storia della musica, dal ‘700 di J.S. Bach ad oggi. L’impaginato proponeva dunque una trascrizione per pianoforte solo del Concerto BWV 974 di Bach ( a sua volta trascrizione per clavicembalo del Concerto per oboe e archi di Alessandro Marcello), la Fantasia quasi sonata Après une lecture du Dante, dagli Annees de pelerinage di Liszt, Finlandia, Poema sinfonico per pianoforte solo di J. Sibelius ( anche in questo caso una trascrizione, dello stesso Sibelius, della celebre opera omonima da lui composta in una versione originaria per orchestra) le Blanca variations di Th. Adès (2016), per concludere con lo Shostakovic del Preludio e Fuga op.87 n. 24. Si tratta, come si vede, di composizioni che, nella maggior parte dei casi, presentano un livello notevolmente alto di difficoltà esecutiva. Va detto anche che proprio con due dei brani in programma, la Fantasia quasi sonata di Liszt e il Preludio e Fuga n.24 di Shostakovic, Ehrenheim si era aggiudicato due anni fa il Premio Martucci. Questa ampia carrellata di opere musicali così stilisticamente diverse, presuppone in primo luogo un interprete assai duttile, dotato di una non comune capacità di adattarsi a stili e linguaggi musicali lontani tra loro. A tale categoria di interpreti appartiene decisamente Ehrenheim il cui talento si esprime in una già superba padronanza tecnica della tastiera, unita ad un tocco che gli consente di fraseggiare il delicato contrappunto bachiano del Concerto BWV 974 con un suono limpido ed elegantemente tornito, avvolto da una dolce vena di malinconia, mai enfatizzata, nel sin troppo famoso Adagio, sfruttato dal cinema come colonna sonora a cominciare dal film “Anonimo veneziano”, che lo rese noto al cosiddetto ‘grande pubblico’. Ma è un tocco capace anche di un vigore e di un’energia trascinante che permettono al giovane pianista di dare un’ottima esecuzione dell’arduo “Après une lecture du Dante”, facendo risuonare con potenza persino inquietante, con una percussività metallica che ne accentuava la tragica cupezza, l’ossessivo motivo accordale in tritoni discendenti che domina la prima parte del pezzo, per poi stemperarsi, nella rarefatta e opalescente dolcezza, sublimata in un incantevole registro acuto, nella sezione ‘paradisiaca’, dove decisiva è la sensibilità dell’esecutore per la sottile variazione delle dinamiche, di cui il suono s’illumina, liberandosi dalle brumose caligini infernali della prima sezione tematica. Convincente davvero, questa interpretazione dell’opera lisztiana, fornita da Ehrenheim, in cui le parti più virtuosistiche non apparivano fini a se stesse, ma parte integrante di un disegno interpretativo che il pianista riusciva a comunicare al pubblico. Mentre l’esecuzione di Finlandia di Sibelius non va oltre un impeccabile rigore accademico (sia chiaro: è un complimento; per chi scrive l’aggettivo “accademico” non ha affatto significato negativo, tutt’altro!), Ehrenheim ci è piaciuto moltissimo nelle due composizioni conclusive., L’interpretazione del Preludio e Fuga n.24 in re minore (la stessa tonalità del brano iniziale: una coincidenza?) si è avvalsa di una tessitura sonora di estrema raffinatezza, in particolare nel Preludio, in cui il suono, come avvolto da una sottile aura di mistero, grazie a un portentoso controllo dell’agogica, si è librato lentamente in una progressiva tensione, intorno a un disegno motivico intriso di delicata tenerezza, nel quale l’interprete, in una breve presentazione al pubblico ha identificato la rivolta dell’individuo nei confronti del brutale collettivismo burocratico del regime sovietico. Ammirevole la disinvoltura con la quale Ehrenheim ha dominato i più complessi passaggi della fuga a quattro voci, conservando sempre quel suono evocativo ed emotivamente coinvolgente del Preludio. Quanto alle Blanca Variations di Adès, il cui titolo gioca sul doppio senso di “blanca”, che allude al tema della canzone latinoamericana “Lavaba la blanca nina”, quanto al nome della pianista Blanca Delgado, si tratta di una composizione che si caratterizza per estrema varietà di soluzioni ritmiche, agogiche e dinamiche, che trasformano il tema, talora rendendolo irriconoscibile, in vortici, che spesso prendono vita sulla tastiera, di scale e trilli, non allontanandosi troppo dalla tonalismo, com’è nell’abituale stile compositivo di Adès. Anche in questo caso l’esecuzione di Ehrenheim ha espresso, una volta di più, la sua eccellente varietà di tocco e capacità di adesione piena al mondo sonoro del brano, offrendo al pubblico un pezzo di raffinata sapienza architettonica nello sviluppo delle variazioni. Sollecitato dagli scroscianti applausi del pubblico, il giovane pianista ha concesso come bis una Sonata di Scarlatti, eseguita con delicata dolcezza timbrica. Un’altra bella serata di musica, questa offerta oggi dagli Amici della musica, che ha anche il merito di far conoscere un giovane , cui non è difficile profetizzare un brillante futuro. (Foto Borri - Novara)

6 febbraio 2023 Bruno Busca

4 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

2 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Il Museo del Novecento nella scenografica Sala Fontana ha ospitato, in collaborazione con NoMus e la Società del Quartetto, un interessante spettacolo musicale denominato “Lachrimae”. Un concerto del Duo Alterno, coppia di noti musicisti formata dal soprano Tiziana Scandaletti e dal pianista Riccardo Piacentini. Il duo è considerato un importante riferimento nel repertorio vocale-pianistico del Novecento e soprattutto contemporaneo. La voce recitante di Guido Barbieri, in alternanza ai brani musicali, ha sostenuto una valida parte di lettura di alcuni testi poetici e anche un suo pregnante testo denominato Sei metri quadrati: un racconto sconvolgente sulla sofferenza di vita di un detenuto di Guantanamo. L'impaginato, differenziato ma unitario nello stile estroso e personale dei protagonisti, prevedeva come introduzione un significativo lavoro di Sylvano Bussotti del 1978, Lachrimae, eseguito in questi decenni in più versioni cameristiche. È un lavoro nato come balletto rivisitato dal Duo Alterno per voce , pianoforte, recitazione e movenze coreografiche, in una versione autorizzata dall’Autore con frammenti in lingua francese antica, inglese, tedesca e italiana. Quasi un quadro teatrale, oltre che musicale, anche ben recitato e ottimamente cantato dal soprano, con interventi attoriali anche del bravissimo pianista. Il brano sucessivo della compositrice Elisabetta Capurso…veniva il vento d’estate… (2005) per pianoforte sulla cordiera e sulla tastiera ci ha portato in un frangente solo pianistico, con un lavoro non facile, ricco di timbriche irregolari lontane dalla scrittura tonale, con salti di altezze sapientemente espresse da Piacentini. Dopo l'ottima lettura di tre testi di Giuseppe Rosato da parte di Barbieri denominati "E dapò?”, tre commiati in dialetto abruzzese, il duo ha interpretato con disinvoltura la musica omonimo di Paolo Rosato su questi testi, per un brano del 2020. Interessante il brano successivo composto da Piacentini per pianoforte e voci registrate e denominato Jazz motetus X (Como un caballito de mar) del 2019. Un lavoro su un verso di Federico Garcia Lorca, ricco e diversificato, dove le timbriche pianistiche e la voce di Piacentini si intersecano con gli effetti sonori preregistrati in un tutto musicale energico. La lettura del toccante testo di Barbieri Sei metri quadrati ha introdotto l'omonimo brano per voce e pianoforte di Luigi Esposito, scritto nel 2010 e dedicato al Duo Alterno. Un'interpretazione che ha voluto ancor più potenziare la devastante narrazione sulla prigionia del campo americano di Guantànamo sull'isola di Cuba. Applausi fragorosi nella Sala Fontana stracolma, con molti spettatori in piedi. Ottimo il bis di Astor Piazzolla reso con passione dall'ottimo Duo.

1 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

31 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

La rassegna musicale legata al Conservatorio milanese denominata Musica Maestri!, prevedeva oggi in Sala Puccini, nel tardo pomeriggio, un concerto di grande interesse con la vincitrice del concorso del Conservatorio "G.Verdi" per la Categoria c, quella degli strumenti ad arco e a corda. La giovane violoncellista Chiara Kaufman, classe 2004, è risultata meritatamente la vincitrice. Accompagnata da Valentina Kaufman, sorella pianista, Chiara ha rivelato le sue qualità interpretative in un impaginato che prevedeva mesiche di Beethoven con 7 Variazioniin mi bem. maggiore sul tema mozartiano Bei Männen, welche Liebe fùhlen, quindi di Schumann con la Phantasiestücke op.73 e a conclusione di Prokofiev con la corposa Sonata in do magg. op.119. Di qualitè le interpretazioni ascoltate grazie al tocco incisivo, preciso e coinvolgente della cellista, in piena sinergia con l'avvincente componente pianistica, resa con classicità, perfezione tecnica e coinvolgimento interiore da Valentina. Applausi fragorosi dal numerosissimo pubblico intervenuto e ottimo il bis concesso con il Largo dalla Sonata per violoncello e pianoforte  op.65 di Chopin.  Bravissime!

29 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

29 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

Il programma del concerto proposto dal ViottiFestival ieri sera, sabato 28 gennaio, al Teatro Civico di Vercelli, era impaginato sulla Sinfonia per archi n.10 in si minore di F. Mendelssohn-Bartholdy, sul concerto per pianoforte in La maggiore n.12 K 414 di Mozart, sull’Elegia in memoria di Ivan V. Samarin per orchestra d’archi in Sol maggiore di P.I. Ciajkovskij, per entrare infine con fragorosi squilli di tromba nel ‘900 con il concerto per pianoforte, tromba e orchestra d’archi in do minore n.1 op.35 di D. Schostakovic. Un programma meravigliosamente ‘provocatorio’, che potremmo definire ispirato dalla volontà di produrre un ‘effetto-choc’: dopo le dolci, limpide melodie di Mendelssohn, Mozart e Ciajkovskij, ecco esplodere la meravigliosa, sgangherata, sguaiata sonorità del concerto di Schostakovic: dalla più pura tradizione classico-romantica l’ascoltatore è improvvisamente trascinato nel mondo dello sperimentalismo musicale del pieno ‘900, nella sua versione ironico- burlesca. Il tutto affidato alla sapiente bacchetta del violinista e direttore Guido Rimonda e alla sua Camerata Ducale, sempre più ringiovanita (segno indubbio di vitalità e di una ‘politica’ intelligente di apertura ai giovani, preparati e pieni di entusiasmo) mentre, per i due concerti, alla tastiera il pubblico vercellese ha avuto il piacere di ascoltare una sua vecchia conoscenza, uno dei migliori pianisti italiani d’oggi, Maurizio Baglini. La Sinfonia in si minore n.10, con cui ha avuto inizio la serata, è una delle dodici sinfonie per archi, scritte da un Mendelssohn adolescente e che l’autore stesso, considerandole puro esercizio di apprendistato, non ritenne neanche degne di un numero d’opus. Si tratta invece di opere che gli storici della musica e i direttori d’orchestra in tempi recenti hanno rivalutato, giustamente, riconoscendo nella maggior parte di esse una consapevolezza compositiva ed espressiva già mature, nonostante la giovanissima età dell’autore. In un unico movimento (a differenza delle altre), un Allegro di sonata, preceduto da un breve Adagio con funzione puramente introduttiva - alla maniera di Haydn- nell’interpretazione di Rimonda, come di consueto molto curata e precisa nei rapporti sonori e nei piani dinamici, la sinfonia mendelssohniana ha espresso al meglio la sua caratteristica essenziale: quella luminosa chiarezza melodica e quella serenità spirituale che traspaiono sia dal tono più meditativo e cantabile dell’Adagio, sia dallo spigliato profilo ritmico e dal brillante ‘finale’ dell’Allegro. Un’ottima esecuzione, che giustifica appieno, se mai ce ne fosse bisogno, il recupero di questo esordio fanciullesco del grande compositore amburghese; aggiungiamo che si tratta di un’opera particolarmente adatta al particolare ‘suono’ che con gli anni e il succedersi delle generazioni la Camerata Ducale ha maturato, un suono trasparente ed elegante, raffinatamente cameristico, e sottilmente espressivo, che le permette di raggiungere l’eccellenza in composizioni come questa, in cui classicismo e romanticismo si fondono in una ideale simbiosi. Decisamente valida anche l’interpretazione dell’Elegia di Ciajkovskij, uno dei gioielli del suo catalogo, che forse non riceve nelle sale da concerto italiane tutta l’attenzione che merita. Guidata da Rimonda, la Camerata Ducale ha realizzato un registro espressivo di incantevole morbidezza, reso elegante da una netta pulizia di suono, dovuta anche ai frequenti raddoppi d’ottava in partitura .Un merito di questa interpretazione ci è parsa l’intensa carica espressiva nella gestione dell’agogica e delle dinamiche, nel passare dalla misteriosa nostalgia dell’indimenticabile tema “interrogativo” che ritorna ossessivamente nel breve brano, al tono inquieto, fitto di sincopi, della sezione centrale, non facile per i frequenti passaggi in imitazione tra le varie sezioni degli archi. Il tutto suonato in una dimensione di intimo raccoglimento, resa possibile dalla dimensione cameristica dell’ orchestra torinese-vercellese, che aggiungeva una nota di più segreta dolcezza alla partitura. Questa bellissima serata musicale ha toccato il suo culmine con i due concerti pianistici che hanno visto protagonista Maurizio Baglini. Il Maestro pisano era chiamato a confrontarsi con due’ mondi sonori’ che più distanti di così sarebbe difficile immaginare: la fluidità melodica di ispirazione galante, alla Johann Christian Bach, del concerto K 414 di Mozart e quell’ incredibile pastiche musicale, da Beethoven alla musica da music hall e da circo che è invece il concerto n.1 di Schostakovic. Per affrontare credibilmente, su un piano non meramente esecutivo, ma anche interpretativo ed espressivo due partiture così diverse ci vuole un pianista che alla perfetta padronanza ‘tecnica’ della tastiera sappia accompagnare le qualità di un vero interprete, capace di ‘vedere’ al di là del suono prodotto, il mondo che esso evoca. Un pianista di questa pasta è senz’altro Baglini. La scrittura pianistica del K414 mozartiano non pone ardue difficoltà esecutive e non richiede certo tour de force virtuosistici, però impone un particolare lavoro espressivo sul suono, che Baglini ha realizzato alla perfezione, col suo Fazioli gran coda. E’, quello che Baglini ha creato per questo concerto, un suono di purissima freschezza, accompagnata da un gioco di timbri e di melodie di rara raffinatezza, una sorta di variegata e sfumata iride sonora che avvolge l’intera composizione. L’ascoltatore ne è colpito già dall’Allegro iniziale, dalla levità e delicatezza con cui è fraseggiato il primo tema e in generale dalla limpida fluidità, dal sereno abbandono al gioco vario delle divagazioni e degli incisi melodici che accompagnano tutto il primo tempo, in cui la ricchezza dei piani dinamici, esaltata dal tocco del pianista, crea suggestive ombreggiature. Questa qualità del suono di Baglini, che si avvale anche di un uso preciso dei pedali, si conferma naturalmente anche nei due successivi movimenti, toccando il suo apice nello sviluppo dell’Andante, ove, grazie anche all’interazione con l’orchestra, lo svolgimento melodico è avvolto in un succedersi di chiaroscuri di rara suggestività. Par quasi da non credere che questo pianista sia lo stesso capace di dare voce al complesso mondo sonoro del concerto di Schostakovic, in cui il dominante tono clownesco improntato a un’ironia sarcastica quanto amara, non esclude momenti di abbandono lirico, venato da un’indefinita ombra di malinconia. Baglini riesce a bilanciare con sapiente equilibrio queste due componenti, anche grazie ad un dialogo perfetto con la tromba, affidata alla giovane quanto brava Serena Basandella, che interagisce col pianoforte nei momenti-chiave del concerto. Dunque Baglini dà vita ad un suono percussivo, martellato con potente vigore e ad un fraseggio sostenuto da una linea ritmica di violenza quasi allucinata, nel primo tempo e nell’Allegro con brio finale, ove il suono, in prevalenza tenuto sui registri acuti, e con accordi massicci, acquista un ulteriore accento di vitalità chiassosa e farsesca. Di contro, di forte suggestione è l’esecuzione delle parti pianistiche del Lento, con il suo inimitabile ritmo di valzer triste in apertura, che si fa vero e proprio graffio sull’anima dell’ascoltatore, quando Baglini, nel finale del movimento sale a registri più acuti, creando un’atmosfera sonora così penetrante da rendersi indimenticabile. Nel presentare questo capolavoro al pubblico, Baglini ne indicava una delle possibili chiavi di lettura, soprattutto per il quarto tempo, nella parodia delle musiche che, al pianoforte, accompagnavano il cinema muto e che lo stesso Schostakovic compose, per vivere, in discreta quantità: è possibile, ma quando sentiamo il suono della tromba in sordina nella terza sezione del Lento (bravissima in questo passaggio la Basandella) nella nostra mente l’idea di un Divertissement cede bruscamente il posto a quella di una carnevalesca e perciò ancora più orribile Apocalisse: non dimentichiamo che questo concerto è del 1933, l’anno dell’ascesa al potere di Hitler e dei primi episodi del terrore staliniano, che sfiorò in almeno un paio di occasioni lo stesso Schostakovic. Due splendide esecuzioni, cui naturalmente la Camerata Ducale non ha mancato di dare il suo contributo, dialogando con grande efficacia con il solista, con sicuro stacco dei tempi ed entrate degli strumenti sempre regolate con precisione dalla bacchetta di Rimonda, che realizza al meglio il tono clownesco dominante in gran parte della partitura di Schostakovic. Travolgente il successo della serata, e in particolare del concerto di Schostakovic, presso il pubblico che stipava la platea del Civico: le ovazioni hanno strappato due bis, entrambi dal Concerto per pianoforte e tromba: il finale e tutto il primo tempo. Un concerto, quello di ieri, che annoveriamo tra i più belli tra gli ormai numerosi ascoltati qui a Vercelli. ( Foto dall'Ufficio Stampa di Vercelli)

29-01 2023 Bruno Busca

28 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

Un recital particolarmente interessante nell'impaginato e memorabile nella riuscita, quello ascoltato ieri sera al Teatro alla Scala dove il celebre soprano statunitense Renée Fleming ha trovato al pianoforte il grande pianista russo Evgeny Kissin che naturalmente oltre ad avere il ruolo, non certo secondario, di sostenere la voce in lieder di Schubert, Liszt, Rachmaninov e Duparc, ha avuto importanti momenti d'interventi solistici, interpretando alcuni brani dell'ungherese e del russo. Una sorta quindi di doppio recital con la parte più preponderante dedicata ai colori intensi ed espressivi della Fleming. Il riflessivo e pregnante pianismo di Kissin è l'evidente dimostrazione che, specie in compositori come quelli sopracitati, non esiste un ruolo secondario del pianoforte ma le composizioni per canto e pianoforte, quando definite da una componente armonica fondamentale, soprattutto in Liszt e Rachmaninov - ma anche in Schubert- hanno un insieme unitario tra i due elementi timbrici. I quattro lieder di Schubert che hanno introdotto l' impaginato, studiato alla perfezione dagli interpreti in modo da non creare contrasti inadeguati, hanno rivelato le ottime timbriche della Fleming, voce intonatissima, mai forzata, e ricca di tenue sfumature coloristiche. Abbiamo ascoltato del compositore viennese prima Suleika 1 poi Die Vögel, Lied de Mignon ed infine Rastlose Liebe, apprezzando l'interpretazione. Il Liszt successivo ha impegnato nei primi due lavori solo il pianista con Sposalizio da Année de pèlerinage - Italie, in un'esecuzione interiorizzata, scavata, riflessiva e ricca di espressività nelle note centellinate, quindi il più estroverso, scorrevole e delizioso Valse n.1 dai Quatre Valses oubliées. È ritornata poi la Fleming, accompagnata dal pianista in palcoscenico, per tre rare ma efficaci romanze di Liszt che tradotte nella nostra lingua titolano: Al colmo della gioia e del dolore, Su tutte le vette è pace e Nel Reno, nel bel fiume. Intesa ottima tra i due interpreti in questi brani di raro ascolto, con sonorità virtuosistiche al pianoforte tipiche del musicista ungherese e una voce ben delineata che rivela le ancora integre doti della cantante americana nel mettere in rilievo le capacità compositive del genio ungherese, in un settore musicale meno conosciuto. Dopo il breve intervallo, è stato il turno di Rachmaninov prima vocale, poi per solo pianoforte. Due canti, Siren' (Lillà) e Son (Il sonno), quindi il solo pianoforte con il meditato Mélodie e la spagnoleggiante Sérénade, entrambi dai Morceaux de fantasie op.3. Fragorosi applausi e ancora quattro brani: due di Liszt con il breve Se c'è un grazioso praticello e il corposo e splendido Oh! Quando dormo; quindi due canti di rara esecuzione del parigino Henri Duparc, Extase e Le manoir de Rosemonde, che hanno concluso il programma ufficiale. Questi ultimi due lavori, di rarissimo ascolto, erano molto in sintonia con i precedenti e ancora interpretati con evidente espressività. Applausi lunghi e calorosi al termine del programma ufficiale in un teatro al completo e ben tre i bis concessi : prima una meditata e luminosa Ave Maria di Schubert, poi ancora un lied di Rachmaninov e, a conclusione, di Richard Strauss un'intensissima Morgen. Pubblico in delirio, in piedi, e numerose uscite dei due grandi protagonisti visibilmente soddisfatti.

27 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

L'omaggio alla musica per il cinema dell'ottima serata ascoltata ieri sera in Conservatorio per la Società dei Concerti e denominata "SMILE: uno Stradivari al Cinema", vedeva il violino di Guido Rimonda acompagnato dalla sua Camerata Ducale. Una miscellanea di brani, quasi tutti notissimi, che ci hanno portato al mondo delle immagini, pur essendo alcuni di questi temi di una bellezza autonoma indiscutibile. Stiamo parlando del tema da Schinder's list di John Williams, del tema dal Postino di Luis Bacalov, del Tema di Deborah da C'era una volta in America di Ennio Morricone e ancora di Morricone il Tema d'amore da Nuovo cinema paradiso, solo per citare quelli che tutti conoscono. Ma ben quindici erano i brani in programma con anche il celebre Adagio di Albinoni utilizzato nel film Il processo o il brano She cantato da Charles Aznavour nel film Notting Hill. La mirabile interpretazione di Rimonda, nel felice contesto dell'ottima Orchestra d'Archi, ha nobilitato musiche che trovano nella valore melodico, romanticamente espresso, la ragione del successo di un concerto che non può non piacere. Il timbro elegante e profondo dello Stradivari utilizzato dal solista-direttore è apparso di evidente bellezza. Applausi fragorosi dal pubblico presente in Sala Verdi e un fuori programma con un bis di Giovanni Battista Viotti, il musicista al quale Rimonda deve moltissimo nella sua brillante carriera violinistica e direttoriale. Di Viotti è stata eseguita una delicata e profonda Meditazione in preghiera (1793). Splendida!

26 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

23 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

Dopo la pausa natalizia, il vercellese Viottifestival apre il nuovo anno della sua XXV stagione con il recital del trentenne pianista pescarese Leonardo Pierdomenico, segnalatosi in numerosi concorsi nazionali ed internazionali di prestigio, tra cui il Van Cliburn del 2017, ove ottenne uno dei premi in palio, il R. E. Buck Award. Ieri sera, sabato 14 gennaio, sul palcoscenico del Teatro Civico, Pierdomenico presentava un programma intelligentemente studiato e di notevole spessore ‘musicologico’, incentrato sulle due figure di Chopin e di Skrjabin, ovvero su due momenti-chiave nella storia della musica, non solo pianistica, dell’8-‘900. L’impaginato era impostato secondo il criterio di un rigoroso confronto tra i due compositori, giustificato dall’evidente influenza che il modello del grande polacco ebbe sulla formazione del linguaggio musicale di Skrjabin, che peraltro intraprese ad un certo punto un percorso tutto suo, riplasmando in modo profondamente originale le conquiste del pianismo chopiniano e aprendosi, con soluzioni armoniche atonali e la dissoluzione delle forme tradizionali, a un mondo musicale ormai partecipe del ‘900. Questo ‘specchio’(secondo l’azzeccato titolo del programma di sala) tra Chopin e Skrjabin è ottenuto con l’alternarsi di opere dei due autori appartenenti al medesimo genere musicale: Mazurke, le due op.40 di Skrjabin e le tre op.50 di Chopin, Valzer, l’op. 38 di Skrjabin e il Grande Valzer op. 43 di Chopin, Improvvisi, col n.1 di Chopin e l’op.14 n.1 del compositore russo, Sonate, la n.5 in fa diesis minore op.53 di Skrjabin e la chopiniana n.3 in si min. op.58, a chiudere il concerto Nell’affrontare questo impegnativo programma, Pierdomenico si rivela pianista di notevoli qualità: al completo dominio tecnico della tastiera, che gli permette di superare con disinvoltura le più impervie difficoltà nella diteggiatura, proprie sia di Chopin, sia, e soprattutto, di Skrjabin (le cui leggendarie ‘piccole mani’ gli imposero soluzioni di diteggiatura che sfiorano l’acrobazia) si aggiungono già mature capacità interpretative ed espressive. In generale il pianista abruzzese vanta un ottimo legato, che gli consente un fraseggio fluido e avvolgente, anche nelle sezioni agogicamente più travolgenti, accompagnato dalla dote di conferire alla frase, all’esposizione di motivi e temi, quel giusto ‘respiro’ che asseconda le varie e cangianti sfumature della melodia, sostenuta anche da un sapiente uso dei pedali. Queste qualità emergono in particolare nell’interpretazione delle composizioni di Chopin, in particolare nei frequenti passaggi di fitta ornamentazione, ove Pierdomenico, sfruttando al meglio la veloce e incessante ripetizione di una figura ritmico-melodica, crea un continuum sonoro di coinvolgente intensità espressiva, aliena da ogni esibizione di banale virtuosismo, come nel Grande Valzer op.42. Il tocco del giovane pianista pescarese si caratterizza per luminosità e precisione, trasparente pulizia, capace di plasmare con nettezza ogni singola nota, anche nei passaggi più rapidi, e con perfetto equilibrio sonoro delle due mani, il che consente all’ascoltatore una limpida percezione anche dei sostegni armonici delle parti melodiche della partitura: anche dai palchi era ben udibile la particolarità del Valzer op.38 di Skrjabin, in cui la mano sinistra non segue il ritmo tipico della danza, ma realizza la misura dei tre quarti con serie di quartine o quintine. Soprattutto, il suono di Pierdomenico ha una particolare duttilità dinamica, che conferisce al fraseggio un continuo gioco chiaroscurale, che ne potenzia l’intensità espressiva. Per questo motivo il brano che più ci è piaciuto del recital di Pierdomenico è la Sonata op.5 in Fa diesis min. op.53 di Skrjabin: opera capitale nel catalogo del grande musicista russo, punto di svolta della sua concezione della musica, in cui allo sfaldamento del tonalismo tradizionale s’accompagna la dissoluzione degli schemi cari alla forma-sonata ottocentesca. In un unico movimento, che riprende formalmente il primo tempo di sonata, per trasformarlo profondamente (tanto che riesce davvero difficile al primo ascolto distinguerne le diverse partizioni), la sonata n.5 di Skrjabin per ‘contenuto’ musicale si caratterizza per l’alternarsi, presente fin dall’Introduzione di momenti di impetuosa esaltazione e momenti in cui il suono, ridotto quasi alla sordina, si rarefà, in un clima di estatica sospensione (‘Languido’, è indicato nella partitura), creando un insieme musicale imprevedibile, affascinante nella rottura di ogni legame di logica razionale tra i diversi frammenti in cui è spezzato. Pierdomenico è bravissimo a sottolineare espressivamente la suggestione di questo capolavoro, dando l’impressione, nei momenti più estatici, quasi di sfiorare più le corde che i tasti del pianoforte, per poi subito dopo rituffarsi nel magma convulso dell’Imperioso o del Tumultuoso esaltato. Un’esecuzione, questa di Pierdomenico, che colloca la sua quinta sonata di Skrjabin, tra le migliori da noi ascoltate negli ultimi anni, pianisti russi compresi ( si dice che solo i russi sappiano suonare Skrjabin come si deve…). Se qualcosa quest’ ottimo pianista deve ancora affinare è forse quella sfumatura di delicata e perlacea dolcezza necessaria ad uno chopiniano completo: quello che sarebbe dovuto essere uno dei momenti ‘clou’ della serata, la lunga elegia della sezione centrale del Largo della Sonata n.3, uno squarcio di luminosa e inafferrabile, eterea dolcezza che ha pochi eguali nella storia della musica, nell’esecuzione di Pierdomenico non ci ha comunicato quell’emozione che altri interpreti ci hanno dato. Non ci soffermiamo naturalmente su altri singoli brani in programma, in cui il pianista pescarese ha messo in mostra il meglio delle sue risorse tecniche ed interpretative. Applauditissimo dal pubblico, che riempiva la platea del Civico, Pierdomenico ha concesso due bis: il primo, ci pare, da Skrjabin, il secondo il celebre Studio op. 25 n.1 di Chopin, eseguito alla perfezione nella sua travolgente melodia figurata. L’anno 2023 per la Camerata ducale e il ViottiFestival, si apre dunque sotto i migliori auspici, e con l’augurio di riascoltare prossimamente il bravo Pierdomenico. (Foto Ufficio stampa Vercelli)

15 gennaio 2023 Bruno Busca

L'interessante impaginato sinfonico ascoltato ieri sera in Auditorium dall'Orchestra Sinfonica di Milano prevedeva due brani importanti: il primo di Leonard Bernstein con la Serenata per violino solista, archi e percussioni, lavoro del 1954 ispirato dal Simposio di Platone e, dopo l'intervallo, di Felix Mendelssohn la nota Sinfonia n.3 in la minore op.56 "La Scozzese". Il primo lavoro è stato preceduto da un'incisiva lettura di estratti del Simposio operata da Massimiliano Finazzer Flory. Ricordiamo che proprio il grande direttore e compositore americano, nel realizzare la Serenata, aveva stabilito una sorta di programma legato all'opera del grande filosofo, suddividendo il lavoro in cinque parti, in relazione al dialogo degli intellettuali, poeti e filosofi, citati nel Simposio: Fedro, Pausania, Aristofane, Erissimaco, Agatone, Socrate e Alcibiade. La direzione dell'orchestra milanese era affidata a Kolja Blacher, mentre la Serenata trovava nel ruolo di protagonista il giovane violinista spagnolo Javier Comesaña, un solista emergente nel panorama internazionale, vincitore del Concorso Internazionale J.Heifetz di Vilnius e dei quello dedicato a J.Joachim. Un brano particolarmente coinvolgente quello di Bernstein, restituito con profonda espressività dall'orchestra e dalle eccellenti sonorità del violino di Comesaña. La sua cavata morbida e all'occorrenza incisiva, ha esternato sonorità perfettamente adeguate al complesso lavoro che rivelano un Bernstein con il suo tipico linguaggio diversificato, che sa essere solenne, ritmico e spesso estroverso. Ottima l'interpretazione complessiva. Bravissimo Comesaña nel bis solistico concesso con l'Andante dolce dalla Sonata per violino solo di S.Prokofiev eseguito con intensa espressività. La Sinfonia n.3 op. 53 "Scozzese" del musicista tedesco ha quindi rivelato ancor più le qualità direttoriali di Blacher, interprete noto anche come violinista. La valida interpretazione della Sinfonica era esplicitata da un corretto dosaggio timbrico nei quattro movimenti che formano il celebre lavoro composto da Mendelsshon nel 1842. Precisa e dettagliata la direzione di Blacher. Applausi fragorosi al termine dei brani eseguiti. Domenica 15 gennaio alle ore 16.00 si replica. Da non perdere.

14 gennaio Cesare Guzzardella

Una serata all'insegna della musica barocca, quella organizzata dalla Società dei Concerti in Conservatorio, con una compagine cameristica di primo livello quale "Concerto de' Cavalieri". Un ensemble fondato e diretto da Marcello Di Lisa, specializzato in musica antica. Ieri sera il programma di Sala Verdi prevedeva musiche di Antonio Vivaldi e di J.S. Bach. Aseguiti in alternanza, abbiamo ascoltato tre concerti del veneziano ( op.3 n.9- op.3 n.5 e RV 739) e tre Brandeburghesi del grande tedesco ( n.5, n.3 e n.4). La resa strumentale di questa eccellente orchestra d'archi, con clavicembalo e in alcuni brani uno o più flauti, è stata caratterizzata da timbriche dal sapore antico, delineate in modo fluido e virtuosistico sia nei fondamentali interventi solistici che nell'insieme strumentale. Il virtuosismo strumentale, tipico della musica di primo Settecento, sia vivaldiano che bachiano, ha trovato gli ottimi interventi del violino solista nelle mani di Federico Guglielmo, del bravissimo flautista Tommaso Rossi e dell'efficace cembalista Salvatore Carchiolo, tastierista con importante intervento solistico nel Concerto Brandeburghese n.5 in re maggiore. Guglielmo era presente come solista nella maggior parte dei brani e la sue splendida resa espressiva si è rivelata disinvolta, sicura e con caratteristiche "improvvisatorie" tipiche del migliore barocco. Nel brano finale, il Concerto Brandeburghese n.4 in sol maggiore, oltre al violino solista di Guglielmo e il flauto di Tommaso Rossi di eccellente resa, era presente un secondo flauto con la bravissima Rebeca Ferri, violoncellista negli altri brani. Successo meritatissimo per tutti i protagonisti ad iniziare da Marcello Di Lisa e fragorosi applausi. Come bis ripetizione di un movimento vivaldiano. Splendida serata.

12 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

"Around Astor" è il titolo pensato dal sassofonista romagnolo, di Faenza, Marco Albonetti per il concerto di ieri sera alle Serate Musicali del Conservatorio milanese. È un omaggio al grande compositore e virtuoso di bandoneón Astor Piazzola, nel trentennale della sua scomparsa. Un impaginato che prevedeva anche brani di altri autori, vicini a quel mondo musicale legato ai ritmi del tango argentino. Cinque brani di Piazzolla (1921-1992) si sono alternati ad altri di Carlos Gardel (1890-1935), Nadia Boulanger (1887-1979), Pablo Ziegler (1944) e Richard Galliano (1950), per una serie di arrangiamenti-adattamenti dello stesso Albonetti che nei profondi timbri dei sassofoni soprano, contralto e baritono, hanno trovato ottime trascrizioni per l'Orchestra Filarmonica Italiana, una compagine di strumenti ad arco con l'aggiunta di un pianoforte. Il risultato complessivo, molto apprezzato dal numeroso pubblico presente in Sala Verdi, è stato certamente valido, con sinceri applausi al termine, pienamente meritati, dovuti ai colori precisi e profondi delle timbriche espresse dall'ottimo sassofonista e anche ai calibrati, precisi e tenui colori della valida compagine strumentale. Alcuni brani celebri di Piazzolla, come Oblivion, reso con eccellente espressività dal sax soprano di Albonetti e anticipato da una breve introduzione/improvvisazione del sassofonista o Otoño Porteño, intensamente espressivo, e anche Fuga y Misterio che trova riferimento al fugato bachiano, hanno trovato alternanza con altri meno celebri come Triunfal o Años de soledad, un brano, quest'ultimo, che nel lontano 1974 venne interpreto da Piazzolla insieme al grande sassofonista-baritono Gerry Mulligan. Mentre gli altri lavori, ad iniziare da una sorta d'improvvisazione introduttiva dal brano Volver del noto cantante franco-argentino Carlos Gardel o dal melodico, quasi una preghiera, Lux Aeterna, della celebre didatta compositrice francese Nadia Boulanger, non erano certo molto conosciuti. Interessanti i due brani di Ziegler -collaboratore e pianista di Piazzolla - prima con RojoTango e poi con il profondo e armonicamente più complesso Milongueta. A conclusione due classici brani del grande fisarmonicista francese Richard Galliano, un compositore molto legato a Piazzolla, prima con La Valse a Margaux, eseguita molto bene dalla sola Orchestra d'archi - per problemi inaspettati al sax di Albonetti- e poi il Tango pour Claude, nella trascrizione per sax soprano e orchestra, questa volta con il sassofono risistemato, ma a detta di Albonetti, solo parzialmente funzionante. Una serata diversa dal consueto, presentata in modo divertente dallo stesso Albonetti, e certamente di ottima qualità, con un bis nella ripetizione di Años de soledad.

10 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

Meritato successo al Teatro alla Scala per il baritono austriaco Markus Werba che insieme al pianista e direttore d'orchestra milanese Michele Gamba hanno affrontato il più grande capolavoro vocale di Franz Schubert, il ciclo di 24 lieder per voce e pianoforte, Winterreise D911- Viaggio d''nverno, su liriche di Wilhelm Müller, terminato nell'ottobre del 1827. Il viaggio iniziato con il celebre lied Gute Nacht- Buona notte, e concluso con Der Leiermann, L'uomo dell'organetto, segna l'ultima tappa completa , probabilmente la più importante, insieme a Die Schöne Müllerin - ciclo di qualche anno prima- del grande compositore viennese, anche se l'anno successivo al Viaggio d'inverno, Schubert concludeva un ciclo più breve in quattordici canti, con testi di più autori, Schwanengesang, Il canto del cigno. Il lied conclusivo di Winterreise, Der Leiermann, che abbisogna al termine di una lunga pausa di silenzio, purtroppo ieri sera interrotta dai precoci applausi del pubblico, segna un momento di riflessione importante nella produzione vocale e strumentale di Schubert. Sono poche e fondamentali note del pianoforte che si pongono in relazione con la calda voce del baritono, che esprime parole che fanno riflettere sul valore e sull'utilità della vita umana. Il celebre baritono, ottimanente inquadrato armonicamente dalla note di Gamba, pianista molto rispettoso della vocalità, ha intonato con calore ed espressività tutti i ventiquattro canti, rivelando una timbrica chiara e ricca di colori. Il pubblico, al termine, ha mostrato entusiasmo per la splendida serata canora e i protagonisti sono usciti soddisfatti più volte in palcoscenico senza però concedere  bis, ma probabilmente, dopo quel conclusivo Der Leiermann, non era proprio necessario. (foto di Brescia e Amisano dall'Archivio della Scala)

Solo all' ultimo momento sono fortunatamente riuscito ad assistere oggi in Auditorium, all'ultima replica pomeridiana della Sinfonia n.9 in Re minore per soli, coro e orchestra op.125 di L. v. Beethoven. Il capolavoro era diretto dal ventinovenne tedesco Thomas Guggeis, una giovane bacchetta insignita a soli venticinque anni del ruolo di Staatskapellmeister alla Staatskapelle di Berlino e già assistente di Daniel Barenboim. L'Orchestra Sinfonica di Milano, con il suo Coro Sinfonico preparato da Massimo Fiocchi Malaspina e quattro eccellenti solisti quali Heather Engebretson, soprano, Lucia Cirillo, mezzosoprano, Moritz Kallenberg, tenore, e Christian Senn, baritono, hanno espresso un'interpretazione di alta qualità, ben proporzionata alla splendida visione scenografica complessiva dove emergevano i pregnanti ed eleganti vestiti rossi delle bravissime orchestrali. Una direzione, quella di Guggeis, giocata su una mirabile sintesi discorsiva, con tempi piuttosto rapidi- l'esecuzione è durata 62 minuti- , ricchi di energia, definiti da un perfetto equilibrio delle parti. Il momento clou, quello tanto atteso del gran finale, con l'Inno alla gioia nell'ultimo movimento, quando il Coro si alza in piedi e iniziano gli interventi dei quattri solisti, ha ancor più impreziosito l'interpretazione di un capolavoro che per tradizione rappresenta la fine di ogni anno musicale dell'Orchestra Sinfonica di Milano ( ex LaVerdi). Un successo strepitoso meritatissimo quello ottenuto il primo giorno dell'Anno 2023 nella sala al completo, con applausi calorosissimi ed interminabili a tutti i protagonisti, visibilmente soddisfatti. Splendido inizio d'anno, con il genio di Beethoven e gli eccellenti protagonisti interpreti.

1 gennaio 2023 Cesare Guzzardella