RECENSIONIDVDLIBRI

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5 luglio 2024 Cesare Guzzardella

Una direzione ottima quella di Thomas Guggeis per il Requiem di Mozart al Teatro alla Scala. Il giovane direttore tedesco è spesso presente a Milano e ieri sera ha affrontato il capolavoro del grande salisburghese con piglio deciso e sicurezza in ogni frangente, dirigendo l'Orchestra e il Coro del Teatro alla Scala. Senza utilizzare la bacchetta, ha rivelato una gestualità raffinata nell'anticipare gli interventi dei singoli strumentisti o delle sezioni strumentali, elargendo idee chiarissime su come eseguire il suo Mozart. Un'esecuzione decisa, dove i contrasti volumetrici tra strumenti, coro e voci soliste erano ben pesati e in ottimo equilibrio. L'opera composta dal salisburghese nel suo ultimo anno di vita, il 1791, è stata eseguita con la parte completata da Franz Xaver Süssmayr, il compositore austriaco contemporaneo di Mozart, rimasto nella storia solo per questa importante compartecipazione. Il grande Coro preparato da Alberto Malazzi ha trovato, a completamento della componente vocale, quattro voci soliste: quelle del soprano Juliana Grigoryan, del mezzosoprano Cecilia Molinari, del tenore Giovanni Sala e del basso Adam Plachetka, tutte ottime timbriche che hanno contribuito alla riuscita di questa eccellente interpretazione. Un' esecuzione quindi di alto livello, coronata dai fragorosi applausi del numeroso pubblico presente in teatro. L'ultima replica è prevista per domani 5 luglio. Da non perdere!

4 luglio 2024 Cesare Guzzardella

Una serata straordinaria quella vista e ascoltata ieri sera al Teatro alla Scala per l'unica rappresentazione in forma semiscenica di The Fairy Queen - La regina delle fate- di Henry Purcell. L'opera in cinque atti del musicista londinese tratta da "Sogno di una notte mezza estate" di William Shakespeare venne rappresentata a Londra per la prima volta nel 1692, nel "teatro della regina" Dorset Garden. Il gruppo strumentale specializzato in musica antica "Les Arts Florissants" ieri sera era diretto da un esperto del settore quale il franco-americano William Christie, (coadiuvato da Paul Agnew) ideatore e fondatore nel 1979 dell'eccellente compagine orchestrale . Il gruppo vocale di solisti e soliste erano del Jardin des voix 2023. Pur essendo in forma semiscenica rilevante è stata la coreografia e la regia dello spettacolo di Mourad Merzouki, figura di spicco della scena Hip-hop dagli anni '90. Il palcoscenico era continuamente vivacizzato dalla presenza delle ballerine e dei ballerini della Compagnie Käfig, abili in situazioni spesso acrobatiche con riferimenti alle più attuali e popolari movenze dei nostri giorni. L'inserimento delle otto voci nel contesto delle danze, con cantanti spesso partecipanti alla danza, ha creato una dinamicità che ha arricchito la messinscena attraverso contrasti particolarmente riusciti con il susseguirsi delle numerose arie aventi spesso caratteristiche opposte rispetto ai movimenti danzanti, essendo a volte di evidente riflessività, ma comunque di grande fantasia e ottimamente in sintonia con l'invenzione coreografica di Merzouki. La scena, molto colorata, vivacizzata dai costumi di Claire Schirck e dalle luci di Fabrice Sarcy, è risultata particolarmente idonea a creare un'atmosfera giovanile, ricca di energia positiva. La splendida orchestra con strumenti originali, diretta magnificamente da Christie, ha avuto anche un' estensione nel palcoscenico con la presenza di solisti strumentisti che a rotazione hanno interagito con i cantanti per splendidi duetti "strumento-voce" come quello del rilevante violino di spalla Emmanuel Resche-Caserta salito sul palcoscenico per interagire con l'eccellente voce femminile. Ricordiamo le ottime giovani voci dell'ensemble: il soprano Paulina Francisco, i mezzosoprano Georgia Burashko, Rebecca Leggett, Juliette Mey, i tenori Ilja Aksionov e Rodrigo Carreto, il baritono Hugo Hermann-Wilson e il basso-baritono Benjamin Schilperoort. Tra gli straordinari ballerini: Baptiste Coppin, Samuel Florimond, Anahi Passi, Alary-Youra Ravin, Daniel Saad e Timothée Zig. Applausi calorosissimi e alla fine ancora musica e danza con il direttore William Christie in palcoscenico. Splendida serata super applaudita!

1 luglio 2024 Cesare Guzzardella

Capita raramente di assistere al Trittico di Giacomo Puccini. L'ottima proposta del Teatro Regio di Torino per omaggiare il musicista toscano, nel centenario della morte, con Il Tabarro, Suor Angelica e Gianni Schicchi, in unica soluzione, ha certamente avuto un grande apprezzamento da parte del pubblico che ieri sera ha assistito alla quinta rappresentazione. Tre opere concepite da Puccini in un lasso di tempo piuttosto breve e confluite nella prima rappresentazione al Metropolitan di New York il 14 dicembre 1918. Sono passati quindi più di cento anni da quel giorno e il successo al Teatro Regio sicuramente verrà ripetuto nelle ultime tre repliche previste (30 giugno- ore 15.00- , 2 e 4 luglio - ore 19.30). Le tre brevi opere, circa 60 minuti di durata ognuna, sono state portate prima sulla scena del Théâtre Royal de la Monnaie di Bruxelles, in coproduzione col Regio di Torino, affidando la regia al tedesco Tobias Kratzer (ripresa da Ludivine Petit), con scene e costumi di Rainer Sellmaier (ripresi da Clara Hertel). Tre lavori decisamente diversi per genere, per modi rappresentativi e per resa musicale, anche se tutti esprimono in ogni sequenza sonora lo spirito del genio pucciniano. A dare unità ai tre lavori è stata certamente l'ottima direzione di Pinchas Steinberg, che ha saputo plasmare i colori dell'Orchestra del Teatro Regio, del Coro e del Coro di Voci bianche - qui insieme a Claudio Fenoglio e Ulisse Trabacchin- in una discorsività raffinata, volta a sottolineare in modo mirabile le voci dei protagonisti. Il regista Kratzer e lo scenografo e costumista Rainer Sellmaier sono riusciti a realizzare lavori differenti per resa visiva e articolazione spaziale e di movimento dei partecipanti. Ne Il Tabarro la scena è divisa in verticale in quattro quadri, due di essi più utilizzati, che si associano quasi cinematograficamente al racconto verista della tragedia sentimentale che coinvolge la giovane Giorgetta e l'amante Luigi, che finirà assassinato dal geloso Michele, marito tradito. I tramonti sulla Senna sono sostituiti con efficacia da immagini che ricordano New York. Ottimi i tre protagonisti, Roberto Frontali, Alena Stikhina e Samuele Simoncini, in un contesto complessivo di buona resa drammaturgica. Di maggiore spessore espressivo Suor Angelica, insieme a Gianni Schicchi, l'opera breve generalmente più rappresentata. L'idea registica e scenica di raddoppiare la scena- per Suor Angelica - con il supporto visivo di una proiezione gigante in bianco e nero, ambientata nel convento, con le stesse protagoniste, a fare da sfondo, ha favorito certo la visuale dei primi piani e ha maggiormente coinvolto gli spettatori. Protagonista assoluta, Suor Angelica, ancora nella voce di Elena Stikhina, ci è sembrata maggiormente centrata, con particolare intensità vocale nel meraviglioso Senza mamma, bimbo tu sei morto...inserito ottimamente nell'orchestrazione di Pinchas Steinberg. Bravissime le altre interpreti: splendide le voci di Anna Maria Chiuri, la zia Principessa, e Monica Bacelli, la Badessa. Con netto contrasto scenico e di carattere, Gianni Schicchi è stato il lavoro che coralmente e teatralmente ha trovato un maggiore successo. Il protagonista Schicchi, ancora nella voce di Roberto Frontali, qui anche attorialmente di grande levatura espressiva, ha avuto tutti i compagni di lavoro in perfetta sintonia scenica. Trovate azzardate riuscitissime (inserite in un contesto moderno), come quella di far comparire i personaggi in costume da bagno, dentro una vasca piena di schiuma, hanno sottolineato gli aspetti ironici e divertenti del lavoro. Di ottima resa vocale Lucrezia Drei, una Lauretta bravissima anche nell'avvincente O mio Babbino Caro; applauditissima Elena Zillo, Zita Donati. Ottimi Matteo Mezzaro, Rinuccio, Roberto Covatta, Gherardo, Irina Bogdanova, Nella, e tutti gli altri. Applausi fragorosi

28 giugno 2026 Cesare Guzzardella

All'interno di una Stagione musicale più ampia denominata Suoni trasfigurati-nuovi spazi, curata da Luca Carcinelli e da Luisa Longhi, che si sviluppa in ben cinque luoghi importanti di Milano, ieri al Museo del Novecento abbiamo assistito al concerto del pianista genovese Andrea Bacchetti, assai noto per il suo eccellente Bach, ma anche per il suo interesse per la musica novecentesca e dei nostri giorni. Nella prestigiosa e panoramicissima Sala Fontana , il concerto, tenuto davanti ad un numeroso pubblico, s'intitolava “Voci frammentate. Echi lirici del Novecento” e spaziava da Bach, a Debussy, da Schönberg, a Berio e a Peterson, a Villa-Lobos e anche ad una composizione del musicista milanese, Filippo Del Corno, presente in sala. L'omaggio al suo amato J.S.Bach è stata una scelta quasi obbligata, con una selezione di Preludi e fughe dal Clavicembalo ben temperato ( BWV 854- 865- 871) , unitamente al profondo Corale Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ BWV 639 nella stupenda trascrizione di Ferruccio Busoni. La musica del genio tedesco è fondamentale per comprendere le radici di ogni forma musicale, anche di quelle novecentesche. Dopo l'esaustiva e dettagliata interpretazione di Bach, Bacchetti è passato a Claude Debussy, con due brani dalla raccolta di pezzi per ragazzi Children's Corner, quindi a due preludi quali Bruyères e la Cathédrale engloutie. Un Debussy molto meditato quello ascoltato, elegante e ricco di colori. Entrando ancor più nel Novecento, Bacchetti è arrivato prima a Schönberg con i Sei brevi Klavierstücke op.19 eseguiti con limpidità nelle complesse architetture rilevate con piani sonori limpidi. Molto interessante anche l'interpretazione di due dei Sei Encores di Luciano Berio, precisamente Brin e Wasserklavier, brani che il pianista aveva eseguito anche alla presenza del compositore ligure alcuni decenni fa. Di ottima valenza di scrittura e di chiarissima interpretazione il brano successivo, Un luogo quieto di Filippo Del Corno, brano del 1994, che certamente rivela le valide qualità dell'autore e rle influenze non lontane di alcuni musicisti appena ascoltati, come forse Debussy, per una certa componente meditativa e per la coloristica antica ben rilevata da Bacchetti. Applausi sia all'interprete che al compositore. Gli ultimi brani dell'impaginato erano prima un arrangiamento di Bacchetti di He has gone del pianista jazz Oscar Peterson e poi il celebre O Polichinelo di Villa-Lobos, di grande virtuosismo ed eseguito con straordinaria chiarezza espressiva. Applausi meritatissimi e numerosi i bis concessi:  un breve Villa-Lobos, un espressivo Moon River di H. Mancini, e poi un ritorno al classicismo con un'ottima Fantasia in re minore K 397 di Mozart, l' Improvviso n.2 in la bem. maggiore D 935 di Franz Schubert e ancora una brevissima Fuga di Bach. Applausi fragorosi. Bravissimo!

26 giugno 2024 Cesare Guzzardella

Il numerosissimo pubblico di appassionati del bel canto, presente ieri sera al Teatro alla Scala, ha accolto con entusiasmo il tenore Roberto Alagna, sessantunenne francese figlio di siciliani. Il programma era un omaggio interamente dedicato a Giacomo Puccini a cento anni dalla morte, compositore caro al celebre interprete. I numerosi brani dell'impaginato sono stati inframmezzati da brani solo pianistici, sempre da opere pucciniane, eseguiti bene, con modalità estemporanee, dallo statunitense Jeff Cohen. In duo con il celebre tenore sono stati interpretati arie da Le Villi, da Elgar, da Manon Lescaut, da Bohème, da Tosca, da Madame Butterfly, da Fanciulla del West, da Turandot e nei bis concessi, da La rondine, da Il Tabarro e da Gianni Schicchi. Tutti i brani  hanno rivelato l'ottima tenuta della voce di Alagna, considerando la sua non giovane età. Nella prima parte le arie Torna ai felici dì da Le Villi, Orgia, chimera dall’occhio vitreo da Edgar, Tra voi belle, brune e bionde, e poi Donna non vidi mai da Manon Lescaut hanno riscosso fragorosi applausi; ma è con i cavalli di battaglia della seconda parte, con Che gelida manina da La bohème, E lucevan le stelle da Tosca , arrivando al gran finale di Nessun dorma da Turandot, che Alagna ha mandato in visibilio moltissimi dei presenti in teatro. Prima della celebre aria da Turandot, aveva anche eseguito Addio, fiorito asil da Madama Butterfly, dopo la splendida trascrizione, solo pianistica, del Coro a bocca chiusa eseguita strabene da Cohen, e anche Ch’ella mi creda libero e lontano da La fanciulla del West. Alagna visibilmente soddisfatto ha poi concesso ben quattro bis: prima da La Rondine, Parigi! E' la città dei desideri.. , poi da Il Tabarro Hai ben ragione...per noi la vita, quindi da Turandot Non piangere Liù, ed in fine da Gianni Schicchi Firenze è come un albero fiorito.. Un' ovazione per Alagna con interpretazioni in crescendo in qualità e potenza espressiva, che rivelano tutta l'esperienza acquisita dal tenore nella sua lunga carriera. Pubblico tutto in piedi per gli interminabili applausi finali. Da ricordare

24 giugno 2024 Cesare Guzzardella

L' ultima mattinata stagionale di "Lieti calici", la riuscita rassegna musicale di concerti seguiti da momenti conviviali, organizzata agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala (via Silvio Pellico 6) da Mario Marcarini, ha trovato due validissime interpreti, operanti in settori artistici diversi ma unite in un breve ed interessante spettacolo, di particolare valore musicale-letterario. L'ottima pianista Clara Schembari, cogliendo l'occasione della presentazione del suo cd "Der Dichter der Natur" ("Il poeta della Natura"), insieme all'attrice Daniela Tusa, ha "raccontato" Robert Schumann attraverso l'esecuzione della Waldszenen op. 82, "Scene della foresta" del genio tedesco, in nove quadri musicali, composti tra la fine del 1848 e l'inizio del 1849; la Tusa l'ha accompagnata con una lettura di poesie perfettamente correlate ai pezzi e al mondo musicale-poetico schumanniano. La scelta al riguardo è stata variegata e ha compreso autori ed autrici di epoche diverse, passando da Ada Negri ("Prato d'aprile") a Emily Dickinson ("Natura è ciò che vediamo", 1863), da Charles Baudelaire ("L'anima del vino",1857) all'iraniano Sohrab Sepehri ("L'uccello dell'enigma", 1954), fino a Joyce Kilmer ("Alberi", 1914). Lo stesso Schumann aveva citato, come premessa al suo quarto pezzo, "Verrufene Stelle" ("Luogo maledetto"), alcuni versi della lirica "Boser Ort" ("Luogo del male", 1848) del poeta e drammaturgo tedesco Friedrich Hebbel. I versi di Hebbel sono stati recitati dalla bravissima Tusa, insieme agli altri, con coinvolgente intensità espressiva. Sono seguiti, interpretati validamente dalla Schembari, Des Abends, dalla Phantasiestucke op. 12, Mondnacht da Liederkreis op. 39 n. 5, I canti dell'alba dall'op. 133, Kinderszenen op.15 n.13 (Der Dichter spricht). Anche questi brani sono stati preceduti da letture di testi scelti con cura, come "La sera" (1904) di Rainer Maria Rilke o "Saluto all'alba" del poeta indiano del VI sec. d. C. Kalidasa. Applausi calorosi nella sala colma di pubblico e un brindisi con vini eccellenti. La rassegna riprenderà a settembre: sono previste importanti novità.

23 giugno 2024 Cesare Guzzardella , Anna Busca

Il terzo appuntamento della rassegna musicale denominata "Panorami Sonori" ha trovato sul podio dell'Orchestra de I Pomeriggi Musicali il direttore Alessandro Cadario, per un omaggio al noto musicista torinese Ludovico Einaudi. Da oltre trentacinque anni Einaudi ha fama internazionale per i suoi brani pianistici, caratterizzati da un'estrema semplicità costruttiva derivante da certo minimalismo inglese e statunitense. Con ispirata vena melodica, dal carattere "meditativo", ha realizzato decine di brani inseriti in numerosi cd usciti in questi anni, che lo hanno reso celebre ad un pubblico trasversale. La sua ricerca in territorio tonale, giocata su una sorta di ripetività di semplici strutture melodiche e armoniche di facile memorizzazione, - alcune di esse particolarmente ispirate- lo rendono attrattivo a tutti gli aspiranti giovani pianisti che desiderano suonare un brano arrivando con facilità ad una buona esecuzione. Ieri, di fronte al numeroso pubblico presente al Teatro Dal Verme, sono stati eseguiti tre lavori, i primi due per sola orchestra, certamente meno conosciuti. Il primo era denominato Run suite, una riduzione orchestrale di un brano originario per pianoforte, caratterizzato da un'ipnotica ripetitività di strutture melodico-armoniche che s'intrecciano per oltre trenta minuti. L'impressione è quella di un brano infinito, un "tappeto musicale" che ha, in una sorta di voluta banalità costruttiva con frangenti interessanti, la sua ragione di essere. Una sintesi migliore delle sequenze proposte probabilmente lo renderebbe un lavoro più convincente. Il secondo brano, Purple Suite, è una buona fusione di momenti tratti da brani di Prince, il noto musicista, pluristrumentista statunitense scomparso nel 2016. È una valida sintesi, ispirata musicalmente in modo composito a Stravinskij, Zappa, i Beatles e altri, di semplici melodie ben rese dall'orchestra dei Pomeriggi. Il brano più tipico di Einaudi, Domino, per pianoforte, orchestra d'archi e arpa, ha trovato come solista al pianoforte la splendida Iris Hond, pianista e compositrice olandese, spesso interprete della musica del pianista-compositore piemontese e a sua volta realizzatrice di un genere simile a quello del più noto collega. Elegante e flessuosa, la Hond ha l'inusuale abitudine di suonare a piedi nudi, appoggiando le scarpe vicino al pianoforte (in questa serata, preziose décolleté di strass argentato). Domino è un concerto, nei classici tre movimenti, dal carattere riflessivo, giocato -nello "stile Einaudi" - su semplicità melodica, interpretata con espressività dalla Hond, con valida orchestrazione ben diretta da Cadario. Un brano piacevole, d'intensa ispirazione. Tre i bis solistici concessi della Hond, tratti da celebri brani di Einaudi. Applausi fragorosi dal numeroso pubblico presente al Teatro Dal Verme.

21 giugno 2024 Cesare Guzzardella

La violinista Francesca Bonaita, classe 1997, nell'elegante cornice milanese della Steinway & Sons, ha ricevuto un premio importante, quello della 28°edizione del "Premio Montale Fuori di Casa", avente come motivo conduttore per il 2024, come nelle due precedenti edizioni, il tema della Pace. Montale nel 1976 intervistato diceva " L'argomento della mia poesia, credo di ogni possibile poesia, è la condizione umana in sé considerata, non questo o quell'avvenimento storico. Ciò non significa estraniarsi da quanto avviene nel mondo, significa solo coscienza e volontà di non scambiare l'essenziale col transitorio" . Da queste profonde parole del poeta, riferibili ad ogni settore artistico, assume significato il premio dato a Francesca Bonaita, violinista di eccellenti qualità, con anche importante formazione umanistica, alla quale tiene molto. È autrice nel 2020 anche di un valido saggio, "La musica, Orfeo, Euridice" che analizza "Il mitema e l'adeguamento al contemporaneo". La giuria del premio Fuori di Casa, apprezzando le qualità artistiche e umanistiche dell'ancor giovane donna, ha voluto premiare un personaggio completo, che trova nelle numerose discipline interdipendenti una ragione per esprimersi in modo profondo. Nel corso del riuscito tardo pomeriggio, dopo l'introduzione della Presidente del Premio Montale Fuori di Casa, dott.ssa Adriana Beverini, la violinista, accompagnata al pianoforte da Alessandro Commellato, ha eseguito brani importanti, di rara esecuzione come la Sonata per violino e pianoforte in si minore P110 di Ottorino Respighi, la Sonata n.1 per violino e pianoforte in fa minore op.80 di Sergej Prokof'ev ed infine, in Prima assoluta, un brano di Fabio Vacchi, la Sonatina III, originaria del 2019 per solo violoncello e rivista dal compositore bolognese per violino solo. Esecuzioni di eccellente qualità quelle della Bonaita, coadiuvata benissimo da Commellato, per una scelta di lavori impegnativi ma di grande spessore compositivo. Dopo i fragorosi applausi del numeroso pubblico presente, si è arrivati alla premiazione: il giornalista e critico Carlo Maria Cella leggendo la motivazione da lui preparata, ha consegnato insieme alla Beverini il premio alla straordinaria violinista. Applausi e brindisi finali hanno concluso l'ottimo pomeriggio musicale.

21 giugno 2024 Cesare Guzzardella

Applausi fragorosi meritatissimi al Teatro alla Scala per l'opera più romantica di Jules Massenet, quel Werther creato dalla fantasia di Goethe nel 1774 che il compositore francese ha ritrovato più di cent'anni dopo per renderlo nel 1887, con il libretto di Édouard Blau, Paul Milliet e Georges Hartmann, il protagonista assoluto di una delle più belle opere liriche di fine Ottocento. È un classico "amore impossibile" quello tra Werther e Charlotte, reso evidente subito dalle parole del protagonista, parole nascoste sino all'ultima scena del quarto atto, dalla promessa e poi sposa di Albert. Mancava dalla Scala da oltre quarant'anni questo capolavoro: dal 1980, dai tempi del grande direttore francese Georges Prêtre (1924-2017) e del grande tenore spagnolo Alfredo Kraus (1927-1999) A sostenere i medesimi ruoli, in questi giorni, nell'ottima nuova produzione del Teatro alla Scala e del Théâtre des Champs-Élysées - vista alla terza rappresentazione- il direttore Alain Altinoglu e il tenore Benjamin Bernheim. Il primo ha esaltato con grande passionalità la vicenda, trovando il giusto dosaggio timbrico dell'orchestra scaligera, per un'interpretazione dettagliata, delicata e ricca di sottili contrasti coloristici  di evidente espressività. Il secondo è probabilmente il degno successore di Tito Schipa o di Alfredo Kraus per la raffinatezza della sua resa tenorile, integrata in un ruolo che indossa alla perfezione. Benjamin Bernheim appare perfetto sia timbricamente, che attorialmente in Werther. La messinscena complessivamente ci è piaciuta molto nella valida resa del tedesco Christof Loy, regista che mette in perfetta relazione tutti i protagonisti, a cominciare da quelle eccellenti voci bianche dei giovanissimi ragazzi preparati splendidamente da Bruno Casoni. L'azione si svolge in una porzione di palcoscenico forse troppo piccola, una scena fissa di Johannes Leiacker separata da una enorme parete neoclassica che ripercorre tutto il palcoscenico, dove attraverso una porta, neanche troppo ampia, si intravede l'interno del palazzo. I costumi più recenti, di metà Novecento, di Robby Duiveman sono in ottima sintonia con i personaggi e valida è anche l'illuminazione di Roland Edrich dell'unica scena. Delle altre voci, tutte di rilievo, ottima la Charlotte di Victoria Kakacheva, nel suo ruolo ambiguo fino all'ultimo, tra protezione del marito e della famiglia e amore inespresso per Werther. Il suo timbro è raffinato e intensamente espressivo in un francese probabilmente non sempre adeguato. Altrettanto valido il timbro appariscente ed intonatissimo di Francesca Pia Vitale, una Sophie che in modo discreto si mostra o si allontana. Efficaci nella timbrica e attoriamente sia Jean Sébastien Bou in Albert, lo sposo di Charlotte, che di Armando Noguera, il borgomastro Le Bailli , il padre di lei. Segnaliamo anche le ottime prestazioni di Rodolphe Briand in Schmidt, di Enric Martínez-Castignani in Johann, di Pierluigi D’Aloia in Bruhlmann e di Elisa Verzier in Katchen. Prossime repliche per 24 e il 27 giugno e il 2 luglio. Assolutamente da non perdere! ( Foto di Brescia e Amisano dall'Archivio della Scala)

19 Aprile 2024 Cesare Guzzardella

Il classicismo di due grandi musicisti quali Beethoven e Schubert è stato messo in risalto nell'anteprima di questa mattina da I Pomeriggi Musicali del Dal Verme con l'orchestra diretta da Alessandro Cadario e con la partecipazione solistica del pianista Pietro De Maria. Prima un brano celebre con il beethoveniano Concerto n.5 per pianoforte e orchestra in Mi bem.Maggiore Op.73 "Imperatore"; poi un'assoluta rarità interpretativa con la giovanile Sinfonia n.1 in Re maggiore D 82 di Schubert. Lo straordinario concerto del grande tedesco riassume tutta la forza espressiva del musicista: dai frangenti più estroversi dell'Allegro iniziale e del Rondò finale, alla dolcezza interiore del profondo Adagio poco mosso centrale, dove le poche note del pianoforte, eseguite con intensa espressività da De Maria, e le geniali armonizzazioni orchestrali definite con eterea precisione e giusto equilibrio da Cadario e dagli ottimi I Pomeriggi, hanno portato, insieme ai corretti ed equilibrati movimenti laterali nel cosiddetto "stile eroico", ad un'ottima interpretazione. Applausi meritatissimi ai protagonisti. Particolarmente interessante la Sinfonia giovanile di uno Schubert solo sedicenne, ma che aveva imparato il mestiere assai bene. Emergono già qui le qualità melodiche del viennese e poi che delizia quell'Allegro vivace finale, eseguito con grinta e passione da Cadario nella valida restituzione de I Pomeriggi. Ma non è finita qui: il Maestro Caderio ha voluto regalare al numeroso pubblico presente una splendida orchestrazione di Max Reger di Erlkönig, Op.1 di Franz Schubert e celebre suo lied. Questa sera alle ore 20.00 la prima ufficiale e sabato alle 17.00 la replica. Da non perdere!

18 aprile 2024. Cesare Guzzardella

Ieri sera, mercoledì 17 aprile, al Teatro Civico di Vercelli, ospite del ViottiFestival è stato uno dei più celebri violinisti d’oggi, nonché apprezzato direttore, il danese Nikolaj Szeps-Znaider, tra i pochi a poter vantare il primo premio ai due più importanti concorsi europei per violino, il Sibelius e Il Reine Elisabeth. Alla sua prima vercellese, Szeps-Znaider, sia in veste di solista, sia in quella di direttore dell’Orchestra Camerata Ducale, presentava un programma impaginato su due concerti per violino e orchestra, il n. 2 in Re maggiore KV 211 di Mozart (1775) e il n.16 in Mi minore WI: 16 di Gb. Viotti (1785-89), per concludere, deposto il violino, con la Sinfonia n.38 in Re maggiore KV 504 “Praga”, ancora di Mozart (1786). Fin dall’Allegro moderato che apre il Concerto KV 211 il pubblico è stato sedotto dal suono dolce, caldo, morbido e chiaro dello splendido Guarnieri del Gesù 1741 Kreisler di Szeps-Znaider. Questo suono, unito a una fluidità straordinaria del legato, ha impresso, alle varie soluzioni melodiche del Concerto, una soave pacatezza, una sorta di serenità trascendentale, che ha contenuto entro la misura di un lieve brivido anche l’improvvisa modulazione al minore nello sviluppo del primo tempo. Un Mozart meravigliosamente classicistico, ma non di un classicismo marmoreo, soffuso invece come di ‘un calore di fiamma lontana’, se ci è lecita una citazione foscoliana, grazie anche alle sottili e raffinate ombreggiature chiaroscurali ottenute con il controllo sapiente delle dinamiche. Un suono, quello di Szeps-Znaider che sa anche velarsi di suggestiva tenerezza, come nel primo splendido tema cantabile dell’Andante centrale, acme espressiva dell’intero concerto, ma sa anche farsi capriccioso e brioso, come nel refrain e nei couplet del finale Rondò, ma sempre con quella soavità e pacatezza di fondo di cui si diceva e che avvolge un po’ tutto questo stupendo Mozart del violinista danese. Il Concerto n. 16 di Viotti, uno dei più belli in assoluto del suo catalogo (tanto da suscitare l’ammirazione di Mozart, che ne curò un’edizione aggiungendo all’orchestrazione trombe e timpani) porta all’estremo quella che già individuammo in un precedente articolo come la caratteristica fondamentale della musica più alta del Vercellese, la tensione che la attraversa costantemente tra temi (e mondi) musicali lontani tra loro. Questo è un concerto segnato da una forte inquietudine, che sfiora l’ansia, subito annunciata dalla emozionante introduzione funebre, e da un andamento fremente, nervoso, reso instabile dalla costante oscillazione tra momenti di intenso virtuosismo e temi cantabili. Szeps-Znaider domina questo infuocato materiale sonoro, con una calibratissima duttilità di suono, qui spinto ad esplorare zone che il concerto mozartiano escludeva. L’intervento del violino dopo l’ampia introduzione orchestrale del Primo tempo Adagio/non troppo/Allegro si carica di un’aura più dolente, in generale di una energia sofferta e inquieta, in cui la linea talora frammentata dei temi ritmici offre il banco di prova a Szeps-Znaider per il suo virtuosismo, come in generale nel Rondò finale e in particolare nel ritornello, subito introdotto con le sue cinque note ravvicinate e ribattute, cui Szeps-Znaider sa dare la giusta carica di fierezza. Ma nei momenti di più abbandonato lirismo melodico, il violino del grande solista danese raggiunge vertici di incantevole bellezza, di una dolcezza intensa e coinvolgente, come nell’Adagio centrale, tra le pagine da antologia di Viotti. Dunque un Viotti tormentato e dolente, drammatico, che solo nell’ultimo tempo sembra trovare una qualche luce di riscatto e speranza, secondo una’ narrazione’ sinfonica che è già romantica. Veramente un’eccellente interpretazione, sia per Mozart, sia per Viotti, questa di Znaider, che ha guidato molto bene la Camerata Ducale, con una perfetta gestione degli equilibri e degli intrecci tra le varie linee strumentali, valida scelta dei tempi e delle dinamiche, dialogo sicuro tra solista e orchestra. Gli applausi scroscianti di un pubblico ammirato non sono valsi a ottenere un bis. Non ha certamente deluso le attese neppure lo Szeps-Znaider direttore, che ha ormai una consolidata esperienza alle spalle e un’ottima fama, che la ‘sua’ Sinfonia Praga ha dimostrato essere ampiamente meritata. Questo Mozart è certo diverso da quello del Concerto KV 211. Son passati più di dieci anni, siamo al Mozart della piena maturità, che ha appena composto le Nozze di Figaro e si accinge alla grande impresa del Don Giovanni. In generale, possiamo dire che la chiave di lettura che Znaider offre di questa quart’ultima sinfonia mozartiana è fondata su un mirabile equilibrio tra la dolce amabilità del concerto KV 211 e l’enorme intensificazione espressiva che, rispetto a quella musica, anima l’ultimo Mozart e che certo deve molto al Teatro. Un mondo pieno di contrasti e di tensioni, questo della ‘Praga’, ma che spesso resta latente, pronto ad affiorare all’improvviso, incrinando i più limpidi equilibri formali. Se la bacchetta di Znaider presenta l’introduzione lenta già come un dramma, che ha presentimenti del Don Giovanni, è nel primo tempo che mostra tutta la sua bravura nel sottile lavoro di scavo della graduale e calibratissima evoluzione della tensione drammatica che muove il pezzo. Con una limpidezza fatta di preziosa precisione timbrica e ritmica, la bacchetta (si fa per dire, perché Znaider ieri ha diretto senza podio e bacchetta, non sappiamo se sia una sua abitudine) del Maestro danese guida la Camerata Ducale a inseguire le più varie combinazioni dell’insieme di motivi che formano il tema principale e che ricorrono continuamente, spesso urtandosi e contrastandosi a vicenda per tutto il tempo, illuminando le diverse linee contrappuntistiche, in cui il materiale musicale raggiunge un suo ordine e un suo equilibrio, all’insegna di una superiore armonia che trionfa di ogni contrasto. Così, anche nell’Andante centrale la barra della direzione di Szeps-Znaider tiene saldamente la rotta di una grazia amabile che ha da combattere con forze più oscure, qui rese evidenti dall’abbondanza di cromatismi che caratterizza il movimento. È infine l’inesausta spinta ritmica quello che il Maestro danese mette in maggior risalto nel Finale (com’è noto la Sinfonia Praga conta solo tre tempi, mancando il Minuetto), una sorta di slancio verso mete ignote, che accompagna la gaiezza briosa di questo Rondò. Un Mozart inafferrabile e ambiguo, come sospeso in un mondo espressivo sfuggente e indefinibile, per il quale la luminosa struttura classicistica è più che altro una forma di resistenza di fronte a un che di ignoto e vagamente minaccioso, che si affaccia alla complessa coscienza di questo genio. Questo il Mozart di Szeps-Znaider, ottenuto con una direzione orchestrale sempre attentissima alla cura dei dettagli ritmici, dinamici, timbrici e nella scelta calibrata dei tempi. Grandi applausi del pubblico, che ha salutato con entusiasmo questo gran bel concerto, decisamente da ricordare.

Il 33° Festival Milano Musica denominato quest'anno "L'ASCOLTO INQIUIETO" si svolgerà tra il 23 aprile all'8 giugno 2024. Con oltre 25 appuntamenti: concerti sinfonici e cameristici, musica elettronica e video, teatro di figura e con 7 prime esecuzioni assolute e 11 prime in Italia comprese 1 commissione e 5 co-commissioni di Milano Musica, il Festival si rivela anche quest'anno con un numeroso numero di eventi musicali e anche nell' obiettivo perseguito lungo percorsi molteplici: nell’uso di spazi non convenzionali, il Pirelli HangarBicocca e l’Orto Botanico di Brera; nella scelta e nell’accostamento di repertori e autori, da Schumann a Marco Momi con la prima assoluta del suo Concerto per pianoforte e orchestra con elettronica; nella preferenza per brani che innovano la relazione fra la musica e il pubblico, come i trii e i quartetti per le combinazioni strumentali più originali in prima esecuzione nel Ridotto dei palchi del Teatro alla Scala in occasione dell’inaugurazione. L’arco del Festival si apre martedì 23 e mercoledì 24 aprile con un’anteprima dedicata a giovani e adulti, Tierkreis di Karlheinz Stockhausen nello spettacolo di teatro di figura di Luciano Gottardi, con intermezzi elettroacustici al Teatro Menotti, e si chiude al Pirelli HangarBicocca e al Conservatorio G. Verdi, con due fondamentali lavori di Fausto Romitelli, le cui coraggiose scelte musicali hanno segnato la giovane generazione di compositori a livello internazionale. Nella presentazione di questa mattina, dopo il saluto introduttivo della Presidente di Milano Musica Rosalina Archinto, l'organizzatrice e direttore di Milano Musica Cecilia Balestra ha introdotto il Festival con esaustive parole, delineando  i punti di forza della nuova rassegna di musica contemporanea e presentando i numerosi ospiti: il musicologo Franco Pulcini ha anche illustrato la mostra presente in Scala con immagini e documenti dedicati a Luigi Nono, musicista d'avanguardia del Secondo Novecento che in modo evidente si collega alle origini di questa importante rassegna; musicisti come il citato Marco Momi; organizzatori come Mark Madlener, direttore dell' IRCAM di Parigi che ha rimarcato il legame privilegiato tra Milano e Parigi nel sostenere la musica contemporanea. Sono intervenuti anche il direttore d'orchestra Michele Gamba che è entrato in merito al lavoro di Momi; interpreti come il pianista Filippo Gorini che unirà nel suo concerto alla Scala la figura di Schubert a quella di Kurtag. Per finire il consulente artistico Paolo Petazzi è entrato nei dettagli della programmazione del Festival. Anche quest'anno si prevede una forte affluenza di appassionati nei numerosissimi spazi in cui si svolgerà la manifestazione italiana più importante di musica contemporanea.

17 aprile 2024 C.G.

Torna puntualmente per Serate Musicali la pianista georgiana Elisso Virsaladze. Dal 1992 è ospite dell'importante società concertistica e sempre ha impaginato programmi diversificati in concerti come quello cui abbiamo assistito ieri sera. Schubert, Brahms, Liszt e Prokofiev sono stati interpretati con una facilità discorsiva tipica di chi ha interiorizzato ogni frangente di brani spesso molto complessi e articolati. I schubertiani Sei momenti Musicali D780 Op.94 hanno introdotto la serata rivelando una leggerezza di tocco mediata da sottili escursioni dinamiche, per una restituzione espressiva e di ottimo valore estetico. Il brano successivo , la Sonata per pianoforte n.1 in do maggiore Op.1 è un lavoro giovanile di Brahms con i classici quattro movimenti che rivelano una costruzione articolata e già costitutiva del linguaggio del compositore amburghese. La Virsaldze ha eseguito questa rarità esecutiva con equilibrio, sicurezza e penetrazione espressiva di eccellente livello. Di romantica valenza estetica nella leggerezza interpretativa i due noti brani di Franz Liszt: prima da Consolations il n.3 Lento placido, quindi da i Tre studi da concerto "Il Lamento". L'ultimo brano del programma, la celebre Sonata n.7 Op.83 "Stalingrado" è probabilmente la più eseguita di Prokofiev, anche per via di quel ritmico Precipitato, ultimo dei tre movimenti che la compongono. La Virsalazde con un'ottima lettura, ha restituito tutte le caratteristiche della geniale musica di Prokofiev, ricca di geometrie, simmetrie e astratte visioni. Un'interpretazione di alto spessore. Applausi sostenuti e due i bis concessi, entrambi di Schubert: prima un breve valzer e poi il celebre ed eccellente brano da Soirées de Vienne, il n.6 "Valse caprice". Splendida serata!

16 aprile  2024    Cesare Guzzardella

Il concerto ascoltato all'Auditorium milanese, denominato "Serate romane", ha visto alla direzione della Sinfonica di Milano il quarantenne romano Sesto Quatrini per tre brani diversi, ma aventi in comune timbriche per alcuni aspetti legati alla mondo paesaggistico. Il Concerto per pianoforte e orchestra in La minore Op.16 di Edvard Grieg, Maggese, recente composizione per orchestra di Filippo Del Corno e il celebre Pini di Roma di Ottorino Respighi, utilizzato anche per il noto film Fantasia 2000 di Walt Disney, attraverso frangenti di efficaci suggestioni coloristiche non possono non richiamare al mondo dell'osservazione. Il noto Concerto op.16 (1868) del norvegese Grieg (1843-1907), ha trovato al pianoforte l'affermato pianista giapponese trentacinquenne Nobuyuki Tsujii, un eccellente interprete già venuto in Auditorium per uno straordinario concerto di Rachmaninov. Ottima l'interpretazione elargita, sia grazie all'espressività della componente solistica che alla decisa direzione di Quatrini, che ha trovato una valida restituzione in ogni sezione orchestrale. Nobu, applaudito con entusiasmo dal numeroso pubblico presente, ha ringraziato il pubblico concedendo ben tre bis: due Pezzi lirici, op.12 n.1 "Arietta" e op.65 n.6 "Wedding day" sempre del compositore norvegese e centralmente,il noto Studio da Concerto n.1 del pianista-compositore russo Nikolai Kapustin eseguito con grinta e chiarezza superlativa. Un'ovazione con applausi interminabili per Nobu. Dopo l'intervallo la Prima esecuzione assoluta di Maggese (2023), recente composizione del milanese Filippo Del Corno (1970) era una commissione dell'Orchestra Sinfonica milanese e della Fondazione Arturo Toscanini di Parma. Il valido brano ci ha rivelato un compositore particolarmente sinfonico. Sono circa 15 minuti d'intensa musica che nascono dopo un lungo periodo - circa otto anni- nel quale il musicista aveva lasciato la composizione per l'impegno politico e amministrativo (Assessore alla cultura) nella sua e nostra città. Un ritorno felice alla composizione con un efficace lavoro che pur nella piacevole titolazione, risente del difficile periodo storico in cui stiamo vivendo. Nella varietà d'articolazione dell'unico movimento, sono riconoscibili quattro parti contrastanti che alternano timbriche forti ed incisive ad altre più tenui, in un complesso di suoni-immagini che ci sembrano adattissime per il mondo del cinema e che hanno un'impalcatura compositiva assai solida con una presenza di una strumentazione molto varia dove risalta una componente ritmico-percussiva. Un lavoro scritto molto bene, di non difficile comprensione e di valida resa emotiva, restituito con chiarezza dalla direzione di Quatrini. Applausi convinti del pubblico agli interpreti e anche al musicista salito sul palcoscenico. L'ultimo brano, Pini di Roma (1924), e diviso in quattro movimenti tanto celebri quanto splendidi, che ci rivelano ancora le abilità del grande Respighi (1879-1936), il più eseguito dei compositori italiani della sua generazione. Pur essendo nato a Bologna, i lavori sono spesso legati a Roma, città dove ha insegnato, dove ha composto le più importanti opere e dove è vissuto a lungo. Respighi ha segnato i primi decenni del Novecento italiano per la qualità compositiva e per l'eccellenza delle sue orchestrazioni. Un'esecuzione di ottima qualità quella ascoltata ieri sera, che ha ricevuto un tripudio di applausi. Domenica alle ore 16.00 la replica certamente da non perdere!

13 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Tre brani molto diversi tra loro hanno impegnato l'Orchestra de "I Pomeriggi Musicali" diretta da James Feddeck. Il primo dell'aquilana Roberta Vacca (1947), denominato Poker Face, per la commissione de I Pomerggi e in prima esecuzione assoluta, ha introdotto l'anteprima di questa mattina. Un lavoro tonale molto sfaccettato nei ritmi e nelle timbriche che ha messo in rilievo le qualità di scrittura dell'affermata compositrice. Un valido lavoro reso bene da Feddeck e dagli orchestrali. Applausi anche alla compositrice salita sul palcoscenico. Il brano più atteso, anche per la presenza del giovane violoncellista Ettore Pagano, era il Concerto per violoncello e orchestra n.1 op.107 di Dmitri Šostakovic. Un capolavoro di pregnanza timbrica reso con espressività da Pagano, un cellista di grande spessore musicale, che ha saputo penetrare la musica del grande russo con timbriche profonde, incisive e di rara efficacia. La lunga Cadenza, un vero movimento tra il Moderato e l'Allegro con moto ha esaltato le qualità dell'interprete. Applausi sostenuti ai protagonisti. L'ultimo brano in programma, la Sinfonia n.4 op.60 di Beethoven è stato ben delineato nei quattro movimenti che lo compongono dalla valida direzione di Feddeck per una energica restituzione dalla compagine orchestrale. Questa sera alle ore 20.00 la prima ufficiale e sabato alle 17.00 la replica. Da non perdere!

Ha solo diciassette anni la pianista milanese Monica Zhang, l'artista in residenza della Fondazione La Società dei Concerti che all'ultimo momento ha sostituito il pianista Yunchan Lim. Un compito non facile, avendo il sud-coreano vinto nel 2022 l'importantissimo "Concorso Internazionale Van Cliburn". Le qualità superlative di Monica hanno comunque soddisfatto il numeroso pubblico intervenuto in Sala Verdi, nel Conservatorio milanese, dopo aver ascoltato un impaginato ricco di brani celebri e virtuosistici. Dal primo Čaikovskij con l'Andante maestoso- Pas de deux da "Lo Schiaccianoci" , nella straordinaria trascrizione di M. Pletnev, la Zhang ha rivelato la sua cifra interpretativa delineata da una tecnica straordinaria, ricca di chiarissimi dettagli e da una sicurezza nell'approccio pianistico da interprete con anni di carriera. Il successivo Liszt, con la celebre Parafrasi da Concerto dal verdiano "Rigoletto", ha ancora consolidato le qualità digitali della pianista e anche il più raro Ginastera delle Danzas Argentinas Op.2 -tre danze con quelle due laterali di un virtuosismo ritmico scintillante- ha dato idea di trovarci di fronte ad un'interprete con potenziali che potranno, nei prossimi anni, formare una personalizzazione espressiva di altissimo livello. Dopo l'intervallo sono stati eseguiti con grande equilibrio e con ottima resa espressiva i celebri Quadri di un'esposizione di Modest Musorgskij. Interpretazione di qualità la sua, specie nei frangenti dove le volumetrie hanno un grande impatto sonoro. Applausi interminabili al termine del programma ufficiale e ben tre i bis concessi dalla pianista con un brano iniziale di Gabriel Fauré e due di F.Chopin. Del polacco ha eseguito prima lo Studio n.1 op.10 e poi la Mazurca Op.33 n.1 . Applausi calorosi dal pubblico presente in Sala Verdi e numerosi mazzi di fiori anche dai compagni di Conservatorio e del Liceo Classico Carducci frequentato dalla bravissima Monica. Grande serata!

11 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Una serata di ottima qualità quella di ieri sera alle Serate Musicali del Conservatorio milanese. È finalmente ritornato il violinista Uto Ughi, classe 1944, ottant'anni compiuti a gennaio. Era in duo con il pianista Leonardo Bartelloni per un programma di brani classici affrontati molte volte nelle decine di concerti tenuti in Sala Verdi, in almeno trent'anni di rapporto continuativo con la nota società concertistica milanese. Per questo, prima dei bis concessi dal Maestro, è stata consegnata a Ughi una targa di ringraziamento "per la sua arte a Milano" a nome di Hans Fazzari, da sempre organizzatore delle Serate Musicali e che purtroppo non ha potuto essere presente. Nella prima parte del concerto un cambio di programma ha visto Ughi e Bartelloni eseguire la celebre Ciaccona di Tomaso Vitali, cui ha fatto seguito l'altrettanto noto cavallo di battaglia del Maestro , il " Trillo del diavolo" ovvero la Sonata in Sol minore di Giuseppe Tartini. Uto Ughi ha ieri espresso, in questi primi due importanti lavori, un livello interpretativo poetico. Coadiuvato da Bartelloni, pianista attento alle volumetrie del violino e perfetto nel sottolineare le inflessioni timbriche di Ughi, il duo ha fornito una prestazione di altissimo livello. Non sono certo le lievi imperfezioni d'intonazione del grande violinista a sminuire una qualità complessiva eccellente dove la profonda espressività della "voce" è emersa in toto, valorizzata dalle armonie pianistiche. Il momento di "a solo" del violino di Ughi al termine del Trillo del diavolo è stato poi entusiasmante per pregnanza espressiva. Dopo l'intervallo, valida l'interpretazione complessiva della nota Sonata in la maggiore del belga-francese Cesare Franck, con frangenti di profonda espressività. Valida anche la parte pianistica, di fondamentale importanza, di Bartelloni, in questo ampio lavoro ciclico. Straordinari i due bis concessi dal duo. In essi un violino intonatissimo e molto espressivo ha fatto emergere i valori musicali sia del brano di Manuel De Falla, con la Danza spagnola n.1 da La vida breve, che di quello di Fritz Kreisler, Schön Rosmarin. Applausi meritatissimi in una sala molto affollata, con un pubblico decisamente soddisfatto.

9 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Due ottimi violinisti, Houman Vaziri e Agnese Maria Balestracci del Quartetto Sincronie, hanno tenuto un ottimo concerto ieri mattina agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala di Via Silvio Pellico 6 per la rassegna Lieti Calici. La valida resa interpretativa del duo cameristico è stata sostenuta da una scelta d'impaginato di qualità, con l'esecuzione di autori sia recenti che del passato e con relativi brani che hanno ben delineato la particolarità delle composizioni per "due violini". Al centro del breve concerto, la figura del ligure Luciano Berio (1925-2003) e di dieci duetti per due violini, tra i quasi 40 da lui composti - eseguiti all'inizio e alla fina della mattinata musicale- , hanno rivelato le qualità della sua musica, legata agli stilemi del passato ma anche alla figura di Bartòk e alle opere dei suoi contemporanei. I due interpreti, in un gioco di alternanza delle parti, secondo le modalità della scrittura a canone, tipica della musica seicentesca e settecentesca, hanno intervallato i brevi ma creativi lavori di Berio, dedicati a Bartók, con altri di Georg Philipp Telemann ( 1681 – 1767) , di Jean-Marie Leclair (1697-1764), ma anche di Paul Hindemith (1895-1963), musicista tedesco debitore della musica bachiana e, come il suo geniale connazionale, grande architetto polifonico. Un concerto interessatissimo, presentato bene da Mario Marcarini, e con il gran finale, - dopo il bellissimo bis con la ripetizione del brano più interiore e melodico di Berio e gli applausi sostenuti del numeroso pubblico presente- , del brindisi con eccelsi vini di superlativa qualità. Ottima mattinata.

Il concerto straordinario organizzato dal Conservatorio milanese e dalla Fondazione Bracco ha trovato sul palcoscenico un pianista di 18 anni appena compiuti. Antonio Alessandri, vincitore del "Premio speciale Diventerò" di Fondazione Bracco alla XXXIII edizione del Concorso Pianistico Internazionale Ettore Pozzoli, è un nome già noto nell'area milanese e non solo, avendo già sostenuto concerti in numerose importanti sale della città, e avendo vinto molti Primi Premi in concorsi concertistici internazionali sin da quando era poco più di un bambino. L'impaginato scelto ieri sera, degno di un pianista maturo ed in carriera da decenni, prevedeva brani di Rachmaninov e di Chopin. Ha iniziato con i virtuosistici Etudes-Tableaux op.33 del grande russo e ha continuato con gli Studi op.10 del polacco. Si rimane certamente sbalorditi della sicurezza con la quale esegue brani di grande impegno. La facilità nel superare le difficoltà tecniche è unita ad una qualità espressiva già consolidata e di ottima resa. Alcuni dei celebri Studi chopiniani hanno trovato una rapida articolazione per un equilibrio discorsivo eccellente. Una resa così matura di brani alquanto difficili ha entusiasmato il numerosissimo pubblico presente in Sala Puccini. Applausi fragorosi e un bis ancora di Chopin con lo Studio n.7 op.25

7 aprile 2024 Cesare Guzzardella

"Il pianoforte in Ateneo", la rassegna musicale dedicata al pianoforte, è tornata all' Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano. Gli organizzatori delle serate musicali, il prof. Enrico Reggiani, direttore dello Studium Musicale di Ateneo e il Maestro Davide Cabassi, pianista-concertista e docente al Conservatorio " G. Verdi" di Milano, hanno portato nella splendida Aula Magna dell'Università milanese la moscovita Gala Chistiakova che con il prestigioso Shigeru Kawai, pianoforte scelto per tutta la rassegna musicale, ha eseguito due celebri lavori di Beethoven (1770-1827) e di Musorgskij (1839-1881): la Sonata op. 27 n. 2 "Al chiaro di luna" e Quadri di un’esposizione. Brani che, come ricordato nella valida introduzione di Enrico Reggiani, non hanno certo bisogno di presentazione in quanto noti anche dal pubblico che non frequenta abitualmente le sale da concerto. La Chistiakova ha rivelato in entrambi i lavori di possedere un carattere particolarmente deciso, delineando strutture musicali ricche di forza espressiva e discorsività fluida nell'esternare ogni sequenza melodico-armonica. L'equilibrio complessivo, sia nella Sonata beethoveniana, sia in quella suite rappresentata dai Quadri, con quel ritorno alternato del celebre tema, è stato valido nel contrasto tra il cambiamento dei tempi e nelle volumetrie timbriche. Un grande successo nella Aula colma di appassionati e la concessione di due splendidi bis da parte dell'ottima interprete: prima di Piotr I. Čajkovskij Meditation op.72 n.5 e quindi di Anatoly Lyadov The Music Box op.32, che hanno rivelato tutte le raffinatezze del pianismo della russa. Il prossimo appuntamento, previsto per il 16 maggio , vedrà al pianoforte il noto interprete Boris Petrushanski con musiche di Mozart, Beethoven e Brahms. Da non perdere!

Brani tutti in Re Maggiore quelli scelti dal giovane direttore Riccardo Bisatti per I Pomeriggi Musicali al Teatro Dal Verme. Ho ascoltato l'anteprima di questa mattina con un programna che prevedeva un capolavoro assai noto di L.v.Beethoven con il suo Concerto in Re maggiore per violino e orchestra op. 61. L'ottima solista era la ventottenne violinista Veriko Tchumburidze. Dopo il breve intervallo una rarità giovanile di Franz Schubert con la Sinfonia n. 3 in Re maggiore D200 concludeva l'mpaginato. Il bravissimo direttore ha mostrato una valida gestualità nel trasmettere con precisione ogni indicazione ai bravissimi orchestrali de I Pomeriggi. Il concerto beethoveniano, splendido sia nei singoli movimenti che nell'insieme, con un grandioso Allegro ma non troppo iniziale, ha rivelato le qualità della violinista turca. Oltre ad una precisissima padronanza tecnica la Tchumburidze emergeva nella bellissima prima cadenza, risolta con straordinaria espressività, così come anche in quella del Rondò finale. Ha colori molto raffinati il violino della Tchumburidze, espressi nella tenue ma producente discorsività. Un equilibrio complessivo ottimo con la direzione di Bisatti. Il direttore ventitreenne novarese ha poi rivelato ancora qualità nella valida Sinfonia di Schubert. Una scrittura ancora non del tutto personale ma con un Allegretto e un Presto vivace deliziosi. Di qualità l'interpretazione. Questa sera alle 20.00 la prima ufficiale e sabato alle 17.00 la replica.

4 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Un Teatro alla Scala colmo di pubblico ha accolto la quarta rappresentazione - da me vista - del rossoniano Guillaume Tell. Un'opera che da quasi 35 anni non veniva rappresentata in Scala - era il dicembre del 1989- e mai lo era stata nel teatro del Piermarini nella versione francese. Quattro atti particolarmente corposi per quasi quattro ore reali di musica, ai quali si aggiungono tre non brevi intervalli. Alcuni spettatori, i meno appassionati, hanno lasciato il teatro prima, perdendo l'ultimo atto e altri anche il più articolato e contestato terzo atto . Una contestazione rivolta alla regia di Chiara Muti, che se pur con indubbia creatività, ha realizzato una rappresentazione attualizzata ai tristi momenti che stiamo vivendo, mettendo in scena situazioni spesso violente come nei frangenti danzanti del terzo atto, buate da un certo numero di spettatori presenti anche in platea. Valide comunque le motivazioni di Chiara Muti scritte nel completo libro di sala che parte dalla scura messinscena ispirata dal celebre film del 1927 Metropolis di Fritz Lang, che profetizza "l'annichilamento della società e l'umanità automatizzata e asservita al profitto" e "l'uomo ha imprigionato sé stesso erigendo muri di schermi ad accecare il sole". La discordanza tra le splendide musiche dirette con passione e cura di dettaglio da Michele Mariotti - un rossiniano doc, pesarese come Rossini- e le cupe scene di Alessandro Camera, in sintonia con i costumi di Ursula Patzak e le luci di Vincent Longuemare, hanno creato un contrasto estetico che non è piaciuto a molti spettatori. Anche le coreografie originali, articolate e ricche di situazioni, di Silvia Giordano, non hanno trovato apprezzamenti da alcuni del pubblico presente. Ho trovato invece soprattutto il terzo atto meritevole d'attenzione per la complessa dinamica e per nulla astrusa realizzazione. Mariotti è stato al termine della lunga serata il più applaudito, ad iniziare dalla celebre Ouverture che riassume nei temi la particolare vicenda e che ha trovato a conclusione un'ovazione per l'ottima esecuzione. Ma anche il valido cast vocale è piaciuto, ottenendo meritati applausi. L'ultima opera di Rossini, drammatica ma a lieto fine, con gli svizzeri finalmente liberi dal dominio asburgico , è musicalmente diversa dalle altre opere, con molto sinfonismo presente nel corso degli atti, a dimostrazione di una capacità del grande copositore pesarese di realizzare musica non solo legata alla sua più celebre vena lirica. In questo, Mariotti e gli orchestrali scaligeri, hanno dato prova di eccellente duttilità timbrica. Tutti rilevanti i cantanti a cominciare da Michele Pertusi, un Guillaume Tell notevole nella timbrica e nella resa scenica; ottime le voce di Dmitry Korchak, Arnold Melcthal, di Salome Jicia, Mathilde, di Geraldine Chauvet, Hedwige, di Evgeny Stavinsky, Melchtal, di Catherine Trottmann, Jemmy, di Luca Tittoto, Gesler, e degli altri, tutti meritevoli degli applausi ricevuti. Di grande impatto timbrico e di alta qualità il Coro di Alberto Malazzi. Le prossime repliche sono previste per il 6 e il 10 aprile, sempre con inizio alle ore 18.30. Da non perdere. (Prime due foto di Brescia e Amisan- Archivio Teatro alla Scala)

4 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Un pomeriggio musicale particolarmente interessante quello visto e ascoltato al Museo del Novecento per l'organizzazione di NoMus e del "Quartetto" di Milano. La raccolta di brevi pezzi per pianoforte del compositore milanese Alessandro Solbiati, denominata " Corde e martelletti, cento piccoli pezzi per crescere al pianoforte" ha trovato un valida esecuzione dalla pianista Ilaria Baldaccini. Lei ha selezionato sessanta tra i cento brani dell'originale lavoro del noto musicista. Circa un'ora di musica che ha ben delineato la sequenza di brani dedicati ai giovani studenti di pianoforte, ma che, come per le celebri raccolte pianistiche di Schumann, di Bartok e di altri ancora, hanno una valenza compositiva più importante, che rivela anche le profonde modalità creative dei compositori. Solbiati - come da lui raccontato presentando anche la bravissima Baldaccini- nei brani utilizza il pianoforte a 360 gradi, usando la cordiera, percuotendo lo strumento, modificando le timbriche preparando il pianoforte, e chiedendo all'interprete di usare la voce o fare versi, situazioni che ci hanno riportato alle lontane ricerche di Cage, di Bussotti e di altri compositori del "dopo anni '50" del secolo scorso. Anche quando l'uso del pianoforte è tradizionale, con le mani ben ancorate alla tastiera per chiare e incisive armonie o per semplici note isolate, Solbiati esplora le possibilità timbriche dello strumento con un'articolazione digitale, seppure non difficile in quanto pensata per i più giovani allievi, di particolare interesse compositivo. I brevi pezzi, di una durata compresa tra i venti secondi e il minuto e mezzo, sono un condensato di riferimenti musicali raccontati da una precisa titolazione, come ad esempio: Invenzione sulle corde, Corale con riverberi, Campane a festa , Fischiettando... una serie, Piccola pantomima, Scivolando, Trilli e guizzi, e così via per 100 titoli. Decisamente brava Ilaria Baldaccini nell'aver estrapolato sessanta dei cento brani, in un ordine da lei deciso, per ottenere una sorta di performance musicale-gestuale ben articolata, con frangenti di eccellenti valenze espressive, alternati ad altri dove la gestualità o l'effetto timbrico hanno una maggiore prevalenza. Al termine dell'originale esecuzione i doverosi applausi all'interprete e al compositore non sono mancati dal numerosissimo pubblico che gremiva la panoramicissima e luminosa Sala Fontana del museo milanese. Successo meritato in un pomeriggio musicale che voleva anche presentare l'ottimo Cd uscito nel 2023 per EMA Vinci Records con l'opera completa di Solbiati "Corde e martelletti" nell'ottima interpretazione di Ilaria Baldaccini.

3 aprile 2024 Cesare Guzzardella

MARZO 2024

9 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Dal 27 aprile al 23 giugno si svolgerà la 26esima edizione del festival musicale itinerante piemontese Echos - I Luoghi e la Musica, un incontro tra il patrimonio storico, artistico e paesaggistico del Monferrato alessandrino con la musica. Come ricordato dal direttore artistico, il pianista e organizzatore di eventi musicali dell'Associazione Musicale Ondasonora APS, Sergio Marchegiani, nella splendida location gastronomica di via Laghetto a Milano, sono previsti 23 concerti in diversi comuni della provincia di Alessandria a cominciare da sabato 27 aprile quando avverrà l' inaugurazione con l’Orchestra ICO Suoni del Sud, con il violinista Ettore Pellegrino, il trio Nosso Brasil e Roberto Molinelli alla direzione. Tra i numerosissimi ospiti, tutti di straordinaria qualità, troviamo anche Angela Hewitt, Ilia Kim, Maurizio Baglini, il Duo Hauri-Moos, e il Trio Johanne. Scopo della rassegna non è solo quello di fare ascoltare ottima musica con eccellenti interpreti, ma anche proporre la possibile conoscenza di luoghi storici straordinari di quella parte del Piemonte che tra Alessandria e il Monferrato occupa una zona estesa della regione Piemonte tra le più meritevoli di conoscenza. A questi elementi si unisce anche la possibilità di assaporare la migliore cucina italiana e gli eccellenti vini,. "I luoghi dei vini" celebrerà la nomina del "GranMonferrato", rappresentato dalle città di Casale Monferrato, Acqui Terme e Ovada, come Città Europea del vino 2024. Si auspica una di grande partecipazione anche da chi proviene da aree territoriali limitrofe ai "luoghi", come tutta l'area milanese. Per ulteriori informazioni consultare il sito Www.festivalechos.it

Marzo 2024 dalla redazione

"Il Pianoforte in Ateneo", la rassegna musicale dedicata al pianoforte, è tornata all'Università Cattolica del Sacro Cuore con il primo appuntamento della nuova Stagione. Organizzatori delle serate musicali, che quest'anno saranno ben sette, sono il prof. Enrico Reggiani, direttore dello Studium Musicale di Ateneo e il Maestro Davide Cabassi, pianista-concertista e docente al Conservatorio " G. Verdi" di Milano. Ieri sera abbiamo ascoltato alla tastiera del prestigioso Shigeru Kawai il giovane Lia Cecino, interprete che per le sorprendenti doti virtuosistiche è già da tempo inserito nel circuito concertistico più ampio con performance sostenute in Europa e in altre regioni del mondo. L'esecuzione dei brani è stata preceduta dalla presentazione dei concerti in rassegna da parte del direttore musicale Davide Cabassi. Il prof. Reggiani invece ha fatto un interessante intervento sul pianoforte come oggetto appartenente ad un contesto culturale più ampio, dove la resa musicale rappresenta solo una parte di una più ampia contestualizzazione. Si è passati poi alla musica. L'impaginato scelto dal ventitreenne trevigiano era improntato al grande pianismo romantico di tre grandi compositori quali Chopin, con la Sonata n.2 in si bem. minore op.35 composta tra il 1837 e il 1839; di Mendelssohn con le Variations Sérieuses op. 54 completate nel 1841, ed infine con gli Studi Sinfonici op.13 di Schumann, composti nel 1834. Tutti brani celebri, pensati ad una distanza temporale, tra il primo e l'ultimo lavoro, di soli sette anni. Cecino ha individuato i giusti tempi per la corposa Sonata chopiniana, fornendo una valida interpretazione mediata da una solidità strutturale di pregnante espressività. Altrettanto valide le successive Variations Sérieuses mendelssohniane, nella loro progressione di trasformazione del tema principale in un ottima unità stilistica. I corposi e geniali Studi Sinfonici di Schumann, hanno trovato maggiore espressività nel corso dell'interpretazioni con gli ultimi Studi, anche questi straordinarie varianti del tema iniziale, via via più espressivi e definiti con maggiore grinta e profondità. Applausi sostenuti nella splendida Aula magna dell'università al completo e ben due i bis concessi con un nitido Piccolo Valzer (1894) pucciniano (per i cento anni dalla morte) , poi inserito nell'Aria di Musetta - Quando me n'vo- in Bohème, ed una trasparente ed elegante Mazurka in si bem. minore di Chopin. Bravissimo!

8 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Un programma variegato quello ascoltato all'anteprima del mattino con l'Orchestra de I Pomeriggi Musicali e il suo direttore James Feddeck. A iniziare, andando a ritroso nel tempo, da un brano contemporaneo per strumenti a fiato e percussioni di Alberto Cara (1975) con il suo Wedding and Funeral Marching Band, passando per il milanese Nino Rota ( 1911-1979) con il raro ma efficace Divertimento concertante per Contrabbasso e Orchestra, arrivando poi a Beethoven (1770-1827) con l'Ouverture in do minore op.62 "Coriolano" seguita dalla Sinfonia n.8 in fa maggiore op.93. Il recente lavoro di Cara offre momenti di vitalità coloristica nei riusciti contrasti tra le timbriche melodiose dei fiati e le brusche ritmiche delle percussini che in vari momenti entrano per modificare il tempo e per vivacizzare con grinta le sequenze coloristiche altrimenti uniformi. Un ottimo lavoro con meritati applausi conclusivi anche al compositore in palcoscenico. Rota, celebre in tutti i suoi brani felliniani, ci offre qui un brano ampio, in quattro movimenti, in stile neoclassico che ricorda certo Prokofiev o certo Šostakovič. Punto di riferimento centrale le note gravi del contrabbasso di Paolo Speziale, che in territorio tonale, come la valida orchestrazione ben diretta da Feddeck, ci ha portato melodie sognanti dai colori onirici di efficace impatto coloristico. Bravissimo Paolo Speziale Ancora applausi meritati. Dopo la breve, pausa un Beethoven più potente con l'Ouverture da Coriolano, e uno di passaggio verso la Nona Sinfonia, con un'Ottava ben delineata dai bravi orchestrali de I Pomeriggi, ci hanno portato al termine della riuscita mattinata. Questa sera alle ore 20.00 la prima ufficiale e sabato alle 17.00 la replica.

Un programma di straordinario interesse quello ascoltato ieri sera in Conservatorio per la "Società dei Concerti". L' Omaggio a Wolfgang - naturalmente si tratta di Mozart- era incentrato su due capolavori del genio salisburghese quali il Concerto per pianoforte e orchestra in re minore K 466 e la Sinfonia n. 41 in do maggiore K 551 “Jupiter”, anticipati però da un recente lavoro di Lera Auerbach, con il suo Eterniday, sottotitolato Hommage to W.A. Mozart. L'Orchestra della Toscana è venuta spesso in Sala Verdi ospite della Società dei Concerti, ma per la prima volta con il giovanissimo direttore milanese Diego Ceretta, nato nel 1996 e ancora ventisettenne. Ceretta è dal marzo 2023 nuovo direttore stabile della ORT, una delle compagini orchestrali tra le migliori italiane. Protagonisti del concerto, oltre al direttore d'orchestra anche la russa Lera Auerbach, nel doppio ruolo di compositrice, per il primo lavoro in programma, e di pianista per il Concerto K 466 di Mozart. È certamente nota internazionalmente per la sua creatività che si divide tra composizione, direzione d'orchestra, interpretazione pianistica, per quello che concerne il mondo musicale; ma è anche una scultrice e una poetessa. Artista quindi a 360 gradi, ha dimostrato le sue qualità sia nello scuro e pregnante brano Eterniday, un lavoro ispirato da Mozart ma decisamente personale anche nell'organizzazione orchestrale che prevede una piccola formazione da camera insieme alla più ampia orchestra. Le timbriche suggestive degli orchestrali e dei singoli strumentisti che spesso intervengono in modo concertante, avevano nel brano una definizione molto precisa, curata nei dettagli e in questo senso molto mozartiana. Un ottimo lavoro diretto con dovizia di dettaglio da Ceretta. Con i brani mozartiani siamo entrati in un altro clima musicale. La creatività della Auerbach è emersa nel suo modo d'interpretare Mozart. Il profondo Concerto in re minore K 466 ha trovato un'intensità espressiva rilevante nella restituzione orchestrale. La componente pianistica è stata delineata con rigore e chiarezza dalla Auerbach, che ha avuto come momenti creativi rivelatori le due ampie Cadenze solistiche, la prima nell'Allegro iniziale e la seconda nel Rondò.Allegro assai finale. La parte cadenzata era opera interamente della compositrice che si è sbizzarrita - con ottimo risultato- a trovare un compromesso tra Mozart e il suo modo di generare armonie. Valida la resa complessiva. Ottimi i due bis concessi dalla stessa Auerbach: prima un Étude Tableaux di Rachmaninov di pregnante resa emotiva e poi una Sonata di Scarlatti tra le più celebri, interpretata con una personalizzazione eccellente nell' andamento rapido scelto con perfetta coerenza stilistica. Applausi fragorosi meritatissimi. La seconda parte del concerto ( iniziata in ritardo per una sfortunata caduta di un anziano spettatore ultranovantenne durante l'intervallo e l'attesa dell'ambulanza) ha visto la celebre Jupiter K 551, ultima delle sinfonie mozartiane, che ha come ultimo movimento quell' incredibile Molto Allegro dalla evidente coralità polifonica . Diego Ceretta ha trovato un perfetto dosaggio nei tempi, nelle dinamiche e nei colori, arrivando poi nel gran finale ad una resa interpretativa di elevato livello estetico. Eccellente la compagine orchestrale in ogni sezione orchestrale. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico presente in Sala Verdi, con numerose uscite del giovane bravissimo direttore.

7 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Per la rassegna "Musica in Archivio" è stato presentato il recente Cd del pianista parigino Ali Hirèche e l'opera pittorica di Giulio Frigo, autore dell'immagine di copertina dell'incisione discografica. Annalisa Rossi, direttrice dell'Archivio di Stato di Milano, Luca Ciammarughi, musicologo e pianista, Andrea Chersicla, esperto d'arte, Silvia Leggio, pianista e docente di pianoforte al Conservatorio "G.Verdi" di Milano e curatrice della rassegna musicale, hanno presentato il musicista e l'opera del pittore purtroppo non presente. Dopo gli interessanti interventi, con Ciammarughi che ha con competenza approfondito gli aspetti musicali dei brani di Schubert e di Liszt presenti nel Cd, inquadrandoli storicamente e delineando la personalità dei due grandi musicisti, e con Chersicla che ha messo in risalto l'originale dipinto di Giulio Frigo nelle sue caratteristiche peculiari, il Maestro Hiréche ha dato saggio delle sue eccellenti qualità virtuosistiche eseguendo due brani inclusi nel cd (la recensione è in questo giornale) e precisamente la Sonata in si minore di F.Liszt e Gretchen am Spinnrade di Schubert- Liszt. Le interpretazioni di alto livello, hanno messo in risalto la forza espressiva di Hirèche nel delineare con impeto e chiarezza enunciativa i passaggi spesso impervi del celebre capolavoro lisztiano. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto ed eccellente il bis concesso dal pianista parigino con lo Studio n.12 Op.10 di F. Chopin.

4 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Ritornano a Villa Mirabello i concerti di musica classica organizzati da Alessio Bidoli, violinista e organizzatore di eventi musicali. Sono due serie di serate previste nei mesi di marzo e di giugno. Le prime tre nelle date del 7 marzo, del 14 e del 21 marzo, avranno come protagonisti il violoncellosta Vito Paternoster e il pianista Pierluigi Camicia; seguirà il 14 marzo il pianista Andrea Bacchetti e il 21 marzo è la volta dell'Amaranta Trio con Silvia Cattaneo al pianoforte, Stella Chiara Cattaneo al violino ed Ester Vianello al violoncello. Programmi variegati con brani noti di eccellente qualità. Concerti imperdibili sia per la rilevanza degli interpreti che per la particolare storica location dove avvengono le serate musicali. Siete tutti invitati!

4 marzo 2024 Cesare Guzzardella

È tornato alla scala Madina, non solo un balletto ma un'opera di Teatro-danza multiforme e sfaccettata, che ebbe la prima rappresentazione nell'ottobre del 2021. La pregnante musica di Fabio Vacchi, di quasi ottanta minuti nell'intensa orchestrazione di Michele Gamba, è la componente unificante dei vari linguaggi presenti nel riuscito lavoro. Danzatori, cantanti, attori, video, immagini, si alternano, si integrano, interagiscono nella prorompente musica del compositore bolognese, musica che ha anche in sè una grandiosa componente corale, preparata dall'eccellente direttore di coro Alberto Malazzi. Sembrano in antitesi, ma sono in realtà complementari le solide strutture musicali di Vacchi, ricche di emozioni, scritte ragionando su ogni singola nota, in un linguaggio non semplice ma accessibile all'ascolto, e la parte visiva variegata, sempre in movimento, quella inventata dal coreografo Mauro Bigonzetti, dallo scenografo e ideatore delle luci Carlo Cerri, dai video designer ( ancora Cerri, con Alessandro Grisendi e Marco Noviello), dal costumista Maurizio Millenotti. La protagonista Madina, sempre riconoscibile nel suo costume rosso acceso, è la superlativa ballerina Antonella Albano. L'attore Francesco Aricò declama ad alta voce i testi tratti dal romanzo "La ragazza che non voleva morire" di Emmanuelle de Villepin, autrice anche del libretto. Il tenore Paolo Antognetti e il mezzo-soprano Anna-Doris Capitelli si alternano nel cantare la triste vicenda e sono rispettivamente Sultan/Louis e Madina/Olga. Nella terza rappresentazione, vista ieri sera in una Scala al completo, l'eccellente Roberto Bolle è Kamzan, lo zio di Madina che, divenuto terrorista, vuole spingere la nipote a diventare kamikaze. Gioacchino Starace è Louis, caporedattore di un giornale francese che ascolterà e incontrerà Olga- l'ottima Alessandra Vassallo- , la zia russa di Madina di cui poi si innamorerà. Il bravissimo Gabriele Corrado è Sultan, il padre di Kamzan, che vuole salvare Madina. Come racconta Fabio Vacchi "..Madina si trova risucchiata da una spirale di violenza. Non vuole uccidere. Ma si toglie la cintura esplosiva sottraendosi all'attacco omicida-suicida, sulla spinta di quell'istinto di sopravvivenza che accomuna gli abitanti della Terra..". Nel disinnescare la cintura esplosiva morirà l'artificiere. Madina verrà processata e condannata. Kamzan sarà ucciso. Una vicenda attualissima dove il territorio ceceno, in cui si svolge il dramma, potrebbe essere sostituito da altri dove oggi si combattono guerre sanguinose e si commettono terribili atrocità. La formula del teatro-danza di Vacchi è in Madina perfettamente realizzata, grazie anche alle grandi qualità di Manuel Legris, direttore del Corpo di Ballo scaligero. Un lavoro eccellente, imperdibile, che avrà ancora tre repliche il 6, il 7 e il 9 marzo. ( prime due foto di Brescia, Amisano, Archivio Scala)

3 marzo 2024   Cesare Guzzardella

Sono tornati in Auditorium con l'Orchestra Sinfonica di Milano i pianisti Arthur & Lucas Jussen per interpretare Béla Bartók sotto la direzione di Jaume Santonja, Direttore Ospite Principale della Sinfonica milanese e molto presente nella sala concertistica. L'impaginato prevedeva una prima parte del concerto interamente dedicata alle musiche del compositore ungherese: prima i Canti contadini ungheresi e poi il Concerto per due pianoforti, percussioni e orchestra Sz.115. Dopo l'intervallo, cambio di registro con la celebre Sinfonia n.2 in re maggiore op.73 di Johannes Brahms. L'anticipazione orchestrale bartókiana dei folcloristici Canti contadini ungheresi (1914-18) ha rivelato i primi lavori di Bartók (1881-1945) composti in età giovanile con un linguaggio comprensibile, immediato, ma già tipico delle modalità di scrittura bartókiane. Sono una serie di canti molto ritmati, orchestrati nel 1933 e presi dalla tradizione popolare ungherese. Ottima la resa espressiva di Santonja e degli orchestrali. Un Bartók più evoluto ed emancipato è invece quello del secondo brano. Il Concerto Sz. 115 prevede due pianoforti e l'uso di una serie di percussioni, ieri sera nelle mani di Viviana Mologni e di Simone Beneventi. Il corposo concerto ha anche timbriche percussive nei pianoforti. Il brano, particolarmente caratterizzante della modernità del grande compositore ungherese, è stato composto tra il 1938 e il 1940, quindi è un lavoro decisamente maturo. L'interpretazione, non facile, è stata affrontata con determinazione dai quattro protagonisti. I fratelli, nella suddivisione della parte pianistica, hanno interagito con le percussioni creando un'atmosfera scura e suggestivamente barbarica nei tre densi movimenti che formano il brano: Assai lento, Lento ma non troppo e Allegro non troppo. Ottima la resa complessiva e applausi fragorosi al termine per tutti i protagonisti. Bis per due pianoforti di grande levatura estetica quello concesso dai Jussen con il brano "La Coquette", dalla Suite n.2 "Silhouettes" del russo Anton Arenskij (1861-1906) . Dopo l'intervallo la calebre Sinfonia n.2 op.73 di Brahms (1877) ha trovato un'ottima resa nella direzione di Santonja con un andatura riflessiva nell'Allegro non troppo iniziale e un'andatura piuttosto spedita e contrastata nel quarto movimento, Allegro con spirito. Chiare le timbriche delle sezioni orchestrali anche nell'Adagio e nell'Allegretto giocoso. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto in Auditorium. Domani, domenica, alle ore 16.00 la replica. Da non perdere!

2 marzo 2024 Cesare Guzzardella

Il Concerto n.1 per pianoforte e orchestra op.23 di Čaikovskij e la Sinfonia op.95 "Dal Nuovo Mondo" di Dvořák godono di una popolarità universale per la orecchiabilità dei principali temi conduttori. Il Concerto in Si bem.maggiore del grande russo rappresenta anche un campo di battaglia di virtuosismo per i migliori pianisti, unitamente alla non facile capacità di dare espressività alla melodicità sempre presente, come nel pregnante Andantino semplice centrale. Al pianoforte questa mattina c'era un giovanissimo virtuoso, per la prima volta in Italia: Roman Borisov. Ad ascoltarlo all'anteprima, un pubblico con anche centinaia di studenti provenienti dalle scuole milanesi. Borisov, siberiano nato nel 2002, ha vinto prestigiosi concorsi internazionali e ha già frequentato le più importanti sale da concerto europee. Coadiuvato ottimamente dalla direzione del franco- americano George Pehlivanian, direttore spesso presente ai Pomeriggi Musicali , ha sostenuto con disinvoltura discorsiva sia le parti più melodiche del concerto, sia i momenti più virtuosistici espressi con decisione unitamente ad una leggerezza assai producente. Ottima la lunga cadenza dell'Allegro non troppo iniziale, elargita con passione e rigore tecnico. Applausi calorosi. Dopo il breve intervallo, decisa e piena d'energia la Sinfonia in Mi minore "Dal Nuovo Mondo" del musicista ceco. Di pregio la sinergia tra Pehlivanian e gli orchestrali e validi i numerosi interventi solistici del celebre, ma non unico, capolavoro di Antonin Dvořák. Applausi calorosissimi. Questa sera alle ore 20.00 la prima ufficiale e sabato alle 17.00 la replica. Da non perdere!

L'Orchestra dell'Università agli Studi di Milano da molti anni ha una valida programmazione e trova anche ottime direzioni e validi solisti, oltre a mettere in risalto anche brani del nostro tempo, alcuni commissionati a giovani compositori dall'orchestra stessa. Ieri nell'Aula Magna dell'Università Statale, colma di spettatori, un ottimo direttore emergente come il sud-coreano Hankyeol Yoon, vincitore nel 2023 del Premio Herbert von Karajan per giovani direttori d'orchestra, è riuscito ha produrre ottime esecuzioni dai giovani orchestrali. Tre i  brani in programma. Il primo era una commissione dell'Orchestra UNIMI a Leonardo Damiani, recente vincitore del Premio di composizione del Conservatorio milanese. Il suo Un azzurro intenso, senza pietà, lavoro del 2023, prevedeva uno raro strumento solista quale l'eufonio, un ottone con sonorità particolarmente penetranti suonato dalla bravissima Marina Boselli, anche lei vincitrice del Premio del Conservatorio di Milano nel 2022 come migliore strumentista dell'anno. Il concerto serale era stato preceduto da un incontro presieduto da Francesco Antonioni - compositore e organizzatore- con i tre protagonisti citati che hanno chiarito molti aspetti della loro attività e del concerto serale. Il brano di Damiani, compositore nato a Perugia nel 1991, attraverso sonorità penetranti dell'orchestra, ha messo in risalto le timbriche particolari dell'eufonio, in un dialogo denso di effetti sonori ben costruiti e d'intensa suggestione. Molto brava la Boselli ad esprimere le non facili sonorità del suo ingombrante strumento. Yoon, direttore e anche compositore, ha condotto molto bene l'esecuzione entrando nei non semplici dettagli coloristici. Lavoro molto applaudito e compositore in palcoscenico con i protagonisti. La serata è continuata con l'esecuzione di due noti brani: prima l'Ouverture, il Notturno e lo Scherzo dalla Suite Sogno da una notte di mezza estate (1846) di F.Mendelssohn; poi la Sinfonia n.38 in re maggiore "Praga" (1786) di W.A. Mozart. Soprattutto in quest'ultimo capolavoro del salisburghese il direttore Hankyeol Yoon ha esaltato i potenziali degli orchestrali per un interpretazione di ottima qualità. Applausi calorosi a tutti i protagonisti e ripetizione del bellissimo ultimo movimento Finale. Presto.

28 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Torna puntualmente il pianista pugliese Roberto Cappello ai concerti organizzati da "Serate Musicali". Ieri un impaginato denominato "Il canto dell'anima" ha raggiunto certamente i cuori dei presenti in Sala Verdi. La scelta di pagine arcinote era suddivisa in due importanti momenti musicali: prima opere di L.V. Beethoven e poi quelle di F. Chopin. Due mondi sonori parzialmente in contrasto, che hanno in comune una profondità di scrittura compositiva che arriva rapidamente nel mondo delle emozioni di ogni appassionato di musica. Cappello ha iniziato il concerto con la Sonata n.14 in do diesis minore "Al chiaro di luna" per proseguire con la Sonata n.23 in fa minore "Appassionata". Tra le più eseguite del genio tedesco, entrambe presentano situazioni dove la struttura musicale più semplice deve essere riempita dalla forza di penetrazione dell'interprete, con una carica di espressività che solo eccellenti pianisti possono far emergere. Altri movimenti sono più virtuosistici. Mi riferisco soprattutto al celebre Adagio sostenuto, movimento iniziale della Sonata op.27 n.2 "Al chiaro di luna". Cappello, con un'andatura particolarmente riflessiva ha dato spessore straordinario alle centellinate note del tema iniziale, creando forti emozioni nel perfetto equilibrio delle componenti melodico-armoniche. Entrambe le sonate beethoveniane hanno rivelato lo spessore interpretativo di un pianista che cerca il più possibile la creazione di forti contrasti, sempre mantenendo una bellezza significativa delle timbriche. Sia il Presto agitato finale del "Chiaro di luna", che l'Allegro ma non troppo, finale dell'Appassionata, hanno poi evidenziato il forte segno timbrico dell'interprete in una tessitura robusta, un segno certamente vicino al tormentato carattere beethoveniano. Esecuzioni prestigiose. Senza intervallo, Cappello è passato al linguaggio chopiniano, un mondo diverso quello dei celebri Valzer, tra i quali il pianista ne ha selezionati otto, i più celebri. Partendo da quelli brillanti, il primo era proprio il Grande Valzer brillante in mi bem.maggiore op.18. L'alternanza tra i valzer in maggiore e in minore, con andature a volte rapide alternate ad altre molto riflessive, ci hanno rivelato il mondo chopiniano di Cappello. Dopo l'op.18 ha eseguito l'op. 34 n.1 e n.2, l'op.42, l'op.64 n.2, l'op.69 n.1, l'op. 70 n.1 e il Valzer in mi minore KK IV n.15. Interpretazioni coerenti, articolate, che scavano in profondità nelle timbriche. I valzer in minore hanno trovato andature particolarmente riflessive riempite di carattere e in contrasto con momenti di discorsività virtuosistica espressa brillantemente e con grande chiarezza negli ampi registri del pianoforte. Il virtuoso ha poi concluso l'impaginato chopiniano con un'eccellente Polacca op. 53 "Eroica", dimostrando una tenuta complessiva esemplare, vista la lunghezza del programma. Ha concesso anche due bis: prima uno Studio di Chopin, il n.12 in do minore op.25 e poi un Beethoven meditato con il movimento centrale, Adagio cantabile, della Sonata "Patetica" . Ottimi entrambi. Applausi fragorosi dal pubblico presente in Sala Verdi per una serata straordinaria.

26 febbraio 2024   Cesare Guzzardella

Ieri l'ultima replica del verdiano Simon Boccanegra al Teatro alla Scala ha trovato uno straordinario successo di pubblico. È stato scritto molto su questa messinscena di Daniele Abbado con giudizi per lo più concordanti sui vari aspetti che non hanno soddisfatto pienamente la critica. La debolezza complessiva della regia, specie in alcuni frangenti, ha trovato in contrapposizione una resa ineccepibile nella direzione di Lorenzo Viotti. Il direttore svizzero- di origine italo-francese- ha proposto un eccellente equilibrio nel dosaggio tra la componente orchestrale, le voci soliste e l'ottimo Coro preparato da Alberto Malazzi. Nei momenti dove le sonorità orchestrali raggiungono vette "sinfoniche", e in questa opera in un Prologo e tre atti, sono molti - come nella toccante orchestrazione dell'ultimo atto- Viotti ha rivelato ancor più le sue alte qualità direttoriali. Le aveva dimostrate alcuni giorni prima nel bellissimo concerto sinfonico replicato due volte. Voce centrale per ruolo, certamente la più rilevante timbricamente, è stata quella di Luca Salsi, un Simon Boccanegra che da solo ha alzato il livello scenico. Di qualità e spesso pregnante per bellezza timbrica, Irina Lungu, un' Amelia (Maria) inizialmente non molto voluminosa ma poi in netto miglioramento. La Lungu ha sostituito nelle ultime due recite Anita Hartig assente per motivi di salute. Matteo Lippi, Gabriele Adorno, ha fatto bene la sua parte esprimendo un sicuro timbro tondo tenorile. Sottotono Ain Anger, Jacopo Fiesco, un basso dalla voluminosità non sempre adeguata. Bene Roberto De Candia, Paolo Albiani, Andrea Pellegrini, Pietro e gli altri. Da questa sera e per sei rappresentazioni, il teatro scaligero propone di W.A.Mozart "Die Entführung Aus Dem Serail", singspiel in tre atti in tedesco. La regia è quella storica di Goorgio Strehler, con scene e costumi di Luciano Damiani. Alla direzione il giovane Thomas Guggeis. Da non perdere!

25 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

IL FLAUTO DI ALBERTO NAVARRA PROTAGONISTA AL VIOTTIFESTIVAL DI VERCELLI

Ieri sera, sabato 24 febbraio, il Teatro Civico di Vercelli ha ospitato, nell'ambito del XXVI ViottiFestival, un recital del giovane, ma ormai affermato flautista Alberto Navarra. Piemontese di Mondovì, ove è nato nel 1997, è stato lanciato nell'orbita dello 'star system' della 'classica' dal primo premio al concorso flautistico internazionale Carl Nielsen 2022, uno dei più importanti concorsi per questo strumento, che gli ha spalancato le porte della più grande orchestra al mondo, i Berliner Philarmoniker. Sul palcoscenico del Civico era presente anche il Camerata Ducale Ensemble, un quartetto d'archi formato da Paolo Chiesa e Giacomo Lucato (violini), Lorenzo Lombardo (viola) e Giorgio Lucchini (violoncello). Il compito di dare inizio al concerto è stato affidato, com'era giusto nel bicentenario viottiano, al quartetto per flauto, violino, viola e violoncello in Do min. WII: 17 di G. B. Viotti, composto dal musicista vercellese a Londra intorno al 1806 per l'amico violinista e flautista Philip Cipriani Potter. Il 'periodo londinese' segna la piena maturità del compositore e violinista di Fontanetto Po. E' un'opera, aggiungiamo noi, appartenente a quel mondo musicale avvolto ancora nella penombra di un quasi totale oblio, che è la musica cameristica di Viotti, e perciò tanto più interessante. Questo quartetto si distingue per il pieno dominio della forma, che è quella, per quanto finora ci è dato conoscere, tipica dei quartetti di Viotti e che definiremmo 'brillante-dialogata', un garbato, elegante, raffinato e continuo dialogo tra gli strumenti, in cui peraltro a dominare sono il flauto e il violino che guidano il vario succedersi delle linee tematiche. È, inoltre, un quartetto scritto chiaramente da un violinista, ove il flauto è, in molti momenti significativi della composizione, in tutto e per tutto un primo violino (e infatti di questo quartetto esiste anche una versione per soli archi). Il tempo più riccamente elaborato è il primo, in cui l'ascoltatore è subito attratto dall'agogica di crescente intensità, ove è da ammirare il sottile gioco della timbrica che l'intrecciarsi di flauto e violino avvolge in un raffinato velo sonoro. Un gioiello di eleganza, ove senti ancora affiorare l'ultima eco dello stile galante. Nel Menuetto (sic) centrale, forse il tempo più riuscito del quartetto, erompono tutta la fresca vitalità e la grazia, che è uno dei tratti inconfondibili della musica di Viotti che lo lega ancora ad un clima musicale settecentesco. L'Allegro agitato e con fuoco finale risente di una temperie preromantica, ma non si sottrae a quel vigile controllo formale che è un altro dei caratteri inconfondibile della musica di Viotti, alieno, almeno in questo quartetto, da quell'inquietudine cupa che è tipica del do minore mozartiano e successivamente esasperata da Beethoven e dai Romantici. Ottima l'esecuzione a cominciare dal flauto di Navarra, distintosi per il suono pulito e cristallino, sostenuto da un'emissione del fiato sempre aperta ed elastica nel restituire le varie dinamiche del pezzo, e di grande fluidità nei cambi di registro: il risultato è quello di un suono capace di potenziare al massimo la grazia tipica del flauto, che brilla ed incanta nelle note alte del registro acuto. Ma un plauso convinto spetta anche agli archi, che hanno dialogato con perfetta intesa col flauto, sempre precisi e sicuri nelle entrate, ottimi nella gestione dei timbri e delle dinamiche. Tipico esempio di quartetto 'concertante' è invece il successivo quartetto in Re magg. KV 285 di Mozart, composto un trentennio prima del quartetto di Viotti. Qui ai momenti 'dialogici' si alternano momenti in cui il flauto acquista decisamente il ruolo di strumento solista, specie nell'Adagio centrale, che è praticamente un assolo del flauto, con il delicato accompagnamento in pizzicato degli archi. Con il quartetto KV 285 la magia creatrice di Mozart ci regala un gioiello musicale anche per uno strumento che il compositore dichiarava di "non sopportare" (ed è, per l'autore del "Flauto magico" dichiarazione un po' paradossale). È chiaro però che le parole del genio salisburghese vanno riferite al flauto del suo tempo, ben lontano per qualità di suono, intonazione e volume dal flauto moderno. In questo pezzo Navarra mostra tutte le sue doti di virtuoso e la perfetta padronanza tecnica dello strumento nel primo movimento in Allegro, soprattutto nella ripresa, con trilli, balzi bruschi di ottave e di registri, il tutto eseguito con quella splendida fluidità e purezza di suono che contraddistinguono lo stile del flautista monregalese. L'Adagio poi, si diceva, è un assolo in cui il flauto è sfidato da Mozart ad esprimere tutte le sue potenzialità espressive, con una melodia cui la dolcezza di suono di Navarra dona un'intensità e una carica sentimentale, capaci di suscitare profonda emozione nell'ascoltatore. Ma, ancora una volta, va citata l'ottima prestazione degli archi, in particolare nell'Allegro iniziale, ove, nella sezione sviluppo, presenta un ricco avvicendarsi di chiaroscuri, con il ricorso frequente al tono minore, eseguiti al meglio dal flauto e dagli archi, anche con una calibratura finissima delle dinamiche. All'insegna della più pura grazia mozartiana il Rondò finale, in cui tutti gli strumenti, intrecciando variamente le entrate, concorrono, con eleganza e finezza di suono, a confezionare un pezzo di delizioso abbandono alla gioia del fare (e ascoltare) musica. Con un brusco salto ai nostri giorni, il programma del concerto prevedeva un pezzo per flauto violoncello e gong, la Petite suite, composto da Joerg Widmann (che è un grande clarinettista) nel 2016, come 'tombeau' alla flautista svizzera Aurèle Nicolet, allora da poco scomparsa, suddiviso in tre tempi, Allemande, Lamento, Sarabande: l'intervento del violoncello e del gong è limitato alla Sarabanda finale, mentre i primi due tempi sono per flauto solo. Splendida l'interpretazione di Navarra, sia sotto il profilo tecnico che espressivo. Sotto il profilo squisitamente tecnico il giovane flautista piemontese dà prova di tutta la sua bravura nel rendere al meglio i passaggi più inquieti e nervosi dell'Allemande, con frequenti cambi di registro, con un'emissione di purezza ed energia straordinarie delle note sovracute, con scale di vertiginosa rapidità. Una tensione che si riproduce nel Lamento centrale, ove alle agilità già presenti nell'Allemande si aggiungono trilli e frullati, suonati con una trasparenza e una limpidezza davvero ammirevoli. Sul piano espressivo Navarra ha saputo dare pienamente voce a quel tono di intenso dolore, di meditazione sul tragico destino dell'uomo che ovviamente è presente in tutto il pezzo, ma che si fa particolarmente intenso nella finale Sarabande, in cui il registro acuto è un grido di dolore, e straziante è il progressivo spegnersi del suono che conduce alla conclusione del brano. La linea espressiva del flauto già intensa di suo, traeva ulteriore potenza suggestiva dal suono grave, di un brunito cupo e senza speranza del violoncello, con lo schianto del gong che precede la chiusura in pianissimo del flauto Una composizione bellissima, nella sua essenzialità e concentrazione, suonata benissimo. Chiudeva il programma della serata una delle più belle pagine della letteratura per Quartetto d'archi, il n.12 op. 96, "Americano" di A. Dvoràk, presentata nella versione per flauto e archi. Anche in questo caso Navarra e gli elementi del Camerata Ducale Ensemble han dato un'ottima interpretazione, a cominciare già dall'iniziale Allegro ma non troppo, con la trepidante, leggera malinconia che vena il suono vellutato della viola nell'enunciazione del tema principale, un tema lirico pentatonico, che risente dell'influenza della musica religiosa degli Spirituals (ricordiamo che il quartetto fu composto durante il soggiorno americano del grande compositore boemo, da cui il titolo). Diremmo che in questo capolavoro di Dvoràk l'intensità espressiva del flauto di Navarra tocca il suo vertice, in particolare nei primi due movimenti, i più lirici dei quattro in cui è diviso il pezzo. In particolare la valorizzazione dei vari registri dinamici, la cui gestione è essenziale in questo pezzo, è stata accuratissima, con un gioco chiaroscurale che si faceva emozione pura nei momenti in cui il suono del flauto, nel registro basso, si faceva misterioso mormorio, carico di suggestione, nell'intreccio coi timbri degli archi, tra i quali si distingueva in particolare, per un suono di altissima qualità, nella sua avvolgente e delicata morbidezza, il violoncello di Giorgio Lucchini. Ma è naturalmente l'intera compagine a ottenere un ottimo risultato nel suono d'insieme, calibrato con grande efficacia nei frequenti passaggi dei vari strumenti in tremolo, o nei ribattuti sincopati e nei ritmi puntati, che evocano come un sommesso singhiozzo che sembra attraversare l'intero primo tempo. Bravissimi sono stati Navarra e i i giovani talenti dell'Ensemble nel valorizzare tutte le potenzialità espressive e timbriche del tema del Lento, anch'esso improntato al tono di nostalgica cantilena dello Spiritual, e dove ogni strumento fa sentire la sua voce, nel vario e sempre timbricamente diverso intreccio delle linee strumentali. Il luminoso tema principale del Molto vivace e l'alternarsi nel Finale in forma di Rondò, di un trascinante ritmo di danza, e di due couplet di dolce e malinconico lirismo, trovano nell'interpretazione, nella qualità del suono e del fraseggiare del flauto e degli archi un tono espressivo di grande qualità, sia nei momenti più brillanti, sia in quelli di più intimistico ripiegamento sentimentale. Abbiamo insomma ascoltato un'esecuzione di un pezzo bello e celebre, ispirata da collaudata consapevolezza tecnica unita a matura capacità di scavo espressivo nella partitura e possiamo dire che la versione per flauto non fa per nulla rimpiangere l'originale per quartetto di soli archi. Vorremmo aggiungere una nostra considerazione: la sagace e straordinaria 'politica' perseguita da anni dalla Camerata Ducale nella valorizzazione e formazione di giovani strumentisti sta producendo i frutti meritati, potendo ormai contare su un gruppo di talenti di notevole qualità professionale e animati da quell'entusiasmo e da quella gioia del suonare insieme che nei giovani dà la spinta a offrire il meglio di se stessi. Bellissimo concerto, salutato dagli applausi di un pubblico come sempre numeroso e con presenza giovanile, crediamo, sopra la media italiana: a VercellI sembra talvolta di trovarsi in qualche sala da concerto austriaca o tedesca. Col bis, Summertime di Gershwin, sempre in una versione per flauto e archi, si è conclusa un'altra memorabile serata al Teatro Civico di Vercelli. (Foto in alto Uff. Stampa Vercelli)

25 febbraio 2024 Bruno Busca

L'Orchestra Sinfonica di Milano è stata diretta da Andrey Boreyko, direttore principale della compagine milanese dalla primavera del 2022. In programna c'erano: prima una rarità del compositore praghese Miloslav Kabeláč (1908-1979) con il suo Mystery of Time. Passacaglia per orchestra op31, poi il noto Concerto per pianoforte e orchestra n.2 in si bem.Maggiore op.83 di Johannes Brahms. Al pianoforte per il concerto dell'amburghese l'ucraino Vadym Kholodenko, vincitore del prestigioso "Concorso Internazionale Van Cliburn nel 2013". Un impaginato particolarmente impegnativo, con il primo brano composto da Kabeláč nel 1957 che prevedeva un'ampia passacaglia che lentamente, partendo da timbriche discrete, si sviluppava in crescendo, sino ad ampliare le volumetrie in modo tumultuoso anche attraverso le numerose percussioni presenti in orchestra. Una valida composizione, ottimamente interpretata dalla Sinfonica di Milano. Prima del concerto brahmsiano, Andrey Boreyko ha voluto salutare il pubblico annunciando la fine del suo mandato con l'orchestra e omaggiando i presenti con un pregnante brano wagneriano, l'Elegia nella trascrizione di Franco Mannino. Un'interpretazione pregnante di nitore coloristico. Dopo il breve intervallo è salito sul palcoscenico il pianista Kholodenko per il celebre concerto, un lavoro molto "sinfonico" dove la parte pianistica era resa con efficace espressività nella modalità elegante e raffinata del suo particolare ed essenziale tocco. L'ampio concerto, in quattro movimenti, cosa rara per un concerto pianistico, ha trovato una direzione accurata e ben evidenziata in ogni sezione orchestrale e Boreyko ha individuato benissimo l'equilibrio dei movimenti, quello dei piani sonori e una rispettosa integrazione pianistica nel contesto orchestrale sino alle delicate timbriche dell'Allegretto grazioso finale. Applausi fragorosi dal numerosissimo pubblico presente in Auditorium. Due i riflessivi bis concessi dal pianista, tra i quali il primo era una delicata Bagatella n.1 op.1 "Allegretto" del compositore ucraino Valentin Silvestrov (1937)

Tra una replica e l'altra del verdiano Simon Boccanegra, il direttore svizzero Lorenzo Viotti - figlio di italo/francesi- ha diretto un concerto sinfonico particolarmente interessante con brani di Rimskij-Korsakov, Ravel e Rachmaninov, tre compositori che hanno in comune le loro eccellenti qualità di orchestratori e di direttori d'orchestra. Il Capriccio spagnolo op.34 del primo russo ha introdotto la serata rivelando subito la valida cifra interpretativa del giovane direttore alle prese con un brano composto nel 1887 che vuole rendere omaggio al mondo musicale spagnolo. Il celebre Concerto in Sol (1929-31) del francese Maurice Ravel ha visto poi al pianoforte solista un altro francese, il quarantaduenne David Fray, interprete molto apprezzato internazionalmente. Elegante ed equilibrata la resa di un concerto che risente parecchio dell'influenza jazzistica e di Gershwin e che ha nel bellissimo movimento centrale, Adagio assai, un momento di grande riflessione resa ottimamente dalle note centellinate e ben pesate da Fray, esguite con eleganza in un contesto orchestrale ideale. Il solista, rimanendo in tema di note semplici, ha concesso poi come bis la celebre Aria iniziale delle Variazioni Goldberg di J.S.Bach. Ottima interpretazione e applausi fragorosi dal numerosissimo pubblico presente. Dopo il breve intervallo, l'impatto massiccio iniziale delle bellissime prime battute delle Danze sinfoniche op.45 (1940) di Sergej Rachmaninov ha dato ancora un tocco di virtuosismo e di eleganza alla serata. La bellissima orchestrazione di questo lavoro, che spesso viene eseguito nella versione per due pianoforti, ha messo in risalto le ottime qualità della Filarmonica della Scala, orchestra applauditissima al termine della splendida serata. Questa sera alle ore 20.00 l'ultima replica e sabato Viotti torna alla guida dell'orchestra scaligera per l'ultima replica di Simon Boccanegra. Da non perdere entrambi.

23 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Un impaginato estremamente classico quello ascoltato in anteprima al Dal Verme con I Pomeriggi Musicali diretti da Stefano Montanari. Queste mattinate musicali che anticipano il concerto serale delle ore 20.00 e la replica di sabato alle ore 17.00, stanno diventando veramente importanti, visto la numerosissima quantità di spettatori abituali ai quali spesso si aggiungono centinaia di studenti occasionali provenienti dalle scuole secondarie milanesi. Montanari presenta i brani rivolgendosi direttamente agli studenti, facendo a loro domando, inquadrandoli all'attento ascolto e sperando che questa venuta, con i loro insegnanti, possa stimolarli per una futura passione al mondo musicale classico. L'impaginato prevedeva una rarità di F.J.Haydn (1732-1809) con l'Ouverture da L'isola disabitata, il Concerto per flauto e arpa in do maggiore K 299 di W.A.Mozart (1756-1791) e infine la celebre Sinfonia n.4 in la maggiore op.90 "Italiana" di F. Mendelssohn ( 1809-1847). Il gesto energico ed efficace di Montanari, ottimamente recepito dagli orchestrali de "I Pomeriggi" ha prodotto una valida esecuzione dell'Ouverture haydniana, un brano di grande potenza espressiva che andrebbe inserito spesso nei programmi sinfonici. Protagonisti del successivo raffinato concerto mozartiano erano il flautista Andrea Manco e l'arpista Claudia Lucia Lamanna. Coadiuvati benissimo dagli orchestrali, il duo solistico è emerso per qualità espressiva dominata da nitore timbrico nell'elargire la gentile componente melodica del brano. Ottima la miscela delle sonorità del flauto, con i tenui e precisi colori dell'arpa. Perfetto l'equilibrio complessivo del brano giovanile mozartiano. Applausi fragorosi meritatissimi. La Sinfonia "Italiana", penultima delle cinque sinfonie del Maestro tedesco, è probabilmente la più popolare per via di quel sorprendente attacco iniziale che si ripercuote in tutto il lavoro. Ottima la decisa direzione di Montanari con un risultato a mio avviso migliore nei movimenti più energici laterali, l'Allegro vivace iniziale e il Saltarello.Presto finale. Un concerto decisamente di qualità. Da non perdere la serata ufficiale di questa sera e la replica di sabato.

22 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

È una consuetudine sempre gradita il concerto che il pianista turco Fazil Say tiene da moltissimi anni in Conservatorio per la "Società dei Concerti". Era venuto l'ultima volta nel maggio del 2023 ottenendo, come sempre, un meritato successo. Ieri è stata una serata particolare, con una Sala Verdi al completo e con centinaia di giovani ventenni, molti della comunità turca, venuti - non solo da Milano- per ascoltare un interprete speciale, che ha fatto della creatività personale la cifra estetica più riconoscibile. Una parte dell'impaginato, quello "classico", prevedeva brani di Bach-Busoni , Beethoven e Janàček. La seconda parte "à la carte", ha visto solo composizioni di Say tutte riconoscobili, brani che oramai hanno fatto storia. Come detto in altre occasioni, Say particolarmente conosciuto nella sua terra d'origine, ha acquisito notorietà in Italia e in Europa grazie anche ad alcune pecurialità stilistiche e gestuali e anche per essere un musicista 'trasversale", aperto al jazz, alla musica folcloristica, al mondo colto, con modalità interpretative ricche di innovazioni timbriche, presenti soprattutto nelle sue composizioni. Composte con un linguaggio accessibile, i suoi lavori trovano influenze legate alla sua terra, al mondo europeo con riferimenti, nel melodiare, alla canzone francese. Un pianista-compositore che utilizza il pianoforte a 360 gradi, con effetti percussivi sulla cassa di risonanza o smorzando e riverberando le note ottenute con la mano sinistra sulla cordiera. Il programma classico, nello stile "alla Say", prevedeva la Ciaccona dalla Partita n.2 per violino solo di J.S.Bach nella nota trascrizione pianistica di Ferruccio Busoni; quindi la Sonata n.17 in re minore op.31 n.2 "la Tempesta" di L.v. Beethoven e a conclusione la pregnante Sonata "I - X- 1905" in mi bem.maggiore di Leos Janàček. Ottime le interpretazioni, alcune delle quali, quelle di Bach-Busoni e di Beethoven, che avevamo già ascoltato in concerti passati Di pregnante valenza timbrica la sonata di Janàček definita da marcati contrasti nelle tre parti che la compongono: Presentimento, Morte, e Adagio, riuniti in un unico movimento. Anche in questo brano la componente gestuale di Say, atta a sottolineare l'evento musicale, era un tutt'uno con l' espressive sonorità. Senza un momento di pausa, Say è passato poi ad una serie di suoi lavori, tutti oramai celebri tra cui il primo, quello più conosciuto, divenuto un classico: Black Earth. L'estemporaneità dell'esecuzione del celebre brano porta Say a fare sempre "modifiche in corso" . Particolarmente toccante quella di ieri, con effetti di riverbero e timbriche "orchestrali" d' intensa pregnanza coloristica. Senza soluzione di continuità ha eseguito altri brani tra cui il melodico SES e le sue Paganini Variazioni, con molte varianti jazz. Applausi fragorosi dal pubblico più giovane tutto in piedi e come bis la popolarissima "Alla turca" di Mozart-Say in versione jazz.

L'Aria con 30 Variazioni in sol maggiore BWV 988, ovvero le "Variazioni Goldberg", rappresentano uno dei monumenti architettonico-musicali di J.S.Bach. Composte nel 1741, in età matura, dal genio tedesco, rappresentano un punto d'arrivo per ogni grande virtuoso. L'armeno Sergei Babayan (classe 1961) ha studiato al Conservatorio di Mosca, avendo tra i maestri anche Mikhail Pletnev, ed è un rinomato didatta avendo avuto tra i suoi allievi il grande Daniil Trifonov. È la seconda volta che viene in Conservatorio ai concerti organizzati da Serate Musicali. Nel maggio del 2022 l'impaginato era variegato con brani di Bach-Busoni, Liszt e Schumann resi con un linguaggio personale e notevole espressività. Ieri sera il celebre brano di Bach, vista la corposità di un lavoro- che nell'interpretazione dell'armeno residente negli Stati Uniti-, è durato esattamente 62 minuti, era l'unico in programma. Ho ascoltato le Goldberg da numerosi ottimi interpreti, un paio eccellenti, e per la prima volta da Babayan. Sono rimasto decisamenre soddisfatto della sua restituzione, giocata sulla varietà di ricerca di adeguati andamenti, di timbriche mai eccessive, d'intrecci delle voci di luminosa resa estetica. Partendo con un'andatura particolarmente riflessiva della celebre Aria iniziale -32 battute di una semplice melodia che poi ritornerà pressochè identica al termine della trentesima variazione- l'interprete ha rivelato un controllo totale di ogni elemento costituente la complessa architettura. L'interiorizzazione mnemonica di ogni dettaglio costruttivo ha permesso la più completa penetrazione di un lavoro ricco di contrasti, che comunque danno modo all'interprete di esprimere la propria creatività. Babayan ha aggiunto qualche abbellimento perfettamente adeguato e tolto alcuni ritornelli nella sua precisa visione del capolavoro. La leggerezza timbrica, priva di eccessi, ma di sicura resa nelle molteplici dinamiche, e la riconoscibilità delle voci nei differenti piani sonori sono indicativi di un'nterpretazione d'eccellenza. Molto interessante poi la timbrica "organistica" del finale, nella ventinovesima e nella trentesima variazione, che ha esaltato la musica del sommo Bach, proiettandolo verso un'alta vetta quasi irraggiungibile, ma da lui raggiunta con naturalezza. Probabilmente la migliore delle Goldberg ascoltate. Applausi fragorosi in una Sala Verdi con un pubblico decisamente entusiasta.

20 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

"Cosi vicini, cosi lontani - quando i musicisti sono amici, ma non troppo": questo il titolo scelto da Luca Schieppati per il concerto tenuto dal pianista materese Pier Francesco Forlenza, dove la scelta dell'impaginato prevedeva brani di due coppie di musicisti, ossia Brahms - Herzogenberg e Debussy - Satie, amici, ma non sempre, con momenti anche di forti contrasti nei loro rapporti non solo musicali. Forlenza, nato nel 1970, interprete ma anche compositore, a soli 22 anni già docente di ruolo al Conservatorio, ha voluto introdurre il pomeriggio musicale con tre rarità pianistiche di Heinrich von Herzogenger (1843- 1900), musicista tedesco contemporaneo di Brahms (1833- 1897). Di lui ha eseguito Commodo op. 68 n. 2, Impromptu op. 37 n. 1 e Menuet op. 37 n. 5, brani molto interessanti e ben interpretati da Forlenza. A questi lavori sono seguite le celebri due Rapsodie op.79 del musicista amburghese, dedicate a Elisabeth von Herzogenberg nata Stockhausen, moglie del primo compositore. Elisabeth era una valida pianista e anche compositrice, allieva di Brahms; di famiglia aristocratica e colta, di notevole importanza all'epoca, aveva entrambi i genitori dedicatari di opere di Chopin. Forlenza, con timbriche sicure ed energiche, ha ottimamente eseguito i lavori brahmsiani. Con un netto cambio di registro si è passati ad un clima musicale differente, dove i brani di Satie e Debussy sono stati preceduti e intervallati da tre brevi composizioni di Forlenza: il primo, B Flat, è una riuscita ninna nanna con armonie legate al jazz, un po' alla Bill Evans, collegata a due notissimi brani di Erik Satie (1866-1925), Gymnopedie n.1 e Gnossienne n.1, due lavori tanto semplici quanto profondi, eseguiti da Forlenza con intensa espressività e andamento riflessivo. Gli altri due brani di Forlenza, Satie's faction e Valse lunatique, sono risultati entrambi molto validi e piacevoli, legati al mondo di Satie, con il secondo più sviluppato nel contrasto tra i due momenti differenti. Ottimi lavori! Numerosi i brani di Claude Debussy conclusivi: due Preludi dal libro secondo, Bruyères e Feux d'artifice, la prima serie di Image e per ultimo L'isle joyeuse. Tutti interpretati con grande perizia e sensibilità da Forlenza, a dimostrazione di un'indubbia affinità con il compositore francese. Applausi calorosi e meritatissimi, anche dopo il bis, una preziosa rarità: un breve brano delicato e scritto benissimo, un Intermezzo in la maggiore in stile brahmsiano, di Elisabeth Stockhausen von Herzogenberg trascritto dal pianista. Il 3 marzo, sempre alle ore 17.00, concerto del duo Sacco-Schieppati (violino e pianoforte) in un interessante programma denominato "Qualcosa di terribile - Tolstoj, la musica e altre invettive": in programma anche la beethoveniana Sonata op. 47 " a Kreutzer". Da non perdere.

19 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Palazzo Marino, in occasione della mostra dedicata a Moroni in corso di svolgimento alle Gallerie d'Italia, ha organizzato alcuni Ritratti Musicali: tre incontri in musica di tarda mattinata che oggi e nel mese di marzo ( i prossimi incontri sono previsti per il 3 e il 17 marzo ) riempiranno di ottima musica la prestigiosa Sala Alessi. Questa mattina, un concerto interamente al femminile ha trovato successo in una sala stracolma di pubblico: il Kontraste Duo formato dalla clarinettista Silvia Puggioni e dalla pianista Gledis Gjuzi ha interpretato brani di ben sette compositrici e precisamente di Clémence de Grandval (1828-1907), Johanna Senfter (1879-1961), Francine Aubin (1938-2016), Ruth Gipps (1921-1999), Krystyna Moszumańska-Nazar (1924-2009), Lili Boulanger (1893-1918) e Marion Bauer(1882-1955). A parte Lili Boulanger, sorella di Nadia, entrambe conosciute e apprezzate musiciste, con la seconda celeberrima insegnante di composizione, meno conosciuti erano gli altri nomi. L'impaginato nella sua completezza era ottimo e le qualità di scrittura musicale delle autrici - soprattutto francesi, ma anche tedesche, inglesi, polacche e statunitensi -di alto livello. Il duo Puggioni-Gjuzi si è rivelato espressivamente pregnante nel trasmettere le articolate composizioni attraverso un'intesa discorsiva di ottimo livello. Le stesse interpreti hanno presentato in modo dettagliato i lavori eseguiti, inquadrando storicamente le compositrici in un panorama musicale che dalla fine dell'Ottocento si spinge quasi ai nostri giorni, con i raffinati brani ad esempio di Francine Aubin, di Ruth Gipps o della Moszumańska-Nazar. I Deux pièces en forme de jazz per clarinetto e pianoforte, della Aubin, -un Tempo di blues e un Andante- riassumono in modo mirabile ed elegante modalità classiche e ritmiche jazzistiche, espresse con abilità e disinvoltura dal duo. Di rilevante melodicità il Preludio per clarinetto op.51 della Gipps e di grande creativita le Tre Miniature per cl.e piano della polacca Mouszumańska-Nazar, brani brevi ma di grande varietà costruttiva, ottimamente individuata dalle interpreti. Due brevi brani della Boulanger, D'un vieux jardin e Cortege, tratti da Trois morceaux pour Piano, hanno trovato una luminosa e dettagliata interpretazione dalla Gjuzi, pianista proiettata nel repertorio novecentesco e contemporaneo. Efficaci anche i primi brani della Grandval, Invocation e Air Slave, l'ultimo della statunitense Marion Bauer - allieva di Nadia Boulanger- con la sua Sonata per clarinetto e pianoforte op.22 ( anche per viola) . Intensamente profondo Ruhig, movimento centrale della Sonata per cl.e pianoforte op.57 di Johanna Senfler. Un concerto applauditissimo che ha visto anche un' eccellente esecuzione di un bis di una nota compositrice quale la francese Germaine Tailleferre (1892-1983) e la sua splendida Arabesque. Applausi fragorosi alle protagoniste.

Dopo l'importante serata di giovedì sera con l'Orchestra Sinfonica di Milano, il direttore austriaco Emmanuel Tjeknavorian è tornato in Auditorium ieri nel tardo pomeriggio per dirigere l'Orchestra Sinfonica Giovanile di Milano, una compagine composta da giovanissimi strumentisti coadiuvati da alcune prime parti (come tutor) appartenenti all'orchestra principale. Un numerosissimo pubblico ha accolto la giovane l'orchestra e Tjeknavorian - da settembre 2024 direttore musicale in Auditorium- per due brani quali la celebre Moldava di Smetana e la Sinfonia n.8 di Antonin Dvorak. Esecuzioni di qualità per i giovanissimi che vogliono fare della musica la loro professione. Applausi meritatissimi a tutti i protagonisti. Oggi alle 16.00 la replica del concerto di giovedì. Da non perdere!

18 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Una serata importante quella di ieri sera in Auditorium con l' Orchestra Sinfonica di Milano. Il nuovo direttore musicale della sinfonica milanese Emmanuel Tjeknavorian, direttore d'orchestra e violinista affermato internazionalmente, ha tenuto un concerto di decisa qualità proponendo brani di Richard Wagner e di Richard Strauss. Due musicisti tedeschi legati al romanticismo e al tardo romanticismo dove il primo, di cinquant'anni più giovane - era nato nel 1813 a Lipsia- è l'inventore di un nuovo modo di concepire la musica, legata ad un filo conduttore che torna in tutti i lavori, sia nelle numerose e amate opere liriche che nei pochi brani orchestrali da lui realizzati. Richard Strauss, nato nel 1864 a Monaco di Baviera, parte dalla concezione wagneriana e costruisce un sinfonismo virtuosistico portato alle più estreme ridondanze volumetriche, in costruzioni musicali dove anche molti strumenti solistici dell'orchestra primeggiano. Le sua grandezza di compositore, pari alle sue note capacità direttoriali, hanno permesso uno sviluppo coloristico molto progredito per le grandi orchestre che in quegli anni assumono dimensioni sempre maggiori. Il viennese Tjeknavorian, nato nel 1995, quindi non ancora trentenne, aveva iniziato la carriera musicale come grande virtuoso del violino a partire dal successo ottenuto al Concorso Sibelius nel 2015. Da alcuni anni l'interesse per la direzione orchestrale espressa dalle sue indubbie capacità, lo hanno portato in giro per il mondo alla guida di orchestre importanti. L'impaginato scelto per la serata ha visto prima di Wagner il raro Eine Faust-Ouvertüre, WWV 59 e poi il celebre Prelude & Liebestod da Tristan und Isolde; dopo l'intervallo di Strauss prima Der Rosenkavalier, Suite TrV 227 e poi Till Eulenspiegels lustige Streiche (I tiri burloni di Till Eulenspiegel) TrV 171. Le potenzialità dell'orchestra hanno trovato espressione nell'accurata direzione del viennese. Tutti e quattro i lavori hanno rivelato la chiarezza d'idee, dal punto di vista costruttivo, del giovane direttore, che con gesto elegante indirizza gli orchestrali in un territorio musicale a lui molto congeniale. Dopo la più estroversa Ouverture dal Faust, ottimamente eseguita, i colori intimistici del celebre Preludio da Tristan e Isolde sono stati delineati dall'orchestra con intensa profondità. Le caratteristiche quasi viennesi, con i relativi movimenti di valzer, presenti nella Suite dal Rosenkavalier hanno ancor più delineato l'affinità di Tjeknavorian con la musica dello Strauss tedesco. Anche nei Tiri burloni di Till Eulenspiegel, l'eccellenza degli impasti coloristici si sono rivelati in toto e complessivamente le interpretazioni straussiane sono apparse di ancor più alta qualità. Bravissimi i singoli strumentisti nei numerosissimi interventi solistici: tra questi citiamo almeno l'ottimo violino di Luca Santaniello. Un successo meritatissimo in un Auditorium stracolmo di pubblico. Ad assistere al concerto c'erano anche noti compositori e direttori d'orchestra come Riccardo Chailly, organizzatori di concerti e numerosi giornalisti. Splandida serata. Da non perdere la replica di domani, domenica 18 febbraio, alle ore 16.00

17 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

"Musica con le ali" da alcuni anni promuove giovani talenti attraverso concerti ottimamente organizzati. Ieri, nel tardo pomeriggio, ho avuto l'opportunità di ascoltare il Duo Dallagnese nella elegante Sala Esedra del Museo Teatrale alla Scala. Eleonora e Beatrice Dallagnese, sorelle di 23 anni, si sono recentemente diplomate all'Accademia Pianistica di Imola, importante istituzione musicale che da molti anni annovera tra i migliori insegnanti di pianoforte celebrità del mondo interpretativo. Inserite nelle migliori società concertistiche italiane, hanno già effettuato numerosi concerti cameristici soprattutto in duo a quattro mani, e quello di ieri rappresenta un'ulteriore partecipazione rivelatrice delle loro straordinarie qualità. L'impaginato presentato, particolarmente riuscito negli accostamenti dei brani, prevedeva musiche di Ravel, Respighi e Rachmaninov, tre musicisti tra loro contemporanei, vissuti a cavallo tra gli ultimi tre decenni dell'Ottocento e i primi quattro del Novecento. Sono stati eseguiti re importanti lavori, il primo del francese, Ma Mére l'Oye, era il più celebre nella versione per pianoforte a quattro mani del 1910, dalla precedente orchestrale. L'ottimo impatto timbrico iniziale del primo dei cinque brani che compongono la suite- Pavane de la belle au bois dormant- ha da subito rivelato le qualità delle due interpreti, sostenute dalle limpide volumetrie dello storico pianoforte Steinway & Sons appartenuto a Franz Liszt e da alcuni anni presente al Museo della Scala. Di grande qualità anche il più noto Le jardin fèerique, spesso eseguito come bis. La perfetta sintonia delle due Dallagnese, definita da precisione di tocco e luminosità coloristica, ha evidenziato anche i brani successivi. Prima un' ottima trascrizione de I pini di Roma di Ottorino Respighi, compositore italiano celebre per le sue qualità di orchestratore, come nel brano in questione composto nel 1924 e qui eseguito nell'eccellente riduzione per pianoforte a quattro mani dello stesso compositore. Quindi, come lavoro conclusivo, i Six Morceaux op.11 di Sergej Rachmaninov, opera giovanile del russo per pianoforte a quattro mani del 1894. In entrambi i brani il duo pianistico ha rivelato ancora un'ottima sintonia interpretativa. Tra i movimenti più appariscenti segnaliamo almeno I pini di villa borghese di Respighi e lo straordinario Valzer, quarto brano dell'Op.11 di Rachmaninov, interpretato con varietà timbrica e volumetrica ed evidente espressività dalle bravissime Dallagnese. Applausi fragorosi nella sala al completo e come bis la celebre Danza ungherese n.1 di Johannes Brahms.