Ottima l' iniziativa nel nome di SIGNUM- L'umano, la poesia e il sogno nella scrittura musicale, svoltasi ieri nella Sala Fontana del Museo del Novecento milanese. Organizzata da SIMC (Società italiana di musica contemporanea) nel centenario della sua fondazione, ha voluto omaggiare Luciano Chailly, importante compositore del '900  al quale sono stati dedicati i brani dei giovani compositori ascoltati ieri pomeriggio. Musiche di Chailly erano state eseguite nel luglio dello scorso anno sempre in un concerto di SIMC. Andrea Talmelli, Presidente della SIMC, e Michele Fredrigotti, noto pianista e compositore, hanno presentato cinque giovani musicisti e i numerosi strumentisti e cantanti interpreti delle loro composizioni. L'Achrome Ensemble, gruppo cameristico specializzato in musica contemporanea, ed alcuni allievi della Civica Scuola di Musica "Claudio Abbado", con l'ausilio, in alcuni lavori, delle voci di Eleonora Colaci, soprano, Marco Pangalli, baritono e Bo Shimmin, tenore, hanno eseguito complessivamente sei nuovi brani. I compositori stessi li hanno presentati, ad iniziare da Cristina Maria Noli col suo Sogni che tramutano i pensieri, per flauto, clarinetto e violoncello, un lavoro costruito in modo efficace nel dialogo espressivo dei tre strumenti, ottimamente interpretato rispettivamente da Antonella Bini, Stefano Merighi e Martina Rudic. Il brano successivo di Giuseppe Gammino, Planctus- dramma per ensemble, prevedeva anche una regia per i movimenti del soprano Eleonora Colaci e del baritono Marco Pangallo realizzati nel contesto strumentale da Demetrio Colaci. Un lavoro particolarmente incisivo, molto attuale, che narra la triste vicenda di un femminicidio. L'ottima voce della Colaci e la parte, soprattutto recitata, di Pangallo, sono state sottolineate dalle timbriche incisive e suggestive dagli strumentisti dell' Achrome Ensemble e dalle percussoni di Marco Martignoni, tutto diretti con precisione di dettaglio da Marcello Parolini. Una pièce musicale particolarmente riuscita, quella di Gammino che andrebbe certamente replicata in sale da concerto o luoghi adatti. Il terzo lavoro, di Diego Petrella, pianista e compositore, era denominato Tre frammenti di Zürau, per pianoforte, voce e cordiera. I testi di Franz Kafka hanno trovato l'ottima parte pianistica affidata alle decise mani di Michele Rinaldi, mentre la voce e gli effetti integrativi sulla cordiera del pianoforte erano dello stesso Petrella. Una performance, quella di Petrella, che trova ispirazione dalle pièce di Sylvano Bussotti e che riesce a piacere per l'ottima integrazioni delle varie componenti, la valida parte pianistica cui si aggiunge l'intonatissima aria fischiata nel finale dallo stesso compositore-interprete. I due brani successivi, When I have fears e Three screenshots erano di Giorgio F. Dalla Villa. Il primo per tenore e pianoforte con la valida voce di Bo Shimmin e l'ottima parte pianistica interpretata con sicurezza ed incisività da Alessandro Lotto. Il secondo con l'Achrome Ensemble nel duo di clarinetto/clarinetto basso e violoncello che ha sottolineato in modo efficace i tre quadri musicali di Dalla Villa ben delineati dagli ottimi strumentisti Merighi e Rudic. L'ultimo brano in programma, Trasfigurazioni, di Filippo Scaramucci, per cinque strumentisti dell'Achrome Ensemble, sempre diretti da Parolini, ha ritrovato ancora una valida resa compositiva ed interpretativa. Tutti i brani ascoltati ieri erano scritti con un linguaggio articolato e chiaro nelle intenzioni, eseguiti con grande professionalità e qualità di restituzione, e -cosa non scontata nel mondo della musica contemporanea- sono risultati accessibili all'ascolto ottenendo meritati applausi dal numeroso pubblico intervenuto in Sala Fontana. Un'iniziativa di valore che aggiunge un altro mattone alla maggiore diffusione della musica contemporanea.

06-12-23 Cesare Guzzardella

Un sabato diverso per Serate Musicali, la società concertistica milanese che ha nel lunedì il suo giorno privilegiato per i concerti. Un sabato, quello di ieri sera in Conservatorio, dove si è potuto ascoltare una compagine strumentale di ottima qualità quale l'Orchestra di Stato del Kazakistan diretta benissimo da Kanat Omarov, per tre lavori, ad iniziare dal rarissimo Poema sinfonico Dudar-ay del compositore Evgeny Grigorievich Brusilovsky ( 1905-1981), autore, tra le numerose sue composizioni, dell'Inno nazionale kazako. Un brano tonale composto poco dopo il 1950 e diretto molto bene, che ritrova nella musica folcloristica del suo popolo le radici, partendo dalla canzone popolare di Mariyam Zhagorkyzy e trovando spunti nei canti della steppa euroasiatica. Gli altri brani erano di Liszt e di Rachmaninov. Per il non troppo frequentato Concerto n.2 in la maggiore S.125 di Franz Liszt abbiamo trovato come protagonista il pianista torinese Gabriele Carcano. Il concerto è in un unico ampio movimento suddiviso in numerosi andamenti sviluppati nell'originale lavoro, tutto lisztiano, dove l'influenze tra Chopin e Wagner vengono assorbite per una restituzione esemplare ricca di contrasti, tra la dolcezza delle melodie pianistiche e gli interventi di grande impatto sonoro sia dell'orchestra che del solista. Eccellente il pianoforte di Carcano, preciso, delicato e sicuro, mai eccessivo nelle volumetrie e ottima la direzione e l'esternazione orchestrale molto importante in questo lavoro. Efficace per leggerezza ed espressività il bis solistico concesso da Gabriele Carcano con Zart und singend ( tenero e canterino), N.14 dall'Op.6 di Robert Schumann, eseguito con dolcezza e passione. Dopo il breve intervallo abbiamo assistito ad una coinvolgente interpretazione della corposa Sinfonia n.2 in mi minore op.27 di Sergei Rachmaninov. Un'idea delle eccellenti qualità della compagine orchestrale - con molti giovani strumentisti- e del suo direttore, è stata riconfermata all'ascolto di questo capolavoro purtroppo poco eseguito ma di grande pregio per la forte personalità espressa dal grande compositore russo. Un concerto quello di ieri che meritava una Sala Verdi al completo e che ha trovato invece un pubblico limitato.

3 dicembre 2023 Cesare Guzzardella

Un successo straordinario per un trio straordinario nei nomi di Janine Jansen, Mischa Maisky e Martha Argerich. Un violino, un violoncello e un pianoforte per Haydn, Šostakovič e Mendelssohn, tre grandissimi musicisti interpretati come raramente si ascolta. La disposizione non cronologica dei brani, con il Trio in sol maggiore n.39 Hob XV:25 (1795) di Joseph Haydn seguito dal Trio in mi minore n.2 op.67 (1944) di Dmitrij Šostakovič e, dopo l'intervallo, dal Trio in re minore n.1 op.49 (1839) di Felix Mendelssohn, trova probabilmente senso nella durata dei lavori, con quello mendelssohniano di relativa maggior lunghezza, e nel contrasto complessivo tra i brani. Certo passare dal perfetto classicismo del compositore di Rohrau della bassa Austria, al segno forte ed incisivo dello strepitoso trio del russo di San Pietroburgo, composto in piena guerra nel 1944, è un bel salto stilistico ed emotivo. Ma la duttilità del trio Jansen- Maisky-Argerich, eccellente in tutti gli ambiti, ha permesso di far apprezzare al pubblico, al completo nel Teatro alla Scala, tutti e tre i noti lavori, con standing ovation al termine della celebre Op.49 dell'amburghese. Musica in perfetto equilibrio di ruolo per i tre interpreti, con le sicure mani dell'ottantaduenne pianista argentina che delineavano armonicamente i tre brani, dettando spesso gli andamenti più rapidi, come il coinvolgente Rondò all'Ongarese, finale del trio di Haydn, eseguito rapidamente e in modo esemplare, ma anche nel bellissimo Scherzo del trio di Mendelssohn, ripetuto anche nel terzo bis. Stupefacente l'intesa dei due archi, entrambi con vibrato eccellente e simmetrica espressività, e con i dosati volumi timbrici della Argerich, capace, come i colleghi, e ancor più, di passare da i pianissimo impercettibili a suoni di grande intensità. Di notevole espressività le timbriche di Janine Jansen e di Mischa Maisky, soprattutto nel brano più difficile, per varietà di contrasti e per molteplicità stilistica, quello di Šostakovič , un capolavoro iniziato con dei sorprendenti armonici del violoncello di Maisky,  che rivela in toto, insieme a molta sua musica sinfonica, il suo tipico linguaggio sempre denso di espressività, lontana dal romanticismo e vicina al mondo reale della sua terra. Un successo meritatissimo quello dei tre grandi interpreti e artisti. Pienamente soddisfatti degli infiniti applausi del pubblico entusiasta, hanno concesso poi tre bis. Oltre al ripetuto Scherzo mendelssohniano già citato, le splendide melodie distribuite trai i tre strumenti del celebre Du bist die Ruh' , lied di Franz Schubert adattato a trio, e del Duetto dai Phantasiestücke op.88 di Robert Schumann. Un concerto certamente memorabile!

Una valida iniziativa quella organizzata e riproposta all'Archivio di Stato di Milano da Annalisa Rossi, Soprintendente archivistico e Direttore dell'Archivio stesso che ha introdotto l'incontro, e da Silvia Leggio, docente di pianoforte al Conservatorio milanese. Ieri nel tardo pomeriggio alcuni allievi di Conservatorio particolarmente dotati hanno tenuto un concerto in via Senato 10 rivelando indubbie qualità musicali. Tutti giovanissimi, con età tra i dieci e i diciassette anni, frequentano corsi musicali avanzati essendo già molto avanti negli studi musicali. Francesco Avesio, Camilla Stimolo, Anita e Beatrice Baldissin, Patrizia Amane Di Lella e Martina Meola sono stati presentati dalla prof.sa Leggio e hanno scelto alcuni brani di notevole difficoltà tecnica per rivelare le loro qualità strumentali. La Fantasia Ungherese di J.K.Mertz ha trovato timbriche raffinate nella chitarra di F. Avesio; la difficile post-romantica Sonata n.2 op.19 (Andante) di Scriabin ha visto al pianoforte l'ottima Patrizia Di Lella; molto efficace la resa pianistica per Camilla Stimolo nell'Introduzione e Rondò Capriccioso di F. Mendelssohn; il primo movimento della complessa Sonata n.1 op.105 di Robert Schumann e Introduzione e Tarantella di P.de Sarasate sono stati affrontati con grinta e ottima resa dalle sorelle Anita, al pianoforte, e Beatrice Baldissin al violino. A conclusione, la più giovane, un talento pianistico indiscutibile quello di Martina Meola - undici anni compiuti il 28 novembre- ha eseguito i brani più virtuosistici del programma con Allegro de Concerto di Granados prima, la Rapsodia Ungherese n.11 di Liszt dopo, e in aggiunta al programma ufficiale, anche il celebre Liebesträume n.3 (Sogno d'amore) sempre del grande ungherese. Interpretazioni quest'ultime che superano di gran lunga quelle di decine di pianisti, anche di livello, in carriera da decenni. La Meola è stata l'ultima vincitrice del Premio del Conservatorio milanese e pur avendo superato i dieci anni d'età solo due giorni fa, è già in carriera concertistica anche se gli ulteriori studi che deve fare non possono che affinare ancor più le sue già eccellenti qualità. Applausi meritatissimi dal numeroso pubblico a tutti i giovani protagonisti e ottimo aperitivo finale.

1 dicembre 2023 Cesare Guzzardella

Non poteva cadere in un momento più opportuno il secondo concerto della nuova stagione del Festival Cantelli, tenutosi al Teatro Coccia ieri sera 30/11. In un momento in cui, anche per recenti tragici episodi di violenza, la condizione delle donne nella società del nostro tempo si è imposta al centro del dibattito pubblico, l’Associazione Amici della musica V. Cocito, quasi “di spirito profetico dotata”, come il Gioacchino da Fiore dantesco, ha affidato il secondo appuntamento del Festival Cantelli 2023-24 ad un’orchestra formata da sole donne, diretta da una donna. Parliamo dell’Orchestra Femminile del Mediterraneo (OFM), fondata nel 2009 e diretta dalla sua fondatrice Antonella De Angelis, flautista, diplomata in direzione d’orchestra, avendo avuto Donato Renzetti come suo mentore e con un’esperienza ormai abbastanza lunga sul podio, che ha messo pienamente in luce il suo valore, non solo in Italia, ma in giro per il mondo. L’OFM, residente in Abruzzo, è un’orchestra dal marcato carattere internazionale: una parte significativa delle strumentiste proviene infatti, oltre naturalmente che dall’Italia, da ogni angolo della Terra, dalla Grecia alla Germania, dalla Corea al Brasile, per menzionare solo una parte di un elenco molto più lungo. Come riportato dal programma di sala, il riferimento al Mediterraneo, luogo per eccellenza di contrastanti diversità culturali, è ispirato dal desiderio di fare di quest’orchestra uno spazio per il confronto e lo scambio di diverse esperienze in campo musicale, sottolineando come sulle sponde di questo mare si affacciano Paesi in cui le donne sono vittime di gravi condizioni di diseguaglianza. Insomma un’orchestra che è di per sé simbolo di uno dei problemi più importanti dei nostri non proprio felici tempi, ma anche della volontà delle donne di affermarsi e resistere ad ogni tentativo di emarginarle od opprimerle. Il programma del concerto proposto dall’OFM è stato di grande interesse e vedeva, accanto a tre compositori, anche la presenza di due compositrici: Marianna Martines apriva la prima parte del concerto, con l’Ouverture in Do maggiore per due oboi, due corni e archi, e Grazyna Bacewicz apriva la seconda con il Concerto per orchestra d’archi. Nella prima parte del concerto alla composizione della Martines seguiva di F. J. Haydn il Concerto n. 2 in Re maggiore per violoncello e orchestra Hob:VIIb:4, in cui la parte solistica era affidata ad uno dei migliori e più celebri violoncellisti della ‘generazione zero’, il ventenne Ettore Pagano. Nella seconda parte, dopo il pezzo della Bacewicz, seguiva Fratres di Arvo Part, nella versione per violoncello, archi e percussioni, e di Giovanni Sollima Aquilarco : Preludio per violoncello e orchestra, in un arrangiamento dello stesso Sollima per l’OFM (l’originale è per violoncello solo) con, naturalmente Ettore Pagano ancora solista al violoncello. Un programma, come si vede, impaginato con un disegno logico rigoroso: due compositrici al posto d’onore delle due parti del concerto, la prima parte con due pezzi del tardo settecento, la seconda tutta novecentesca, entrambe chiuse da una composizione per violoncello. Ma vi sono anche legami meno evidenti, ad esempio quelli che collegano le due composizioni della prima parte, l’Ouverture di Martines, e il concerto di Haydn. Marianna Martines, chi era costei? Sospettiamo che non sarebbe solo don Abbondio a porsi questa domanda, perché la Martines (1744-1812) è una compositrice tanto celebre alla sua epoca, quanto scivolata oggi nell’ombra. Figlia di un alto diplomatico spagnolo, trascorse gran parte della propria vita e morì a Vienna, ove divenne una protagonista della vita musicale della città: pupilla di Metastasio, e grazie a lui introdotta a corte, ove fu assai apprezzata dall’imperatrice Maria Teresa, amica di Haydn, che le impartì i primi insegnamenti del pianoforte (di qui il collegamento col concerto di Haydn) e soprattutto di Mozart, col quale suonava spesso il pianoforte a quattro mani e che le dedicò, appunto, alcune composizioni per pianoforte a quattro mani. Ammirata come cantante, apprezzata come clavicembalista e pianista, fu anche compositrice, e nel suo catalogo, in cui prevalgono composizioni sacre, quali Messe, oratori e mottetti, vi è anche posto per composizioni profane, quali questa Ouverture. In realtà più che di una Ouverture nel significato che la parola assunse a partire dall’800, si tratta di una sinfonia, divisa in tre tempi, un Allegro moderato in forma sonata, un Adagio centrale e un Rondò Allegro finale. E’ una composizione chiaramente improntata al linguaggio musicale della Vienna di Haydn e Mozart, ma con un tocco di sapienza compositiva che si riconosce in particolare nei raffinati impasti timbrici dell’Adagio tra oboi e corni, sul tappeto sonoro degli archi, e sui chiaroscuri con passaggi repentini al minore nel Rondò finale. In generale si tratta di una composizione di elegante grazia, opera di un’autrice di gusto raffinato e che si è appropriata con intelligenza del linguaggio musicale della sua epoca. Ottima l’interpretazione di De Angelis, che ha guidato con finezza la sua orchestra nella resa migliore delle qualità di questo pezzo, staccando i giusti tempi per esprimere quella vena briosa e brillante che impronta i tempi veloci e il disteso lirismo, coi suoi effetti coloristici piuttosto originali, del tempo lento. Con il successivo concerto di Haydn entra in scena Ettore Pagano, ormai affermatosi nelle nostre sale da concerto e in un numero impressionante di concorsi, di cui menzioniamo almeno il prestigioso Khaciaturjan, come uno dei più validi violoncellisti italiani del momento, nonostante la sua giovanissima età. Il secondo concerto per violoncello di Haydn (1783) è un banco di prova ideale per consentire a Pagano di esprimere il proprio talento, in tutti gli aspetti, tecnici e interpretativi, della sua personalità musicale. Subito, l’esposizione del primo tema dell’Allegro moderato iniziale, un aggraziato cantabile, affascina l’ascoltatore per le qualità del suono di Pagano, un bellissimo suono omogeneo e pieno, di cristallina musicalità negli acuti, che nel secondo tema, esposto su un registro grave, si carica di una tinta calda e di seducente morbidezza. Il particolare sviluppo di questo movimento, molto libero, è eseguito dal giovane solista con un fraseggio di estrema fluidità, che sa essere elegante e al tempo stesso intensamente espressivo, grazie alla sensibilità raffinata della gamma variegata dei registri dinamici, esplorata con rara perizia, in tutta la ricchezza dele sue sfumature, ma sempre guidata da una cantabilità ‘violinistica’ di grande suggestione emotiva. Il violoncello di Pagano sa raggiungere vertici espressivi di grande suggestione nell’Adagio, che è in sostanza un assolo per violoncello, in particolare quando attinge le zone acute, in cui il suono perde ogni ‘meccanicità’ di un virtuosismo puramente tecnico, per farsi pathos vibrante, scavato alle radici stesse del suono. Il finale Rondò, col suo rapido tema danzante di robusto sapore popolareggiante tipicamente haydniano, fa emergere infine tutta l’energia di suono e il controllo tecnico di cui Pagano è capace: ardue doppie corde, spiccati e quant’altro diventano, nelle arcate sempre limpide e precise del giovane Maestro, non mero esibizionismo esteriore, ma mezzi espressivi che intensificano lo splendore sonoro di questo movimento, coinvolgendo emotivamente l’ascoltatore. Grazie anche ad un’intesa perfetta con l’orchestra, impeccabilmente guidata da De Angelis nella scelta dei tempi e nell’accurato controllo dei colori orchestrali, Ettore Pagano ha offerto al pubblico una bellissima esecuzione di questo gioiello del classicismo viennese, che ha suscitato gli applausi scroscianti e prolungati del pubblico. La seconda parte del concerto è stata nuovamente introdotta da una compositrice, la polacca Grazyna Bacewicz (1909-1969), poco conosciuta fuori dei confini della Polonia, ove è al contrario una delle musiciste più amate e stimate del ‘900: notevole violinista e compositrice, soprattutto di musica per il suo strumento, ma ieri sera presente con il suo Concerto per orchestra d’archi (1948). Composizione aliena da ogni sperimentalismo avanguardistico seriale, allora in gran voga, che pure si veniva affacciando anche in Polonia con Lutoslawsky, di impianto fondamentalmente tonale, questo concerto, diviso nei tradizionali tre tempi, si caratterizza per il sapiente gioco timbrico tra le diverse sezioni degli archi, in cui talvolta il gruppo degli archi gravi sembra proporsi quasi come il concertino del Concerto grosso barocco, mentre si staccano talora dal tutto orchestrale delicati assoli del violino, della viola e del violoncello. I tre tempi disegnano una sorta di percorso spirituale ascendente, con un primo tempo ricco di contrasti, nei temi, nelle dinamiche e nei timbri, col ripetersi di un breve inciso tematico che sembra esprimere tensione e angoscia, al tempo lento centrale che è un canto elegiaco di dolore, al finale più disteso e luminoso. Il raffinato trattamento delle varie sezioni degli archi, il gioco stupendo di colori che la compositrice polacca riesce a ottenere (forse retaggio di certi capolavori del compatriota Szymanowsky, quali la sua Sinfonia n.3) sono stati realizzati al meglio dall’impeccabile esecuzione dell’OFM, sotto la sapiente bacchetta di De Angelis,. Un plauso particolare, oltre alla direttrice, va tributato al primo violino, Patrizia De Carlo, alla prima viola Olga Moryn e al primo violoncello Elisa Pennica. A seguire uno dei più noti brani, di uno dei più celebri autori contemporanei: Fratres di Arvo Pärt, in una delle sue tante versioni, quella per violoncello, archi e percussioni. E’ nei suoi momenti di più rarefatta ed estatica sospensione, quando l’orchestra e il violoncello sembrano ‘sfiorare’ il suono, che la tintinnabulazione di Part sortisce gli effetti di più alta suggestione, quasi ipnotica, sull’ascoltatore. Il suono del violoncello di Pagano, venando il tappeto sonoro degli archi e il ritmo appena scandito delle percussioni di un sommesso respiro dal timbro vellutato e sfumato all’estremo, crea un ‘aura di mistero, che avvolge lo spettatore in una dimensione indefinita. Eccellente prova e del solista e dell’OFM con la sua direttrice, per la scelta dei tempi, delle dinamiche dei colori, di questo capolavoro. Il concerto si chiudeva con un pezzo di quello che attualmente è il violoncello stesso in Italia, all’estremo limite delle sue possibilità sonore, cioè Giovanni Sollima di cui è stato proposto, come detto sopra, il Preludio di Aquilarco, arrangiato per orchestra e violoncello. Come spiega lo stesso Sollima, aquilarco è una parola che nasce dalla fusione (crasi) di due parole, aquilone e arco, quello del violoncello. Indica dunque una musica che si libra come in volo, simile ad un aquilone, la storia musicale di un volo insomma. Nell’interpretazione di questo pezzo, Pagano ci dà un’altra prova delle sue straordinarie qualità d’interprete cavando dal suo violoncello un suono che è energia pura, ritmicamente travolgente, sostenuta da uno stile compositivo, qui adottato da Sollima, molto vicino al minimalismo: non a caso l’opera nacque su commissione di un’etichetta musicale diretta allora (1998) da Philipp Glass, uno dei padri del minimalismo. E proprio l’energia pura del violoncello di Pagano, abbandonandosi al ritmo incalzante nella sua iteratività minimalistica e sostenuto dall’orchestra, sempre efficacemente diretta da De Angelis, ha davvero evocato coi suoni la forza di un volo che non conosce ostacoli, che libero da ogni limite spazia in una sorta di ‘quarta dimensione’, quella magica del suono e delle emozioni che essa sola sa suscitare nella mente dell’uomo, quando l’ascolta. Davvero un bellissimo concerto, che non dimenticheremo, tra i più affascinanti ascoltati a Novara negli ultimi anni e che ha ricevuto dal pubblico, affollato in platea, il giusto tributo di applausi, premiato con un bis, il primo movimento della Suite per violoncello e orchestra della compositrice contemporanea finlandese Viktoria Yangling: un pezzo molto bello, costruito su un tema melodico di struggente dolcezza.

1 dicembre 2023 Bruno Busca

NOVEMBRE 2023-

Erano già venuti nel luglio del 2021 il violinista Fedor Rudin e il pianista Boris Kusnezow, entrambi moscoviti. Allora dicevamo:"un duo cameristico particolarmente classico, dove già dalle prime note è emerso un equilibrio interpretativo di alto livello: chiarezza espressiva, controllo delle dinamiche e rispetto dei rispettivi ruoli, sono emersi in modo evidente in tutti i brani". Anche ieri sera, nel concerto ancora organizzato da Serate Musicali, ribadiamo queste caratteristiche, in un repertorio questa volta ancora più moderno. Due brani di Edison Denisov (1929-1996) - nonno del violinista Rudin - e uno di Prokofiev (1891-1953), erano la parte più preponderante della serata. In aggiunta, a metà percorso, un Mozart (1756-1791) con la Sonata per violino e pianoforte in sol maggiore n.18 KV 301 eseguita con grande equilibrio e rigore classico. Ma è nei brani del '900 che abbiamo trovato uno spessore interpretativo ancora più interessante. In Denisov con la Sonata per violino e pianoforte, brano del 1960, e con i Tre pezzi da concerto del 1958, abbiamo trovato influenze che vanno da Stravinskij, soprattutto nella sonata, a Prokofiev, in antrambi i lavori. Una scrittura varia, a volte melodica e spesso ricca di ritmica incisiva, dai colori molto russi, espressa in modo impeccabile dal duo, con un'intesa ottima e con volumetrie mai eccessive. Anche la rara ma efficace Sonata per violino e pianoforte in fa minore n.1 op.80 di Prokofiev è stata resa con efficace espressività dal duo. Un brano nel tipico stile del grande musicista russo Applausi sostenuti dai pochi fortunati ascoltatori presenti in Sala Verdi e due bis concessi: prima ancora Mozart con un elegante movimento centrale della Sonata KV 454, poi un omaggio del nipote Fedor al nonno Edison Denisov con l'esecuzione di una breve ma deliziosa Sonatina manoscritta ritrovata solo tre anni fa e restituita con intensa espressività. Splendida serata. ( Foto di Alberto Panzani- Uff. Stampa Serate Musicali)

21 novembre 2023 Cesare Guzzardella

Un concerto di ottima qualità musicale quello offerto ieri pomeriggio allo Spazio Teatro 89 di Via Fratelli Zoia a Milano. Un programma pianistico classico con brani di Schubert e Haydn è stato inframmezzato da un lavoro recente del compositore siciliano Orazio Sciortino. Al pianoforte lo stesso Sciortino- nella vita anche direttore d'orchestra e appassionato di cucina- , ha rivelato timbriche raffinate e profondità di pensiero nei classici ed elevate qualità compositive nella sua valida composizione. La denominazione "Percorsi diversi- viandanti e viaggiatori fra realtà e immaginazione" scelta per il concerto ha correttamente individuato il percorso intrapreso che partendo dai noti Drei Klavierstücke D 946 di Franz Schubert (1797-1828), composti nell'ultimo anno di vita del genio viennese, e terminando con l'ultima Sonata di Franz Joseph Haydn (1732-1809), quella in mi bem maggiore Hob 52, ha trovato a "metà viaggio" le Promenades: 7 passeggiate immaginarie per sopravvivere a una quarantena, un ottimo lavoro in sette parti composto nel 2020 da Sciortino (1984) durante il primo anno di pandemia. Pianista classico in Schubert e Haydn, Sciortino ha rivelato un pianismo di alto livello, molto attento all'equilibrio complessivo delle composizioni, riflessivo ed espressivo nel bel suono controllato e dimamicamente ricco di delicati contrasti. Le sue Promenades hanno rivelato varie influenze dei maestri del '900, da Massiaen a Ligeti ad altri ancora, ma con un impronta complessiva personale giocata su evidenti contrasti dinamici: dalle timbriche più scandite di Awakenin -Risveglio e di Unconscious Rag- Inconscio Rag, alla pacata circolarità di Circular Waltz e ai ritmi ben scanditi di Saltarello. Maggiore riflessività negli ultimi tre lavori: Pain Chain, A day dies dancing darkening e Circular thoughts. Sette momenti musicali di raffinata musica che anche al primo ascolto si rivelano di ottima qualità. Applausi meritatissimi e come bis un rarissimo ed intenso brano del compositore boemo Josef Suk, la prima dalle Summer Impressions op.22b, At Noon.

20 novembre 2023 Cesare Guzzardella

Prosegue settimanalmente la stagione musicale alla Camera del lavoro milanese presso l'Auditorium "G.Di Vittorio". Ieri per L'Atelier musicale, rassegna concertistica arrivata al XXIX° anno, con programmi particolarmente vari che spaziano dalla musica jazz, alla classica, alla contemporanea, abbiamo ascoltato un valido duo formato dal giovane violinista Roberto Arnoldi e dal pianista Fabio Locatelli. L'impaginato prevedeva musica di compositori viventi quali Mauro Porro (1956), Natale Arnoldi (1960), Edoardo Bruni (1975) e Andrea Talmelli (1950), ad eccezione di Franco Alfano (1876- 1954) del quale è stata eseguita ad introduzione la sua corposa Sonata in re (1923), rara composizione di indubbia qualità che trova riferimento ad autori suoi contemporanei quali Debussy o Ravel. L'ottima esecuzione del duo ha rivelato la valida cifra espressiva dei due strumentisti. Ma è con i brani contemporanei, introdotti da Paolo Repetto, ma anche approfonditi da due dei compositori presenti in sala quali Arnoldi e Talmelli, che il duo cameristico ha rivelato l'ottima attitudine alla musica dei nostri giorni. Prima il brano "Poi si illuminò" di Porro, quindi tre brevi ed interessanti lavori di Natale Arnoldi - padre del violinista-, hanno dato un'impronta di valida qualità al concerto. Sia i Capricci IV e V per violino solo , brani di Arnoldi che si rifanno ai noti capricci paganiniani, che Praeludium per pianoforte, sempre di Arnoldi, e tratto dal Preludio n.12 del bachiano Clavicembalo ben Temperato (Volume II), hanno rivelato l'ottima fattura costruttiva ed espressiva del compositore. Valida anche La Suite Modale per violino solo di Bruni ai confini tra tonalità e atonalità, e il conclusivo brano di Talmelli, Composizione VIII 2.0 per violino e pianoforte, presentata dal compositore stesso e resa ottimamente dal duo. Un brano questo di particolare interesse, dalle timbriche marcate che ricordano certo espressionismo. Applausi fragorosi dai presenti in Auditorium e un ottimo bis con Ottorino Respighi e la sua nota originale Humoresque. Prossimo appuntamento per Sabato 25 novembre con l'Umberto Petrin Trio.

19 novembre 2023 Cesare Guzzardella

Ieri sera, sabato 18/11, al Teatro Civico di Vercelli, è stata inaugurata la stagione del Viotti Festival 2023/24, la XXVI. Una stagione speciale: nel 2024 ricorre infatti il bicentenario della morte appunto di G.B. Viotti, nato in un borgo vicino Vercelli, Fontanetto Po, e perciò considerato a tutti gli effetti vercellese. Dunque una stagione che si preannuncia ‘stellare’, per dovizia di concerti di alto livello, con solisti prestigiosi, che sono comunque sempre più, col volgere degli anni, divenuti prerogativa di questo meraviglioso cantiere musicale che è il ViottiFestival, con la sua orchestra, la Camerata Ducale, sempre più ringiovanita in tutte le sezioni strumentali, coi suoi impareggiabili Cristina Canziani, pianista e infaticabile Direttrice artistica della Camerata Ducale e il Maestro Guido Rimonda, violinista, Direttore d’orchestra, nonché studioso appassionato dell’opera di Viotti, di cui si può considerare oggi uno dei più esperti conoscitori a livello internazionale. Grazie a loro il ViottiFestival è diventato oggi un insostituibile punto di riferimento per gli amanti della musica del Piemonte orientale, e non solo, come riconosciuto autorevolmente da un’importante trasmissione radiofonica quale Radio Rai tre Suite, che ha dedicato alla Ducale una recente trasmissione in prima serata. E questo XXVI Festival omaggia Viotti con una particolarità nella programmazione dei concerti: in tutti i concerti previsti vi sarà almeno un‘opera o un brano di un’opera del grande Vercellese. Di notevole interesse e intelligente impostazione il programma di questa serata di debutto del Festival: un programma che, in primo luogo, comprendeva, com’era da attendersi, una composizione di G.B.Viotti, rappresentata ieri sera dall’Adagio del Concerto per pianoforte e orchestra in Sol maggiore Wla:7. In verità si tratta propriamente di una trascrizione per pianoforte di un concerto per violino, opera del compositore ceco Dussek, coevo e amico di Viotti: non si tratta, per quanto ne sappiamo, dell’unico esempio di trascrizione di un concerto di Viotti: altre ve ne sono, a testimonianza della popolarità di cui godé il musicista di Vercelli ai suoi tempi. Questo brano è stato sapientemente contestualizzato nella sua epoca, proponendo composizioni di autori come L. Cherubini, con l’Ouverture da concerto in Sol maggiore (1815), L.van Beethoven, col Concerto per pianoforte e orchestra in Do maggiore n.1 op.15, e M. Clementi con la sua Sinfonia più nota, anche se raramente eseguita, la n.3 in Sol maggiore, conosciuta come “The Great National”. Dunque un percorso che si snoda attraverso la musica strumentale italiana in un periodo cruciale, tra Rivoluzione e Restaurazione, subito prima che essa ceda il primato alla musica vocale del Teatro d’Opera, e, pur con la sua irriducibile peculiarità, capace di influenzare la contemporanea musica europea, anche grazie alla fitta rete di contatti che i nostri musicisti ebbero con l’Europa: ne sono esempio proprio i tre autori eseguiti ieri sera, due dei quali , Viotti e Clementi, morirono in Gran Bretagna, Cherubini a Parigi, nientedimeno che come Direttore del Conservatorio. Non certo a caso Beethoven, il geniale esponente di quell’altra cultura musicale che dominerà in Europa per circa un secolo nel campo della musica strumentale, non nascose la propria ammirazione per Viotti e per la musica pianistica di Clementi . Ma la serata regalava al pubblico un altro dono prezioso: uno dei più grandi pianisti italiani d’oggi, quel Benedetto Lupo, che ormai dal lontano 1989, quando ottenne un’importante affermazione al prestigioso concorso van Cliburn, è divenuto uno degli interpreti più ammirati, anche fuori d’Italia, della musica pianistica. Il XXVI ViottiFestival si è dunque aperto con l’Ouverture da Concerto di Cherubini, perfettamente adeguata a tale ruolo di apertura, col suo tono di scultorea solennità neoclassica, soprattutto nel tema introduttivo. Ma la compostezza neoclassica vibra dei primi fermenti di un nuovo clima musicale, romanticamente ispirato, che imprime a questa Ouverture un andamento fatto di contrasti tra momenti di impeto quasi beethoveniano e altri di più limpida e distesa melodiosità. Guido Rimonda, alla testa della Camerata Ducale ha fornito di quest’opera del compositore fiorentino un’ottima interpretazione, valorizzandone i suggestivi chiaroscuri con una efficace gestione dei piani dinamici e della timbrica., con puntuali scelte agogiche, sostenute da una energia ben calibrata nei momenti di maggior tensione emotiva. L’interpretazione che Lupo ha fornito del Concerto n.1 di Beethoven ha toccato vertici di rara bellezza. La sensibilità infallibile che guida il suo fraseggio e l’equilibrio perfetto tra dominio tecnico della tastiera ed abbandono emotivo, hanno illuminato questa partitura di una bellezza davvero coinvolgente. Il suono di Lupo, sempre timbricamente vario e finissimo nelle dinamiche, è subito apparso in tutta la sua meravigliosa tessitura fin dal suo ingresso nell’esposizione dell’iniziale Allegro con brio, un ingresso delicato, di limpida calma, che nel fraseggio di Lupo si carica di dolce distensione e di un colore di raffinata tessitura, che nel corso del successivo sviluppo sa farsi densa e brillante, con una ricchezza e ‘rotondità’ di suono piacevolissimi all’ascolto, anche nel tema principale, di schietto sapore ‘militare’, secondo una moda tipica dell’età napoleonica. Per riconoscimento unanime, il vertice di questo concerto beethoveniano è il Largo centrale, uno degli esiti più alti del c.d. ‘primo stile’ del grande di Bonn. Tutte le qualità dello stile interpretativo di Lupo vengono esaltate dal colore morbido e suggestivo che nasce dal dialogo coi fiati e in particolare coi clarinetti, su cui Beethoven impernia il movimento. Il primo tema di questo magico Largo è esposto proprio dal pianoforte, con un’arcata melodica, abbellita da gruppetti e trilli, che Lupo sfrutta sapientemente per colorire di una delicata aura lirica lo splendido motivo. E’ proprio questo carattere introspettivo del secondo movimento, che Lupo esplora in tutta l’iridescente varietà delle sue sfumature e ombreggiature, timbriche e dinamiche, che tocca vertici di ineffabile lirismo nel ‘notturno’ successivo alla ripresa e nel rinnovato dialogo tra pianoforte clarinetto, in una delle più memorabili ‘code’ che Beethoven abbia scritto per i suoi concerti. La perfezione di tutti i parametri di un’esecuzione pianistica, con cui Lupo interpreta il finale, gioioso Rondò, conferma, se mai ce ne fosse bisogno, che con Benedetto Lupo ci troviamo di fronte ad un pianista che, con un’ espressione oggi di moda, dobbiamo considerare ‘di riferimento’. Sappiamo bene che ogni confronto e richiamo a grandi esempi di un passato ormai lontano lascia il tempo che trova, però ci sentiamo di dire che in alcuni momenti ci è parso di risentire almeno l’eco del suono di A. Benedetti Michelangeli. Ovviamente l’eccellente qualità interpretativa di questo concerto n.1 di Beethoven è stata anche dovuta all’ottima direzione di Rimonda, che ha saputo valorizzare al meglio sia la scintillante coloratura timbrica dell’Allegro con brio e del Rondò,, sia il colore più attenuato e sfumato del Largo, con scelte agogiche e dinamiche sempre pienamente azzeccate e guidando con la sapienza dello scaltrito interprete il dialogo tra orchestra, e in particolare i fiati, e il pianoforte. L’Adagio del concerto per pianoforte di Viotti-Dussek è un pezzo molto breve, di luminosa melodiosità , soffusa di una sottile vena di malinconia, appena increspata da un inciso ritmicamente più mosso, quasi un sussulto dell’anima. Non essendo stato disponibile un programma di sala (come mai?), ignoriamo a quale concerto appartenga questo Adagio e dunque la sua datazione, tuttavia ci sembra l’opera di un Viotti che unisce cantabilità italiana e i primi fermenti di un sorgente romanticismo. Lupo non ha concesso bis e dopo l’intervallo la serata si è chiusa con la sinfonia n.3 Great National. Essa appartiene al gruppo delle 4 sinfonie c.d. ‘della maturità’, perché composte a Londra (dopo i due soggiorni di Haydn tra 1791 e 1795). Le partiture di queste sinfonie ci sono giunte in condizioni precarie e ciò che oggi ascoltiamo si deve in gran parte alla ricostruzione del pianista e musicologo Pietro Spada. Al di là dell’impeccabile esecuzione di G. Rimonda e della Camerata Ducale, questa sinfonia di Clementi ci è parsa francamente mediocre: improntata ad una pomposità tutta esteriore, sottolineata dai frequenti interventi del trombone, e culminante nella insistita evocazione dell’inno nazionale inglese (da qui il titolo) si svolge in un succedersi dei temi prolisso e ripetitivo sino alla monotonia, senza che il materiale musicale e il suo svolgimento siano mai illuminati da un guizzo di fantasia, da un qualche momento di invenzione e di originalità. Di un certo interesse è, in questa sinfonia, la presenza di frequenti passaggi in contrappunto, tecnica che Clementi ebbe sempre cara. Per il resto, si tratta di una composizione che conferma pienamente, a nostro avviso, lo sprezzante giudizio di Mozart sulle sonate pianistiche di Clementi ( e in questo caso un po’ troppo duro): “mecanicus”, definì Mozart il musicista italiano, e il termine non abbisogna, crediamo, di spiegazioni. Di fronte a questa sinfonia sorge spontanea la domanda: perché una cultura musicale ancora viva nella musica strumentale, che fornisce ancora modelli a un genere quale il concerto, soprattutto per violino, una volta esauritasi la forma del Concerto grosso, non fu capace di misurarsi col nuovo genere della Sinfonia? Gli applausi del pubblico, vicino al ‘tutto esaurito’ e con molti giovani e giovanissimi in platea, hanno indotto Rimonda a concedere un bis, il Minuetto della ‘Great National’. E’ stato un concerto di grande successo, il primo di una lunga serie.

19 novembre 2023 Bruno Busca

Ottima l'iniziativa che ha unito il Conservatorio milanese con Bookcity Milano 2023, la fortunata rassegna di lettura e libri che da alcuni anni ritorna puntualmente a Milano. In Sala Puccini Luca Schieppati e Stefania Mormone hanno introdotto la lunga serata musicale presentando alcuni dei migliori studenti del Conservatorio milanese in un percorso di brani legati al tema di quest'anno scelto per Bookcity: Il tempo del sogno. Schieppati ha spiegato bene la scelta dei brani in programma legati ad un tema che unisce con coerenza il mondo della lettura a quello dei suoni. Lavori di Schumann, Liszt, Ravel, Debussy, Čaikovskij, Brahms, Pärt, Ligeti sono stati ottimamente interpretati dai giovani protagonisti rispettivamente nei nomi di Guercio, Fadda, Terulli, Billone, Pilotti, Busani, Nascimbene, Petrella, Pusterla, Lorenzo e Canino. Circa due ore e mezza d' intensa musica eseguita ininterrottamente. Segnaliamo almeno alcune interpretazioni dei giovani, tutti comunque meritevoli d'attenzione. Di Schumann Papillons op.2 eseguita con trasparenza dalla giovanissima Emma Guercio; di Ravel Une barque sur l'ocean interpretata con leggerezza timbrica da Bruno Billone e Alborada del Gracioso eseguita con incisività da Giovanni Pilotti. Di eccellente e meditata resa coloristica sia Variationen zur Gesundung von Arinuschka di Avo Pärt eseguita da Diego Petrella che Arc en Ciel, Studio di György Ligeti interpretato da Renzo Pusterla. Ottime anche le tre Images dal libro 2 di Debussy scelte da Gaia Lorenzo e la selezione da Kreisleriana di Schumann di Andrea Canino espressa con valida sintesi discorsiva. Una serata di qualità che meritava una sala stracolma di pubblico.

"Tesori rivelati", questa la denominazione data al concerto ascoltato ieri sera in Conservatorio per la Società dei Concerti. Due rarità cameristiche quali il giovanile Quartetto in la minore op. 13 di Felix Mendelssohn (1809- 1847) e il Quintetto con pianoforte in fa minore op. 18 di Mieczyslaw Weinberg (1919-1996) sono stati eseguiti dal giovane Quartetto Noûs , nel secondo brano insieme alla pianista lituana Golda Vainberg-Tatz. Scritto a soli diciasette anni, l'op13 di Mendelssohn non ha ancora il linguaggio personale e inconfondibile del precoce compositore, ma rivela una capacità costruttiva notevole in tutti i quattro movimenti. Ottima la resa del quartetto Noûs, formazione nata nel 2011 e da allora con intensa attività concertistica in tutta Europa. Di maggiore resa emotiva, a mio avviso, il Quintetto con pianoforte del polacco, naturalizzato russo, Weinberg, musicista da alcuni anni moderatamente eseguito in Italia sia nel repertorio cameristico che in quello sinfonico. Influenzato dalla scuola russa, soprattutto dalla musica di Šostakovič, Weinberg ha composto il quintetto- probabilmente in prima esecuzione milanese -nel 1944, influenzato dal triste momento storico e certamente dal suo musicista prediletto, il citato Šostakovič. I cinque movimenti che compongono il brano presentano rilevanti contrasti accomunati da un linguaggio tonale ricco di idee timbricamente innovative con riferimenti anche alla più autentica musica popolare. La parte pianistica è stata sostenuta con perfezione tecnica e chiarezza espressiva da Golda Veinberg-Tatz, integrata molto bene nei tessuti timbrici degli archi. Il lavoro, anche se risente molto, specie per la ritmica incalzante, del grande compositore russo, ha un equilibrio complessivo ottimo e frangenti melodico-armonici piacevoli già dal primo ascolto. Applausi sostenuti dal pubblico, purtroppo in una Sala Verdi non al completo. Come bis la ripetizione di un raffinato momento centrale del Quintetto.

Meritato successo alla Scala alla seconda replica del concerto diretto da Riccardo Chailly. Gli attesi Quattro pezzi sacri di Giuseppe Verdi per Orchestra e Coro sono stati anticipati dalla Sinfonia n.4 in do minore D 417 "Tragica" di Franz Schubert. Riccardo Chilly ha deciso d'inserire una sinfonia "giovanile" del grande musicista viennese che rappresenta un punto di contatto evidente con la melodicità lirica delle opere verdiane, essendo il lavoro ricco di melodie che sembrano appartenere al mondo dell'opera. La splendida direzione di Chailly e l'altrettanto resa degli orchestrali scaligeri è emersa soprattutto nei due movimenti laterali l'Adagio molto- Allegro vivace iniziale e l'Allegro finale, autentici gioielli per costruzione classica e liricità. La tragicità che denomina la sinfonia, è in realtà presente nell'incipit e nel tema pricipale del primo movimento, poi nel corso di tutti gli altri tempi il clima cambia in senso più positivo. Chailly ha trovato i giusti andamenti, spesso particolarmente sostenuti per delineare il percorso musicale e anche un ottimo equilibrio complessivo per esaltare la ricchezza di una sinfonia non molto eseguita, che abbisogna di un direttore di alta qualità per essere valorizzata. Dopo il breve intervallo, l'opera corale verdiana concepita dal Maestro di Busseto negli ultimi anni della sua vita, quando aveva concluso il ciclo operistico con il Falstaff, è reppresenta dai Quattro pezzi sacri. Due di essi sono per solo Coro - il primo, l'Ave Maria, è a Cappella per quattro voci miste, e il terzo, Laudi alla Vergine Maria, per sole voci femminili di soprano e contralto - , mentre il secondo, lo Stabat Mater, e il quarto, il Te Deum, necessitano del potenziamento volumetrico dell'orchestra. Chailly, coadiuvato nella preparazione corale da Alberto Malazzi, ha prodotto un risulto complessivo di altissimo livello, creando un equilibrio coloristico perfetto, anche nei rapporti volumetrici tra le voci polifoniche e la rilevante componente strumentale sostenuta benissimo da tutte le sezioni dell'orchestra nella quale primeggiano gli ottoni, spesso a sostegno delle sorprendenti voci del Coro. L'apprezzamento generale del pubblico che riempiva il Teatro alla Scala, ha generato interminabili applausi e numerose uscite in palcoscenico del direttore ed anche del Maestro Malazzi. Applausi a tutti i protagonisti, ed anche al soprano Barbara Lavarian, con parte solistica nel finale del Te Deum. Memorabile.

15 novembre 2023 Cesare Guzzardella

INAUGURATA LA NUOVA STAGIONE DEL FESTIVAL CANTELLI Al TEATRO FARAGGIANA DI NOVARA CON UN RECITAL DI SIMONE PEDRONI

Il festival Cantelli n.43 di Novara, promosso dall’Associazione Amici della musica V. Cocito, giunta al più che rispettabile settantasettesimo anno di attività, è stato inaugurato ieri sera, martedì 14 novembre, sul palcoscenico del Teatro Faraggiana, da un concerto di quello che possiamo considerare, dopo il Maestro Cantelli, il più affermato musicista novarese della storia recente, il pianista e direttore d’orchestra Simone Pedroni, primo e sinora unico italiano ad aver vinto la Gold Medal al concorso pianistico van Cliburn nel 1993. Il fatto che la serata inaugurale della nuova stagione del Festival Cantelli sia stata affidata al Maestro Pedroni è certamente dovuto alla sua fama e statura artistica, oltre che all’affettuosa stima di cui gode nella sua città natale, ma a questi, ovvi, si aggiunge un ulteriore motivo: il Maestro cui Pedroni si è sentito più legato sotto il profilo professionale e umano, vero suo punto di riferimento per la propria carriera pianistica, è stato il grande Piero Rattalino, venuto a mancare, ultranovantenne, ad aprile di quest’anno. Rattalino, proprio di questi tempi, lo scorso anno, inaugurava, con una coinvolgente lezione-concerto, insieme con la pianista Ilia Kim, sua moglie, la passata stagione del festival e il fatto che al suo posto, quest’anno, ci sia il suo miglior allievo, è una circostanza non certo casuale. Pedroni eredita da Rattalino e naturalmente interpreta con personale originalità, una concezione del pianismo ( e in generale della musica), che il Maestro scomparso espose con toni appassionati anche in occasione del concerto novarese di un anno fa: un pianismo che non si risolve in pura abilità tecnica, ma sappia dare voce al mondo delle emozioni, degli stati d’animo, dei nodi esistenziali dell’uomo, di cui ogni arte, e la musica in grado supremo, è espressione. La dice lunga, a tal proposito, il titolo prescelto (immaginiamo) da Pedroni per il concerto di ieri sera: “Alla ricerca delle emozioni perdute”. Il programma proponeva, com’ è nelle abitudini del Maestro novarese , un percorso molto ampio, attraverso numerosi autori dal ‘700 all’età contemporanea, un percorso pensato con intelligente coerenza, il cui filo rosso era appunto la capacità del pianoforte, e soprattutto del pianista, di aderire, col suono, ai moti vari e mutevoli, nella ricchezza infinita di sfumature, di quell’esperienza interiore che siamo soliti definire ‘emozione’. Questo percorso di ‘ricerca delle emozioni’ presentava un altro punto d’interesse: esso proponeva, infatti, accanto a compositori tra i più celebri della Storia della musica, tra i quali spiccava per numero di pezzi Rachmaninov, cui era dedicata l’intera seconda parte del recital di Pedroni, in buona compagnia con Bach, Gluck, Mozart, Grieg, anche autori consegnati dal tempo a un oblio che li ha resi assai rari, per non dire assenti, nelle nostre sale da concerto, quali Louis Daquin (1694-1772) che pure a suo tempo fu un celebre tastierista, cioè organista e clavicembalista, tanto da rivaleggiare con Rameau, o Louis Moreau Gottshalk (1829-1869), pianista e compositore statunitense, che pure ebbe il suo quarto d’ora di celebrità, l’inglese Cyril Scott (1879-!970). Benissimo ha fatto a nostro parere Pedroni a trar fuori questi c.d. ‘minori’, includendoli nella sua ‘ricerca’, perché un concerto deve anche proporsi come occasione di scoperte, di recupero di opere e autori che il tempo, non sempre giustamente, ha consegnato alle tenebre dell’ignoto. Per completare il quadro di questo vasto programma, diremo che esso proponeva all’inizio uno dei compositori italiani d’oggi più celebri, non solo per la qualità della sua opera, ma anche per la sua presenza radiofonico-televisiva in importanti trasmissioni musicali e per la direzione del festival MITO: parliamo, naturalmente di Nicola Campogrande. Noi però, non rispettando l’ordine di esecuzione previsto dal programma, partiamo con l’autore che abbiamo detto essere stato il più eseguito della serata, S. Rachmaninov. Il grande pianista e compositore russo fa la sua prima comparsa già nella prima parte del concerto, una lunga serie di pezzi brevi, tra cui la Gavotta dalla partita per violino solo n.3 in Mi maggiore BWV 1006, di J. S. Bach, nella nota versione pianistica composta, appunto, da Rachmaninov. Il pezzo è di quelli fatti apposta per esaltare la qualità peculiare del pianismo di Pedroni: il suo tipico tocco, morbido, duttile nella resa delle sfumature e diremmo delle venature del suono, accompagnato da un sapientissimo uso del pedale, e dal talentuoso dominio dei piani dinamici. In questa breve composizione la tavolozza dei colori emotivi virava decisamente su un tono di delicata dolcezza, con una sottile vena di patetismo, che la sensibilità del tocco di Pedroni e la sua capacità di illuminare le più segrete risonanze emotive del brano hanno reso particolarmente coinvolgente per lo spettatore. Ma Rachmaninov, si diceva, è stato il protagonista esclusivo della seconda parte del concerto. Dapprima con l’Elegia op.3 n.1, la composizione che apre i cinque Morceaux op.3 giovanili. Tipicamente tripartito, questo breve brano ha i suoi momenti di più alta ispirazione emotiva nelle due sezioni estreme, dove, su un ritmo meditativo, il tocco di Pedroni si carica di una tensione dolente, che conferisce alle note del canto un che di quel ‘pessimismo cosmico’, che lo stesso Pedroni, nella sua bella introduzione a questa parte del concerto, riconosce come tratto peculiare della musica del grande russo. La parte del leone, anche per la sua durata, in contrasto con tutti i brevi pezzi precedenti, l’ha avuta la Sonata n.2 op.36 in Si bem. Minore. Questo arduo capolavoro, che porta, come quasi sempre in Rachmaninov, a un grado estremo l’impegno tecnico dell’esecuzione, non è stato, nell’interpretazione del pianista novarese solo spettacolo virtuosistico, ma diremmo piuttosto un incanto di suoni. Pedroni ha proposto una particolare interpretazione del primo tempo di questo capolavoro, in netto contrasto con alcune interpretazioni ‘di riferimento’, come, per citare un esempio relativamente recente, quella di Lugansky: il Maestro novarese ha illimpidito e alleggerito il primo tema, fondendolo quasi con il secondo, più lento e cantabile e concentrando invece tutta l’energia agogica e timbrica sul terzo tempo, che, con il suo tono maggiore s’impone con il suo tono assertivo e quasi vittorioso. Pedroni ha spiegato che questa sonata va interpretata in chiave simbolico-allegorica, come la vicenda di un re che parte per la guerra, della regina in malinconica attesa e infine del trionfale ritorno dell’esercito e del re: non possiamo non confessare la nostra forte perplessità circa interpretazioni drammaturgico-allegoriche della musica; noi abbiamo ascoltato una splendida interpretazione della seconda sonata di Rachmaninov e tanto ci basta. E’ certo nel Lento centrale che Pedroni raggiunge l’apice della sua interpretazione, dando voce all’estrema varietà di ritmi, atmosfere, dinamiche e colori, di cui questa sezione della sonata è intessuta, ma sempre con quella splendida morbidezza di tocco, capace di far emergere da questa pagina l’emozione dominante di un delicato spleen, che non può non rapire l’ascoltatore. Una grande prova davvero, che ha degnamente coronato la serata. Continuando coi grandi, il nostro massimo apprezzamento va all’esecuzione della trascrizione per pianoforte, opera del nostro pianista e compositore ottocentesco Sgambati, di un celeberrimo pezzo settecentesco, la Danza degli spiriti beati nell’”Orfeo ed Euridice” di Gluck.Il titolo preciso indicato dal programma di sala è “Melodia da Orfeo ed Euridice” di Gluck-Sgambati.. L’ interpretazione di Pedroni sa tenere ben a freno ogni componente di facile sentimentalismo, cosa che non riesce a tutti gli interpreti, e rimane saldamente coerente col suo pianismo, che ce lo fa tanto apprezzare: dalla tastiera il Maestro novarese trae un suono sempre lucido, la cui morbidezza non si estenua mai in languore, ma va in profondità, a estrarne le più sottili venature emozionali, qui attraverso un gioco chiaroscurale sull’arcata melodica di rara suggestione. Sorprendente il balzo ad un pezzo di tutt’altro genere, anch’esso notissimo, e forse per questo un po’ banalizzato e cui difficilmente attribuiremmo particolari valenze emotive: stiamo parlando della Marcia alla Turca che chiude la sonata in La maggiore KV 331 di Mozart, presentata ieri sera come “Rondò alla Turca”. Dovrebbe però mettere in guardia l’ascoltatore, ad evitare letture banalizzanti e puramente scolastiche del brano, già il fatto, abbastanza singolare per l’epoca, che il brano finale di una sonata in tonalità maggiore, la concluda in tonalità minore. Ci aiuta a capire meglio questa ‘turcheria’ mozartiana, proprio l’interpretazione di Pedroni. In particolare le scelte ritmiche e timbriche, a nostro modesto avviso mirabilmente azzeccate, che conferiscono un qualcosa di lontanamente manieristico alla Marcia, richiamandoci alla memoria una bella pagina di Beniamino Dal Fabbro di molti anni fa, il quale, a proposito di questo finale Rondò, parlava di “un pianoforte tramutato in orchestrina orientale fitta di campanelli e di tamburelli” (citazione testuale). C’è insomma, in questo Rondò in ritmo di Marcia un qualcosa di straniante, di vagamente sinistro, alleggerito dalla misteriosa ironia mozartiana. Ancora una volta la musica evoca un’esperienza interiore indicibile se non coi suoni; ci sentiamo afferrati, trascinati non sappiamo verso dove da un flusso di suoni, dall’avanzare allegro, ma di un’allegria inquietante, di qualcosa di indefinito.. Non poteva mancare, in questa carrellata alla ricerca di emozioni perdute, ma conservate nella musica, un angolo riservato a Chopin. Quello di Pedroni è uno Chopin delicato, fatto di figurazioni melodiche che, anche nei casi di maggior brillantezza, come il jeu perlé che avvia a conclusione il primo valzer, in Re bem. Maggiore, tende alla figurazione melodica ripiegata in se stessa, e in cui il mondo sonoro è piuttosto affidato ai cromatismi, alle modulazioni che trasportano a tonalità lontane da quella d’impianto, quasi disegnando, al ritmo appena evocato della danza, il volo di una fantasia che tende a mete indefinite, come avviene in particolare nel terzo e ultimo valzer, in La bemolle maggiore. Diversa l’aura emotiva cui Pedroni dà voce con “Giorno di nozze a Troldhaugen”, uno dei pezzi lirici op.65 per pianoforte di E. Grieg. L’interpretazione di Pedroni, facendo leva sulla ricchezza di colori del brano, gioca sul contrasto tra l’atmosfera gioiosa delle due sezioni estreme, che a ritmo di marcia piena di sincera allegria popolare cantano la felicità delle nozze e dei riti ad esse collegati e la dolcezza intima e affettuosa della sezione centrale, in cui la delicatezza e la duttilità del tocco dell’interprete raggiungono risultati davvero alti. Accanto ai grandi e grandissimi, i ’minori’ hanno avuto il loro posto nell’ampio programma del recital di Pedroni. “Le coucou” di Daquin è un pezzo, di chiara natura clavicembalistica, che comporta un’esecuzione concentrata prevalentemente nelle zone centrali della tastiera, secondo le abitudini del tempo, con agilità, in particolare per la mano sinistra, che con il suo fitto tappeto sonoro, fa da sfondo al rintocco del verso del cuculo, con un gusto naturalistico tipicamente barocco. La limpidezza del suono di Pedroni, che sa raggiungere effetti di un’ avvolgente luminosità, dà qui voce ad un altro volto dell’emozione, il fresco, spontaneo abbandono alla natura Il brano di Gottshalk proposto ieri sera era “The Dying Poet (il poeta morente)”, sottotitolato “Meditation” E’ anche questo un pezzo breve, come tutti i precedenti, che risente palesemente dell’influenza di Chopin, senza grande originalità e consiste nella ripetizione di un motivo melodico-base, d’ispirazione inevitabilmente malinconica, con crescenti abbellimenti, che Pedroni suona con la consueta bravura tecnica e ispirazione, senza peraltro poterlo riscattare dalla sua insuperabile mediocrità. . A inizi ‘900 Cyril Scott venne considerato una specie di Debussy inglese per alcune caratteristiche del suo linguaggio musicale, indubbiamente innovative rispetto alla tradizione britannica. In realtà di Debussy, perlomeno in questo “Lotus Land”, il pezzo del 1905 proposto da Pedroni, c’è assai poco, dal punto di vista tecnico, se non qualche superficiale somiglianza. Il brano presenta il suo centrale motivo di attrazione per l’ascoltatore nel suo carattere sognante, rarefatto timbricamente e ritmicamente statico, salvo un’accelerazione agogica di glissando nella parte finale, che poi va gradualmente spegnendosi per sprofondare nel silenzio. Il tutto in un linguaggio ancora d’impianto tonale, ma avvolto come da una sottile nebbia che sembra avvolgerne il mondo sonoro. Pedroni esegue magicamente, osiamo dire, questo pezzo, sottolineandone proprio la sospensione estatica, le delicate sfumature di un suono che talora pare perdere, sotto le dita del pianista, ogni consistenza fisica. Qui l’emozione si fa sogno fuori dal mondo, contemplazione di un’altra dimensione, quasi visione da paradiso artificiale di baudelairiana memoria. Chiudiamo con l’opera presentata all’inizio, i “Tre Preludi” da viaggio, di Nicola Campogrande. Del 2021, tre brevi ‘schizzi’, intitolati rispettivamente “Appello urgente”,” L’arte di prendere posto”, “Elogio della discrezione”. Composizioni sostanzialmente legate alla tonalità, vivono della sapiente costruzione di ritmi e piani dinamici, che intendono aderire strettamente a esperienze interiori,quelle di chi sta per mettersi in viaggio, e che Pedroni rende mirabilmente con il suo tipico tocco, sensibile e delicato, e il talentuoso dominio delle dinamiche: il ritmo sostenuto e incalzante dell’Appello, quello al contrario lento, quasi sospeso, del secondo pezzo, o il tono sommesso, vagamente ironico dell’Elogio della discrezione, sono stati interpretati da Pedroni con una raffinata capacità di adesione ai vari stati d’animo che il mondo sonoro costruito dall’autore ha saputo efficacemente evocare. Un bellissimo concerto, che ha pienamente raggiunto il suo obiettivo di coinvolgere il pubblico in una continua avventura emotiva, attraverso il mondo dei suoni. Trascinato dal tributo di applausi del pubblico, Pedroni ha proposto due bis: il ‘Tema d’amore’ dalla colonna sonora di Nino Rota per il film di Zeffirelli Romeo e Giulietta, e una mazurka di Chopin, entrambi, quasi inutile dirlo, splendidamente eseguiti. Un concerto da ricordare, come tanti di quelli organizzati dagli Amici della Musica novaresi.

15 novembre 2023 Bruno Busca

Un programma di raro ascolto ma di grande interesse quello ascoltato ieri sera al concerto organizzato da "Serate Musicali" in Conservatorio. La produzione per trio di violino, violoncello e pianoforte di Robert Schumann è stata interpretata dall'ottima formazione cameristica formata da Lorenza Borrani, violino, Ursina Braun, violoncello e Alexander Lonquich al pianoforte. Sono tre trii, l'Op.63, l'Op.80 e l'Op 110, composti dal musicista tedesco in età matura, a partire dal 1847, quando Schumann aveva oltre trentacinque anni e aveva già composto straordinari capolavori. I tre trii, naturalmente nei classici quattro movimenti, rappresentano un'ulteriore sviluppo della poetica romantica schumanniana in termini di complessità con varietà melodiche e soprattutto armoniche ardite, in contesti di forti contrasti che vanno dalle più esplicite esternazioni timbriche, alle più profonde situazioni intimistiche. L'ottimo livello del trio, con la componente armonica delineata dall'esperienza consolidata del noto pianista tedesco Lonquich, ha portato ad una valida resa interpretativa anche dalle più giovane soliste in situazioni di ampia creatività. L'esuberanti esternazioni della Borrani al violino e della Braun al violoncello, ottimamente inserite nelle sonorità del pianoforte, hanno esaltato le geniali architetture musicali di Schumann. Molto pregnanti d'espressività tutti i movimenti, con andamenti di profonda resa timbrica nei momenti più riflessivi dei rispettivi trii. Un'interpretazione complessiva molto piaciuta al pubblico presente in Sala Verdi che ha tributato al termine fragorosi applausi. Altrettanto di qualità il bis concesso ancora di Schumann con un brano, il n.3, dai Pezzi fantastici.

14 novembre 2023 Cesare Guzzardella

La fortunata rassegna musicale denominata Lieti Calici organizzata da Mario Marcarini agli Amici del Loggione di via Silvio Pellico 6 ha visto questa mattina protagonista la pianista torinese Eliana Grasso. L'impaginato scelto prevedeva brani di Bach, Chopin, Liszt e Casella, un percorso pianistico in ordinato senso storico che dal primo Settecento barocco arrivava, passando per il Romanticismo, al primo Novecento con un compositore un po' dimenticato quale Alfredo Casella. La maggior parte dei brani erano certamene noti ai più appassionati di musica per tastiera, come i due Preludio e fuga dal Clavicembalo ben temperato di Bach (dai volumi 1 e 2) che hanno introdotto il breve concerto. La pianista stessa ha presentato con competenza i brani e dopo l'ottimo Bach, ben scandito dalla Grasso con indubbie qualità tecnico-espressive, tre lavori di Fryderyck Chopin hanno rivelato l'attitudine dell'interprete al periodo romantico. Prima il noto Notturno postumo in do diesis minore, reso ancor più celebre dal fortunato film di Roman Polanski "Il Pianista", è stato eseguito con notevole espressività e perfetto equilibro formale; quindi due virtuosistici Studi di Chopin dall'op.10 e dall 'op.25, i rispettivi n.ri 12 in do minore, hanno rivelato l'ottima impalcatura discorsiva della torinese e la sua minuziosa attenzione al dettaglio. Il brano successivo, di maggiore respiro e altamente virtuosistico era di Franz Liszt con Vallée d'Obermann tratto da una serie degli Annees de pelerinage. La complessità lisztiana è stata ben sostenuta per una resa analitica ben definita ed inquadrata nel complessivo delle variegate dinamiche. Il brano conclusivo di Casella, tra i più (relativamente) conosciuti, era ancora all'insegna delle abilità tecniche: la sua Toccata in do diesis minore op.6 , orientata tra stile romantico e stile neoclassico. Meritati gli applausi  al termine e ancora Chopin nel bis concesso con il celebre Valzer Op.69 n.1. Il classico brindisi con vini di eccellente qualità e piacevoli stuzzichini annessi ha concluso la bellissima mattinata.

12 novembre 2023 Cesare Guzzardella

Il "Festival Mahler" procede all'Auditorium milanese. Questa volta abbiamo ascoltato l'Adagio in fa diesis maggiore dalla Sinfonia n.10, i Ruckert-Lieder per voce e orchestra e a conclusione una trascrizione del compositore boemo-viennese della Sinfonia n.4 in re minore di Robert Schumann. La Filarmonica Arturo Toscanini - formazione parmense ospite del Festival - ha trovato nel tardo pomeriggio di ieri la bacchetta di Omer Meir Wellber , mentre la parte solistica per cinque lieder composti da Mahler tra il 1901 e il 1904, hanno rivisto in palcoscenico il baritono tedesco Christoph Pohl, dopo il successo ottenuto nell'altro ciclo liederistico , quelli de "Il corno magico del fanciullo". Il quarantaduenne direttore israeliano ha ottimamente introdotto il concerto con l'Adagio della Decima, primo e unico movimento interamente completato da Mahler tra il 1910 e il 1911, ultimo anno di vita del compositore-direttore Un'interpretazione quella di Omer Meir Wellber di qualità, restituita con minuziosa resa dalla Filarmonica parmense. I Ruckert-Lieder hanno poi ritrovato la voce baritonale ben impostata e raffinata per chiarezza timbrica di Pohl, coadivato benissimo dagli orchestrali. Applauditissimo il cantante uscito ripetutamente in palcoscenico. Dopo il breve intervallo notevole qualitativanente la Sinfonia n.4 "Renana" schumanniana rivisitata da Mahler. Ultima delle sinfonie del compositore tedesco, la "Renana" è certamente la più eseguita. Omer Meir Wellber l'ha diretta con tempi piuttosto rapidi ma rivelando un eccellente equilibrio complessivo per una restituzione chiara e dettagliata dei quattro movimenti eseguiti senza soluzione di continuità. Un'interpretazione di alto spessore musicale apprezzatissima dal numeroso pubblico presente in Auditorium. Applausi calorosissimi e un inaspettato bis con un'esemplare Intermezzo Sinfonico dalla Cavalleria rusticana di Pietro Mascagni. Successo stra-meritato.

12 novembre 2023 Cesare Guzzardella

A distanza di settant'anni dalla precedente messinscena il Teatro alla Scala ha ripescato un titolo sconosciuto ai più, quel "L' amore dei tre re" che il musicista veronese Italo Montemezzi compose nel 1913 e il direttore Tullio Serafin portò nello stesso anno al successo proprio alla Scala. L'opera tragica, in tre brevi atti, è su libretto di Sem Benelli e narra una vicenda oscura che si conclude con la morte di tre dei quattro principali protagonisti. Un dramma certamente lontano da una visione attuale del mondo più evoluto, ma non lontano da certi fatti accaduti anche recentemente in situazioni di "possesso" della vita altrui. Il libretto, un po' povero, anche linguisticamente, di Benelli ha trovato un regista noto come Àlex Ollé del gruppo La Fura Dels Baus che con l'ausilio delle scene di Alfons Flores, i costumi di Lluc Castells e le luci di Marco Filibeck, ha cercato una soluzione espressiva alla cupa vicenda. Ma è probabilmente la valida musica di Montemezzi, orchestrata molto bene dal direttore Pinchas Steinberg, che rende nel complesso accettabile l'opera di Montemezzi. Con il suo sinfonismo operistico, trova riferimenti a Puccini, Wagner, Debussy e certo Respighi, e pur non avendo una spiccata personalità, rivela comunque capacità compositive non indifferenti che andrebbero riscoperte nella sua produzione più ampia . È la musica che, a mio avviso, sorrege strutturalmente il lavoro. Le voci protagoniste, complessivamente valide, hanno assolto al non facile compito di gestire una vicenda che si dipana spesso con monotonia. Evgeny Stavinsky, Archibaldo, delinea molto bene anche attorialmente l'anziano cieco, padre di Manfredo, l'ottimo Roman Burdenko. La voce femminile protagonista, Chiara Isotton, Fiora, svolge bene il suo ruolo di donna costretta a convivere con un marito - Manfredo- che non ama. L'amante di Fiora, Avito nella voce timbricamente valida di Giorgio Berrugi, a volte manca di voluminosità. Buone le altre voci. Il contesto scenico risulta migliore nel terzo atto, mentre nei primi due, quella serie infinita di catene in verticale soffocano i protagonisti in un labirinto, simbolicamente valido, ma esteticamente nebuloso e claustrofobico. Ottima l'ampia parte corale del terzo atto preparata da Alberto Malazzi. Ultima replica prevista per il 12 novembre. ( Foto di Brescia e Amisano - Archivio Scala)

11 novembre 2023 Cesare Guzzardella

"Il Pianoforte in Ateneo", la manifestazione musicale dedicata al pianoforte è tornata all'Università Cattolica del Sacro Cuore con l'ultimo appuntamento della Stagione. Ieri sera abbiamo ascoltato alla tastiera del prestigioso Shigeru Kawai le mani dello spagnolo Josu de Solaun. La Kawai Italia e l'Università Cattolica e i promotori della rassegna, il Maestro Davide Cabassi e il Prof. Enrico Reggiani, direttore dello Studium Musicale di Ateneo, sono ancora riusciti a portare un talentuoso protagonista degli 88 tasti, questa volta poco conosciuto in Italia e per la prima volta presente a Milano, pur essendo un virtuoso di alto profilo come dimostrato nell'esaustivo concerto proposto. L'impaginato sembrava costruito a misura della sua sensibilità d'interprete. Josu de Solaun, pianista iberico è salito sulla scena internazionale vincendo il prestigioso Concorso George Enescu di Bucarest. L'eccellente pianoforte, purtroppo nelle timbriche non assistito pienamente dai volumi riverberanti della bellissima Aula Magna, ha comunque messo in risalto le qualità dell'interprete che ha inserito nel programma brani di Chopin, Liszt, Debussy, Granados e De Falla. Una serie di lavori di grande virtuosismo dove l'elemento coloristico ha una valenza preponderante. Il potente impatto iniziale con l'Allegro de concierto in do diesis maggiore op.46 di Granados ha da subito rivelato la valenza interpretativa di un virtuoso schietto, dotato di evidente estemporaneità nel delineare gli intrecci melodico-armonici del brano, suffragato da una appariscente sicurezza digitale che risolve con facilità ogni difficoltà tecnica. Le ottime escursioni dinamiche e la valida resa espressiva si sono riscontrati in tutti i brani. Dopo l'estrovera Granados, il Notturno op.62 n.1 di F. Chopin ha creato un'atmosfera più riflessiva, interrotta dalle magie virtuosistiche del Mephisto Waltz n.1 di Franz Liszt, reso con accurata precisione di dettaglio. Ottime poi le timbriche dei tre brani di Claude Debussy, estrapolati dai Preludes, quali Ondine, Feux d'Artifice e Minstrels e concludendo con una stravolgente e rara Fantasia Bética di Manuel de Falla dove è ancora emersa, dopo il primo Granados, l'evidente affinità di Josu de Solaun con i musicisti della sua terra. Un concerto pieno di pathos, applauditissimo dal numeroso pubblico presente. Una serata che inizialmente era stata introdotta dal M.tro Cabassi, con un esaustivo approfondimento musicologico del prof.Reggiani. Di ottima qualità anche l'eccellente bis concesso con ancora un brano di Granados da Goyescas op.11, il n.4.

10 novembre 2023 Cesare Guzzardella

Ha scelto il suo amato Rachmaninov la pianista moscovita naturalizzata statunitense Olga Kern. L'impaginato ascoltato ieri sera in Conservatorio, denominato "Omaggio a Rachmaninov", ci ha riservato il virtuosismo del grande compositore russo, mediato da una pianista che da moltissimi anni è ospite privilegiata della "Società dei Concerti" milanese e ottiene da sempre il meritato successo. Dopo il suo concerto pomeridiano, tenuto sempre in Sala Verdi, ha ripetuto il programma alla sera completandolo con altri brani: complessivamente 17 i lavori dell'impaginato ufficiale, cui si aggiungono due bis, per delineare in modo completo la statura di un compositore e di un virtuoso del pianoforte che ha fatto la storia dello strumento a tastiera attraverso musiche che uniscono la romantica melodicità che l'ha reso popolare, ad una costruzione armonica complessa ed evoluta molto rivalutata negli ultimi decenni. Nella prima parte della serata la Kern ha iniziato con una scelta di tre dagli Études tableaux dall' op.39 (n.9)e dall' op.33 (n.8 e 5), quindi Cinque Preludi dall'op.32 (1-5-10-12) e dall'op.23 (n.7) per arrivare alla Sonata n.2 op.36 nella versione del 1931. Dopo il breve intervallo un Momento musicale (op.16 n.4), una Barcarola ( op.10 n.3) e Polichinelle op.3.n.4, hanno preceduto le raffinate Variazioni su un tema di Corelli op.42 e quindi tre trascrizioni da Musorgskij ( Hopak), Rachmaninov stesso (Romanza op.21) e Kraisler col celebre Liebeslied, concludendo il programma ufficiale con la Polka de W.R., un cavallo di battaglia del grande Horowitz. Le indiscusse qualità della Kern non sono solo legate al suo innarivabile virtuosismo, espresso con apparente facilità e riscontrabile al primo ascolto, ma anche da un legame autententico con la musica del grande compositore russo che la porta ad esprimersi con evidente passione per una restituzione di profonda e di autentica espressività. Tutti valide le interpretazioni ascoltate, ma segnaliamo soprattutto, a titolo d'esempio, l'eccellente resa delle Variazioni Corelli op.42 che nello splendore interpretativo della Kern sintetizzano le qualità di un'interprete che vive la musica di Rachmaninov secondo modalità completamente interiorizzate, profonde e raffinate, da autentica virtuosa. Applausi fragorosi dal pubblico presente in Sala Verdi e due i bis concessi, tutti eccellenti: di Rachmaninov il celebre Preludio op.3 n.2 e di Korsakov/Rachmaninov l'altrettanto noto Il volo del calabrone. Bravissima!!!

9 novembre 2023 Cesare Guzzardella

Siamo arrivati alla Settima Sinfonia al "Festival Mahler" di Milano. L'alternanza delle orchestre intervenute in Auditorium ha proposto ieri sera l'Orchestra Haydn di Bolzano e Trento diretta da Ottavio Dantone. Il sessantatreenne direttore e clavicembalista pugliese, specializzato in musica barocca è da anni alla guida della nota compagine di musica antica "Accademia Bizantina". Si è cimentato ieri nel lavoro composto da Mahler tra il 1904 e il 1906. Cinque movimenti per un'esecuzione di oltre settanta minuti di musica curati nei dettagli da Dantone e resi ottimamente dalla compagine orchestrale. La vasta sinfonia, interamente strumentale, nello stile consolidato mahleriano, presenta frequenti frangenti "cameristici" con interventi solistici ben delineati dai bravissimi interpreti in un lavoro dove  la partitura prevede strumenti inusuali come la chitarra, il mandolino, il filicorno baritono e il campanaccio. Ottima la resa complessiva orchestrale con una qualità coloristica mirata a far emergere maggiormente il carattere più "popolare" dell'articolato e complesso lavoro. Ottime tutte le sezioni orchestrali ben amalgamate da Dantone nei momenti di maggiore volumetria. Successo di pubblico in un Auditorium pieno di appassionati mahleriani. Ricordiamo il ritorno della Sinfonica di Milano, con i relativi Cori e con il direttore Claus Peter Flor per l'Ottava Sinfonia "dei Mille". Sarà eseguita in Duomo questa sera alle ore 20.00. Da non perdere!

8 novembre 2023 Cesare Guzzardella

Da moltissimi anni il celebre pianista russo Mikhail Pletnev torna in Conservatorio ai concerti organizzati da Serate Musicali. Sempre, al termine della serata, è acclamato dal pubblico presente in Sala Verdi e sempre, il sessantaseienne interprete - anche direttore d'orchestra e compositore- riserva degli attesissimi bis. Ieri sera la scelta d'impaginato ha accostato il grande polacco Fryderyk Chopin (1810-1849) al grande russo Aleksandr Scriabin (1872-1915), entrambi autori di Preludi. Certamente i 24 Preludi op.28 del primo sono più celebri dei 24 Preludi op.11 del secondo, che pur essendo un'opera giovanile di Scriabin - composti tra il 1988 e il 1996 - sono stati ispirati dal polacco è hanno frangenti di grande valenza compositiva. Pletnev ha preferito eseguire prima i Preludi del russo e, dopo l'intervallo quelli di Chopin, probabilmente anche per ottenere un effetto di maggiore apprezzamento da parte di un pubblico che conosce e riconosce maggiormente la musica del genio di Żelazowa Wola. L'approccio interpretativo del pianista, in una Sala Verdi volutamente poco illuminata, ha trovato subito una resa efficace sin dai primi preludi, ma è soprattutto con Chopin che sono emerse maggiormente le infinite qualità dell'interprete: il controllo totale del materiale sonoro, la sua completa memorizzazione, la restituzione di esso con i più evidenti parametri esecutivi si sono rivelati in un processo di sintesi discorsiva che riesce a mettere in risalto dettagli nascosti, contrasti volumetrici infinitesimali che colgono l'elemento poetico più intimo e più profondo di Chopin, ma anche di Scriabin. Moltissime le vette raggiunte da Pletnev nel suo personalissimo linguaggio estetico ed è inutile fare una cernita dei preludi, alcuni brevissi, altri meno, anche per il significato unitario delle due serie di opere che vanno considerate nel loro completo svolgimento. Tra i fragorosi applausi e l'evidente soddisfazione del pianista, al termine anche sorridente, sono emersi tre splendidi bis, i primi due, celebri cavalli di battaglia di Horowitz, ancora di Scriabin con lo Studio in do diesis minore op.2 n.1 e con lo Studio op.8 n.12 in re diesis minore e come ultimo il noto Studio op.76 n.6 di Moszkowski. Interpretazioni naturalmente ancora di esemplare livello estetico.

E siamo arrivati alla Quinta Sinfonia al "Festival Mahler" di questi giorni in Auditorium. L'Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai diretta da Robert Treviño ha sostenuto ottimamente la monumentale Sinfonia in do diesis minore (1901,1902), oltre settanta minuti di grande musica, quella celebre soprattutto per il formidabile Adagietto utilizzato da Visconti per il suo "Morte a Venezia" e che è stato anche interpretato da molti coreografi del Novecento. Una lenta progressione melodica degli archi inserira in un'ampia intelaiatura armonica che sembra fermare il tempo e che ci rivela ancora una volta le formidabili capacità creative del grande compositore e direttore boemo-viennese, soprattutto negli andamenti riflessivi. L'Auditorium milanese al completo, nel tardo pomeriggio di ieri ha trovato un pubblico entusiasta che ha applaudito con fragore l'interpretazione dell'Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai diretta con determinazione dal direttore texano. La grande sinfonia era stata introdotta da un breve, espressivo e frequentato brano del compositore statunitense Charles Ives (1874-1954), The Unanswered Question (1908), un Adagio di pochi minuti di profonda riflessione, un dialogo tra un espressivo tappeto di archi, una tromba solista e quattro flauti. Un breve capolavoro che ha anticipato il capolavoro più celebre. Oggi, alle 16.00 verrà eseguita la Sesta Sinfonia. Non perdetela.

5 novembre 2023 Cesare Guzzardella

Due orchestre insieme per il concerto mahleriano di ieri sera in Auditorium: l'Orchestra della Toscana e l'Orchestra Giovanile Italiana hanno unito molti dei validi strumentisti per affrontare due importanti lavori di Gustav Mahler quali i Kindertotenlieder (1901-1904), ciclo di cinque lieder per voce e orchestra su poesie di Friedrich Rückert, e la Sinfonia n.4 in sol maggiore composta da Gustav Mahler tra il 1899 e il 1901, ma con il quarto movimento, un celebre lied per soprano tratto da Des Knaben Wunderhorn, originariamente scritto nel 1892. Sul podio Markus Stenz ha diretto la corposa compagine orchestrale guidando anche l'ottima voce da soprano di Sophie Harmsen, presente in entrambi i lavori. Le ottime interpretazioni rese con pacato vigore dall'appariscente gestualità di Stenz, hanno rivelato i colori caldi, precisi e articolati della voce sopranile della Harmsen, ben sottolineati dalla rispettosa direzione di Stenz nei cinque lieder mahleriani, evidenziando poi, dopo il breve intervallo, un'approfondita esecuzione della Quarta Sinfonia, tra le più eseguite di quelle mahleriane, e giocata su timbriche morbide, ben delineate in ogni sezione strumentale in tutti i quattro movimenti che la compongono . Il ritorno, nell'ultimo movimento - Das Himmlische Leben (La vita celeste)- , della Harmsen ha poi completato degnamente la serata strappando ripetuti applausi dal numerosissimo pubblico presente in Auditorium. Il Festival Mahler procede oggi alle 18.00 con la Quinta Sinfonia diretta da Robert Trevino alla guida dell'Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai. Da non perdere!

4 novembre 2023 Cesare Guzzardella

Sono tutti molto giovani gli strumentisti dell'Orchestra Antonio Vivaldi, realtà musicale che svolge un'intensa attività sin dal 2011, anno di fondazione. Ieri sera in Sala Verdi, ai concerti organizzati da Serate Musicali, il direttore trentasettenne Ernesto Colombo ha ben diretto la compagine in brani di Beethoven e di Stravinskij. Del grande musicista tedesco sono stati eseguiti il Concerto per pianoforte e orchestra n.1 in do maggiore op.15 e il Concerto n.3 in do minore op.37, due noti capolavori che hanno trovato come solista al pianoforte il londinese Freddy Kempf, interprete da molti anni ospite di Serate Musicali Tra i due concerti pianistici, un momento diverso, non proprio legato alle sonorità dei concerti, era quello delle Danses concertantes di Igor Stravinskij, cinque momenti musicali in stile neo classico con un Tema centrale ricco di variazioni. Kempf, grande virtuoso della tastiera ha trovato un ottimo adattamento alla classicità beethoveniana pesando molto bene le sonorità di entrambi i brani e cercando frangenti più estroversi laddove era possibile. Le ottime sonorità espresse erano ben integrate e in sinergia con i giovani dell'orchestra e con la direzione di Colombo. I momenti più riflessivi dei due brani, come i due splendidi Largo centrali, hanno trovato un pianista luminoso e di sicura espressività. Il bisogno di una maggiore esternazione virtuosistica è apparso soprattutto nei Rondò finali resi con sicurezza ed energica esternazione e nelle Cadenze di ogni concerto rese con decisa determinazione. L'ottime qualità di Kempf hanno poi trovato un frangente solistico nel bellissimo bis concesso con un Preludio di Nikolaj Girševič Kapustin d'ispirazione jazz. Applausi fragorosi e numerose uscite in palcoscenico per il protagonista. Ottima la resa orchestrale nelle Danses concertantes di Igor Stravinskij, cinque momenti musicali composti tra il 1941 e il '42 negli Stati Uniti nel tardo stile neo-classico tipico del grande compositore russo. Applausi calorosi ai giovani strumentisti e al bravo direttore.

Al "Festival Mahler" la Sinfonia n.3 diretta da Peter Claus Flor

Spira Mirabilis non è solo un'ottima orchestra giovanile ma anche un "progetto", un gruppo di ricerca interpretativa fondato da giovani strumentisti nel 2007. Non avendo un direttore d'orchestra, costruisce le interpretazioni dei brani prescelti attraverso lunghe sedute di discussioni e di prove continue che oltre a realizzare il brano, forma e migliora il singolo strumentista attraverso anche incontri periodici con esperti di linguaggio barocco o classico. Una vera scuola musicale d'interpretazione che ha trovato riscontro già in 76 progetti realizzati in tutta Europa. Ieri nel tardo pomeriggio per il "Festival Mahler" abbiamo avuto l'opportunità di ascoltare la formazione in Auditorium in una concertazione di Mahler della Sinfonia n.3 in mi bem. maggiore op.97 "Renana" (1850) di Robert Schumann, un lavoro in cinque movimenti reso con fluidità e ricchezza di contrasti dai giovani orchestrali che oltre ad una passione smisurata hanno rivelato ottime qualità interpretative. Un solo brano cui ha fatto seguito una breve discussione sul lavoro eseguito e sull' attività dei giovani professionisti.

29 ottobre C.G.

Non capita pressochè mai di ascoltare un concerto come quello visto e ascoltato ieri sera in Conservatorio per Serate Musicali. La grande musica di J.S. Bach ha brillato con la compagine strumentale L'Appassionata e con ben quattro ottimi pianisti quali Leonora Armellini, Zlata Chochieva, Anton Gerzenberg e Mattia Ometto. In programma i Concerti per due tastere e archi BWV 1060- 061-1062, i Concerti per tre tastiere BWV 1063-1064- e il Concerto per 4 tastiera in la minore BWV 1065. Quest'ultimo in realtà è un concerto di Antonio Vivaldi trascritto da Bach dall'originale per quattro violini. I solisti si sono alternati in diverse combinazioni, sino a suonare tutti insieme nell'ultimo splendido lavoro, con l'ultimo movimento ripetuto poi come bis. Tutti i brani, sempre in tre movimenti, datano 1735 e rappresentano un esempio di grande architettura musicale resa molto bene nelle attuali versioni con pianoforte. I quattro interpreti, ben inseriti nel contesto strumentale, ottimamente diretto dal maestro orchestratore e primo violino Lorenzo Gugole, hanno trovato il giusto dosaggio timbrico esternando ciascuno una differente personalità non facilmente distinguibile visto il continuo cambio delle parti, ma certamente di ottima qualità. L'ottima resa complessiva sia dei pianisti che degli strumentisti ad arco ha portato ad un successo meritatissimo da parte del pubblico presente in Sala Verdi. Una serata unica nel genere barocco che rimarrà nei ricordi di chi ha avuto la fortuna di essere presente. Lunedì prossimo, 9 ottobre, il violinista Daniel Lozakovich ed il pianista Dmitri Shishkin eseguiranno musiche di Dvorak, Grieg, Franck e Ravel. Da non perdere

Il MiTo porta Broadway alla Scala con Wonderful Town di Leonard Bernstein

L'apertura di MiTo-Settembre Musica, il festival internazionale di musica di Milano e Torino, è avvenuta ieri sera al Teatro alla Scala per un lavoro poco eseguito ma di indubbio valore artistico: Wonderful Town di Leonard Bernstein (1918-1990). Il musical, presentato in forma di concerto, ha riportato le atmosfere newyorkesi del Greenwich Village e di Broadway nella sala del Piermarini, per l'occasione al completo. Il divertente libretto rivisitato da Betty Comden e da Adolph Green, amici di Bernstein, è stato musicato dal grande direttore e compositore statunitense nel 1953 partendo dagli stilemi più rappresentativi della musica popolare americana, fra canzone, jazz e ragtime, ma secondo una personalizzazione che ci fa riconoscere il grande compositore da ogni singola frase musicale. Nella versione scaligera sono stati eseguiti i momenti più rappresentativi di un lavoro che ha nel divertissement sia di contenuto testuale che nella musica la caratteristica più evidente. La spendida direzione orchestrale dell'inglese Wayne Marshall, unitamente all'ottima direzione corale di Ulisse Trabacchin, ha trovato l'Orchestra e il Coro del Teatro Regio di Torino trasformata in una splendida big-band americana, cosi sembiante per via delle timbriche energiche, ricche di ritmi sincopati, e capace di esprimersi in modo eccellente, nei numerosi numeri, spesso contrastanti, che compongono la riuscita commedia musicale. Protagoniste del lavoro presentato inizialmente da Stefano Catucci, anche le cinque voci soliste, tutte all'altezza anche attorialmente, ad iniziare da quelle femminili, le due sorelle Ruth ed Eileen Sherwood, arrivate dall'Ohio con la speranza di realizzare i propri sogni a New York, ed interpretate con disinvoltura dal mezzosoprano Alysha Umphress e del soprano Lora Lee Gayer. Ottimi anche il baritono Ben Davis in Robert Baker, il tenore Ian Virgo in Chick Clark e il baritono Adrian Der Gregorian in Frank Lippencott. Applausi fragorosi al termine dal pubblico soddisfatto per uno spettacolo inconsueto, brillante e ricco di storia. Ottimo inizio per il MiTo. Questa sera ancora gli Stati Uniti con la Rapsodia di Gershwin di Bollani e il Dvořák della Sinfonia del Nuovo Mondo diretti da Juraj Valčuha al Conservatorio. Da non perdere .

Un altro successo per la rassegna che da dodici anni coinvolge l'elegante Sala Alessi di Palazzo Marino. Protagonista della mattinata musicale la virtuosa del violino Emma Arizza. Comasca, vincitrice di numerosi concorsi internazionali, è da alcuni anni tra le migliori giovani violiniste italiane, affermata anche a livello internazionale per le sue evidenti qualità interpretative giocate su discorsività, eccellente intonazione anche nei frangenti virtuosistici più impervi e ottima resa espressiva. L'impaginato de "L'universo del violino" -questa la denominazione del recital per violino solo- prevedeva pagine dei più grandi compositori per il più piccolo degli strumenti ad arco: Bach, Paganini ed Ysaýe. Il Preludio dalla Partita n.3 ha anticipato il brano più celebre di J.S.Bach, quella Partita in re minore n.2 BWV 1004 che ha all'interno dei cinque movimenti l'ancor più nota Chaconne, un monumento architettonico di circa quindici minuti di musica che riassume tutto il genio bachiano nell'esplorare e variare i temi proposti penetrando con l'archetto l'anima del violino. Ottima l'esecuzione della Arizza in questo capolavoro ben riverberato nella grande sala colma di pubblico silenziosissimo. L'evoluzione nella tecnica violinistica e delle potenzialità dello strumente le abbiamo ritrovate nei brani successivi. Prima in Niccolò Paganini (1782-1840) con i Capricci n.11 e n.17 e poi in Eugène Ysaýe e la sua celebre Obsession dalla Sonata in la minore n.2, cui ha fatto seguito l'altrettanto nota Sonata in re minore n.3, la celebre Ballade. Due lavori che sviluppano la brillante tecnica virtuosistica paganiniana mediandola con il più architettonico Bach. Resa ottima per la Arizza in tutti questi lavori, una virtuosa che con apparente facilità discorsiva ha superato brillantemente ogni difficoltà. Applausi fragorosi e ripetuti per l'interprete e valido il bis con una fluida Giga bachiana. Bravissima!

2 luglio 2023 Cesare Guzzardella

Era metà febbraio scorso quando il grande direttore d'orchestra, anche pianista, Daniel Barenboim tornò al Teatro alla Scala dopo un lungo periodo di convalescenza da problemi seri di salute. In veste di direttore della Filarmonica della Scala allora portò un programma interamente mozartiano con le ultime tre sinfonie, quelle conclusive, con la celebre n.40 e la grande Jupiter. L'accoglienza trionfale di allora e gli infiniti applausi terminali di febbraio si sono ripetuti ieri sera, nel concerto straordinario scaligero dove un Barenboim più in salute ha proposto ancora ultime sinfonie, questa volta di Franz Schubert con la celeberrima "Incompiuta" e l'ultima completata "La Grande". Come per le sinfonie mozartiane anche in quelle ultime di Schubert, specie nella D759 in Si minore Incompiuta - solo due movimenti tra i quali il primo, Allegro moderato, di profondità espressiva straordinaria- si celano situazioni di completamento di un percorso musicale e umano. Barenboim anche questa volta ha optato per una dilatazione degli andamenti, con durate complessive maggiori della media, con una Incompiuta di oltre 27 minuti di durata e quella in Do maggiore D 944 di quasi un'ora di svolgimento. La meditata chiarezza espressiva, giocata su una serena e non accentuata marcazione dei contrasti ritmico-dinamici ha ancora messo in risalto l'alta cifra espressiva del direttore. Il momento di maggiore profondità, restituito con gesto molto misurato ed essenziale, rimane il celebre Allegro moderato dell'Incompiutà, un movimento conclusivo di tutto Schubert che ci pone di fronte al destino finale dell'Uomo. Applausi infiniti con standing ovation al termine per l'ottantunenne direttore.

19 giugno 2023 Cesare Guzzardella

Il ripetuto successo di Rusalka, fiaba lirica in tre atti di Antonín Dvořák (1841-1904) su libretto di Jaroslav Kvapil, trova ragione d'esser dovuto ad una serie di fattori sinergici che anche nella quarta rappresentazione, vista ed ascoltata ieri sera in un Teatro alla Scala stracolmo di pubblico, ha portato ancora ad un entusiasmo generale di tutti i presenti con intensi applausi esternati a tutti i protagonisti. Innanzitutto di qualità l'eccellente musica del compositore boemo. Quando Dvořák nel 1900 pensò alle musiche di scena da costruire sul felice libretto fantastico di Kvapil, tirò fuori dal cappello una serie di momenti musicali che riassumono per stile il meglio della sua produzione timbrica celebre in tutto il mondo. In quell'anno aveva gia composto, e da alcuni anni, tutte le nove sinfonie, tutti i concerti, le danze e le rapsodie slave, tutti i trii, i quartetti e i quintetti e almeno altre otto opere liriche. È vero, c'è uno sguardo rivolto al mondo wagneriano con la presenza di un leitmotiv, ma nella musica prevalgono le sue tipiche modalità compositive, assolutamente riconoscibili. Tra timbriche sinfoniche e canti folcloristici in Rusalka c'è tutta la sua musica, e quando il 31 marzo del 1901 al Teatro Nazionale di Praga venne data la prima rappresentazione della sua migliore opera, l'apprezzamento fu totale e Rusalka divenne popolare dappertutto. Incredibilmante per la prima volta alla Scala, quest'opera tradizionale nella pur splendida musica, ha trovato anche altre ragioni di successo: la valida regia di Emma Dante ritornata in Scala dopo l'ottima Carmen della Stagione 2009-10, con le adeguate scene di Carmine Maringola e i costumi coloratissimi e fiabeschi nell'incisività delle realizzazioni di Vanessa Sannino, insieme alle riuscite coreografie di Sandro Maria Campagna, tutti nelle chiare illuminazioni di Cristian Zucaro. Punti di forza anche l' ottimo cast vocale unitamente alle valide parti corali preparate dal solito bravissimo Alberto Malazzi e la direzione efficace, attenta alle voci e ricca di incisività tra timbri leggeri, bel canto e fragorose esternazioni orchestrali del boemo direttore d'orchestra Tomáš Hanus. Tutte le voci sono da segnalare, a cominciare dalla protagonista Rusalka, ninfa dell'acqua, nei ricchi timbri in ogni registro dell'ucraina Olga Bezsmertna con l'aria più celebre nel primo atto, il Canto alla Luna, cantata intensamente con chiarissima delicatezza e brava Olga anche nelle sue volutamente stentate movenze in scena. Ottimo vocalmente il Principe, il tenore Dmitry Korchak con timbro chiaro e dettagliato. Di grandissimo impatto vocale Ondin, lo spirito delle acque, nella voce da basso di Jongmin Park; Ottimi, la Principessa Elena Guseva, la Strega Ježibaba Okka Von Der Damerau, il Guardiacaccia Jiří Rajniš, lo Sguattero Svetlina Stoyanova, il Cacciatore Ilya Silchukou. Di evidente valenza vocale e scenica le Tre ninfe del bosco nei nomi di Hila Fahima, Juliana Grigoryan e Valentina Pluzhnikova. Prossime repliche da non perdere previste per il 19 e il 22 giugno. ( Foto di Brescia e Amisano dall'Archivio della Scala)

L'ultimo concerto della 78° Stagione de I Pomeriggi Musicali ci propone anche il virtuosismo dell'affermato russo Alexander Malofeev, ventunenne pianista, vincitore nel 2014 a solo tredici anni, del prestigioso Concorso Internazionale Čajkovskij dedicato ai giovani musicisti. Nell'anteprima di questa mattina, il celebre Concerto n.1 per pianoforte e orchestra op.23 di P.I. Čaikovskij è stato preceduto dal raro ed interessante Variazioni per orchestra da camera di Luciano Berio, brano del 1953 dove il Maestro di Oneglia fa uso di un'ottima tecnica dodecafonica per esprimere sensazioni efficaci ed espressive, valorizzando anche gli strumenti solistici. Ottima interpretazione per l'orchestra diretta dettagliatamente da James Feddeck. Valido anche il secondo lavoro con l'orchestra da camera meno numerosa per le più note Danses concertantes di Igor Stravinskij, brano in stile neoclassico del 1942 ben interpretato. L'arrivo sul palcoscenico del biondissimo Malofeev ha portato ad una straordinaria interpretazione del concerto di Čaikovskij. Il pianista, sorretto molto bene da Feddeck e dagli orchestrali, ha rivelato incisività, delicatezza, visione precisa del brano nei suoi tre movimenti. La perfetta interiorizzazione di ogni dettaglio, reso con naturalezza dal pianista, ha portato ad un successo straordinario da parte del numeroso pubblico presente al Teatro Dal Verme. Valido il delicato bis concesso da Malofeev: di Scriabin il Preludio n.1 op.9 per la sola mano sinistra. Questa sera la prima ufficiale alle ore 20.00 e sabato alle ore 17.00 la replica. Da non perdere!!

25 maggio 2023 Cesare Guzzardella

Ieri sera, sabato 20 maggio, il Teatro Civico di Vercelli ha ospitato l’ultimo concerto della stagione 2022-23 del Viotti Festival, la n. XXV. Protagonisti di questa particolare serata, la ventenne violinista Giulia Rimonda, prima violinista dell’orchestra Camerata Ducale e ormai ben più che una promessa tra i violinisti della sua generazione, ammirata in numerosi recital con orchestre e formazioni cameristiche, ed Emmanuel Tjeknavorian, il violinista austriaco di origini armene, impostosi all’attenzione internazionale dal 2015, col premio per la migliore interpretazione al Festival Sibelius, che ormai affianca all’attività solistica quella, sempre più frequente, di direttore d’orchestra, ruolo ricoperto, alla guida della Camerata Ducale, anche nella serata vercellese di ieri. Il programma proponeva il Concerto per violino e orchestra n.3 op.61 di Camille Saint-Saens (1880) e la ‘Quinta ‘ di Beethoven. Il concerto per violino n.3 di Saint Saens, uno dei più belli del tardo ‘800, è un banco di prova per qualsiasi violinista: basti considerare che fu scritto per un ‘divo’ del violinismo dell’epoca, Pablo de Sarasate, e consacrato in repertorio da un altro grandissimo virtuoso dello strumento, Eugène Ysaye. Si tratta di un concerto che alterna momenti di acceso e talora persino frenetico virtuosismo a momenti di serena e distesa cantabilità, il tutto vagamente spruzzato di quello spirito ‘spagnoleggiante’ che si stava facendo strada nella cultura musicale dell’epoca, a cominciare da quella francese (si pensi solo alla Carmen di Bizet, di non molti anni precedente questo concerto) e che spiega tra l’altro la dedica al ‘Paganini spagnolo’ De Sarasate. Dunque il solista è chiamato, oltre che a dar prova di un elevato livello di virtuosismo ( doppie corde, passaggi di vorticosa rapidità, armonici artificiali etc.etc.), anche, e soprattutto, a trovare la giusta chiave espressiva per la varietà e ricchezza che caratterizzano il materiale musicale di questo concerto. La bravura interpretativa di Giulia Rimonda fa mostra di sé sin dall’aperura dell’ Allegro non troppo iniziale, esponendo, col piglio e l’energia di suono che le conosciamo, e che sono uno dei tratti peculiari del suo stile, lo spigoloso tema d’inizio, che s’incide sulla cupa atmosfera evocata dall’orchestra. L’elaborazione del tema, che comincia a chiamare perentoriamente in causa un virtuosismo, che la giovane violinista padroneggia con assoluta imperturbabilità, nei suoi passaggi sempre più veloci e armonicamente complessi, sfocia poi nel cantabile del secondo tema, nella cui arcata melodica rifulgono tutta la luminosa chiarezza e la calda dolcezza, che sono un’altra caratteristica ormai saldamente acquisita del suono che Giulia Rimonda ottiene col suo Domenico Montagnana 1720.. Questo succedersi di varie situazioni espressive è poi reso con una fluidità e pulizia di fraseggio, che sono del violinista ormai maturo, accurato nel rilevare il dettaglio timbrico e soprattutto il chiaroscuro che il variare delle dinamiche avvolge intorno al fluire dei suoni. Se nella chiusura dell’Allegro non troppo, il virtuosismo della solista si fa ammirare nella vorticosa sequenza di semicrome della coda, il successivo Andantino quasi allegretto, con il suo tema principale calmo e delicato e il suo secondo tema, dinamicamente più intenso e quasi cantilenante, porta in primo piano la ricchezza espressivo-melodica della cavata di questa violinista, varia nelle sfumature e coinvolgente, suggellata dagli eterei arpeggi di armonici nella chiusura del movimento: un Andantino davvero suonato in tutta la sua bellezza, con tratti di rarefatta soavità che lo rendono indimenticabile. Il finale Molto moderato e maestoso-Allegro non troppo presenta un po’ la sintesi di tutte le caratteristiche dell’affascinante stile esecutivo di Giulia Rimonda, sicché non ci ripeteremo: vogliamo solo qui ricordare quello che, a nostro personale parere (delle nostre orecchie, del nostro cervello e del nostro cuore) è il momento interpretativo più alto del terzo tempo suonato dalla violinista vercellese di adozione: l’atmosfera sognante ed estatica, evocata nell’esporre la sezione approssimativamente centrale del movimento, quel meraviglioso cantabile, introdotto dagli archi coi sordini e il cui dolcissimo spetta poi al solista creare sulle sue quattro corde, come Giulia Rimonda ha fatto alla perfezione, col suo inconfondibile suono. Un bellissimo concerto, che, diremmo, consacra, se mai ce ne fosse bisogno, il pieno sbocciare di un nuovo fiore nella serra dei migliori violinisti italiani dell’ultima generazione. Non possiamo però, naturalmente, passare sotto silenzio l’ottima prestazione della Camerata Ducale sotto la guida di Tjeknavorian. Una direzione, la sua, che ha accompagnato la solista con precisione nei tempi e nella cura dei dettagli timbrici e dinamici, che ottiene eccellenti risultati nel raffinatissimo impasto timbrico di archi appena mormoranti e di delicati incisi dei legni che accompagna il violino nell’esposizione del tema principale dell’Andantino, e nella ripresa, verso il finale del terzo tempo, del cantabile, in cui Tjeknavorian è riuscito nella non facile impresa di dare piena voce alla singolarissima tavolozza di ottoni in fortissimo da corale e di tremolo di violini e viole composta da quel degno erede di Berlioz che fu Saint Saens. I travolgenti applausi della platea e dei palchi ottenevano un bis, un pezzo bachiano suonato con una cristallina pulizia di suono che non teme confronti. Molto ben riuscita anche l’esecuzione della Sinfonia n.5 in do minore op.67 di Beethoven. L’interpretazione di Tjeknavorian procede lungo due linee di ‘lettura’, che tiene saldamente unite dall’inizio alla fine: la prima, inevitabile, quanto scontata, improntata all’ energia fremente, che percorre la partitura dal motto di quattro note iniziale al trionfale epilogo tra i festanti clangori degli ottoni che chiudono questa monumento della musica, che Tjeknavorian realizza anche con una scelta di tempi veloci, particolarmente nell’Allegro iniziale; la seconda, meno scontata, è una linea che tende all’essenzialità della forma, resa asciutta e poco propensa all’enfasi e a certa retorica che contraddistingue anche illustri interpretazioni della ‘Quinta’. I temi sono esposti in modo netto, conciso, il rigore strutturale della sinfonia guida il succedersi dei violenti contrasti, dei vari passaggi ritmici, del titanico antagonismo che muove il mondo sonoro della sinfonia, in modo tale che l’ascoltatore ne avverte ogni dettaglio come parte di una catena sonora regolata da una ferrea necessità, da una logica inesorabile e imprescindibile. In questa chiave interpretativa va inteso il momento contrappuntisticamente più ‘strutturato’ della ‘Quinta’, il fugato centrale dell’Allegro (terzo tempo), che qualche studioso tende a considerare (chissà perché?) come espressione di una componente scherzosa ed ironica di Beethoven, ma che a nostro modesto avviso offre la ‘chiave di lettura’ della sinfonia: la musica, in quanto costruzione di mondi formali rigorosamente concepiti, e in particolare del contrappunto, è il prodotto più alto di quella Ragione destinata a trionfare nella Storia: La Quinta non è il generico trionfo dell’eroe contro le avversità del destino, ma, appunto, della ragione umana sul caos e l’irrazionalità della Storia. Se certe soluzioni musicali di Beethoven faranno poi scuola presso la generazione romantica, non dimentichiamo che Beethoven è figlio dell’Illuminismo e lettore attento di Kant, detestato dai romantici. Tutto questo per dire che l’interpretazione di Tjeknavorian centra, a nostro parere il senso profondo di questa sinfonia. Concludiamo questa riflessione sull’interpretazione di Tjeknavorian sottolineandone un altro tratto: l’eleganza del suono, la raffinata delicatezza di certi momenti, che si aprono nel flusso ribollente della sinfonia. Pensiamo, su tutti, sempre nel terzo tempo Allegro, alla finezza con cui la bacchetta del Maestro austro-armeno ‘gioca’, è il caso di dire, con i due elementi tematici della sezione principale del movimento: il cupo arpeggio dei bassi, poi addolcito dai violini e dai clarinetti, e lo squillo dei corni, ennesima variante del motto iniziale della sinfonia. Questi elementi cominciano un fitto alternarsi, passando da una zona all’altra dell’orchestra, in cui Tjeknavorian, rivela tutta la sua bravura nello stacco dei tempi, nella cura del dettaglio timbrico, nell’eleganza del ritmo. E aggiungiamo, a ulteriore merito di Tjeknavorian, che raramente abbiamo sentito suonare così bene la sezione dei fiati della Camerata Ducale. Una bella esecuzione di uno dei capolavori della cultura umana ( non della musica soltanto) che chiude nel modo più degno, salutata da torrenziali applausi, una splendida stagione musicale della Camerata ducale.

Il primo concerto italiano del pianista spagnolo ventisettenne Martín García García, di Gijon, è avvenuto ieri sera in Conservatorio, organizzato da Serate Musicali. Dopo aver vinto nel 2021 il primo premio al Concorso di Cleveland, ha ottenuto un prestigioso terzo premio al Concorso Chopin di Varsavia Le carte erano quindi in regola per aspettative d'importante ascolto. L'impaginato, decisamente impegnativo, prevedeva una prima parte dedicata a Liszt e una seconda interamente schumanniana. Lo Sposalizio da Années de Pélerinage anticipava la celebre Sonata in si minore dell'ungherese. L'impressione avuta, nella prima parte della serata, era buona ma non sbalorditiva. La sonata lisztiana, punto d'arrivo di ogni virtuoso, ha trovato certamente elementi d'interesse nel virtuosismo di Garcia Garcia, ma l'unità d'equilibrio necessario per ricreare quella sensualità, tipica di Liszt, che attraverso il leitmotiv ritorna continuamente nella coinvolgente sonata ci è apparso non adeguato. Un netto cambio d'impressione, in positivo, è stato l'approccio del pianista con le armonie di Schumann. Nelle 3 Fantasiestücke op.111 e ancor più negli Studi Sinfonici op 13, García García ha rivelato un'originalità interpretativa di alto livello, esaltando con incisività, espressione e sintesi discorsiva le geniali armonie del tedesco. La completa interiorizzazione di ogni elemento costruttivo ha restituito un insieme di parti con coerente resa musicale e un' energia risolutiva profonda. L'ottima interpretazione fornita, e l'evidente soddisfazione del pianista e del pubblico presente in Sala Verdi, -purtroppo non numeroso- , ha portato a tre bis: due ottimi Chopin con la Polacca op.44 interpretata con valida personalizzazione e ottima resa nelle rispettive componenti e un'espressiva Mazurca op.33 n.1 Di alto livello il bellissimo Rachmaninov conclusivo da Etudes Tableaux Op.39, il n.5. Un pianista da seguire con attenzione.

Nell'anticipo del mattino del concerto dell'Orchestra I Pomeriggi Musicali abbiamo trovato alla direzione il ventottenne Alessandro Bonato per due importanti lavori quali la Sinfonia da camera op.110a di Dmitri Šostakovič e il Concerto n.1 per pianoforte e orchestra in Do maggiore op 15 di L.v.Beethoven. L'op.110a è una splendida trascrizione da Rudolf Barshai del Quartetto n.8 del russo, realizzato nel 1960 ma ricco di reminescenze di altri lavori del compositore. Un clima sofferto, cupo e severo permea i cinque movimenti riassunti in un ampio unico brano per archi diretto da Bonato con gestualità misurata ma molto sicura, per una restituzione orchestrale intensamente espressiva. Un clima completamente diverso per il giovanile concerto beethoveniano che ha trovato solista al pianoforte Leonora Armellini, protagonista all'ultimo concorso Chopin, con mertivole ottimo piazzamento. Pianista chopiniana, ha saputo anche in Beethoven dare sfoggio di mirabili qualità. L'ottima interpretazione complessiva con la guida sicura di Bonato, ha visto l'Amellini muoversi con formidabile sicurezza per una restituzione precisa ed elegante del concerto. Valida la lunga cadenza dell'Allegro con brio iniziale ed espressivo il pacato e profondo Largo centrale. Discorsivo nella precisione il Rondò conclusivo. Applausi fragorosi dal numerosissimo pubblico intervenuto al mattino. Questa sera la prima ufficiale alle ore 20.00 e sabato alle 17.00 la replica. Da non perdere.

A VERCELLI TORNA PER IL VIOTTIFESTIVAL LUIGI PIOVANO CON I GIOVANI TALENTI DELLA CAMERATA DUCALE JR.

Ancora un meritato successo alla Scala per Timur Zangiev, il direttore russo ventinovenne salito alla ribalta lo scorso anno sostituendo Valery Gergiev, del quale era assistente, alla guida dell'Orchestra scaligera per la Dama di Picche, opera dove ottenne un personale meritato successo, facendoci dimenticare, per alcune serate, il suo Maestro. Ieri sera, alla seconda replica, in un teatro colmo di pubblico abbiamo ascoltato Zangiev e scoperto un eccellente direttore sinfonico. È stato alla guida della Filarmonica della Scala per due Sinfonie n.5: quella in mi minore op.64 di Čajkovskij e quella in re minore op.47 di Šostakovič. Due lavori orchestrali distanti tra loro quasi cinquan'anni, essendo stato il primo composto nel 1888 e il seconda nel 1937. Sono sinfonie che hanno in comune un'vidente drammaticità anche se espressa con modalità differenti. Entrambe molto eseguite, hanno trovato col direttore russo una restituzione cupa, intensamente ricca di elementi drammatici, espressi con colori avvolgenti nelle dinamiche molto articolate. La Filarmonica della Scala è riuscita, sotto la direzione di Zangiev, ad esprimere il mondo musicale di provenienza del giovane talentuoso direttore. Nella Sinfonia di Čaikovskij l'ottima ampia sezione degli archi ha trovato contrasto con le volumetriche percussioni. Maggiore l'equilibrio complessivo nella Sinfonia di Šostakovič, con rese di ottima qualità in ogni sezione orchestrale e con importanti interventi solistici, come ad esempio l'intenso violino di Laura Marzadori. Applausi meritatissimi sostenuti e ripetuti a Zangiev e alla Filarmonica. Ricordiamo il prossimo importante concerto sinfonico previsto per il 18-19 e 20 maggio con Riccardo Chailly che dirige la monumentale Sinfonia dei mille di Gustav Mahler. (Foto di Brescia e Amisano dall'Archivio della Scala)

È stato presentato questa mattina in Sala Alessi, al Piermarini, la seconda edizione del "Premio Internazionale Antonio Mormone" questa volta dedicato al violino, alla presenza del Sindaco di Milano Giuseppe Sala, del Presidente della Regione Lombardia Attilio Fontana, dell'Assessore alla Cultura di Milano Tommaso Sacchi, del Direttore artistico Edoardo Zosi, del Presidente della Società dei Concerti Enrica Ciccarelli, del direttore del Conservatorio Massimiliano Baggio e del Sovraintendente del Teatro alla Scala Dominique Meyer. Riconoscere il musicista veramente "artista" non quello più "atletico". Queste le finalità del Concorso violinistico espresse con chiarezza dal direttore artistico Edoardo Zosi, noto violinista internazionale, nell'attribuire il prestigioso "Premio Mormone" giunto alla seconda edizione, dopo quello avente come protagonista il pianoforte, vinto da Ying Li nel 2022. Il 15 aprile 2025 saranno resi noti i nomi dei tre finalisti che il 19 giugno si esebiranno con il violino Carlo Ferdinando Landolfi del 1757, facente parte della collezione di violini antichi del Conservatorio G. Verdi di Milano. La proclamazione del vincitore avverrà il 22 giugno 2025 al Teatro alla Scala con la partecipazione dell'Orchestra dell'Accademia del Teatro alla Scala. Un premio molto importante quindi, alla memoria di un grande scopritore di talenti, amante della musica e organizzatore musicale quale Antonio Mormone.

19 aprile 2023 C.G

La rassegna del Conservatorio milanese denominata "Musica Maestri", organizzata per evidenziare le qualità dei migliori studenti del Conservatorio e anche dei docenti interni all'importante istituzione mesicale, ha trovato ieri, nel tardo pomeriggio, due pianisti e docenti di pianoforte quali Davide Cabassi e Andrea Carcano in un programma interamente brahmsiano. Le Variazioni su tema di Haydn per due pianoforti op. 56b, versione meno frequentata di quella per orchestra ma altrettanto valida e la Sonata in fa minore per due pianoforti op. 34 bis, trascrizione della più eseguita versione per Quintetto con pianoforte, hanno visto impegnati i due validi interpreti. Interessanti le due esecuzioni e di qualità la resa espressiva sia di Cabassi che di Carcano in perfetta sinergia. Il numerosissimo pubblico presente in Sala Puccini, ha tributato fragorosi applausi. Valido il bis concesso a quattro mani con ancora Brahms e un sua celebre Danza ungherese. Domenica 23 aprile alle ore 18.00 ancora Musica Maestri! con il Trio Braga-Ronchini-Redaelli per Schumann op.56 e op.80!

17 aprile 2023 Cesare Guzzardella

DA CARL PH.E. BACH A BERIO AL FESTIVAL FIATI DI NOVARA

A NOVARA IL FESTIVAL CANTELLI CONCLUDE LA SUA 42ESIMA STAGIONE CON IL “PICCOLO SPAZZACAMINO” DI B. BRITTEN

Sono tornati in Auditorium i fratelli olandesi Lucas & Arthur Jussen per eseguire un recente brano dal musicista e pianista turco Fazil Say. Say, nato ad Ankara nel 1970, è un compositore e interprete assai noto che da anni viene a Milano per interpretare brani classici e i suoi lavori. Nel 2020 ha scritto Anka Kuşu (la Fenice) per pianoforte a quattro mani e orchestra. È dedicato ai fratelli Jussen, pianisti di talento sia nelle esecuzioni classiche che in brani contemporanei, spesso scritti appositamente per loro. L'Orchestra Sinfonica di Milano era diretta dall'italiano Vincenzo Milletarì, impegnato successivamente nella celebre Sinfonia n.9 in mi minore op.95 "Dal nuovo mondo" di Antonin Dvorak. Il brano introduttivo di Say, dalla durata di sedici minuti, è nel tipico linguaggio del compositore. È una scrittura che unisce gli stilemi culturali occidentali a quelli orientali, in una sintesi discorsiva originale e personale. Anka Kuşu op.97 è un lavoro di grande effetto, anche per l'impatto volumetrico espresso sia dal pianoforte a quattro mani che dalla sostenuta componente orchestrale. I due giovani interpreti hanno restituito con viscerale energia un lavoro giocato su una ritmica irregolare e su una percussività che utilizza il pianoforte in modo completo. Entrambi i pianisti spesso pizzicano o percuotono le corde nella cassa armonica, secondo una procedura tipica di molti brani di Say. Alcuni elementi melodici, dal timbro orientale, specie nelle battute intoduttive, si alternano ad operazioni percussive, anche operate dagli archi oltre che dalle percussioni, in un brano che in alcuni frangenti può ricordare il Sacre stravinskijano. L'originalità della composizione, ricca di tensione, ha trovato un'eccellente restituzione da parte dai solisti e degli orchestrali ottimamente diretti da Milletarì e il numeroso pubblico presente alla replica di ieri sera ha appludito con convinzione gli interpreti. I due fratelli hanno poi concesso due eccellenti bis: prima lo straordinario brano della compositrice polacca Hanna Kulenty (1961) denominato VAN, e poi Le Jardin féerique da Ma mère l'oye di Maurice Ravel nella sua splendida trascrizione a quattro mani. Dopo il breve intervallo siamo passati da ponte Oriente-Occidente di Say a quello dell'Occidente europeo con gli Stati Uniti della celebre Nona Sinfonia "Dal nuovo mondo" (1893) di Dvorak. Milletarì ha proposto un'interpretazione ricca di energia, di grande effetto soprattutto nei movimenti laterali, Allegro e Allegro con fuoco. Applausi fragorosi dal pubblico. Domani, alle ore 16.00, l'ultima replica. Da non perdere.

Da anni il pianista inglese Paul Lewis si dedica ai classici, con una prevalente attenzione per le composizioni di Beethoven e Schubert. Ieri sera, nella valida serata organizzata dalla Società dei Concerti milanese, ha proposto tre sonate del viennese Franz Schubert (1797-1828) e precisamente, in ordine d'esecuzione, la Sonata n.15 D840, la Sonata n.13 D664 e la Sonata n.16 D845. Mentre la n.15 in do maggiore rimase incompiuta, con solo i primi due ampi movimenti completati, la n.16 in la minore, composta nello stesso anno 1825, è di ampie dimensioni e trovò il giusto completamento. Lewis, classe 1972 di Liverpool, ebbe tra i suoi insegnanti anche il grande Alfred Brendel, dal quale ha ereditato alcune modalità interpretative oltre che a certa gestualità. Il suo è certamente uno Schubert di spessore. Tra le tre sonate eseguite, ci è sembrata di più pregnante qualità e formalmente perfetta quella eseguita dopo il breve intervallo, la D845. Qui Lewis ha rivelato la migliore concentrazione per definire al meglio ed in modo eccellente i quattro movimenti tra cui, a completamento della grande sonata, il Rondò.Allegro vivace espresso in modo mirabile per discorsività, leggerezza ed equilibrio delle parti. Applausi fragorosi dal pubblico presente, purtroppo non numerosissimo, e molto bello il bis concesso, il Momento musicale n.6 "Allegretto" D780 donatoci con evidente meditata espressività.

16 marzo 2023 Cesare Guzzardella

A VERCELLI IL VIOLINO STELLARE DI KERSON LEONG

Tra le sempre più numerose e interessanti attività organizzate a Vercelli dalla Camerata Ducale, dall’agosto dello scorso anno è compreso anche il Viotti Tea. Di che si tratta? Lasciamo la parola alla brochure del programma della stagione della stessa Camerata Ducale: “Al Viotti club la tradizionale ora del tè diventa l’ora della musica: una volta alla settimana, di solito al Giovedì pomeriggio, la sala ospita un concerto che vede protagonisti giovani solisti di grande talento.”: quello di oggi era il concerto n.78. Un’altra di quelle intelligenti e generose iniziative con cui la Camerata Ducale, con una passione che non teme confronti in Italia, si sforza di promuovere l’attività e la carriera dei giovani musicisti di valore, in questo Paese troppo spesso abbandonati a se stessi. Per lo più si tratta di diplomandi o diplomati del Conservatorio G. Verdi di Torino, ma ospite del Viotti Club, all’ora del tè di oggi pomeriggio, 23 febbraio, era la pianista novarese Giulia Ventura, che ha compiuto i suoi studi presso il Conservatorio G. Cantelli di Novara, dove ha avuto, tra i suoi Maestri L. Schieppati e M. Coppola. Tra Piemonte e Lombardia, Giulia Ventura, grazie ad un già nutrito carnet di concerti, solistici e con orchestra, in questi ultimissimi anni sta cominciando a ‘farsi un nome’ , a creare intorno a sé un certo interesse. Nel recital di oggi, la giovane pianista presentava un programma che comprendeva la Sonata in Mi bem. maggiore op.31 n.3, nota come “La caccia”, di L. van Beethoven, tre composizioni di F. Liszt (uno degli autori più presenti nel repertorio attuale di Ventura e che lei ha confessato essere al momento il suo preferito, in una conversazione con gli spettatori successiva al concerto), vale a dire la “Vallée d’Obermann” dagli Années de Pèlerinage, vol.1, e due Rapsodie Ungheresi, la n. 5 in mi minore e la n.6 in Re bem. maggiore, per concludere con Feux d’artifice, ultimo brano del secondo libro dei Préludes di C.Debussy. Come si vede a colpo d’occhio, soprattutto per gli ultimi quattro pezzi, un programma di intenso impegno tecnico-esecutivo, che richiede al solista notevoli capacità virtuosistiche. Diciamolo subito: Giulia Ventura ha confermato appieno le doti di brillante virtuosa che da lei si aspettavano gli ascoltatori , per la sua fama e per i pezzi in programma, ma questa sua abilità non si esaurisce nella pura esibizione esteriore fine a se stessa, ma sa dare voce a più profonde intenzioni espressive. Il tocco della pianista novarese aderisce alle sfumature timbriche e alla varietà dei registri dinamici della partitura con sensibilità di interprete, intesa a penetrare il mondo sonoro evocato dalla tastiera. Al netto di qualche episodica e lieve imprecisione, le sue esecuzioni sono state valide e convincenti. La fresca vitalità e il ritmo gioioso che pulsano quasi incessanti attraverso tutta la sonata beethoveniana op 31 n.3, insolitamente priva di un tempo lento, trovano adeguata espressione nell’interpretazione della Ventura, che giustamente, peraltro, accentua il lirismo cui è improntato il Minuetto, quasi come momentanea pausa di respiro, prima di riprendere quella sorta di corsa senza fine che culmina nel ‘Presto con fuoco’ finale, la parte tecnicamente più impegnativa di tutto il pezzo, suonata dall’interprete con vigorosa energia, cavando dal mezzacoda un volume di suono quasi orchestrale, come vuole il pianismo del Beethoven del c.d. ‘secondo stile’. Brava è la pianista novarese a condurre l’ascoltatore in quella sorta di romanticissimo ‘viaggio dell’anima’, di Wanderung di un’interiorità anelante all’infinito, che è la Vallèe d’Obermann lisztiana: come in tutta la musica di Liszt, qui, al posto dell’elaborazione tematica, centrale in Beethoven, subentra un diverso principio costruttivo del mondo musicale, quello della metamorfosi timbrica e coloristica di un tema-base, in questo caso il sobrio e delicato tema affidato nell’incipit alla mano sinistra. Giulia Ventura è brava a esplorare tutta la varietà di colori, di chiaroscuri, di ritmi e dinamiche di cui questa mirabile partitura fa sfoggio, con le sue libere avventure tonali e armoniche, senza mai cadere, anche nelle sezioni agogicamente più mosse del lungo pezzo, nella pura ostentazione di bravura. La Rapsodia n. 5 di Liszt, è un po’ un’eccezione tra i diciannove pezzi della raccolta, perché sviluppa solo la sezione lenta (lassan) della Csarda, la danza ungherese che fornisce lo schema base di queste composizioni. Giulia Ventura la suona con un tocco che ammorbidisce un poco la scura tessitura timbrica che domina il pezzo, quasi a volerne attenuare il senso di desolazione da cui è ispirata questa vera e propria marcia funebre. Se nella Rapsodia n.6 di Liszt la Ventura sfoggia al meglio le sue doti di agilità e virtuosismo, è a nostro avviso nei debussyani Feux d’artifice che la pianista novarese fornisce una delle sue migliori interpretazioni nel concerto odierno. E’, questo, un Debussy, che porta a conclusione la sua ricerca musicale, che fin dall’inizio, estremizzando le suggestioni lisztiane, fa del timbro l’esclusivo principio costruttivo del discorso musicale: ma qui non è più il Debussy delle vaporose volute sonore, dei delicati arabeschi, è un Debussy di cui l’interpretazione della Ventura mette giustamente in risalto la forza, la tensione con cui i timbri sono quasi strappati agli ottantotto tasti del pianoforte, ricorrendo a ogni virtuosismo, che mette a dura prova l’agilità della diteggiatura e in generale le capacità tecniche dell’interprete. Una prova che la Ventura supera alla grande, confermandosi pianista di ottimo livello. L’apprezzamento del pubblico convenuto nel delizioso ‘salotto’ del Club Viotti, espresso da un lungo applauso, ha ottenuto un bis; come ci ha informato la stessa Giulia dopo la conclusione del concerto, si è trattato di un pezzo di alquanto rara esecuzione: una delle c.d. “Opere postume” di R. Schumann, cioè uno dei cinque pezzi originariamente composti per gli Studi sinfonici op.13, poi scartati e lasciati nel cassetto, per essere pubblicati, appunto postumi, molti anni dopo, da Brahms. Un’esecuzione decisamente bella, pienamente aderente al mutevole fluire, ricco di sfumature, del suono di un pezzo, che, sotto il profilo formale, è una variazione su un tema. Un bel pomeriggio di musica, meritevole di essere ricordato. (Foto dall'Uff.Stampa di Vercelli).