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LUGLIO 2022

Prossimamente il 4° Festival Beethoven a Villa Durio di Varallo organizzato da M.G. Bianchi

Il 29, il 30 e il 31 luglio 2022 si terra il 4° Festival Beethoven per Musica a Villa Durio. Il Festival organizzato da Massimo Giuseppe Bianchi a Varallo Sesia è oramai una rassegna consolidata e prestigiosa che prevede quest'anno la presenza di importanti solisti quali Emma Rizza al violino, Matteo Rocchi alla viola, Caterina Isaia al violoncello e, naturalmente, Massimo Giuseppe Bianchi al pianoforte. I concerti prevedono  la presenza numericamente maggiore di musiche di Beethoven, ma anche di musicisti quali Dotzauer, Sostakovich, Brahms e Debussy. I tre concerti avranno luogo nel cortile del Palazzo dei Musei di Varallo ad un costo di 5 euro. Un Festival assolutamente da non perdere!

25 luglio 2022 C.G.

Presentato al MaMu il Cd lisztiano di Eliana Grasso

Presentato al MaMu- Magazzino Musica di via Soave 3 a Milano il Cd di Eliana Grasso "Liszt Piano trascriptions". Il musicista e docente Andrea Massimo Grassi ha introdotto il tardo pomeriggio musicale parlando in modo esaustivo delle tascrizioni di brani orchestrali o cameristici operate dai grandi musicisti nel corso della storia, per arrivare infine a Franz Liszt, probabilmente il più grande trascrittore e rielaboratore esistito. Quindi Eliana Grasso ha presentato ed ha esguito con grande espressività e perfezione tecnica quattro tra i lavori che compongono il valido Cd recentemente uscito per Velut Luna e precisamente: di Verdi-Liszt la Danza sacra e il duetto finale da Aida, di Chopin-Liszt Frühling ( dai Sei canti polacchi), di Schubert-Liszt Serenade ed infine di Liszt Mephisto Waltz n.1 a sua volta trascrizione pianistica dall'originale brano orchestrale. Un brindisi tra gli intervenuti e la bravissima interprete ha concluso il bellissimo incontro.

9 luglio 2022 C.G.

AfteRite e Lore, due balletti di Wayne McGregor al Teatro alla Scala

Musica splendida quella di Igor Stravinskij per i due balletti di Wayne McGregor in scena in questi giorni al Teatro alla Scala. Le bellissime coreografie che il regista e coreografo britannico ha recentemente realizzato sono AfteRite e Lore. Il primo per la prima volta in scena in Italia, dopo le rappresentazioni del Metropolitan di New York del 2018; il secondo, in prima assoluta mondiale, è una nuova produzione scaligera. Due lavori differenti, che trovano nelle timbriche dei capolavori stravinskiani quali Sacre du printemps e Les noces un punto d'unione. Il Sacre venne composto nel 1913 e Les noces nel 1923. Hanno in comune le ostinate poliritmie pagane, sapientemente dosate dal grande musicista russo per realizzare una varietà di timbriche divenute celebri soprattutto nel primo lavoro orchestrale. Nel secondo brano, quello più raramente eseguito ma di incredibile resa musicale, la formazione strumentale cameristico-corale prevedeva la presenza di ben quattro pianoforti, con altrettanti pianisti quali Davide Cabassi, Giorgio Martano, Andrea Rebaudengo e Marcello Spaccarotella. Il Coro preparato splendidamente da Alberto Malazzi, ha trovato anche quattro incisivi timbri solistici nelle voci del soprano Karine Babajanyan, del mezzosoprano Olga Savova, del tenore Vasili Efimov e del basso Alexei Botnarciuk, ai quali si aggiunge anche Alberto Rota, basso profondo del Coro. Il grande coreografo ha realizzato un' altrettanta varietà d'interventi particolarmente efficaci per il corpo di ballo, con parti solistiche, di coppia e di gruppo in entrambe le coreografie. La direzione musicale eccellente di Koen Kessels, alla testa dell'Orchestra del Teatro alla Scala per AfteRite e dell'ampio gruppo strumentale e corale per Lore, è stata in perfetta sinergia con la splendida componente coreografica. In AfteRite il ritorno di Alessandra Ferri quale personaggio centrale del numeroso corpo di ballo è stato eccellente sotto ogni profilo, apprezzato al termine dal pubblico con applausi particolarmente fragorosi. La riuscita coreografica di entrambi i lavori ha trovato il fondamentale supporto delle scene e dei costumi di Viki Mortimet, nelle perfette illuminazioni di Lucy Carte per AfteRite e di Jon Clark per Lore. Nel secondo lavoro sono risultate importantissime la realizzazioni grafica e di Film design di Ravi Deepres per una varietà di effetti perfettamente integrati e di raffinata resa visiva. Ricordiamo almeno qualche nome degli ottimi solisti che hanno portato al successo le rappresentazioni già effettuate tra cui la sesta, da me vista. Oltre la straordinaria Alessandra Ferri, Marco Agostino, Martina Arduino, Caterina Bianchi, Nicola Del Freo, Christian Fagetti, Maria Celeste Losa, Valerio Lunadei, Mattia Semperboni, Gioacchino Starace, Virna Toppi, Navrin Turnbull, Rinaldo Venuti in AfteRite e Timofej Andrijashenko, Claudio Coviello, Agnese Di Clemente, Domenico Di Cristo, Nicoletta Manni, Alice Marianiin Lore. Questa sera settima ed ultima messinscena. Da non perdere! Dal 9 al 16 luglio ritorna Giselle. (Foto di Brescia e Amisano dall'Archivio Scaligero).

7 luglio 2022 Cesare Guzzardella

Pianotime in Conservatorio

L'ottima iniziativa denominata Pianotime, pensata dai docenti di pianoforte del Conservatorio "G. Verdi" di Milano, ha trovato riscontro nel successo della splendida serata svoltasi ieri sera nel chiostro del Conservatorio. Sette giovani pianisti, tra i migliori dell'importante Istituzione musicale italiana, hanno offerto un saggio delle loro qualità interpretative, offrendo al numerosissimo pubblico intervenuto alcuni brani di un vasto repertorio che spaziava da Beethoven sino a Prokofiev e Gershwin. In ordine di salita sul palcoscenico abbiamo ascoltato: Elisabetta Galindo Pacheco, Margherita Righetti, Andrea Canino, Edoardo Braga, Giorgio Paolo Nicita, Sonia Candellone e Virgilio Volante. Tutti bravissimi! Da segnalare comunque alcuni brani particolarmente convincenti, a mio parere, ad iniziare dai tre Intermezzi op.18 di Brahms (n.1-2-4) interpretati con sicurezza ed equilibrio dalla Galindo Pacheco, alla rara Ballade di Claude Debussy eseguita con disinvoltura dalla Righetti; di ottima resa espressiva l'Allegro in si minore op.8 di Schumann eseguito dal giovanissimo Andrea Canino dopo un buon Liszt ( Un sospiro). Tra gli ultimi saliti sul palcoscenico eccellente la resa disinvolta ed espressiva di Sonia Candellone nei virtuosistici Sarcasmes op.17 di Prokofiev e di valida estroversione ed equilibrio formale la conclusiva Rhapsody in blue di George Gershwin interpretata da Volante. Ottima dunque la serata, che troverà una cadenza bimensile di altri saggi pianistici nella Sala delle conferenze della biblioteca del medesimo Conservatorio.

6 luglio 2022 Cesare Guzzardella

Arcadi Volodos al Teatro alla Scala per la rassegna "I Grandi Pianisti"

Doveva esserci Daniel Trifonov alla Scala. All'ultimo minuto non potendo venire, è stato rimpiazzato da un altro grande del concertismo mondiale. Il russo Arcadi Voldolos, venuto in febbraio in Conservatorio, ha pensato bene di rifare il medesimo concerto, con solo alcuni dei cinque bis differenti. Certamente le qualità espresse sono state ancora di altissimo livello ed hanno reso pienamente soddisfatto il pubblico presente in teatro. Rimane il fatto di aver mantenuto lo stesso impaginato, cosa assai diffusa tra molti fuoriclasse del pianismo mondiale, che girano per un anno le sale concertistiche con il medesimo programma. A parte questo, dobbiamo ribadire il giudizio espresso in febbraio ascoltando prima Schubert con la corposa Sonata in re maggiore D 850 , un lavoro scritto in età matura dal viennese, precisamente nel 1825. La classicità della sonata si articola in quattro movimenti ricalcando il sonatismo beethoveniano, ma introducendo una varietà melodica tipica solo del viennese. Volodos si è rivelato anche ieri sera un eccellente interprete schubertiano, capace di una straordinaria discorsività mediata da un peso delle dinamiche espresse in modo esemplare. Passando da una leggerezza quasi impercettibile dei pianissimo, sino alle robuste esternazioni dei momenti più concitati. La chiarezza espressiva si è rivelata con timbriche forse ancor più scavate e di luminosa resa espressiva. Dopo il breve intervallo il tutto Schumann riproposto evidenziava prima le Kinderszenen op.15 e poi la Fantasia in do maggiore op.17. Questa volta, distanziando le due opere da applausi e da una fugace uscita dal palcoscenico, - cosa che in Sala Verdi non era avvenuta avendo eseguito le due opere senza interruzione- Volodos ha espresso ancor più profondità espressiva nella celebre raccolta dei tredici brevi brani dedicati ai giovanissimi, con alcune vette di esemplare resa interpretativa. Ha poi ridefinito con grande maestria i tre grandi movimenti che compongono la Fantasia in do maggiore op.17, resa con virtuosismo mediato da grande capacità riflessiva ed estemporanea resa discorsiva. Momento di grande pianismo quella dei cinque bis, ancora una volta concessi. Partendo dal noto Vogel als Prophet dall'op.82 di Schumann arrivando a Liadov col Preludio op.40 n.3 in re minore, a Scriabin con il Poéme op.71 n.2 e a conclusione il Mompou della Musica Callada dal vol.4, Lento. Interpretazioni memorabili. Applausi intensi in un teatro con purtroppo molti posti liberi.

4 luglio 2022 Cesare Guzzardella

GIUGNO 2022

Finalmente un nuovo Rigoletto alla Scala

La seconda rappresentazione di Rigoletto, per la regia di Mario Martone e la direzione di Michele Gamba, ha trovato a conclusione della serata meritati e sostenuti applausi. Certo, il bravissimo regista napoletano, attualmente anche sullo schermo dei cinema con l'ottimo film Nostalgia, interpretato dallo straordinario Pierfrancesco Favino, non c'era sul palcoscenico per il finale. Ma gli altri, con lo straordinario cast vocale si, e gli applausi convinti per tutti si sono fatti sentire a lungo. Il Teatro alla Scala era al completo con un pubblico quasi completamente senza mascherina. Dopo quasi trent'anni dall'ultimo Rigoletto scaligero, rappresentato con successo moltissime volte, questo cambiamento, con una nuova produzione scaligera, ci voleva. Un cambiamento in senso moderno, per quanto riguarda regia e scenografie, con quelle ottime di Margherita Palli. La valida direzione di Michele Gamba ci è sembrata spesso legata al ritmo imposto dalla regia nei momenti più concitati, con un'energia musicale straripante di timbriche, ma con un ritorno ai "normali" andamenti nel sottolineare con rispetto e qualità la miriade di arie meravigliose presenti in Rigoletto. Comunque una lettura, quella del direttore quasi quarantenne, complessivamente di spessore. Le scene rotanti su più livelli, con arredi ricchi e poveri, secondo una divisione di classe molto marcata, così voluta da Martone, ci è piaciuta assai, soprattutto quella moderna ambientazione dei "ricchi". L'eccessivo contrasto di classe ha fatto già molto discutere, e non vorrei soffermarmi troppo su motivazioni politiche in un contesto musicale dove il geniale lavoro di Verdi, reso in modo straordinario dal cast vocale, risulta essere pienamente dominante e sovrastante. Voci di eccellente qualità quindi quelle del mongolo Amartuvshin Enkhbat, un Rigoletto limpido, voluminoso ed intensamente espressivo; della statunitense Nadine Sierra, una Gilda con splendida timbrica, intensa e voluminosa in tutti i registri, voce, insieme a quella di Rigoletto, più applaudita. Di ottima qualità le altre. Bellissimi i colori di Piero Pretti, un Duca di Mantova scintillante nei colori e di ottima presenza scenica; ottima anche Marina Viotti in Maddalena, con timbro sicuro e determinato nel suo non facile ruolo. Di grande caratura lo Sparafucile di Gianluca Buratto, con timbro chiarissimo, voluminoso e pastoso. Di rilievo tutti gli altri. Le scene ben articolate, hanno trovato molto bravi attorialmente tutti i protagonisti e i comprimari, in una regia molto attenta ad ogni movimento per una positiva ed esplicativa presenza scenica. Bene i costumi di Ursula Patzak, le luci di Pasquale Mari e la componente coreografica di Daniela Schiavone. I pochi secondi finali contestati alla Prima rappresentazione, e di cui hanno molto parlato i giornali, con quella insurrezione dei subordinati alla ricca e superficiale borghesia, che si conclude con la strage dei "cattivi", paragonata da molti al finale del bellissimo Parasite, film del regista sud-coreano Bong Joon-ho, è ben poca cosa rispetto al finale cinematografico. Una conclusione politica a mio avviso non troppo adeguata all'arte verdiana. Per il resto tutto di ottima qualità, anche la parte corale preparata benissimo da Alberto Malazzi. Da non perdere le prossime rappresentazioni previste per il 27 e il 30 giugno e il 2, il 5, l' 8 e 11 luglio ( Foto di Marco Brescia e Rudy Amisano dall'Archivio del Teatro alla Scala)

24 giugno 2022 Cesare Guzzardella

Festa della musica all'Università Cattolica milanese

Una serata di rilevante interesse musicale e culturale quello offerto ieri sera nell'Aula Magna dell'Università Cattolica di Milano. Una Festa della Musica che ha voluto concludere l'anno accademico proponendo un impaginato musicale in omaggio al compositore inglese Ralph Vaughan Williams per i 150 anni dalla nascita, anniversario ricordato dal prof. Enrico Reggiani, docente di letteratura inglese e responsabile dello Studium Musicale d'Ateneo dell'università. Sottolineando l'importanza della musica inglese, un po' dimenticata in Italia, Reggiani insieme a Martino Tosi, coordinatore delle attività musicali, ha motivato la scelta dell'interessante impaginato che con ottime esecuzioni ha rivelato le qualità degli studenti impegnati da anni nella musica, sia come strumentisti che nel Coro polifonico. Tra i brani eseguiti, la maggior parte hanno trovato l'ottima direzione di Mariateresa Amenduni. Il celebre The Lark Ascending, di Ralpf Vaughan Williams, interpretato benissimo dalla compagine orchestrale e dalla violinista solista Anna Pederielli, era inserito nell'impaginato tra brani di Thomas Tallis, di Joseph Bodin de Boismortier, di Georg Philipp Telemann, di John Rutter, ma anche di Mozart con il celebre Soave sia il vento, terzettino da Così fan tutte, eseguito con espressività dalle tre voci soliste nell' ottimo contesto strumentale e corale. A conclusione, il celebre Pomp and circumstance op. 39 n.1 di Edward Elgar è stato reso con efficace espressività dall'Orchestra e dal Coro sempre nella precisa e dettagliata direzione della Amenduni. Tra i brani eseguiti segnaliamo anche quello di Stravinskij con il Pater Noster interpretato con estremo equilibrio vocale e nitore dal Coro a cappella e tra quelli di John Rutter, noto compositore britannico, soprattutto tra gli ambienti universitari, The Lord is my shepherd, brano di grande resa strumentale e vocale. Applausi calorosi dal numerosissimo pubblico che gremiva la bellissima aula magna ed eccellente il bis proposto con un Gaudeamus Igitur, inno universitario internazionale, eseguito splendidamente.

22 giugno 2022 Cesare Guzzardella

Il film di Damiano Michieletto "Gianni Schicchi" agli Amici del Loggione di Milano

L'ultimo incontro della rassegna Lieti Calici organizzata da Mario Marcarini agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala, prevedeva la visione del bellissimo film Gianni Schicchi di Damiano Michieletto, dalla nota e divertente opera di Giacomo Puccini. Il lavoro è di particolare interesse perchè unisce alle musiche pucciniane eseguite ottimamente dall' Orchestra del Teatro Comunale di Bologna diretta da Stefano Montanari, le ottime voci dei protagonisti cantate in presa diretta durante la realizzazione, come spiegato dagli ospiti intervenuti: Damiano Michieletto- da remoto- , Roberto Frontali (Gianni Schicchi) , e Bruno Taddia (Betto) Ma è soprattutto l'eccellente resa cinematografica, studiata nei dettaglie e con ottima personalizzazione dal regista Michieletto, che il Gianni Schicchi cinematografico trova una valida ragione di realizzazione. La vicenda, tradotta dalle splendide sequenze girate sia in interni che in esterni, e riunite con un eccellente montaggio, risulta facilmente comprensibile anche da chi non è abituato a frequentare i teatri lirici. Un film quindi che da maggiore possibilità di conoscenza del genio pucciniano. Michieletto, oltre ad aver parlato dell'esperienza fatta, ha anticipato una probabile possibilità per un'ulteriore realizzazione lirica attraverso il cinema. I due cantanti-attori presenti nella sala gremita di partecipanti, hanno poi raccontato nei dettagli l'esperienza svolta evidenziando il lavoro intenso nelle settimane di ripresa, riprese svolte davanti a decine di lavoranti che con impegno e dedizione, insieme a tutti i protagonisti sono arrivati alla valida realizzazione. Un pranzo finale, con ottimi vini, ha concluso la splendida giornata domenicale degli Amici del Loggione di via Silvio Pellico. Ad ottobre incomincierà una nuova serie d'incontri e di concerti. Siete tutti invitati!

20 giugno 2022 C.G.

Enrico Rava e Francesco Grillo ai Bagni Misteriosi

Alla sera diventa un luogo magico quello denominato  Bagni Misteriosi, spazio milanese localizzato di fianco al Teatro Parenti. Di giorno le piscine accolgono i bagnanti. La sera gli spettacoli, musicali e teatrali, portano il pubblico a riempire le gradinate e l'ampia pedana galleggiante posta sulla piscina maggiore. Ieri, in una calda giornata, fortunatamente seguita da una fresca aria arrivata al calare della luce, il Duo Jazz formato dal celebre trombettista ottantaduenne Enrico Rava e dal più giovane pianista Francesco Grillo - musicista impegnato non solo nel jazz ma anche nel repertorio classico-, ha sostenuto un valido concerto eseguendo brani soprattutto di Rava ma anche di Jobim, di Bruno Martino e standards jazz di altri compositori. L'ottima intesa dei due protagonisti ha permesso di delineare un impaginato con una decina di lavori che hanno evidenziato il timbro caldo ed espressivo della tromba di Rava e le abilità jazzistiche di Grillo, pianista sostenuto da una tecnica classica liberata in una forma improvvisata tipica del migliore jazz. L'efficace resa stilistica di entrambi i musicisti ha ben delineato la componente melodica assai interiorizzata e ricca di profonda espressività di Rava, e le articolate armonizzazioni di Grillo, espresse con una ritmica incisiva ben delineata. Tra i brani eseguiti ricordiamo almeno Certi angoli segreti, Thank You Come Again e Bandoleros di Rava, Retrato em branco e preto di Jobim e la celebre Estate di Bruno Martino. Il 21 giugno i Bagni Misteriosi vedranno la presenza di Paolo Fresu, Petra Magoni e I Virtuosi di Roma diretti da Paolo Silvestri per una festa della musica con brani dal classico al pop, da Bach a David Bowie. Da non perdere.

17 giugno 2022 Cesare Guzzardella

La Gioconda di Ponchielli al Teatro alla Scala

È un opera di grande teatralità La Gioconda di Ponchielli, allestita in questi giorni al Teatro alla Scala per la regia di Davide Livermore, regista abituato alla grandiosità delle messinscene teatrali, qui coadiuvato dalle diversificate scenografie Giò Forma, dai costumi di Mariana Fracasso, dalle luci di Antonio Castro, dai video D-Wok e dalla coreografia di Frédéric Olivieri. Un insieme di collaboratori ritrovati anche in altre opere, che fanno della grandiosità elemento essenziale e che in questa Gioconda, su libretto di Arrigo Boito, trova nelle ampie e luminose scenografie veneziane - rese sia fisicamente che con valide proiezioni- elementi ispiratori. È un'opera certamente complessa quella del compositore cremonese: quattro atti, con gli ultimi due espressi insieme e separati solo da pochi minuti di sosta. Mancava dal Teatro alla Scala da venticinque anni l'opera che rimane essere l'unica del compositore eseguita in tutti i teatri lirici e che è riconosciuta dal grande pubblico grazie alla celebre Danza delle ore, momento musicale molto atteso sul palco scaligero ed espresso con creatività dagli allievi della scuola di ballo della Scala preparati benissimo da Frédéric Olivieri. Nella rappresentazione vista, la terza, l'impressione complessiva di questa lunga serata, al netto dei due non brevi intervalli, è positiva ma non entusiasmante. Probabilmente la causa è nella complessità di una vicenda a volte dispersiva, che vuole accontentare tutti i numerosi protagonisti presenti e comunque ben rappresentati dal valido cast vocale. Almeno sei le voci importanti, unite poi all'eccellente Coro della Scala di Alberto Malazzi e all'ottimo Coro di voci bianche preparato da Bruno Casoni. Certamente le varie e molto interessanti musiche di Ponchielli, tra Romanticismo e Verismo, sono state ben dirette da Frédéric Chaslin, che è riuscito anche a mettere in risalto le voci soliste e gli importanti momenti corali. Nella terza replica vista, la Gioconda era nella voce di Irina Churilova, voce dal timbro chiaro e potente nei registri alti, forse la più apprezzata, al termine della rappresentazione, dal pubblico che gremiva il teatro. La voce della Churilova ha trovato antagonista quella di Daniela Barcellona, una Laura Adorno di qualità anche attoriali, con timbro ottimamente impostato in tutti i registri. Di spessore il timbro chiaro e deciso di Erwin Schrott, un Alvise Badoèro freddamente determinato e risoluto nel mettere alla condanna mortale la moglie Laura. Certamente di qualità Anna Maria Chiuri, La cieca, una presenza scenica importante, con ottimo timbro in tutti i registri. Sicuro e deciso il timbro di Roberto Frontali, un Barnaba chiaro ed intensamente espressivo. Valido anche Stefano Colla, un ottimo Enzo Grimaldo valido in tutti i registri. Bravi tutti gli altri. Applausi sostenuti al termine con qualche spettatore uscito prima del termine per la lunghezza di un'opera che meritava una probabilmente impossibile ma necessaria, sintesi. Da vedere. Prossime repliche previste per il 18, il 21 e il 25 giugno. (  foto di Brescia e Amisano dall'Archivio della Scala)

15 giugno 2022 Cesare Guzzardella

GIUGNO 2022

Ingrid Carbone ai "Lieti Calici" di via Silvio Pellico a Milano

Per la fortunata rassegna musicale "Lieti Calici", organizzata da Mario Marcarini, l'ospite pomeridiano dell'incontro organizzato agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala di via Silvio Pellico 6 a Milano era la pianista calabrese Ingrid Carbone. Abbiamo recentemente parlato sul nostro giornale delle sue apprezzate incisioni discografiche riguardanti soprattutto, ma non solo, Franz Lizst. Questo incontro-concerto, presentato da Marcarini di fronte ad un numerosissimo pubblico, riguardava tutt'altro. Il napoletano Ruggiero Leoncavallo, noto operista per pochi titoli - tra cui il celeberrimo Pagliacci- , pur avendo composto oltre quaranta opere, è stato un eccellente pianista ed anche autore di parecchi brani pianistici. Tranne che per pochissimi numeri, quasi tutte le composizioni sono andate nel dimenticatoio. Ingrid Carbone ha il merito di avere ricercato decine di brani del compositore e di aver realizzato un doppio Cd che uscirà prossimamente con ben trentasei brani. Ieri ne ha selezionati sette, prima parlandone e poi eseguendoli con coinvolgente espressività al pianoforte. I brani di Leoncavallo, tutti particolarmente melodici, hanno rivelato influenze legate ai molteplici luoghi dove il musicista visse per alcuni anni, dall'Egitto alla Spagna, dalla Francia agli Stati Uniti. La Carbone ha proposto Gondola, Chanson d'amour, Granadinas, Menuette d'Arlequine, Cortège de Pulcinella, Primo bacio e Tarantella, con una musicalità molto italiana assai apprezzata dal pubblico che ha tributato, al termine, intensi e calorosi applausi. Molto bello il fuori programma concesso dalla Carbone col virtuosistico O Polichinelo di Villa Lobos. A conclusione il classico ottimo brindisi e deliziosi piattì con prodotti tipici.

12 giugno 2022 Cesare Guzzardella

Giovanni Sollima e la PFM al Teatro Dal Verme con l'Orchestra de I Pomeriggi

La rassegna "Panorami sonori" iniziata al Teatro Dal Verme con l'Orchestra de "I Pomeriggi musicali" ha trovato il violoncellista-compositore Giovanni Sollima anche direttore dell'orchestra. Nella prima parte della serata, l'impaginato scelto prevedeva tre brani dello stesso Sollima quali, Terra con variazioni, Aquilarco n.2 e n.3, tutti per violoncello e orchestra, intervallati da due brevi ma efficaci brani di Henry Purcell ( 1659- 1695), precisamente The Cold Song e Strike The Viol. Già in passato abbiamo rimarcato le qualità dei lavori del musicista palermitano, improntati ad una musicalità ricca di sottili melodie derivanti dalle culture popolari più antiche e da una rilevante componente mediterranea, con evidenti influssi dei territori asiatici e nord-africani. L'ottima coordinazione di Sollima violoncellista, con la contemporanea direzione orchestrale, ha portato a valide escuzioni dei tre lavori rispettivamente del 2015 il primo, e del 1998. Di raffinata qualità i due brani secenteschi dell'inglese Purcell, il primo di maggiore impatto melodico e il secondo di ampia valenza ritmica con importante rapporto dialettico tra il solista e gli efficacissimi archi. La seconda parte della serata, molto apprezzata dal numerosissimo pubblico presente, ha trovato ospiti di Sollima e dell'Orchestra il noto gruppo di rock progressivo della PFM - Premiata Forneria Marconi-, formazione che trovò grande successo in Italia, e in parte anche all'estero, soprattutto negli anni '70 e '80. Ricordo con piacere di aver assistito nel 1972 al cinema-teatro Massimo - divenuto poi il frequentatissimo Auditorium - ad un loro concerto con brani tratti dal 33 giri Storia di un minuto, grande successo discografico di quei magici anni. La scelta operata dal gruppo e da Sollima di proporre una serie di brani tratti da Verdi (Nabucco ecc.), Prokofiev (Romeo e Giulietta), Rossini (Guglielmo Tell) e anche della stessa PFM, con il noto brano È festa ( Celebration nella versione inglese), in una specie di suite unitaria di circa 40 minuti, pur con discutibile resa acustica, ha riscosso uno straordinario successo. Purtroppo il contrasto tra i suoni naturali dell'orchestra e l'imponente amplificazioni di batteria, tastiere, basso e violino elettrico, ha creato una miscela di timbriche imprecise, troppo roboanti, con un effetto - passatemi il termine- da "balera". Le sicure qualità di musicisti come Franz Di Cioccio alla batteria, Patrick Djivas al basso, Lucio Fabbri al violino, dell'antica formazione, e degli altri ottimi esponenti, sono parzialmente emerse. Rimane comunque l'apprezzamento del pubblico, con i moltissimi giovani presenti, motivati dalla presenza dei validi protagonisti trainati dall' indiscutibile talento di Giovanni Sollima. Giovedì prossimo, per questa rassegna, ci sarà il pianista Alessandro Taverna e il direttore Ryan McAdams in musiche di Gershwin. Da non perdere!

10 giugno 2022 Cesare Guzzardella

Fazil Say per la Società dei Concerti

Il pianista turco Fazil Say è finalmente ritornato in Sala Verdi in Conservatorio per la Fondazione La Società dei Concerti, recuperando una serata che avrebbe dovuto svolgersi nel mese di marzo. Da anni ascoltiamo Say nel repertorio classico e anche nel suo, essendo un affermato compositore. Le due attività, quella d'interprete e quella di compositore, sono legate da una personale visione della musica che rendono l'artista certamente unico per modi interpretativi e compositivi. Molto conosciuto nella sua terra d'origine, Say ha acquisito notorietà in Italia e in Europa grazie anche ad alcune pecurialità stilistiche e gestuali che hanno dato a lui un apprezzamento interessante di musicista 'trasversale", aperto al jazz e alle melodie tonali ricche di innovazioni timbriche. Generalmente anche un pubblico più giovane del consueto segue i suoi concerti, come del resto accade per un altro interprete e compositore quale l'italiano Giovanni Sollima. I due, attraverso due strumenti diversi, il violoncello per il musicista siciliano, hanno in comune un modo molto mediterraneo d'intendere la musica e un medesimo approccio "creativo" nell'eseguire la musica classica. Nel bellissimo concerto, ascoltato ieri, due lavori sono stati eseguiti senza intervallo, ed hanno trovato grande successo al termine delle rispettive esecuzioni. Le celebri Variazioni Goldberg di J.S Bach hanno occupato la parte più cospicua della serata, mentre il recente brano di Say, Yeni hayat - Nuova vita (2021), la parte conclusiva. Le ottime Goldberg di Say hanno avuto una restituzione decisamente personale e di ricca esternazione, sino dalla celebre Aria iniziale - ripetuta a conclusione - eseguita con luminosa introspezione. Le trenta Variazioni erano giocate su una varietà di contrasti molto efficaci, dove le timbriche, all'occorrenza accentuate e accellerate, oppure distese e riflessive, con infinite gradazioni dinamiche, hanno dato vita ad un lavoro dove il carattere "improvvisatorio", di chi però ha completamente interiorizzato il materiale, risulta evidente. Le poche imprecisioni, in alcune ultime variazioni, non hanno certo influito sulla qualità interpretativa complessiva sempre di alto livello. La componente gestuale, elemento centrale nelle sue composizioni, trova anche una valida importanza nei brani classici, e anche in questo valido Bach. Say tende ad eseguire l'evento sonoro "vedendolo" spazialmente e sottolineando le frasi con gesti, apparentemete scomposti, ma invece perfettamente funzionali alla resa esecutiva. Dopo le ottime Goldberg, la sua recente Sonata per pianoforte op.99 "Yeni hayat" -poco più di dieci minuti la sua durata- ha ritrovato il suo tipico personale stile compositivo e la sua lucida sintesi discorsiva, inserità in un'unità espressiva di eccellente qualità. Gli effetti sonori iniziale sulle corde, nella cassa di risonanza e altri artifizi sono tipici in Say. Il brano, ricco di suggestioni coloristiche, utilizza tutta l'estensione della tastiera, in un contesto di riverbero sonoro che da spazialità e orchestralità al lavoro. La gestualità dell'interprete integra perfettamente il risultato sonoro in una performance che comunque deve essere anche osservata per meglio intenderne la valenza artistica complessiva. Applausi sostenuti al termine del brano, con molto pubblico entusiasta in piedi e come bis, ancora un suo brano dal carattere più melodico, con il suo gusto tipico "alla francese".

9 giugno 2022 Cesare Guzzardella

Il ritorno in Scala di Riccardo Chailly per le Sinfonie e i Cori verdiani

Il ritorno di Riccardo Chailly al Teatro alla Scala, dopo la breve pausa, per le ragioni di salute che non gli hanno permesso il podio per l'opera Un ballo in maschera, è stato accolto con entusiasmo dal numerosissimo pubblico intervenuto alla Stagione Sinfonica per ascoltare l'Orchestra e il Coro del Teatro alla Scala in musiche verdiane. Il programma, ricco di brani tratti dalle maggiori opere del musicista di Roncole, prevedeva Sinfonie, Cori, Ballabili e Preludi riferiti a ben nove opere quali Nabucco, I Lombardi alla prima crociata, Ernani, Don Carlo, Macbeth, Trovatore, La forza del destino, Aida e Simon Boccanegra, quest'ultimo proposto nel bis. Nella prima replica, ascoltata ieri sera, l'effetto scenico della grande Orchestra del Teatro alla Scale e dell'imponente Coro scaligero, preparato e coordinato magistralmente da Alberto Malazzi, era proporzionato all'impetuosa e pregnante musica del grande operista, che nella complessiva esternazione dei diciotto momenti sinfonico-corali, ha reso evidente il suo caratteristico e unico linguaggio melodico, votato anche alla grande musica orchestrale e corale. Alternando il maggior numero di celebri brani a pochi altri meno popolari, si è iniziato dalla Sinfonia, Gli arredi festivi e il Va', pensiero del Nabucco per arrivare alle pagine conclusive col Gloria all'Egitto e Iside dell'Aida. Un arco di tempo di oltre quarant'anni di composizioni che hanno evidenziato il genio verdiano e l'attitudine verdiana esternata con passione ed abilità dal direttore milanese, per una resa orchestrale e corale di altissimo livello, nelle quasi due ore di musica complessiva interpretata con rigore e taglio netto e preciso. Ricordiamo, come annunciato anche dal direttore, che le serate saranno registrate da Decca che le pubblicherà in disco nel 2023, in vista dei 210 anni dalla nascita del grande compositore. Mercoledì, 8 giugno, seconda e ultima replica di una serata assolutamente da non perdere. (foto di Brescia e Amisano a cura del Teatro alla Scala)

7 giugno 2022 Cesare Guzzardella

Un filo d'Arianna  per un flauto tutto al femminile

L'iniziativa musicale proposta questa mattina nella Sala Puccini del Conservatorio milanese è meritoria per più ragioni. Quella principale è l'aver proposto brani di compositrici viventi e del passato, in un arco temporale compreso tra il '700 e i giorni nostri. La seconda è quella di aver scelto il flauto, in tutte le sue tipologie, come strumento di riferimento per i brani scelti, oltrettutto nelle mani di valide giovani flautiste del Conservatorio milanese che hanno rivelato l'alto livello di qualità musicale dell'importante Istituzione milanese ed italiana. Il progetto, a cura di Rosalba Montrucchio, docente di flauto in Conservatorio, prevedeva brani di 1O compositrici eseguiti partendo dalle più giovani d'età, per arrivare, andando indietro nel tempo, sino ad Anna Bon (1740-1767). In ordine di esecuzione esattamente: Sonia Bo (1960) e Beatrice Campodonico (1958) docenti di composizione del Conservatorio G.Verdi, Sofia Gubaidulina (1931), certamente la più nota compositrice russa vivente e probabilmente la maggiore al mondo, Eugenie Rocherolle (1939) americana e nota in ambito cinematografico, quindi le non viventi Germaine Tailleferre (1892-1983), la meno eseguita del francese Gruppo dei sei, Mal Bonis ( 1858-1937), Lili Boulanger (1893-1918), celebre didatta, Marie F.C.Grandval (1830-1918), Maria Theresia von Paradis (1759-1824), e Anna Bon (1740-1767). A conclusione è stato aggiunto un brano per flauto ed arpa ancora della Grandval, Valse mélanconique. Le ottime flautiste nei nomi di Cecilia Omini, Arianna Quaggetto, Alice Maria Pratolongo, Emma Francesca Ferrari, Linda Facchinetti, Zang Xiqimo, Ilgaz Duman, Marina Zenobi, Elisabetta Albert e , unico esponente maschile, Francesco Paoletti - nella splendida Sonata per cembalo e flauto traversiere di Anna Bon (con Samantha Bertuccio)- , hanno interpretato uno o più brani spesso accompagnate da ottimi pianisti quali: Paolo Ehrenheim, Francesco Elgorni, Gabriele Duranti e Naomi Tistarelli. Ottimi tutti i brani ascoltati, a dimostrazione di come un certo reportorio al femminile ancora nascosto debba essere assolutamente rivalutato. Interessante poi l'accostamento con le grafiche e i dipinti proiettati - sempre di artiste al femminile- durante le esecuzioni. Immagini scelte con intelligenza, per gli accostamenti alla musica, da Chiara Macor dall'Accademia d'arte di Napoli, coadiuvata dalla Graphic Designer Giada Fadoni. Tra i brani segnaliamo quelli contemporanei di Sonia Bo con Pax per flauto eseguito con maestria dalla Omini, ottimo lavoro che mette in risalto le infinite potenzialità del flauto traverso in un continuo sonoro dove i forti contrasti espressivi e le differenti timbriche vengono esaltate dall'eccellente scrittura campositiva. Valido anche il brano Variazioni all'infinito di Beatrice Campodonico, eseguito bene da Arianna Quaggetto. Lavoro dove tre diversi flauti, il traverso con il flauto basso e l'ottavino, si alternano in posizioni spaziali differenti per una ricca resa espressiva. Eccellenti poi i due brani della Gabaidulina con Alice Pretolongo al flauto (al pianoforte prima Ehrenheim, poi Elgorni) per Sounds of the Forest e Allegro rustico, quest'ultimo molto debitore degli insegnamenti di Prokofiev e Šostakoviç. Decisamente piacevole la cordiale e scorrevole Sonata n.1 di Eugenie Rocherolle con E.Ferrarri al flauto e Ehrenheim al pianoforte. Oltre alla già citata raffinata Sonata op.1 n.4 di Anna Bon eseguita benissimo da Francesco Paoletti, segnaliamo l'ultimo lavoro della Grandval, Valse mélanconique per flauto e arpa con i bravissimi Alice Maria Pratolongo al flauto e Xochiti Derycz all'arpa. Valide tutte le altre composizioni con i relativi interpreti. Splendida mattina di musica! Sabato 11 giugno, alle ore 17.30, seconda parte con Voce di donna, brani al femminile per canto e pianoforte.

5 giugno 2022 Cesare Guzzardella

L'Eurydice di Dmitri Kourliandski per il Festival Milano Musica

Un giusto equilibrio tra musica e teatro è lo spettacolo visto in una delle sale del Teatro Elfo-Puccini per il Festival Milano Musica. Le particolari timbriche del russo Dmitri Kurliandski hanno evidenziato la pièce teatrale Eurydice, une expérience du noir, dove il soprano Jeanne Crousaud nel ruolo di Eurydice, anche elegante attrice, il mimo-attore e poco danzatore, Dominique Mercy in Orfeo e la pianista Bianca Chillemi rendevano scenico il testo tratto dal poema di Nastya Rodionova. La valida regia di Antoine Gindt ha trovato gli adeguati rapporti di movimento tra i due principali protagonisti inserendoli in un contesto dove i toni cupi - con un inizio completamente al buio- tratteggiano il dramma umano di incomunicabilità tra la giovane e bella Eurydice e l'anziano e trasandato Orfeo. La musica di Kourliandski, tra effetti elettronici derivanti dalle lontane esperienze di musica concreta-elettronica degli anni '50 e l'eccellente vocalità narrativa _alla Berio- dell'ottimo soprano -vocalità completate da componenti registrate in un tutt'uno timbrico di eccellente fattura- , riesce ad integrarsi in modo unitario con la scena teatrale in un contesto di decadenza e chiusura che segnano l'incapacità di comunicazione. Interessante anche la scansione del tempo con quelle poche note scandite quasi ossessivamente dalla brava pianista Chillemi. Dopo la prima rappresentazione assoluta avvenuta a Reggio Emilia, anche questa seconda milanese, perfettamente inserita nel progetto del Festival Milano Musica, denominato Suoni d'ombra, ha trovato ottimo riscontro dal numeroso pubblico intervenuto. Peccato non ci siano repliche. Molto interessante.

1 giugno 2022 Cesare Guzzardella

MAGGIO 2022

Sergei Babayan alle Serate Musicali

Un concerto di ottima qualità quello organizzato ieri sera in Conservatorio da Serate Musicali in ricordo di Giuseppe Ferreri (Amico e socio fondatire degli Amici delle Serate Musicali). Sul palcoscenico di Sala Verdi il pianista armeno Sergei Babayan ha eseguito un programma vario e ricco di importanti lavori. Iniziando da Bach-Busoni con la nota Ciaccona dalla Partita n.2 in re minore, Babayan ha rivelato subito una musicalità timbricamente voluminosa per un brano reso in modo "organistico" e certamente espressivo. Passando a timbriche più delicate con alcuni lieder di Schubert, nella rivitazione di Franz Liszt, Babayan ha espresso colori più interiori, evidenziando in modo chiaro le melodie schubertiane nelle complesse articolazioni dell'ungherese. Dei noti lieder ha eseguito Der Müller un der Bach, Gretchen am Spinnrade e Auf dem Wasser zu singen. Con i quattro brani di Sergej Rachmaninov - due Étude-tableau (op.39 n.5 e n.1) e due Momenti musicali op.16 (n.2 e il n.6) , Babayan ha dato una svolta in senso virtuosistico alla serata, attraverso interpretazioni di grande valenza musicale per sintesi discorsiva e pregnanza espressiva. La completa interiorizzazione di ogni elemento scritto in partitura e la restituzione estemporanea di ogni brano, ha messo in risalto modalità pianistiche di grande impatto coloristico nelle complesse definizioni dei piani sonori, voluminosi ma limpidi in espressività. Interpretazioni le sue che ricordavano quelle del grande Lazar Berman. La seconda parte del concerto è stata introdotta da un ottimo Liszt con la Ballata n.2 in si minore cui è subito seguita la celebre schumanniana Kreisleriana n.16. Un'esecuzione, quest'ultima di assoluta rilevanza estetica, dove la sintesi discorsiva di alcuni movimenti si alternava a timbriche introverse e riflessive dei momenti maggiormente melodici. Una visione chiara e coerente quella dell'interprete, per una restituzione complessivamente eccellente. Applausi calorosi da un pubblico purtroppo non numeroso e un bis concesso con la celebre Aria iniziale delle Variazioni Goldberg di J. S.Bach, eseguita con intensa luminosità. Un grande pianista Babayan, proveniente dalla migliore scuola pianistica russa, che speriamo di riascoltare presto.

31 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Corrado Giuffredi e Leonora Armellini agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala per i Lieti Calici

Un tardo pomeriggio di qualità quello organizzato da Mario Marcarini in via Silvio Pellico a Milano. La rassegna Lieti Calici sta mietendo successi grazie alla presenza di protagonisti di chiara fama internazionale. È anche il caso della giovane pianista Leonora Armellini, recentemente premiata al Concorso Internazionale F. Chopin di Varsavia ( 5° meritato posto), prima donna italiana ad ottenere quel prestigioso premio; ma anche del noto e meno giovane Corrado Giuffredi, tra i migliori clarinettisti italiani. Ma è il programma scelto dal duo che ha reso ancor più interessante questo incontro. Un breve impaginato incentrato sulle originali parti del clarinetto tratte da opere di Cherubini, Rossini, Bellini, Mercadante, Ponchielli, Verdi e due rarità di Giovanni Pacini, tutti compositori lirici. La parte orchestrale è stata trascritta per pianoforte ed eseguita benissimo dall'Armellini, per una restituzione, con la principale voce clarinettistica, di eccellente resa qualitativa. Giuffredi ha introdotto ogni brano, chiarendo dettagli inerenti l'opera, la parte clarinettistica e i primi storici interpreti degli interventi solistici. Dall'incontrò tra i protagonisti nascerà a breve anche un Cd prodotto da un'importante casa discografica. Due i bis concessi: prima, in solitaria, un' eccellente e rara Tarantella di Chopin che ci ha ancora rivelato le eccellenti qualità espressive dell'Armellini e il suo talento per la musica del genio polacco; poi la più celebre aria per clarinetto inserita in un'opera quale la pucciniana E lucevan le stelle da Tosca. Applausi dal numerosissimo pubblico intervenuto e poi un ottimo brindisi con eccellenti degustazioni di vini offerti dall'azienda Giulio Ferraris accompagnati da ottime tartine, salumi e primi piatti, con anche una lasagna doc.

29 maggio 2022 Cesare Guzzardella

L'Orchestra Sinfonica di Milano al Lirico Gaber per la Sinfonia "La resurrezione" di Gustav Mahler

Dopo quasi venticinque anni, l'Orchestra Sinfonica e il Coro Sinfonico di Milano sono tornati al Teatro Lirico, oggi Teatro Lirico "G.Gaber", per un concerto diretto da Claus Peter Flor, direttore musicale della compagine milanese. Una serata importante, che ha segnato una transizione tra la stagione musicale 2021-22 con quella prossima già delineata da una splendida programmazione che avrà luogo nella sede dell'Auditorium milanese con un primo concerto, come è consuetudine, al Teatro alla Scala. Il Lirico, elegante e con adeguata acustica per i concerti, era al completo: appassionati venuti per ascoltare la Sinfonia n.2 in re minore " La Resurrezione" per soli, coro e orchestra di Gustav Mahler. Voci soliste erano il soprano inglese Sarah Fox e il mezzosoprano di origine tedesca Eva Vogel. Il monumentale lavoro di Mahler, quasi novanta minuti la durata in cinque ampie parti, è del 1894, con prima esecuzione berlinese avvenuta nell'anno successivo. L'ottima interpretazione ascoltata, ha trovato l'eccellenza direttoriale di Flor che è riuscito a far confluire le qualità dell'orchestra milanese, con gli ottimi interventi solistici, prima della Vogel, poi della Fox, e l'eccellente coralità del Coro preparato da Massimo Fiocchi Malaspina. Di grande espressività l'interpretazione complessiva, con resa al massimo nei momenti più concitati e volumetrici, e perfetto equilibrio dinamico nei piani sonori. Pubblico soddisfatto al termine e lunghi e fragorosi applausi finali.

28 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Benedetto Lupo e l'Orchestra de I pomeriggi Musicali per il Rach3

Un programma interamemte russo ha concluso la stagione ufficiale 2021-22 del Dal Verme e dell'Orchestra de I Pomeriggi Musicali. Il direttore principale James Feddeck ha interpretato brani celebri di repertorio con il Concerto per pianoforte e orchestra n.3 op. 30 di Sergej Rachmaninov e la Sinfonia n.5 in mi minore op.64 di P.I. Čaikovskij. Nel celebre Rach3 al pianoforte c'era Benedetto Lupo che ha trovato una valida resa interpretativa ben coadiuvato dall' orchestra. Il concerto, celebre per la presenza di una componente melodica di evidente pregnanza romantica, ha anche situazioni di estremo virtuosismo superate molto bene da Lupo, nella sua esemplare discorsività. Applausi fragorosi e due bis concessi da Lupo al termine, con il noto Giugno da Le stagioni di Čaikovskij ed un intenso Preludio di Scriabin. Di ottima resa complessiva la Sinfonia n.5 di Čaikovskij, lavoro complesso, ricco di ampie melodie tratte dal folclore russo e inserite splendidamente nel contesto sinfonico. Ancor più di qualità il sorprendente Finale con un Allegro vivace reso con grande energia da Feddeck che ha strappato fragorosi apllausi dalla numerosissima platea presente. Sabato alle ore 17.00 la replica. Da non perdere.

27 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Grigory Sokolov per la Società dei Concerti

È dal 29 maggio del 2019 che il pianista russo Grigory Sokolov non veniva a Milano. L'assenza dalle sale da concerto nei due anni successivi, motivata dall'evidente situazione pandemica di questi anni, è finalmente stata interrotta dall'imperdibile serata tenuta ieri sera in Conservatorio, ancora per la Fondazione La Società dei Concerti. Come sempre tra i pianisti più attesi, Sokolov rimane tra i pochi interpreti che riempiono le sale da concerto anche in questo momento di non conclusa emergenza sanitaria. L'impaginato classico, di straordinario interesse, prevedeva Beethoven con le 15 Variazioni e Fuga op.35 (1802), Brahms con i Tre intermezzi op.117 (1892) e, dopo l'intervallo Schumann con la Kreisleriana op.16 (1838) . Tre importanti lavori restituiti in modo personale dal grande pianista russo, come è sua consuetudine. L' Op.35, nota per avere in sé il celebre tema presente nella Sinfonia n.3 "Eroica", ha trovato un Sokolov cesellatore del suono. Un'interpretazione chiara, trasparente, molto analitica e dilatata, che stupisce per l'equilibrio complessivo perfetto nell'andamento volutamente riflessivo, che evita contrasti marcati negli andamenti tra alcune variazioni. Il taglio scelto, luminoso e spesso incisivo, rendono unica la sua interpretazione. Di altrettanta personalizzazione i Tre Intermezzi op.117, definiti da colori sfumati ed ombreggiati, ben delineati nei particolari per una definizione introspettiva di rilevante valenza estetica. La celebre Kreisleriana di Robert Schumann, nelle sue intense otto parti, ha ancora trovato la sicurezza precisa e calibrata, nelle mani del grande pianista. Personali le timbriche, come personale la gestualità di Sokolov per una restituzione ancora di altissima qualità, dove la riflessione entra con prepotenza nel carattere improvvisatorio del brano, stravolgendo esperienze cui siamo abituati e facendoci scoprire particolari che in altre esecuzioni, pur valide, sfuggono. Il classico concerto nel concerto, con numerosi bis sono cosa oramai consolidata. Ancora una volta sono sei quelli concessi con generosità da Sokolov, alcuni brevi ed altri corposi. Il primo con Brahms e la Ballata op.118 n.3 , due mirabili Rachmaninov con i Preludi dall'Op.23 il n.9 e il n.10 , quindi due Chopin, entrambi straordinari, con la Mazurca in la minore op.68 n.2 di straordinaria limpidezza e il Preludio n.21 di potenza scultorea. Per finire, tra interminabili applausi, con Scriabin e il suo Preludio op.11 n.4. Pubblico entusiasta per un grandissimo del pianoforte.

26 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Il gruppo cameristico Achrome ensemble al Museo del Novecento

La musica contemporanea ha trovato oggi espressione nel pomeriggio musicale organizzato al Museo del Novecento milanese. In Sala Fontana abbiamo avuto l'occasione di ascoltare musiche di Vittorio Fellegara ( 1927-2011) ad opera del Achrome ensemble, gruppo cameristico diretto da Marcello Parolini. Questa formazione è risultata anche vincitrice del Premio Vittorio Fellegara, premio biennale culturale istituito dal 2013 e consegnato oggi dalla moglie del grande compositore e didatta milanese, la pianista Tiziana Moneta Fellegara. Cinque i brani proposti dall'Ensemble, in differenti formazioni, per lavori scritti dal compositore tra il 1980 e il 1994. Wintermusic per violino, violoncello e pianoforte, Herbstmusik per quartetto d'archi, Nuit d'été per pianoforte e quartetto d'archi, Wiegenlied per clarinetto e pianoforte e il conclusivo Berceuse per flauto e pianoforte. Le ottime interpretazioni espresse dal gruppo, specializzato nella musica del Secondo Novecento e contemporanea, hanno rivelato le qualità di Fellegara. Era un musicista colto, in controtendenza rispetto a molto compositori di quel periodo, lagato alla tonalità, espressa però in modo evoluto e con un linguaggio molto personale, innovativo, raffinato e riconoscibile. Tutti bravi gli strumentisti ad arco nei nomi di Mariani, Rigamonti e in aggiunta alla formazione consueta, Negri e Malandrin, il pianista Gabriele Rota, il clarinettista Stefano Merighi e la flautista Antonella Bini. Martedì prossimo, nel medesimo luogo si terrà un concerto dedicato a Sylvano Bussotti.

24 maggio 2022 Cesare Guzzardella

 

La chitarra di MANUEL BARRUECO alle SERATE MUSICALI

Non di frequente si ascolta la chitarra in concerto e quando ciò accade si rimane stupiti della completezza melodico- armonica di questo strumento a sei corde che abbisogna di un ascolto adeguato; dove l'attenzione dell'ascoltatore deve andare incontro ai volumi contenuti della cassa armonica per comprenderne la ricchezza e la raffinatezza timbrica. Manuel Barrueco, chitarrista cubano, è tra i più noti virtuosi di questo strumento e da anni è ospite di Serate Musicali. Nel concerto di ieri sera ha dato sfoggio delle sue eccellenti qualità interpretative con brani tipici per questo strumento. Alcuni di essi composti appositamente per lo strumento a sei corde, altri in trascrizione da originali strumenti a tastiera, quali clavicembalo, organo o pianoforte. I primi due brani del corposo impaginato, sono un esempio di quest'ultimo caso. L'Aria con Variazione detta “La Frescobalda” di Girolamo Frescobaldi (1583-1643), originariamente per strumenti a tastiera, ha trovato un'eccellente trascrizione per la chitarra ed è entrata prepotentemente nel repertorio chitarristico per la sua sorprendente resa qualitativa. Anche nel caso di Domenico Scarlatti (1685-1757), le sue Sonate ( ne ha composte circa 550), originariamente per clavicembalo e poi per pianoforte, hanno notevoli trascrizioni chitarristiche che assolutamente non sminuiscono la geniale portata espressiva. Barrueco, con perfezione tecnica, grande espressività, definita da raffinatezza coloristica, ha dato una lezione interpretativa di queste straordinarie pagine introduttive, eseguendo, dopo le bellissime variazioni di Frescobaldi, le Sonate K392-32-380-208-209 di Scarlatti. I brani successivi hanno rivelato un approccio più propriamente chitarristico. Erano dello spagnolo Dionisio Aguado ( 1784-1849), del messicano Manuel Maria Ponce ( 1882-1948), del cubano Ignacio Servantes (1847-1905) e dello spagnolo Joaquin Malats ( 1872-1912). Le raffinatezze coloristiche di Barrueco si sono disvelate in tutti i lavori, dal notevole Fandango Varié op.16 di Aguado, alla deliziosa Sonatina Meridional in re maggiore di Ponce, dalle cinque Danze cubane di Cervantes, ai raffinatissimi brani di Malats, ovvero la cubana Morena, la Serenata Ãndaluza e la Serenata Èspañola. In queste ultime Barrueco ha dato ancor più sfoggio di eleganza sopraffina nel delineare timbriche sfumate, dettagliate e ricche di elementi virtuosistici sapientemente dosati. Applausi fragorosi al termine, in una Sala Verdi con molti appassionati chitarristi. Due i bis generosamente concessi: un noto brano di De Falla, la Danza del la molinera, dal balletto El sombreros de tres picos, e una raffinata trascrizione della ancor più celebre beethoveniana Per Elisa. Splendido concerto!

24 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Teatro alla Scala al completo per l'ultima replica di Un ballo in maschera

Anche all'ultima replica, la settima rappresentazione di Un ballo in maschera di Verdi, il Teatro alla Scala al completo ha trovato un pubblico entusiasta dell'ottimo lavoro del registra, scenografo e costumista Marco Arturo Marelli. La messinscena, tradizionale ma con un utilizzo completo ed intelligente del grande palco scaligero, ha permesso un coinvolgimento appassionato, movimentato e funzionale alla drammaturgia, del cast vocale, del coro e delle comparse presenti. Valide anche le illuminazione di Marco Filibek. La dinamicità delle scene, con quelle eccellenti quinte mobili che trasformavano, di volta in volta, la scena in modo vario e particolarmente volumetrico, hanno permesso un ottimo inserimento dei protagonisti nei tre atti. Il melodramma, tra i più rappresentati di Verdi, composto su libretto di Antonio Somma, ebbe all'epoca problemi di censura che comportarono continue modifiche sino alla prima messinscena del Teatro Apollo di Roma nel 1859. All'ultima recita, quella da me vista, la direzione di Giampaolo Bisanti, che si era alternato sul podio con Nicola Luisotti ( entrambi in sostituzione di Chailly indisposto), ci è apparsa di spessore, ricca di energia e duttile in un lavoro musicale tra i più complessi ed interessanti di Giuseppe Verdi. Il cast vocale, di ottima rilevanza complessiva, ha trovato le voci di maggior pregio - ed anche le più applaudite- in Sondra Radvanovsky, un' Amelia ottima anche attorialmente, e con alto livello vocale nei frangenti di maggior volumetria; in Ludovic Tézier, un Renato dalla voce robusta, penetrante in ogni registro, di indubbia espressività e con presenza scenica sicura e risolutiva. Ottimo il Riccardo di Francesco Meli, voce timbricamente bella, luminosa, omogenea nella sua evoluzione. L'Oscar di Federica Guida ha visto una voce di qualità in un contesto attoriale perfetto per un ruolo che rendeva più morbida la drammatica vicenda. Di forza espressiva e di valida presenza scenica Okka Von Der Damerau in Ulrica e bravissimi tutti gli atri. Come sempre al top il Coro della Scala curato da Alberto Malazzi. Ricordiamo la prossima opera in calendario con La Gioconda di Amilcare Ponchielli con sei rappresentazioni previste per il 7-11-14-18-21 e 25 giugno. Da non perdere!!! ( Prime due foto Foto di M.Brescia e R.Amisano dall'Archivio del Teatro alla Scala)

23 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Andrea Lucchesini al 31° Festival Milano Musica per Berio, Bartòk, Vacchi e Liszt

Il 31°Festival Milano Musica ha portato in Sala Verdi, al Conservatorio milanese, il pianista toscano Andrea Lucchesini per un programma variegato, naturalmente avendo come componente centrale la musica contemporanea o del Novecento, ma con anche un brano classico importantissimo quale la Sonata in Si minore di Franz Liszt, eseguita dopo l'intervallo. Luciano Berio (1925-2003), grande compositore del Secondo Novecento, compose poca musica per solo pianoforte. I brani più noti sono i Six Encores, sei brevi miniature pianistiche eseguite anche singolarmente come bis e composte in un lungo arco di tempo, dal 1965 sino al 1990. Lucchesini, storico interprete di questo importante lavoro, ha colto in modo adeguato, con timbriche ricche di colori e profondità interpretativa, i sei brevissimi momenti musicali che ripercorrono, con particolare sintesi, i modi compositivi della seconda parte del Novecento. La maggiormente nota Wasserklavier, del 1965, rappresenta il momento melodico e tonale in un contesto diversificato con frangenti atonali o frizzanti come l'ultimo Feurklavier. Il brano successivo, la Sonata per pianoforte di Béla Bartòk è del 1926 ed è l'unica nel suo genere composta dal grandissimo ungherese. Accostabile per stile compositivo ai suoi concerti pianistici, si evolve nei classici tre movimenti e cioè Allegro moderato, Sostenuto e pesante e Allegro molto. L'eccellente interpretazione di Lucchesini ha evidenziato in modo chiaro gli elementi di contrasto del difficile brano imperniato, come spesso accade in Bartòk, in accentuazioni ritmiche, spesso irregolari e marcate, non mancando comunque di riferimenti melodici riferiti al folclore della sua terra. Il recente brano del bolognese Fabio Vacchi (1949)- in prima esecuzione assoluta-  ha concluso con successo la prima parte del concerto. La Sonata n.2 per pianoforte del noto compositore è stata terminata nel dicembre 2020 e concepita nei momenti più cupi della pandemia. Articolata in due parti, dalla durata complessiva di quasi quattordici minuti, è un lavoro interessante per l'uso particolare del pianoforte inteso come strumento diffusivo di timbriche ampie, ricche di armonie e di discreta estroversione. Inizia con accordi compatti e sostenuti che poi si riverberano in parti più ampie della tastiera, per un'esternazione di progressiva accentuazione coloristica giocata su rese dinamiche sottili e spesso di pregnante esternazione. La presenza in lontananza di una melodia popolare segmentata da un taglio armonico netto e preciso, rende il brano ancorato ad un riferimento tonale, anche se l'elemento coloristico, assimilabile a certe atmosfere impressionistiche, è riconoscibile come elemento centrale di un lavoro che sembra voler uscire dalla logica pianistica per una più ampia e corale rappresentazione musicale. Eccellente Lucchesini nell'articolare in modo netto e preciso l'articolata composizione di Fabio Vacchi.Il pianista  era visibilmente soddisfatto al termine dell'esecuzione. Applausi fragorosi dal pubblico presente in Sala Verdi anche a Fabio Vacchi, salito sul palcoscenico e molto contento dell'interpretazione. La celebre Sonata in Si minore di Liszt ha concluso il programma ufficiale. Eccellente la resa di Lucchesini, giocata su un'esecuzione ricca di contrasti, dai momenti più marcati e voluminosi, ad altri di più introversa presenza melodica, per delineare il motivo conduttore che ha reso celebre questo capolavoro. Un'interpretazione robusta, ricca di energia e di equilibrio complessivo, pur nella complessa restituzione. Due i bis concessi da Lucchesini: prima un'interessantissima e rara Variazione sul tema di Diabelli di Franz Schubert sul noto tema reso celebre da Beethoven, eseguita con illuminata espressività; poi un eccellente Domenico Scarlatti con una Sonata tra le meno celebri, ma di grande valore musicale. Ancora applausi fragorosi. Concerto splendido!

21 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Ingrid Fliter all'Università Cattolica per "Il Pianoforte in Ateneo"

Il progetto "Il Pianoforte in Ateneo" ha visto ieri sera nell' Aula Magna dell'Università Cattolica milanese un concerto con la pianista argentina Ingrid Fliter. il Maestro Davide Cabassi, docente presso il Conservatorio di Milano, e il Prof. Enrico Reggiani, direttore dello Studium Musicale di Ateneo, sono gli artefici di questa felice iniziativa che unisce il mondo culturale iniversitario ad una delle più importanti componenti della cultura, quella musicale, per un'unione di linguaggi utili allo sviluppo delle conoscenze. Tema della serata era "Verso la luce: forme del pianismo tonale". L'argomento introdotto con limpidezza dal prof. Reggiani ha trovato una corretta delucidazione del concetto di "tonalità", utilizzato in modo più rigoroso dai primi decenni del '700, fino ai nostri giorni. La luce, cui Reggiani si riferisce, che nasce dai contrasti dei toni, è quella emersa nelle bellissime composizioni interpretate ottimamente dalla Fliter. Haydn, Scarlatti e Schumann, i compositori scelti dalla nota interprete, ben si addicono a rappresentare la luminosità del mondo tonale. Eccellente la Sonata in mi minore Hob.XVI N.34 introduttiva di J.Haydn, con una Fliter di eccelsa fluidità nel rendere bene i geometrici contrasti dei tre movimenti. Ottima anche la Sonata in do diesis minore K247 di Domenico Scarlatti, brano tra i più sviluppati del grande musicista napoletano. La Fliter ha voluto eseguirla quasi come introduzione ai celebri Studi Sinfonici op.13 di Robert Schumann, una composizione tra le più interessanti del grande romantico tedesco. Una serie di momenti musicali ricchi di contrasti, spesso anche di grande voluminosità, con caratteristiche appunto "sinfoniche" per il complesso armonico espresso. Una luce a volte tenue, a volte intensa quella emersa nell'ottima interpretazione della Fliter. Ingrid ha voluto terminare il complesso lavoro inserendo alla fine uno degli Studi più parcellizzati in termine di quantità di note, da lei centellinate con intensa profondità espressiva. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto e tre ottimi bis concessi dall'interprete con uno Schumann (movimento centrale della Sonata n.2) e due Chopin ( un Valzer e lo Studio "Minute") eseguiti ottimamente.

20 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Serata memorabile per Juan Diego Flórez al Teatro alla Scala con undici bis

Il tenore Juan Diego Flórez è stato accolto da un Teatro alla Scala al completo per il suo recital dedicato - nel programma ufficiale- quasi esclusivamente ad autori italiani, ad eccezione di Christoph Willibald Gluck con O del mio dolce ardor da Paride ed Elena, brano introduttivo. Il pianoforte di Vincenzo Scalera- da decenni affermato come accompagnatore di grandissimi interpreti quali Bergonzi, Caballé, Carreras, Gencer, Scotto, Valentini Terrani, Ricciarelli, Kabaivanska, e molti altri - ha trovato ottimi dosaggi coloristici per evidenziare le qualità del grande quarantanovenne tenore peruviano. Ma non solo il predisposto impaginato ha reso ampio ed importante questo recital. Il gran finale, con oltre cinquanta minuti di bis strappati da un pubblico entusiasta che aveva voglia del bel canto, dopo un lungo periodo di tregua pandemica, sono stati concessi con immensa generosità latina dal grande interprete. La serata, dopo il primo Gluck, procedeva con Caccini, Carissimi, Bellini, Rossini e, dopo l'intervallo con Tosti, Donizetti, Verdi e Puccini. Tra i numerosi brani, due brevi pezzi pianistici di Rossini con la rara Danse sibérienne n.12, e di Verdi con la Romanza senza parole in fa maggiore, facevano per pochi minuti riposare la voce di Flórez, e rivelavano ancor più le qualità di un pianista doc quale Vincenzo Scalera. Tra i brani dell'impaginato per canto e pianoforte, ben quattordici, citiamo almeno La Ricordanza di Bellini- riconosciuta come aria più celebre nei Puritani- La speranza più soave da Semiramide di Rossini, i celebri Sogno e Aprile dai tre brani eseguiti di Francesco Paolo Tosti, quindi Brezza del suol natio... Dal più remoto esilio da I due Foscari di Giuseppe Verdi e quello conclusivo con Torna ai felici dí da Le Villi di Giacomo Puccini. Una carellata già numerosa che ha rivelato la splendida tenuta vocale del grandissimo tenore per una emissione dalle tenui timbriche di velata coloratura e all'occorenza di grande forza espressiva, con ardite volumetrie applauditussime al termine di ogni brano. Applausi fragorosi, interminabili a conclusione del programma ufficiale e quindi inizio del "concerto nel concerto". Undici bis aspettavano Flórez che entrava prima nel mondo più "popolare", tra napoletano e latino, impugnando la chitarra e accompagnandosi in quattro brani quali Core 'ngrato di Salvatore Cardillo, Piel Canela (Me importas tu, y tu, y tu) , poi Guantanamera intonata anche coralmente dal pubblico e Cucurrucucú Paloma di Tomás Méndez, Il rientro in scena di Scalera portava ancora al celebre Ah! Mes amis dal donizettiano La Fille du Régiment, Pourquoi me réveiller dal Werther di Massenet, poi ancora il brano latino Jurame, quindi Che gelida manina da Bohème, il verdiano La donna è mobile da Rigoletto , e poi, cavallo di battaglia di Del Monaco e anche di Claudio Villa, Granada e.... ancora Puccini con il classico Nessun Dorma dalla Turandot. Applausi interminabili. Memorabile.

19 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente per "Musica a Villa Durio" di Varallo  Sesia Valentina Ciardelli e Massimo Giuseppe Bianchi in concerto

Domenica 22 Maggio nel Salone dell’Incoraggiamento di Palazzo dei Musei alle ore 17.30 si terrà un concerto per duo di contrabbasso e pianoforte . Accanto a Valentina Ciardelli, compositrice oltre che contrabassista ci sarà Massimo Giuseppe Bianchi, pianoforte, al quale è dedicata un’opera scritta dalla giovane artista. Dice Bianchi "Ho incontrato Valentina Ciardelli alcuni anni fa, ne ho apprezzato subito l’energia e sensibilità artistica. Speravo di poterla proporre al pubblico di Musica a Villa Durio nel 2020, dopo due anni riusciamo finalmente a concretizzare il progetto. Suoneremo un repertorio per contrabbasso e pianoforte che spazierà dal Don Giovanni di Mozart, a Gershwin, passando per West Side Story di Bernstein per concludere con Frank Zappa.”I biglietti dei concerti sono acquistabili da subito sul sito Eventbrite al link https://bit.ly/MVD42 oppure, come di consueto, prima dei concerti al prezzo di 10 euro, mentre i bambini e i ragazzi fino a 12 anni entrano gratis.Sarà possibile prenotare contattando il numero di Musica a Villa Durio, 388 255 42 10, anche con messaggio whatsapp. Per tutte le informazioni è a disposizione l’email: info@musicavilladurio. (Foto dall'Ufficio Stampa di Varallo Valsesia)

18 maggio dalla redazione

Pedro Amaral e l'Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai per il Festival Milano Musica

Il 31° Festival Milano Musica è approdato ieri sera al Teatro alla Scala per un importante concerto sinfonico. L'Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai era diretta da Pedro Amaral in brani di Sofija Gubajdulina (1931), Arvo Pärt (1935) e Dmitrij Šostakoviç (1906-1975). La presenza del virtuoso violinista Vadim Repin ha impegnato i primi due lavori. Il primo, Dialog: Ich und Du - Concerto per violino e orchestra n.3, è stato realizzato dalla compositrice russa nel 2018. Un brano, in prima esecuzione italiana, che rivela il segno forte della Gubajdulina nei circa venti minuti di una musica giocata sul rapporto tra il violino solista e l'orchestra, con ruolo importante nella sezione percussiva. Un dialogo coinvolgente, dove le abilità espressive di Vadim Repin sono risultate evidenti, unitamente alle pregnanti timbriche dell'Orchestra, una compagine di altissimo livello, specializzata nel repertorio del Novecento e contemporaneo. Di alta qualità la direzione del portoghese Amaral, che ha saputo dosare con chiarezza espressiva i colori contrastati della ricca tavolozza orchestrale. Anche il brano dell'estone Arvo Pärt, La Sindone, per violino e orchestra, ha trovato una resa eccellente sia nel violino di Rapin che nelle sezioni orchestrali. È un lavoro del 2006 rivisitato più volte, sino alla versione ascoltata del 2022 in prima esecuzione italiana. I caratteri tipici del compositore, molto interiorizzati e di profonda riflessione religiosa, emergono nel breve ma sostanzioso brano, soprattutto nella sua parte centrale, pur alternandosi a situazione di voluminosa estroversione per una resa complessiva ricca di carica espressiva. Dopo l'intervallo, la Sinfonia n.15 in la maggiore op.141, ultima del genere di Dmitrij Šostakoviç, ci ha portato in mondo musicale ricco di caratteri differenziati. Composta nel 1971, ed eseguita l'anno successivo con la direzione di Maksim, figlio del compositore, la Sinfonia trova ispirati e diversificati riferimenti, sia con chiare citazioni da Rossini o Wagner, che da modalità stilistiche differenti, con riferimenti settecenteschi o di certo neoclassicismo stravinskiano, sino all'impronta dodecafonica. Una sorta d'interessante collage che tende a svanire nel nulla terminando in uno stato di sensazione d'impenetrabilità. Splendida l'interpretazione di Amaral, per una resa orchestrale di alto livello. Fragorosi applausi dal numeroso pubblico intervenuto.

17 maggio 2022 Cesare Guzzardella

L'Orchestra Sinfonica di Milano diretta da Stanislav Kochanovsky in collaborazione con Milano Musica

Un concerto particolarmente interessante quello dell'Orchestra Sinfonica di Milano che segna anche la collaborazione con la rassegna di musica contemporanea di Milano Musica da poco iniziata. Tre lavori, due del polacco Witold Lutoslawski (1913-1994) e uno dell'ungherese Bela Bartók (1881-1945), hanno segnato il pomeriggio domenicale di ieri nella replica da me ascoltata. Un direttore di indubbia valenza quale il russo - di Pietroburgo- Stanislav Kochanovsky ha proposto prima Musica funebre per orchestra d'archi (1958) e Chantefleurs et Chantefables (1989-90) del polacco e, dopo il breve intervallo, il Divertimento per orchestra d'archi (1939) dell'ungherese. Sono lavori accomunati da evidenti capacità, per entrambi i compositori, di grande orchestrazione. La Musica funebre di Lutoslawski è dedicata a Bartòk, a dimostrazione di quanto il polacca sia debitore, specie nelle modalità compositive, all'ungherese. Le atmosfere cupe e incisive del breve brano in quattro parti segnano un primo personale stile del grande compositore. Il secondo brano, dal carattere completamente diverso, con situazioni anche spensierate, si affida ad una voce di soprano, quella della bravissima Lucja Szablewska, per nove brevi poesie di Robert Desnos con temi legati a fiori ed animali. Il lavoro scritto negli ultimi anni di vita dell'autore, è un gioiello di eleganza per un eccellente resa del soprano polacco in felice consonanza con i colori orchestrali. La conclusiva e più nota pagina di Bartòk, nella sua tipica felice ed efficace scrittura per archi, rivela ancora le qualità del russo Kochanovsky, direttore dal gesto elegante, sicuro e profondo, che ha ben messo in rilievo le eccellenti timbriche dell'Orchestra Sinfonica di Milano, ottima in tutti i lavori eseguiti. Applausi convinti dal pubblico presente in Auditorium. Prossimo appuntamento per l'Orchestra Sinfonica di Milano previsto per il 19 il 20 e il 22 maggio con il pianista Volodin e il celebre Rach3. Per il Festival Milano Musica e la sua Stagione di musica contemporanea importante è il concerto di questa sera alla Scala con l'Orchestra della Rai e il violinista Repin. Da non perdere entrambi i concerti.

16 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Francesco Libetta rivela Paisiello agli Amici del Loggione

Un valido incontro con il pianista Francesco Libetta, svoltosi agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala, ha evidenziato la figura del compositore Giovanni Paisiello ( Taranto 1740- Napoli 1816), uno dei migliori rappresentanti della scuola napoletana. La lezione-concerto di Libetta, organizzata da Mario Marcarini, è stata l'occasione per la presentazione di un suo recente Cd. Libetta ha giustamente messo in risalto il lato più nascosto di Paisiello, quello legato alla produzione pianistica. Il pianista pugliese ha fatto esempi musicali interpretando alcuni brevi brani del suo conterraneo, alla luce di una semplicità di scrittura che andrebbe certamente riscoperta nella sua autenticità. I manoscritti da lui analizzati, autentiche rarità, hanno rivelato anche il Paisiello anticipatore del genere del Notturno, genere reso poi celebre da Chopin. Applausi per l'interprete e il classico brindisi finale con ottimo vino bianco e ricco buffet.

15 maggio 2022 Cesare Guzzardella

PROSSIMAMENTE: GRAN FINALE AL CIVICO: IL VIOTTI FESTIVAL CHIUDE CON PAGANINI!

Nella realtà storica, all'inizio dell'800 Giovan Battista Viotti lasciò idealmente il testimone all'astro nascente Niccolò Paganini. È dunque naturale che sabato 21 maggio (ore 21) con un'interessante anticipazione per le scuole venerdì 20 maggio alle ore 10 il XXIV Viotti Festival chiuda il cartellone principale al Teatro Civico di Vercelli con uno spettacolo teatral-musicale dedicato proprio a Paganini. Ideato, diretto e interpretato (insieme a molte ottime attrici) da Giovanni Mongiano, Niccolò, quanti capricci! è il nuovo capitolo della fortunata collaborazione tra la Camerata Ducale (presente in scena con Guido Rimonda al violino e un ensemble di archi) e il TeatroLieve di Fontanetto Po, incontro artistico che si rivela ogni anno quanto mai felice. Il risultato questa volta è una serata intensa e divertente, nella quale il vulcanico Mongiano prende per mano lo spettatore e lo accompagna alla scoperta (semiseria) della vita avventurosa e non certo irreprensibile del violinista maledettoper eccellenza. Quello che, per intendersi, oggi sarebbe sicuramente una rockstar. Malato da tempo, Niccolò Paganini, il più grande violinista di tutti i tempi, circondato da illustri medici e loschi ciarlatani, muore a Nizza il 27 maggio 1840 a seguito di un accidentale ma violento colpo di tosse. Qui comincia lo spettacolo, perché, si sa, a teatro i morti parlano. Niccolò, già imbalsamato e posto in una teca trasparente, scopre che gli si vuol negare la sepoltura per la sua condotta immorale. Irritato dalla seccante situazione, comincia a raccontare la sua vita al figlio Achille, rammentando i suoi strabilianti successi e la genesi di quellabilità ineguagliabile che lasciava sbalorditi gli spettatori. Ma ci sono guai in vista: tra la folla di ammiratori compare anche la madre di Achille, Antonia Bianchi, che rivanga la loro burrascosa relazione. E ancora, per una perfida coincidenza, ecco intorno a Niccolò le sue amanti più celebri, da Elisa Bonaparte a Carlotta Watson, dalla baronessa Hélène von Dobeneck ad Angiolina Cavanna, tutte sedotte e abbandonate. E no, non sarà facile difendersi. (Foto dall'ufficio stampa di Vercelli)

15 maggio dalla redazione

Maxim Francesco Zoni, un giovane pianista agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala

Ha quindici anni Maxim Francesco Zoni, talentuoso pianista vincitore del Concorso per giovani interpreti di Chopin tenuto recentemente in Svizzera con una giuria presieduta nientemeno che da Martha Argerich. Nel pomeriggio di oggi, agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala di via Silvio Pellici, l'estroversa presentazione di Ginevra Costantini Negri e poi naturalmente di Gino Vezzini, ci ha permesso di conoscere le doti di Maxim, prima nel suo amato Chopin e poi in Mozart. Le Mazurche Op.17, il Notturno n.1 op.27, la Ballata n.1 op.23 e il bis di fine concerto con la celebre Polonaise op.53 "Eroica", hanno rivelato una predisposizione naturale al grande polacco dal giovane interprete. Timbriche chiare, trasparenza e sicurezza tecnica hanno portato a valide interpretazioni, con maggiori esternazioni qualitative nella Mazurka op.17 n.4 -resa celebre dal grande Horowitz- , nella Ballata n. 1 in sol minore e nella Polacca op.53, certamente di grande effetto per espressività e quadratura costruttiva. Valida la resa espressiva della Sonata n.13 K 333 eseguita dopo il breve intervallo. Maxim è un pianista con alte potenzialità che va seguito nel corso del sua evoluzione d'interprete. Bravissimo! Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto.

14 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Presentata la Stagione 2022-2023 della Fondazione La Società dei Concerti con il "Concerto di Gala degli Artisti in residenza"

Serata particolarmente riuscita quella di ieri sera in Sala Verdi al Conservatorio milanese per il "Concerto di Gala degli Artisti in residenza" della Fondazione La Società dei Concerti. Enrica Ciccarelli, Presidente e Direttore artistico della nota società concertistica, ha introdotto la serata evidenziando la nuova programmazione di concerti previsti per la Stagione 2022-23. Sarà il quarantesimo anno di musica dalla nascita della Fondazione per opera di Antonio Mormone. Dopo le sentite parole del consigliere artistico Nazzareno Carusi, sono saliti sul palcoscenico gli artisti in residenza per il concerto. Il Trio Kaufman, Giulia Rimonda, Valerio Lisci e Josef Mossali - era purtroppo assente il flautista Cristian Lombardi indisposto- hanno organizzato un impaginato diversificato e ricco di ottima musica, con alcuni brani del compianto musicista, pianista e direttore Ezio Bosso, cui era dedicato il concerto. Un brillante Rondò all'ungherese di Haydn - dal Trio in sol maggiore- ha introdotto il concerto con Valentina, Chiara e Luca Kaufman - rispettivamente pianista, violoncellista e violinista- in perfetta sinergia per una resa ottimale in fluidità ed espressione. Una bellissima trascrizione di Méditation dal Thaïs di Massenet ha accolto la violinista Giulia Rimonda e l'arpista Valerio Lisci per un'interpretazione ancora ricca di sentimento. Il primo omaggio a Ezio Bosso, a due anni dalla scomparsa, ha visto di nuovo la Rimonda e Lisci per il brano Bitter and Sweet, un lavoro pacato e ricco di suggestioni coloristiche. Ancora Giulia Rimonda, questa volta col pianista Josef Mossali, ha concluso la prima parte della serata con un espressivo Scherzo di Joahnnes Brahms dalla celebre Sonata FAE. Dopo il breve intervallo, ancora un omaggio ad Ezio Bosso con Rain in Your black eyes eseguito dal Trio Kaufman, affiatatissimi strumentisti nell'esternazione minimalista di un lavoro giocato su poco note, ma di grande intensità emotiva. Di grande impatto coloristico e virtuosistico la Grande fantasia sulla Lucia di Lammermoor che il compositore E.Paris Alvars ha scritto per arpa. Notevole la capacità di resa virtuosistica ed espressiva dell'arpista Valerio Lisci con le sue "magiche" timbriche che hanno definito le bellissime variazioni delle celebri arie donizettiane. A conclusione del programma ancora sul palcoscenico Josef Mossali per la strepitosa Suite da concerto dallo Schiaccianoci di Čaikovskij, nella virtuosistica trascrizione di M.Pletnëv: sette momenti musicali di grande efficacia pianistica restituiti con chiarezza e brillantezza da questo eccellente giovane interprete. Applausi fragorosi a tutti i protagonisti saliti sul palcoscenico, ed anche ad Enrica Ciccarelli, grande organizzatrice musicale. Una splendida serata.

14 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Alessandro Deljavan diretto da Jacopo Brusa per Fauré e una prima di un brano di Alessandra Ravera

Ottimo concerto quello di ieri sera con l' Orchestra de I Pomeriggi Musicali. La valida direzione di Jacopo Brusa proponeva tre brani differenti per genere e periodo di realizzazione. Partendo dal recentissimo Arcane, per orchestra di fiati, prima esecuzione assoluta di un lavoro di Alessandra Ravera, siamo andati a ritroso nel tempo con la Ballata per pianoforte e orchestra Op.19 di Gabriel Fauré, sino alla celebre Sinfonia n.7 op.92 di L.v. Beethoven, eseguita dopo il breve intervallo. Il brano cameristico della compositrice romana Alessandra Ravera (1977), allieva anche di Azio Corghi e di Ivan Fedele, è di particolare interesse per qualità espressiva. L'organico per strumenti a fiati, sostenuti anche dalle percussioni, si dipana per circa dodici minuti di musica esprimendo suggestive ed efficaci timbriche giocate sulle relazioni degli strumenti a fiato, tra interventi individuali, a piccole sezioni, e ampie coralità. La solida impalcatura costruttiva e gli efficaci interventi melodici dei bravissimi fiati de I Pomeriggi, hanno permesso armonizzazioni piacevoli al primo ascolto, con timbriche dal sapore orientale e di evidente valida resa espressiva. Applausi del numeroso pubblico anche alla compositrice salita sul palcoscenico. La Ballata per pianoforte e orchestra in fa diesis maggiore del francese Fauré è una delizia alle orecchie più attente. La leggerezza melodica del bravissimo compositore è solo la parte superficiale di un lavoro raffinato, giocato su armonizzazioni splendide dal punto di vista costruttivo. Non si poteva trovare meglio di Alessandro Deljavan ad esprimere l'importantissimo ruolo pianistico. Deljavan, affermato interprete internazionale, ha reso in modo particolareggiato e profondo il delicato gioco melodico, ricco di intrecci, della Ballata. È stato ben coadiuvato dagli orchestrali e dall'attenta direzione di Brusa. Splendida interpretazione. Di eccellente qualità il bis concesso dal solista con la preziosa Mazurca Op.17 n.2 in mi minore di F. Chopin resa con grande espressività. Dopo il raro Fauré, la celebre Settima Sinfonia di Beethoven ha trovato una direzione energica in Brusa per una valida restituzione degli orchestrali de I Pomeriggi, bravi in ogni sezione. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto. Sabato alle ore 17.00 si replica. Da non perdere.

13 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Olga Kern diretta da Roland Böer per la Società dei Concerti

Non capità spesso di assistere ad una serata di grande qualità come quella ascoltata ieri sera. Il concerto organizzato dalla Fondazione La Società dei Concerti aveva come protagonisti l'Orchestra dell'Accademia del Teatro alla Scala, il direttore Roland Boër e una pianista ben conosciuta dal pubblico della Società quale Olga Kern. Il bellissimo impaginato prevedeva due capolavori della letteratura concertistica e sinfonica romantica rappresentati dal Concerto n.2 in Do minore op.18 per pianoforte ed orchestra di Sergej Rachmaninov e dalla Sinfonia n.2 in re maggiore op 73 di Johannes Brahms. Se è lecito esprimere un primo elogio, dobbiamo darlo ai giovani orchestrali dell'accademia scaligera, che diretti ottimamente da Böer, hanno eccelso in entrambi i lavori fornendo una resa espressiva degna delle migliori orchestre. Mettiamo poi su un piedistallo la bravissima Olga Kern. L'ho ascoltata in moltissimi concerti, e debbo dire che ieri sera ha superato se stessa per qualità interpretativa. Vero è che la Kern è sempre stata un'eccellente interprete di Rachmaninov, ma ieri il Rack 2, capolavoro del russo composto tra il 1900 e il 1901, che unisce chiare melodie note ad ogni pubblico a virtuosismi di incredibile difficoltà tecnica, ha trovato una pianista eccelsa, che con grinta e sicurezza assolute ha superato ogni difficoltà con apparente semplicità, per una resa eccellente. Ottima la sinergia con gli orchestrali, bravi in ogni sezione. Tra i calorosi applausi del numerosissimo pubblico intervenuto in Sala Verdi- ricordiamo la non sempre presenza di molti giovani- la Kern è stata molto generosa a concedere tre virtuosistici bis, dopo aver ricordato il popolo ucraino nella speranza di una rapida fine della guerra. Prima un noto brano di Mosorskij nella trascrizione di Rachmaninov, Gopak; poi di Claude Debussy Feux d'artifice reso con incredibile chiarezza virtuosistica e, per ultimo, il classico Etincelle di Moszkowsky reso celebre dal grande Vladimir Horowitz. Dopo l'intervallo, la portentosa Sinfonia n.2 che il grande amburghese compose nel 1877, ha esaltato ancor più le abilita dei giovani orchestrali, di rilievo in tutte le sezione. Applausi fragorosi al termine al bravissimo direttore Roland Böer e all'Orchestra dell'Accademia scaligera. Grande soddisfazione per tutti in una serata da non dimenticare.

12 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Alexander Gadjiev alle Serate Musicali del Conservatorio

Il pianista goriziano Alexander Gadjiev è salito alla ribalta internazionale con la recente importante seconda posizione al prestigioso Concorso Internazionale Chopin di Varsavia del 2021. Ieri sera, nel bel concerto organizzato da Serate Musicali in Conservatorio, ha dato saggio delle sue qualità d'interprete del grande polacco impaginando un programma romantico che dedicava a Chopin la prima parte del concerto. La Polacca Fantasia in la bem.maggiore op.61 introduceva la serata ed evidenziava da subito la cifra stilistica del giovane interprete: le indubbie qualità tecniche e le timbriche sfumate ben evidenziate ben si addicevano all'Op.61 di Chopin, tra le polacche quella più visionaria e suggestiva. Le Tre Mazurche op.56 continuavano il concerto in un unicum espressivo in sintonia con il primo brano. La personalizzazione interpretativa di Gadjiev, certamente di ottima fattura, è lontana da quelle dei grandi interpreti storicizzati, quella dei Cortot, dei Rubinstein, di Lipatti o dei più vicini Pollini e Zimerman,- solo per citarne alcuni tra i massimi - e vuole cercare nuovi orizzonti, cosa non facile da apprezzare nell'immediato per chi ha orecchie abituate a riferimenti entrati nella storia interpretativa. Certamente Gadjiev ha espresso frangenti con ottimo stile e valida creatività musicale. Anche nella celebre Sonata n.2 in si bem.minore op.35, Gadjiev ha articolato momenti particolarmente rilevanti pur non facendo emergere, al primo ascolto, una chiara unità interpretativà. Dopo il breve intervallo, un altro grande romantico come Schumann e la sua Fantasia in do maggiore op.17 ha trovato una complessiva notevole resa espressiva. Dalle prime efficaci note del celebre lavoro è continuata un'esternazione di ottimo livello. Molto applaudito dal pubblico intervenuto in Sala Verdi, con molti giovani presenti, Gadjiev ha concesso poi tre bis certamente di qualità: il Preludio in do diesis minore op.45 di Chopin, un eccellente Debussy con lo Studio n.11 per arpeggi e l'ottimo Studio op.10 n.8 in Fa maggiore ancora del polacco. Fragorosi e meritati applausi. Un pianista da riascoltare con attenzione.

10 maggio 2022 Cesare Guzzardella

L'Orchestra Sinfonica di Milano diretta da Hannu Lintu per Bartók e Schumann

"La Verdi", con la nuova denominazione Orchestra Sinfonica di Milano, ha visto in questi giorni la direzione di Hannu Lintu per due brani sinfonici importanti quali il Concerto per pianoforte e orchestra n.3 Sz. 119 di Belá Bartók e la Sinfonia n.3 in mi bem. maggiore op.97 "Renana" di Robert Schumann. Il primo lavoro del compositore ungherese, ascoltato alla replica domenicale, è un brano maturo composto da Bartók negli Stati Uniti nel 1945 ed eseguito per la prima volta nel '46 a Philadelphia per la direzione di Eugene Ormandy, purtroppo mai ascoltato dal grande musicista, deceduto poco dopo la quasi completa realizzazione ( mancavano solo 13 battute completate poi dagli appunti da Tibir Serly) . Un ottimo pianista quale il milanese Luca Buratto ha sostenuto la parte solistica avendo chiarissimamente in testa la visione completa del difficile brano, caratterizzato da grande virtuosismo ma anche da momenti di pacato lirismo come nell'intenso Adagio religioso centrale. L'ottima direzione del finlandese Hannu Lintu, con resa chiara in tutte le sezioni orchestrali, ha sostenuto con efficacia l'eccellente interpretazione di Buratto, in un lavoro caratterizzato da una scrittura tonale ricca di contrasti, dove soprattutto l'elemento ritmico costruisce fraseggi articolati, marcati moto bene dal solista, con perfezione tecnica e discorsività profonda. Applausi calorosi ai protagonisti e ottimo il bis solistico con l'amato Schumann ed il primo dei Fantasiestucke op.12. La seconda parte del concerto ci ha portato indietro di quasi cento anni, al romanticismo di Robert Schumann e la sua Quarta Sinfonia "Renana" op.97. Si tratta di un lavoro maturo del compositore tedesco composto nel 1850 che si sviluppa in ben cinque movimenti, una rarità per il genere trattato. La direzione dirompente di Lintu ha reso molto bene i caratteri schumanniani, attraverso una restituzione fluida e di ottima qualità espressiva da parte della Sinfonica di Milano. Applausi calorosi al termine ai protagonisti.

9 maggio 2022 Cesare Guzzardella

LA VIOLINISTA GIULIA RIMONDA E IL MAESTRO EMMANUEL TJEKNAVORIAN PROTAGONISTI A VERCELLI

Ieri sera, sabato 7 maggio la XXIV stagione del Viotti Festival, ormai vicina alla conclusione, ha proposto, nella sala del Teatro civico di Vercelli, un concerto che vedeva in programma due pagine tra le più note dell’intera storia della musica: il Concerto per violino e orchestra in mi minore op.64 di F. Mendelssohn-Bartholdy e la sinfonia n.3 in mi bem. maggiore op.55, universalmente celebre come l’”Eroica” di L. van Beethoven. A eseguire questi due immortali capolavori la ventenne violinista Giulia Rimonda e il Maestro Emmanuel Tjeknavorian, che sempre più spesso lascia l’archetto del violino per la bacchetta di direttore, in questa occasione alla guida della Camerata ducale. Avevamo già avuto modo di apprezzare Giulia Rimonda in un recente recital cameristico di elementi della Camerata ducale junior, in cui ci aveva colpito la già matura autorevolezza interpretativa, unita ad una scioltezza e sicurezza assolute nei passaggi più ardui di abilità: uscimmo da quel concerto con una certezza e con un desiderio: la certezza che la giovanissima Rimonda è già più che una semplice promessa e il desiderio di riascoltarla il più presto possibile. Il concerto di ieri sera ha appagato il desiderio e confermato pienamente le certezza. Giulia Rimonda ha ormai maturato un suo suono, calibrato e tornito con cura, tanto nei legati quanto negli staccati, fatto di energia, di morbidezza e duttilità davvero notevoli nel controllo delle dinamiche, con un timbro che imprime alle note chiarezza e calore, sostenuto da una perfetta intonazione, come ci assicura la somma autorità di uno dei suoi Maestri, S. Accardo La cavata è sempre fluida, limpida, tale da consentirle un fraseggio che con naturalezza sale dalle note più gravi sino ai vertici di siderali sovracuti, un fraseggio che è un incessante fervore di impulsi ritmici e melodici. Più che convincente la sua interpretazione del Concerto di Mendelssohn. Fin dall’apertura, in seconda battuta, dell’Allegro molto appassionato, la giovane violinista torinese trova la ‘sua’ chiave esecutiva, in unità con l’orchestra, per dare voce alla tensione che impronta questa sezione del concerto, non come scomposto sentimentalismo, o ansimante respiro della cavata, ma piuttosto come un anelito struggente che si esprime al meglio, in particolare quando suona a doppia corda, nel dare voce all’espansione ascendente della melodia, coi suoi guizzi che, muovendo dai registri gravi, si protendono all’acuto e al sovracuto, quasi attratti dal richiamo di un ignoto al di là del suono stesso. E’ una sezione ricca di figurazioni, che l’archetto di Giulia Rimonda rende con accurata incisività nel dettaglio, altra virtù dello stile esecutivo di questa violinista. Più che il ritmo in sé, Rimonda ci è sembrata ricercare e valorizzare i ‘vertici di tensione’ che questo capolavoro dissemina nei momenti più coinvolgenti del primo tempo, ed è davvero brava nella sezione in cui, alla ripresa del primo tema dopo l’esposizione del secondo, il violino deve suonare, quasi protendendosi, per ben tre volte una nota tenuta, nel registro sovracuto: qui il sentimento che la solista comunica all’ascoltatore non ha nulla di drammatico, o addirittura di straziante, come per molti interpreti, ma è avvolto da un indicibile ‘non so che’, una sorta di ‘sete di infinito’, perfettamente romantica. Ma Rimonda sa dare anche voce adeguata all’altra componente di questo stupendo concerto, quella più affabilmente e teneramente melodica delle due sezioni esterne del secondo movimento: il violino qui sa passare dall’energia e dalla tensione al canto puro, di intensa liricità, in cui peraltro la calma dell’andamento ritmico lascia filtrare talora un che di palpitante, quasi commovente, per poi cambiare ancora suono nella sezione centrale del movimento, con un vibrato su doppia corda, che ascende gradualmente, con superba gestione delle dinamiche di crescente intensità, fino a congiungersi in un magico accordo con il tutto dell’orchestra, come in una sorta di trionfale rivelazione. Naturalmente queste preziose qualità di intelligente interprete sono sorrette da un virtuosismo che le permette di affrontare senza sforzo, e con assoluta precisione i passaggi più impervi del concerto mendelssohniano e in particolare il quarto tempo, un Rondò sonata dai passaggi vorticosi, per rapidità di ritmi, ampiezza di intervalli e quant’altro. Davvero strameritati i lunghissimi e appassionati applausi del numeroso pubblico presente, cui Giulia Rimonda ha concesso, come fuori programma, una appassionata e malinconica melodia della tradizione popolare ucraina. Il concerto per violino di Mendelssohn non fa dell’orchestra un semplice sfondo di accompagnamento per l’esibizione virtuosistica del solista: all’opposto di Paganini, Mendelssohn propone una continua interazione dialogica tra orchestra e strumento, che tendono a integrarsi, più che a contrapporsi. E Tjeknavorian ha svolto egregiamente il suo ruolo, curando al meglio i dettagli timbrici e dinamici, staccando i tempi giusti, sostenendo perfettamente la solista nei momenti di maggior tensione della partitura, con una ben calibrata energia di suono, che non ha mai coperto il suono dello strumento solista. A Tjeknavorian è poi toccato dirigere uno dei monumenti sacri della musica occidentale, l’Eroica. E’ davvero difficile, oggi, dopo più di due secoli di esecuzioni, al ritmo di centinaia all’anno con l’avvento della registrazione, dire qualcosa di ‘nuovo’ su questo mostro sacro della musica. A nostro avviso il Maestro austro-armeno ha eseguito bene, facendo suonare al meglio la Camerata ducale: ne è uscita un’Eroica dalla sonorità compatta, ma con colori diversi per i quattro movimenti, (molto ben riuscito per scelta metronomica e alleggerimento del suono lo staccato degli archi e la successiva ripresa dell’oboe, che aprono lo Scherzo, dopo la Marcia funebre) e densa, grazie anche ad una buona conduzione dei fiati, anche nel dare ‘peso’ e densità al suono orchestrale coi loro raddoppi d’ottava. Volendo indicare uno dei momenti migliori della direzione di Tjeknavorian sceglieremmo il fugato del secondo movimento, dove al direttore riesce perfettamente di unire alla densità contrappuntistica della sezione un velo di accorata malinconia di fronte al mistero del dolore universale. Buona la gestione delle dinamiche, che eccelle nel gigantesco respiro dell’inizio e nella cura dei dettagli timbrici e motivici , che dà il meglio di sé nell’immenso sviluppo dell’iniziale Allegro con brio. Un gran bel concerto, che ha riscosso, a giudicare dai lunghi applausi del pubblico quasi al completo, un notevole e meritatissimo successo. Un’altra serata di buona musica che fa onore alla Camerata ducale, al suo ViottiFestival e a chi li organizza e li dirige, specie in tempi così difficili per la musica, l’arte, la cultura tutta.(Foto dall'ufficio stampa di Vercelli)

Bruno Busca 8 maggio 2022

La West-Eastern Divan Orchestra alla Scala diretta da Guggeis

Doveva esserci Daniel Barenboim a dirigere la sua West-Eastern Divan Orchestra. In convalescenza, è stato sostutuito dal giovane direttore tedesco Thomas Guggeis. Guggeis di recente lo abbiamo visto alla direzione dell'Orchestra Sinfonica di Milano, anche insieme ai fratelli pianisti Jussen, per uno splendido concerto sinfonico. Ieri sera lo aspettava l'impaginato predisposto da Barenboim, con il noto Má vlast (La mia patria) di Bedřich Smetana, ampio ciclo sinfonico in sei parti contenente l'arcinota Vltava - La moldava. Il lavoro del compositore boemo fu composto alla fine degli anni '70 ed ebbe la prima esecuzione completa nel 1882, pur avendo parziali interpretazioni dei singoli poemi negli anni precedenti. I riferimenti descrittivi dell'ottima musica di Smetana trovano valide rese espressive nelle melodie ispirate dal repertorio popolare della terra del compositore. Sono orchestrate mirabilmente traendo insegnamento dalle abili orchestrazioni di Berlioz e di Liszt, musicisti conosciuti ed amati da Smetana. L'ottima direzione di Guggeis ha permesso una valida restituzione interpretativa dai giovani professori di un' orchestra che ricordiamo essere stata fondata nel 1999 da Daniel Barenboim e dallo studioso palestinese Edward w.Said con lo scopo di unire le culture del Medio oriente. Valide tutte le sezioni della West-Eastern Divan Orchestra, compagine particolarmete equilibrata nelle timbriche, dagli archi alle arpe, ai fiati, spesso emersi come solisti in questo ciclo di poemi, sino alle molto presenti percussioni. Successo caloroso a tutti i protagonisti al termine con numerose uscite del direttore in palcoscenico.

7 maggio 2022 Cesare Guzzardella

La Filarmonica della Scala diretta da Speranza Scappucci

La direttrice d'orchestra romana Speranza Scappucci è tornata alla Scala per un concerto sinfonico classico interpretando brani di Schubert, Mozart e Mendelssohn. Di recente la Scappucci aveva diretto in Scala il belliniano I Capuleti e i Montecchi ottenendo un meritato successo di critica. Questa sera l'impaginato è stato introdotto dall'Ouverture in Stile italiano D 590 di Franz Schubert, un esempio di eccellente sinfonismo nel classico stile del grande viennese che guarda anche alle future modalità romantiche. L'interpretazione ascoltata ha visto un ottimo equilibrio dinamico delle sezioni orchestrali. La Sinfonia concertante per fiati e orchestra K297b di W.A.Mozart, ci ha immerso nel classicismo "galante" tipico del salisburghese con valide esternazioni timbriche dei bravissimi quattro solisti preposti al "concertino" cioè Fabien Thouand all'oboe, Fabrizio Meloni al clarinetto, Valentino Zucchiatti al fagotto e Danilo Stagni al corno. Interpretazione equilibrata dei solisti e particolarmente in evidenza le prestazioni nel bellissimo Andantino con variazioni del finale. Dopo il breve intervallo un'ottima Sinfonia n.4 in la maggiore op.90 "Italiana" di Felix Mendelssohn ci ha portato nella sponda romantica della serata. La chiarezza espositiva della Scappucci, nella restituzione limpida della Filarmonica della Scala, ha reso giustizia al compositore attraverso un'interpretazione molto italiana per un celebre brano che il musicista tedesco ha voluto dedicare all'Italia, dopo un viaggio fatto nel sud dello stivale avvenuto intorno al 1830. Nel '33 portò a termine il fortunato lavoro che trova un incipit tra i più celebri della produzione sinfonica romantica. L'ottima resa della Filarmonica scaligera nella bacchetta di Speranza Cappucci ha entusiasmato il numeroso pubblico presente in teatro che al termine ha tributato sostenuti applausi. Lunedì, 9 maggio, seconda e ultima replica. Da non perdere.

5 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Successo all'ultima replica di Ariadne auf Naxos

Una Scala al completo per l'ultima replica di Ariadne auf Naxos, testimonia il successo per un'opera di Richard Strauss non facile musicalmente e giocata soprattutto sulle abilità vocali e attoriali dei protagonisti. Un'orchestra di ristrette dimensioni, con molti frangenti cameristici, ben delineava gli sviluppi contenutistici del libretto di Hugo von Hofmannsthal e le efficaci voci presenti in scena. La valida direzione di Michael Boder ha dato buona energia alla riuscita regia di Sven-Eric Bechtolf, alle originali scene di Rolf Glittenberg, ai colorati costumi di Marianne Glittenberg illuminati dalle luci di Jürgen Hoffmann. La messinscena complessivamente ha rivelato un'unità d'interventi che hanno reso vitale un'opera complicata nei contenuti, che trova un valido compromesso tra situazioni drammatiche e divertenti. Le due compagnie teatrali presenti nella vicenda si sono ben amalgamate per restituire teatralità all'elegante costruzione scenica. Le ottime voci presenti erano quelle di Sophie Koch, splendida in tutti i registri di Der Komponist, di Markus Werba, valido Ein Musiklehrer, di Krassimira Stoyanova, ottima Ariadne, di Erin Morley, con ottima intonazione e perfetta attorialmente nel ruolo di Zerbinetta, di Stephen Gould, un adeguato Bacchus. Ottimo il terzetto delle Ninfe e bravissimi tutti gli altri. Ricordiamo la prossima opera in cartellone presente da questa sera con il verdiano Un ballo in maschera. Repliche per il 7, 10, 12, 14, 19, 22 maggio. Da non perdere. ( Foto di M. Brescia e R. Amisano dall'Archivio del Teatro alla Scala)

4 maggio 2022 C.G.

Lucas Debargue alle Serate Musicali del Conservatorio

È un fuoriclasse il francese Lucas Debargue. Un pianista che oltre ad una tecnica invidiabile, spesso presente nelle nuove generazioni di virtuosi, ha una capacità di rendere personale uno stile interpretativo che, se pur attento ai dettagli di partitura, gioca anche sulla forza dirompente della restituzione sonora. L'impaginato, presentato tutto difilato al concerto di ieri sera alle "Serate Musicali" di Sala Verdi, proponeva brani di Franck, Ravel, Skrjabin e Liszt. Quello introduttivo, di César Frank, la Fantasia in la maggiore da "3 Pièces pour grand orgue", era un trascrizione per pianoforte dello stesso Debargue: un Andantino reso in modo espressivo che anticipa le capacità rielaborative del francese, che ricordiamo avere molto a cuore l'improvvisazione ed il jazz come testimonia il finale della serata. Un pianista quindi "creativo", che se pur capace di interpretare ottimamente i classici, tende dare, all'occorrenza,, un' impronta personale alle esecuzioni proposte. In linea con le interpretazioni dei maggiori pianisti era il secondo ampio lavoro, Gaspard de la nuit, celebre brano composto da Maurice Ravel nel 1908 e suddiviso in tre parti: Ondine, Le gibet e Scarbo. Debargue ha restituito la coinvolgente composizione con una trasparenza coloristica invidiabile. L'accuratezza dei dettagli e gli evidenti contrasti dinamici, si sono rivelati in modo esuberante nei due brani laterali, Ondine e Scarbo. Il pacato Le gibet centrale, ha trovato una solida riflessività e un perfetto equilibro meditativo, sostenuto anche da quella celebre nota ripetuta ben 153 volte nel corso dell'esecuzione. Un'interpretazione complessiva di altissimo livello quella del francese. La Fantasia in si minore op.28 di A.Skrjabin, prima, e la Fantasia quasi sonata ovvero la "Sonata Dante" di Franz Liszt poi, hanno ancor più evidenziato le qualità virtuosistiche di Debargue. Due esecuzioni dirompenti, ricche di contrasti perfettamente controllati, che rivelano le capacità del solista di penetrare la notazione musicale attraverso una visione ben precisa della musica. Frangenti esasperati, ma di una chiarezza espressiva disarmante, sono emersi soprattutto nella Sonata dedicata al poeta italiano. Applausi sostenuti al termine e tre bis concessi da Debargue: le note semplici e profonde della Sonata n.32 in re minore di Domenico Scarlatti, uno splendido Erik Satie con Gnossienne n.1 e per concludere il celebre Round midnight di Thelonius Monk, brano jazz rivisitato mirabilmente da Dabergue con un finale virtuosistico tutto del francese. Applausi convinti dal pubblico intervenuto in Conservatorio.

3 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Palazzo Marino in Musica con Francesco Manara e Andrea Bacchetti

Oggi, primo maggio, è iniziata l'undicesima edizione di "Palazzo Marino in Musica", rassegna musicale organizzata dal Comune di Milano che propone una serie di concerti domenicali offerti alla cittadinanza milanese alle ore 11.00. L'offerta musicale di quest'anno indagherà sul rapporto tra musica e matematica, sia nei rapporti consolidati tra arte e scienza che dal punto di vista dei nuovi sistemi di produzione musicali lagati al mondo digitale e al computer. Il primo concerto ha visto la presenza di due affermati interpreti quali il violinista Francesco Manara ed il pianista Andrea Bacchetti. Manara, oltre a svolgere un'intensa attività concertistica solistica, è noto per essere da trent'anni "spalla"- (primo violino), della prestigiosa Orchestra del Teatro alla Scala. Il genovese Andrea Bacchetti da decenni è riconosciuto come eccellente interprete del repertorio settecentesco, soprattutto quello di J.S.Bach. Una Sala Alessi gremita di appassionati ha attentamente ascoltato il programma proposto, denominato Tre!, che prevedeva brani di Händel, Mozart, Bartók, Bloch e Saint-Saëns. L'ottima intesa del duo ha messo in rilievo le qualità classiche di Bacchetti nel sottolineare con chiarezza esaustiva ed eccellente equilibrio le splendida linee melodiche del violino di Manara. La Sonara op.1 n.4 di Händel e la Sonata in si bem.maggiore K454 di Mozart hanno messo in rilievo l'equilibrio "matematico" del duo giocato su un'evidente chiarezza coloristica. Le celebri Danze popolari rumene di B.Bartók, Nigun, adagio non troppo di Ernst Bloch e Introduzione e Rondó capriccioso di Camille Saint-Saëns, hanno esaltato l'efficace virtuosismo di Manara, violinista attento ad ogni dettaglio, preciso nei perfetti sopracuti, e soprattutto molto espressivo, sostenuto bene dalle armonie pianistiche di Bacchetti. Splendido anche il bis concesso al termine con il celeberrimo brano Meditation dal Thais di J.Massenet eseguito con profonda espressività melodica. Applausi fragorosi dal pubblico in una sala al completo. Prossimo concerto denominato "La sintesi degli opposti" è previsto per il 5 giugno e troverà Tania Birardi al clavicembalo

1 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Katia e Marielle Labèque al Teatro alla Scala

Ieri sera al Teatro alla Scala, per la serie "Grandi pianisti alla Scala" è salito sul palcoscenico il duo femminile più celebre internazionalmente, quello formato dalle pianiste Katia e Marielle Labèque. Da decenni suonano anche da soliste, in formazioni cameristiche e spesso insieme, impaginando programmi diversificati, dove la tradizione classica si unisce sovente al Novecento e alla musica contemporanea, non rinunciando a volte a trasgressioni nel mondo pop e jazz. Il programma scaligero, presentato davanti ad un pubblico che riempiva il teatro, è un esempio di visione a 360 gradi della musica. Il classicismo di Schubert con la celebre Fantasia in fa min. D 940 per pianoforte a quattro mani è stato anticipato dal Claude Debussy dei Six épigraphes antiques per due pianoforti. Una musica, quella del francese, concepita nel 1901 che nasce dalla lettura di brevi versi poetici dell'amico Pierre Louýs. La traduzione pianistica è breve, poco più di tredici minuti di timbriche deliziose, dal sapore antico, eseguite magistralmente dalle due celebri sorelle, per un'unità sonora perfetta ed espressiva nei colori delicati e profondi. Il romanticismo schubertiano della celebre Fantasia in Fa minore è del 1828, l'ultimo anno di vita del genio viennese. Di notevole profondità e perfetta completezza formale, il brano è stato interpretato in modo introspettivo e senza eccessi dalle Labéque, per un'interpretazione di elevato valore artistico. E' con il bellissimo arrangiamento di Michael Riesman del corposo lavoro dell'americano Philip Glass, Les Enfants terribles, che la serata ha preso una piega più vicina ai nostri tempi. Il lavoro originario per balletto è del 1996, più recente la riuscita versione pianistica per due pianoforti. L'originario minimalismo di Glass trova in questo corposo lavoro formato da un' Ouverture introduttiva e da dieci brani, un'evoluzione particolarmente fantasiosa nelle sequenze di elementi ripetuti con infinite varianti. Le Labèque, conoscitrici profonde della musica di Glass, hanno restituito un'interpretazione accurata e intensamente espressiva, con perfetta sincronia delle parti. Applausi sostenuti e ben quattro bis concessi con il bellissimo Debussy iniziale a quattro mani di Le jardin féerique , ancora Glass, un brano in stile Boogie Woogie per due pianoforti e un'ultimo breve e divertente a quattro mani. Pubblico entusiasta e continue uscite sul palcoscenico con meritati applausi.

1 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli Emmanuel Tjeknavorian e Giulia Rimonda

A volte le cose belle ritornano. Basterebbe questo per descrivere il concerto che sabato 7 maggio riporterà in scena Emmanuel Tjeknavorian nella veste di direttore e Giulia Rimonda in quella di violino solista accompagnati dalla fedelissima Orchestra Camerata Ducale al Teatro Civico di Vercelli (ore 21, concerto in abbonamento). Ritornano, proprio così. Perché Tjeknavorian è già stato in questa stagione ospite del Festival (per l'occasione come violinista), e perché entrambi si sono resi protagonisti nella scorsa edizione di un altro memorabile concerto. Questa è dunque una nuova tappa di un sodalizio artistico tra due musicisti giovanissimi, un concerto che dimostra come la genuina voglia di “fare musica” sappia davvero superare ogni confine: Giulia è infatti il talento di casa al Civico, dove ha debuttato in tenerissima età, ed Emmanuel parte dalla sua Vienna per portare la sua musica in mezzo mondo. Quando si è così giovani lei è da poco ventenne, lui ventisettenne un anno può fare una grande differenza. Non c'è dunque da stupirsi se, dopo un primo concerto già molto denso dal punto di vista musicale, in vista di questo appuntamento i due protagonisti hanno deciso di alzare ancora “l'asticella”, proponendo un programma di incantevole bellezza, ma indubbiamente di notevole impegno. La serata si aprirà infatti con Tjeknavorian a dirigere Rimonda in una vera e propria colonna del repertorio violinistico universale, ovvero il meraviglioso Concerto in mi minore op. 64 di Mendelssohn. Un'opera che richiese al suo autore ben sette anni di lavoro, e che riesce a incarnare mirabilmente quell'appassionato lirismo e quella capacità di rinnovare la tradizione che è il segno inconfondibile della grande musica romantica. A seguire, Tjeknavorian dirigerà l'Orchestra Camerata Ducale in un'altra composizione che possiamo definire “monumentale”, ossia la Sinfonia n. 3 di Beethoven, nota a tutti come l'Eroica. Opera sulla quale sono stati scritti fiumi di parole, e della quale possiamo ricordare ora che, sia per i contenuti musicali sia per la vicenda della dedica, prima concepita e poi negata, a Napoleone, rappresenta una svolta fondamentale nella definizione del ruolo dell'artista e del suo rapporto con la storia, con gli eventi, insomma con il mondo che lo circonda. Un concerto che rappresenta dunque uno dei momenti più significativi dell'intera stagione, e che si rivolge a tutti gli appassionati della grande musica, in particolare ai più giovani.

1 maggio 2022 dalla redazione

 

APRILE 2022

L' Orchestre de Paris diretta da Esa-Pekka Salonen alla Scala

Un concerto di alta qualità quello ascoltato ieri sera al Teatro alla Scala. L'Orchestre de Paris, compagine nata nel 1967 e diretta in questi decenni dai più importanti direttori d'orchestra quali ad esempio Munch, Karajan, Solti, Barenboim, Harding e molti altri, ha visto ieri la direzione del finlandese Esa-Pekka Salonen, musicista noto anche per le sue valide composizioni. L'impaginato, incentrato su brani francesi, ha trovato anche, in posizione centrale, la Suite da Il Mandarino meraviglioso dell'ungherese Belà Bartók. La pacata e introspettiva introduzione della raveliana Pavane pour une infante defunte - versione orchestrale da un brano pianistico composto negli ultimissimi anni dell'800- ha messo in risalto gli eleganti colori dell'orchestra. Il brano bartókiano eseguito subito dopo, ha stravolto il clima musicale per una dirompente miscela di timbriche, dove anche gli strumenti a fiato e quelli a percussione hanno esternato le loro rilevanti qualità espressive. L'eccellente direzione di Esa-Pekka Salonen e la risposta vigorosa dell'orchestra parigina in questo suggestivo lavoro, ha evidenziato l'alta cifra stilistica dei protagonisti. Salonen ha proposto timbriche contrastanti, taglienti e di grande impatto emotivo, esternando in modo chiarissimo i variati elementi ritmici tipici della musica di Bartòk e presenti in questo brano dela fine anni '20 del Novecento. Miscelando perfettamente i colori delle differenti sezioni della grande orchestra, ha trovato modo di far emergere le qualità virtuosistiche degli eccellenti strumentisti, per una restituzione di assoluta rilevanza estetica. Fragorosi gli applausi. Dopo il breve intervallo, il ritorno alla musica francese con la celebre e corposa Symphonie fantastique di Hector Berlioz ha di nuovo esaltato le splendide qualità di questa compagine. Il brano, in cinque ampi movimenti, è del 1830 e rivela le immense capacità d'orchestratore di Berlioz, musicista che rivoluzionerà il modo di fare musica sinfonica. I movimenti, ricchi di contrasti, hanno rivelato la duttilità dell'orchestra, dall'elegante Un bal, tempo di valzer del secondo movimento, all'energia prorompente dei movimenti finali, cioè la Marche au supplice e il conclusivo Songe d'une nuit du Sabbat. Tutte le sezioni sono state esaltate dalla decisa ed elegante gestualità nella splendida direzione di Salonen. Eccellenti i colori degli ottoni e perfetti i molteplici interventi delle percussioni. Il numerosissimo pubblico scaligero, al termine del programma ufficiale, ha esternato fragorosi e continuati applausi e i generosi protagonisti hanno concesso ben due bis. Prima il soffuso ma pregnante colore degli archi nel Ravel de Le jardin féerique, poi l'estroverso e fragoroso Wagner con il celebre Preludio dall'atto terzo del Lohengrin. Una serata con interpretazioni che rimarranno indelebili nei ricordi dei più appassionati spettatori.

30 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Serata mozartiana per l'Orchestra de "I Pomeriggi" diretti da Alessandro Bonato

Una serata interamente mozartiana quella ascoltata ieri sera al Dal Verme. Il giovane direttore Alessandro Bonato alla guida dell'Orchestra de I Pomeriggi Musicali ha proposto due brani diversi, per le timbriche espresse, del grande salisburghese: un concerto per violino e orchestra, il N.5 in La maggiore K 219, e un lavoro cameristico corposo in sei movimenti quale la Serenata per fiati N.10 in Si bem. maggiore "Gran Partita" K 361. A sostenere la parte solistica del noto concerto c'era il violinista salernitano Gennaro Cardaropoli. L'ultimo concerto violinistico di Mozart, nei classici tre movimenti, presenta una rilevante cantabilità che Cardaropoli ha espresso in modo eccellente con tocco preciso, luminoso e ben integrato con la parte orchestrale espressa con equilibrio da I Pomeriggi. Di qualità le cadenze solistiche del concerto, ancor più indicative delle qualità del solista, tra i migliori fra gli italiani della sua generazione. Eccellente il bis solistico con Nel cor più non mi sento, un classico di Niccolò Paganini dove il tema ricco di variazione di particolare virtuosismo, presenta difficoltà tecniche trascendentali superate con disinvoltura da Cardaropoli per una resa espressiva di rilevante qualità. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto al Dal Verme ai protagonisti. Dopo il breve intervallo la "Gran Partita" mozartiana ha messo in risalto le qualita degli strumentisti dell'orchestra. Il bellissimo lavoro - recentemente ascoltato anche dai bravissimi de "LaVerdi" - ha trovato ancora eccellente qualità dai colleghi de "I Pomeriggi". Ottima la direzione di Bonato e la resa espressiva per un lavoro di evidente discorsività, con frangenti di estrema bellezza tipica del genio salisburghese, come nel pregnante e contrastato Tema con sei variazioni del finale. Applausi intensi al temine a tutti gli strumentisti e al direttore. Sabato alle ore 17.00 si replica. Da non perdere.

29 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Presentato al Fazioli Showroom di Milano il Concorso Internazionale Pianistico"Alessandro Casagrande"

Milano, 28 aprile 2022. Torna a Terni dall’11 al 17 settembre 2022 il Concorso Pianistico Internazionale Alessandro Casagrande, giunto alla 32esima edizione, con la direzione artistica di Carlo Guaitoli. Il concorso, che negli anni ha premiato, tra gli altri, Ivo Pogorelich, Alexander Lonquich, Boris Petrushansky, Roberto Prosseda, Giuseppe Andaloro e Herbert Schuch, celebra quest’anno il centesimo anniversario della nascita del pianista e compositore a cui è dedicato, Alessandro Casagrande, prematuramente scomparso a soli 42 anni.Un’edizione che, non ancora iniziata, ha già registrato il primo record, toccando i 189 iscritti. Di questi, 28 sono i pianisti selezionati da Filippo Gamba, Carlo Guaitoli, Alberto Miodini, che parteciperanno alle fasi finali del concorso a Terni (tre prove per pianoforte solo e una finale con l’Orchestra Sinfonica Abruzzese). 12 le nazioni rappresentate dai candidati: Cina, Giappone, Italia, Mongolia, Perù, Regno Unito, Russia, Slovenia, Spagna, Sud Korea, Ucraina, USA. La giuria del concorso, chiamata a incoronare il nuovo talento del pianoforte, sarà costituita da Enrica Ciccarelli (Italia), Romain Descharmes (Francia), Carlo Guaitoli (Italia), Yuka Imamine (Giappone), Piers Lane (Australia), Roland Pöntinen (Svezia), Jerome Rose (USA). Il concorso è stato presentato oggi presso il Fazioli Showroom di Milano, alla presenza di Elena Benucci, Presidente della Fondazione Casagrande, e Carlo Guaitoli, direttore artistico del concorso. “La scorsa edizione, 2018/2019, gli iscritti furono 117 – commenta Elena Benucci – Il risultato di quest’anno è decisamente inaspettato, lusinghiero e crediamo non così usuale nel panorama dei concorsi internazionali, soprattutto in tempi di pandemia”. “Il numero eccezionale delle iscrizioni e il livello altissimo dei pianisti in questa fase di pre-selezioni hanno reso particolarmente lunghi e complessi i lavori della prima giuria – le fa eco Carlo Guaitoli – Per questo desidero ringraziare i colleghi Filippo Gamba e Alberto Miodini che hanno con me condiviso questo compito molto delicato e desidero congratularmi con tutti i concorrenti, tra cui numerosissimi italiani, che hanno dimostrato uno straordinario livello artistico e professionale. Tutto mi fa pensare che sarà un’edizione del Casagrande estremamente ricca, interessante e avvincente”. In palio un montepremi totale di 37.000 €. Al vincitore anche concerti presso prestigiose istituzioni musicali in Italia e all’estero, tra le quali sono già confermate: Società dei Concerti di Milano, IUC-Istituzione Universitaria Concerti di Roma, Fazioli Concert Hall di Sacile, Gioventù Musicale Italiana, Associazione Lingotto Musica di Torino, Orchestra Sinfonica Abruzzese, Associazione Filarmonica Umbra, Amici della Musica di Foligno, Teatro Comunale di Carpi, Emilia Romagna Festival. Anche per l’edizione 2022 Fazioli Pianoforti è content partner del concorso. L’azienda, fondata nel 1981 dall’ingegnere e pianista Paolo Fazioli, nel settore è una vera icona del made in Italy, caratterizzata da passione per la musica e competenza scientifica, abilità artigianale, ricerca tecnologica e severa selezione dei materiali.

28 aprile dalla redazione

Domenica inizia la 42° edizione di Musica a Villa Durio

Si apre il 1 Maggio, la Giornata Internazionale del Jazz, con la 42° edizione di Musica a Villa Durio, stagione musicale di Città di Varallo, diretta da Massimo Giuseppe Bianchi. Il calendario degli concerti comprenderà per quest’anno un’edizione primaverile, dal 1 Maggio al 12 Giugno 2022, quindi una pausa estiva ricca di appuntamenti musicali tra i quali il tradizionale Festival Beethoven organizzato in collaborazione con Musica con le Ali di Milano. I concerti riprenderanno nel mese di Settembre per terminare a Dicembre uno straordinario Concerto di Natale. Musica classica, Jazz, Musica Antica e la consueta attenzione ai giovani talenti, vincitori di prestigiosi premi internazionali, per proporre al pubblico valsesiano un’offerta di alta qualità e una visione su quanto di nuovo accade nella scena musicale internazionale, un programma di grande qualità che si distingue per l'alto livello degli interpreti e per le novità. Il Primo maggio sarà all’insegna del jazz al Palazzo dei Musei con il Trio formato da Lorenzo Bisogno, sax tenore, Manuel Magrini, pianoforte e Pietro Paris, contrabbasso. Una formazione giovane ma dalla forte personalità, all’interno della quale spicca Lorenzo Bisogno, laureatosi vincitore del Premio Nuovo IMAIE e del Premio Massimo Urbani. Domenica 8 Maggio 2022, il controtenore premiato ai Grammy Awards David Feldman e Massimo Giuseppe Bianchi, pianoforte, proporranno un programma di grande fascino dedicato a opere per voce e pianoforte di Elgar, Vaughan Williams e Britten. Già ospite della 40esima edizione e del 3° Festival Beethoven, David Feldman porta a Varallo l’esperienza maturata nei teatri europei come solista di importanti formazioni, tra cui i Vox Luminis con i quali ha appena concluso una lunga tournée tra Spagna, Francia, Belgio e Olanda. I biglietti dei concerti sono acquistabili da subito sul sito Eventbrite al link https:// bit.ly/MVD42 oppure, come di consueto, prima dei concerti al prezzo di 10 euro, mentre i bambini e i ragazzi fino a 12 anni entrano gratis.Sarà possibile prenotare contattando il numero di Musica a Villa Durio, 388 255 42 10, anche con messaggio whatsapp. Per tutte le informazioni è a disposizione l’email: info@musicavilladurio.it ( Foto dall'ufficio Stampa di Musica a Villa Durio)

26-04-2022 Dalla Redazione

LaFil - la Filarmonica di Milano al Teatro Lirico "G.Gaber" per Mendelssohn

Un concerto particolarmente riuscito quello ascoltato ieri al nuovo Teatro Lirico "Giorgio Gaber". La Filarmonica di Milano ovvero LaFil, era impegnata in questi giorni nel "Progetto Mendelssohn 2022". Una serie di concerti dove a quello di sabato è seguito il bellissimo concerto del tardo pomeriggio di ieri. La recente orchestra sinfonica LaFil ha eseguito due brani particolarmente celebri quali il Concerto per violino e orchestra in mi minore op 64 e la Sinfonia in la maggiore n.4 "Italiana", introdotti dalla Ouverture da Concerto op.26 da "Le Ibridi". Sul podio l'eccellente giovane Felix Mildenberger ha diretto la compagine orchestrale che ricordiamo essere formata da prime parti di formazioni provvenienti da tutta Europa e da giovani strumentisti selezionati tra i migliori delle rispettive nazioni. In anni recenti, nel 2018 e nel 2019, la LaFil ha eseguito brani di Schumann e di Brahms con la direzione di Daniele Gatti. Si rimane stupiti per l'alta qualità espressa dalla LaFil in tutti e tre i lavori proposti. Nel celebre concerto mendelssohniano, il solista ventunenne di Stoccolma, Daniel Lozakovich, ha espresso con grande sensibilità i tre movimenti del lavoro terminato dal musicista lipsiano nel 1844 ed interpretato dai maggiori virtuosi al mondo. Lozakovich, oltre alla straordinaria tecnica, testimoniata dai numerosi concorsi internazionali vinti, ha rivelato una notevole sensibilità sostenuta da un tocco molto interiorizzato, preciso e sicuro, ricco di morbidi colori, esternati con ampia escursione dinamica. Eccellente l'equilibrio sinergico avuto con la direzione di Mildenberger e con l'orchestra per un'esecuzione complessiva di alto profilo. Particolarmente espressivo il brano solistico dei primi del Novecento concesso come bis: la Dance Rustique dalla Sonata n.5 di Eugene Ysaye. Le qualità orchestrali sono emerse sia nella Ouverture che nella celebre Sinfonia "Italiana", quattro movimenti, in quest'ultimo brano, esternati con raffinata direzione da Mildenberger, per una espressività giocata su una morbina esecuzione in calibrati contesti timbrici restituiti con volumetrie mai eccessive, ma ben pesate ed equilibrate. Applausi calorosi al termine di ogni brano dalla numerosissima platea intervenuta nell'elegante teatro, luogo ottimale per la musica sinfonica. Da ricordare.

25 aprile 2022 Cesare Guzzardella

LE PERCUSSIONI DI SIMONE RUBINO PROTAGONISTE AL VIOTTIFESTIVAL DI VERCELLI

Ieri sera, 23/04, per il ViottiFestival il Teatro Civico di Vercelli ha spalancato le porte ad un concerto di straordinario interesse, ma anche di (coraggiosa) rottura con i programmi che esso abitualmente propone, legati alla grande tradizione classico-romantica, Protagonista della serata, vero e proprio one man show, è stato il ventinovenne percussionista Simone Rubino, almeno dal 2014, quando ‘si rivelo’’ con un primo premio al prestigioso Festival ARD di Monaco di Baviera, assurto a fama di percussionista tra i più acclamati della sua generazione per virtuosismo e qualità esecutive. Dunque un concerto, quello di ieri sera, dedicato esclusivamente alla musica per percussioni, il che vale a dire impaginato sul predominio assoluto della musica contemporanea, avendo le percussioni acquisito solo dal pieno ‘900, nella musica c.d. ‘classica’ o ‘colta’ che dir si voglia,, un ruolo di primo piano, sino a essere valorizzate addirittura come strumenti solistici, magari integrati dalla musica elettroacustica, a creare paesaggi sonori del tutto ignoti alla civiltà musicale del passato. Il filo conduttore lungo il quale si è dipanato l’ampio programma del recital è stata l’estrema varietà dei colori, dei timbri, dei suoni che il variegato mondo delle percussioni può offrire all’ascoltatore. Il concerto ha dunque preso l’avvio con un pezzo del percussionista-compositore tedesco Peter Sadlo, uno dei maestri e mentori di Rubino: “Variations on Fuga C II”, titolo che non siamo riusciti a decifrare (caso non infrequente nella musica contemporanea). Si tratta di una composizione per varie specie di membranofoni, cioè tamburi. Si comincia dunque col ritmo puro, scatenato in tutta la varietà delle sue dinamiche, ma in genere con un’agogica tendente al massimo della velocità, che subito mette in evidenza il virtuosismo straordinario di questo percussionista. Il ritmo sembra comporsi in una sequenza quasi costantemente ripetuta, con pressoché impercettibili variazioni, evocando esperienze minimaliste. Tutt’altro mondo sonoro, quello realizzato dal successivo “Interzones”, per vibrafono e nastro magnetico, una delle opere più celebri dell’americano Bruce Hamilton. Qui la bravura di Rubino si è manifestata nella capacità di valorizzare al massimo il suono peculiare del vibrafono, un suono caldo, ma variabile in un ampio ventaglio di sfumature, agendo sia sul particolare congegno elettrico che dà o toglie profondità al suono, sia sul pedale di smorzamento che regola la durata della nota emessa. L’Interzones propostoci da Rubino, associando sapientemente i vari registri del vibrafono con lo sfondo sonoro del nastro magnetico, è risultato un pezzo vario ed eclettico, in cui momenti di sapore jazzistico, si alternavano ad altri di più rarefatta e quasi sospesa atmosfera, al limite dell’incantevole.. A seguire un pezzo che propone, ancora al vibrafono, un’esperienza musicale di tipo completamente diverso, in cui l’esecutore non si limita a suonare lo strumento, ma lo accompagna con la sua voce, parlando e cantando i testi di tre poesie di una poetessa italiana contemporanea. Si tratta di “Io guardo spesso il cielo” del compositore Lamberto Curtoni: il titolo è quello di una delle tre poesie della brava poetessa Mariangela Gualtieri, divenuta improvvisamente nota anche al grande pubblico del nostro Paese in occasione dell’ultimo Festival di Sanremo, quando Jovanotti ha recitato una sua poesia. Accompagnandosi al vibrafono, Rubino recita e canta con un discreto falsetto i versi della Gualtieri. Il suono del vibrafono si fa delicato, sensuoso, carico di sfumature e colori diversi: il tutto evoca, in modo vagamente straniante, un madrigale cinquecentesco. Nuova tappa di questo percorso, un pezzo di quello che senz’altro è il compositore più noto al pubblico, fra quelli in programma, anche perché autore di celebri colonne sonore per film, come “La tigre e il dragone”. Stiamo naturalmente parlando del cinese Tan Dun, e il pezzo è “Water Spirit”, cioè la cadenza del “Water concert” per percussioni e orchestra. Il concerto di Tan Dun (1998), una delle composizioni più affascinanti dell’ultimo quarto di secolo, trasforma il rumore dell’acqua in ritmo e suono, il ritmo e il suono profondo della vita. E’ lo stesso risultato che ottiene Rubino, mettendo ancora una volta in evidenza le peculiari qualità del suo virtuosismo. Ovviamente, in primo luogo, un virtuosismo musicale, cioè la capacità di ricavare da due bacinelle d’acqua i più vari ritmi ed effetti sonori, sino a far ‘suonare’ l’acqua, ovvero a rendere significativo il rumore. Ma a integrare questo virtuosismo musicale interviene questa volta anche quello corporeo, la capacità di produrre rumori/suoni e ritmi col proprio corpo, che diviene così parte essenziale dell’esperienza musicale, in una vera e propria performance (nel senso propriamente artistico del termine) di notevole impatto sull’ascoltatore-spettatore: il battito dei piedi, l’effetto sonoro generato dal battersi il volto con le mani etc., uniti agli effetti sonori creati con l’acqua (dallo sgocciolio allo sciacquio) creavano un ritmo che organizzava i rumori al confine del suono: perfetto Rubino nel coordinare corpo e materiale sonoro prodotto con l’elemento liquido. L’integrazione corpo/strumento della performance non è che il primo passo verso una vera e propria teatralizzazione dell’esecuzione musicale: ai confini col teatro è infatti il pezzo dell’americano Casey Cangelosi, giovane percussionista compositore, “the voice of a new generation”, come viene definito oltreoceano . Il suo brano , proposto ieri sera è tra i suoi più riusciti: “Bad Touch”, per percussioni e nastro magnetico. L’esecuzione si colloca già in un’ambientazione teatrale: sul palcoscenico cala il buio, che lascia vedere solo le bacchette illuminate tenute in mano dall’esecutore, pressoché invisibile. L’interprete muove le bacchette, ma non suona, il suo si fa gesto di un attore che muove nello spazio la bacchetta, accompagnando, ‘recitando’ gli eventi sonori del nastro magnetico, in un’atmosfera inquietante e surreale, generata dal mix di suoni elettronici, frammenti di frasi pronunciate da voci umane registrate, e schemi ritmico-musicali, il tutto proveniente da un misterioso mondo di tenebre. La qualità interpretativa di un brano come questo, senz’altro il più ‘sperimentale’ della serata con quello di Tan Dun, si misura sulla capacità di associare e gestire contemporaneamente, tutte queste diverse e frammentarie componenti. E, ancora una volta, ci pare che Rubino abbia assolto al meglio il suo compito. Caratteristica immancabile nei programmi proposti da Rubino è la combinazione della musica moderna e contemporanea con la tradizione, naturalmente ‘riletta’ nel linguaggio delle percussioni. E simbolo quasi archetipico della tradizione è per Rubino J.S. Bach, ieri sera presente con la sua gloriosa Ciaccona dalla Partita n.2 BWV 1004, nella trascrizione per vibrafono del chitarrista e compositore argentino Eduardo Eguez. Cosa lega la sperimentazione più ardita, alle frontiere del rumore e dell’impulso ritmico allo stato puro e l’armonia del contrappunto barocco? Rubino risponde, presentando al pubblico questa Ciaccona, che proprio la trascrizione di composizioni del passato, in particolare dell’età barocca, consente di valorizzare la dimensione armonica e melodica delle percussioni, oscurata dall’uso che ne ha fatto la musica contemporanea, privilegiandone la dimensione ritmico-percussiva. Ciò vale naturalmente soprattutto per quegli strumenti dotati di una potenzialità armonica significativa, e di un suono, come ad es. il vibrafono. Nonostante la nostra idiosincratica freddezza per le trascrizioni, dobbiamo riconoscere che questa Ciaccona in versione per vibrafono non ci ha disturbato, anzi, l’abbiamo ascoltata non senza piacere. Tra l’altro non è una semplice trascrizione a stretto rigor di termini, perché la parte ‘reale’, cioè l’originale bachiano, è stata riservata alla mano destra, mentre per la sinistra è stato scritto una specie di basso continuo. A parte la funambolica bravura di Rubino nel padroneggiare tutte le possibilità offerte dallo strumento, di cui si è fatto cenno sopra, è stato decisamente interessante il colore particolare del suono, un timbro scuro, ma caldo e smaltato in campiture brillanti, che trasporta il capolavoro bachiano in un mondo sonoro certo lontanissimo da quello originario del violino, eppure non privo di una sua suggestione, evocatrice di certe atmosfere barocche virate sul grave e sul funebre. Il programma del concerto vedeva alla conclusione le “Asventuras per rullante (cioè tamburo)solo” del tedesco Aleksej Gerassimov: coetaneo e amico di Rubino e con lui uno dei giovani percussionisti di più ardito virtuosismo, nonché compositore, di oggi. Rubino ha suonato il pezzo dell’amico come una sorprendente ricerca dei più diversi colori e suoni di cui è capace la membrana di un tamburo. Dopo una breve introduzione affidata alla percussione delle sole bacchette, Rubino si è avventato sul rullante investendolo con ritmo frenetico e vorticoso che, ora con le bacchette, ora con una spazzola, ora con la nuda mano, ora infine, con mallet da timpani, esplorando le diverse zone dello strumento, ne ha ricavato una straordinaria varietà timbrica, unita ad una gestione davvero ammirevole, delle dinamiche, dal pianissimo, ai confini del silenzio, al fortissimo. Nei momenti di più vertiginosa rapidità, Rubino ci ha fatto venire in mente ciò che a suo tempo si diceva di Liszt, cioè che sapesse suonare il pianoforte…con tre mani. Il pubblico in sala, meno numeroso del solito (evidentemente qualcuno, per il quale la storia della musica finisce con l’anno 1899, si sarà spaventato leggendo il programma) ha salutato con entusiasmo questo bellissimo concerto, spellandosi le mani in fragorosi e prolungati applausi, ricompensati da Rubino con un bis: un altro pezzo di Curtoni per vibrafono e voce su un testo poetico della Gualtieri, bello e struggente. Serata memorabile, che sommessamente auspichiamo non resti senza seguito.(Foto di M.Reggreve Uff.Stamapa di Vercelli)

24 aprile 2022 Bruno Busca

Il Triplo Concerto di Beethoven con Francesca Dego, Edgar Moreau e Filippo Gorini

Una serata di particolare interesse quella di ieri sera in Auditorium con la Sinfonica Verdi e il direttore musicale Claus Perer Flor. Particolarmente attrattivo il brano di L.v. Beethoven con il suo Triplo concerto in Do maggiore per, violino, violoncello e pianoforte op.56, interpretato da tre giovani solisti affermati internazionalmente quali la violinista Francesca Dego, il violoncellista Edgar Moreau ed il pianista Filippo Gorini. Una composizione, quella del genio tedesco, concepita tra il 1803 e il 1804, con frangenti di altissima qualità espressiva, dove il concertato tra i tre solisti protagonisti raggiunge alte vette espressive. L'ottima direzione di Flor e l'avvincente restituzione orchestrale dell'Orchestra Verdi, ha esaltato gli interventi solistici con un violino, quello della Dego, perfettamente integrato con gli altri due strumenti e con rilevanti interventi solistici; con un violoncello, quello di Moreau, voluminoso e melodicamente efficacissimo e con un pianoforte, quello di Gorini, preciso e controllato nella perfetta sincronia d'intervento. L'unità d'intenti del trio e la resa complessiva hanno contribuito a rendere il concerto di alto livello espressivo. Il pubblico presente ha apprezzato l'esecuzione tributando al termine calorosi applausi e determinando le numerose uscite in palcoscenico dei protagonisti. Bellissimo il bis concesso dai tre virtuosi con un brano di Schumann dai Pezzi fantastici, il n.3, Duetto. Il concerto beethoveniano era stato anticipato da un cameristico lavoro di Mozart: la Serenata n.10 in Si bem. maggiore K361 "Gran Partita". Sette movimenti interpretati molto bene da undici strumenti a fiato e da un contrabbasso, tutti strumentisti della Verdi. Un'esecuzione accurata, nel tipico stile d'intrattenimento del genio salisburghese, per un brano concepito intorno al 1783. Applausi sostenuti. Questa domenica alle 16.00 la replica. Prossimo concerto invece per il 28 aprile, con repliche il 29 e il primo maggio. In programma le ultime tre sinfonie di Mozart. Da non perdere.

23 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Ingrid Fliter diretta da George Pehlivanian in Chopin

Il concerto di ieri sera al Dal Verme con l'Orchestra de I Pomeriggi musicali ha trovato sul podio il direttore libanese George Pehlivanian per due brani, differenti per stile, di due compositori legati al mondo francese quali Fryderyc Chopin e Francis Poulenc. Il grande polacco ottenne la cittadinanza francese nel 1835 e il secondo, parigino doc, è certamente uno dei principali musicisti francesi del '900. Il Concerto n.1 per pianoforte ed orchestra in mi minore op 11 di Chopin, tra i più eseguiti al mondo, è stato sostenuto al pianoforte da una chopiniana quale l'argentina Ingrid Fliter. La Fliter nel lontano 2000 vinse infatti il secondo premio al Concorso Internazionale "F.Chopin" di Varsavia, avviandosi ad una brillante carriera concertistica incentrata soprattutto sulla musica di quel grande compositore. Notevole la disinvoltura della Fliter nell'interpretare i tre movimenti dell' op.11. Elastica, grintosa, espressiva e corretta nell'esprimere le timbriche, dando il giusto peso alle note per difinire l'adeguato equilibrio complessivo. La pianista ha trovato un ottimo appoggio dalla valida direzione di Pehlivanian e dai morbidi timbri dell' orchestra de I Pomeriggi. Momento di maggiore intensità espressiva nel movimento centrale Romanza.Larghetto e massima estroversione e brillantezza nel Rondò.Vivace del finale. Applausi sostenuti e due i bis concessi dalla Fliter con due tra i più noti Valzer di Chopin eseguiti con meditata intensa espressività. Dopo il breve intervallo la Sinfonietta FP 141 di Poulenc ha cambiato completamente il clima musicale. Dal deciso romanticismo al variegato neoclassicismo, con questo creativo lavoro ricco di fantasia e di trovate timbriche, per un brano che si esegue raramente pur essendo di notevole efficacia musicale. Di qualità  l'interpretazione ascoltata. Sabato alle ore 17.00 si replica. Da non perdere.

22 aprile 2022 Cesare Guzzardella

SABATO A VERCELLI: UN PASSO OLTRE- LE PERCUSSIONI DI SIMONE RUBINO AL TEATRO CIVICO

Senza innovazione non ci sarebbe la musica. Anche ciò che oggi è considerato “classico” un tempo è stato “moderno”, e la sua modernità ha sorpreso, stimolato, magari scandalizzato ma spinto a fare un passo avanti. È questo lo spirito di una delle serate più importanti di questo XXIV Viotti Festival, quella di sabato 23 aprile, quando al Teatro Civico di Vercelli (ore 21, concerto in abbonamento) sul palcoscenico sarà unico protagonista il giovane percussionista piemontese di nascita e ora acclamato in tutto il mondo Simone Rubino. Un concerto molto atteso, eppure capace di andare al di là delle aspettative, questo di Rubino. Siamo infatti di fronte non a un pur bravissimo esecutore, ma a un artista completo e inesauribile, nel quale la tecnica mirabolante si sposa a una carismatica presenza scenica. Le percussioni, un tempo semplice complemento dell'orchestra, giungono nelle sue mani al centro della scena, creando un “mondo sonoro” inatteso, pieno di sfumature e incredibilmente affascinante. Un mondo che, tratto caratteristico di Rubino, fa dialogare antico e nuovo spaziando tra le epoche e gli stili.Il programma del concerto è dunque un vero e proprio viaggio di scoperta, a partire dall'evocativa versione per vibrafono della Ciaccona di J. S. Bach (la cui polifonia in fondo si presta ad essere espressa con le percussioni) fino al Water Spirit di Tan Dun, nel quale Rubino manipola con vari tipi di microfono i suoni prodotti da ciotole, bottiglie e altri oggetti immersi in bacinelle piene d'acqua. Sarebbe già molto, ma c'è ancora di più, ovvero le opere di veri virtuosi quali Alexej Gerassimez, Peter Sadlo (già maestro proprio di Rubino), Bruce Hamilton e Casey Cangelosi (definito “il Paganini dei percussionisti”), nelle quali la musica dal vivo si sposa spesso alle tracce preregistrate e il solista dà vita a una vera e propria performance teatrale. Teatro che ritorna in chiusura, con Rubino impegnato non solo con le mani ma anche con la voce in un'opera sviluppata con Lamberto Curtoni sugli splendidi testi della poetessa Mariangela Gualtieri.

21 aprile dalla redazione

Micah McLaurin e Ludovica Rana per la Società dei Concerti

Un programma incentrato su Chopin quello ascoltato ieri sera nel concerto organizzato dalla Fondazione La Società dei concerti. Il pianista statunitense Micah McLaurin, ventottenne di Charleston, e la violoncellista pugliese Ludovica Rana, hanno completato l'impaginato ufficiale con tre brani del genio polacco. Nella prima parte della serata il solo pianoforte dell'eccentrico McLaurin ha espresso ad introduzione il Preludio in do diesis minore op.45 seguito poi dalla corposa Sonata n.2 in si bem.minore op.35. McLaurin, - artista impegnato anche nel mondo pop con rilevante presenza sui "social", pur avendo una solida formazione classica- ha rivelato una forte personalità, interpretando con sicurezza e chiarezza espressiva le note chopiniane. La celebre Sonata op.35 è stata eseguita con taglio espressivo sicuro, valido equilibrio nei quattro movimenti e adeguata personalizzazione. Il frangente più coinvolgente è stato probabilmente il terzo movimento Lento, la nota Marcia funebre, una sezione importante del lavoro, dove l'interprete ha esaltato bene le evoluzioni dinamiche nei momenti più intensi ed espressivi con eccellenti crescendo; poi un chiarissimo conclusivo Finale.Presto, il frangente più "moderno" della produzione chopiniana. Dopo il breve intervallo, la rara Sonata in sol minore op.65 per violoncello e pianoforte ha trovato Ludovica Rana in eccellente equilibrio con la rilevante parte pianistica di McLaurin. Per l'occasione McLaurin ha cambiato l'abito di scena. La coinvolgente discorsività del brano composto da Chopin nel 1845-46 e dedicato all'amico cellista Auguste Franchomme, è stato ben sostenuto nella rilevante componente melodica della espressiva violoncellista, per un' integrazione di ottima fattura in tutti i quattro movimenti. Applausi convinti dal numeroso pubblico intervenuto in Sala Verdi e tre i bis concessi: prima un intenso brano di Bach da una Suite per violoncello solo ben interpretato dalla Rana, poi il solo pianoforte di McLaurin con un suo originale e virtuosistico arrangiamento su temi della pop-star Lady Gaga; a conclusione il duo in un eccellente Rachmaninov col celebre Vocalise. Successo meritato.

21 aprile 2022 Cesare Guzzardella

IL MAESTRO P. ORIZIO E GUIDO RIMONDA CON LA CAMERATA DUCALE A VERCELLI

Il concerto del Viotti Festival di Vercelli programmato in un primo tempo per tre settimane fa, per cause di forza maggiore si è dovuto rinviare a ieri sera, sabato 16 aprile, sull’abituale palcoscenico del Teatro Civico, in un recital che vedeva l’orchestra della Camerata Ducale per l’occasione diretta dal Maestro Piercarlo Orizio con Guido Rimonda nelle vesti di violino solista. Il programma proposto per la serata è stato davvero un bellissimo uovo di Pasqua, pieno di graditissime ‘sorprese’, vale a dire di brani quasi tutti di non frequente esecuzione, tra i quali uno è stato una vera chicca, per rarità e interesse, di quelle che non di rado l’orchestra vercellese offre al suo devoto pubblico: non l’ultimo dei motivi per cui si fa tanto apprezzare!. Il concerto si è aperto e si è chiuso all’insegna di Schubert: il primo brano impaginato era infatti, dalle “Musiche di scena per Rosamunde regina di Cipro”, l’”Entr’acte (cioè una composizione di raccordo tra una scena e l’altra del testo teatrale) n.3, in Si bem. maggiore. La melodia principale di questo breve pezzo è celeberrima, resa nota da altre due famose opere in cui Schubert la riprese: l’Andante del Quartetto in La min. D. 804 (alquanto liberamente) e soprattutto quel gioiello che è l’Impromptu pianistico D.935, ove è ripresa tal quale. Ma l’Entr’acte dalla Rosamunde, in cui quella melodia sbocciò per la prima volta come un fiore miracoloso, non è di frequente esecuzione. La direzione di Orizio ha restituito questo brano un po’ misconosciuto’ in tutto l’incanto della sua freschezza: l’Andantino dell’Entr’acte , sotto la bacchetta del direttore bresciano, ha incantato per la raffinatissima scrittura orchestrale, colla sua inconfondibile timbrica schubertiana, fatta di impasti delicati e caldi affidati al vario gioco degli archi e dei fiati, ma sempre come velata da una sottile nota di infinita malinconia, che il Maestro ottiene con il sapiente chiaroscuro delle dinamiche e lo stacco adatto dei tempi. Aperta e gustata come si doveva questa prima sorpresa dell’uovo pasquale confezionato dalla premiata ditta Rimonda-Orizio, eccoci subito alla supersorpresa della serata: un brano di Beethoven, crediamo, poco conosciuto anche ai più assidui frequentatori delle sale da concerto, un’opera fuori del catalogo ‘ufficiale’ delle composizioni beethoveniane, privo di numero d’opus e scritta da un ‘protobeethoven’ giovanissimo, ancora a Bonn, intorno al 1790, prima del gran ‘salto’ in quel di Vienna: si tratta del “Concerto per violino e orchestra in Do maggiore” WoO 5, in realtà un ampio frammento, le circa 250 battute del Primo Tempo in Allegro di quello che sarebbe dovuto essere il primo concerto per violino di Beethoven e poi lasciato incompiuto, in quella sorta di ‘torso’ musicale che ce ne è rimasto. Esistono di questo pezzo lasciato bruscamente interrotto registrazioni discografiche, che lo completano con tanto di cadenza e coda, ma Orizio e Rimonda hanno fatto benissimo, a nostro avviso, a eseguirlo così come ci è effettivamente stato lasciato: nel suo stato di frammento mutilo, una sorta di michelangiolesco ‘non finito’. Si tratta di un brano di notevole interesse, in quanto anticipa alcune caratteristiche del futuro stile violinistico maturo del Maestro di Bonn. Questo Beethoven ancor ventenne è già chiaramente al di là di Mozart: se ne è staccato per una concezione più monumentalmente sinfonica del concerto, per una superiore ricchezza e varietà nell’armonia e soprattutto per una energia e ricchezza di virtuosismo nel trattamento del violino, quasi invadente nella sua esuberanza. Oseremmo dire che in alcuni momenti, più che Mozart Beethoven tenga presente il nostro Viotti, considerandolo, a quel tempo, modello più ‘moderno’ e attuale di quello del cigno salisburghese. Possiamo dunque dire che Rimonda, oggi il più autorevole interprete e studioso di Viotti, non solo in Italia, abbia ‘giocato in casa’ nell’eseguire questo brano di Beethoven: eccellente nell’esecuzione tanto dei momenti più cantabili, quanto in quelli di più intensa assertività, con la solita olimpica sicurezza nel dominio delle parti più improntate al virtuosismo, Rimonda svariava anche su una tavolozza di colori ampia e cangiante, dall’intenso lirismo realizzato con una cavata calda e morbida, a una più cupa e fremente energia cui davano voce adeguata i registri più gravi del suo ‘Noir’. In questo abbozzo di concerto, l’orchestra si integra col violino in un costante dialogo, gestito al meglio dalla Camerata Ducale sotto la guida inappuntabile di Orizio. Il terzo uscito dall’uovo di Pasqua offerto ieri sera al pubblico vercellese, un pezzo ‘minore’ e perciò anch’esso non molto frequentato di P.I. Ciajkovskij: la Sérénade mélancolique op.26, brano concertante per violino e orchestra. Non fa certo gridare al capolavoro, ma è senz’altro un’opera di piacevole ascolto, in cui lo strumento solista svolge un ruolo essenziale per conferire all’insieme un tono di soffusa e pacata cantabilità. Il dialogo tra orchestra e solista tocca il suo punto più alto proprio in apertura di pezzo, quando all’introduzione orchestrale breve, di colore livido e gravido di inquietudine, con forte presenza degli archi gravi, segue la voce del violino, appena scurita, che attacca un canto di, appunto, malinconica elegia, il tema principale del breve brano: Rimonda sa far cantare meravigliosamente il suo strumento, dando al suono dolcezza e cullante mestizia. Poi, come uno scatto improvviso, dalle quattro corde spicca il volo un secondo canto, diverso, più luminoso, che quando viene ripreso successivamente coi suoi trilli sembra evocare il libero volo di un fragile uccello, che pare voler fuggire l’ostinato ripetersi, ad opera dell’orchestra, del malinconico tema principale, con cui si conclude mestamente la Sérénade: bravissimi, ancora una volta Rimonda e Orizio nel dare voce e colore a questo intrecciarsi di stati d’animo, di sentimenti, trovando sempre l’intensità di suono, il timbro, i tempi e le dinamiche adeguate. Un po’ più noto è il quarto pezzo in programma, l’Ave Maria di Bruch, in realtà, ieri sera, presentata come la trascrizione di una trascrizione. L’Ave Maria nasce come trascrizione per violoncello e orchestra, ad opera dello stesso Bruch, della c.d. ‘Scena della preghiera’ dal suo oratorio “La croce di fuoco”. Ieri sera ne abbiamo ascoltato la trascrizione per violino e orchestra. L’Ave Maria di Bruch è un colloquio dell’anima col divino espresso con il suono in luogo della voce. Dopo l’introduzione orchestrale che prepara con il suo ritmo grave e solenne il momento sacro, ecco la voce del violino che dopo una prima sezione, un cantabile pacato e di sonorità densa, suonata benissimo da Rimonda, che esprime una volontà di pace dello spirito, si fa inquieta e agitata, quasi drammatico anelito al cielo e alla salvezza, che il violino esprime con improvvisi movimenti di rapide scale discendenti e ascendenti, di tempi rapidissimi e sovracuti. Il ritorno alla prima sezione della preghiera, in cui l’orecchio coglie benissimo l’illuminarsi del passaggio dal minore al maggiore, non è però totalmente privo di inquietudine, come suggerisce un brusco passaggio di ottave nel violino e una martellante serie di accordi ribattuti del “tutto” orchestrale, prima che la preghiera si plachi finalmente nel suo esito rasserenante. Ancora una volta, eccellenti Rimonda e Orizio nell’intesa solista-orchestra, nella scelta dei tempi e nei risultati raggiunti nella ricerca dei colori e delle dinamiche. A confermare l’impressione che la musica da film si sia ormai conquistata un suo posto nei recital di musica ‘classica’, sta il bis concesso da Rimonda e Orizio: un brano da una delle più note colonne sonore mai scritte, tanto da avere un suo titolo, indipendente da quello della pellicola per cui fu composta: “Smile”, scritta da Charlie Chaplin nel 1936 per il suo film “La vita è bella”. In chiusura un’opera di immensa celebrità, uno dei capolavori assoluti di Schubert, la Sinfonia n.8 in si min. universalmente nota come l’Incompiuta. E’ stato giustamente osservato più volte, come l’Incompiuta segni l’approdo di Schubert, nel genere della sinfonia, ad una completa maturità, emancipata con grande originalità da qualsiasi modello, a partire da quello beethoveniano. Eppure, qualcosa dell’empito eroico beethoveniano, e qualcosa anche di quella grandiosa unità che caratterizza la Quinta di Beethoven, ci pare di riconoscerle, sia pur riespresse con tutt’altro stile compositivo, in questa creazione schubertiana, tra le più perfette che la storia della musica conosca. Diciamo questo perché l’interpretazione di Orizio, bellissima, ci è parsa valorizzare precisamente uno Schubert, che, in particolare nel primo tempo, per drammaticità ed inquietudine e per trascinante energia eroica, specie nello sviluppo e nella coda, non sarebbe neppur pensabile senza l’esperienza beethoveniana. Quello che più si ammira nella direzione di Orizio è la cura precisa del dettaglio timbrico: nessuna voce strumentale è mai oscurata dal possente magma sonoro del primo tempo, tutti gli strumenti sono fatti suonare magnificamente, dai violoncelli e poi violini che con sfumata malinconia espongono il secondo tema, come il ricordo lontano di una danza, al trasognato impasto dei legni cui è affidato il motivo precedente, agli ottoni, in particolare ai tre tromboni che nello sviluppo hanno addirittura parti melodiche. Sempre valida la scelta delle dinamiche, raffinata nel conferire il ‘respiro’ giusto all’andamento discendente che caratterizza tutti i principali temi e motivi di questa parte dell’Incompiuta. La bacchetta di Orizio evoca nel secondo tempo, con altrettanta bravura, l’atmosfera di mesta rassegnazione che lo impronta: sotto la bacchetta del Maestro bresciano il suono dei vari strumenti si fa più leggero, al limite dell’arabesco, come quella distesa melodia, prima al clarinetto, poi all’oboe che è il secondo tema, o l’indimenticabile pianissimo su cui si spegne il tempo e la sinfonia. Esecuzione tra le più belle da noi ascoltate negli ultimi anni di questa meraviglia musicale, degna conclusione di una serata musicale di grande qualità, che ha meritato i lunghi applausi del numeroso pubblico in sala.

17 aprile 2022 Bruno Busca

Presentato alla Scala il nuovo libro di Francesco Maria Colombo: L'Aristocratico di Leningrado

L'Aristocratico di Leningrado - Viaggi tra musica, arte, cinema, letteratura, fotografia e cocktail, il nuovo libro di Francesco Maria Colombo è stato presentato al Ridotto Arturo Toscanini del Teatro alla Scala. Colombo è direttore d'orchestra, giornalista, fotografo, romanziere, esperto di cocktail e con infiniti altri interessi. Ha parlato della sua nuova opera letteraria, in questo speciale tardo pomeriggio promosso dagli Amici della Scala e dalla casa editrice Ponte alle Grazie, insieme al compositore Filippo del Corno e al musicologo Emilio Sala. La nota diffusa in rete dice questo "Questo libro racconta di arte e di artisti: è la risposta più semplice a chi si chiedesse cosa troverà in queste pagine. Più precisamente potremmo parlare, con la terminologia di Walter Benjamin, di una passeggiata tra costellazioni. Le stelle sono le arti, gli artisti e le loro creature; e a mostrarci le costellazioni che li uniscono, tra un segreto svelato e un gioco del caso, è l’autore: che ci guida a fare, con i nostri occhi e le nostre orecchie, le sue stesse scoperte. Billy Wilder e il Tristano, Rodenbach e Vertigo di Hitchcock, Karajan e Brigitte Bardot, Šostakovič e Truffaut, Nabokov e Brassens: che cosa li collega? Mentre osserviamo una nuova costellazione ci sembra di sentire quella musica, di leggere quelle pagine, di guardare quel film, di ricordare quella fotografia. Non di rado, la notte delle costellazioni si rovescia in un sottosuolo doloroso. Ma intanto sotto quel cielo abbiamo passeggiato, in buona compagnia".

14 aprile 2022 C.G.

ll pianista Seleem Ashkar per la Società dei Concerti

Il pianista israeliano Seleem Ashkar ha finalmente potuto riprendere i concerti milanesi dopo i continui rimandi degli scorsi anni per motivi legati alla pandemia. Ieri sera, in Conservatorio, nella riuscita serata organizzata dalla Società dei Concerti, ha impaginato un programma incentrato su Beethoven con due sue corpose sonate, ma con anche due brani romantici di Chopin e di Brahms: la Ballata n.3 op.47 del primo e le Due Rapsodie op.79 del secondo. Il Beethoven di Ashkar è certamente di ottima fattura: energico, estremamente equilibrato nella stesura dei movimenti, e completamente interiorizzato per una restituzione di alto profilo tecnico-espressivo. Sia la Sonata in do maggiore op.2 n.3, eseguita all'inizio della serata, che la celebre "Appassionata", in fa minore op.57, terminante il programma ufficiale, hanno trovato un interprete determinato nella fluente discorsività di lavori tra i suoi favoriti e nei quali eccelle. Bene anche i brani degli altri due compositori. Probabilmente meglio la risoluta espressività di Brahms con le architetture ben delineate delle due ampie Rapsodie, entrambe con deciso taglio esecutivo ricco d'intensità, rispetto uno Chopin che, se pur ben delineato nella sua esposizione, non ha trovato quel gusto tipico dei grandi interpreti storicizzati o viventi, soprattutto ma non solo polacchi. Ottimo il bis concesso con il celebre Träumerei di Robert Schumann, settimo brano dalle Kinderszenen Op.15. Applausi calorosi del pubblico presente in Sala Verdi ampiamente meritati.

14 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Danilo Rea e Ramin Bahrami al Teatro Parenti per FRO

Un concerto particolare quello di ieri sera al Teatro Parenti. Due noti musicisti, il pianista classico Ramin Bahrami e quello jazz Danilo Rea, hanno trovato un punto d'unione nel nome di J.S.Bach. Conosciamo il Bach di Bahrami, un ottimo interprete che ha fatto del grande genio tedesco una ragione di vita nella costante interpretazione delle sue immense opere. Danilo Rea è tra i più affermati jazzisti italiani con studi musicali classici e con indubbie capacità d'improvvisazione. È proprio sulla componente dell'improvvisazione che è nato "Bach is in the air", uno spettacolo dove i più celebri brani di Bach, a partire dalla celebre Aria dalle Variazioni Goldberg, sono eseguiti classicamente, come da spartito da Bahrami, e hanno trovano varianti con spunti jazzistici nelle mani di Rea. Il risultato , che potrebbe far rimanere basiti i puristi di Bach, trova invece una resa estetica interessante dal punto di vista della creatività musicale, con frangenti di particolare luminosità. L'impaginato dopo l'introduzione dell'Aria, prevedeva brani tra i più celebri del grande tedesco, come il Preludio iniziale dal Clavicembalo ben Temperato, l'Aria sulla quarta corda, la nota Siciliana e moltissimi altri. Le varianti melodiche e armoniche estemporanee di Rea, o l'inserimento improvviso di brevissimi spezzoni di melodie molto popolari - c'era anche Gershwin con Summertime- hanno spesso stravolto l'integrità bachiana per un Bach-Rea a volte di luminosa leggerezza, a volte di brutale integrazione, comunque interessante nella proposta complessiva. Il numeroso pubblico presente in teatro ha molto apprezzato l'originale proposta dei due pianisti in una serata ben organizzata introdotta e animata da Max Laudadio a favore di FRO - Federazione radioterapia oncologica- , da oltre trent'anni vicina ai pazienti oncologici (www.fro.care ). Sul palco anche il prof.lorenzo Livi, punto di riferimento per la Radioterapia Oncologica e altri ospiti che hanno sostenuto l'attività di FRO. Chi volesse sostenere FRO può fare un versamento su IBAN IT 29 O 0892270372000000413411 o per il 5x1000 al C.F. 94023880480

13 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Luisa Sello e Le Agane al Museo del Novecento

Continuano i pomeriggi musicali organizzati al Museo del Novecento milanese. In Sala Fontana alle ore 17.00, un interessantissimo concerto con un gruppo di sei flautiste, quelle di Luisa Sello e de Le Agane, hanno interpretato brani di nove musicisti. Ma non è un concerto di soli brani quello cui abbiamo assistito: è un lavoro di teatro e danza, dove la musica ha certamente un ruolo essenziale, ma trova una logica unitaria d'insieme con tutte le componenti artistiche presenti, a cominciare dal racconto sulle Agane. Sono personaggi mitologici particolarmente noti in Carnia, come spiriti dei corsi d'acqua, che a volte si trasformano in fate o in streghe. Sono state raccontate da Luisa Sello, nota flautista internazionale e ideatrice del riuscito spettacolo. Rendono ancor più accattivante la messinscena le coreografie, con passi di danza sostenute dalle sei flautiste e ideate da una di esse - Ilaria Prelaz-, e i costumi, cinque neri e uno blu- quello della Sello- , spesso integrati con vivaci foulard e con colorate maschere. Flauti, flauti in sol, ottavino, flauti basso, hanno suonato insieme o in alternanza, fermi o in movimento, unendo brani contemporanei, ricchi di effetti coloristici, ad altri più "classici" dal sapore antico. Si sono succeduti brani di Berthomieu, Baratello, Bichof, Clark, Corazza, Piazzolla, Selby, Zanettovich e uno della stessa Luisa Sello denominato Echi. Esecuzioni raffinate, da perte delle protagoniste, che hanno rivelato un alto livello tecnico interpretativo, sia individualmente che coralmente. La Sello, a conclusione del pomeriggio musicale, ha voluto presentare le più giovani compagne d'avventura, Le Agane nei nomi di Sara Brumat, Veronica Bortot, Ksenija Franeta, Tijana Krulj, Ilaria Prelaz. Due i bis concessi con uno struggente "Il signore delle cime" di Giuseppe De Marzi e il celebre Libertango di Astor Piazzolla, ben arrangiato per sei flauti. Fragorosi applausi al termine per uno spettacolo particolarmente originale e certamente di qualità.

13 aprile 2022 Cesare Guzzardella

PROSSIMAMENTE GRANDE SOIRÉE AL CIVICO: GUIDO RIMONDA DIRETTO DA PIER CARLO ORIZIO

Sabato 16 aprile 2022 al Teatro Civico di Vercelli , Via Monte di Pietà 15, ore 21 Guido Rimonda al violino e Pier Carlo Orizio alla direzione dell' Orchestra Camerata Ducale eseguiranno musiche di F. Schubert , L. van Beethoven, P. I. Čajkovskij e M. Bruch Certe volte vale la pena aspettare. Esempio ideale è l'appuntamento che il XXIV Viotti Festival, aveva in programma per lo scorso 26 marzo e che purtroppo è stato rinviato a sabato 16 aprile, sempre al Teatro Civico di Vercelli. Ne è valsa la pena, si è detto, perché protagonisti saranno Guido Rimonda, ovvero il solista residente e fondatore del Festival, un direttore d'orchestra d'eccezione come Pier Carlo Orizio e, naturalmente, l'Orchestra Camerata Ducale, “colonna” della rassegna concertistica vercellese. La serata sarà aperta e chiusa da Schubert: allo splendido ma poco eseguito terzo Entr'acte da Rosamunde “risponderà” idealmente la celebrata Incompiuta, vero manifesto della poetica schubertiana il cui finale mai scritto si dice confluì proprio in un altro brano di Rosamunde, in un intreccio il cui mistero forse non sarà mai chiarito. Tra queste due ammalianti pagine, il pubblico potrà scoprire il fascino di un'altra opera incompiuta, ossia il Concerto WoO 5 di Beethoven, ma anche lo struggente lirismo della Sérénade Mélancolique di Čajkovskij e la sospesa perfezione dell'Ave Maria di Bruch, della quale l'autore fu tanto soddisfatto da separarla dalla composizione di cui faceva parte – La croce di fuoco – e pubblicarla come pagina autonoma. All'ascolto, una scelta che si rivela quanto mai condivisibile. (Foto Orizio da Ufficio Stampa di Vercelli)

13 aprile  Dalla redazione

DA VIVALDI A MORRICONE AL VIOTTI FESTIVAL DI VERCELLI

Ieri sera, Sabato 9 aprile, il nuovo appuntamento al Teatro Civico di Vercelli con il Viotti Festival, organizzato dalla Camerata Ducale, prevedeva un recital cameristico, con un duo violoncello-pianoforte formato da due strumentisti francesi di ormai consolidata fama internazionale: il giovane violoncellista (26 anni) Edgar Moreau, vincitore, tra l’altro di un prestigioso premio Rostropovic e il pianista David Kadouch, che a soli tredici anni suonava già al Metropolitan di New York. Il programma impaginato per l’occasione si caratterizzava per la varietà stilistica, cronologica e di ‘genere’ delle composizioni proposte: da due sonate barocche, una di Vivaldi, la n. 5 in Mi minore delle 6 dell’op. 14 RV 40, e una di Benedetto Marcello, la n.1 op.2 in Fa maggiore, proseguendo con la Suite italienne n.1 di Stravinsky ( eseguita però come seconda composizione della serata) che il compositore russo-americano trasse nel 1932 dai brani più famosi del balletto Pulcinella, trascrivendoli per violoncello e pianoforte e per concludere con Paganini, di cui si è eseguita la famosa “Sonata a preghiera” vale a dire l’Introduzione e Variazioni sulla quarta corda in Fa minore sul tema ‘Dal tuo stellato soglio’ dal Mosé di Rossini, concepita originariamente per violino solo e orchestra da camera, ma che poi, dato il successo, ha avuto diverse trascrizioni, tra cui quella per violoncello e pianoforte ascoltata ieri sera. Tra Stravinsky e Paganini Moreau e Kadouch hanno inserito la versione per violoncello e pianoforte di brani di tre delle più celebri musiche da film composte da Ennio Morricone: quelle per i film “C’era una volta il West”, “Mission” e “Nuovo cinema Paradiso”. Ci pare evidente l’idea di musica che ispira un tale programma, un’idea che ha dominato per quasi due millenni la musica occidentale profana, cioè quella di una musica concepita come intrattenimento, nel senso più nobile del termine, sia come piacevole appagamento dell’udito, gradevole flusso di sensazioni sonore, grazie ad una forma elegante e di gradevole e raffinata melodiosità e armonia, sia come esibizione delle capacità virtuosistiche dell’esecutore. Un’idea di musica che, intendiamoci, non viene meno con la rivoluzione romantica che attribuisce alla musica un significato totalmente nuovo e di abissale profondità nella vita spirituale dell’uomo, anzi può affiorare ancora in pieno ‘900, ad es. in alcuni momenti del neoclassicismo stravinskiano del “Pulcinella”, che nasce proprio dall’incantata riscoperta di quel mondo sonoro di dolce eleganza della musica settecentesca italiana di Pergolesi (o presunto tale). Insomma, per citare le parole di Busoni, riportate nel programma di sala, “Non sentimento o metafisica, ma musica al cento per cento”. In tale quadro può rientrare più che legittimamente la musica da film, destinata ad accompagnare le immagini e il racconto del genere di spettacolo d’intrattenimento più tipico della modernità, il cinema. E i due interpreti hanno perfettamente dato voce a questa musica “al cento per cento”, entrambi, ciascuno col proprio strumento, distinguendosi per un suono di trasparente e soave leggerezza, per una limpida dolcezza della cavata melodica, per un suono, insomma tipicamente ‘francese’, nella sua luminosa chiarezza. Il ruolo di primo piano della serata è naturalmente toccato a Moreau. Moreau è un violoncellista di notevole spessore interpretativo, capace di dare voce a mondi sonori molto diversi tra loro: molto bella l’interpretazione delle sonate ‘da chiesa’ (cioè con lo schema di successione dei tempi Lento, Allegro, Lento, Allegro) di Vivaldi e Marcello, in cui la morbida e delicata cavata del giovane Maestro francese ha saputo dare pienamente voce, specie nei due tempi lenti, a quel carattere ‘amorevole e lamentevole’, che secondo il compositore secentesco Charpentier sarebbe proprio della tonalità di mi minore (Vivaldi), ma vale anche per la composizione di Marcello: un patetismo tenuto sempre nei limiti di una impeccabile eleganza formale, con un archetto che stacca le note, sia nei legati, sia nei balzati, con ottimo controllo delle dinamiche e un’arcata melodica di rara fluidità. La duttilità interpretativa di Moreau appare poi evidente nella Suite di Stravinsky, dove quell’ ispirazione un po’ grottesca e spiritosa, da opera buffa, che circola nella Serenata e nel Finale, trova la sua adeguata espressione nei pizzicati e nei passaggi rapidi sui registri bassi, gestiti con notevole abilità, e controllo efficace dei vari passaggi agogici nel dialogo con il pianoforte. Infine, con la “Sonata a preghiera” paganiniana, è emerso in tutta la sua bravura il Moreau virtuoso, già nella terza proposta del tema con un ampio ricorso agli armonici e soprattutto nelle tre variazioni e nel finale, con una diteggiatura acrobatica su tempi rapidissimi, salti vertiginosi di ottava e sovracuti che s’innalzavano ai limiti del silenzio. Pur svolgendo inevitabilmente un ruolo non protagonistico, il Kadouch che abbiamo ascoltato ieri sera ci ha fatto venir voglia di ascoltarlo da solista: stacca un suono che unisce perentoria energia e dolce fluidità, dando alle note, di volta in volta, una delicata velatura di trasognata malinconia (Vivaldi e Marcello, il tema della Suite stravinkyana) o la nettezza allegra del ritmo puntato di una marcia (il Tempo di marcia, appunto, delle Variazioni rossiniane di Paganini).E’ stato un ‘partner’ ideale per Moreau, con cui ha mostrato perfetta intesa. Un breve discorso a parte va riservato alla presentazione dei brani di Morricone: niente da ridire sul fatto che la musica da film entri nelle sale da concerto della c.d. ‘musica classica’,; del resto avviene ovunque e sempre più spesso. Semmai ci sarebbe da domandarsi perché, per quanto ne sappiamo per esperienza personale, la musica da film sia solo quella di Morricone e tutt’al più di Rota, quando il ‘900 ci ha regalato tanta altra splendida musica da film, da Prokofiev a Korngold a Jolivet, tanto per citare i primi nomi di una folta schiera che ci vengono in mente. Ma il problema, per quanto riguarda il recital di ieri sera, non è certo questo, ma il modo in cui è stata presentata la musica di Morricone, ovvero in una trascrizione (ignoriamo se dei due interpreti o di chi altro) per violoncello e pianoforte. La musica da film, nella grande maggioranza dei casi e in particolare nel caso di Morricone, è concepita per orchestra, vive di effetti orchestrali, il suo respiro è orchestrale. La suggestione che emana dalla colonna sonora di “C’era una volta il West” nasce dalle sempre efficaci e splendidamente variopinte scelte timbriche di quel grande allievo di Petrassi che fu Morricone. Tutto questo mondo sonoro va fatalmente perdendosi completamente in una trascrizione per violoncello e pianoforte, fino a rendere quasi noiosa una musica così coinvolgente quando è eseguita nella sua veste originale. A parte questo rilievo, è stato un bel concerto, applaudito a lungo da un pubblico accorso numeroso come sempre. Per dovere di cronaca, va detto che Moreau e Kadouch hanno regalato al pubblico due bis, che hanno presentato in inglese, ma di cui non abbiamo capito, né riconosciuto gli autori. Ce ne scusiamo con gli eventuali lettori.

10 aprile 2022 Bruno Busca

La Sinfonica Verdi diretta da Maxime Pascal per Colasanti, Weill e Bartòk

Tre compositori tra '900 e contemporaneo sono stati proposti dall'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi", per l'occasione diretta da Maxime Pascal. Tre brani che hanno in comune la lontananza dal mondo romantico e la modernità del nuovo linguaggio musicale iniziata nel primo decennio del 1900. Il brano di K.Weill, il Concerto per violino e orchestra a fiati Op.12 è del 1924, quello di B.Bartok, Musica per strumenti a corde, a percussioni e celesta del 1936 e quello contemporaneo di Silvia Colasanti, Cede pietati, dolor - Le anime di Medea per orchestra del 2007. Il primo eseguito in Auditorium ieri sera, è stato quello della compositrice romana. Un lavoro particolarmente espressivo con un impatto orchestrale ben marcato sin dalle prime battutte, e una situazione di suggestiva resa emotiva per le nette e risolute timbriche, spesso taglienti e ricche di contrasti. In linguaggio tonale, costruito su linee melodiche di pochissime note, il brano ispirato dai versi di Medea di Seneca, ha ancora una volta messo in rilievo le abilità costruttive della Colasanti, una tra le più affermate ed eseguite compositrici italiane e internazionali viventi. Il successivo brano del sassone Kurt Weill, ha trovato come protagonista la violinista moldava Patricia Kopatchinskaja, un'interprete nota internazionalmente per le sue qualità virtuosistiche, soprattutto nel repertorio novecentesco e contemporaneo, e per la sua eccentricità che la vede affermarsi anche gestualmente in modo intelligente, sottolineando anche mimicamente peculiarità timbriche dei brani eseguiti. Il concerto di Weill, di rara esecuzione, è particolarmente interessante per l'approccio coloristico dell'orchestra a fiati, il suo utilizzo cameristico con fondamentali interventi solistici che si sommano o si alternano al protagonista violino solista dell'eccellente Kopatchinskaja. I tre ampi movimenti del corposo lavoro, hanno lo stile tipico tra espressionismo e Gebrauchsmusik ("musica d'uso") che ha caratterizzato in parte la musica tedesca di quegli anni con compositori come appunto Weill e ancor più Paul Hindemith. L'influenza del cabaret di Bertolt Brecth si riscontra in lontananza anche in questo lavoro di Weill con i pregnanti timbri dei fiati e gli interventi del violino aiutati dalla sorprendente gestualità della solista. Ottima, come nel precedente brano, la direzione del giovane direttore francese Maxim Pascal, esperto nel repertorio contemporaneo e del Novecento. Divertente il bis concesso dalla Kopatchinskaja: un suo brano per violino e clarinetto dove ha coinvolto, nel gioco di relazioni timbriche, il bravissimo Fausto Ghiazza, primo clarinetto della Sinfonica Verdi. L'ultimo lavoro di Bartoķ, il brano più celebre, ha visto ancora un'eccellente direzione e una ottima resa espressiva in tutte le sezioni dell'Orchestra Verdi. Applausi del pubblico intervenuto e replica da non perdere per domenica alle ore 16.00.

9 aprile 2022 Cesare Guzzardella

La violoncellista Julia Hagen ai Pomeriggi Musicali

Il concerto de I Pomeriggi Musicali diretti da James Feddeck prevedeva tre lavori, il primo di un compositore vivente, Andrea Melis, classe 1979, era una prima esecuzione assoluta. Composto per l'Orchestra de I Pomeriggi Musicali, Visio Maragdina - Quasi una Passacaglia è un lavoro di circa dieci minuti di durata, dal carattere riflessivo, sostenuto da note lunghe che trovano inizialmente la sezione degli archi più gravi ad enunciare una pacata melodia poi appoggiata, ripetuta e ampliata delle altre sezioni dell'orchestra. Una musica d'atmosfera, in ambito tonale con una coralità che penetra con facile assimilazione al primo ascolto. Il brano, ben costruito, è stato apprezzato dal pubblico che ha tributato applausi anche al compositore salito sul palcoscenico. Il secondo brano era probabilmente il più atteso per la presenza di una giovane solista al violoncello. Julia Hagen, è un'emergente cellista ventisettenne nata a Salisburgo. Si è impegnata nel bellissimo Concerto per violoncello e orchestra n.1 in do maggiore di F.J.Haydn, un lavoro classico di straordinaria qualità sia nei movimenti laterali, il Moderato e l'Allegro molto finale, sia nella riuscita e pregnante melodia dell'Adagio centrale. La Hagen ha espresso con rigore tecnico, ma soprattutto con elegante espressività, le melodie haydniane dimostrando un ottimo tocco e una profonda discorsività nell'esprimere i fraseggi col suo voluminoso strumento. Splendida l'esecuzione. Dopo l'intervallo, valida l'interpretazione della celebre Sinfonia n.3 op.55 "Eroica" di L v.Beethoven, diretta con piglio energico da Feddeck per una resa ancor più di valore nell'Allegro molto. Finale. Fragorosi applausi al termine. Sabato alle 17.00 si replica. Da non perdere.

8 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Il Concerto De' Cavalieri e Vivica Genaux in Conservatorio

Un' eccellente serata musicale quella ascoltata ieri sera in Conservatorio ed organizzata dalla Fondazione La Società dei Concerti. Il gruppo orchestrale "Concerto De' Cavalieri", diretto da Marcello Di Lisa, è tra le formazioni barocche più apprezzate in Italia e internazionalmente. L'ottimo impaginato prevedeva brani di Corelli, Händel, Vivaldi, Hasse, Porpora e Brioschi/Hasse. Alcuni con l'ausilio dello splendido mezzo-soprano Vivica Genaux. Il Concerto grosso op.6 n.4 di Arcangelo Corelli, due Concerti di Vivaldi, tra cui quello per Due violini e archi op.3 n.5 insieme all'Ouverture da Rinaldo di Händel hanno ben individuato l'alta cifra espressiva della formazione cameristica giocata su una raffinata capacità coloristica prodotta da tutti i bravissimi strumentisti. In alternanza con i concerti, le Arie cantate dalla Genaux sono state Cara sposa dal Rinando di Händel, Son qual misera colomba dal Cleofide di J.A. Hasse, Alto Giove dal Polifemo di N.Porpora, Lascia che io pianga ancora dal Rinaldo e Son qual nave da Artaserse di Brioschi/Hasse. Tutte hanno fatto emergere la deliziosa vocalità della statunitense Vivica Genaux. Una voce dove la perfezione tecnica e l'agilità sono unite ad un bellezza evidente del suo timbro e ad una discorsività appassionante. Applausi fragorosi al termine del programma ufficiale e un bis altrettanto valido con ancora Antonio Vivaldi e la sua splendida aria Agitata da due venti dall'opera Griselda.

7 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Pierre-Laurent Aimard per un Bach esemplare

Uno dei più importanti interpreti di musica del '900 e contemporanea, ha portato in Conservatorio, in una serata organizzata dalla Società del Quartetto, la musica di Johann Sebastian Bach. L'impaginato prevedeva l'esecuzione completa del Libro Secondo BWV 870-893 del Clavicembalo ben temperato, monumento musicale del genio tedesco, che oltre ad avere uno scopo didattico, essendo universalmente eseguito dagli studenti di Conservatorio, rappresenta una delle più alte opere di Bach. I ventiquattro Preludi con le relative Fughe - oltre due ore la durata complessiva d'esecuzione - sono stati equamente distribuiti in due parti, separate dal breve intervallo. Pierre-Laurent Aimard, francese, classe 1957, non ha bisogno certo di presentazioni, essendo tra i massimi specialisti al mondo di Stockhausen, Ligeti, Benjamin, Boulez, e di molti altri grandi nomi riferibili al Secondo Novecento e prima di loro anche di Messiaen. Il fatto che oggi porti nelle sale da concerto la musica di Bach dimostra la molteplicità degli interessi di un pianista che da giovanissimo, a meno di vent'anni, divenne il solista della parigina Ensemble Intercontemporain. Come interprete bachiano ci ha stupito. Con una mirabile tenuta tecnico- espressiva ha elargito un'interpretazione di altissimo livello in tutti i ventiquattro brani, considerando il Preludio e la Fuga come elemento unitario. Stupisce la capacità di Aimard di modulare il linguaggio stilistico e l'espressività in ciascuno dei ventiquattro numeri, creando una varietà incredibile di possibilità d'approccio e rendendo sempre nuovo l'evento sonoro. Splendidi i Preludi, alcuni più celebri di altri, e ancor più mirabili le Fughe, interpretate con una chiarezza espositiva esemplare nel fare emergere le singole voci, i contrappunti e la complessa logica costruttiva del sommo Bach. Dai momenti di sobria riflessione di alcuni preludi alle repentine e leggere discorsività di altri, tutti ci sono apparsi di pregio, e le fughe, ricche di chiarezza e di accenti nell'esposizione del tema, hanno trovato un intreccio nelle ripetizioni tematiche con escursioni dinamiche esemplari. Un esempio di grande Bach quello di ieri sera, che grazie alle mani fatate di Aimard e alla sua intensità riflessiva ed espressiva, ha fatto trascorre le oltre due ore di musica rapidissimamente. Un concerto memorabile, per un interprete applaiditissimo dal pubblico presente in Sala Verdi. Splendido il bis concesso con un brano esemplare di Ligeti, Autunno a Varsavia - il n.6 dal primo volume di Studi- in perfetta concordanza con il Bach ascoltato per i livello delle strutture costruttive e polifoniche, anche se dal carattere tragico. Dedicato da Aimard alle vittime della tragica guerra in Ucraina, come da lui detto poteva essere titolato Autunno a Kiev o a Maripoul. Splendida serata.

5 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli

TRA I SECOLI A PASSO DI DANZA: MOREAU E KADOUCH AL TEATRO CIVICO. Se è vero che il tempo ben speso passa in un attimo, il concerto di sabato 9 aprile al Teatro Civico di Vercelli (ore 21, concerto in abbonamento), capace com'è di volare leggero su tre secoli di musica, apparirà breve come un respiro. Eppure si tratta di uno degli appuntamenti più importanti del XXIV Viotti Festival, in quanto dà il benvenuto a Vercelli a due interpreti acclamati in tutto il mondo: il violoncellista Edgar Moreau e il pianista David Kadouch. Fortemente voluti dalla Camerata Ducale, organizzatrice del Festival, Moreau e Kadouch sono arrivati giovanissimi alla ribalta internazionale e da anni sono una presenza fissa sui più prestigiosi palcoscenici del mondo, forti di una musicalità e di un'espressività che lasciano ammirati sia il pubblico sia la critica. Quando si esibiscono insieme, come nella serata vercellese, formano un duo che spicca per la profondità dell'interpretazione e allo stesso tempo, in uno dei “miracoli” riservati solo ai grandi musicisti, per la sublime leggerezza con cui affrontano il loro repertorio. E il concerto del Civico è un perfetto esempio delle loro magistrali capacità: passa infatti con disinvoltura dal fascinoso Settecento di Vivaldi e Marcello all'Ottocento di Paganini per arrivare alla meravigliosa Suite Italienne di Stravinskij e a un florilegio di celebri pagine di Ennio Morricone, del tutto a suo agio – cosa che avrebbe sicuramente apprezzato – nel confronto con i “monumenti” della musica classica.

dalla redazione 5 aprile 2022

Giovanni Bertolazzi alle Serate Musicali

È un giovane promettente del concertismo internazionale Giovanni Bertolazzi. Veronese, classe 1998, ha vinto numerosi concorsi internazionali e ultimamente, nel 2021, un 2° Premio al prestigioso Concorso pianistico internazionale "F.Liszt" di Budapest. La sua passione per il musicista ungherese ha trovato esplicazione nel bel concerto di ieri sera, organizzato in Conservatorio da Serate Musicali. Un impaginato interamente dedicato a Liszt, con brani tra i più ardui per spessore virtuosistico. Tutti noti i cinque brani in programma e alcuni di essi celeberrimi, come Après une lecture du Dante.Fantasia quasi Sonata, eseguito ad introduzione e la Sonata in si minore eseguito al termine del programma ufficiale. Non si discute l'alto livello tecnico di Bertolazzi. Quanto alla qualità interpretativa, complessivamente di rilievo, abbiamo trovato il pianista in crescendo nel corso delle esecuzioni. La "Sonata Dante" ha visto un interprete solido e determinato, a volte eccessivo nelle volumetrie e nell'uso del pedale di risonanza. Di maggior pregio il brano conclusivo. La Sonata in si minore ha trovato un pianista raffinato, ricco nella tavola dei colori ed equilibrato nelle esternazioni dinamiche. Un'interpretazione certamente di alta qualità. Validi i tre brani intermedi, dai 12 Studi di esecuzione trascendentale il n.11 Harmonies du soir e il n.13 Chasse- neige. Quindi, ancor più valida, la Rapsodia ungherese n.12 in do diesis minore, di rara chiarezza espressiva. Tre i bis concessi da Bertolazzi, tutti di ottima resa: dal virtuosistico e melodico Vecsey-Cziffra col Valse triste, al celebre cavallo di battaglia di Arthur Rubinstein, la Ritual fire danse di Manuel De Falla, e dopo tanto virtuosismo, la tranquillità di Bach con l'Aria sulla quarta corda nella celebre trascrizione pianistica di Siloti. Ottimo concerto e convinti applausi del pubblico intervenuto in Sala Verdi.

5 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Riccardo Chailly e l'Orchestra e il Coro della Scala per la Sinfonia n.2 "Resurrezione" di Mahler

Una delle più monumentali opere di Gustav Mahler, la Sinfonia n.2 in Do minore "Resurrezione", ha trovato sul podio scaligero ieri sera, alla seconda e ultima replica, Riccardo Chailly. Monumentale non è soltanto il lavoro in cinque movimenti, ma anche la compagine orchestrale comprensiva di ampio Coro e di due voci femminili soliste. La sinfonia ebbe una lunga gestazione iniziata nel 1887 ed arrivò a conclusione nel 1894, con una prima esecuzione a Berlino nel 1896. Chailly è un esperto di Mahler. La conoscenza del grande sinfonista maturata nel corso degli anni con orchestre italiane ed europee, come ad esempio la Gewandhausorchester Leipzig, hanno portato la sua cifra direttoriale nelle articolate sinfonie, ad una raffinata resa espressiva, giocata sulla cura di ogni dettaglio, sulla chiarezza delle timbriche e sui giusti equilibri negli impasti sonori. La risposta al suo coinvolgente gesto, da parte dell'Orchestra della Scala , del grandioso Coro curato in modo eccellente da Alberto Melazzi e delle due ottime voci soliste, ovvero il soprano Erin Morley e il contralto Anna Larsson, è stata straordinaria. Una qualità interpretativa dove la trasparenza di ogni frangente musicale è emersa con afficace resa espressiva, sia nei momenti maggiormente cameristici che in quelli di grande estroversione orchestrale e corale, partendo dall' iniziale Allegro maestoso. Mit durchaus ernstem und feierlichem Ausdruck, sino al monumentale Im Tempo des Scherzo. Wild herausfahrend, rappresentazione della resurrezione ad una vita ultraterrena. Di qualità sia la voce della Larsson che quella della Morley. Applausi fragorosi e numerose uscite dei protagonisti in un teatro ancora colmo di pubblico. ( Foto di Brescia e Amisano a cura dell'archivio della Scala)

4 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Maria Gabriella Mariani alla rassegna milanese Lieti calici agli "Amici del loggione del Teatro alla Scala"

Un simpatico e riuscito incontro musicale e... anche di ottimo aperitivo.., quello tenuto questa mattina agli Amici del Loggione della Scala, nella milanese via Silvio Pellico. Mario Marcarini, organizzatore, discografico e musicologo, ha portato davanti al pianoforte della capiente sala degli Amici, la pianista e compositrice napoletana Maria Gabriella Mariani. L'artista da alcuni anni vive a Campobasso, ed è anche autrice di validi romanzi. Nella breve intervista concessami, ha raccontato la sua storia musicale iniziata in tenera età con studi serissimi di Conservatorio, e perfezionamenti con il grande Aldo Ciccolini, dopo aver conosciuto anche Vincenzo Vitale, grande didatta della scuola napoletana. Come interprete ha realizzato numerosi Cd aventi come base la scuola francese di Debussy e Ravel, ma anche con molto Schumann. La passione compositiva è avvenuta dopo, nel 2008, per motivi accasionali, e da allora l'inserimento di suoi lavori nei concerti, come nei recenti dischi, è avvenuto puntualmente. Nel valido concerto di circa un'ora, davanti un numeroso pubblico, abbiamo ascoltato alcuni suoi brani. Sono caratterizzati da una parte iniziale scritta in modo rigoroso sul pentagramna, e da una finale dove la Mariani ha dato sfoggio delle sue abiltà d'improvvisazione. La sua interessante ed immediata cifra stilistica, in ambito tonale, trova riferimenti nel mondo da lei più amato, quello francese di fine ottocento e dei primi decenni del '900 (Debussy, Ravel e Poulenc), ma anche nel repertorio italiano, soprattutto dell'Italia centrale e del sud. Infatti Il suo accentuato "lirismo" è una caratteristica privilegiata, e la sua capacità improvvisatoria nasce anche dalla sua ricca esperianza in ambito interpretativo concertistico. Sin dal suo primo brano, Ologramma: Tema Variazioni, Finale e Improvvisazione, l'approccio stilistico, dal taglio tradizionale ma comunque caratterizzante di un linguaggio personale, è risultato evidente. Le semplice melodia iniziale, dal sapore antico, ha subito nel corso dell'esecuzione, variazioni e complessità armoniche, sino a trasformarsi in una sorta di finale senza fine, improvvisato con valida abilità discorsiva. Anche nel più breve secondo lavoro presentato, ha mostrato il suo stile narrativo, legato ai personaggi che spesso emergono nei suoi romanzi. Di grande impatto estetico il brano finale, concesso come bis, titolato Nenè Waltz, che inizia con un guizzo improvviso virtuosistico e termina brevemente sempre nel suo stile improvvisatorio. Una bella mattinata di musiche con un lieto calice di vino, un meraviglioso Dolcetto.

3 aprile 2022 Cesare Guzzardella

A VERCELLI SERATA CAMERISTICA CON I GIOVANI DELLA CAMERATA DUCALE JUNIOR

A conferma, se mai ce ne fosse bisogno, del ruolo sempre più importante che con gli anni si è venuta conquistando la Camerata Ducale nel panorama delle orchestre italiane, è l’intelligente ed efficace attenzione che essa dedica da anni ai giovani musicisti, avviandoli e formandoli all’attività concertistica, sia in ambito sinfonico che cameristico. Con un lavoro attento di selezione e valorizzazione dei più promettenti diplomati di vari Conservatori italiani, sostenuto anche da istituzioni come la romana Accademia Avos Project, la Camerata Ducale ha ‘figliato’ in questi ultimi anni una Camerata Ducale Junior, costituita di giovani strumentisti, di età non superiore ai 25 anni, protagonista di una stagione musicale sua propria, che si svolge, con grande successo, parallelamente al Viotti Festival della Camerata Ducale ‘senior’. In occasione del recital cameristico di ieri sera, sabato 2 aprile, nella splendida cornice del Salone Dugentesco recentemente restaurato, a rappresentare i giovani della Camerata ducale junior erano Giulia Rimonda (violino), Marco Introna (viola) ed Ettore Pagano (violoncello). Ad accompagnarli nell’esecuzione dei brani in programma erano altri due strumentisti, che hanno già raggiunto la fama nelle sale da concerto e in questa occasione hanno assolto il compito di Maestri preparatori dei tre giovani della CDJ, guidandoli all’esecuzione e poi esibendosi con loro: si tratta del violinista Andrea Obiso, in verità di poco più anziano dei suoi tre giovani allievi/colleghi, ma già primo violino dell’Orchestra dell’Accademia di S. Cecilia, e del pianista Massimo Spada, cofondatore, tra l’altro, di Avos Project. Il programma della serata prevedeva due composizioni celeberrime della letteratura cameristica classico-romantica ottocentesca: il “Trio degli spiriti” (GeisterTrio), titolo con cui è universalmente conosciuto il Trio per archi e pianoforte in Re maggiore op.70 n.1 di L. van Beethoven e il Quintetto in Fa minore per pianoforte e archi di Cesar Franck. Dunque, come primo pezzo in programma è stato presentato il Trio degli spiriti, così chiamato a causa del suo movimento centrale, il cui motivo, stando ad alcuni suoi appunti, Beethoven intendeva utilizzare per la scena dell’apparizione delle streghe in un “Macbeth”, che poi non compose. Il Trio op.70 n.1 è tra le opere a nostro avviso più enigmatiche e perciò più affascinanti di Beethoven: essa vive nel cuore e nella memoria dell’ascoltatore per il radicale contrasto tra i due movimenti esterni, vere esplosioni di energia vitale, energia cosmica fattasi suono, e un tempo centrale tra i più desolatamente nichilistici che la musica conosca, dal timbro livido e tenebroso: come uno sguardo sugli abissi del nulla, che irrompe come una vertigine di totale smarrimento nell’abbandono all’ebbrezza dionisiaca della vita. Non conosciamo riferimenti a questo Trio nell’opera di Nietzsche, ma esso ci pare una delle composizioni più nietzschiane mai concepite. A eseguire questo capolavoro erano ieri sera Giulia Rimonda al violino, Ettore Pagano al violoncello e Massimo Spada al pianoforte. E, diciamolo subito, è stata un’esecuzione di altissimo valore. In generale, possiamo dire che i tre strumentisti hanno saputo valorizzare pienamente le caratteristiche di questo splendido monumento musicale, con un suono ‘spigoloso’ e potente, diremmo ‘demonico’ nei due tempi estremi, realizzato in un dialogo sempre efficace tra gli archi e il pianoforte, frutto di sapienza tecnica ed intesa perfetta. Decisamente bella e coinvolgente l’esecuzione del Largo centrale, nella quale il perfetto lavoro sui contrasti dinamici incessanti nel passaggio continuo tra violino e violoncello del motivo-chiave di sette note, col sostegno degli spogli accordi ribattuti del pianoforte, avvolgeva il movimento in quell’ombra inquietante che è la sua ‘tinta’ sonora più appropriata. Più in dettaglio sono da segnalare alcuni momenti di particolare qualità esecutiva. Fin dal perentorio attacco dell’iniziale ‘Allegro vivace’, colla fulminante testa del tema principale, seguito da una sezione di più distesa cantabilità, l’ascoltatore è stato colpito dal suono perfettamente calibrato del violino di Giulia Rimonda, capace di sprigionare la più intensa energia, come di effondersi in una linea melodica dal legato morbido e suadente, con un suono di intensità e potente proiezione, oltre che di perfetto dominio tecnico, che ha dato la sua impronta decisiva all’interpretazione del movimento, in un dialogo incessante con gli altri due strumenti. Una bravura e una maturità, quelle di Giulia Rimonda, che escono pienamente confermate dall’ardua prova del tempo centrale, dove il suono delle sue quattro corde ha vibrato, con finezza, di quella malinconica desolazione che è la cifra espressiva del pezzo, chiaroscurandola con lo svariare delle dinamiche dal “sotto voce” d’esordio ai “fortissimo” e agli “sforzando” successivi. Una valutazione molto alta è dovuta anche al violoncello di Pagano, eccellente sempre nel dialogo col violino e molto accurato nei dettagli nei momenti in cui ha goduto di una maggiore autonomia, come nella sezione dello sviluppo del terzo tempo, poco prima della ripresa, ove al violoncello l’autore affida una raffinata e tenera melodia, che col suo brunito timbro crepuscolare, sembra anticipare Brahms. Perfetto sostegno ai due archi è stato il pianoforte di Spada, essenziale, nel tempo centrale, per creare, con accordi ribattuti e tremoli, quel clima ‘spettrale’ che lo caratterizza, così come, nello sviluppo del primo movimento, ha pennellato una sapiente sfumatura di color ‘sulfureo’ accompagnando con un che di tortuoso e oscuro l’iniziale elaborazione. del primo tema. Seguiva un altro capolavoro cameristico, ma di ben altra concezione e stile musicale, il Quintetto di Franck. A eseguirlo Giulia Rimonda primo violino, Andrea Obiso secondo violino, Matteo Introna viola, Ettore Pagano violoncello e Massimo Spada al pianoforte. Il quintetto di Franck, con la sua tendenza al monumentale (più di quaranta minuti per tre tempi), l’insistente ritorno ciclico di temi e cellule motiviche, il denso cromatismo di molti passaggi, crea, sotto l’influenza della linea Liszt-Wagner che si andava imponendo negli anni ’70-’80 del XIX sec. su tanta musica europea, una sorta di onda musicale montante, che trascina con sé l’ascoltatore con moto irresistibile, L’ampio ricorso al cromatismo crea delle zone di particolare intensità e suggestione ‘sentimentale’ che hanno spesso autorizzato, insieme con l’indicazione ‘con molto sentimento’ riferita dall’autore stesso al Lento centrale, interpretazioni improntate, appunto, ad un sentimentalismo talora sopra le righe. Non è stato, per fortuna, il caso dell’interpretazione ascoltata ieri sera a Vercelli. I giovani interpreti hanno semmai portato in primo piano, ancora una volta con potente energia di suono, un altro aspetto che pure è presente in questo capolavoro del tardo romanticismo, cioè il contrasto, che talora si fa drammatico, tra il ‘blocco’ degli archi, guidato con autorevolezza e sapienza da Giulia Rimonda e il pianoforte; un contrasto evidente fin da subito, quando il primo violino apre, con un fortissimo “drammatico”, come scritto in partitura, , cui risponde, in antitesi, un “espressivo piano” del pianoforte, suonato da Spada conferendo al ‘suo’ motivo un’aura di trasognata sospensione, stile ‘Pelleas et Melisande’, sfruttando al meglio l’ambiguità tonale del dominante cromatismo. Impossibile passare in rassegna i dettagli di un’opera così densa: non possiamo che ribadire gli elogi per un gruppo di giovani musicisti che ha sfoggiato ad alto livello qualità interpretative già mature, non solo, s’intende, nel dominio tecnico dei propri strumenti, ma nel controllo delle dinamiche, nella giusta calibratura agogica, nella capacità di penetrare le sfumature più sottili e segrete di una partitura densa e complessa, di creare, nel dialogo strumentale, una timbrica, sfumata e di raffinata eleganza, perfettamente adeguata alle sfumature armoniche della composizione. Insomma, la CDJ., per quanto si è visto ieri sera, è già ben più che una promessa, grazie alle qualità dei suoi giovani rappresentanti e, naturalmente, alla bravura dei loro Maestri. Alla fine del concerto, nell’ampio Salone Dugentesco, tutto esaurito, nonostante la ‘concorrenza’ del concerto di Claudio Baglioni, che si svolgeva ieri sera al Teatro Civico della città, sono risuonati a lungo scroscianti e meritatissimi applausi, seguiti da un bis, la ripetizione di un brano tratto dal quintetto di Franck. Serata che ricorderemo a lungo.(Foto dall'ufficio stampa di Vercelli)

3 aprile 2022 Bruno Busca

Honegger con Mozart e Beethoven diretti da Thomas Guggeis

Un programma sostanzioso per il concerto dedicato a Franca Canuti Cervetti, si è svolto ieri sera con replica di domenica. Impaginato ricco, con brani di Honegger, Mozart e Beethoven. Il movimento sinfonico Pacif 231 del compositore francese, di origine svizzera, Arthur Honegger (1892-1955) ha anticipato Mozart. L'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi" diretta da Thomas Guggeis ha interpretato molto bene questo breve lavoro di circa sei minuti che, composto nel 1923, riassume in modo efficace la modernità di una composizione ispirata dal mondo industriale e proiettata nel futuro. Il brano, decisamente Futurista, considerato il periodo di produzione, è un esempio felice, dal punto di vista timbrico e coloristico, di un genere innovativo se pur in ambito tonale. A seguire il Concerto per due pianoforti in mi bem maggiore K365 (1779) di Mozart ha trovato come solisti della testiera Lucas & Arthur Jussen. Due fratelli affermatissimi nel panorama internazionale, dotati di un talento straordinario, che hanno affrontato in modo efficace il bellissimo concerto mozartiano. L'eccellente intesa tra i due giovani interpreti, coadiuvati dalla Sinfonica Verdi, ha portato ad una valida interpretazione giocata sulla chiara esposizione e sulla resa espressiva delle melodie presenti nei classici tre movimenti.. L'alternanza simmetrica delle parti pianistiche, e la bellezza melodica è stata sostenuta sino al notissimo Rondò.Allegro del finale, apprezzato dal numerosissimo pubblico presente in Auditorium che al termine ha tributato fragorosi applausi. I fratelli, visibilmente soddisfatti, hanno concesso un virtuosistico bis per due pianoforti con una splendida rielaborazione di Igor Roma del celebre Valzer di Johann Strauss da "Il pipistrello", in chiave ritmica "sud-americana". Bravissimi! Nella seconda parte del concerto l'attesissima Sinfonia "Eroica" di L.v.Beethoven è stata preceduta dalla lettura dell'ode manzoniana Il cinque maggio, per i duecento anni dalla morte di Napoleone. Una lettura resa con chiarezza espositiva da Massimiliano Finazzer Flory. Ottima l'interpretazione di Thomas Guggeis della Sinfonia n.3 op.55 del genio di Bonn, restituita con dovizia di particolari ed espressività dalla Sinfonica Verdi, per un eccellente equilibrio dinamico complessivo. Ancora applausi meritatissimi. Da non perdere la replica di domenica pomeriggio alle ore 16.00

2 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Meritato successo per il Don Giovanni di Robert Carsen alla Scala

È tornato il Don Giovanni mozartiano per la regia di Robert Carsen. Sono passati oltre dieci anni dalla medesima messinscena, allora diretta da Daniel Barenboim. Nella rappresentazione vista ieri sera, la terza, il Teatro alla Scala al completo e gli applausi tributati al termine, testimoniano ancora una volta la riuscita complessiva di un'opera che trova nell'insieme degli interventi artistico-musicali la sua rilevante riuscita. A partire dalla direzione dello spagnolo Pablo Heras-Casado per una visione equilibrata della partitura, molto rispettosa delle voci e qualitativamente di rilievo interpretativo. Le scene minimali di Michael Levine e i validi costumi di Brigitte Reiffenstuel erano perfettamente funzionali all'ottima regia di Carsen- autore anche delle luci insieme a Peter Van Praet. Una regia studiata per dar corpo attoriale sostenuto alle voci. I protagonisti in palcoscenico, molto in movimento e spesso in unione con le comparse e l'ottimo coro preparato da Alberto Malazzi, hanno riempito le scene spesso spoglie con lo sfondo di grandi quinte che rappresentavano il teatro. Valido il gioco di specchi subentrato in alcune scene nei due lunghi due atti. Di ottima qualità il cast vocale, completamente diverso rispetto all'edizione del 2011 e alla ripresa del 2017. Hanno reso per timbrica e voluminosità tutti i cantanti, ad iniziare da Christopher Maltman, un Don Giovanni con voce perfettamente impostata ed efficace presenza scenica. Stessa validità per Alex Esposito, voce incisiva e presenza scenica brillante quella del suo Leporello, il più applaudito. Sul versante femminile decisamente di qualità Hanna-Elisabeth Muller, una Donna Anna di grande presenza con voce ricca di colori e impositiva nel porgerla. Ottima attrice. Di qualità Emyli D'Angelo, una Donna Elvirà elegante con timbro adeguato al ruolo efficace attorialmente. Valida Andrea Carrol, una piacevole Zerlina, con valida emissione ed intonazione e ben presente in scena. Ancora sul versante maschile, di eccellente fattura la timbrica di Bernard Richter, un Don Ottavio perfetto nel porsi. Bravo Fabio Capitanucci in Masetto e rilevante vocalmente Günther Groissböck un Comendatore impositivo in scena e anche dal palco centrale illuminato insieme a tutto il Teatro. Numerosi i riusciti fuori scena con movimenti anche tra il pubblico presente. Applausi fragorosi a tutti i protagonisti. Prossime repliche per il 2, 5, 10 e 12 aprile. Da non perdere! ( Foto di Brescia - Amisano dall'Archivio del Teatro alla Scala)

1 aprile 2022 Cesare Guzzardella

PROSSIMAMENTE ANDREA OBISO E MASSIMO SPADA CON LA CAMERATA DUCALE JUNIOR

Quando viene riaperto al pubblico un luogo storico che è parte integrante del patrimonio di una città, la scelta migliore è quella di guardare al futuro. È con questo spirito che sabato 2 aprile (ore 21, concerto fuori abbonamento, ingresso gratuito sotto i 25 anni) gli spettatori del XXIV Viotti Festival potranno finalmente ritrovare lo splendido Salone Dugentesco – gioiello medievale e tappa fondamentale della Via Francigena – al termine di una lunga chiusura dovuta ai lavori di consolidamento strutturale al piano superiore. Guardare al futuro, si è detto. E i protagonisti della serata non potrebbero incarnare meglio questo proposito: saranno infatti di scena i solisti della Camerata Ducale Junior, l'orchestra under 25 nata dalla Camerata Ducale ma ormai diventata una brillante e del tutto autonoma realtà musicale, per l'occasione rappresentati da Giulia Rimonda al violino, Matteo Introna alla viola ed Ettore Pagano al violoncello. Il quintetto verrà completato da due Maestri preparatori d'assoluta eccezione come Andrea Obiso al violino e Massimo Spada al pianoforte, ovvero il meglio della nuova generazione italiana di concertisti alla conquista dei palcoscenici internazionali. Oltre a rappresentare un esempio d'eccezione dal punto di vista professionale (chi non vorrebbe ripercorrere i loro passi?), i Maestri preparatori quest'anno non si limitano a seguire e indirizzare le prove del concerto, ma si esibiscono insieme ai giovani della CDJ, dando prova di grande entusiasmo e coinvolgimento. Coinvolgimento confermato dalla collaborazione con Avos Project. In programma : L. van Beethoven - Trio per archi e pianoforte n. 5, op. 70 n. 1 Geister trio C. Franck - Quintetto in fa minore per pianoforte e archi

1 aprile dalla redazione

MARZO 2022

Angela Hewitt per la Società del Quartetto

La musica di J.S. Bach, il principale riferimento per la pianista canadese Angela Hewitt, è tornata in Conservatorio. Il concerto organizzato dalla Società del Quartetto ha visto un numeroso pubblico in Sala Verdi, per un'interprete che ha iniziato la sua carriera concertistica nel nome del grande compositore tedesco e che da alcuni decenni prosegue nell'interpretare l'amatissimo, senza comunque tralasciare altri importanti compositori. La Hewitt divenne infatti nota al grande pubblico a metà degli anni '80 dopo un'importante vittoria ottenuta ad un concorso pianistico tenuto a Toronto nel 1985 e dedicato a Bach, e grazie anche all'uscita - per una prestigiosa casa discografica- di uno splendido CD dedicato al grande musicista tedesco. L'impaginato di ieri sera prevedeva i Quattro Duetti, i Diciotto Piccoli Preludi, la Fantasia e fuga in la minore , l'Ouverture in stile francese in si minore e il Concerto in stile Italiano in fa maggiore. Naturalmente di qualità l'interpretazione della Hewitt. Il suono chiaro, ricco di sfumature ha ben individuato il gioco d'intrecci tra le parti della tastiera facendo emergere le linee melodiche, il ricco contrappunto e ogni particolare costruttivo. Le sonorità dell'ottimo Fazioli ben si prestano alla musica barocca e soprattutto alla musica di Bach, musica precisa, emotiva ma anche molto razionale, che abbisogna di precisioni millimetriche per definire le infinite sue geometrie, e la Hewitt, come architetto musicale ha pochissimi rivali al suo livello. Grande successo, con applausi fragorosi e con due bis ancora bachiani, due corali con il secondo tra i più celebri: dalla Cantata 147 "Jesus bleibet meine Freude" nella trascrizione pianistica di Myra Hess. Ottimo concerto per un'importante interprete.

30 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Giuseppe Gibboni alle Serate Musicali

È tornato a Milano il violinista salernitano Giuseppe Gibboni per un concerto organizzato da Serate Musicali. Insieme al pianista Ingmar Lazar, presente in una parte dei brani, ha impaginato un programma diversificato con alcuni lavori di Paganini, musicista a lui legato avendo vinto recentemente - nel 2021- il prestigioso Premio Internazionale Paganini di Genova. Il primo brano era la Sonata n.3 per violino e pianoforte Op.108 di Johannes Brahms. Una sonata celebre anche per quel Presto agitato che conclude il lavoro, scritto dal grande amburghese nel 1888 e che spesso viene eseguito come bis da molti virtuosi. Valida l'interpretazione. Un netto salto di qualità è stato riscontrato nei successivi lavori. Il ventunenne Gibboni ha proposto tre Capricci dai 24 dell'Op.1 e precisamente il N.1 "L'Arpeggio", il N.5 e il corposo N.24, un Tema con variazioni in la minore. Con i Capricci paganiniani sono emerse in toto le qualità virtuosistiche ed interpretative di Gibboni, eccelse nell'esprimere con apparente facilità virtuosismi d'immensa difficoltà. Di evidente qualità, anche il brano successivo, eseguito dopo il breve intervallo, ossia le Variazioni su un tema tema originale per violino e pianoforte Op.15 di Henryk Wieniawski (1835-1880). Il celebre virtuoso violinista e compositore polacco è debitore della lezione paganiniana. Anche in questo delizioso lavoro, Gibboni, in sinergia con l'ottimo Lazar, ha espresso al meglio le sue naturali qualità per un'interpretazione di alto livello. Il violino solo è ritornato nel brano successivo del compositore russo Alfred Schnittke ( 1934-1998). Titolato "A Paganini", recupera frammenti paganiniani, con una sorta di collage tratto da alcuni Capricci, per uno sviluppo virtuosistico autonomo dove è riconoscibile lo stile politonale del compositore, caratterizzato da colori scuri intensamente espressivi. Gibboni ha trovato la giusta dimensione interpretativa del difficile lavoro del 1982, attraverso timbriche precise, dettagliate dominate da colori scavati e profondi, resi dall'ottimo violino con voluminosa intensità espressiva . Originale il finale che prevede un'ultima nota ottenuta con la "scordatura" della corda più bassa. Eccellente interpretazione. L'ultimo brano in programma era la celebre "La Campanella", dal Concerto n.2 op.7 di Paganini che ha ancora trovato un evidente apprezzamento dal pubblico intervenuto. Un Campanella brillante, raffinata, in ottimo equilibrio con la parte pianistica eseguita molto bene dal giovane Lazar. Due i bis concessi, il primo in duo, con Hora Staccato, un celebre brano del folclore rumeno di Grigoras Dinicu (1889-1949), quindi il solista con l'Adagio dalla Sonata n.1 per violino solo di J.S.Bach, eseguito splendidamente. Applausi intensi e prolungati ai protagonisti.

29 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Jader Bignamini e Domenico Nordio con l'Orchestra Sinfonica G. Verdi

Programma particolarmente ricco quello proposto dalla "Sinfonica Verdi" con l'importante ritorno alla direzione di Jader Bignamini, attualmente responsabile della Detroit Symphony Orchestra. Tre i brani proposti, con una novità della compositrice romana Silvia Colasanti. Il suo recentissimo Esercizi per non dire addio per violino e orchestra è stato proposto come primo brano. A seguire il Concerto per violino e orchestra op.61 di L.v. Beethoven e quindi, dopo il breve intervallo, la Sinfonia n.9 op.70 di Dmitri Šostakoviç. Nei primi due lavori - non a caso la serata era titolata "Un violino per due" - al violino solista c'era l'ottimo Domenico Nordio. L'intenso e suggestivo concerto della Colasanti si immerge nei ricordi del passato, ricordi molto interiorizzati, attraverso sonorità cupe e frammentate per circa venti minuti, elargite in un unico movimento. Il prevalente impianto tonale rende particolarmente comprensibile il lavoro, giocato su un'alternanza o una sovrapposizione della parte solistica con le profonde timbriche orchestrali, spesso combinate con particolari effetti delle percussioni. La presenza di una sostenuta cadenza violinistica, di circa due minuti, resa con grande espressività da Nordio, assimila il brano ad un classico concerto violinistico, anche se risulta evidente il linguaggio attuale della nota compositrice, tipico dei nostri tempi ma con solidi agganci alla tradizione novecentesca, soprattutto europea ma con influenze mediterranee ed asiatiche. È un lavoro efficace, di ampio respiro che è stato commissionato dalla Sinfonica Verdi e che ha trovato un valido riscontro da parte del pubblico presente in Auditorium. L'eccellente direzione di Bignamini, con elegante e producente gestualità, si è riscontrata anche negli altri due importanti lavori. Eccellenti qualità violinistiche di Nordio anche nel celebre concerto beethoveniano. La discorsività del solista è emersa nei tre movimenti, così come la coinvolgente espressività delle timbriche dell'Orchestra Sinfonica Verdi. Ottimo l'equilibrio tra le parti per una interpretazione dell'Op.61 efficace. Di pregio la Cadenza dell'Allegro ma non troppo sostenuta da Nordio con grinta e profondità. Una maggiore volumetria sonora del dolce e intonatissimo violino di Nordio, avrebbe reso perfetto il concerto. Di particolare rilievo il bis solistico concesso da Nordio con un brano contemporaneo: Intervals dalla Sonata n.2 op.95 per violino solo di Weinberg. Dopo la pausa, significativa la Sinfonia n.9 di Šostakoviç. Cinque brevi movimenti composti dal russo nel 1945, improntati anche da timbriche spesso apparentemente scherzose, permeate però da profonda tragicità. Applausi intensi a tutti i protagonisti. Domani, alle 16.00, ultima replica. Da non perdere.

26 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Successo all' ultima replica di Jewels al Teatro alla Scala

Ieri sera ultima rappresentazione e ancora meritato successo, per il belletto Jewels, lavoro coreografico di George Balanchine ispirato a tre grandi scuole di danza: il Teatro Mariinskij di San Pietroburgo, l’Opéra di Parigi e il New York City Ballet. È in tre parti distinte, e precisamente: Emeralds su musiche di Gabriel Fauré, Rubies su musiche di Igor Stravinskij. e Diamonds su quelle di P.I. Čajkovskij. Presentato per la prima volta nel 1967, Jewels ha una coreografia tutta costruita sulle musiche dei tre grandi compositori. Manca un testo di riferimento, ma le note orchestrali e quelle del pianoforte nel balletto centrale, sono l'unico riferimento. Emeralds e Diamonds seguono stili classici più tradizionali, mentre Rubies interpreta una composizione neoclassica di Stravinskij. I notevoli costumi di Karinska e le preziose scenografie di Peter Harvey hanno reso l'intenzione di Balanchine di voler rappresentare tre pietre preziose attraverso passi di danza eleganti e pieni di coerenti simmetrie. Nella rappresentazione di Emeralds si sono avvicendati solisti quali Gaia Andreanò, Nicola Del Freo, Vittoria Valerio, Edoardo Capolaretti, Alessandra Vassallo, Agnese De Clemente e Federico Fresi, insieme ad un sinergico corpo di ballo. Hanno interpretato con equilibrio le dolci, eleganti e leggere timbriche del francese Fauré tratte da Pelléas e Melisande e da Shylock. Ottima la direzione musicale di Paul Connelly. Ribies è un balletto moderno, che mostra un Balanchine ancor più fantasioso e proiettato verso il futuro.Tratto dal bellissimo Capriccio per pianoforte ed orchestra di Stravinskij, ci troviamo di fronte ad una ballerina solista e ad una coppia, rappresentati dai bravissimi Alice Mariani, Virna Toppi e Claudio Coviello, in sinergia con il versatile corpo di ballo. L'efficace Capriccio è ottimamente interpretato al pianoforte da Roberto Cominati e dagli eccellenti orchestrali. Le particolari e contrastate timbriche dell'originale lavoro, sembrano aver ispirato Balanchine nel generare movenze di danza spettacolari, ricche di simmetrie e di asimmetrie, in perfetta sintonia come la musica. Un balletto convincente diretto con rigore musicale da Connelly. Con Diamonds, costruito sulle musiche di Čajkovskij tratte dalla Sinfonia n.3 (gli ultimi quattro movimenti), torniamo ad un concezione classica del balletto: una coppia di solisti, ieri sera Maria Celeste Lisa e Timofej Andrijashenko, si oppongono o si integrano nel grande corpo di ballo scaligero. L'interpretazione di Connelly e dell'Orchestra del Teatro alla Scala ci è apparsa sinergica con la parte coreografiche per un'interpretazione decisamente valida. Bravissimi i solisti e tutto il corpo di ballo. Successo di pubblico con numerose uscite dei protagonisti. Il prossimo balletto sarà Sylvia dall'11 al 26 maggio con sette rappresentazioni. Da non perdere. (prima foto di Brescia e Amisano Archivio Scala)

25 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Con “Il pianoforte in Ateneo” si apre una nuova stagione cameristica

Cinque pianisti di fama internazionale sul palco dell’Aula Magna in largo Gemelli da marzo a ottobre 2022: si apre così la nuova stagione cameristica in Università Cattolica a Milano grazie all’accordo tra Kawai Italia e lo Studium musicale d’Ateneo. La presentazione è avvenuta lunedì 21 marzo, ore 10, presso la Sala Conferenze della Biblioteca del Conservatorio “Giuseppe Verdi” Il pianoforte è quindi il protagonista di una nuova, straordinaria stagione cameristica milanese in largo Gemelli, nata dalla collaborazione tra Università Cattolica e Kawai Pianos di Hamamatsu, una delle più prestigiose Case produttrici degli strumenti musicali nel mondo. Il progetto “Il Pianoforte in Ateneo. La grande musica a Milano” presentato in una conferenza stampa lunedì 21 marzo, alle ore 10, presso la Sala Conferenze del Conservatorio “Giuseppe Verdi” in via Conservatorio 12 a Milano dove ha partecipato anche il direttore scientifico del Progetto Enrico Reggiani, docente di Letteratura inglese e direttore dello Studium musicale di Ateneo, e il direttore artistico Maestro Davide Cabassi. «Cinque pianisti straordinari - Luca Trabucco, Giuseppe Andaloro, Ingrid Fliter, Carlo Guaitoli e Roberto Cominati - formano una sorta di dream team della tastiera, alle cui mani affidiamo i meravigliosi pianoforti Shigeru Kawai nella cornice prestigiosa dell'Aula Magna dell’Università Cattolica. Una nuova stagione di musica, cultura e bellezza da donare a Milano» - anticipa Davide Cabassi. Il concerto di apertura è avvenuto giovedì 24 marzo nell’Aula Magna dell’Università Cattolica con inizio alle ore 20.45, dedicato a “Maurice Ravel: il piacere squisito di un’occupazione inutile”. Al pianoforte Luca Trabucco. Il calendario completo è il seguente: 24 marzo 2022 Luca Trabucco (Ravel) 21 aprile 2022 Giuseppe Andaloro (Chopin, Rachmaninoff, Ravel) ; 9 maggio 2022 Ingrid Fliter (Haydn, Beethoven, Scarlatti, Schumann) ; 16 giugno 2022 Carlo Guaitoli (Chopin, Janacek, Prokofiev); 6 ottobre 2022 Roberto Cominati (Chopin, De Falla) Foto dall'Ufficio Stampa dell'organizzazione.

dalla redazione 24-03-2022

Joshua Bell in Conservatorio per la Società del Quartetto

Il violinista americano Joshua Bell è tornato ad esibirsi in Conservatorio per la Società del Quartetto. Era venuto nel 2018 con un impaginato classico ed è tornato ancora con quattro autori classici con brani prevalentemete noti. Schubert, Beethoven, Bloch e Ravel si sono succeduti eseguiti ottimamente anche dal pianista israeliano Shai Wosner. La giovanile Sonatina in re maggiore n.1 D 384 di Franz Schubert ha introdotto la serata. È un brano discorsivo, immediato e ricco di fresca inventiva che ricorda, soprattutto nell'Allegro molto iniziale, Mozart. Bell, in ottima sinergia con Wosner, ha espresso elegantemete e con efficace resa espressiva le melodie schubertiane presenti. Di maggior impegno costruttivo il brano successivo di L.v. Beethoven con la Sonata n.7 in do minore op.30 n.2. Un lavoro più complesso, in quattro movimenti, con una parte pianistica più importante, che rivela un compositore maturo lontano dallo stile settecentesco e dal linguaggio personale. La solida intesa tra i due strumentisti ha prodotto un' interpretazione di ottima qualità. Bell, attento ad ogni dettaglio e misurato nelle sonorità garbate, precise e raffinate, ha ben evidenziato la parte solistica, coadiuvato dall'ottima armonizzazione del pianoforte di Wosner. Dopo l'intervallo cambio di stile e periodo storico con due lavori del Novecento. Il primo, meno noto, dello svizzaro- naturalizzato statunitense- Ernest Bloch con la Baal Shem Suite- Tre quadri di vita Cassidica. È un brano del 1923 caratterizzato da una suggestiva ricchezza coloristica definita dalle intense melodie del violino, che esprime arie meditate con citazioni della tradizione yiddish. Le note, molto legate, si succedono con perfetta integrazione dei due strumenti, riflessive nelle prime due parti del brano e di giocosa esuberanza nell'estroverso movimento finale. Eccellente l'interpretazione. Il brano conclusivo, la Sonata n.2 in sol maggiore di Maurice Ravel, è stato composto tra il 1923 e il 1927. È in tre movimenti, molto eseguito, con influenze jazz-blues specie nella seconda parte, un Blues Moderato. Semplici note del pianoforte e del violino s'intrecciano definendo una melodia spezzata ricca di swing. Il virtuosistico Perpetuum mobile.Allegro finale ritrova ancora lo spessore virtuosistico dei protagonisti. Applausi fragorosi e particolarmente toccante il bis concesso con una trascrizione per violino. di rara intensità espressiva, del celebre Notturno postumo n.20 in do diesis minore di F. Chopin. Splendido concerto.

23 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Steven Isserlis e Olli Mustonen per "Serate Musicali"

Una straordinaria intesa tra due strumentisti quella vista ed ascoltata ieri sera in Conservatorio al concerto organizzato da Serate Musicali. Gli estrosi musicisti, il violoncellista inglese Steven Isserlis ed il pianista finlandese Olli Mustonen, hanno trovato unione in quattro brani per violoncello e pianoforte, resi ottimamente con linguaggio personale ed estremamente espressivo. Iniziando con Felix Mendelssohn (18091847) e le Variazioni concertanti in re maggiore op.17, i due da subito sono entrati in sintonia: il pianista con la sua nota tecnica personale, brillante ed efficace, molto precisa nella pur evidente gestualità; il cellista con un'intensa melodicità in perfetta sinergia con le armonie pianistiche. Il virtuosistico brano, composto nel 1829 dal grande lipsiano, ha visto cambiamenti repentini nelle otto variazioni del delizioso tema iniziale, rese molto bene dal duo. Decisamente interessanti i due brani successivi. La Sonata per violoncello e pianoforte del pianista e compositore Olli Mustonen (1967) è del 2006 e, nei suoi quattro movimenti, - Misterioso, Andantino, Precipitato, Con visione - è un esempio felice di musica contemporanea, cosa non scontata. La scrittura, comprensibile, in ambito tonale con momenti di interessanti e ricercate dissonanze, rivela riferimenti storici che vanno da Stravinskij o Prokofiev a certo Messiaen ed altri ancora. La parte pianistica, ricca di virtuosismi espressi in modo chiaro da Mustonen, ha trovato appoggio dall'intensa melodicità di Isserlis, che è entrato perfettamente nel suo importante ruolo. Un ottimo lavoro, meritatamente apprezzato dal numeroso pubblico presente in Sala Verdi con applausi convinti. Il brano successivo, del ceco Bohuslav Martinů (1890-1959), ha destato altrettanto interesse ed è stato reso mirabilmente. La Sonata per violoncello e pianoforte n.3 è del 1952 ed è molto legata al folclore ceco. La costruzione, in tre movimenti, è nel tipico linguaggio del compositore che partendo dal neoclassicismo del primo Novecento , trova una personale modalità espressiva, resa bene dal duo. Il brano che ha concluso il bellissimo impaginato era quello più noto: la Sonata n.3 in la maggiore op.69 di L.v.Beethoven (1770-1827). Originalissima l'interpretazione del duo, con una personalizzazione, in senso virtuosistico e ritmico, valida e caratterizzante. Applausi sostenuti dal pubblico e un bis concesso con un brano intensamente melodico della compositrice francese Cécile Chaminade (1857-1954), Sommeil d'Enfant (1907).

22 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Agli Amici del Loggione il pianista Diego Petrella

Un cambio di programma, per motivi legati alla positività-covid, ha visto la sostituzione del gruppo cameristico Ensemble Festa Rustica che doveva presentare il recente Cd sul compositore Francesco Antonio Vallotti, con un ottimo interprete quale il ventiseienne pianista Diego Petrella. Di lui avevamo già parlato in occosione di un concerto del 2020 in Conservatorio. Vincitore del Premio del Conservatorio di Milano nel 2019 e di altri prestigiosi Concorsi internazionali, il bolognese Petrella ha ancora rivelato le sue ottime qualità eseguendo con maestria J.S.Bach. Mario Marcarini, musicologo, organizzatore e discografico, ha anticipato il breve concerto parlando di Bach e dei suoi contemporanei al numeroso pubblico intervenuto nella sala degli Amici del loggione della Scala. Petrella ha eseguito l' Ouverture in Stile francese n.1 in si minore BWV 831 con padronanza tecnica e rilevante espressività. Due i bis concessi prima con Scriabin e il Poema op.32 n.1 e poi Chopin con un Notturno . Applausi sostenuti da tutti i numerosi presenti e delizioso brindisi con un eccellente vino bianco.

21 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli la Camerata Ducale, Orizio e Rimonda

Sabato 16 aprile 2022 al Teatro Civico, via Monte di Pietà 15, di Vercelli, la Camerata Ducale con Guido Rimonda al violino e Pier Carlo Orizio alla direzione eseguiranno: F. Schubert - Entr'acte III da Rosamunde, Fürstin von Cypern (Rosamunda, principessa di Cipro).L. van Beethoven - Concerto in do maggiore per violino WoO 5, P. I.
Čajkovskij - Sérénade Mélancolique op. 26,M. Bruch - Ave Maria op. 61, F. Schubert - Sinfonia n. 8 Incompiuta in si minore D 759. Da non perdere.

 

 

21 marzo 2022    dalla redazione

Ancora grande successo alla Scala all'ultima replica di Adriana Lecouvreur

Applausi meritati al Teatro alla Scala a conclusione della settima ed ultima rappresentazione dell'opera più celebre di Francesco Cilea (1866-1950), Adriana Lecouvreur. Cilea, nato a Palmi in Calabria, fu autore non fecondo, ma con l’Adriana ebbe notorietà internazionale. Questi ha il merito di aver composto un’opera, nel 1902, molto ricca di raffinate melodie, un passo avanti rispetto al Verismo e se pur con ambientazione settecentesca, con sonorità a volte decadenti non lontane da Wagner o da R.Strauss, ma soprattutto dal sapore pucciniano, con una componente orchestrale con rilevante valenza sinfonica. Sonorità che anche in un allestimento tradizionale, come quello visto ieri sera in un teatro gremito di pubblico, ha ancora una valida ragione di essere apprezzato. La riuscita messinscena, come spesso, accade è dovuta al complesso delle interazioni di tutte le componenti artistiche. La valida regia di David McVicar -ripresa da Justin Way-, le ottime scenogafie di Charles Edwards con i costumi settecenteschi di Brigitte Reiffenstuel, le adeguate luci di Adam Silverman e le corrette coreografie di Andrew George, hanno trovato unione con la riuscita componente musicale, dall'ottima direzione di Giampaolo Bisanti, al suo debutto scaligero e applauditissimo, al coro sempre eccellente di Alberto Malazzi e, naturalmente, al cast vocale che ci è apparso di alto livello, con una punta nella coinvolgente voce di soprano di Maria Agresta. Un'Adriana, la sua, bravissima anche attorialmente con bel timbro, chiaro e delicato ma all'occorrenza incisivo e voluminoso. Yusif Eyvazov è stato un Maurizio Conte di Sassonia vocalmente adeguato in tutti i registri con valide qualità attoriali. Notevole la presenza scenica di Judit Kutasi, una Principessa di Bojillon con voce molto voluminosa ma anche limpida e particolarmente ricca di espressività. Validi Alessandro Spina, adeguato Principe di Bouillon e Carlo Bosi, l’Abate di Chazeuil. Notevole Corbelli in Michonnet. Questi ha sostituito all'ultimo momento Ambrogio Maestri indisposto. La sua splendida capacità attoriale ha ben integrato la sua rilevante vocalità. Bravi tutti gli altri, ballerini compresi. Un'Adriana Lecouvreur che ha degnamente espresso il capolavoro teatrale di Francesco Cilea. Da ricordare! Prossima opera Don Giovanni, dal 27 marzo al 12 aprile con sette rappresentazioni. (Prime due foto di M. Brescia e Amisano- Archivio Scala)

20 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Il Festival 5 Giornate per la musica contemporanea

È iniziata oggi la 16°edizione del Festival 5 Giornate dedicato alla musica contemporanea. Si svolge prevalentemente nel bellissimo spazio dedicato al Museo del Novecento di Milano per l'organizzazione musicale di Alessandro Calcagnile e di Rossella Spinosa. Oggi il programma prevedeva la presenza del gruppo cameristico New Made Ensemble in brani di Manzoni, Sani, Ambrosini, Solbiati, Fedele e Sciarrino. Paolo De Gaspari al clarinetto e Rossella Spinosa al pianoforte hanno introdotto il concerto con un lavoro significativo di Giacomo Manzoni del 1988, Frase per pianoforte e clarinetto. È un breve brano, ottimamente sostenuto dai due validi interpreti, dove le solide timbriche dello strumento a tastiera- con effetti anche nella cordiera- si alternano ai timbri ricercati del clarinetto, ricchi di effetti coloristici ottenuti con una ampia varietà di modi d'approccio ai timbri. Particolarmente valida l'interpretazione. Gli altri cinque brani erano per solo strumento solista. Prima il flauto contralto, con l'ottima Birgit Nolte impegnata in Dialoghi Migranti di Nicola Sani, un lavoro dove anche la gestualità è utile nel definire le soffici e discrete volumetrie, poi il clarinetto basso di De Gaspari per un corposo pezzo di Claudio Ambrosini denominato Capriccio, detto l'ermafrodita; quindi ancora il flauto con un brano di Alessandro Solbiati, "As if to land.." , lavoro che come il precedente si snoda utilizzando lo strumento in una gamma di possibilità totale tra suoni tondi ed effetti ben miscelati nella marcata linea compositiva. Di altrettanta efficacia il successivo brano, sempre per clarinetto basso, di Ivan Fedele denominato "High- memoriam Miles Davis". Vuole essere un omaggio al grandissimo trombettista e, la maggior melodicità del lavoro, se comparata ai brani precedenti, trova anche relazioni col mondo jazzistico. Precisa e dettagliata l'interpretazione. A conclusione un originale brano per flauto di Salvatore Sciarrino, Immagine Fenicia, suonato molto bene e caratterizzato da una sorte di note ribattute e ripetute quasi a creare un effetto eco. Applausi sostenuti ai tre interpreti al termine. Domani alle ore 17.30 il secondo appuntamento con brani di Sani, Castiglioni e Scelsi. Altri appuntamenti previsti i giorni successivi sino al 22 marzo, ultima delle 5 giornate di Milano. Da non perdere.

18 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Il Trio Sitkovetsky per la Società dei Concerti

La Fondazione Società dei Concerti ha portato sul palco di Sala Verdi in Conservatorio il Trio Sitkovetsky, formato dal violonista Alexander Sitkovetsky, dal violoncellista Isang Enders e dalla pianista Wu Qian. È un gruppo di livello internazionale affermato in tutto il mondo. Il programma serale, particolarmente corposo, prevedeva musiche di Beethoven, Schumann e Ravel. Il Trio in Sol maggiore Op.1 n.2, del primo grande tedesco, ha introdotto la serata rivelando l'ottimo equilibrio complessivo della formazione cameristica. La classicità del brano in quattro movimenti, composto da Beethoven in giovane età è stata espressa ottimamente dal gruppo. La rilevante componente pianistica, centrale in questo trio, ha trovato un'interprete precisa, attenta ad ogni dettaglio e mai eccessiva nelle volumetrie perfettamente calibrate e in ottima relazione con i due archi, strumentisti altrettanto precisi ed espressivi. Il Trio di Maurice Ravel, unico nel suo genere, composto nel 1914 da un compositore quasi quarantenne, ha dato una svolta al clima classico precedente, mostrando un lato interpretativo della formazione differente. Il dosaggio delle timbriche e l'impasto sinergico nei colori dei tre interpreti, hanno rivelato sottigliezze del grande compositore francese proiettate nel secondo Novecento e caratterizzate da bruschi cambiamenti di tempo e da volumetrie contrastanti, come quelle degli ultimi due movimenti: da una lenta e progressiva Passacaglia ad un folcloristico Animé finale, esuberante e ricco di accenti. Dopo il breve intervallo, il Trio in re minore op.63 di Robert Schumann, composto nel 1847-48, ha stravolto ancora la compagine cameristica impegnata sul versante romantico, con arditezze armoniche tipiche del secondo compositore tedesco e decisamente innovative per l'epoca. Ancora ottima l'intesa dei tre giovani interpreti accomunati da un'energica e non comune passione per il mondo musicale. Toccante il bis delicato con un breve Beethoven in una melodia tratta dal folclore ucraino. Applausi del pubblico decisamente sostenuti e pienamente meritati.

17 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Meritato successo al Teatro alla Scala anche all'ultima replica di Pikovaja Dama

Sono passati diciassette anni da quando vidi La Dama di Picche per il Teatro alla Scala -allora agli Arcimboldi- nell'insuperata direzione di Yuri Temirkanov. Ieri in un teatro al completo, l'ultima recita ha trovato ancora un meritato successo, con applausi fragorosi protatti per lungo tempo. È un mix di contributi, tutti validi, quelli che hanno portato la più importante opera di Čaikovskij al successo milanese. Dopo la prima rappresentazione con il direttore russo Gergiev, tutte le replica hanno decretato il trionfo per colui che l'ha sostitito nelle quattro repliche previste, Timur Zanziev, tra i più applauditi al termine. I sette quadri, nei tre atti dell'opera su libretto di Modest, fratello del più celebrato compositore, tratte dall'omonimo racconto di Puskin, sono tradizionali nella messinscena, ma certamente tutti di riuscita e spesso di spettacolare resa visiva. Hanno visto l'ottima regia di Matthias Hartman, le appariscenti scene di Volker Hintermeier, illuminate a volte in modo luccicante dalle valide luci di Mathias Märker e i bellissimi costumi di Malte Lubben. Di grande pregio le coreografie di Paul Blackman, che in questa messinscena giocano un ruolo fondamentale, unitamente alla strepitosa parte corale preparata da Alberto Malazzi. Per la componente delle voci soliste non possiammo che essere soddisfatti, vista la qualità complessiva a partire dal sempre presente in scena Najmiddin Mavlyanov ner ruolo del protagonista Hermann, tenore significativamente valido in ogni settore timbrico. Ottima l'incisività e la sua presenza scenica. L'innamorata Liza ha trovato un valido soprano in Elena Guseva, molto espressiva e ancor di più nell'aria forse più bella del terzo atto, con voce ricca di colori e perfetta intonazione. Di decisa presenza scenica e vocalità il mezzosoprano Julia Zerteva, la Contessa, e di altrettanto spessore espressivo il baritono Alexsey Markov, il principe Eleckij. Citiamo almeno le altrettanto valide voci di: Yevgeny Akimov in Čekalinskij, Alexei Botnarciuc in Surin, Sergey Radchenko in Čaplickij, Roman Burdenko nel Conte Tomskij, Matias Moncada in Nuramov, Brayan Ávila Martínez nel Maestro di cerimonie, Elena Maximova in Polina e gli altri. Per concludere ottima la direzione del già citato Zanziev, che oltre a far emergere con evidenza la componente vocale, ha diretto benissimo i professori del Teatro alla Scala definendo in modo dettagliato i colori strepitosi di Čaikovskij, che, come affermato precedentemente nella lontana messinscena del 2005, mettono in rilievo l’anima più russa del compositore, unitamente alla sua passione per Mozart con i riferimenti settecenteschi del secondo atto e alla sfarzosità dell'opera francese. Un lavoro che rimarrà a lungo nei ricordi del fortunato pubblico presente alle cinque rappresentazioni. (prime tre foto di M.Brescia e Amisano a cura dell'Archivio del Teatro alla Scala)

16 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Il pianista Yevgeny Sudbin per "Serate Musicali"

Serate Musicali da molti anni porta in Sala Verdi, nel Conservatorio milanese, il pianista russo, nato a san Pietroburgo, Yevgeny Sudbin. Ieri il programma, come sempre diversificato, ci ha permesso di assistere ad una serie di brani di ampia escursione temporale: da Haydn a Ravel, passando per Beethoven e Chopin. Un programma classico dove il brano più vicino ai nostri tempi era quel Gaspard de la nuit del compositore francese che risale al 1908. Il classicismo di Franz Joseph Haydn (1732-1809) con la Sonata per pianoforte in si minore Hob. XVI/32, ha trovato un ottimo interprete in Sudbin, pianista sicuro e ben attrezzato per un'ampia gradazione dinamica, espressa con controllato equilibrio coloristico. Con Ludwig van Beethoven (17701827) e le Sei Bagatelle per pianoforte op.126, abbiamo assaporato una valida esecuzione, anche se forse non sempre omogenea nello spessore espressivo. La seconda parte della serata, con la Ballata per pianoforte n.4 in fa minore op.52 di Fryderyc Chopin (1810-1849) e poi il già citato Ravel (1875-19), ci è apparsa di maggiore resa emotiva. La celebre ultima Ballata del polacco, molto articolata, ricca di contrasti - dall'intenso melodiare iniziale, alle complesse armonizzazioni centrali- è stata ben intercettata dall'interprete e la sua resa d'indubbia espressività. Decisamente rilevante Sudbin nell'ultimo lavoro, Gaspard de la nuit. I tre corposi momenti, Ondine, Le gibet e Scarbo, che formano una delle maggiori opere pianistiche del primo decennio del '900, hanno visto afficace resa nelle mani del russo, che ha definito l'intreccio timbrico attraverso ottimi parametri interpretativi, calibrando in modo accurato le contrastanti dinamiche ed esternando solido virtuosismo, nel rispetto degli equilibri coloristici complessivi. Il numeroso pubblico intervenuto ha apprezzato l'interprete, elargendo al termine del programma ufficiale, fragorosi applausi. Di notevole qualità i due bis concessi con due Sonate di Domenico Scarlatti tra le più celebri, di cui la prima, quella in Fa minore K 466, di splendido equilibrio estetico esternato con matura riflessività. Ancora fragorosi gli applausi.

15 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Il soprano Alexandra Marcellier e il direttore Giuseppe Grazioli in La voix humaine di Francis Poulenc

È tornato alla direzione dell'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi" Giuseppe Grazioli, direttore milanese che abbiamo molte volte ascoltato in repertori a lui cari, come quelli dedicati al compositore Nino Rota. Ieri sera due compositori francesi hanno animato il palcoscenico dell'Auditoriun di Largo Mahler: prima George Bizet con una selezione di suite da l'Arlésienne (1872), poi Francis Poulenc con La voix humaine( 1958),dal testo di Jean Cocteau che ricordiamo essere stato il riferimento del Gruppo dei Sei, di cui il compositore faceva parte. Due lavori molto diversi, che hanno in comune solo l'eleganza e la raffinatezza musicale tipica dei francesi. Il voluminoso impatto sonoro dell'Ouverture della prima serie di Suite ha rivelato subito la splendida musica di Bizet, giocata su un'evidente capacità d'orchestrazione delle bellissime melodie popolari che l'Arlésienne ritrova. La musica, negli otto momenti scelti per le due serie di suite, descrive con taglio deciso l’evoluzione dei personaggi della popolare vicenda ambientata in Camargue, nei pressi di Arles. Grazioli con una direzione decisa, esuberante e particolareggiata, ha plasmato ottimamente gli splendidi orchestrali della Sinfonica Verdi, rilevanti in ogni sezione dell'orchestra, una compagine spesso fragorosa nell'insieme, come anche nella seducente Marcia finale di Farandole, ma con momenti di pacato lirismo cameristico come nell'Andantino e nel Menuetto dalla seconda suite. Dopo l'intervallo c'è stato un deciso cambio di registro con la celebre piece per voce recitante e orchestra del secondo parigino, Poulenc. La semplice ed elegante messinscena era curata dalla regista Louise Brun, mentre protagonista in scena, il soprano francese Alexandra Marcellier. Nell'unico atto, la donna, raffinata ed elegante, è impegnata costantemente in una telefonata amorosa che alterna momenti affettuosi ad altri di crescenti contrasti, ricchi di tensione, sino alle parole finali con quell'affranto «Je t’aime» ripetuto più volte. Poulenc ha in modo geniale espresso musicalmente l'originale testo di Cocteau, e l'integrazione tra la voce, quasi sempre in recitazione ma con frangenti di alto lirismo vocale, e le pregnanti sonorità orchestrali, è emersa splendidamente grazie all'avvincente direzione di Grazioli e alle qualità attoriali e vocali della Marcellier. Una voce, la sua, con timbrica perfettamente adatta al ruolo de " La voix humaine ". Applausi fragorosi al termine con uscite ripetute dei protagonisti. Bravissimi. Domenica, alle ore 16.00, l'ultima replica. Assolutamente da non perdere.

12 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Il giovane pianista Antonio Alessandri diretto da Valentina Peleggi al Dal Verme

Tre sono i validi motivi d'interesse per il concerto de I Pomeriggi Musicali ascoltato ieri sera e in replica sabato alle ore 17.00: la presenza di un direttore d'orchestra donna, cosa oramai pittosto frequente, ma che ancora incuriosisce; l'inserimento nell'impaginato di un brano di una compositrice che rarissimamente si ascolta; un giovanissimo pianista per un concerto mozartiano. Valentina Peleggi, che ricordiamo essere Direttore Musicale della statunitense Richmond Symphony Orchestra e Direttore Musicale Ospite in Brasile del Theatro de Opera São Pedro, ha infatti diretto l'Orchestra de Pomeriggi Musicali in tre brani tra i quali l'ultimo della francese Louise Farrenc (1804- 1875), con la sua Sinfonia n.3 in sol minore op.39. La Farrenc è stata all'epoca una celebre pianista di livello internazionale e come compositrice, autrice di brani pianistici, cameristici e di tre sinfonie riscoperte solo negli ultimi decenni. Il brano forse più atteso della serata è stato probabilmente il secondo con il Concerto n.13 per pianoforte e orchestra in do minore K 415 di W.A.Mozart per via del giovanissimo pianista milanese Antonio Alessandri, interprete quindicenne allievo di Davide Cabassi. Ad introdurre il concerto, l' Ouverture la Bella Melusina di F. Mendelssohn ha rivelato la spigliatezza del direttore nell'affrontare un brano tipico del musicista tedesco per energia profusa e naturale discorsività. L'ingresso sul palcoscenico del Dal Verme di Antonio Alessandri ha certamente destato interesse sia per la giovene età dell'interprete che per la scelta di un brano non facile del grande salisburghese. Antonio ha affrontato i tre movimenti con straordinaria disinvoltura, fornendo un'interpretazione di ottimo livello, con valida resa stilistica, tecnica fluida ben collaudata, sicurezza e grande musicalità. Certamente un pianista che va seguito nella sua evoluzione nei prossimi anni. Energico il bis concesso con lo Studio n.8 in fa maggiore op.10 di F. Chopin. La Sinfonia n.3 della Farrenc ha visto una valida interpretazione della trentanovenne direttrice. È un lavoro che risente molto dell'influenza beethoveniana con uno sguardo nel romanticismo soprattutto mendelssohniano. Notevole il terzo movimento, Scherzo.Vivace, di incredibile energia musicale e con una calibratissima resa dinamica. Applausi convinti a tutti i protagonisti. Come accennato, sabato la replica. Da non perdere.

11 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Roberto Prosseda con l'Orchestra dell'Accademia del Teatro alla Scala per la Società dei Concerti

L'Orchestra dell'Accademia del Teatro alla Scala, diretta da Pietro Mianiti, è stata ospite della Società dei Concerti per una splendida serata che prevedeva musiche di Mozart e di Schubert. È una formazione di giovanissimi strumentisti quella vista ed ascoltata in Conservatorio per due brani di Mozart e uno di Schubert. Prima il Divertimento per archi n.1 in re maggiore K 136 ed il Concerto per pianoforte e orchestra n.27 in mi bem. maggiore K.595; poi il celebre Quartetto D810 "La morte e la Fanciulla", nella trascrizione per orchestra d'archi di Gustav Mahler. Il Divertimento mozartiano ha rivelato la fluidità discorsiva dell'Orchestra dell'Accademia scaligera che, ottimamente diretta da Mianiti, ha espresso molto bene la leggerezza, in stile galante, del giovanile brano che Mozart compose nel marzo del 1772, non ancora sedicenne. Ben evidenziata la bellezza melodica dei temi presenti nei classici tre movimenti. Il terzo, un Presto ricco di folclore scandito da un ritmo ben evidenziato dagli archi, verrà poi ripetuto come bis al termine del programma ufficiale. Il brano forse più atteso, il Concerto K.595, ha visto la presenza solistica del noto pianista Roberto Prosseda. Nato a Latina nel 1975, nel corso della sua brillante carriera si è specializzato in Mozart, del quale ha inciso in Cd le Sonate e molti concerti. Prosseda ha interpretato con profondità di pensiero e bellezza coloristica il celebre lavoro che ha nella semplicità delle melodie proposte un punto di forza. Il concerto è stato scritto nell' ultimo anno di vita del compositore, il 1791, quasi a simboleggiare di come la semplicità possa racchiudere profondità di pensiero e rilevante bellezza estetica. Il pianoforte ha scavato sino in fondo, evidenziando le semplici note, come quelle centellinate nel Larghetto centrale, servite in un piatto dorato ricco di delizie per le orecchie degli attenti ascoltatori. Ottima la compagine orchestrale nel sottolineare la fondamentale parte solistica. Applausi sostenuti al termine. Due i bis solistici concessi da Prosseda: prima il movimento centrale Andante dalla Sonata in do maggiore K330, interpretata con ancora intensa riflessione e profondità espressiva; quindi, a conclusione, un omaggio ad Ennio Morricone, dopo aver ricordato il ruolo positivo della musica nel riappacificare gli animi umani in questo difficile momento che stiamo attraversando tra fine covid e vicina guerra. Di alto spessore l'interpretazione della versione originale pianistica del noto tema del film La leggenda del pianista sull' oceano. Dopo il breve intervallo ancora importante musica con la schubertiana La Morte e la Fanciulla. I giovanissimi orchestrali diretti con maestria da Mianiti, hanno espresso evidente musicalità nel proporre i quattro corposi movimenti del noto Quartetto ben trascritto da Mahler. Ancora più bravi ed incisivi nel Presto finale, eseguito con grinta ed energia decisamente matura. Bravissimi! Applausi fragorosi a tutti i protagonisti.

10 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Il pianista Paul Lewis per la Società del Quartetto

Pianista affermato internazionalmente, il quarantanovenne inglese Paul Lewis ha scelto un impaginato diversificato per il suo recital tenuto ieri sera in Sala Verdi al Conservatorio milanese. La prevalenza di brani beethoveniani, con due celebri sonate quali la Patetica (1799) e l'Appassionata (1804-5), eseguite all'inizio e alla fine del programma ufficiale, rivela la passione per il genio di Bonn, compositore prediletto nella sua imponente discografia insieme a Schubert (non presente nell'impaginato). Tra la Sonata n.8 in do minore op.13 e la Sonata n.23 in fa minore op.57 di Beethoven, brani di Sibelius, Debussy e Chopin hanno messo in risalto ulteriori qualità dell'interprete. Valida l'interpretazione delle due sonate, con i momenti migliori nell'Adagio cantabile e nel Rondò nella Patetica e nell'Allegro ma non troppo nell'Appassionata. Abbiamo trovato rilevanti qualità espressive nelle rare Sei Bagatelle op.97 (1920) di Jean Sibelius ed eccellenti nel successivo Children's Corner (1906-8) di Claude Debussy, sei brani destinati a giovani interpreti di apparente facilità, resi da Lewis con una raffinata esposizione coloristica e un perfetto equilibrio costruttivo. Di buona fattura il suo Chopin con la Polonaise-Fantasie op.61 (1846). Due i bis concessi con un ottimo Felix Mendelssohn dalle Romanze senza parole, il n.1 op.19 e il n.3 op.53 eseguiti con fluida e raffinata discorsività. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico presente i sala. Prossimo concerto il 15 marzo con il Quartetto Emerson.

9 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Freddy Kempf in Conservatorio per "Serate Musicali"

Riascoltare il pianista londinese Freddy Kempf, da più di vent'anni ospite di "Serate Musicali", è sempre un piacere. Il suo talento virtuosistico non è soltanto complessa iper-tecnica digitale, ma supporto per un linguaggio personale di qualità. Il suo impaginato diversificato, prevedeva brani di Bach, Chopin, Rachmaninov e Čaikovskij di breve e media durata, e due corpose composizioni con la Sonata "Appassionata" di Beethoven e Carnaval di Schumann. Quello che ha unito brani molto differenti, inseriti probabilmente per scelta dettata non da ragioni storiche, ma di piacere personale, è il modo di interpretare di Kempf, pianista tout court, che trova nel virtuosismo, spesso sostenuto con tempi rapidi, un elemento espressivo del suo particolare linguaggio certamente ricco di pathos. Iniziando con un fulmineo Bach, con il Preludio e fuga n.12 (1742) dal secondo libro del Clavicembalo ben Temperato, con il relativo preludio eseguito celermente ma efficace nella quadratura temporale, Kempf ha fatto poi un salto di parecchi decenni passando allo Studio n.1 op.10 (1829-30) di Chopin. Un'interpretazione brillante, ricca di accenti e luminosissima. Con l'Allegro moderato, il n.8 in re minore dagli Etudes Tableaux op.39 (1916-17) di Rachmaninov, il quarantacinquenne pianista si è spostato di molto nel tempo per poi tornare indietro di trent'anni con la Dumka op.59 in do minore (1886) di Čaikovskij. Entrambi i brani sono stati eseguiti molto bene, in piena sintonia col mondo russo. Il primo brano corposo, la Sonata in fa minore op.57 "Appassionata" ( 1804-05) del genio di Bonn, ha trovato un virtuoso energico. L'estrema accelerazione dei tempi laterali, Allegro assai e Allegro ma non troppo, erano di una coerenza esemplare nello stile di Kempf, forse lontani dalla tradizione dei grandi del passato, ma certamente di alto valore estetico. Anche con l'ultimo brano in programma, Carnaval op.9 (1834-35), Kempf ha risolto energicamente i ventidue brevi pezzi che compongono il capolavoro di Schumann, con alcuni frangenti di intensa meditazione espressiva, nei momenti più moderati. Ottima interpretazione questa e tutte le altre per un pianista che, in Italia, andrebbe considerato maggiormente. Riflessivo e ben interpretato il bis con il celebre Adagio cantabile dalla Sonata "Patetica" (1798-99) di Beethoven. Successo di pubblico e numerose uscite del protagonista in palcoscenico.

8 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Un duo per tre celebri brani allo Spazio Teatro 89

Il concerto cameristico ascoltato ieri pomeriggio allo Spazio Teatro 89 di Milano ha visto un ottimo duo sul palcoscenico della piccola ma elegante sale situata in via Fratelli Zoia 89. Formato da due concertisti di fama internazionale, quali la violinista rumena Anca Vasile Caraman e dal pianista siciliano Alberto Ferro, il duo ha scelto tre lavori tra i più eseguiti al mondo nel repertorio dei due strumenti. La Sonata in la maggiore di César Franck, la Sonata n.3 in sol minore di Claude Debussy e l'ancor più celebre Rapsodia da concerto Tzigane di Maurice Ravel. Questi lavori non hanno certo bisogno di presentazioni, come ben spiegato in apertura di concerto da Luca Schieppati, pianista e organizzatore della serata in collaborazione con "Serate musicali" La sonata ciclica di Franck, del 1886, con quel bellissimo ritorno nei quattro movimenti dei principali temi, è un esempio di grande e unitaria costruzione del genio belga, naturalizzato francese. La Sonata di Debussy, del 1917, con quei rivoluzionari colori ritrova il musicista francese proiettato nel futuro della musica novecentesca; mentre la celeberrima Tzigane, op.76 di Ravel, terminata nel 1924, vede il trionfo del violino come strumento virtuosistico e una ricerca timbrica, quella del secondo francese, anch'essa particolarmente moderna. Insomma, tre capolavori che nelle mani dei due bravissimi interpreti hanno certamente convinto i presenti in sala. Di rilievo la chiarezza espressiva di entrambi gli strumentisti. Ottima intesa tra il fraseggio dettagliato e ben calibrato nei volumi di Ferro e il limpido timbro del voluminoso violino della Vasile Caraman. Di qualità i due bis concessi, che hanno maggiormente evidenziato le abilità della violinista: prima un Capriccio di Niccolò Paganini (Capriccio n.1) nella trascrizione con pianoforte di R.Schumann e poi un bellissimo Max Reger con la rara ma pregnante Romanza in sol maggiore. Bellissimo concerto per i fortunati e non numerosi presenti.

7 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Alessandro Taverna a Villa Necchi Campiglio

La Società del Quartetto, in collaborazione con il FAI, ha portato alla rassegna musicale di Villa Necchi Campiglio il pianista veneziano Alessandra Taverna. Affermato a livello internazionale dopo la vittoria del Concorso di Leed del 2009, Taverna ha proposto nel suo impaginato due brani di Chopin inframezzati da un lavoro di Alekandr Skrjabin. Una scelta che mette in rilievo il mondo romantico dalla prime note, quella dell'Andante Spianato e Grande Polonaise brillante Op.22 del polacco, tipiche di un romanticismo melodico di fase iniziale, sino ai momenti più evoluti del Presto della Sonata-Fantasia n.2 op.19 del russo Ma già nell'incredibile Presto della Sonata n.2 in Si bem. minore op.35 del polacco, eseguito come ultimo brano, si coglie già una stile compositivo che si spinge verso nuovi orizzonti espressivi. Taverna ha ben interpretato i tre lavori e specie nella celebre Sonata della Marchè funebre di Chopin ha trovato una valenza interpretativa di alto spessore, definito da una dettagliata chiarezza espositiva che esalta ogni peculiarità del corposo lavoro. Ottima la sintesi discorsiva nella Sonata centrale di Skrjabin. Applausi dal numeroso pubblico intervenuto ed eccellente il bis concesso con il Valzer brillante op.34 n.1 di Fryderyk Chopin. Il prossimo appuntamento della Società del Quartetto è previsto per martedì 8 marzo alle 20.30 in Conservatorio col pianista inglese Paul Lewis, specialista di Beethoven e di Schubert, eseguirà per l'occasione brani di Beethoven, Sibelius, Debussy e Chopin. Da non perdere!

6 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Un omaggio a Paolo Castaldi al Teatro dal Verme

L'Orchestra de I Pomeriggi Musicali, diretta da James Feddeck, ha voluto ricordare il compositore milanese Paolo Castaldi (1930-2021), a un anno dalla sua scomparsa, eseguendo due suoi lavori: il primo, più breve, Refrains per pianoforte e orchestra, era in prima esecuzione assoluta e il secondo, Seven Slogans per orchestra, era in due ampie sezioni di cui la prima tripartita. Il compositore, anche saggista e docente di Conservatorio, ha sin dagli anni '50 partecipato al dibattito relativo ai nuovi modi di comporre la musica, inserendonsi in quel filone di musicisti che partendo da Stravinskij trovava un linguaggio espressivo molto libero pur essendo ancorato al mondo tonale. I due brani proposti ieri sera, che troveranno una replica sabato alle ore 17.00, sono stati particolarmente significativi per evidenziare l'originale stile compositivo di Castaldi che con modalità assai personali, spesso unisce frammenti discorsivi del passato in una sorta di collage e di polistilismo. In Refrains  la parte solistica era affidata alla pianista Antonella Moretti. Il breve lavoro, meno di nove minuti la sua durata, era suddiviso in nove brevissimi momenti musicali. Il pianoforte della Moretti, ha segnato in modo determinato e incisivo lo svolgimento di Refrains (2000-2001) in cui spesso la sovrapposizione di differenti piani sonori e il rapporto dialettico con lo strumento solista determinano brevi suggestive timbriche, spesso improvvisamente interrotte. Le sonorità, molto cameristiche, dove anche i legni e gli ottoni hanno un ruolo fondamentale, hanno espresso bene questa sorta di neoclassicismo molto stravinskijano mediato dall'origionale linguaggo di Castaldi. Ottima la parte pianistica della Moretti, anche con inserzioni di brevissima durata. Nel secondo brano, con i Seven Slogans, brano orchestrale composto nel 1985-86, le modalità di scrittura hanno lo stesso orientamento in stile neoclassico, ma l'evolversi della composizione, più discorsiva e meno segmentata, ritrova una chiarezza espressiva ricca di contrasti in un contesto sempre cameristico. Valida la direzione di Feddeck e la restituzione dell'Orchestra de I Pomeriggi. Il concerto è terminato con una interessante interpretazione della Sinfonia n.1 in re maggiore D 82 di un Franz Schubert solo sedicenne. Ottima interpretazione. Applausi sostenuti dal pubblico presente al Teatro Dal Verme. Sabato, come già detto, si replica.

4 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Poesie della Merini e musica al Museo del Novecento

Dalla collaborazione tra il Museo del Novecento, NoMus e la Società del quartetto, è nata una rassegna musicale e letteraria che ha visto ieri pomeriggio il primo di una serie d'incontri che si terrano in questi mesi. L' "Omaggio ad Alda Merini" è avvenuto con una lettura-concerto di alcune pregnanti poesie della scrittrice milanese e con l'esecuzione di brani dei primi decenni del '900. Protagonisti di questa riuscita iniziativa sono stati Elena Zegna, voce recitante, e la pianista Eliana Grasso. Alternando poesie ai brani pianistici di Debussy, Šostakoviç, Rachmaninov, Skrjabin, Messiaen, Lutoslawski, Prokofiev, Bartók, Boulanger e Casella, inseriti in quattro quadri espositivi, si è venuta a creare, nel bellissimo spazio preposto al Museo del Novecento, una situazione particolarmente importante dovuta ai contrastanti testi poetici della Merini, recitati molto bene dalla Zegna, e dalle espressive e diversificate composizioni interpretate con intenso coinvolgimento emotivo dalla bravissima Grasso. Tra i brani eseguiti citiamo almeno quello iniziale con il celebre Clair de lune di Claude Debussy, il Preludio op.3 n.2 di Sergej Rachmaninov, un selezione dalle Danze fantastiche di Dmitri Šostakoviç, alcune Danze Fuggitive di Prokofiev, alcuni brani di Skrjabin e il significativo brano conclusivo con la rara ma efficace Toccata in do dies.minore op.6 di A.Casella. Una serie di brani ben accostati ai caratteri spesso forti e taglienti di alcune poesie della Merini, ma anche ad altre di più pacata espressività. Citiamo tra le poesie almeno Manicomio, Il dottore agguerrito nella notte, Sono folle d'amore per la sera, Abbiamo le nostre notti insonni, L'ora più solare per me,ecc. Di qualità l'interpretazione pianistica della Grasso che ha rivelato sicurezza e intensa partecipazione emotiva in tutti i brani proposti. Applausi intensi dal numeroso pubblico intervenuto. Ottima iniziativa!

2 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente al Civico di Vercelli l'arpa di Valerio Lisci

Sabato 5 marzo 2022 al Teatro Civico di Vercelli , Via Monte di Pietà 15, ore 21 si terrà un concerto dell'arpista Valerio Lisci. In programma N. Rota - Sarabanda e Toccata; N.C. Bochsa - Rondeau sur le trio Zitti zitti da Il barbiere di Siviglia di G. Rossini;F. Mannino - Tre Canzoni;E. Parish Alvars - Grande fantasie sur des motifs de Lucia di Lammermoor op. 79;G. Caramiello - Rimembranza di Napoli op. 6; V. Lisci - La Maschera; E. Parish Alvars - Sérénade op. 83;W. Posse - Variazioni su Il Carnevale di Venezia .

DALL'ITALIA VERSO IL MONDO: AL CIVICO L'ARPA DI VALERIO LISCI

Oltre a voler proporre al suo pubblico tutto ciò che di meglio offre oggi la nuova generazione di concertisti, il XXIV Viotti Festival vuole anche ampliare gli orizzonti dello spettatore, portandolo a incontrare repertori e strumenti meno conosciuti. Due obiettivi ambiziosi che si fondono in un unico concerto, quello in programma sabato 5 marzo al Teatro Civico di Vercelli (ore 21, concerto in abbonamento). Ovvero, l'appuntamento che vedrà protagonista il non ancora trentenne Valerio Lisci, “ambasciatore” nel mondo di uno strumento non comune ma di grandissimo fascino: l'arpa. Nel corso della serata, Lisci non solo mostrerà con accattivante virtuosismo tutta la sorprendente capacità espressiva dell’arpa, ma proporrà anche un programma “a tema”. Il concerto si intitola infatti Italianeggiante, ed è un suggestivo viaggio verso e attraverso il nostro Paese, visto sia con gli “occhi musicali” di autori italiani, sia con la sensibilità di compositori stranieri che all'Italia si sono ispirati. Si passerà così per pagine di autori che sono stati anche grandi arpisti, come Bochsa, Alvars, Caramiello, Posse e, non certo ultimo, lo stesso Valerio Lisci che presenterà il suo La Maschera, ma si scoprirà anche che due protagonisti della musica scritta per il cinema quali Nino Rota e Franco Mannino hanno composto per arpa, e con risultati spettacolari. E poi si viaggerà per l'Italia, da Napoli e Venezia, assaporando sia temi popolari sia la musica più “colta”, e si uscirà dal Civico stupiti che uno strumento tanto difficile da padroneggiare la tecnica arpistica è estremamente complessa possa riservare così tante emozioni.

1 marzo 2022 dalla redazione

FEBBRAIO 2022

Lorenzo Viotti dirige la Filarmonica della Scala in Čaikovskij e in Rachmaninov

Il direttore Lorenzo Viotti tra le repliche della bellissima Thaïs, da lui diretta, ha tenuto un concerto sinfonico, replicato due volte, dirigendo la Filarmonica della Scala in brani di Čaikovskij e Rachmaninov. Dei due compositori sono stati eseguiti la Serenata in do maggiore per archi op.48, che P.I.Čaikovskij compose nel 1880, e la Sinfonia n.2 in mi minore op.27 che Sergej Rachmanonov concepì nel 1907. La compattezza timbrica del lavoro cameristico del primo russo ha trovato un' eccellente interpretazione nel gesto asciutto, essenziale e misurato del giovane direttore svizzero. La celebre Serenata op.48 è strutturata in quattro parti e presenta un tema introduttivo dal carattere profondo e celebrativo, tema che ritornerà ancora nel corso del brano e anche alla sua conclusione. L'atmosfera ricca di nostalgia e tristezza dell'Allegro iniziale e dell' Elegia trova momenti di estrema positività nel delizioso Valzer centrale e nell'estroverso Allegro con spirito finale, una danza popolare divertente. Viotti ha trovato il giusto dosaggio nel definire le sottili timbriche che definiscono i contrastanti e repentini cambiamenti del brano, mantenendo un equilibrio perfetto nelle risoluzioni dinamiche. Bravissimi gli archettisti della Filarmonica. Ben più corposa, complessa e virtuosistica la rara Sinfonia n.2 del secondo russo. L'ampio lavoro, di quasi sessanta minuti di durate, presenta situazioni melodiche tipiche del compositore e frangenti di grandi volumetrie timbrica che rivelano le alte capacità d'orchestrazione di Rachmanimov, autore di un lavoro certamente evoluto considerando il periodo di scrittura. La Sinfonia, ricca di straordinari impasti coloristici, è stata resa con maestria da Viotti per una coinvolgente interpretazione dei filarmonici scaligeri. Bravissimi in tutte le sezioni orchestrali, gli strumentisti della Filarmonica della Scala hanno trovato ancor più una resa eccellente nell'Allegro vivace conclusivo. L'Op.27 meriterebbe una più larga diffusione. Applausi sostenuti in un teatro al completo e numerose uscite in palcoscenici del direttore.

28 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

ALEXANDRA DOVGAN A VERCELLI - QUANDO LA MUSICA ILLUMINA

Ieri sera, sabato 26 febbraio, il Festival Viotti, nella nuova serata della sua ventiquattresima stagione, vedeva il debutto, al Teatro civico di Vercelli, della giovanissima pianista russa Alexandra Dovgan, quattordicenne che ha cominciato a segnalarsi da qualche tempo nel firmamento del concertismo internazionale, con numerose esibizioni anche in Italia, e la cui comparsa sui palcoscenici si è già meritata l’appellativo di ‘evento’, “Lanciata” da autorevolissimi endorsements, come quello del connazionale Grigorij Sokolov, che, come si legge nel programma di sala, assicura che Alexandra non è più classificabile come un enfant prodige, ma ha già maturato una personalità adulta, si è guadagnata la fama di ‘piccolo genio’ della musica, Il pezzo scelto dalla Dovgan per il suo recital vercellese è stato uno dei due concerti di Chopin, precisamente quello indicato come n.2 benché, come noto, sia stato il primo a essere composto dal grande polacco: il Concerto in Fa minore op. 21. Ci pare interessante rilevare che secondo il programma del ViottiFestival diffuso a inizio stagione, la Dovgan avrebbe dovuto eseguire il concerto KV 491 di Mozart, un concerto che ha il suo valore principale nella straordinaria e tragica tensione espressiva, soprattutto nel primo tempo. In un’intervista di qualche tempo fa, la giovanissima pianista russa ha dichiarato di essere sempre lei a scegliere i pezzi da eseguire in concerto. Se è così, e non ne dubitiamo, è evidente che qualcosa ha indotto la Dovgan a preferire, ad un pezzo di grande profondità espressiva e dunque di intenso impegno interpretativo, un pezzo che porta in primo piano il virtuosismo del solista, specie nei due tempi esterni, affidando al tempo lento centrale il compito di dar voce ad un più effuso afflato espressivo. Insomma, una virata dal pianismo ‘espressivo’, al ‘pianismo spettacolare’. Francamente e sinceramente: peccato! Il programma prevedeva poi l’esecuzione di uno dei più celebri capolavori del sinfonismo ottocentesco, la beethoveniana Sinfonia n.6 in Fa maggiore op.68, universalmente nota come la ‘Pastorale’, L’orchestra era, come di consueto, la Camerata Ducale, diretta da Guido Rimonda. Fin dalle prime battute d’esordio del pianoforte, dopo l’esposizione orchestrale, nel concerto chopiniano, la Dovgan mettte in luce le solidissime basi tecniche del suo pianismo: la serie di quartine di semicrome in fortissimo con cui il pianoforte irrompe sulla scena e il successivo flusso, sempre di quartine di sedicesimi, che introduce il secondo tema, scorrevano sulla tastiera con un tocco elastico, un perfetto equilibrio tra le due mani, un’ energia, capace di proiettare un adeguato volume di suono, che si sgranava poi negli acuti degli abbellimenti, in particolare dei trilli, con cristallina limpidezza. Chi ascolta la Dovgan in questi brani di alto virtuosismo, non ha però l’impressione di trovarsi di fronte ad un virtuosismo esibito e forzato, teso al massimo della spettacolarità: c’è, nel fraseggio della giovane russa, un che di sobrio, di genuinamente spontaneo, che aderisce alla partitura senza voler strafare: non è, insomma, per usare la sprezzante espressione di Clara Wieck-Schumann, “una pestona”. Un po’ piatta, a nostro modesto parere, l’esecuzione dell’Allegro vivace finale, in forma di Rondò, dove il fraseggio della Dovgan, impeccabile nelle parti virtuosistiche, non è riuscito a rendere pienamente la fresca leggerezza popolaresca del ritornello né, soprattutto, quella ambigua vaporosità del secondo couplet, che è forse la parte più bella del Finale. Ma la Dovgan ha mostrato cosa può “diventare da grande” nell’interpretazione di quello che è il ‘centro spirituale’ del concerto n.2 di Chopin, cioè il centrale Larghetto. Con intelligente scelta interpretativa, la solista russa evita la tentazione peggiore di pezzi come questi (e di molto Chopin), cioè l’abbandono ad una languida sognante atmosfera di maniera, puntando tutto sulla purezza e soprattutto sulla dimensione interiore della melodia, grazie ad un tocco che sa tornire suoni perlacei e delicati, talvolta quasi sfiorati, anche nei numerosi abbellimenti: quello che la Dovgan ci propone è un meraviglioso brano musicale improntato ad un’intimità avvolgente, guidata da un sapiente controllo delle dinamiche, e che diventa davvero cosa sublime nel dialogo con il controcanto del fagotto, nella ripresa, dopo la contrastante sezione centrale, più mossa e drammatica. Questa è davvero musica che illumina chi ha il privilegio di ascoltarla e in questo brano la Dovgan ha mostrato di essere straordinariamente adulta . Nei concerti chopiniani, ben si sa, secondo il gusto Biedermeier dominante negli anni ‘20-‘30 delll’800, l’orchestra non ha un grande ruolo, limitandosi ad accompagnare il protagonista assoluto, il solista. Però Rimonda è stato bravissimo a guidare la Camerata Ducale nel seguire, in questo splendido secondo tempo, il fraseggio della solista, con una grande cura dei dettagli timbrici, un giusto stacco dei tempi, un chiaroscuro sottile e avvolgente delle dinamiche. Davvero un’emozionante esperienza di ascolto. E la bravura e la maturità ormai solida di Rimonda come direttore d’orchestra hanno dato ottima prova di sé nell’esecuzione della Pastorale. Sotto la pluridecennale guida del suo fondatore e direttore, la Camerata ducale ha raggiunto una perfetta trasparenza di suono, che Rimonda ha in questa occasione valorizzato al massimo, curando con particolare finezza le dinamiche e gli impasti timbrici, anzitutto quelli, decisivi per la Pastorale, fra gli archi e i fiati, ieri sera in forma strepitosa. Quasi subito l’ascoltatore è stato colpito, al comparire del secondo motivo dell’Allegro iniziale, dal suo trascolorare meravigliosamente reso, dai violini ai violoncelli, ai flauti: è cosi cominciato il viaggio in un meraviglioso mondo di suoni, che ha qualcosa dell’incantesimo di una magia, sotto la guida della bacchetta di Rimonda. Anche nei brani che troppe interpretazioni di esecutori e di critici hanno banalizzato a puri brani descrittivi di un postdatato barocco, come la “scena al ruscello”, l’interpretazione di Rimonda fa prevalere nettamente le ragioni della musica, come quando il tema di ‘barcarola’ in semicrome, più che “il brusio delle mille voci della natura” per citare il grande Mila, si presenta come una toccante, tenera danza di una musica luminosa, tersa, che avvolge nell’ebbrezza di una gioia senza limiti l’ascoltatore, invitato a immergersi nel sereno flusso della vita. Dicevamo della bravura dei fiati ascoltati ieri sera: ci si conceda qui un elogio particolare dell’oboe che, nel terzo tempo, espone, con una tenerezza e dolcezza straordinarie la terza idea del movimento, accompagnato dall’”ostinato” dei violini. La climax di questo viaggio nella magica fiaba sonora della Pastorale veniva poi raggiunta in quel momento di indicibile incanto, in cui avviene il trapasso dal fragore della tempesta allo splendido canto pastorale che domina il finale, che nell’interpretazione di Rimonda acquista una dolcezza e un sentimento di intima felicità riconquistata, che è delle migliori esecuzioni a noi note di questo capolavoro. Applausi prolungati di un pubblico che è tornato a riempire il Teatro Civico e che nella splendida musica ascoltata ieri sera ha trovato un po’ di conforto e forse di speranza, in un periodo di peste e di guerra come quello che stiamo vivendo. Serata che non dimenticheremo.

Bruno Busca 27 febbraio 2022

Continua il successo per il Thaïs di Massenet al Teatro alla Scala

Le ultime repliche del Thaïs alla Scala continuano ad avere un meritatissimo successo. Anche alla quarta rappresentazione, vista ieri sera, il pubblico, in un teatro al completo, ha tributato ripetuti applausi a tutti i protagonisti. Sono passati ottant'anni dalle prime rappresentazioni scaligere dell'opera di Jules Massenet. In piena seconda guerra mondiale, nel febbraio e nel marzo del 1942, vennero date le uniche cinque rappresentazioni dirette da Gino Marinuzzi. Vedendo la riuscita messinscena di questi giorni ci sembra evidente che questo capolavoro musicale francese mancava da Milano da troppo. L'apporto dell'originale e articolata musica di Massenet, composta intorno al 1894, è elemento strutturale per ogni messinscena. Nella versione del 1898, quella proposta al Teatro alla Scala dal direttore Lorenzo Viotti -svizzero di origine italo-francese- , e dal regista teatrale francese Olivier Py, il gioco di squadra è stato esemplare. Le scene e i costumi di pregio di Pierre-André Weitz hanno disegnato, con resa efficace, la semplice storia tratta dal romanzo di Anatole France e riportata nel libretto di Louis Gallet. La fondamentale parte coreografica di Ivo Bauchiero, sorretta dell'esemplare musica del grande compositore francese e dalle adeguate luci di Bertrand Killy, ha trovato un inserimento perfetto nel contesto scenografico. Ricordiamo l'ottimo intervento dei bravissimi bellerini Beatrice Carbone e Gioacchino Starace nel famoso intermezzo "Méditation", tema che conclude il primo quadro del secondo atto e che verrà accennato o ripetuto più volte nel corso dell'opera, anche nella toccante ultima scena con le voci dei due principali protagonisti. La componente vocale, di gran pregio, ha trovato come prime voci e primi attori, il soprano Marina Rebeka, una Thaïs di grande spessore che affronta il difficile ruolo con padronanza vocale esemplare, e il baritono Lucas Meachem, un Athanaël giovane cernobita, con timbro sicuro e ricco di dettagli. Di qualità le altre voci. Segnaliamo Giovanni Sala, un Nicias di grande espressivita , Caterina Sala in Crobyle, Anna Doris Capitelli in Myrtale, Valentina Pluzhnikova in Albine, Nicole Wacker La Charmeuse (in sostituzione di Federica Guida indisposta), Insung Sim in Palémon, ottimi insieme agli altri. Naturalmente di grande qualità il Coro preparato da Alberto Malazzi. Ultima replica prevista per mercoledì 2 marzo. Da non perdere! (Foto di Brescia- Amisano dall'Archivio del Teatro alla Scala)

26 febbraio 2022 Cesare guzzardella

Giuseppe Gibboni con l' Orchestra dei Pomeriggi Musicali per Paganini

Un'occasione da non perdere quella offerta da I Pomeriggi Musicali ieri sera. Giuseppe Gibboni, recente vincitore del "Concorso Internazionale di violino N.Paganini" di Genova, uno dei più prestigiosi al mondo, è venuto al Dal Verme per eseguire il Concerto n.1 per violino e orchestra op.6 di Paganini. L'Orchestra de I Pomeriggi diretta da James Feddeck aveva iniziato la serata con una valida interpretazione dell' Ouverture e Scena di danza da Arianna e Nasso di Richard Strauss. La serata ha avuto una svolta con la salita sul palcoscenico del ventenne violinista salernitano. Proveniente da una famiglia di musicisti, Gibboni suona da sempre il violino. Esemplare la sua interpretazione del concerto, forse il più noto del grande musicista e virtuoso genovese. La celebre op.6, strutturata in tre ampie parti, è un mirabile esempio della cantabilità italiana legata al mondo lirico e a quello strumentale. Paganini ha impreziosito le sue bellissime arie con i suoi virtuosismi. Nella restituzione del lavoro, Gibboni ha sbalordito per la bellezza del suo timbro. Una cantabilità precisa e luminosa, arricchita con i noti virtuosismi che con abilità esegue con resa semplice, pur essendo di una complessità inaudita. Ottima la componente orchestrale nella direzione di Feddeck. Applausi spontanei dal pubblico presente alla fine dell'Allegro maestoso iniziale, e ancor più fragorosi al termine del concerto. Due splendidi bis concessi da Gibboni. Prima il Capriccio n.24 sempre del genovese e poi un luminosissimo Bach. Dopo il breve intervallo, di qualità l'esecuzione della neoclassica Suite dal Pulcinella di Igor Stravinskij. Sabato alle ore 17.00 si replica. Da non perdere!

25 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

La pianista Ying Li per la Società dei Concerti in Conservatorio

La Serie Rubino dei concerti organizzati dalla "Fondazione la Società dei Concerti" ha ritrovato ieri sera la pianista cinese Ying Li per un recital variegato e ben strutturato. Per l'occasione, in concomitanza con la Settimana della moda milanese, la pianista si è presentata indossando due eleganti abiti della stilista Francesca Imperatore. Più classico il primo, come classici erano i brani della prima parte del concerto, più estroso e ricco di colori il secondo, in sintonia con i lavori della seconda parte. Ying Li è stata la vincitrice della prima edizione del "Premio Internazionale Antonio Mormone", terminato nel luglio dello scorso anno, ma ha vinto anche altri importanti concorsi internazionali, il più recente nell'ottobre del 2021 a New York. Certamente l'alto rilievo della tecnica pianistica sta diventando una costante per molti pianisti delle ultime generazioni. Ying Li oltre ad un formidabile virtuosismo ha una varietà di timbriche luminose e dinamicamente ricche. La prima parte del concerto era dedicata a J. S. Bach con la Suite Francese n. 5 BWV 816 e a R.Schumann con la Phantasiestücke op.12. Ottimo il Bach ascoltato, ricco di luce e perfettamente strutturato nella successione dei sette movimenti, con la celebre Gigue finale d'effetto per l'accentuata ed espressiva ritmica. Rilevante Schumann con la nota Op.12 ben rilevata in ogni dettaglio, una Phantasiestücke, però, non ancora pregna di spirito romantico. Di particolare qualità la seconda parte della serata. I brani ascoltati di Bartók, Albeniz e Ginastera, tutti composti nei primi decenni del '900, dimostrano l'attitudine di molti giovani pianisti ad esprimersi con maggior rigore nei lavori meno lontani o nel repertorio contemporaneo. Ying Li dopo aver ottimamente interpretato la Suite op 14 di Bartók, quattro movimenti composti dal compositore ungherese nel 1916, ha decisamente sbalordito in Albeniz con due brani tratti da Iberia: prima con Triana e poi con Fête Dieu à Seville. Con grande sicurezza ha riempito di colori i contrastati momenti delle due splendide composizioni. Le sue qualità ritmiche si sono poi ancor più rivelate a conclusione del programna ufficiale, con le più recenti Danzas Argentinas op.2, opera del compositore argentino Alberto Ginastera del 1937. La vivacità dei brani laterali - Danza del viejo boyero e Danza del gaucho matrero- hanno entusiasmato per padronanza ritmico-percussiva, mentre il meditato bellissimo brano centrale, la Danza de la moza donosa, ha rivelato l'intensa vena melodica dell'interprete. Successo caloroso con applausi fragorosi dal numeroso pubblico di Sala Verdi in Conservatorio. Due i bis concessi dalla bravissima Ying Li: prima un ottimo virtuosistico Verdi-Liszt con la celebre Parafrasi dal Rigoletto e poi un ritorno alla pacatezza con un valido Mozart nell' Andante cantabile dalla Sonata in si bem. maggiore K.333. Qualche variante nelle ultimissime battute, ma comunque di ottima fattura. Bravissima!

24 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

PROSSIMAMENTE ALEXANDRA DOVGAN A VERCELLI

Il talento non ha età: si può riassumere così lo spirito del concerto che il XXIV Viotti Festival presenterà al suo pubblico sabato 26 febbraio al Teatro Civico di Vercelli (ore 21, concerto in abbonamento), protagonisti la pianista Alexandra Dovgan e l'Orchestra Camerata Ducale diretta da Guido Rimonda. Non ha età perché la Dovgan, che vanta un presente da solista internazionale pluripremiata, ha appena 14 anni, una musicalità purissima, una maturità sorprendente e una spiccata insofferenza per la definizione di “enfant prodige”. E la si può capire: la sua presenza carismatica e la sua solidissima capacità interpretativa non hanno proprio nulla di adolescenziale. Ci si troverà dunque di fronte a una solista a tutti gli effetti già nel periodo “adulto” del suo percorso artistico, il che conferma la caratteristica unica del Festival vercellese, ovvero la capacità di proporre al suo pubblico tutte le assolute eccellenze delle nuove generazioni di interpreti. La Dovgan proporrà il Concerto n. 2 op. 21 di Fryderyk Chopin, e Chopin, come è risaputo, rappresenta l'apoteosi del pianoforte. (Foto a cura dell'ufficio stampa di Vercelli).

23 febbraio dalla redazione

Gidon Kremer in Conservatorio per i concerti di Serate Musicali

Le "Serate Musicali" hanno organizzato un concerto celebrativo per i 75 anni di Gidon Kremer ospitando, oltre al celebre violinista lettone, la violoncellista Giedré Dirvanausskaité - da anni strumentista della Kremerata Baltica- e il più giovane pianista Georgijs Osokins. L'impaginato diversificato, con trii di Schumann e Rachmaninov, ha visto anche due brani contemporanei: il primo di Igor Loboda ( 1956) un Requiem per violino solo, dedicato  al popolo ucraino per le infinite sofferenze subite; il secondo di Victoria Poleva (1962), un trio in un unico movimento del 2022 in prima esecuzione italiana. È una caratteristica di Kremer quella di produrre programmi che spaziano tra differenti periodi storici, inserendo sempre brani del Novecento e di musicisti contemporanei. Decine di compositori infatti, hanno scritto musica per lui, violinista tra i più riconosciuti del panorama mondiale. Il corposo Trio con pianoforte n.3 in sol minore op.110 di Robert Schumann ha introdotto la serata, rivelando da subito la cifra qualitativa del gruppo cameristico. Il brano eseguito per ultimo di Serjei Rachmaninov, Trio elegiaco in re minore op.9, opera giovanile del grande russo, ha sbalordito per qualità prodotta e sinergie degli interpreti. Tra loro, il pianista Osokins si è distinto per sensibilità e sicurezza, sostenendo un ruolo primario e dimostrando di penetrare in profondità - come gli altri interpreti- nella sofferta parte di questa elegia, opera che trova momenti di grande riflessione e altri di imponenti esternazioni volumetriche. Esecuzione esemplare. Nella parte centrale del concerto i due brani recenti, di relativamente breve durata, hanno visto prima l'assolo di Kremer col significativo Requiem, opera del 2014 del compositore georgiano Loboda. È un profondo e virtuosistico lavoro il Requiem, costruito su una canzone popolare ucraina, variata nelle complesse ed espressive progressioni melodiche che si concludono lentamente al ritmo di un significativo pizzicato ottenuto col dito mignolo. Il Trio dedicato a Kremer denominato "Amapola", della compositrice russa Poleva, ha modalità polistilistiche, con un impianto melodico-armonico fondamentalnente tonale di immediata comprensione. Le parti solistiche del violino e del violoncello intervengono in un tappeto sonoro pianistico dalle timbriche luminose, efficacemente introdotte e sviluppate dal bravissimo Osokins. Lavoro di evidente qualità, Amapola ha trovato riscontro favorevole dal numeroso pubblico intervenuto in Conservatorio. Calorosi applausi al termine del programma ufficiale, con ripetute uscite in palcoscenico dei protagonisti. Splendido il bis concesso con un adattamento strumentale per trio del noto lied Du bist die Ruh' di Franz Schubert eseguito con intensa espressività melodica.

22 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

La violinista Carolin Widmann diretta da Yoel Gamzou per il concerto di Korngold

Ieri pomeriggio l' Orchesrra Sinfonica di Milano "G. Verdi" ha tenuto l'ultima replica del concerto diretto da Yoel Gamzou per due lavori importanti quali il Concerto per violino e orchestra in Re maggiore op. 35 di Erich Wolfgang Korngold e la Sinfonia n. 1 in Re maggiore "Il Titano" di Gustav Mahler. Sono riuscito ad ascoltare- per sopraggiunti impegni- sola la prima parte del concerto. Il lavoro del compositore austriaco E. Wolfgang Korngold, nato a Brno nel 1897 e morto negli Stati Uniti nel 1957, ha avuto una non breve gestazione che è durata sino alla prima esecuzione che ebbe luogo nel 1947 per la bacchetta di Vladimir Golshmann e il prestigioso violino di Jasha Heifetz. Il tardo-romanticismo, dal sapore molto nordico, di questo splendido brano, strutturato nei classici tre movimenti, ha trovato come protagonista la violinista tedesca Carolin Widmann, solista di livello internazionale. La Widmann ha dato una lettura di altissimo livello coadiuvata dall'ottima direzione di Yoel Gamzou e dalle espressive timbriche di tutte le sezioni orchestrali. Soprattutto il coinvolgente Moderato nobile iniziale, il movimento più corposo, ha rivelato la valenza di un grande musicista quale Korngold, un tempo noto soprattutto per le numerose colonne sonore di film americani, per le quali, per alcuni di essi ottenne anche premi Oscar. L'incisività e la discorsività, ricca di espressività, della Widmann hanno esaltato la ricchezza virtuosistica di un concerto che vanta anche un'esemplare orchestrazione, degna di un G. Mahler o di un R.Strauss. Applausi sostenuti al termine ai protagonisti e ottimo il bis concesso dalla violinista con la più nota Sarabanda di J.S.Bach, interpretata benissimo.

21 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

L'ottimo duo di voce e pianoforte di M.Eleonora Caminada e di Alfonso Alberti all'Auditorium G.Di Vittorio

Un concerto di qualità quello proposto dal Alfonso Alberti, pianista e musicologo specializzato nella musica del '900 e contemporanea. Sua l'originale idea di articolare un programma che propone come riferimento l'anno 1917: l'anno della rivoluzione d'ottobre, l'anno centrale della Grande guerra, l'anno del primo jazz-Dixieland. Ha trovato nove noti compositori che avessero composto in quell'anno brani per voce e pianoforte, o perlomeno brani che in quell'anno avessero avuto una prima esecuzione. Da questa idea, che rivela la varietà di musica di quel lontano periodo- spesso pensata con stili e linguaggi molto diversificati- è nato un concerto che ha avuto come protagonista anche la bravissima Maria Eleonora Caminada, voce di soprano. La maggior parte dei brani, spesso brevissimi, ma con normali tempi per alcuni, erano di rarissimo ascolto. Lieder, song, romanze, canti popolari, a partire dai Cinque canti Op.27 di Sergej Prokofiev, hanno rivelato l'ottima voce della Caminada e la sua capacità di passare da un genere ad altro senza mai perdere un colpo in termini qualitativi, insieme, naturalmente, alle indubbie abilità pianistiche dell'Alberti che ha trovato un momento centrale, in solitaria, eseguendo benissimo il Menuet da Le tombeau de Couperin di Maurice Ravel- composizioni naturalmente terminate nel '17. Tutti interessanti e ottimamente interpretati i lavori presentati dallo stesso Alberti all'Auditorium della Camera del lavoro G.Di Vittorio. Segnaliamoli tutti, iniziando dal più melodico e se vogliamo "tradizionale" Puccini da La rondine con Ch' il bel sogno di Doretta, con l'ottima intonazione della Caminada. Non distante musicalmente da Puccini ancora un italiano con il rarissimo Ottorino Respighi de La fine, su testo del poeta indiano di R. Tagore dalle Cinque liriche, un canto raffinatissimo che meriterebbe una larghissima diffusione. D'impronta popolare e - come per il Prokofiev iniziale- di provenienza dall'est Europa, le Trois histoires pour enfants di Igor Stravinskij, fiabe quasi surreali del musicista russo, e una selezione ( le prime quattro) dalle Otto canzoni popolari di Bela Bartók, tutti brevi lavori, anche ben evidenziati dalla gestualità dalla Caminada. Di straordinaria resa espressiva, per l'unicità di linguaggio -un'atonalità spinta- i Quattro Lieder op.12 di Anton Webern, dove l'intreccio tra la complessa parte pianistica e le acrobazie vocali del soprano hanno rivelato un'eccellente integrazione dei due interpreti. Dagli Stati Uniti terminiamo con il melodicissimo George Gershwin di Beautiful Bird, scritti da un giovanissimo compositore diciannovenne, e a conclusione, He is There! un raro Charles Ives a ritmo di marcia. Lunghi applausi per i protagonisti e come bis di nuovo "voliamo" con il bellissimo brano Beautiful Bird di Gershwin. Bravissimi!!

20 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

L'ottima direzione di Diego Fasolis con I Pomeriggi Musicali

Un ottimo concerto sinfonico quello ascoltato ieri sera al Dal Verme con l' Orchestra de I Pomeriggi Musicali impegnata in brani di Mozart e Beethoven. A dirigere la compagine di strumentisti c'era Diego Fasolis, raffinato direttore, noto per il repertorio più lontano nel tempo, spesso eseguito con l'ausilio di strumenti originali. Fasolis, modificando l'ordine dei brani in programma, ha preferito dirigere prima tutto Beethoven lasciando, dopo il breve intervallo, la più celebre Sinfonia n. 41 in do maggiore K 551 “Jupiter” (1788) di W.A.Mozart. La sua energica modalità direttoriale, minuziosa e attenta ai dettagli, ha esaltato le qualità dei bravissimi orchestrali. Partendo con l'ouverture Le Creature di Prometeo (1801) di L.V.Beethoven, Fasolis ha dato grinta agli strumentisti de I Pomeriggi per un'interpretazione energica dove tutte le sezioni orchestrali hanno reso in modo adeguato, anche nelle importanti sezioni di legni e di ottoni. Anche i brani più corposi con la Sinfonia n. 2 in re maggiore op. 36 (1802) di L.v Beethoven e quindi la "Juppiter" di Mozart, hanno trovato energia e un equilibrio stilistico di alto livello nella bacchetta di Fasolis. Il direttore ha fatto emergere le timbriche in modo chiaro ed incisivo di ogni strumento o sezione strumentale. Di grande rilievo espressivo il Molto allegro, finale dell'ultima sinfonia mozartiana che oltre a concludere mirabilmente il ciclo sinfonico del salisburghese, ha posto fine alla bellissima serata strappando fragorosi applausi del numeroso pubblico intervenuto. Ricordiamo la replica di sabato 19 febbraio alle ore 17.00. Da non perdere.

18 febbraio Cesare Guzzardella

Leonora Armellini in Chopin per la "Fondazione La Società dei Concerti"

Il programma del concerto organizzato dalla Fondazione La Società dei Concerti, ascoltato ieri sera in Conservatorio, ha trovato sul palcoscenico di Sala Verdi la Filarmonica del Festival Pianistico di Brescia e Bergamo diretta da Pier Carlo Orizio e, al pianoforte, Leonora Armellini. Il celebre Concerto per pianoforte e orchestra n.1 in mi minore op. 11 di F.. Chopin ha rivelato un'eccellente interprete nella Armellini, pianista che ricordiamo essere entrata tra i finalisti del più recente e prestigioso Concorso Internazionale "F Chopin", conquistando e pienamente meritando, la quinta posizione. L'interpretazione fornita dalla Armellini, in piena sinergia con l'orchestra, ci è apparsa d'eccellente qualità. Una cifra stilistica, quella della ventinovenne padovana, che ritrova la migliore tradizione interpretativa del grande polacco. La sua espressiva esecuzione ha rivelato un tocco brillante, perlato e ricco di sfumature elargite con equilibrio, sottolineando ogni dettaglio in modo luminoso. Il suo disinvolto fraseggio è stato ben evidenziato e sostenuto dai bravissimi orchestrali della Filarmonica del Festival Pianistico di Brescia e Bergamo grazie alla precisa direzione di Pier Carlo Orizio. I fragorosi applausi - meriratissimi- per questa esemplare interpretazione, sono continuati anche dopo i tre bis concessi dalla pianista. Ancora Chopin con lo Studio n.12 op.10, lo Studio n.1 op.25, soprattutto il primo eseguito in modo esemplare per compattezza e scorrevolezza, quindi una rarità interpretativa con l'originale Tarantella del genio polacco espressa in modo energico dalla pianista visibilmente soddisfatta. Dopo il breve intervallo, l'esecuzione della nota Sinfonia n. 8 in si minore D 759 "Incompiuta"- seguita dall' Entr’acte n.3 da Rosamunde- di Franz Schubert, ha rivelato ancora le sensibili qualità degli orchestrali e del loro direttore Pier Carlo Orizio. Una splendida serata.

17 ottobre 2022 Cesare Guzzardella

Alexandre Kantorow per la Società del Quartetto

Per la prima volta in Conservatorio, il pianista francese Alexandre Kantorow ha tenuto un recital, organizzato dalla Società del Quartetto. La sua avviata carriera internazionale deve molto alla vittoria del prestigioso Concorso Čaikovskij di Mosca nel 2019. È un figlio d'arte, avendo come padre il celebre direttore e violinista Jean-Jacques Kantorow. L'impaginato scelto, con prevalenza di brani altamente virtuosistici, prevedeva pagine di Schumann, Liszt e Skrjabin. Il brano introduttivo era una parte tratta da Weinen, Klagen Sorgen, Zagen di Liszt dalla Cantata BWV 12 di J.S.Bach. Con la poco eseguita Sonata n.1 in fa diesis minore op.11 di Robert Schumann , Kantorow ha espresso da subito la sua elevata cifra stilistica, con impalcatura tecnica solidissima, dove un tocco leggero e preciso riesce all'occorrenza trovare un'esternazione più estroversa e voluminosa. Valida la sua interpretazione del complesso e fantasioso brano del compositore tedesco. Di maggior resa l'ancor più virtuosistica seconda parte del concerto. Quì è risultato ben individuato lo spessore musicale di questo giovane interprete. Prima con il Liszt del Sonetto 104 del Petrarca da Italia di ""Années de pèlerinage"", quindi di Abschied e di La lugubre gondola, brani maturi dell'ultimo Liszt. Il breve e visionario poema Verse la flamme op.72 di Aleksandr Skrjabin, ha rivelato maggiormente l'attitudine di Kantorow alle colorazioni scure, ben delineate dalla profonda interiorizzazione del tessuto melodico-armonico e ha evidenziato il suo marcato e preciso virtuosismo, presente soprattutto nell'ultima parte del breve lavoro. Con l'ultimo brano dell'impaginato, il noto Après une lecture de Dante: Fantasia quasi Sonata, il virtuosismo lisztiano ha trovato ancora un degno interprete in Kantorow. Di grande impatto il suo approccio alla "Dante Sonata", con una visione complessiva perfettamente calibrata nelle dinamiche e nelle timbriche, e con una sicurezza nel definire efficacemente ogni frase, anche quelle di maggiore difficoltà tecnica. Il pubblico presente in Sala Verdi è rimasto entusiasta, tributando, al termine del programma ufficiale, lunghi e fragorosi applausi. Due i bis concessi, prima uno strepitoso luminosissimo finale dall'Uccello di fuoco di Igor Stravinskij e poi un ottimo Johannes Brahms con la Ballata Op.10 n.2 in re maggiore. Da riascoltare al più presto.

16 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

L'Orchestra Cupiditas di Pietro Veneri per un interessante Richard Strauss

È tornata in Conservatorio, ai concerti organizzati da Serate Musicali, l' Orchestra Cupiditas e il suo direttore Pietro Veneri. La compagine orchestrale, formata prevalentemente da giovanissimi di età compresa tra i quattordici e ventotto anni, ha questa volta interpretato due brani certamente impegnativi. Il primo, di straordinario interesse, era una trascrizione per violoncello e orchestra dell'originale Sonata in fa maggiore per violoncello e pianoforte op.6 di Richard Strauss, lavoro giovanile del compositore. La versione con orchestra è opera di Giovanni Veneri, musicista che ha colto nella trascrizione orchestrale la visione costruttiva timbrica che si disvela nelle architetture musicali del grande musicista tedesco. La parte solistica era affidata alla violoncellista Silvia Chiesa, più volte interprete dell'originale op.6 col pianista Maurizio Baglini. Il brano - in questa versione in prima esecuzione mondiale-. ha trovato un valido riscontro nella resa orchestrale, oltre all'ottima esternazione del corposo violoncello della Chiesa, strumentista di ottimo livello con timbrice sicure, ricche di energia e sapientemente dosate. L'interpretazione è andata via via in crescendo per qualità, partendo dal più complesso e orchestralmente meno immediato, Allegro con brio e passando dall'intenso Andante ma non troppo sino all'avvincente Finale.Allegro vivo che ha rivelato ancor più le ottime qualità della cellista e i potenziali dei giovani orchestrali. Applausi sinceri al termine del brano e salita sul palcoscenico, tra gli applausi, di Giovanni Veneri, che, come ha poi ricordato la Chiesa, ha il merito di aver fatto una valida trascrizione che potrà in seguito travare risonanza tra le orchestra italiane e non solo. Eccellente il bis solistico della violoncellista con la Bourrée dalla Suite n.3 di J.S. Bach. Dopo la brevissima sosta l'impegnativa Sinfonia n.1 in do minore op.68 di Brahms, ben diretta da Pietro Veneri, ha avuto i momenti più felici nel Un poco sostenuto.Allegro iniziale e nel finale dell' Allegro non troppo, ma con brio. Applausi a tutti i giovani protagonisti e al direttore.

15 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Anne-Sophie Mutter e Lambert Orkis alla Scala per Mozart, Beethoven e Franck

Un Teatro alla Scala così pieno non si vedeva da un po' di tempo, e con un pubblico mediamente più giovane. La ghiotta occasione era rappresentata dalla presenza della celebre violinista tedesca Anne-Sophie Mutter, accompagnata al pianoforte dall'ottimo Lambert Orkis, pianista presente da anni in duo con la brava e ancora bellissima solista. Un impaginato classico con brani di Mozart, Beethoven e Franck, ha trovato certamente il favore del pubblico presente. I primi due lavori, la Sonata n.27 in sol maggiore K 379 di W.A.Mozart e la Sonata n.5 in fa magg. op.24 "La Primavera" di L.v.Beethoven hanno messo in risalto, oltre alle qualità della solista, anche quelle -eccellenti- di Orkis. Notoriamente nelle sonate di Mozart e Beethoven la parte pianistica non è di "accompagnamento", ma ha un ruolo pari e spesso predominante a quello del violino, tanto che originariamente, nel 1781, Mozart pubblicò un gruppo di sei sonate, tra cui la K 379, denominato "Sei sonate per clavicembalo e pianoforte con accompagnamento di violino". Di qualità l'equilibrio che si è creato tra la timbrica delicata della Mutter e le articolazioni, perfette nel fraseggio, nei pesi, e nei ricchi timbri del pianista. Di maggior presa violinistica la celebre sonata "La primavera" (1801) del genio di Bonn, con il noto incipit iniziale del violino nel primo movimento "Allegro". Dopo l'intervallo, il cambio di registro dovuta alla strepitosa Sonata in la maggiore (1886) di César Franck, ha invece maggiormente esaltato le eccellenti qualità interpretative di Anne-Sophie. L'evidente incisività timbrica che caratterizza la nota "sonata ciclica" di Franck, ha trovato nella Mutter interprete ideale. Il complesso sviluppo dell'ampio lavoro, con quell'originale tema che ritorna in tutti i movimenti, è stato espresso con timbriche chiare e scavate della solista. La resa sonora precisa e discorsiva della violinista, ha avuto integrazione nelle ottime armonizzazioni di Orkis e il risultato complessivo ha trovato un evidente riscontro nel pubblico, tanto da strappare applausi, cosa inconsueta, al termine dell'Allegro iniziale. Di grande impatto melodico i due bis concessi dall'eccellente duo. Prima una pagina di John Williams di intensa espressività melodica, e poi una profonda, articolata ed incisiva esecuzione della celebre Danza ungherese n.1 in sol minore di Johannes Brahms nella trascrizione del grande virtuoso violinista Joseph Joachim. Applausi fragorosi e continue uscite in palcoscenico degli interpreti visibilmente soddisfatti.

14 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli Emmanuel Tjeknavorian e Kiron Atom Tellian

Sabato 19 febbraio 2022 a Vercelli al Teatro Civico, Via Monte di Pietà 15, alle ore 21 si terrà un Concerto con Emmanuel Tjeknavorian, violino, e Kiron Atom Tellian al pianoforte. In Programma: J. Brahms - Scherzo in do minore WoO 2, A. von Webern - Quattro Pezzi op. 7, J. Brahms - Sonata n. 1 in sol maggiore op. 78, F. Poulenc - Sonata Alla memoria di Federico Garcia Lorca FP119, F. Schubert - Rondò in si minore op. 70, D 895. Quando è stato annunciato che il XXIV Viotti Festival avrebbe presentato il meglio dei giovani artisti della scena internazionale, si è fatta una promessa che, con il prossimo concerto. sarà ancora una volta mantenuta. Sabato 19 febbraio (ore 21, concerto in abbonamento) le luci del Teatro Civico di Vercelli si riaccendono per accogliere, due concertisti under 30 apprezzati in tutto il mondo: Emmanuel Tjeknavorian e Kiron Atom Tellian. Se per Tjeknavorian si tratta di un graditissimo ritorno al Festival, dove è già stato ospite e dove sarà ancora una volta protagonista a maggio, quando dirigerà un altro splendido talento emergente come Giulia Rimonda, per Tellian si tratta del debutto a Vercelli. Città che così aggiunge una nuova gemma al suo tesoro di giovani, anzi giovanissimi (l'età complessiva del duo non arriva a 50 anni) interpreti di assoluto valore. Ormai il pubblico del Festival sa bene che dire giovani non significa soltanto entusiasmo e passione, ma anche originalità nei programmi. E il concerto di Tjeknavorian e Tellian lo conferma, con una scelta di autori e brani capace di esaltare la purezza del suono e di sottolineare la potenza creativa della grande musica. Si andrà così da due opere di Brahms molto diverse fra loro – uno Scherzo giovanile dedicato al grande violinista Joachim e l'intensa Sonata n.1 della piena maturità all'ispirato e potente Rondò di Schubert, dalla tesa e incisiva Sonata di Poulenc alla memoria di Garcìa Lorca alle atmosfere rarefatte dei Quattro Pezzi di Webern. Scelte inusuali di due interpreti coltissimi e di grande sensibilità, capaci di dare vita a un concerto coerente ed evocativo, sempre fluido nella sua rigorosa compattezza. Per gli spettatori del Viotti Festival è l'ennesimo appuntamento al quale non mancare, ma è proprio vero che alla bellezza non ci si abitua mai.

14 febbraio 2022 dalla redazione

Davide Cabassi diretto da Gábor Takács-Nagy per il concerto di Schnittke

Un impaginato rilevante quello proposto ieri dall'Orchestra de I Pomeriggi Musicali per l'occasione diretta da Gábor Takács-Nagy. Tre compositori russi eseguiti in ordine inverso al periodo storico d'appartenenza. Prima Alfred Schnittke (1934-1998) con il Concerto per pianoforte ed archi, poi Dmitrij Šostakoviç (1906-1975) con la Suite "Amleto" op.32a, e per ultimo P.I. Čaikovskij (1840-1893) con la Suite n.4 in Sol minore op.61 "Mozartiana". Tre lavori di straordinario effetto musicale e d'immediata presa emotiva. Nel concerto di Schnittke la parte solistica è stata sostenuta dal pianista milanese Davide Cabassi. Schnittke, compositore eclettico, noto per il suo approccio multi-stilistico derivante dalla tradizione classica, ma influenzato da una serie di riferimenti musicali che spaziano dalla musica antica alla musica atonale, dal neoclassicismo al minimalismo, a certo spettralismo e anche al jazz, ha composto questo interessantissimo Concerto per pianoforte e archi nel 1979. È nei classici tre movimenti e l'impiego solistico del pianoforte spazia da momenti di semplice melodicità ad altri di fragorose esternazioni timbriche che creano situazioni di grande impatto sonoro. La componente orchestrale degli archi svolge un ruolo sia di sottolineatura dei colori pianistici, che di organica co-participazione alla resa compositiva. Cabassi ha sostenuto molto bene la non facile parte pianistica in un lavoro dove continui cambiamenti dinamici, timbrici e ritmici comportano difficoltà d'approccio da lui felicemente superate. Ottima la direzione di Gábor Takács-Nagy, direttore specializzato nel repertorio contemporaneo ma anche valente interprete della musica meno recente, come dimostrato dalla resa degli altri due avvincenti lavori. Successo per il lavoro del primo russo e ottimo il bis concesso da Cabassi. Dapo il breve intervallo, di rilevanza estetica la Suite composta da Šostakoviç per le musiche di scena di Amleto, una serie di tredici brevi ed intensi brani che hanno esaltato le ottime qualità degli orchestrali nelle varie sezioni. Altrettanto rilevante il delizioso lavoro di Čaikovskij costruito su celebri temi mozartiani e sulle dieci variazioni su un tema di Gluck del brano K 455. La Suite n.4 denominata " Mozartiana" ha infatto uniti i deliziosi temi del salisburghese ad un'atmosfera coloristica tipica di Čaikovskij. Fondamentali gli interventi solistici degli orchestrali: dal flauto, al clarinetto, dai precisi ottoni alle incisive percussioni, e soprattutto nel mirabile corposo intervento solistico del primo violino Fatlinda Thaci che ha ottimamente definito una delle più intense variazioni mozartiane riorchestrate dal compositore russo. Bravissima! Splendida la direzione ed eccellenti le timbriche dell'Orchestra de I Pomeriggi Musicali. Sabato 12 febbraio alle 17.00 si replica. Da non perdere!

11 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Arcadi Volodos per la Società dei concerti

È tornato in Conservatorio il pianista russo Arcadi Volodos in un recital organizzato dalla Società dei Concerti. Un impaginato ricco, con brani noti di Schubert e Schumann, che ha pienamente soddisfatto il pubblico presente in Sala Verdi. Il celebre pianista, nato a Pietroburgo nel 1972, è tra i migliori interpreti nel panorama internazionale, noto anche per le sue significative rielaborazioni, in senso virtuosistico, di molti celebri lavori. La corposa Sonata in re maggiore D 850 di Franz Schubert ha introdotto la serata. Un lavoro scritto in età matura dal viennese, precisamente nel 1825. La classicità della sonata si articola in quattro movimenti ricalcando il sonatismo beethoveniano, ma introducendo una varietà melodica tipica solo del viennese. Volodos si è rivelato un eccellente interprete schubertiano, capace di una straordinaria discorsività mediata da un peso delle dinamiche espresso in modo esemplare. Passando da una leggerezza quasi impercettibile dei pianissimo, sino alle robuste esternazioni dei momenti più concitati. La chiarezza espressiva è sembrata esemplare. Dopo il breve intervallo ha affrontato un "tutto Schumann" partendo dalle Kinderszenen op.15, raccolta di 13 brani dedicati ai giovanissimi, spesso brevi miniature di apparente facilità, uniti nell'esecuzione, quasi senza soluzione di continuità, alla celebre Fantasia in do maggiore op.17. Il netto salto virtuosistico della fantasia ha rivelato ancor più le abilità tecnico-espressiva dell' interprete che ha costruito un disegno preciso e raffinato nel definire i tre grandi poemi che compongono lo straordinario e maturo lavoro del compositore tedesco. Esecuzione di alto profilo estetico quella di Volodos, dove la sintesi discorsiva che ha origine da uno studio accurato di ogni dettaglio, sembra dispiegarsi in modo spontaneo, senza alcun minimo cedimento per una restituzione particolarmente espressiva. Applausi fragorosi al termine del programma ufficiale e ben cinque i bis offerti dal generoso pianista. Partendo dal noto Vogel als Prophet dall'op.82 di Schumann, poi i più rari Rachmaninov con Melodie op.21 n. e di Anatoly Lyadov il Preludio op.40 n.3 in re minore. Quindi Scriabin. Splendido concerto.

10 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Andris Nelsons dirige la Filarmonica della Scala

I concerti della Filarmonica della Scala hanno visto ieri sul podio scaligero il direttore lettone Andris Nelsons. Direttore affermato internazionalmente, attualmente svolge direzione stabile con la Boston Symphony Orchestra e con la Gewandhausenorchester di Lipsia. La scelta tradizionale dell'impaginato, ascoltato in un teatro colmo di pubblico, prevedeva prima Richard Wagner con il Preludio atto 1 dal Lohengrin, introduzione all'opera del 1853, poi il Preludio e Incantesimo del Venerdi Santo (dall'atto terzo) dal Parsifal composti tra il 1878 e il 1882. Dopo l'intervallo la Sinfonia n.7 in la maggiore op.92 di L.v. Beethoven, lavoro del 1811, completava il programma. Il clima meditato di Wagner ha trovato una valida direzione in Nelsons che ha ottenuto ottime dinamiche, con delicate e sottili escursioni volumetriche ben rilevate dai Filarmonici. In seguito l'energia discorsiva dei quattro movimenti della celebre Settima Sinfonia beethoveniana ha quindi portato gli eccellenti orchestrali ad esprimersi meglio, con una definizione coloristica, dinamica ed espressiva di alto livello, dal Poco sostenuto. Vivace iniziale, sino al rapido e ricco di energia Allegretto con brio finale. Eccellente la resa direttoriale e la complessiva restituzione in Beethoven e fragorosi e meritati applausi al termine dal pubblico presente.

(Foto di G.Gori- Uff.Stampa Filarmonica della Scala)

8 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Recital di Ferruccio Furlanetto alla Scala

Un programma impegnativo e particolarmente drammatico quello affrontato dal friulano Ferruccio Furlanetto al Teatro alla Scala. Sono passati oltre quarant'anni da quel lontano 1979, quando il celebre basso affrontò per la prima volta il palcoscenico scaligero nel Macbeth verdiano, nel ruolo di Banco, diretto da Abbado. Il recital di ieri sera lo ha visto accanto alla pianista Natalia Sidorenko- eccellente in tutti i lavori- per affrontare brani di Brahms, Musorgskij, Rachmaninov, Mozart, Massenet e Verdi. Brani che a parte alcuni mozartiani, hanno rappresentato alta drammaticità resa splendidamente dalla voce voluminosa ed espressiva del cantante. Ha iniziato dai maturi Quattro canti seri op.121 di Joahnnes Brahms, lieder composti nel 1896 che concludono con raro senso di smarrimento e tristezza la carriera del grande compositore amburghese, deceduto l'anno successivo. Quindi i quattro Canti e danze della morte, composti da Modest Musorgskij intorno al 1877, hanno ancora messo in risalto la pregnante e profonda voce di Furlanetto, seguiti ancora da due toccanti brani di Sergej Rachmaninov, tra cui Nel silenzio della morte misteriosa op.4 n.3. Dopo il breve intervallo, il ritorno sul palcoscenico dei due interpreti ha trovato un cambiamento di clima con tre brani di Mozart tratti dal Flauto magico, dalle Nozze di Figaro e dal Don Giovanni. Il carattere più dolce in In diesen heil‘gen Hallen e quello più spensierato in Non più andrai farfallone amoroso e Madamina, il catalogo è questo, hanno rivelato la duttilità del settantaduenne cantante nel cambiare la sua timbrica vocale e il suo stile espressivo, che trova sempre anche una precisa ed adeguata resa attoriale rispetto ai personaggi che interpreta. Il ritorno alla drammaticità si è ripresentato con la Morte di Don Chisciotte di Jules Massenet e ancor più con la Morte di Boris, finale del Boris Godunov di Musorgskij. Ancora drammatico l'ultimo brano dell'impaginato con Ella giammai m'amò dal Don Carlo verdiano. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto. Uno splendido bis concesso con un'esemplare Cavatina di Aleko dall'opera Aleko di Rachmaninov, intensamente espressiva. Applausi meritatissimi per i due interpreti!

7 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Luca Buratto a Villa Necchi Campiglio

I concerti organizzati dalla Società del Quartetto di Milano nell'ampio spazio coperto - ex tennis- di Villa Necchi Campiglio hanno trovato ieri, nel tardo pomeriggio, il pianista milanese Luca Buratto. Affermato nel panorama concertistico internazionale, Buratto ha impaginato un programma particolarmente vario con Brani di Schumann, Debussy, Janáček, Adès, Crumb e Bartók. Tredici lavori in un programma denominato "Nella notte" studiato dal pianista in modo intelligente, per un'esecuzione senza soluzione di continuità, in modo da sembrare come una grande suite dove i brani, pur essendo di autori diversi e distanti nel tempo tra loro di oltre 150 anni, sono resi in stile unitario, con un clima coloristico complessivo ben adeguato al clima notturno. Cinque i brani di Schumann, quattro quelli di Debussy, eseguiti in ordine sparso tra gli autori di minore notorietà come Thomas Adès (1971) e il suo Berceuse, da "The Exterminating Angel o di George Crumb (1929) con Dream Images da Mikrokosmos I, o di compositori eseguiti, ma meno dei primi, come Janáček e il suo Le nostre serate da "Sul sentiero dei rovi o Bartók con Musica notturna da "All'aria aperta". Insomma un programma suggestivo che unifica momenti compositivi differenti e che si è concluso con lo splendido In der Nacht-Nella notte dai Fantasiestüke op.12 di Schumann. Applausi calorosi dopo il silenzio assoluto, in uno spazio-tennis al completo. Generoso Buratto nel concedere tre validi bis: Janáček con Buonanotte, Debussy con Clair de lune e l'amato Schumann con l'ultimo dei Canti dell'alba. Bravissimo!

6 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Roberto Cominati per il concerto di Ildebrando Pizzetti

Un programma " Controcorrente" quello proposto dall'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi", che si ascolta raramente e che è piaciuto molto al pubblico presente in Auditorium ieri sera. Soprattutto il primo lavoro di Ildebrando Pizzetti, col suo "Canti della stagione alta" ovvero il Concerto per pianoforte e orchestra, non viene mai proposto pur essendo di indubbia qualità musicale. Composto nel 1930, quando il musicista parmense aveva esattamente cinquant'anni, il brano recupera quella tradizione antica che veniva osteggiata dai modernisti di quell'epoca. Le due parti del lavoro, dove la seconda è in realtà formata da un Adagio e da un Rondò, ha il pianoforte come strumento centrale, ma anche l'orchestra, per l'efficacia delle timbriche, ha un ruolo importante. Il solista Roberto Cominati, ottimo pianista cinquantaduenne napoletano, vincitore nel 1993 del Primo premio all'importante "Concorso Ferruccio Busoni" di Bolzano, ha aspresso chiarezza discorsiva e solida penetrazione nell'esprimere la non facile parte pianistica, che, come quella orchestrale diretta molto bene da Oleg Caetani , presenta continui cambiamenti nella linea melodico-armonica. Originalissimo il lavoro di Pizzetti che speriamo torni presto nelle sale milanesi e italiane. Di qualità i bis solistici concessi da Cominati, con il primo brano assai virtuosistico con un arrangiamento su valzer viennesi e il secondo, di pregnante epressività, con il Minuetto in sol minore HWV 434 di G.F. Händel nell'intenso arrangiamento di Wilhelm Kempff. Dopo il breve intervallo, Oleg Caetani ha ottimamente diretto la Sinfonica Verdi nella Sinfonia n.2 in do minore di Anton Bruckner. Composta nel 1871-72, è nei classici quattro movimenti e ritrova il compositore austriaco, dopo la prima sinfonia ascoltata recentemente, a cimentarsi in un brano di ancor più ampio respiro. Valida l'interpretazione fornita, con un'orchestra rilevante in tutte le sezioni, anche nei più concitati e appariscenti ottoni certamente di rilevante qualità timbrica. Applausi convinti. Domenica alle ore 16.00 si replica. Da non perdere.

5 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Pietro De Maria diretto da James Feddeck nel concerto di Schumann

Il Concerto per pianoforte e orchestra in La minore op.54 di Robert Schumann, cavallo di battaglia di tutti i migliori pianisti, ha trovato solista al pianoforte Pietro De Maria, un interprete affermato e conosciuto, soprattutto nel repertorio classico e romantico. Il celebre Concerto in La minore venne completato e poi eseguito a Desdra nel 1845 da Clara Wiech-Schumann. Divenne da allora tra i più eseguiti "concerti per pianoforte" e ancora oggi rimane ineguagliato per brillantezza, tensione emotiva ed equilibrio armonico. La non facile esecuzione, che prevede un'importante integrazione con la componente orchestrale, tanto da formare una sorte di sinfonia con solista, è stata affrontata con determinazione ed espressività da De Maria. Molto bravo nei frangenti di tensione volumetrica, è stato ancor più convincente nei momenti di maggiore interiorizzazione, dove i colori del pianoforte assumono un aspetto più intimamente romantico, come nella cadenza dell'Allegro affettuoso o nell'intenso tema dell'Andantino grazioso centrale. Di qualità la direzione di Feddeck e la resa strumentale dell'Orchestra de I Pomeriggi. Applausi fragorosi dal numeroso pubblico del Dal Verme e due splendidi bis solistici concessi da De Maria: prima un pregnante brano di J.P. Rameau, Les Cyclopes, eseguito con impeccabile precisione e chiarezza, e poi un delicato ed intimo Schumann con Eusebius da Carnaval op.9. Bravissimo! Dopo la breve pausa, I Pomeriggi hanno interpretato Mozart con la celebre Sinfonia n.40 in Sol minore K 550. Valida la visione complessiva di Feddeck che ha trovato il giusto dosaggio coloristico nell'integrare i diversi piani sonori che  s'intrecciano definendo con eleganza questo capolavoro del grande salisburghese. Fragorosi gli applausi a tutti i protagonisti. Sabato alle ore 17.00 si replica. Da non perdere.

4 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Il violoncello di Enrico Dindo per la Società dei Concerti

Il violoncello protagonista del concerto di ieri sera, quello di Enrico Dindo, ha trovato un valido compagno di viaggio col pianoforte di Carlo Guaitoli. Dindo ha iniziato la sua brillante carriera solistica con la vittoria, nel 1997, del Concorso "Rostropovich", acquisendo, via via, notorietà e diventando tra i migliori cellisti italiani ed internazionali. Guaitoli, affermatosi in molti concorsi internazionali, come il Casagrande di Terni nel 1994 o il Busoni di Bolzano nel 1997, ha trovato, oltre ad una brillante carriera solistica nel repertorio classico, anche fama tra i più giovani ascoltatori per via del sodalizio musicale con Franco Battiato. L'impaginato, interessante ed impegnativo, di ieri sera, prevedeva musiche di Schumann, Brahms e Miaskovsky. Dopo la frequentata Phantasiestüke op.73 di Schumann e la celeberrima Sonata n.1 in mi minore op.38 di Brahms, la rara Sonata n.2 in la minore op.81 del compositore russo N.J.Miaskovsky ( 1881-1950) ci ha permasso di conoscere un artista poco eseguito, ma certamente di grande raffinatezza musicale. Le qualità consolidate di Dindo sono state espresse mirabilmente in tutti tre i lavori, e la sinergia con il pianista Guatoli è stata ottima. Strumentista di precisa e sensibile visione musicale, Guaitoli ha un approccio asciutto e sicuro con la tastiera e una visione complessiva dei brani di alto livello. Con Dindo ha trovato la giusta espressività nel supportare le linee melodiche del voluminoso violoncello e, in alcuni frangenti, come nel sostenuto Allegro finale della sonata brahmsiana, il pianoforte ha avuto ruolo determinante. Decisamente valida l'interpretazione della sonata di Miaskovsky. Un lavoro di rara bellezza che trova riferimento soprattutto in Rachmaninov, ma anche in certo Šostakoviç, come nell'energico Allegro con spirito finale. Applausi sostenuti e un bellissimo bis concesso con una deliziosa ed intensa melodia di César Cui. Il suo Cantabile ha ancor più evidenziato la dolcezza del penetrante violoncello del grande interprete torinese. Applausi fragorosi al termine.

3 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Il Vision String Quartet in Conservatorio per la Società del Quartetto

È un gruppo di talenti di sicuro valore quello che forma il Vision String Quartet. Il concerto ascoltato ieri, organizzato dalla Società del Quartetto, ha visto sul palcoscenico di Sala Verdi, nel Conservatorio milanese, Florian Willeitner al violino, Daniel Stoll al violino, Sander Stuart alla viola e Leonard Disselhorst al violoncello. Quattro giovani che a Berlino, nel 2012 hanno avuto la luminosa idea di mettersi in gioco in una formazione quartettistica cha ha trovato in breve tempo un meritato successo. Punto di partenza anche la vincità del prestigioso Concorso Internazionale Felix Mendelssohn di Berlino nel 2016, seguito da molti altri primi premi in altri importanti concorsi È una formazione esemplare nell'eseguire il repertorio tradizionale classico, ma che ha la soddisfazione di dedicarsi anche ad \impaginati più "moderni", che spaziano dal folk, al pop, al funk e persino al jazz. Il programma del concerto di ieri era però decisamente classico. Prevedeva prima il Quartetto n.2 in la minore op.13 di F. Mendelssohn e poi il Quartetto n.13 in sol magg. op.106 di A.Dvořak. Due lavori importanti che hanno messo in rilievo l'eccellente intesa dei quattro strumentisti. Un equilibrio che sia nel più estroverso e melodico quartetto giovanile del lipsiano, composto nel 1827 da uno straordinario Mendelssohn diciottenne, che in quello più maturo e interiorizzato composto da Dvořak nel 1895, rivela le raffinate qualità del gruppo cameristico. I quattro, con i violini e la viola suonati in piedi, hanno eseguito, cosa assai rara, il quartetto di Dvořak completamente a memoria, senza spartiti. Ottima la discorsività e la resa espressiva di entrambi i lavori con un Dvořak di ancor più intensa espressività. Applausi fragorosi dal mumeroso pubblico intervenuto e un divertente "moderno" bis con un brano denominato "samba" eseguito tenendo violini e viola a "modo di chitarra", pizzicando le corde, per una resa ritmica e dinamica sorprendente. Applausi ancora più fragorosi, al termine dal pubblico entusiasta. Aspettiamo al più presto il Vision String Quartet in un programma con brani recenti come quelli del loro recente album "Spectrum" di cui Samba fa parte.

2 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Prossimo appuntamento a Vercelli con Timothy Ridout alla viola e Frank Dupree al pianoforte

Il prossimo appuntamento con la classica al XXIV Viotti Festival, sabato 5 febbraio (ore 21, concerto in abbonamento) al Teatro Civico di Vercelli sarà ancora una volta con ospiti eccellenti. Si tratta di un duo solidissimo, composto da interpreti molto giovani ma già acclamati in tutto il mondo: Timothy Ridout, già capace a 26 anni di portare la viola al centro dell'attenzione a livello internazionale, e il pianista Frank Dupree, 30 anni e una carriera di successi anche come direttore d’orchestra e jazzista. Due protagonisti d'eccezione che brillano per passione e originalità, qualità confermate dal programma proposto al pubblico del Civico, nel quale la scelta dei brani riesce a coniugare singolarità e rispetto dei “classici”, premiando sempre la ricerca dell'espressività. Si aprirà con Die Laune Aiolos (L'umore di Eolo, eseguito per la prima volta nel 2014), del compositore svizzero Richard Dubugnon: un brano intenso ed evocativo nel quale viola e pianoforte si inseguono in tempestosi passaggi virtuosistici. La parte centrale del concerto sarà poi musica 16 poesie di Heine, ma soprattutto una struggente, pienamente “romantica” storia d'amore, e poi con i Phantasiestücke (1849), tre pezzi in forma di canzone che creano un emozionante crescendo di tensione. La serata si chiuderà quindi con una selezione di brani dal balletto Romeo e Giulietta, qui proposti in forma di suite per viola e pianoforte firmata da Vadim Borisovskij: una scelta capace di esaltare l'inventiva esuberante che contraddistingue il capolavoro di Prokof’ev. Biglietti da 10 a 22 € online sul sito www.viottifestival.it o presso la biglietteria “Viotti Club” via G. Ferraris 14, Vercelli, dal lunedì al venerdì dalle 13 alle 18.50 Riduzioni per under 25, over 65, soci Coop. Per informazioni www.viottifestival.it email biglietteria@viottifestival.it cell 329 1260732 l prossimo appuntamento con il Viotti Festival è in programma sabato 19 febbraio al Teatro Civico (ore 21), con protagonisti Emmanuel Tjeknavorian al violino e Kiron Atom Tellian al pianoforte.

1 febbraio 2022 dalla redazione

GENNAIO 2022

Due flauti e il pianoforte di Bruno Canino alle "Serate Musicali"

Un concerto organizzato da Serate Musicali nell'elegante Sala Puccini del Conservatorio milanese, ha visto un pianista di classe quale Bruno Canino accompagnare due flautisti di eccellente qualità quali il danese -nativo di Budapest- Andras Adorján e l'udinese Luisa Sello. Entrambi noti in tutto il mondo, i due flautisti hanno suonato insieme o in alternanza in brani di Kuhlau, Mozart, Canino e Doppler. Il brillante Trio in sol maggiore op .119 per due flauti e pianoforte di Friedrich Kuhlau (1786-1832) ha introdotto il concerto. Un brano che ha subito rivelato le alte qualità dei flautisti e l'abilità del pianista napoletano nel mettere in rilievo le melodie flautistiche attraverso timbriche luminose e perfettamente scandite. Chiara e scorrevole la linea melodica e il contrappunto dei due splendidi flauti. La più nota Sonata per flauto e pianoforte in mi bem. maggiore dal Quintetto KV 452 di W.A.Mozart ha visto al flauto Adorján esprimersi molto bene nei tre movimenti del classico brano, coadiuvato ottimamente da Canino. Ricordiamo che Il Quintetto per pianoforte e fiati è stato rielaborato dal compositore L.W. Lachnith ( 1748-1820) e da Adorján stesso. Una delle novità della serata è stata la prima esecuzione di un lavoro di Bruno Canino (1935). Nella veste di compositore e non solo di pianista, Canino ha eseguito la sua Sestina per flauto e pianoforte insieme a Luisa Sello. Un brano di quasi sei minuti di durata, particolarmente chiaro nell'enunciazioni timbriche, dove l'importante parte pianistica è unita alla fondamentale articolata timbrica del flauto. Il brano è introdotto da una chiara linea melodica dello strumento a fiato sorretto dalle armonizzazioni pianistiche, per poi trovare una soluzione di dialogo tra le parti in un gioco contrappuntistico ben scandito da entrambi gli strumenti. Un lavoro di efficace resa espressiva che sconfina in territorio atonale e che si conclude con un'improvvisa brusca nota finale accentuata dal pianoforte. Deciso apprezzamento del pubblico presente in sala. L'ultimo lavoro della serata, un'altrà novità, era la Sonata per due flauti e pianoforte di Franz Doppler ( 1821-1883), flautista e compositore austriaco. In prima esecuzione italiana, la Sonata di Doppler si dipana in quattro movimenti ed è caratterizzata da una ricca vena melodica romantica di evidente estroversione. L'ottima interpretazione dei tre protagonisti ha concluso il programma ufficiale ma non la serata. Due infatti i bis generosamente concessi, tra cui un' eccellente trascrizione del toccante Andante dalla Sonata K 448 per due pianoforti di W.A. Mozart. Applausi meritati.

29 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

Il violoncello di Quirine Viersen diretto da Claus Peter Flor e una novità di Bizet-Ščedrin per "la Verdi"

Il concerto diretto da Claus Peter Flor, sul podio dell'Orchestra Sinfonica di Milano, ha portato due brani nell'ottimo impaginato scelto. Il primo, piuttosto eseguito, era il Concerto n.1 in do maggiore per violoncello ed orchestra di F. J. Haydn e il secondo, certamente di raro ascolto, la Carmen Suite di G.Bizet nella rielaborazione del compositore moscovita Rodion Ščedrin. Per il coinvolgente brano iniziale la violoncellista Quirine Viersen ha sostenuto ottimamente il ruolo da protagonista. La cinquantenne olandese, solista affermata soprattutto nel nord-Europa, ha trovato un giusto equilibrio per una sinergica interazione con la Sinfonica Verdi, ottimamente diretta da Flor. La sua dettagliata interpretazione del concerto haydniano evidenzia un'attitudine alla perfezione esecutiva che abbiamo riscontrato in tutti i tre movimenti che formano il classico concerto, dal Moderato iniziale all'intenso Adagio centrale interpretato magistralmente dalla Viersen, sino all'estroverso Allegro finale. Scritto da Haydn intorno al 1765, venne riscoperto solamente nei primi anni '60 del secolo scorso ed è un punto d'arrivo di tutti i grandi violoncellisti. Valido il bis concesso dalla bravissima Viersen con un ottimo Bach particolarmente apprezzato dal pubblico. Dopo il breve intervallo la rarità di Bizet- Ščedrin ha rivelato le qualità rielaborative del novantenne compositore russo che ha saputo reinterpretari le celebri arie tratte da Carmen utilizzando solo gli archi e le percussioni. Quartanta minuti di musica quella eseguita dagli eccellenti orchestrali, in grande forma sia nelle sezioni degli archi che in quelle della ampie percussioni. La direzione particolareggiata e attenta di Claus Peter Flor ha sottolineato tutti i tredici momenti musicali scelti da Ščedrin per definire il capolavoro lirico del francese, momenti giocati sul contrasto, a volte tenue, a volte incisivo, tra le melodiche dei violini, delle viole, dei violoncelli e dei contrabbassi e la ritmica percussiva spesso unita ai colori melodici di marimbe, vibrafoni e glockenspiel. Un lavoro di eccellente qualità quello che Ščedrin ha dedicato alla moglie ballerina Majja Pliseckaja nei primi anni '60, lavoro che meriterebbe di entrare spesso nei repertori delle orchestre italiane. Applausi sostenuti dal pubblico presente in Auditorium. Prossime repliche previste per questa sera, 28 gennaio e per domenica 30 gennaio. Da non perdere!

28 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

Il duo Hakhnazaryan-Tchaidze al Conservatorio milanese

Un programma romantico particolarmente interessante quello di ieri sera di Sala Verdi, organizzato nel Conservatorio milanese da "Serate Musicali". Un duo di ottima intesa formato dal violoncellista armeno Narek Hakhnazaryan e dal pianista russo Georgy Tchaidze. Hanno impaginato un programma con brani di Schumann, di Schubert e di Mendelssohn. La Phantasienstücke op.73 (1849) , del primo tedesco, ha introdotto la serata rivelando da subito la cifra stilistica del duo. Un'intesa giocata su timbriche tenui, di immediata discorsività, dove la fluidità melodica del violoncellista si è ben inserita nell'evoluto tessuto armonico pianistico di Schumann. Di più coinvolgente emotività, per la linearità dei temi, la  Sonata in la minore per arpeggione e pianoforte D.821 (1825) di Franz Schubert, nella più frequentata trascrizione per violoncello. Particolarmente conosciuta, la deliziosa sonata del viennese ha trovato ancora la scioltezza del cellista e l'abilità articolatoria del pianista per una efficace fluida resa interpretativa. Dopo il breve intervallo, la ingiustamente poco eseguita Sonata n.2 in re maggiore per violoncello e pianoforte op.58 di Felix Mendelsshon, ha concluso il programma ufficiale. Il lavoro composto nel 1843 dal musicista lipsiano è nel classico stile brillante, con frangenti di rapida esternazione, come avviene nel delizioso Molto allegro e vivace finale. Le repentine escursioni timbriche dei due strumentisti hanno ancora messo in risalto l'efficace intesa degli interpreti. Lunghi applausi e due bis concessi: prima le Variazioni sulla quarta corda da un tema di Rossini tratto dal Mosè, di Niccolò Paganini, eseguite virtuosisticamente da Hakhnazaryan sulla corda più alta del violoncello e poi l'Andante centrale dalla Sonata per violoncello e pianoforte di Sergej Rachmaninov. Applausi accorati dal pubblico presente in Sala Verdi ed evidente soddisfazione per gli interpreti.

25 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

I Capuleti e i Montecchi alla Scala

Continuano al Teatro alla Scala le repliche dell'opera belliniana I Capuleti e i Montecchi, lavoro del 1830 del compositore catanese che non trovò mai grande fortuna nelle rappresentazioni effettuate. Dalla Scala mancava da quasi trentacinque anni e con il nuovo allestimento di questi giorni, per la direzione femminile della romana Speranza Scappucci - alla sua prima direzione lirica scaligera- finalmente si è arrivati ad un successo convinto. Il nuovo allestimento del Teatro alla Scala, per la regia di Adrian Noble, le scene di Tobias Hoheisel e i costumi di Pertra Reinhardt, ha convinto il numerosissimo pubblico presente in teatro nella terza rappresentazione vista da me oggi, domenica 23. Le ottime sinergie di tutte le componenti presenti in scena, hanno trovato il punto di forza nella sensibile direzione della Scappucci deii bravissimi orchestrali scaligeri e nel valido cast vocale. La Scappucci ha trovato timbriche italianissime, delicate ed espressive, per esprimere i colori sfumati di Bellini e per esaltare le importanti voci soliste. Cinque le voci in scena, tre maschili e due femminile. Le due principali protagoniste, il soprano Lisette Oropesa, Giulietta, e il mezzosoprano Marianne Crebassa, Romeo (en travesti), sono state poi determinanti per l'indiscusso successo del non facile lavoro. ( prime foto a cura di Brescia e Amisano - archivio della Scala) La loro presenza scenica, specie nel secondo e ultimo atto, ha risolto problematiche storiche riguardanti proprio quest'ultima parte dell'opera, parte un tempo non apprezzata e solo recentemente rivalutata nella versione originale di Bellini. Ottime anche le tre voci maschili con il basso Jongmin Park nel ruolo di Capellio, il tenore Jinxu Xiahou in Tebaldo e l'inossidabile basso Michele Pertusi in Lorenzo. Eccellenti quindi sia la Giulietta di Lisette Oropesa che il Romeo di Marianne Crebassa che oltre a eccellere per coloristica e intonazione nelle arie individuali, hanno trovato eccellenza nei numerosi duetti presenti nell'opera, come nel sofferto finale che vede la loro celebre morte. Di alto livello, come sempre, il Coro del Teatro alla Scala preparato da Alberto Marazzi. Prossime repliche previste per il 30 gennaio e il 2 febbraio. Assolutamente da non perdere.

23 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

Pietari Inkinen dirige I Pomeriggi Musicali in Bruckner

Un impaginato tutto dedicato ad Anton Bruckner quello scelto dal direttore quarantenne Pietari Inkinen alla guida dell'Orchestra de I Pomeriggi Musicali. Ieri, nella replica del pomeriggio di sabato, l' Ouverture in sol minore prima, e la Sinfonia n. 1 in do minore dopo, hanno riempito di note l'ampia sala del milanese Teatro Dal Verme. Due brani di raro ascolto, composti dal grande musicista e organista austriaco pensando alla musica del tardo romanticismo tedesco e a quella di Richard Wagner. La produzione sinfonica di Bruckner ebbe inizio in età matura, alla soglia dei quarant'anni, è divenne copiosa fino a raggiungere il numero "magico" di nove sinfonie completate, la maggior parte di ampia dilatazione musicale, come avvenne anche per il suo collega Gustav Mahler. La delicata e più tradizionale Ouverture in sol minore è del 1862 e rappresenta uno dei primissimi lavori sinfonici del viennese, già autore di molta musica organistica, mentre la Sinfonia n.1 in do minore ebbe un percorso compositivo più travagliato e gli oltre cinquanta minuti di musica, dipanati nei classici quattro movimenti, sono da considerarsi tra le più brevi sinfonie del compositore. Composta tra il 1865 e il 1866, spesso rimaneggiata, contiene molte specificità tipiche dell'autore, con frangenti di efficace linguaggio espressivo tra situazioni di grande riflessività interiore ed altri di grande estroversione timbrica, come nelle prime note dell'Allegro iniziale. Il bravissimo direttore finlandese Pietari Inkinen ha rivelato sicure attitudini musicali verso la musica bruckneriana, dando una prova significativa nella sua completa esternazione musicale, ricca di dettagli e di espressività. Bravissimi i numerosi strumentisti dell'Orchestra de I Pomeriggi in ogni sezione strumentale, dai numerosissimi archi ai fragorosi ed efficaci ottoni, molto rilevanti nella musica di Bruckner. Grande successo con applausi fragorosi da parte del numerosissimo pubblico presente in teatro. Un prova decisamente valida!

23 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

Riccardo Chailly e la Filarmonica della Scala per Beethoven e Mahler.

Due Prime Sinfonie quelle ascoltate ieri sera in replica al Teatro alla Scala. Sul podio scaligero Riccardo Chailly ha infatti proposto prima la Sinfonia n.1 in do maggiore op.21 di L.v.Beethoven e poi la più corposa Sinfonia n.1 in re maggiore "Titano" di Gustav Mahler. Due lavori distanti tra loro circa 90 anni e diventati entrambi classici del sinfonismo musicale. L'orchestra beethoveniana, di medie dimensioni, ha ereditato nel 1799-1800, anni della realizzazione della sua "prima", le esperienze della scuola classica hydniana e mozartiana per un lavoro raffinato, ricco di equilibrio e anche spensierato, come testimonia il delizioso Allegro molto vivace che conclude la sinfonia. Un'interpretazione di grande equilibrio classico quella di Chailly, con una restituzione orchestrale di eccellente livello. Atmosfere più dilatate e contrastate quelle della celebre prima mahleriana, un brano di quasi sessanta minuti del 1888 che segna già completamente il linguaggio del grande musicista viennese. C'è già moltissimo Mahler nella prima sinfonia! Modalità discorsive che partendo dal mondo folcloristico austriaco, dal tardo romanticismo tedesco e da quell'ampliamento delle timbriche orchestrali sostenute dalla grandi orchestre sinfoniche dall'ultimo romanticismo, portano alla scrittura di capolavori divenuti dei classici non da molti decenni. Riccardo Chailly ha trovato il giusto equilibrio, senza eccessi volumetrici, nel definire in modo chiaro ed espressivo l'universo sonoro di Mahler. La Filarmonica della Scala, splendida, in ogni sezione strumentale, ha raggiunto pienamente gli obiettivi prefissati dal direttore milanese, con un traguardo di alta qualità assai apprezzato dal numerosissimo pubblico presente in teatro alla terza e ultima esecuzione. Applausi scroscianti interminabili e numerose uscite del Maestro.

21 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

Alvise Casellati e Alessandro Taverna per Mozart e Beethoven

La Fondazione La Società dei Concerti ha portato in Sala Verdi l'Orchestra Maderna, compagine nata a Forlì nel 1996 e diretta ieri sera in Conservatorio da Alvise Casellati. Protagonista del primo brano in programma è stato il pianista veneto Alessandro Taverna che ha sostenuto il ruolo più importante nel Concerto n.9 in mi bemolle maggiore K 271 "Jeunehomme" di Mozart. È un brano nei classici tre movimenti del salisburghese che segna una svolta di novità e creatività nei lavori solistici del grande compositore. Uscendo dal classico stile galante, tipico di quel periodo storico, Mozart, in questo noto lavoro del 1777, trova felici momenti creativi nell'Allegro, nel profondo Andantino centrale e soprattutto nel Rondó.Presto finale, un movimento particolarmente dilatato con all'interno un improvvisato minuetto centrale. Alessandro Taverna, coadiuvato con efficace resa coloristica dalla giovanile Orchestra Maderna e dall'ottima direzione, ha trovato un valido equilibrio discorsivo, giocato su una delicata ma sicura timbrica, ben articolata e trasparente. La parte solistica, spesso in evidenza senza accompagnamento, ha rivelato la rilevante cifra interpretativa del pianista che ricordiamo aver iniziato la carriera solistica a livello internazionale con l'affermazione al Concorso Pianistico Leeds nel 2009. Sostenuti gli applausi del numeroso pubblico intervenuto e valido il bis concesso da Taverna con il delicato Cigno dal Carnevale degli Animali di Camille Saint-Saëns, eseguito con garbo coloristico e rilevante espressività. Dopo il breve intervallo, valida l'interpretazione della Quinta Sinfonia di Beethoven, affrontata in modo grintoso da Casellati, per una resa sicura, chiara e ricca di energia specie nell'Allegro finale. Fragorosi applausi al termine e come bis ripetizione delle battute finali dell'Allegro.

20 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

VIOTTI TEA – L’APPUNTAMENTO SETTIMANALE CON LA CLASSICA E I GIOVANI TALENTI A VERCELLI

Nel Viotti Club, nuova sede della Camerata Ducale, la tradizionale ora del tè diventa l’ora della musica per ascoltare, in pieno pomeriggio, i migliori talenti della nuova generazione. In tempi di distanziamento, avere l'occasione di assistere (naturalmente, nel rispetto di tutte le norme di prevenzione) a un concerto dal vivo in un luogo intimo e raccolto come il Viotti Club di via Galileo Ferraris 14, nel cuore di Vercelli, è davvero un lusso.E ci sono almeno due motivi per apprezzarlo, se possibile, ancora di più. Il primo è che quello di giovedì 20 gennaio (ore 17) è solo uno dei ben 11 concerti che il Viotti Club proporrà da oggi fino alla fine di marzo.Un cartellone fitto di giovani solisti già avviati verso una prestigiosa carriera, ma anche una rassegna settimanale pensata – e realizzata pur tra tante difficoltà – per portare davvero l'arte “vicino” allo spettatore: il talento al servizio delle persone e della difesa dei veri, fondamentali valori umani.Il secondo motivo è che giovedì 20 saranno di scena due solisti già ben conosciuti al pubblico vercellese ed entrambi molto amati. La violinistra Giulia Rimonda, 19 anni, figlia d’arte di Guido Rimonda e Cristina Canziani, artista residente della Fondazione Società dei Concerti di Milano, solista della Camerata Ducale Junior, allieva di Salvatore Accardo all'Accademia Chigiana e dell'Accademia di Santa Cecilia. Josef Mossali, talentuoso pianista, 21 anni, già ammirato lo scorso giugno al Museo Leone nella rassegna Pianofortissimo e acclamato “Giovane talento musicale dell’anno” in occasione del Festival Pianistico di Brescia e Bergamo. Considerato che Rimonda e Mossali proporranno brani di grande presa emotiva, ovvero due Sonate di Franck e Prokofiev, il pomeriggio al Viotti Club si annuncia come una di quelle occasioni nelle quali sarà davvero bello poter dire: io c'ero. Tanto più che l'ingresso ha un costo estremamente contenuto, ovvero 5 Euro. Tuttavia, visto il numero limitato dei posti disponibili, è vivamente consigliata la prenotazione, che si può effettuare scrivendo a biglietteria@viottifestival.it o telefonando al 329 1260732. Giovedì 20 gennaio 2022 Viotti Club Via G. Ferraris, 14 – Vercelli Ore 17.00 Ingresso Euro 5 – capienza limitata Giulia Rimonda violino , Josef Mossali pianoforte Programma C. Franck- Sonata in la maggiore. S. Prokofiev - Sonata in re maggiore n. 2, op. 94 bis Il prossimo appuntamento con la rassegna VIOTTI TEA giovedì 27 gennaio (ore 17), Marco Carino pianoforte, programma: L.van Beethoven Sonata n.2 in la maggiore, op. 2 n. 2, J. Brahms Sonata n.2 in fa diesis minore, op. 2, F.Liszt Leggenda di San Francesco da Paola che cammina sulle onde, S.175 n.2 ufficio.stampa@camerataducale.it cell. 366 30 54 181

dalla redazione 19 gennaio 2020

Leonidas Kavakos ed Enrico Pace per "Serate Musicali"

È tornato in Conservatorio, ai concerti organizzati da "Serate Musicali", un duo di altissima qualità. Quello formato dal violinista greco Leonidas Kavakos e dal pianista riminese Enrico Pace. Come già scritto più volte in questi anni nelle pagine del giornale, un duo cameristico cha ha pochi rivali nel panorama concertistico mondiale. L'impaginato ascoltato ieri sera in Sala Verdi, prevedeva brani di Schubert, Schumann e Beethoven. Tre lavori importanti tra cui uno celeberrimo, la Sonata op.47 "A Kreutzer", eseguita dopo il breve intervallo e due meno noti, ma di altrettanto interesse: il tardo classicismo di Franz Schubert con la Sonata Duo n.4 in la maggiore D.574 (1817) e il romanticismo più evoluto di Robert Schumann con la Sonata n.2 in re minore Op.121"Grosse Sonate" (1851), così denominata per via della ingente dimensione. Le mirabili interpretazioni dei due strumentisti, poggiano su un equilibrio discorsivo e su un'accurata divisione delle parti, in perfetta sinergia. Il modo particolareggiato di scavare nelle timbriche di entrambi i musicisti, ha nella costante riflessione l'elemento centrale di definizione per una cifra estetica di evidente espressività. La discrezione sonora che caratterizza entrambi è supportata dalla consapevolezza di non voler mai esagerare con un uso gratuito virtuosistico. Le timbriche erano misurate ma con ampio spessore dinamico nella più classica sonata di Schubert, sonata che risente ancora dell'influenza mozartiana, sebbene più sostanziosa delle precedenti tre "Sonatine". Nella corposa Sonata op.121 di Schumann il taglio timbrico è apparso profondo, scavato e tormentato nelle melodie violinistiche e nelle rielaborate armonizzazioni pianistiche. Il risultato interpretativo è stato sorprendente e quest'ultima sonata, certamente tra le più complesse nell'esemplarità di tutti i quattro movimenti, è stata resa in modo comprensibile dalla chiarezza analitica della sua restituzione. A questo splendido lavoro si è unito poi il capolavoro consolidato della Sonata n.9 op.47 in la maggiore (1803). La sua restituzione ha trovato ancora nella resa analitica e dettagliata di Kavakos e di Pace il punto di partenza per una esecuzione che ha nel Finale.Presto il momento di più estemporanea resa discorsiva. Peccato la brusca interruzione nelle ultimissime battute - poi ripetute- del Presto iniziale del primo movimento, dovuta alla rottura di una corda del violino di Kavakos. La ripresa è stata poi compensata dal ritorno all'alta qualità interpretativa. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto e decisamente valido il bis con una inserzione musicale ricca di folclore tratta dalle rapsodie per violino e pianoforte di Bela Bartok. Splendido concerto.

18 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

Il direttore Vincenzo Milletarì e la pianista Valentina Lisitsa per le "Notti russe" dell' Auditorium

Il giovane direttore italiano Vincenzo Milletarì è in questi giorni sul podio dell'Auditorium di l.go Mahler per un programma tutto russo che prevede musiche di Čaikovskij, Stravinskij e Šostakoviç. Un impaginato eseguito partendo dal brano più recente del terzo russo, e che arrivare a quello più lontano nel tempo, il celebre Concerto per Pianoforte e Orchestra n.1 i si bem. minore op.23 di P.I. Čaikovskij, brano composto nel 1874-75. La prima parte della serata, con i primi due lavori, l'Ouverture su temi popolari russi e circassi op.115 (1963) di Dmitri Šostakoviç e la Suite "L'Uccello di fuoco" (1910 - 1919) di Igor Stravinskij, hanno messo in risalto le qualità direttoriali di Milletarì che ha ben espresso l'anima musicale russa alla testa dell'Orchestra Sinfonica di Milano G.Verdi, compagine strumentale ben collaudata in questo repertorio. Protagonista della seconda parte della serata- quella ascoltata ieri sera in replica- la celebre pianista ucraina - naturalizzata statunitense- Valentina Lisitsa. Il Concerto op.23, forse il più eseguito tra i concerti pianistici, è cavallo di battaglia di tutti i grandi interpreti. Unisce alla bellezza melodica dei temi, tra cui il celeberrimo tema iniziale, momenti di raffinato virtuosismo pianistico, spesso dominante sulla componente orchestrale. La Lisitsa, attraverso un' esecuzione virtuosistica, scorrevole e d'immediato impatto timbrico, ha trovato una corretta sinergia con l'Orchestra Verdi e con la valida direzione di Milletarì. Un'interpretazione che ha meritato pienamente il successo tributato dal numerosissimo pubblico intervenuto. Applausi fragorosi per tutti e, a conclusione. bis solistico della Lisitsa con un iper-virtuosistico Grande Polonaise brillante dall' Op.22 di Chopin. Un'esecuzione estemporanea, ricca di energia, che ha strappato al pubblico ancora fragorosi applausi. Domenica, alle ore 16.00, ultima replica. Da non perdere.

15 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli il Concerto della CAMERATA DUCALE JUNIOR con Benedetto Lupo

Al XXIV Viotti Festival inizia un'”altra stagione”. Proprio così, perché il concerto che andrà in scena sabato 15 gennaio (ore 21) al Teatro Civico di Vercelli con ingresso gratuito per gli spettatori under 25, a titolo promozionale e per avvicinare i giovani alla musica sarà il primo dei 3 appuntamenti della rassegna della CDJ - Camerata Ducale Junior. Il termine Junior non deve trarre in inganno: si riferisce unicamente all'età degli interpreti, giovanissimi talenti della classica, e non al livello della performance ormai apprezzato in tutta Italia. I Maestri preparatori dell’ensemble CDJ sono affermati solisti di livello internazionale, che quest’anno non soltanto guideranno le prove ma si esibiranno anche in concerto con i giovani interpreti, dimostrando tutta la dedizione e l'inesauribile entusiasmo di chi fa davvero della musica una ragione di vita. In questo primo concerto, l'onere e l'onore toccherà a Benedetto Lupo, uno dei pianisti che rappresentano sul piano artistico e didattico un punto di riferimento per i giovani musicisti.Intorno a lui, la CDJ in veste di quartetto d'archi, con Giulia Rimonda e Riccardo Zamuner ai violini, Lorenzo Lombardo alla viola e Luca Giovannini al violoncello, quattro talenti provenienti dalle grandi Accademie italiane, impegnati in due composizioni di Schumann e Brahms di grande fascino e appeal. C’è un altro motivo per non mancare: il concerto è dedicato alla memoria del professor Francesco Ottino, già docente, preside e “colonna” della scuola vercellese, ma anche grande appassionato di musica. Storico abbonato del Viotti Festival, ha saputo coinvolgere e interessare tanti giovani non solo nel mondo della scuola, ma anche in quello dei concerti. I 3 concerti della CDJ Camerata Ducale Junior non fanno parte della stagione in abbonamento del Viotti Festival. E previsto lingresso unico a 10 Euro, gratuito per i giovani under 25. Acquisto dei biglietti online sul sito www.viottifestival.it Benedetto Lupo, pianoforte, Camerata Ducale Junior, Giulia Rimonda Riccardo Zamuner violini, Lorenzo Lombardo viola, Luca Giovannini violoncello. Programma: J. Brahms - Quartetto per pianoforte e archi in do minore n.3 op. 60 ; R. Schumann - Quintetto per pianoforte e archi in mi b maggiore op. 44.

dalla redazione 12 gennaio 2022

L'addio alla Scala di Waltraud Meier

Il mezzosoprano Waltraud Meier ha dato l'addio al Teatro alla Scala con un ultimo recital proprio nel giorno del suo compleanno. Dopo quarantasei anni di carriera, onorata sia nel teatro milanese che nei più prestigiosi palcoscenici mondiali, la Meier ha deciso di lasciare le esibizioni entro il 2022 o nei primi mesi del 2023. Era il 1987 quando la Meier varcava per la prima volta il teatro scaligero, diretta da Sawallisch nel Cardillac di Paul Hindemith. Ieri sera un numeroso pubblico ha accolto la celebre cantante in palcoscenico con fragorosi e lunghi applausi. In compagnia del basso austriaco Günther Groissböck, entrambi accompagnati al pianoforte dall'ottimo Joseph Breinl, ha impaginato un programma corposo e vario che prevedeva brani di Rott, Bruckner, Wolf e Mahler. Alternandosi o in duo, entrambi hanno dato prova di grande espressività vocale. La potenza timbrica del più giovane Groissböck ha introdotto il recital con i brani di Hans Rott, di Anton Bruckner e i primi di Hugo Wolf. Una voce voluminosa, da basso profondo, precisa, dettagliata e di notevole espressività, ha trovato un appoggio sicuro e perfettamente calibrato nelle mani di Joseph Breinl. Pianista specializzato nel settore dei lieder, Breinl ha animato la serata con un pianismo che dire di accompagnamento è certamente riduttivo. Le valenze melodico-armoniche, specie nei brani di Mahler, sono state determinanti per il valore complessivo della resa musicale. In Mahler e non solo, vere e proprie orchestrazioni hanno messo in risalto timbriche complesse e articolate che solo un pianista di eccellenti qualità può evidenziare in modo chiaro e convincente. La voce intensamente espressiva della Meier, si è rivelata con ancor più intensità proprio nei brani mahleriani, oltre che nell'eccellente Erlkönig di Schubert - applauditissimo dal pubblico- eseguito come bis. Ancora una volta sono state rivelate le straordinarie qualitá gestuali-attoriali della cantante. Al termine del concerto il Sovrintendente e Direttore artistico scaligero Dominique Meyer è salito sul palcoscenico per salutare e ricordare a tutti gli intervenuti le straordinarie qualità artistiche dell'artista, sia nei momenti delle grandi Prime scaligere, specie wagneriane, sia nelle recite di tutto il mondo. Uno splendido omaggio floreale e un manifesto incorniciato con una grande locandina di una non lontana prima wagneriana, sono stati donati alla cantante. La Meier è poi intervenuta, con evidente emozione, per ringraziare il pubblico italiano della Scala che tanto ha contribuito ai suoi straordinari successi. Un breve, divertente ulteriore bis a tre ha concluso la splendida serata con ovazione finale per Waltraud Meier.

10 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

A VERCELLI IL FESTIVAL INIZIA IL NUOVO ANNO NEL SEGNO DI GLORIA CAMPANER

Il concerto che sabato 8 gennaio (ore 21, concerto in abbonamento) andrà in scena al Teatro Civico di Vercelli sarà il primo del 2022 nel cartellone del XXIV Viotti Festival. E sarà dunque un appuntamento importante per almeno tre motivi: l'aspetto simbolico, i contenuti musicali e la presenza di una straordinaria pianista quale Gloria Campaner.Simbolicamente, questo concerto apre un anno che si annuncia ancora irto di difficoltà, ma che nel cuore di tutti si spera possa finalmente segnare l'uscita dall'emergenza pandemica e sappia consolare il pubblico della recente delusione per l’annullamento del concerto di San Silvestro E il programma del concerto aiuterà a recuperare una visione del mondo in qualche misura più poetica e fiduciosa. Gloria Campaner eseguirà infatti due capolavori assoluti del repertorio pianistico, capaci di coinvolgere, affascinare, commuovere. La Suite bergamasque di Claude Debussy, opera di vibrante e struggente bellezza che contiene, come un tesoro racchiuso in uno scrigno prezioso, il Clair de lune, forse tra i brani pianistici più amati e conosciuti di ogni tempo, capace di attraversare le epoche finendo addirittura per comparire nelle colonne sonore di grandi film hollywoodiani. Poi sarà la volta dei Preludi di Frederyk Chopin, omaggio al Clavicembalo ben temperato di J. S. Bach nel quale, in 24 brani – uno per tonalità – che a volte paiono quasi dei frammenti, si compone un mondo di passioni inquiete, sentimenti profondi, incessante ricerca della bellezza.Una scelta musicale esaltata dal valore dell'interprete. Gloria Campaner, infatti, cammina da tempo con grazia e bellezza sui palcoscenici internazionali lasciando dietro di sé momenti unici. Artista riconosciuta per i suoi molteplici talenti, unisce al suo appassionato impegno musicale un'incessante attività per la difesa dei diritti umani.

Prossimi appuntamenti:

- sabato 15.1.2022, h. 21, Teatro Civico di Vercelli, Benedetto Lupo, pianoforte e la Camerata Ducale Junior eseguiranno di Schumann Quintetto in mi b maggiore, op. 44 e di Brahms il Quartetto in do minore n.3 op. 60, concerto fuori abbonamento

3 gennaio 2022 dalla redazione