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MAGGIO 2022

Andrea Lucchesini al 31° Festival Milano Musica per Berio, Bartòk, Vacchi e Liszt

Il 31°Festival Milano Musica ha portato in Sala Verdi, al Conservatorio milanese, il pianista toscano Andrea Lucchesini per un programma variegato, naturalmente avendo come componente centrale la musica contemporanea o del Novecento, ma con anche un brano classico importantissimo quale la Sonata in Si minore di Franz Liszt, eseguita dopo l'intervallo. Luciano Berio (1925-2003), grande compositore del Secondo Novecento, compose poca musica per solo pianoforte. I brani più noti sono i Six Encores, sei brevi miniature pianistiche eseguite anche singolarmente come bis e composte in un lungo arco di tempo, dal 1965 sino al 1990. Lucchesini, storico interprete di questo importante lavoro, ha colto in modo adeguato, con timbriche ricche di colori e profondità interpretativa, i sei brevissimi momenti musicali che ripercorrono, con particolare sintesi, i modi compositivi della seconda parte del Novecento. La maggiormente nota Wasserklavier, del 1965, rappresenta il momento melodico e tonale in un contesto diversificato con frangenti atonali o frizzanti come l'ultimo Feurklavier. Il brano successivo, la Sonata per pianoforte di Béla Bartòk è del 1926 ed è l'unica nel suo genere composta dal grandissimo ungherese. Accostabile per stile compositivo ai suoi concerti pianistici, si evolve nei classici tre movimenti e cioè Allegro moderato, Sostenuto e pesante e Allegro molto. L'eccellente interpretazione di Lucchesini ha evidenziato in modo chiaro gli elementi di contrasto del difficile brano imperniato, come spesso accade in Bartòk, in accentuazioni ritmiche, spesso irregolari e marcate, non mancando comunque di riferimenti melodici riferiti al folclore della sua terra. Il recente brano del bolognese Fabio Vacchi (1949)- in prima esecuzione assoluta-  ha concluso con successo la prima parte del concerto. La Sonata n.2 per pianoforte del noto compositore è stata terminata nel dicembre 2020 e concepita nei momenti più cupi della pandemia. Articolata in due parti, dalla durata complessiva di quasi quattordici minuti, è un lavoro interessante per l'uso particolare del pianoforte inteso come strumento diffusivo di timbriche ampie, ricche di armonie e di discreta estroversione. Inizia con accordi compatti e sostenuti che poi si riverberano in parti più ampie della tastiera, per un'esternazione di progressiva accentuazione coloristica giocata su rese dinamiche sottili e spesso di pregnante esternazione. La presenza in lontananza di una melodia popolare segmentata da un taglio armonico netto e preciso, rende il brano ancorato ad un riferimento tonale, anche se l'elemento coloristico, assimilabile a certe atmosfere impressionistiche, è riconoscibile come elemento centrale di un lavoro che sembra voler uscire dalla logica pianistica per una più ampia e corale rappresentazione musicale. Eccellente Lucchesini nell'articolare in modo netto e preciso l'articolata composizione di Fabio Vacchi.Il pianista  era visibilmente soddisfatto al termine dell'esecuzione. Applausi fragorosi dal pubblico presente in Sala Verdi anche a Fabio Vacchi, salito sul palcoscenico e molto contento dell'interpretazione. La celebre Sonata in Si minore di Liszt ha concluso il programma ufficiale. Eccellente la resa di Lucchesini, giocata su un'esecuzione ricca di contrasti, dai momenti più marcati e voluminosi, ad altri di più introversa presenza melodica, per delineare il motivo conduttore che ha reso celebre questo capolavoro. Un'interpretazione robusta, ricca di energia e di equilibrio complessivo, pur nella complessa restituzione. Due i bis concessi da Lucchesini: prima un'interessantissima e rara Variazione sul tema di Diabelli di Franz Schubert sul noto tema reso celebre da Beethoven, eseguita con illuminata espressività; poi un eccellente Domenico Scarlatti con una Sonata tra le meno celebri, ma di grande valore musicale. Ancora applausi fragorosi. Concerto splendido!

21 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Ingrid Fliter all'Università Cattolica per "Il Pianoforte in Ateneo"

Il progetto "Il Pianoforte in Ateneo" ha visto ieri sera nell' Aula Magna dell'Università Cattolica milanese un concerto con la pianista argentina Ingrid Fliter. il Maestro Davide Cabassi, docente presso il Conservatorio di Milano, e il Prof. Enrico Reggiani, direttore dello Studium Musicale di Ateneo, sono gli artefici di questa felice iniziativa che unisce il mondo culturale iniversitario ad una delle più importanti componenti della cultura, quella musicale, per un'unione di linguaggi utili allo sviluppo delle conoscenze. Tema della serata era "Verso la luce: forme del pianismo tonale". L'argomento introdotto con limpidezza dal prof. Reggiani ha trovato una corretta delucidazione del concetto di "tonalità", utilizzato in modo più rigoroso dai primi decenni del '700, fino ai nostri giorni. La luce, cui Reggiani si riferisce, che nasce dai contrasti dei toni, è quella emersa nelle bellissime composizioni interpretate ottimamente dalla Fliter. Haydn, Scarlatti e Schumann, i compositori scelti dalla nota interprete, ben si addicono a rappresentare la luminosità del mondo tonale. Eccellente la Sonata in mi minore Hob.XVI N.34 introduttiva di J.Haydn, con una Fliter di eccelsa fluidità nel rendere bene i geometrici contrasti dei tre movimenti. Ottima anche la Sonata in do diesis minore K247 di Domenico Scarlatti, brano tra i più sviluppati del grande musicista napoletano. La Fliter ha voluto eseguirla quasi come introduzione ai celebri Studi Sinfonici op.13 di Robert Schumann, una composizione tra le più interessanti del grande romantico tedesco. Una serie di momenti musicali ricchi di contrasti, spesso anche di grande voluminosità, con caratteristiche appunto "sinfoniche" per il complesso armonico espresso. Una luce a volte tenue, a volte intensa quella emersa nell'ottima interpretazione della Fliter. Ingrid ha voluto terminare il complesso lavoro inserendo alla fine uno degli Studi più parcellizzati in termine di quantità di note, da lei centellinate con intensa profondità espressiva. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto e tre ottimi bis concessi dall'interprete con uno Schumann (movimento centrale della Sonata n.2) e due Chopin ( un Valzer e lo Studio "Minute") eseguiti ottimamente.

20 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Serata memorabile per Juan Diego Flórez al Teatro alla Scala con undici bis

Il tenore Juan Diego Flórez è stato accolto da un Teatro alla Scala al completo per il suo recital dedicato - nel programma ufficiale- quasi esclusivamente ad autori italiani, ad eccezione di Christoph Willibald Gluck con O del mio dolce ardor da Paride ed Elena, brano introduttivo. Il pianoforte di Vincenzo Scalera- da decenni affermato come accompagnatore di grandissimi interpreti quali Bergonzi, Caballé, Carreras, Gencer, Scotto, Valentini Terrani, Ricciarelli, Kabaivanska, e molti altri - ha trovato ottimi dosaggi coloristici per evidenziare le qualità del grande quarantanovenne tenore peruviano. Ma non solo il predisposto impaginato ha reso ampio ed importante questo recital. Il gran finale, con oltre cinquanta minuti di bis strappati da un pubblico entusiasta che aveva voglia del bel canto, dopo un lungo periodo di tregua pandemica, sono stati concessi con immensa generosità latina dal grande interprete. La serata, dopo il primo Gluck, procedeva con Caccini, Carissimi, Bellini, Rossini e, dopo l'intervallo con Tosti, Donizetti, Verdi e Puccini. Tra i numerosi brani, due brevi pezzi pianistici di Rossini con la rara Danse sibérienne n.12, e di Verdi con la Romanza senza parole in fa maggiore, facevano per pochi minuti riposare la voce di Flórez, e rivelavano ancor più le qualità di un pianista doc quale Vincenzo Scalera. Tra i brani dell'impaginato per canto e pianoforte, ben quattordici, citiamo almeno La Ricordanza di Bellini- riconosciuta come aria più celebre nei Puritani- La speranza più soave da Semiramide di Rossini, i celebri Sogno e Aprile dai tre brani eseguiti di Francesco Paolo Tosti, quindi Brezza del suol natio... Dal più remoto esilio da I due Foscari di Giuseppe Verdi e quello conclusivo con Torna ai felici dí da Le Villi di Giacomo Puccini. Una carellata già numerosa che ha rivelato la splendida tenuta vocale del grandissimo tenore per una emissione dalle tenui timbriche di velata coloratura e all'occorenza di grande forza espressiva, con ardite volumetrie applauditussime al termine di ogni brano. Applausi fragorosi, interminabili a conclusione del programma ufficiale e quindi inizio del "concerto nel concerto". Undici bis aspettavano Flórez che entrava prima nel mondo più "popolare", tra napoletano e latino, impugnando la chitarra e accompagnandosi in quattro brani quali Core 'ngrato di Salvatore Cardillo, Piel Canela (Me importas tu, y tu, y tu) , poi Guantanamera intonata anche coralmente dal pubblico e Cucurrucucú Paloma di Tomás Méndez, Il rientro in scena di Scalera portava ancora al celebre Ah! Mes amis dal donizettiano La Fille du Régiment, Pourquoi me réveiller dal Werther di Massenet, poi ancora il brano latino Jurame, quindi Che gelida manina da Bohème, il verdiano La donna è mobile da Rigoletto , e poi, cavallo di battaglia di Del Monaco e anche di Claudio Villa, Granada e.... ancora Puccini con il classico Nessun Dorma dalla Turandot. Applausi interminabili. Memorabile.

19 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente per "Musica a Villa Durio" di Varallo  Sesia Valentina Ciardelli e Massimo Giuseppe Bianchi in concerto

Domenica 22 Maggio nel Salone dell’Incoraggiamento di Palazzo dei Musei alle ore 17.30 si terrà un concerto per duo di contrabbasso e pianoforte . Accanto a Valentina Ciardelli, compositrice oltre che contrabassista ci sarà Massimo Giuseppe Bianchi, pianoforte, al quale è dedicata un’opera scritta dalla giovane artista. Dice Bianchi "Ho incontrato Valentina Ciardelli alcuni anni fa, ne ho apprezzato subito l’energia e sensibilità artistica. Speravo di poterla proporre al pubblico di Musica a Villa Durio nel 2020, dopo due anni riusciamo finalmente a concretizzare il progetto. Suoneremo un repertorio per contrabbasso e pianoforte che spazierà dal Don Giovanni di Mozart, a Gershwin, passando per West Side Story di Bernstein per concludere con Frank Zappa.”I biglietti dei concerti sono acquistabili da subito sul sito Eventbrite al link https://bit.ly/MVD42 oppure, come di consueto, prima dei concerti al prezzo di 10 euro, mentre i bambini e i ragazzi fino a 12 anni entrano gratis.Sarà possibile prenotare contattando il numero di Musica a Villa Durio, 388 255 42 10, anche con messaggio whatsapp. Per tutte le informazioni è a disposizione l’email: info@musicavilladurio. (Foto dall'Ufficio Stampa di Varallo Valsesia)

18 maggio dalla redazione

Pedro Amaral e l'Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai per il Festival Milano Musica

Il 31° Festival Milano Musica è approdato ieri sera al Teatro alla Scala per un importante concerto sinfonico. L'Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai era diretta da Pedro Amaral in brani di Sofija Gubajdulina (1931), Arvo Pärt (1935) e Dmitrij Šostakoviç (1906-1975). La presenza del virtuoso violinista Vadim Repin ha impegnato i primi due lavori. Il primo, Dialog: Ich und Du - Concerto per violino e orchestra n.3, è stato realizzato dalla compositrice russa nel 2018. Un brano, in prima esecuzione italiana, che rivela il segno forte della Gubajdulina nei circa venti minuti di una musica giocata sul rapporto tra il violino solista e l'orchestra, con ruolo importante nella sezione percussiva. Un dialogo coinvolgente, dove le abilità espressive di Vadim Repin sono risultate evidenti, unitamente alle pregnanti timbriche dell'Orchestra, una compagine di altissimo livello, specializzata nel repertorio del Novecento e contemporaneo. Di alta qualità la direzione del portoghese Amaral, che ha saputo dosare con chiarezza espressiva i colori contrastati della ricca tavolozza orchestrale. Anche il brano dell'estone Arvo Pärt, La Sindone, per violino e orchestra, ha trovato una resa eccellente sia nel violino di Rapin che nelle sezioni orchestrali. È un lavoro del 2006 rivisitato più volte, sino alla versione ascoltata del 2022 in prima esecuzione italiana. I caratteri tipici del compositore, molto interiorizzati e di profonda riflessione religiosa, emergono nel breve ma sostanzioso brano, soprattutto nella sua parte centrale, pur alternandosi a situazione di voluminosa estroversione per una resa complessiva ricca di carica espressiva. Dopo l'intervallo, la Sinfonia n.15 in la maggiore op.141, ultima del genere di Dmitrij Šostakoviç, ci ha portato in mondo musicale ricco di caratteri differenziati. Composta nel 1971, ed eseguita l'anno successivo con la direzione di Maksim, figlio del compositore, la Sinfonia trova ispirati e diversificati riferimenti, sia con chiare citazioni da Rossini o Wagner, che da modalità stilistiche differenti, con riferimenti settecenteschi o di certo neoclassicismo stravinskiano, sino all'impronta dodecafonica. Una sorta d'interessante collage che tende a svanire nel nulla terminando in uno stato di sensazione d'impenetrabilità. Splendida l'interpretazione di Amaral, per una resa orchestrale di alto livello. Fragorosi applausi dal numeroso pubblico intervenuto.

17 maggio 2022 Cesare Guzzardella

L'Orchestra Sinfonica di Milano diretta da Stanislav Kochanovsky in collaborazione con Milano Musica

Un concerto particolarmente interessante quello dell'Orchestra Sinfonica di Milano che segna anche la collaborazione con la rassegna di musica contemporanea di Milano Musica da poco iniziata. Tre lavori, due del polacco Witold Lutoslawski (1913-1994) e uno dell'ungherese Bela Bartók (1881-1945), hanno segnato il pomeriggio domenicale di ieri nella replica da me ascoltata. Un direttore di indubbia valenza quale il russo - di Pietroburgo- Stanislav Kochanovsky ha proposto prima Musica funebre per orchestra d'archi (1958) e Chantefleurs et Chantefables (1989-90) del polacco e, dopo il breve intervallo, il Divertimento per orchestra d'archi (1939) dell'ungherese. Sono lavori accomunati da evidenti capacità, per entrambi i compositori, di grande orchestrazione. La Musica funebre di Lutoslawski è dedicata a Bartòk, a dimostrazione di quanto il polacca sia debitore, specie nelle modalità compositive, all'ungherese. Le atmosfere cupe e incisive del breve brano in quattro parti segnano un primo personale stile del grande compositore. Il secondo brano, dal carattere completamente diverso, con situazioni anche spensierate, si affida ad una voce di soprano, quella della bravissima Lucja Szablewska, per nove brevi poesie di Robert Desnos con temi legati a fiori ed animali. Il lavoro scritto negli ultimi anni di vita dell'autore, è un gioiello di eleganza per un eccellente resa del soprano polacco in felice consonanza con i colori orchestrali. La conclusiva e più nota pagina di Bartòk, nella sua tipica felice ed efficace scrittura per archi, rivela ancora le qualità del russo Kochanovsky, direttore dal gesto elegante, sicuro e profondo, che ha ben messo in rilievo le eccellenti timbriche dell'Orchestra Sinfonica di Milano, ottima in tutti i lavori eseguiti. Applausi convinti dal pubblico presente in Auditorium. Prossimo appuntamento per l'Orchestra Sinfonica di Milano previsto per il 19 il 20 e il 22 maggio con il pianista Volodin e il celebre Rach3. Per il Festival Milano Musica e la sua Stagione di musica contemporanea importante è il concerto di questa sera alla Scala con l'Orchestra della Rai e il violinista Repin. Da non perdere entrambi i concerti.

16 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Francesco Libetta rivela Paisiello agli Amici del Loggione

Un valido incontro con il pianista Francesco Libetta, svoltosi agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala, ha evidenziato la figura del compositore Giovanni Paisiello ( Taranto 1740- Napoli 1816), uno dei migliori rappresentanti della scuola napoletana. La lezione-concerto di Libetta, organizzata da Mario Marcarini, è stata l'occasione per la presentazione di un suo recente Cd. Libetta ha giustamente messo in risalto il lato più nascosto di Paisiello, quello legato alla produzione pianistica. Il pianista pugliese ha fatto esempi musicali interpretando alcuni brevi brani del suo conterraneo, alla luce di una semplicità di scrittura che andrebbe certamente riscoperta nella sua autenticità. I manoscritti da lui analizzati, autentiche rarità, hanno rivelato anche il Paisiello anticipatore del genere del Notturno, genere reso poi celebre da Chopin. Applausi per l'interprete e il classico brindisi finale con ottimo vino bianco e ricco buffet.

15 maggio 2022 Cesare Guzzardella

PROSSIMAMENTE: GRAN FINALE AL CIVICO: IL VIOTTI FESTIVAL CHIUDE CON PAGANINI!

Nella realtà storica, all'inizio dell'800 Giovan Battista Viotti lasciò idealmente il testimone all'astro nascente Niccolò Paganini. È dunque naturale che sabato 21 maggio (ore 21) con un'interessante anticipazione per le scuole venerdì 20 maggio alle ore 10 il XXIV Viotti Festival chiuda il cartellone principale al Teatro Civico di Vercelli con uno spettacolo teatral-musicale dedicato proprio a Paganini. Ideato, diretto e interpretato (insieme a molte ottime attrici) da Giovanni Mongiano, Niccolò, quanti capricci! è il nuovo capitolo della fortunata collaborazione tra la Camerata Ducale (presente in scena con Guido Rimonda al violino e un ensemble di archi) e il TeatroLieve di Fontanetto Po, incontro artistico che si rivela ogni anno quanto mai felice. Il risultato questa volta è una serata intensa e divertente, nella quale il vulcanico Mongiano prende per mano lo spettatore e lo accompagna alla scoperta (semiseria) della vita avventurosa e non certo irreprensibile del violinista maledettoper eccellenza. Quello che, per intendersi, oggi sarebbe sicuramente una rockstar. Malato da tempo, Niccolò Paganini, il più grande violinista di tutti i tempi, circondato da illustri medici e loschi ciarlatani, muore a Nizza il 27 maggio 1840 a seguito di un accidentale ma violento colpo di tosse. Qui comincia lo spettacolo, perché, si sa, a teatro i morti parlano. Niccolò, già imbalsamato e posto in una teca trasparente, scopre che gli si vuol negare la sepoltura per la sua condotta immorale. Irritato dalla seccante situazione, comincia a raccontare la sua vita al figlio Achille, rammentando i suoi strabilianti successi e la genesi di quellabilità ineguagliabile che lasciava sbalorditi gli spettatori. Ma ci sono guai in vista: tra la folla di ammiratori compare anche la madre di Achille, Antonia Bianchi, che rivanga la loro burrascosa relazione. E ancora, per una perfida coincidenza, ecco intorno a Niccolò le sue amanti più celebri, da Elisa Bonaparte a Carlotta Watson, dalla baronessa Hélène von Dobeneck ad Angiolina Cavanna, tutte sedotte e abbandonate. E no, non sarà facile difendersi. (Foto dall'ufficio stampa di Vercelli)

15 maggio dalla redazione

Maxim Francesco Zoni, un giovane pianista agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala

Ha quindici anni Maxim Francesco Zoni, talentuoso pianista vincitore del Concorso per giovani interpreti di Chopin tenuto recentemente in Svizzera con una giuria presieduta nientemeno che da Martha Argerich. Nel pomeriggio di oggi, agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala di via Silvio Pellici, l'estroversa presentazione di Ginevra Costantini Negri e poi naturalmente di Gino Vezzini, ci ha permesso di conoscere le doti di Maxim, prima nel suo amato Chopin e poi in Mozart. Le Mazurche Op.17, il Notturno n.1 op.27, la Ballata n.1 op.23 e il bis di fine concerto con la celebre Polonaise op.53 "Eroica", hanno rivelato una predisposizione naturale al grande polacco dal giovane interprete. Timbriche chiare, trasparenza e sicurezza tecnica hanno portato a valide interpretazioni, con maggiori esternazioni qualitative nella Mazurka op.17 n.4 -resa celebre dal grande Horowitz- , nella Ballata n. 1 in sol minore e nella Polacca op.53, certamente di grande effetto per espressività e quadratura costruttiva. Valida la resa espressiva della Sonata n.13 K 333 eseguita dopo il breve intervallo. Maxim è un pianista con alte potenzialità che va seguito nel corso del sua evoluzione d'interprete. Bravissimo! Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto.

14 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Presentata la Stagione 2022-2023 della Fondazione La Società dei Concerti con il "Concerto di Gala degli Artisti in residenza"

Serata particolarmente riuscita quella di ieri sera in Sala Verdi al Conservatorio milanese per il "Concerto di Gala degli Artisti in residenza" della Fondazione La Società dei Concerti. Enrica Ciccarelli, Presidente e Direttore artistico della nota società concertistica, ha introdotto la serata evidenziando la nuova programmazione di concerti previsti per la Stagione 2022-23. Sarà il quarantesimo anno di musica dalla nascita della Fondazione per opera di Antonio Mormone. Dopo le sentite parole del consigliere artistico Nazzareno Carusi, sono saliti sul palcoscenico gli artisti in residenza per il concerto. Il Trio Kaufman, Giulia Rimonda, Valerio Lisci e Josef Mossali - era purtroppo assente il flautista Cristian Lombardi indisposto- hanno organizzato un impaginato diversificato e ricco di ottima musica, con alcuni brani del compianto musicista, pianista e direttore Ezio Bosso, cui era dedicato il concerto. Un brillante Rondò all'ungherese di Haydn - dal Trio in sol maggiore- ha introdotto il concerto con Valentina, Chiara e Luca Kaufman - rispettivamente pianista, violoncellista e violinista- in perfetta sinergia per una resa ottimale in fluidità ed espressione. Una bellissima trascrizione di Méditation dal Thaïs di Massenet ha accolto la violinista Giulia Rimonda e l'arpista Valerio Lisci per un'interpretazione ancora ricca di sentimento. Il primo omaggio a Ezio Bosso, a due anni dalla scomparsa, ha visto di nuovo la Rimonda e Lisci per il brano Bitter and Sweet, un lavoro pacato e ricco di suggestioni coloristiche. Ancora Giulia Rimonda, questa volta col pianista Josef Mossali, ha concluso la prima parte della serata con un espressivo Scherzo di Joahnnes Brahms dalla celebre Sonata FAE. Dopo il breve intervallo, ancora un omaggio ad Ezio Bosso con Rain in Your black eyes eseguito dal Trio Kaufman, affiatatissimi strumentisti nell'esternazione minimalista di un lavoro giocato su poco note, ma di grande intensità emotiva. Di grande impatto coloristico e virtuosistico la Grande fantasia sulla Lucia di Lammermoor che il compositore E.Paris Alvars ha scritto per arpa. Notevole la capacità di resa virtuosistica ed espressiva dell'arpista Valerio Lisci con le sue "magiche" timbriche che hanno definito le bellissime variazioni delle celebri arie donizettiane. A conclusione del programma ancora sul palcoscenico Josef Mossali per la strepitosa Suite da concerto dallo Schiaccianoci di Čaikovskij, nella virtuosistica trascrizione di M.Pletnëv: sette momenti musicali di grande efficacia pianistica restituiti con chiarezza e brillantezza da questo eccellente giovane interprete. Applausi fragorosi a tutti i protagonisti saliti sul palcoscenico, ed anche ad Enrica Ciccarelli, grande organizzatrice musicale. Una splendida serata.

14 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Alessandro Deljavan diretto da Jacopo Brusa per Fauré e una prima di un brano di Alessandra Ravera

Ottimo concerto quello di ieri sera con l' Orchestra de I Pomeriggi Musicali. La valida direzione di Jacopo Brusa proponeva tre brani differenti per genere e periodo di realizzazione. Partendo dal recentissimo Arcane, per orchestra di fiati, prima esecuzione assoluta di un lavoro di Alessandra Ravera, siamo andati a ritroso nel tempo con la Ballata per pianoforte e orchestra Op.19 di Gabriel Fauré, sino alla celebre Sinfonia n.7 op.92 di L.v. Beethoven, eseguita dopo il breve intervallo. Il brano cameristico della compositrice romana Alessandra Ravera (1977), allieva anche di Azio Corghi e di Ivan Fedele, è di particolare interesse per qualità espressiva. L'organico per strumenti a fiati, sostenuti anche dalle percussioni, si dipana per circa dodici minuti di musica esprimendo suggestive ed efficaci timbriche giocate sulle relazioni degli strumenti a fiato, tra interventi individuali, a piccole sezioni, e ampie coralità. La solida impalcatura costruttiva e gli efficaci interventi melodici dei bravissimi fiati de I Pomeriggi, hanno permesso armonizzazioni piacevoli al primo ascolto, con timbriche dal sapore orientale e di evidente valida resa espressiva. Applausi del numeroso pubblico anche alla compositrice salita sul palcoscenico. La Ballata per pianoforte e orchestra in fa diesis maggiore del francese Fauré è una delizia alle orecchie più attente. La leggerezza melodica del bravissimo compositore è solo la parte superficiale di un lavoro raffinato, giocato su armonizzazioni splendide dal punto di vista costruttivo. Non si poteva trovare meglio di Alessandro Deljavan ad esprimere l'importantissimo ruolo pianistico. Deljavan, affermato interprete internazionale, ha reso in modo particolareggiato e profondo il delicato gioco melodico, ricco di intrecci, della Ballata. È stato ben coadiuvato dagli orchestrali e dall'attenta direzione di Brusa. Splendida interpretazione. Di eccellente qualità il bis concesso dal solista con la preziosa Mazurca Op.17 n.2 in mi minore di F. Chopin resa con grande espressività. Dopo il raro Fauré, la celebre Settima Sinfonia di Beethoven ha trovato una direzione energica in Brusa per una valida restituzione degli orchestrali de I Pomeriggi, bravi in ogni sezione. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto. Sabato alle ore 17.00 si replica. Da non perdere.

13 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Olga Kern diretta da Roland Böer per la Società dei Concerti

Non capità spesso di assistere ad una serata di grande qualità come quella ascoltata ieri sera. Il concerto organizzato dalla Fondazione La Società dei Concerti aveva come protagonisti l'Orchestra dell'Accademia del Teatro alla Scala, il direttore Roland Boër e una pianista ben conosciuta dal pubblico della Società quale Olga Kern. Il bellissimo impaginato prevedeva due capolavori della letteratura concertistica e sinfonica romantica rappresentati dal Concerto n.2 in Do minore op.18 per pianoforte ed orchestra di Sergej Rachmaninov e dalla Sinfonia n.2 in re maggiore op 73 di Johannes Brahms. Se è lecito esprimere un primo elogio, dobbiamo darlo ai giovani orchestrali dell'accademia scaligera, che diretti ottimamente da Böer, hanno eccelso in entrambi i lavori fornendo una resa espressiva degna delle migliori orchestre. Mettiamo poi su un piedistallo la bravissima Olga Kern. L'ho ascoltata in moltissimi concerti, e debbo dire che ieri sera ha superato se stessa per qualità interpretativa. Vero è che la Kern è sempre stata un'eccellente interprete di Rachmaninov, ma ieri il Rack 2, capolavoro del russo composto tra il 1900 e il 1901, che unisce chiare melodie note ad ogni pubblico a virtuosismi di incredibile difficoltà tecnica, ha trovato una pianista eccelsa, che con grinta e sicurezza assolute ha superato ogni difficoltà con apparente semplicità, per una resa eccellente. Ottima la sinergia con gli orchestrali, bravi in ogni sezione. Tra i calorosi applausi del numerosissimo pubblico intervenuto in Sala Verdi- ricordiamo la non sempre presenza di molti giovani- la Kern è stata molto generosa a concedere tre virtuosistici bis, dopo aver ricordato il popolo ucraino nella speranza di una rapida fine della guerra. Prima un noto brano di Mosorskij nella trascrizione di Rachmaninov, Gopak; poi di Claude Debussy Feux d'artifice reso con incredibile chiarezza virtuosistica e, per ultimo, il classico Etincelle di Moszkowsky reso celebre dal grande Vladimir Horowitz. Dopo l'intervallo, la portentosa Sinfonia n.2 che il grande amburghese compose nel 1877, ha esaltato ancor più le abilita dei giovani orchestrali, di rilievo in tutte le sezione. Applausi fragorosi al termine al bravissimo direttore Roland Böer e all'Orchestra dell'Accademia scaligera. Grande soddisfazione per tutti in una serata da non dimenticare.

12 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Alexander Gadjiev alle Serate Musicali del Conservatorio

Il pianista goriziano Alexander Gadjiev è salito alla ribalta internazionale con la recente importante seconda posizione al prestigioso Concorso Internazionale Chopin di Varsavia del 2021. Ieri sera, nel bel concerto organizzato da Serate Musicali in Conservatorio, ha dato saggio delle sue qualità d'interprete del grande polacco impaginando un programma romantico che dedicava a Chopin la prima parte del concerto. La Polacca Fantasia in la bem.maggiore op.61 introduceva la serata ed evidenziava da subito la cifra stilistica del giovane interprete: le indubbie qualità tecniche e le timbriche sfumate ben evidenziate ben si addicevano all'Op.61 di Chopin, tra le polacche quella più visionaria e suggestiva. Le Tre Mazurche op.56 continuavano il concerto in un unicum espressivo in sintonia con il primo brano. La personalizzazione interpretativa di Gadjiev, certamente di ottima fattura, è lontana da quelle dei grandi interpreti storicizzati, quella dei Cortot, dei Rubinstein, di Lipatti o dei più vicini Pollini e Zimerman,- solo per citarne alcuni tra i massimi - e vuole cercare nuovi orizzonti, cosa non facile da apprezzare nell'immediato per chi ha orecchie abituate a riferimenti entrati nella storia interpretativa. Certamente Gadjiev ha espresso frangenti con ottimo stile e valida creatività musicale. Anche nella celebre Sonata n.2 in si bem.minore op.35, Gadjiev ha articolato momenti particolarmente rilevanti pur non facendo emergere, al primo ascolto, una chiara unità interpretativà. Dopo il breve intervallo, un altro grande romantico come Schumann e la sua Fantasia in do maggiore op.17 ha trovato una complessiva notevole resa espressiva. Dalle prime efficaci note del celebre lavoro è continuata un'esternazione di ottimo livello. Molto applaudito dal pubblico intervenuto in Sala Verdi, con molti giovani presenti, Gadjiev ha concesso poi tre bis certamente di qualità: il Preludio in do diesis minore op.45 di Chopin, un eccellente Debussy con lo Studio n.11 per arpeggi e l'ottimo Studio op.10 n.8 in Fa maggiore ancora del polacco. Fragorosi e meritati applausi. Un pianista da riascoltare con attenzione.

10 maggio 2022 Cesare Guzzardella

L'Orchestra Sinfonica di Milano diretta da Hannu Lintu per Bartók e Schumann

"La Verdi", con la nuova denominazione Orchestra Sinfonica di Milano, ha visto in questi giorni la direzione di Hannu Lintu per due brani sinfonici importanti quali il Concerto per pianoforte e orchestra n.3 Sz. 119 di Belá Bartók e la Sinfonia n.3 in mi bem. maggiore op.97 "Renana" di Robert Schumann. Il primo lavoro del compositore ungherese, ascoltato alla replica domenicale, è un brano maturo composto da Bartók negli Stati Uniti nel 1945 ed eseguito per la prima volta nel '46 a Philadelphia per la direzione di Eugene Ormandy, purtroppo mai ascoltato dal grande musicista, deceduto poco dopo la quasi completa realizzazione ( mancavano solo 13 battute completate poi dagli appunti da Tibir Serly) . Un ottimo pianista quale il milanese Luca Buratto ha sostenuto la parte solistica avendo chiarissimamente in testa la visione completa del difficile brano, caratterizzato da grande virtuosismo ma anche da momenti di pacato lirismo come nell'intenso Adagio religioso centrale. L'ottima direzione del finlandese Hannu Lintu, con resa chiara in tutte le sezioni orchestrali, ha sostenuto con efficacia l'eccellente interpretazione di Buratto, in un lavoro caratterizzato da una scrittura tonale ricca di contrasti, dove soprattutto l'elemento ritmico costruisce fraseggi articolati, marcati moto bene dal solista, con perfezione tecnica e discorsività profonda. Applausi calorosi ai protagonisti e ottimo il bis solistico con l'amato Schumann ed il primo dei Fantasiestucke op.12. La seconda parte del concerto ci ha portato indietro di quasi cento anni, al romanticismo di Robert Schumann e la sua Quarta Sinfonia "Renana" op.97. Si tratta di un lavoro maturo del compositore tedesco composto nel 1850 che si sviluppa in ben cinque movimenti, una rarità per il genere trattato. La direzione dirompente di Lintu ha reso molto bene i caratteri schumanniani, attraverso una restituzione fluida e di ottima qualità espressiva da parte della Sinfonica di Milano. Applausi calorosi al termine ai protagonisti.

9 maggio 2022 Cesare Guzzardella

LA VIOLINISTA GIULIA RIMONDA E IL MAESTRO EMMANUEL TJEKNAVORIAN PROTAGONISTI A VERCELLI

Ieri sera, sabato 7 maggio la XXIV stagione del Viotti Festival, ormai vicina alla conclusione, ha proposto, nella sala del Teatro civico di Vercelli, un concerto che vedeva in programma due pagine tra le più note dell’intera storia della musica: il Concerto per violino e orchestra in mi minore op.64 di F. Mendelssohn-Bartholdy e la sinfonia n.3 in mi bem. maggiore op.55, universalmente celebre come l’”Eroica” di L. van Beethoven. A eseguire questi due immortali capolavori la ventenne violinista Giulia Rimonda e il Maestro Emmanuel Tjeknavorian, che sempre più spesso lascia l’archetto del violino per la bacchetta di direttore, in questa occasione alla guida della Camerata ducale. Avevamo già avuto modo di apprezzare Giulia Rimonda in un recente recital cameristico di elementi della Camerata ducale junior, in cui ci aveva colpito la già matura autorevolezza interpretativa, unita ad una scioltezza e sicurezza assolute nei passaggi più ardui di abilità: uscimmo da quel concerto con una certezza e con un desiderio: la certezza che la giovanissima Rimonda è già più che una semplice promessa e il desiderio di riascoltarla il più presto possibile. Il concerto di ieri sera ha appagato il desiderio e confermato pienamente le certezza. Giulia Rimonda ha ormai maturato un suo suono, calibrato e tornito con cura, tanto nei legati quanto negli staccati, fatto di energia, di morbidezza e duttilità davvero notevoli nel controllo delle dinamiche, con un timbro che imprime alle note chiarezza e calore, sostenuto da una perfetta intonazione, come ci assicura la somma autorità di uno dei suoi Maestri, S. Accardo La cavata è sempre fluida, limpida, tale da consentirle un fraseggio che con naturalezza sale dalle note più gravi sino ai vertici di siderali sovracuti, un fraseggio che è un incessante fervore di impulsi ritmici e melodici. Più che convincente la sua interpretazione del Concerto di Mendelssohn. Fin dall’apertura, in seconda battuta, dell’Allegro molto appassionato, la giovane violinista torinese trova la ‘sua’ chiave esecutiva, in unità con l’orchestra, per dare voce alla tensione che impronta questa sezione del concerto, non come scomposto sentimentalismo, o ansimante respiro della cavata, ma piuttosto come un anelito struggente che si esprime al meglio, in particolare quando suona a doppia corda, nel dare voce all’espansione ascendente della melodia, coi suoi guizzi che, muovendo dai registri gravi, si protendono all’acuto e al sovracuto, quasi attratti dal richiamo di un ignoto al di là del suono stesso. E’ una sezione ricca di figurazioni, che l’archetto di Giulia Rimonda rende con accurata incisività nel dettaglio, altra virtù dello stile esecutivo di questa violinista. Più che il ritmo in sé, Rimonda ci è sembrata ricercare e valorizzare i ‘vertici di tensione’ che questo capolavoro dissemina nei momenti più coinvolgenti del primo tempo, ed è davvero brava nella sezione in cui, alla ripresa del primo tema dopo l’esposizione del secondo, il violino deve suonare, quasi protendendosi, per ben tre volte una nota tenuta, nel registro sovracuto: qui il sentimento che la solista comunica all’ascoltatore non ha nulla di drammatico, o addirittura di straziante, come per molti interpreti, ma è avvolto da un indicibile ‘non so che’, una sorta di ‘sete di infinito’, perfettamente romantica. Ma Rimonda sa dare anche voce adeguata all’altra componente di questo stupendo concerto, quella più affabilmente e teneramente melodica delle due sezioni esterne del secondo movimento: il violino qui sa passare dall’energia e dalla tensione al canto puro, di intensa liricità, in cui peraltro la calma dell’andamento ritmico lascia filtrare talora un che di palpitante, quasi commovente, per poi cambiare ancora suono nella sezione centrale del movimento, con un vibrato su doppia corda, che ascende gradualmente, con superba gestione delle dinamiche di crescente intensità, fino a congiungersi in un magico accordo con il tutto dell’orchestra, come in una sorta di trionfale rivelazione. Naturalmente queste preziose qualità di intelligente interprete sono sorrette da un virtuosismo che le permette di affrontare senza sforzo, e con assoluta precisione i passaggi più impervi del concerto mendelssohniano e in particolare il quarto tempo, un Rondò sonata dai passaggi vorticosi, per rapidità di ritmi, ampiezza di intervalli e quant’altro. Davvero strameritati i lunghissimi e appassionati applausi del numeroso pubblico presente, cui Giulia Rimonda ha concesso, come fuori programma, una appassionata e malinconica melodia della tradizione popolare ucraina. Il concerto per violino di Mendelssohn non fa dell’orchestra un semplice sfondo di accompagnamento per l’esibizione virtuosistica del solista: all’opposto di Paganini, Mendelssohn propone una continua interazione dialogica tra orchestra e strumento, che tendono a integrarsi, più che a contrapporsi. E Tjeknavorian ha svolto egregiamente il suo ruolo, curando al meglio i dettagli timbrici e dinamici, staccando i tempi giusti, sostenendo perfettamente la solista nei momenti di maggior tensione della partitura, con una ben calibrata energia di suono, che non ha mai coperto il suono dello strumento solista. A Tjeknavorian è poi toccato dirigere uno dei monumenti sacri della musica occidentale, l’Eroica. E’ davvero difficile, oggi, dopo più di due secoli di esecuzioni, al ritmo di centinaia all’anno con l’avvento della registrazione, dire qualcosa di ‘nuovo’ su questo mostro sacro della musica. A nostro avviso il Maestro austro-armeno ha eseguito bene, facendo suonare al meglio la Camerata ducale: ne è uscita un’Eroica dalla sonorità compatta, ma con colori diversi per i quattro movimenti, (molto ben riuscito per scelta metronomica e alleggerimento del suono lo staccato degli archi e la successiva ripresa dell’oboe, che aprono lo Scherzo, dopo la Marcia funebre) e densa, grazie anche ad una buona conduzione dei fiati, anche nel dare ‘peso’ e densità al suono orchestrale coi loro raddoppi d’ottava. Volendo indicare uno dei momenti migliori della direzione di Tjeknavorian sceglieremmo il fugato del secondo movimento, dove al direttore riesce perfettamente di unire alla densità contrappuntistica della sezione un velo di accorata malinconia di fronte al mistero del dolore universale. Buona la gestione delle dinamiche, che eccelle nel gigantesco respiro dell’inizio e nella cura dei dettagli timbrici e motivici , che dà il meglio di sé nell’immenso sviluppo dell’iniziale Allegro con brio. Un gran bel concerto, che ha riscosso, a giudicare dai lunghi applausi del pubblico quasi al completo, un notevole e meritatissimo successo. Un’altra serata di buona musica che fa onore alla Camerata ducale, al suo ViottiFestival e a chi li organizza e li dirige, specie in tempi così difficili per la musica, l’arte, la cultura tutta.(Foto dall'ufficio stampa di Vercelli)

Bruno Busca 8 maggio 2022

La West-Eastern Divan Orchestra alla Scala diretta da Guggeis

Doveva esserci Daniel Barenboim a dirigere la sua West-Eastern Divan Orchestra. In convalescenza, è stato sostutuito dal giovane direttore tedesco Thomas Guggeis. Guggeis di recente lo abbiamo visto alla direzione dell'Orchestra Sinfonica di Milano, anche insieme ai fratelli pianisti Jussen, per uno splendido concerto sinfonico. Ieri sera lo aspettava l'impaginato predisposto da Barenboim, con il noto Má vlast (La mia patria) di Bedřich Smetana, ampio ciclo sinfonico in sei parti contenente l'arcinota Vltava - La moldava. Il lavoro del compositore boemo fu composto alla fine degli anni '70 ed ebbe la prima esecuzione completa nel 1882, pur avendo parziali interpretazioni dei singoli poemi negli anni precedenti. I riferimenti descrittivi dell'ottima musica di Smetana trovano valide rese espressive nelle melodie ispirate dal repertorio popolare della terra del compositore. Sono orchestrate mirabilmente traendo insegnamento dalle abili orchestrazioni di Berlioz e di Liszt, musicisti conosciuti ed amati da Smetana. L'ottima direzione di Guggeis ha permesso una valida restituzione interpretativa dai giovani professori di un' orchestra che ricordiamo essere stata fondata nel 1999 da Daniel Barenboim e dallo studioso palestinese Edward w.Said con lo scopo di unire le culture del Medio oriente. Valide tutte le sezioni della West-Eastern Divan Orchestra, compagine particolarmete equilibrata nelle timbriche, dagli archi alle arpe, ai fiati, spesso emersi come solisti in questo ciclo di poemi, sino alle molto presenti percussioni. Successo caloroso a tutti i protagonisti al termine con numerose uscite del direttore in palcoscenico.

7 maggio 2022 Cesare Guzzardella

La Filarmonica della Scala diretta da Speranza Scappucci

La direttrice d'orchestra romana Speranza Scappucci è tornata alla Scala per un concerto sinfonico classico interpretando brani di Schubert, Mozart e Mendelssohn. Di recente la Scappucci aveva diretto in Scala il belliniano I Capuleti e i Montecchi ottenendo un meritato successo di critica. Questa sera l'impaginato è stato introdotto dall'Ouverture in Stile italiano D 590 di Franz Schubert, un esempio di eccellente sinfonismo nel classico stile del grande viennese che guarda anche alle future modalità romantiche. L'interpretazione ascoltata ha visto un ottimo equilibrio dinamico delle sezioni orchestrali. La Sinfonia concertante per fiati e orchestra K297b di W.A.Mozart, ci ha immerso nel classicismo "galante" tipico del salisburghese con valide esternazioni timbriche dei bravissimi quattro solisti preposti al "concertino" cioè Fabien Thouand all'oboe, Fabrizio Meloni al clarinetto, Valentino Zucchiatti al fagotto e Danilo Stagni al corno. Interpretazione equilibrata dei solisti e particolarmente in evidenza le prestazioni nel bellissimo Andantino con variazioni del finale. Dopo il breve intervallo un'ottima Sinfonia n.4 in la maggiore op.90 "Italiana" di Felix Mendelssohn ci ha portato nella sponda romantica della serata. La chiarezza espositiva della Scappucci, nella restituzione limpida della Filarmonica della Scala, ha reso giustizia al compositore attraverso un'interpretazione molto italiana per un celebre brano che il musicista tedesco ha voluto dedicare all'Italia, dopo un viaggio fatto nel sud dello stivale avvenuto intorno al 1830. Nel '33 portò a termine il fortunato lavoro che trova un incipit tra i più celebri della produzione sinfonica romantica. L'ottima resa della Filarmonica scaligera nella bacchetta di Speranza Cappucci ha entusiasmato il numeroso pubblico presente in teatro che al termine ha tributato sostenuti applausi. Lunedì, 9 maggio, seconda e ultima replica. Da non perdere.

5 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Successo all'ultima replica di Ariadne auf Naxos

Una Scala al completo per l'ultima replica di Ariadne auf Naxos, testimonia il successo per un'opera di Richard Strauss non facile musicalmente e giocata soprattutto sulle abilità vocali e attoriali dei protagonisti. Un'orchestra di ristrette dimensioni, con molti frangenti cameristici, ben delineava gli sviluppi contenutistici del libretto di Hugo von Hofmannsthal e le efficaci voci presenti in scena. La valida direzione di Michael Boder ha dato buona energia alla riuscita regia di Sven-Eric Bechtolf, alle originali scene di Rolf Glittenberg, ai colorati costumi di Marianne Glittenberg illuminati dalle luci di Jürgen Hoffmann. La messinscena complessivamente ha rivelato un'unità d'interventi che hanno reso vitale un'opera complicata nei contenuti, che trova un valido compromesso tra situazioni drammatiche e divertenti. Le due compagnie teatrali presenti nella vicenda si sono ben amalgamate per restituire teatralità all'elegante costruzione scenica. Le ottime voci presenti erano quelle di Sophie Koch, splendida in tutti i registri di Der Komponist, di Markus Werba, valido Ein Musiklehrer, di Krassimira Stoyanova, ottima Ariadne, di Erin Morley, con ottima intonazione e perfetta attorialmente nel ruolo di Zerbinetta, di Stephen Gould, un adeguato Bacchus. Ottimo il terzetto delle Ninfe e bravissimi tutti gli altri. Ricordiamo la prossima opera in cartellone presente da questa sera con il verdiano Un ballo in maschera. Repliche per il 7, 10, 12, 14, 19, 22 maggio. Da non perdere. ( Foto di M. Brescia e R. Amisano dall'Archivio del Teatro alla Scala)

4 maggio 2022 C.G.

Lucas Debargue alle Serate Musicali del Conservatorio

È un fuoriclasse il francese Lucas Debargue. Un pianista che oltre ad una tecnica invidiabile, spesso presente nelle nuove generazioni di virtuosi, ha una capacità di rendere personale uno stile interpretativo che, se pur attento ai dettagli di partitura, gioca anche sulla forza dirompente della restituzione sonora. L'impaginato, presentato tutto difilato al concerto di ieri sera alle "Serate Musicali" di Sala Verdi, proponeva brani di Franck, Ravel, Skrjabin e Liszt. Quello introduttivo, di César Frank, la Fantasia in la maggiore da "3 Pièces pour grand orgue", era un trascrizione per pianoforte dello stesso Debargue: un Andantino reso in modo espressivo che anticipa le capacità rielaborative del francese, che ricordiamo avere molto a cuore l'improvvisazione ed il jazz come testimonia il finale della serata. Un pianista quindi "creativo", che se pur capace di interpretare ottimamente i classici, tende dare, all'occorrenza,, un' impronta personale alle esecuzioni proposte. In linea con le interpretazioni dei maggiori pianisti era il secondo ampio lavoro, Gaspard de la nuit, celebre brano composto da Maurice Ravel nel 1908 e suddiviso in tre parti: Ondine, Le gibet e Scarbo. Debargue ha restituito la coinvolgente composizione con una trasparenza coloristica invidiabile. L'accuratezza dei dettagli e gli evidenti contrasti dinamici, si sono rivelati in modo esuberante nei due brani laterali, Ondine e Scarbo. Il pacato Le gibet centrale, ha trovato una solida riflessività e un perfetto equilibro meditativo, sostenuto anche da quella celebre nota ripetuta ben 153 volte nel corso dell'esecuzione. Un'interpretazione complessiva di altissimo livello quella del francese. La Fantasia in si minore op.28 di A.Skrjabin, prima, e la Fantasia quasi sonata ovvero la "Sonata Dante" di Franz Liszt poi, hanno ancor più evidenziato le qualità virtuosistiche di Debargue. Due esecuzioni dirompenti, ricche di contrasti perfettamente controllati, che rivelano le capacità del solista di penetrare la notazione musicale attraverso una visione ben precisa della musica. Frangenti esasperati, ma di una chiarezza espressiva disarmante, sono emersi soprattutto nella Sonata dedicata al poeta italiano. Applausi sostenuti al termine e tre bis concessi da Debargue: le note semplici e profonde della Sonata n.32 in re minore di Domenico Scarlatti, uno splendido Erik Satie con Gnossienne n.1 e per concludere il celebre Round midnight di Thelonius Monk, brano jazz rivisitato mirabilmente da Dabergue con un finale virtuosistico tutto del francese. Applausi convinti dal pubblico intervenuto in Conservatorio.

3 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Palazzo Marino in Musica con Francesco Manara e Andrea Bacchetti

Oggi, primo maggio, è iniziata l'undicesima edizione di "Palazzo Marino in Musica", rassegna musicale organizzata dal Comune di Milano che propone una serie di concerti domenicali offerti alla cittadinanza milanese alle ore 11.00. L'offerta musicale di quest'anno indagherà sul rapporto tra musica e matematica, sia nei rapporti consolidati tra arte e scienza che dal punto di vista dei nuovi sistemi di produzione musicali lagati al mondo digitale e al computer. Il primo concerto ha visto la presenza di due affermati interpreti quali il violinista Francesco Manara ed il pianista Andrea Bacchetti. Manara, oltre a svolgere un'intensa attività concertistica solistica, è noto per essere da trent'anni "spalla"- (primo violino), della prestigiosa Orchestra del Teatro alla Scala. Il genovese Andrea Bacchetti da decenni è riconosciuto come eccellente interprete del repertorio settecentesco, soprattutto quello di J.S.Bach. Una Sala Alessi gremita di appassionati ha attentamente ascoltato il programma proposto, denominato Tre!, che prevedeva brani di Händel, Mozart, Bartók, Bloch e Saint-Saëns. L'ottima intesa del duo ha messo in rilievo le qualità classiche di Bacchetti nel sottolineare con chiarezza esaustiva ed eccellente equilibrio le splendida linee melodiche del violino di Manara. La Sonara op.1 n.4 di Händel e la Sonata in si bem.maggiore K454 di Mozart hanno messo in rilievo l'equilibrio "matematico" del duo giocato su un'evidente chiarezza coloristica. Le celebri Danze popolari rumene di B.Bartók, Nigun, adagio non troppo di Ernst Bloch e Introduzione e Rondó capriccioso di Camille Saint-Saëns, hanno esaltato l'efficace virtuosismo di Manara, violinista attento ad ogni dettaglio, preciso nei perfetti sopracuti, e soprattutto molto espressivo, sostenuto bene dalle armonie pianistiche di Bacchetti. Splendido anche il bis concesso al termine con il celeberrimo brano Meditation dal Thais di J.Massenet eseguito con profonda espressività melodica. Applausi fragorosi dal pubblico in una sala al completo. Prossimo concerto denominato "La sintesi degli opposti" è previsto per il 5 giugno e troverà Tania Birardi al clavicembalo

1 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Katia e Marielle Labèque al Teatro alla Scala

Ieri sera al Teatro alla Scala, per la serie "Grandi pianisti alla Scala" è salito sul palcoscenico il duo femminile più celebre internazionalmente, quello formato dalle pianiste Katia e Marielle Labèque. Da decenni suonano anche da soliste, in formazioni cameristiche e spesso insieme, impaginando programmi diversificati, dove la tradizione classica si unisce sovente al Novecento e alla musica contemporanea, non rinunciando a volte a trasgressioni nel mondo pop e jazz. Il programma scaligero, presentato davanti ad un pubblico che riempiva il teatro, è un esempio di visione a 360 gradi della musica. Il classicismo di Schubert con la celebre Fantasia in fa min. D 940 per pianoforte a quattro mani è stato anticipato dal Claude Debussy dei Six épigraphes antiques per due pianoforti. Una musica, quella del francese, concepita nel 1901 che nasce dalla lettura di brevi versi poetici dell'amico Pierre Louýs. La traduzione pianistica è breve, poco più di tredici minuti di timbriche deliziose, dal sapore antico, eseguite magistralmente dalle due celebri sorelle, per un'unità sonora perfetta ed espressiva nei colori delicati e profondi. Il romanticismo schubertiano della celebre Fantasia in Fa minore è del 1828, l'ultimo anno di vita del genio viennese. Di notevole profondità e perfetta completezza formale, il brano è stato interpretato in modo introspettivo e senza eccessi dalle Labéque, per un'interpretazione di elevato valore artistico. E' con il bellissimo arrangiamento di Michael Riesman del corposo lavoro dell'americano Philip Glass, Les Enfants terribles, che la serata ha preso una piega più vicina ai nostri tempi. Il lavoro originario per balletto è del 1996, più recente la riuscita versione pianistica per due pianoforti. L'originario minimalismo di Glass trova in questo corposo lavoro formato da un' Ouverture introduttiva e da dieci brani, un'evoluzione particolarmente fantasiosa nelle sequenze di elementi ripetuti con infinite varianti. Le Labèque, conoscitrici profonde della musica di Glass, hanno restituito un'interpretazione accurata e intensamente espressiva, con perfetta sincronia delle parti. Applausi sostenuti e ben quattro bis concessi con il bellissimo Debussy iniziale a quattro mani di Le jardin féerique , ancora Glass, un brano in stile Boogie Woogie per due pianoforti e un'ultimo breve e divertente a quattro mani. Pubblico entusiasta e continue uscite sul palcoscenico con meritati applausi.

1 maggio 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli Emmanuel Tjeknavorian e Giulia Rimonda

A volte le cose belle ritornano. Basterebbe questo per descrivere il concerto che sabato 7 maggio riporterà in scena Emmanuel Tjeknavorian nella veste di direttore e Giulia Rimonda in quella di violino solista accompagnati dalla fedelissima Orchestra Camerata Ducale al Teatro Civico di Vercelli (ore 21, concerto in abbonamento). Ritornano, proprio così. Perché Tjeknavorian è già stato in questa stagione ospite del Festival (per l'occasione come violinista), e perché entrambi si sono resi protagonisti nella scorsa edizione di un altro memorabile concerto. Questa è dunque una nuova tappa di un sodalizio artistico tra due musicisti giovanissimi, un concerto che dimostra come la genuina voglia di “fare musica” sappia davvero superare ogni confine: Giulia è infatti il talento di casa al Civico, dove ha debuttato in tenerissima età, ed Emmanuel parte dalla sua Vienna per portare la sua musica in mezzo mondo. Quando si è così giovani lei è da poco ventenne, lui ventisettenne un anno può fare una grande differenza. Non c'è dunque da stupirsi se, dopo un primo concerto già molto denso dal punto di vista musicale, in vista di questo appuntamento i due protagonisti hanno deciso di alzare ancora “l'asticella”, proponendo un programma di incantevole bellezza, ma indubbiamente di notevole impegno. La serata si aprirà infatti con Tjeknavorian a dirigere Rimonda in una vera e propria colonna del repertorio violinistico universale, ovvero il meraviglioso Concerto in mi minore op. 64 di Mendelssohn. Un'opera che richiese al suo autore ben sette anni di lavoro, e che riesce a incarnare mirabilmente quell'appassionato lirismo e quella capacità di rinnovare la tradizione che è il segno inconfondibile della grande musica romantica. A seguire, Tjeknavorian dirigerà l'Orchestra Camerata Ducale in un'altra composizione che possiamo definire “monumentale”, ossia la Sinfonia n. 3 di Beethoven, nota a tutti come l'Eroica. Opera sulla quale sono stati scritti fiumi di parole, e della quale possiamo ricordare ora che, sia per i contenuti musicali sia per la vicenda della dedica, prima concepita e poi negata, a Napoleone, rappresenta una svolta fondamentale nella definizione del ruolo dell'artista e del suo rapporto con la storia, con gli eventi, insomma con il mondo che lo circonda. Un concerto che rappresenta dunque uno dei momenti più significativi dell'intera stagione, e che si rivolge a tutti gli appassionati della grande musica, in particolare ai più giovani.

1 maggio 2022 dalla redazione

 

APRILE 2022

L' Orchestre de Paris diretta da Esa-Pekka Salonen alla Scala

Un concerto di alta qualità quello ascoltato ieri sera al Teatro alla Scala. L'Orchestre de Paris, compagine nata nel 1967 e diretta in questi decenni dai più importanti direttori d'orchestra quali ad esempio Munch, Karajan, Solti, Barenboim, Harding e molti altri, ha visto ieri la direzione del finlandese Esa-Pekka Salonen, musicista noto anche per le sue valide composizioni. L'impaginato, incentrato su brani francesi, ha trovato anche, in posizione centrale, la Suite da Il Mandarino meraviglioso dell'ungherese Belà Bartók. La pacata e introspettiva introduzione della raveliana Pavane pour une infante defunte - versione orchestrale da un brano pianistico composto negli ultimissimi anni dell'800- ha messo in risalto gli eleganti colori dell'orchestra. Il brano bartókiano eseguito subito dopo, ha stravolto il clima musicale per una dirompente miscela di timbriche, dove anche gli strumenti a fiato e quelli a percussione hanno esternato le loro rilevanti qualità espressive. L'eccellente direzione di Esa-Pekka Salonen e la risposta vigorosa dell'orchestra parigina in questo suggestivo lavoro, ha evidenziato l'alta cifra stilistica dei protagonisti. Salonen ha proposto timbriche contrastanti, taglienti e di grande impatto emotivo, esternando in modo chiarissimo i variati elementi ritmici tipici della musica di Bartòk e presenti in questo brano dela fine anni '20 del Novecento. Miscelando perfettamente i colori delle differenti sezioni della grande orchestra, ha trovato modo di far emergere le qualità virtuosistiche degli eccellenti strumentisti, per una restituzione di assoluta rilevanza estetica. Fragorosi gli applausi. Dopo il breve intervallo, il ritorno alla musica francese con la celebre e corposa Symphonie fantastique di Hector Berlioz ha di nuovo esaltato le splendide qualità di questa compagine. Il brano, in cinque ampi movimenti, è del 1830 e rivela le immense capacità d'orchestratore di Berlioz, musicista che rivoluzionerà il modo di fare musica sinfonica. I movimenti, ricchi di contrasti, hanno rivelato la duttilità dell'orchestra, dall'elegante Un bal, tempo di valzer del secondo movimento, all'energia prorompente dei movimenti finali, cioè la Marche au supplice e il conclusivo Songe d'une nuit du Sabbat. Tutte le sezioni sono state esaltate dalla decisa ed elegante gestualità nella splendida direzione di Salonen. Eccellenti i colori degli ottoni e perfetti i molteplici interventi delle percussioni. Il numerosissimo pubblico scaligero, al termine del programma ufficiale, ha esternato fragorosi e continuati applausi e i generosi protagonisti hanno concesso ben due bis. Prima il soffuso ma pregnante colore degli archi nel Ravel de Le jardin féerique, poi l'estroverso e fragoroso Wagner con il celebre Preludio dall'atto terzo del Lohengrin. Una serata con interpretazioni che rimarranno indelebili nei ricordi dei più appassionati spettatori.

30 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Serata mozartiana per l'Orchestra de "I Pomeriggi" diretti da Alessandro Bonato

Una serata interamente mozartiana quella ascoltata ieri sera al Dal Verme. Il giovane direttore Alessandro Bonato alla guida dell'Orchestra de I Pomeriggi Musicali ha proposto due brani diversi, per le timbriche espresse, del grande salisburghese: un concerto per violino e orchestra, il N.5 in La maggiore K 219, e un lavoro cameristico corposo in sei movimenti quale la Serenata per fiati N.10 in Si bem. maggiore "Gran Partita" K 361. A sostenere la parte solistica del noto concerto c'era il violinista salernitano Gennaro Cardaropoli. L'ultimo concerto violinistico di Mozart, nei classici tre movimenti, presenta una rilevante cantabilità che Cardaropoli ha espresso in modo eccellente con tocco preciso, luminoso e ben integrato con la parte orchestrale espressa con equilibrio da I Pomeriggi. Di qualità le cadenze solistiche del concerto, ancor più indicative delle qualità del solista, tra i migliori fra gli italiani della sua generazione. Eccellente il bis solistico con Nel cor più non mi sento, un classico di Niccolò Paganini dove il tema ricco di variazione di particolare virtuosismo, presenta difficoltà tecniche trascendentali superate con disinvoltura da Cardaropoli per una resa espressiva di rilevante qualità. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto al Dal Verme ai protagonisti. Dopo il breve intervallo la "Gran Partita" mozartiana ha messo in risalto le qualita degli strumentisti dell'orchestra. Il bellissimo lavoro - recentemente ascoltato anche dai bravissimi de "LaVerdi" - ha trovato ancora eccellente qualità dai colleghi de "I Pomeriggi". Ottima la direzione di Bonato e la resa espressiva per un lavoro di evidente discorsività, con frangenti di estrema bellezza tipica del genio salisburghese, come nel pregnante e contrastato Tema con sei variazioni del finale. Applausi intensi al temine a tutti gli strumentisti e al direttore. Sabato alle ore 17.00 si replica. Da non perdere.

29 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Presentato al Fazioli Showroom di Milano il Concorso Internazionale Pianistico"Alessandro Casagrande"

Milano, 28 aprile 2022. Torna a Terni dall’11 al 17 settembre 2022 il Concorso Pianistico Internazionale Alessandro Casagrande, giunto alla 32esima edizione, con la direzione artistica di Carlo Guaitoli. Il concorso, che negli anni ha premiato, tra gli altri, Ivo Pogorelich, Alexander Lonquich, Boris Petrushansky, Roberto Prosseda, Giuseppe Andaloro e Herbert Schuch, celebra quest’anno il centesimo anniversario della nascita del pianista e compositore a cui è dedicato, Alessandro Casagrande, prematuramente scomparso a soli 42 anni.Un’edizione che, non ancora iniziata, ha già registrato il primo record, toccando i 189 iscritti. Di questi, 28 sono i pianisti selezionati da Filippo Gamba, Carlo Guaitoli, Alberto Miodini, che parteciperanno alle fasi finali del concorso a Terni (tre prove per pianoforte solo e una finale con l’Orchestra Sinfonica Abruzzese). 12 le nazioni rappresentate dai candidati: Cina, Giappone, Italia, Mongolia, Perù, Regno Unito, Russia, Slovenia, Spagna, Sud Korea, Ucraina, USA. La giuria del concorso, chiamata a incoronare il nuovo talento del pianoforte, sarà costituita da Enrica Ciccarelli (Italia), Romain Descharmes (Francia), Carlo Guaitoli (Italia), Yuka Imamine (Giappone), Piers Lane (Australia), Roland Pöntinen (Svezia), Jerome Rose (USA). Il concorso è stato presentato oggi presso il Fazioli Showroom di Milano, alla presenza di Elena Benucci, Presidente della Fondazione Casagrande, e Carlo Guaitoli, direttore artistico del concorso. “La scorsa edizione, 2018/2019, gli iscritti furono 117 – commenta Elena Benucci – Il risultato di quest’anno è decisamente inaspettato, lusinghiero e crediamo non così usuale nel panorama dei concorsi internazionali, soprattutto in tempi di pandemia”. “Il numero eccezionale delle iscrizioni e il livello altissimo dei pianisti in questa fase di pre-selezioni hanno reso particolarmente lunghi e complessi i lavori della prima giuria – le fa eco Carlo Guaitoli – Per questo desidero ringraziare i colleghi Filippo Gamba e Alberto Miodini che hanno con me condiviso questo compito molto delicato e desidero congratularmi con tutti i concorrenti, tra cui numerosissimi italiani, che hanno dimostrato uno straordinario livello artistico e professionale. Tutto mi fa pensare che sarà un’edizione del Casagrande estremamente ricca, interessante e avvincente”. In palio un montepremi totale di 37.000 €. Al vincitore anche concerti presso prestigiose istituzioni musicali in Italia e all’estero, tra le quali sono già confermate: Società dei Concerti di Milano, IUC-Istituzione Universitaria Concerti di Roma, Fazioli Concert Hall di Sacile, Gioventù Musicale Italiana, Associazione Lingotto Musica di Torino, Orchestra Sinfonica Abruzzese, Associazione Filarmonica Umbra, Amici della Musica di Foligno, Teatro Comunale di Carpi, Emilia Romagna Festival. Anche per l’edizione 2022 Fazioli Pianoforti è content partner del concorso. L’azienda, fondata nel 1981 dall’ingegnere e pianista Paolo Fazioli, nel settore è una vera icona del made in Italy, caratterizzata da passione per la musica e competenza scientifica, abilità artigianale, ricerca tecnologica e severa selezione dei materiali.

28 aprile dalla redazione

Domenica inizia la 42° edizione di Musica a Villa Durio

Si apre il 1 Maggio, la Giornata Internazionale del Jazz, con la 42° edizione di Musica a Villa Durio, stagione musicale di Città di Varallo, diretta da Massimo Giuseppe Bianchi. Il calendario degli concerti comprenderà per quest’anno un’edizione primaverile, dal 1 Maggio al 12 Giugno 2022, quindi una pausa estiva ricca di appuntamenti musicali tra i quali il tradizionale Festival Beethoven organizzato in collaborazione con Musica con le Ali di Milano. I concerti riprenderanno nel mese di Settembre per terminare a Dicembre uno straordinario Concerto di Natale. Musica classica, Jazz, Musica Antica e la consueta attenzione ai giovani talenti, vincitori di prestigiosi premi internazionali, per proporre al pubblico valsesiano un’offerta di alta qualità e una visione su quanto di nuovo accade nella scena musicale internazionale, un programma di grande qualità che si distingue per l'alto livello degli interpreti e per le novità. Il Primo maggio sarà all’insegna del jazz al Palazzo dei Musei con il Trio formato da Lorenzo Bisogno, sax tenore, Manuel Magrini, pianoforte e Pietro Paris, contrabbasso. Una formazione giovane ma dalla forte personalità, all’interno della quale spicca Lorenzo Bisogno, laureatosi vincitore del Premio Nuovo IMAIE e del Premio Massimo Urbani. Domenica 8 Maggio 2022, il controtenore premiato ai Grammy Awards David Feldman e Massimo Giuseppe Bianchi, pianoforte, proporranno un programma di grande fascino dedicato a opere per voce e pianoforte di Elgar, Vaughan Williams e Britten. Già ospite della 40esima edizione e del 3° Festival Beethoven, David Feldman porta a Varallo l’esperienza maturata nei teatri europei come solista di importanti formazioni, tra cui i Vox Luminis con i quali ha appena concluso una lunga tournée tra Spagna, Francia, Belgio e Olanda. I biglietti dei concerti sono acquistabili da subito sul sito Eventbrite al link https:// bit.ly/MVD42 oppure, come di consueto, prima dei concerti al prezzo di 10 euro, mentre i bambini e i ragazzi fino a 12 anni entrano gratis.Sarà possibile prenotare contattando il numero di Musica a Villa Durio, 388 255 42 10, anche con messaggio whatsapp. Per tutte le informazioni è a disposizione l’email: info@musicavilladurio.it ( Foto dall'ufficio Stampa di Musica a Villa Durio)

26-04-2022 Dalla Redazione

LaFil - la Filarmonica di Milano al Teatro Lirico "G.Gaber" per Mendelssohn

Un concerto particolarmente riuscito quello ascoltato ieri al nuovo Teatro Lirico "Giorgio Gaber". La Filarmonica di Milano ovvero LaFil, era impegnata in questi giorni nel "Progetto Mendelssohn 2022". Una serie di concerti dove a quello di sabato è seguito il bellissimo concerto del tardo pomeriggio di ieri. La recente orchestra sinfonica LaFil ha eseguito due brani particolarmente celebri quali il Concerto per violino e orchestra in mi minore op 64 e la Sinfonia in la maggiore n.4 "Italiana", introdotti dalla Ouverture da Concerto op.26 da "Le Ibridi". Sul podio l'eccellente giovane Felix Mildenberger ha diretto la compagine orchestrale che ricordiamo essere formata da prime parti di formazioni provvenienti da tutta Europa e da giovani strumentisti selezionati tra i migliori delle rispettive nazioni. In anni recenti, nel 2018 e nel 2019, la LaFil ha eseguito brani di Schumann e di Brahms con la direzione di Daniele Gatti. Si rimane stupiti per l'alta qualità espressa dalla LaFil in tutti e tre i lavori proposti. Nel celebre concerto mendelssohniano, il solista ventunenne di Stoccolma, Daniel Lozakovich, ha espresso con grande sensibilità i tre movimenti del lavoro terminato dal musicista lipsiano nel 1844 ed interpretato dai maggiori virtuosi al mondo. Lozakovich, oltre alla straordinaria tecnica, testimoniata dai numerosi concorsi internazionali vinti, ha rivelato una notevole sensibilità sostenuta da un tocco molto interiorizzato, preciso e sicuro, ricco di morbidi colori, esternati con ampia escursione dinamica. Eccellente l'equilibrio sinergico avuto con la direzione di Mildenberger e con l'orchestra per un'esecuzione complessiva di alto profilo. Particolarmente espressivo il brano solistico dei primi del Novecento concesso come bis: la Dance Rustique dalla Sonata n.5 di Eugene Ysaye. Le qualità orchestrali sono emerse sia nella Ouverture che nella celebre Sinfonia "Italiana", quattro movimenti, in quest'ultimo brano, esternati con raffinata direzione da Mildenberger, per una espressività giocata su una morbina esecuzione in calibrati contesti timbrici restituiti con volumetrie mai eccessive, ma ben pesate ed equilibrate. Applausi calorosi al termine di ogni brano dalla numerosissima platea intervenuta nell'elegante teatro, luogo ottimale per la musica sinfonica. Da ricordare.

25 aprile 2022 Cesare Guzzardella

LE PERCUSSIONI DI SIMONE RUBINO PROTAGONISTE AL VIOTTIFESTIVAL DI VERCELLI

Ieri sera, 23/04, per il ViottiFestival il Teatro Civico di Vercelli ha spalancato le porte ad un concerto di straordinario interesse, ma anche di (coraggiosa) rottura con i programmi che esso abitualmente propone, legati alla grande tradizione classico-romantica, Protagonista della serata, vero e proprio one man show, è stato il ventinovenne percussionista Simone Rubino, almeno dal 2014, quando ‘si rivelo’’ con un primo premio al prestigioso Festival ARD di Monaco di Baviera, assurto a fama di percussionista tra i più acclamati della sua generazione per virtuosismo e qualità esecutive. Dunque un concerto, quello di ieri sera, dedicato esclusivamente alla musica per percussioni, il che vale a dire impaginato sul predominio assoluto della musica contemporanea, avendo le percussioni acquisito solo dal pieno ‘900, nella musica c.d. ‘classica’ o ‘colta’ che dir si voglia,, un ruolo di primo piano, sino a essere valorizzate addirittura come strumenti solistici, magari integrati dalla musica elettroacustica, a creare paesaggi sonori del tutto ignoti alla civiltà musicale del passato. Il filo conduttore lungo il quale si è dipanato l’ampio programma del recital è stata l’estrema varietà dei colori, dei timbri, dei suoni che il variegato mondo delle percussioni può offrire all’ascoltatore. Il concerto ha dunque preso l’avvio con un pezzo del percussionista-compositore tedesco Peter Sadlo, uno dei maestri e mentori di Rubino: “Variations on Fuga C II”, titolo che non siamo riusciti a decifrare (caso non infrequente nella musica contemporanea). Si tratta di una composizione per varie specie di membranofoni, cioè tamburi. Si comincia dunque col ritmo puro, scatenato in tutta la varietà delle sue dinamiche, ma in genere con un’agogica tendente al massimo della velocità, che subito mette in evidenza il virtuosismo straordinario di questo percussionista. Il ritmo sembra comporsi in una sequenza quasi costantemente ripetuta, con pressoché impercettibili variazioni, evocando esperienze minimaliste. Tutt’altro mondo sonoro, quello realizzato dal successivo “Interzones”, per vibrafono e nastro magnetico, una delle opere più celebri dell’americano Bruce Hamilton. Qui la bravura di Rubino si è manifestata nella capacità di valorizzare al massimo il suono peculiare del vibrafono, un suono caldo, ma variabile in un ampio ventaglio di sfumature, agendo sia sul particolare congegno elettrico che dà o toglie profondità al suono, sia sul pedale di smorzamento che regola la durata della nota emessa. L’Interzones propostoci da Rubino, associando sapientemente i vari registri del vibrafono con lo sfondo sonoro del nastro magnetico, è risultato un pezzo vario ed eclettico, in cui momenti di sapore jazzistico, si alternavano ad altri di più rarefatta e quasi sospesa atmosfera, al limite dell’incantevole.. A seguire un pezzo che propone, ancora al vibrafono, un’esperienza musicale di tipo completamente diverso, in cui l’esecutore non si limita a suonare lo strumento, ma lo accompagna con la sua voce, parlando e cantando i testi di tre poesie di una poetessa italiana contemporanea. Si tratta di “Io guardo spesso il cielo” del compositore Lamberto Curtoni: il titolo è quello di una delle tre poesie della brava poetessa Mariangela Gualtieri, divenuta improvvisamente nota anche al grande pubblico del nostro Paese in occasione dell’ultimo Festival di Sanremo, quando Jovanotti ha recitato una sua poesia. Accompagnandosi al vibrafono, Rubino recita e canta con un discreto falsetto i versi della Gualtieri. Il suono del vibrafono si fa delicato, sensuoso, carico di sfumature e colori diversi: il tutto evoca, in modo vagamente straniante, un madrigale cinquecentesco. Nuova tappa di questo percorso, un pezzo di quello che senz’altro è il compositore più noto al pubblico, fra quelli in programma, anche perché autore di celebri colonne sonore per film, come “La tigre e il dragone”. Stiamo naturalmente parlando del cinese Tan Dun, e il pezzo è “Water Spirit”, cioè la cadenza del “Water concert” per percussioni e orchestra. Il concerto di Tan Dun (1998), una delle composizioni più affascinanti dell’ultimo quarto di secolo, trasforma il rumore dell’acqua in ritmo e suono, il ritmo e il suono profondo della vita. E’ lo stesso risultato che ottiene Rubino, mettendo ancora una volta in evidenza le peculiari qualità del suo virtuosismo. Ovviamente, in primo luogo, un virtuosismo musicale, cioè la capacità di ricavare da due bacinelle d’acqua i più vari ritmi ed effetti sonori, sino a far ‘suonare’ l’acqua, ovvero a rendere significativo il rumore. Ma a integrare questo virtuosismo musicale interviene questa volta anche quello corporeo, la capacità di produrre rumori/suoni e ritmi col proprio corpo, che diviene così parte essenziale dell’esperienza musicale, in una vera e propria performance (nel senso propriamente artistico del termine) di notevole impatto sull’ascoltatore-spettatore: il battito dei piedi, l’effetto sonoro generato dal battersi il volto con le mani etc., uniti agli effetti sonori creati con l’acqua (dallo sgocciolio allo sciacquio) creavano un ritmo che organizzava i rumori al confine del suono: perfetto Rubino nel coordinare corpo e materiale sonoro prodotto con l’elemento liquido. L’integrazione corpo/strumento della performance non è che il primo passo verso una vera e propria teatralizzazione dell’esecuzione musicale: ai confini col teatro è infatti il pezzo dell’americano Casey Cangelosi, giovane percussionista compositore, “the voice of a new generation”, come viene definito oltreoceano . Il suo brano , proposto ieri sera è tra i suoi più riusciti: “Bad Touch”, per percussioni e nastro magnetico. L’esecuzione si colloca già in un’ambientazione teatrale: sul palcoscenico cala il buio, che lascia vedere solo le bacchette illuminate tenute in mano dall’esecutore, pressoché invisibile. L’interprete muove le bacchette, ma non suona, il suo si fa gesto di un attore che muove nello spazio la bacchetta, accompagnando, ‘recitando’ gli eventi sonori del nastro magnetico, in un’atmosfera inquietante e surreale, generata dal mix di suoni elettronici, frammenti di frasi pronunciate da voci umane registrate, e schemi ritmico-musicali, il tutto proveniente da un misterioso mondo di tenebre. La qualità interpretativa di un brano come questo, senz’altro il più ‘sperimentale’ della serata con quello di Tan Dun, si misura sulla capacità di associare e gestire contemporaneamente, tutte queste diverse e frammentarie componenti. E, ancora una volta, ci pare che Rubino abbia assolto al meglio il suo compito. Caratteristica immancabile nei programmi proposti da Rubino è la combinazione della musica moderna e contemporanea con la tradizione, naturalmente ‘riletta’ nel linguaggio delle percussioni. E simbolo quasi archetipico della tradizione è per Rubino J.S. Bach, ieri sera presente con la sua gloriosa Ciaccona dalla Partita n.2 BWV 1004, nella trascrizione per vibrafono del chitarrista e compositore argentino Eduardo Eguez. Cosa lega la sperimentazione più ardita, alle frontiere del rumore e dell’impulso ritmico allo stato puro e l’armonia del contrappunto barocco? Rubino risponde, presentando al pubblico questa Ciaccona, che proprio la trascrizione di composizioni del passato, in particolare dell’età barocca, consente di valorizzare la dimensione armonica e melodica delle percussioni, oscurata dall’uso che ne ha fatto la musica contemporanea, privilegiandone la dimensione ritmico-percussiva. Ciò vale naturalmente soprattutto per quegli strumenti dotati di una potenzialità armonica significativa, e di un suono, come ad es. il vibrafono. Nonostante la nostra idiosincratica freddezza per le trascrizioni, dobbiamo riconoscere che questa Ciaccona in versione per vibrafono non ci ha disturbato, anzi, l’abbiamo ascoltata non senza piacere. Tra l’altro non è una semplice trascrizione a stretto rigor di termini, perché la parte ‘reale’, cioè l’originale bachiano, è stata riservata alla mano destra, mentre per la sinistra è stato scritto una specie di basso continuo. A parte la funambolica bravura di Rubino nel padroneggiare tutte le possibilità offerte dallo strumento, di cui si è fatto cenno sopra, è stato decisamente interessante il colore particolare del suono, un timbro scuro, ma caldo e smaltato in campiture brillanti, che trasporta il capolavoro bachiano in un mondo sonoro certo lontanissimo da quello originario del violino, eppure non privo di una sua suggestione, evocatrice di certe atmosfere barocche virate sul grave e sul funebre. Il programma del concerto vedeva alla conclusione le “Asventuras per rullante (cioè tamburo)solo” del tedesco Aleksej Gerassimov: coetaneo e amico di Rubino e con lui uno dei giovani percussionisti di più ardito virtuosismo, nonché compositore, di oggi. Rubino ha suonato il pezzo dell’amico come una sorprendente ricerca dei più diversi colori e suoni di cui è capace la membrana di un tamburo. Dopo una breve introduzione affidata alla percussione delle sole bacchette, Rubino si è avventato sul rullante investendolo con ritmo frenetico e vorticoso che, ora con le bacchette, ora con una spazzola, ora con la nuda mano, ora infine, con mallet da timpani, esplorando le diverse zone dello strumento, ne ha ricavato una straordinaria varietà timbrica, unita ad una gestione davvero ammirevole, delle dinamiche, dal pianissimo, ai confini del silenzio, al fortissimo. Nei momenti di più vertiginosa rapidità, Rubino ci ha fatto venire in mente ciò che a suo tempo si diceva di Liszt, cioè che sapesse suonare il pianoforte…con tre mani. Il pubblico in sala, meno numeroso del solito (evidentemente qualcuno, per il quale la storia della musica finisce con l’anno 1899, si sarà spaventato leggendo il programma) ha salutato con entusiasmo questo bellissimo concerto, spellandosi le mani in fragorosi e prolungati applausi, ricompensati da Rubino con un bis: un altro pezzo di Curtoni per vibrafono e voce su un testo poetico della Gualtieri, bello e struggente. Serata memorabile, che sommessamente auspichiamo non resti senza seguito.(Foto di M.Reggreve Uff.Stamapa di Vercelli)

24 aprile 2022 Bruno Busca

Il Triplo Concerto di Beethoven con Francesca Dego, Edgar Moreau e Filippo Gorini

Una serata di particolare interesse quella di ieri sera in Auditorium con la Sinfonica Verdi e il direttore musicale Claus Perer Flor. Particolarmente attrattivo il brano di L.v. Beethoven con il suo Triplo concerto in Do maggiore per, violino, violoncello e pianoforte op.56, interpretato da tre giovani solisti affermati internazionalmente quali la violinista Francesca Dego, il violoncellista Edgar Moreau ed il pianista Filippo Gorini. Una composizione, quella del genio tedesco, concepita tra il 1803 e il 1804, con frangenti di altissima qualità espressiva, dove il concertato tra i tre solisti protagonisti raggiunge alte vette espressive. L'ottima direzione di Flor e l'avvincente restituzione orchestrale dell'Orchestra Verdi, ha esaltato gli interventi solistici con un violino, quello della Dego, perfettamente integrato con gli altri due strumenti e con rilevanti interventi solistici; con un violoncello, quello di Moreau, voluminoso e melodicamente efficacissimo e con un pianoforte, quello di Gorini, preciso e controllato nella perfetta sincronia d'intervento. L'unità d'intenti del trio e la resa complessiva hanno contribuito a rendere il concerto di alto livello espressivo. Il pubblico presente ha apprezzato l'esecuzione tributando al termine calorosi applausi e determinando le numerose uscite in palcoscenico dei protagonisti. Bellissimo il bis concesso dai tre virtuosi con un brano di Schumann dai Pezzi fantastici, il n.3, Duetto. Il concerto beethoveniano era stato anticipato da un cameristico lavoro di Mozart: la Serenata n.10 in Si bem. maggiore K361 "Gran Partita". Sette movimenti interpretati molto bene da undici strumenti a fiato e da un contrabbasso, tutti strumentisti della Verdi. Un'esecuzione accurata, nel tipico stile d'intrattenimento del genio salisburghese, per un brano concepito intorno al 1783. Applausi sostenuti. Questa domenica alle 16.00 la replica. Prossimo concerto invece per il 28 aprile, con repliche il 29 e il primo maggio. In programma le ultime tre sinfonie di Mozart. Da non perdere.

23 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Ingrid Fliter diretta da George Pehlivanian in Chopin

Il concerto di ieri sera al Dal Verme con l'Orchestra de I Pomeriggi musicali ha trovato sul podio il direttore libanese George Pehlivanian per due brani, differenti per stile, di due compositori legati al mondo francese quali Fryderyc Chopin e Francis Poulenc. Il grande polacco ottenne la cittadinanza francese nel 1835 e il secondo, parigino doc, è certamente uno dei principali musicisti francesi del '900. Il Concerto n.1 per pianoforte ed orchestra in mi minore op 11 di Chopin, tra i più eseguiti al mondo, è stato sostenuto al pianoforte da una chopiniana quale l'argentina Ingrid Fliter. La Fliter nel lontano 2000 vinse infatti il secondo premio al Concorso Internazionale "F.Chopin" di Varsavia, avviandosi ad una brillante carriera concertistica incentrata soprattutto sulla musica di quel grande compositore. Notevole la disinvoltura della Fliter nell'interpretare i tre movimenti dell' op.11. Elastica, grintosa, espressiva e corretta nell'esprimere le timbriche, dando il giusto peso alle note per difinire l'adeguato equilibrio complessivo. La pianista ha trovato un ottimo appoggio dalla valida direzione di Pehlivanian e dai morbidi timbri dell' orchestra de I Pomeriggi. Momento di maggiore intensità espressiva nel movimento centrale Romanza.Larghetto e massima estroversione e brillantezza nel Rondò.Vivace del finale. Applausi sostenuti e due i bis concessi dalla Fliter con due tra i più noti Valzer di Chopin eseguiti con meditata intensa espressività. Dopo il breve intervallo la Sinfonietta FP 141 di Poulenc ha cambiato completamente il clima musicale. Dal deciso romanticismo al variegato neoclassicismo, con questo creativo lavoro ricco di fantasia e di trovate timbriche, per un brano che si esegue raramente pur essendo di notevole efficacia musicale. Di qualità  l'interpretazione ascoltata. Sabato alle ore 17.00 si replica. Da non perdere.

22 aprile 2022 Cesare Guzzardella

SABATO A VERCELLI: UN PASSO OLTRE- LE PERCUSSIONI DI SIMONE RUBINO AL TEATRO CIVICO

Senza innovazione non ci sarebbe la musica. Anche ciò che oggi è considerato “classico” un tempo è stato “moderno”, e la sua modernità ha sorpreso, stimolato, magari scandalizzato ma spinto a fare un passo avanti. È questo lo spirito di una delle serate più importanti di questo XXIV Viotti Festival, quella di sabato 23 aprile, quando al Teatro Civico di Vercelli (ore 21, concerto in abbonamento) sul palcoscenico sarà unico protagonista il giovane percussionista piemontese di nascita e ora acclamato in tutto il mondo Simone Rubino. Un concerto molto atteso, eppure capace di andare al di là delle aspettative, questo di Rubino. Siamo infatti di fronte non a un pur bravissimo esecutore, ma a un artista completo e inesauribile, nel quale la tecnica mirabolante si sposa a una carismatica presenza scenica. Le percussioni, un tempo semplice complemento dell'orchestra, giungono nelle sue mani al centro della scena, creando un “mondo sonoro” inatteso, pieno di sfumature e incredibilmente affascinante. Un mondo che, tratto caratteristico di Rubino, fa dialogare antico e nuovo spaziando tra le epoche e gli stili.Il programma del concerto è dunque un vero e proprio viaggio di scoperta, a partire dall'evocativa versione per vibrafono della Ciaccona di J. S. Bach (la cui polifonia in fondo si presta ad essere espressa con le percussioni) fino al Water Spirit di Tan Dun, nel quale Rubino manipola con vari tipi di microfono i suoni prodotti da ciotole, bottiglie e altri oggetti immersi in bacinelle piene d'acqua. Sarebbe già molto, ma c'è ancora di più, ovvero le opere di veri virtuosi quali Alexej Gerassimez, Peter Sadlo (già maestro proprio di Rubino), Bruce Hamilton e Casey Cangelosi (definito “il Paganini dei percussionisti”), nelle quali la musica dal vivo si sposa spesso alle tracce preregistrate e il solista dà vita a una vera e propria performance teatrale. Teatro che ritorna in chiusura, con Rubino impegnato non solo con le mani ma anche con la voce in un'opera sviluppata con Lamberto Curtoni sugli splendidi testi della poetessa Mariangela Gualtieri.

21 aprile dalla redazione

Micah McLaurin e Ludovica Rana per la Società dei Concerti

Un programma incentrato su Chopin quello ascoltato ieri sera nel concerto organizzato dalla Fondazione La Società dei concerti. Il pianista statunitense Micah McLaurin, ventottenne di Charleston, e la violoncellista pugliese Ludovica Rana, hanno completato l'impaginato ufficiale con tre brani del genio polacco. Nella prima parte della serata il solo pianoforte dell'eccentrico McLaurin ha espresso ad introduzione il Preludio in do diesis minore op.45 seguito poi dalla corposa Sonata n.2 in si bem.minore op.35. McLaurin, - artista impegnato anche nel mondo pop con rilevante presenza sui "social", pur avendo una solida formazione classica- ha rivelato una forte personalità, interpretando con sicurezza e chiarezza espressiva le note chopiniane. La celebre Sonata op.35 è stata eseguita con taglio espressivo sicuro, valido equilibrio nei quattro movimenti e adeguata personalizzazione. Il frangente più coinvolgente è stato probabilmente il terzo movimento Lento, la nota Marcia funebre, una sezione importante del lavoro, dove l'interprete ha esaltato bene le evoluzioni dinamiche nei momenti più intensi ed espressivi con eccellenti crescendo; poi un chiarissimo conclusivo Finale.Presto, il frangente più "moderno" della produzione chopiniana. Dopo il breve intervallo, la rara Sonata in sol minore op.65 per violoncello e pianoforte ha trovato Ludovica Rana in eccellente equilibrio con la rilevante parte pianistica di McLaurin. Per l'occasione McLaurin ha cambiato l'abito di scena. La coinvolgente discorsività del brano composto da Chopin nel 1845-46 e dedicato all'amico cellista Auguste Franchomme, è stato ben sostenuto nella rilevante componente melodica della espressiva violoncellista, per un' integrazione di ottima fattura in tutti i quattro movimenti. Applausi convinti dal numeroso pubblico intervenuto in Sala Verdi e tre i bis concessi: prima un intenso brano di Bach da una Suite per violoncello solo ben interpretato dalla Rana, poi il solo pianoforte di McLaurin con un suo originale e virtuosistico arrangiamento su temi della pop-star Lady Gaga; a conclusione il duo in un eccellente Rachmaninov col celebre Vocalise. Successo meritato.

21 aprile 2022 Cesare Guzzardella

IL MAESTRO P. ORIZIO E GUIDO RIMONDA CON LA CAMERATA DUCALE A VERCELLI

Il concerto del Viotti Festival di Vercelli programmato in un primo tempo per tre settimane fa, per cause di forza maggiore si è dovuto rinviare a ieri sera, sabato 16 aprile, sull’abituale palcoscenico del Teatro Civico, in un recital che vedeva l’orchestra della Camerata Ducale per l’occasione diretta dal Maestro Piercarlo Orizio con Guido Rimonda nelle vesti di violino solista. Il programma proposto per la serata è stato davvero un bellissimo uovo di Pasqua, pieno di graditissime ‘sorprese’, vale a dire di brani quasi tutti di non frequente esecuzione, tra i quali uno è stato una vera chicca, per rarità e interesse, di quelle che non di rado l’orchestra vercellese offre al suo devoto pubblico: non l’ultimo dei motivi per cui si fa tanto apprezzare!. Il concerto si è aperto e si è chiuso all’insegna di Schubert: il primo brano impaginato era infatti, dalle “Musiche di scena per Rosamunde regina di Cipro”, l’”Entr’acte (cioè una composizione di raccordo tra una scena e l’altra del testo teatrale) n.3, in Si bem. maggiore. La melodia principale di questo breve pezzo è celeberrima, resa nota da altre due famose opere in cui Schubert la riprese: l’Andante del Quartetto in La min. D. 804 (alquanto liberamente) e soprattutto quel gioiello che è l’Impromptu pianistico D.935, ove è ripresa tal quale. Ma l’Entr’acte dalla Rosamunde, in cui quella melodia sbocciò per la prima volta come un fiore miracoloso, non è di frequente esecuzione. La direzione di Orizio ha restituito questo brano un po’ misconosciuto’ in tutto l’incanto della sua freschezza: l’Andantino dell’Entr’acte , sotto la bacchetta del direttore bresciano, ha incantato per la raffinatissima scrittura orchestrale, colla sua inconfondibile timbrica schubertiana, fatta di impasti delicati e caldi affidati al vario gioco degli archi e dei fiati, ma sempre come velata da una sottile nota di infinita malinconia, che il Maestro ottiene con il sapiente chiaroscuro delle dinamiche e lo stacco adatto dei tempi. Aperta e gustata come si doveva questa prima sorpresa dell’uovo pasquale confezionato dalla premiata ditta Rimonda-Orizio, eccoci subito alla supersorpresa della serata: un brano di Beethoven, crediamo, poco conosciuto anche ai più assidui frequentatori delle sale da concerto, un’opera fuori del catalogo ‘ufficiale’ delle composizioni beethoveniane, privo di numero d’opus e scritta da un ‘protobeethoven’ giovanissimo, ancora a Bonn, intorno al 1790, prima del gran ‘salto’ in quel di Vienna: si tratta del “Concerto per violino e orchestra in Do maggiore” WoO 5, in realtà un ampio frammento, le circa 250 battute del Primo Tempo in Allegro di quello che sarebbe dovuto essere il primo concerto per violino di Beethoven e poi lasciato incompiuto, in quella sorta di ‘torso’ musicale che ce ne è rimasto. Esistono di questo pezzo lasciato bruscamente interrotto registrazioni discografiche, che lo completano con tanto di cadenza e coda, ma Orizio e Rimonda hanno fatto benissimo, a nostro avviso, a eseguirlo così come ci è effettivamente stato lasciato: nel suo stato di frammento mutilo, una sorta di michelangiolesco ‘non finito’. Si tratta di un brano di notevole interesse, in quanto anticipa alcune caratteristiche del futuro stile violinistico maturo del Maestro di Bonn. Questo Beethoven ancor ventenne è già chiaramente al di là di Mozart: se ne è staccato per una concezione più monumentalmente sinfonica del concerto, per una superiore ricchezza e varietà nell’armonia e soprattutto per una energia e ricchezza di virtuosismo nel trattamento del violino, quasi invadente nella sua esuberanza. Oseremmo dire che in alcuni momenti, più che Mozart Beethoven tenga presente il nostro Viotti, considerandolo, a quel tempo, modello più ‘moderno’ e attuale di quello del cigno salisburghese. Possiamo dunque dire che Rimonda, oggi il più autorevole interprete e studioso di Viotti, non solo in Italia, abbia ‘giocato in casa’ nell’eseguire questo brano di Beethoven: eccellente nell’esecuzione tanto dei momenti più cantabili, quanto in quelli di più intensa assertività, con la solita olimpica sicurezza nel dominio delle parti più improntate al virtuosismo, Rimonda svariava anche su una tavolozza di colori ampia e cangiante, dall’intenso lirismo realizzato con una cavata calda e morbida, a una più cupa e fremente energia cui davano voce adeguata i registri più gravi del suo ‘Noir’. In questo abbozzo di concerto, l’orchestra si integra col violino in un costante dialogo, gestito al meglio dalla Camerata Ducale sotto la guida inappuntabile di Orizio. Il terzo uscito dall’uovo di Pasqua offerto ieri sera al pubblico vercellese, un pezzo ‘minore’ e perciò anch’esso non molto frequentato di P.I. Ciajkovskij: la Sérénade mélancolique op.26, brano concertante per violino e orchestra. Non fa certo gridare al capolavoro, ma è senz’altro un’opera di piacevole ascolto, in cui lo strumento solista svolge un ruolo essenziale per conferire all’insieme un tono di soffusa e pacata cantabilità. Il dialogo tra orchestra e solista tocca il suo punto più alto proprio in apertura di pezzo, quando all’introduzione orchestrale breve, di colore livido e gravido di inquietudine, con forte presenza degli archi gravi, segue la voce del violino, appena scurita, che attacca un canto di, appunto, malinconica elegia, il tema principale del breve brano: Rimonda sa far cantare meravigliosamente il suo strumento, dando al suono dolcezza e cullante mestizia. Poi, come uno scatto improvviso, dalle quattro corde spicca il volo un secondo canto, diverso, più luminoso, che quando viene ripreso successivamente coi suoi trilli sembra evocare il libero volo di un fragile uccello, che pare voler fuggire l’ostinato ripetersi, ad opera dell’orchestra, del malinconico tema principale, con cui si conclude mestamente la Sérénade: bravissimi, ancora una volta Rimonda e Orizio nel dare voce e colore a questo intrecciarsi di stati d’animo, di sentimenti, trovando sempre l’intensità di suono, il timbro, i tempi e le dinamiche adeguate. Un po’ più noto è il quarto pezzo in programma, l’Ave Maria di Bruch, in realtà, ieri sera, presentata come la trascrizione di una trascrizione. L’Ave Maria nasce come trascrizione per violoncello e orchestra, ad opera dello stesso Bruch, della c.d. ‘Scena della preghiera’ dal suo oratorio “La croce di fuoco”. Ieri sera ne abbiamo ascoltato la trascrizione per violino e orchestra. L’Ave Maria di Bruch è un colloquio dell’anima col divino espresso con il suono in luogo della voce. Dopo l’introduzione orchestrale che prepara con il suo ritmo grave e solenne il momento sacro, ecco la voce del violino che dopo una prima sezione, un cantabile pacato e di sonorità densa, suonata benissimo da Rimonda, che esprime una volontà di pace dello spirito, si fa inquieta e agitata, quasi drammatico anelito al cielo e alla salvezza, che il violino esprime con improvvisi movimenti di rapide scale discendenti e ascendenti, di tempi rapidissimi e sovracuti. Il ritorno alla prima sezione della preghiera, in cui l’orecchio coglie benissimo l’illuminarsi del passaggio dal minore al maggiore, non è però totalmente privo di inquietudine, come suggerisce un brusco passaggio di ottave nel violino e una martellante serie di accordi ribattuti del “tutto” orchestrale, prima che la preghiera si plachi finalmente nel suo esito rasserenante. Ancora una volta, eccellenti Rimonda e Orizio nell’intesa solista-orchestra, nella scelta dei tempi e nei risultati raggiunti nella ricerca dei colori e delle dinamiche. A confermare l’impressione che la musica da film si sia ormai conquistata un suo posto nei recital di musica ‘classica’, sta il bis concesso da Rimonda e Orizio: un brano da una delle più note colonne sonore mai scritte, tanto da avere un suo titolo, indipendente da quello della pellicola per cui fu composta: “Smile”, scritta da Charlie Chaplin nel 1936 per il suo film “La vita è bella”. In chiusura un’opera di immensa celebrità, uno dei capolavori assoluti di Schubert, la Sinfonia n.8 in si min. universalmente nota come l’Incompiuta. E’ stato giustamente osservato più volte, come l’Incompiuta segni l’approdo di Schubert, nel genere della sinfonia, ad una completa maturità, emancipata con grande originalità da qualsiasi modello, a partire da quello beethoveniano. Eppure, qualcosa dell’empito eroico beethoveniano, e qualcosa anche di quella grandiosa unità che caratterizza la Quinta di Beethoven, ci pare di riconoscerle, sia pur riespresse con tutt’altro stile compositivo, in questa creazione schubertiana, tra le più perfette che la storia della musica conosca. Diciamo questo perché l’interpretazione di Orizio, bellissima, ci è parsa valorizzare precisamente uno Schubert, che, in particolare nel primo tempo, per drammaticità ed inquietudine e per trascinante energia eroica, specie nello sviluppo e nella coda, non sarebbe neppur pensabile senza l’esperienza beethoveniana. Quello che più si ammira nella direzione di Orizio è la cura precisa del dettaglio timbrico: nessuna voce strumentale è mai oscurata dal possente magma sonoro del primo tempo, tutti gli strumenti sono fatti suonare magnificamente, dai violoncelli e poi violini che con sfumata malinconia espongono il secondo tema, come il ricordo lontano di una danza, al trasognato impasto dei legni cui è affidato il motivo precedente, agli ottoni, in particolare ai tre tromboni che nello sviluppo hanno addirittura parti melodiche. Sempre valida la scelta delle dinamiche, raffinata nel conferire il ‘respiro’ giusto all’andamento discendente che caratterizza tutti i principali temi e motivi di questa parte dell’Incompiuta. La bacchetta di Orizio evoca nel secondo tempo, con altrettanta bravura, l’atmosfera di mesta rassegnazione che lo impronta: sotto la bacchetta del Maestro bresciano il suono dei vari strumenti si fa più leggero, al limite dell’arabesco, come quella distesa melodia, prima al clarinetto, poi all’oboe che è il secondo tema, o l’indimenticabile pianissimo su cui si spegne il tempo e la sinfonia. Esecuzione tra le più belle da noi ascoltate negli ultimi anni di questa meraviglia musicale, degna conclusione di una serata musicale di grande qualità, che ha meritato i lunghi applausi del numeroso pubblico in sala.

17 aprile 2022 Bruno Busca

Presentato alla Scala il nuovo libro di Francesco Maria Colombo: L'Aristocratico di Leningrado

L'Aristocratico di Leningrado - Viaggi tra musica, arte, cinema, letteratura, fotografia e cocktail, il nuovo libro di Francesco Maria Colombo è stato presentato al Ridotto Arturo Toscanini del Teatro alla Scala. Colombo è direttore d'orchestra, giornalista, fotografo, romanziere, esperto di cocktail e con infiniti altri interessi. Ha parlato della sua nuova opera letteraria, in questo speciale tardo pomeriggio promosso dagli Amici della Scala e dalla casa editrice Ponte alle Grazie, insieme al compositore Filippo del Corno e al musicologo Emilio Sala. La nota diffusa in rete dice questo "Questo libro racconta di arte e di artisti: è la risposta più semplice a chi si chiedesse cosa troverà in queste pagine. Più precisamente potremmo parlare, con la terminologia di Walter Benjamin, di una passeggiata tra costellazioni. Le stelle sono le arti, gli artisti e le loro creature; e a mostrarci le costellazioni che li uniscono, tra un segreto svelato e un gioco del caso, è l’autore: che ci guida a fare, con i nostri occhi e le nostre orecchie, le sue stesse scoperte. Billy Wilder e il Tristano, Rodenbach e Vertigo di Hitchcock, Karajan e Brigitte Bardot, Šostakovič e Truffaut, Nabokov e Brassens: che cosa li collega? Mentre osserviamo una nuova costellazione ci sembra di sentire quella musica, di leggere quelle pagine, di guardare quel film, di ricordare quella fotografia. Non di rado, la notte delle costellazioni si rovescia in un sottosuolo doloroso. Ma intanto sotto quel cielo abbiamo passeggiato, in buona compagnia".

14 aprile 2022 C.G.

ll pianista Seleem Ashkar per la Società dei Concerti

Il pianista israeliano Seleem Ashkar ha finalmente potuto riprendere i concerti milanesi dopo i continui rimandi degli scorsi anni per motivi legati alla pandemia. Ieri sera, in Conservatorio, nella riuscita serata organizzata dalla Società dei Concerti, ha impaginato un programma incentrato su Beethoven con due sue corpose sonate, ma con anche due brani romantici di Chopin e di Brahms: la Ballata n.3 op.47 del primo e le Due Rapsodie op.79 del secondo. Il Beethoven di Ashkar è certamente di ottima fattura: energico, estremamente equilibrato nella stesura dei movimenti, e completamente interiorizzato per una restituzione di alto profilo tecnico-espressivo. Sia la Sonata in do maggiore op.2 n.3, eseguita all'inizio della serata, che la celebre "Appassionata", in fa minore op.57, terminante il programma ufficiale, hanno trovato un interprete determinato nella fluente discorsività di lavori tra i suoi favoriti e nei quali eccelle. Bene anche i brani degli altri due compositori. Probabilmente meglio la risoluta espressività di Brahms con le architetture ben delineate delle due ampie Rapsodie, entrambe con deciso taglio esecutivo ricco d'intensità, rispetto uno Chopin che, se pur ben delineato nella sua esposizione, non ha trovato quel gusto tipico dei grandi interpreti storicizzati o viventi, soprattutto ma non solo polacchi. Ottimo il bis concesso con il celebre Träumerei di Robert Schumann, settimo brano dalle Kinderszenen Op.15. Applausi calorosi del pubblico presente in Sala Verdi ampiamente meritati.

14 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Danilo Rea e Ramin Bahrami al Teatro Parenti per FRO

Un concerto particolare quello di ieri sera al Teatro Parenti. Due noti musicisti, il pianista classico Ramin Bahrami e quello jazz Danilo Rea, hanno trovato un punto d'unione nel nome di J.S.Bach. Conosciamo il Bach di Bahrami, un ottimo interprete che ha fatto del grande genio tedesco una ragione di vita nella costante interpretazione delle sue immense opere. Danilo Rea è tra i più affermati jazzisti italiani con studi musicali classici e con indubbie capacità d'improvvisazione. È proprio sulla componente dell'improvvisazione che è nato "Bach is in the air", uno spettacolo dove i più celebri brani di Bach, a partire dalla celebre Aria dalle Variazioni Goldberg, sono eseguiti classicamente, come da spartito da Bahrami, e hanno trovano varianti con spunti jazzistici nelle mani di Rea. Il risultato , che potrebbe far rimanere basiti i puristi di Bach, trova invece una resa estetica interessante dal punto di vista della creatività musicale, con frangenti di particolare luminosità. L'impaginato dopo l'introduzione dell'Aria, prevedeva brani tra i più celebri del grande tedesco, come il Preludio iniziale dal Clavicembalo ben Temperato, l'Aria sulla quarta corda, la nota Siciliana e moltissimi altri. Le varianti melodiche e armoniche estemporanee di Rea, o l'inserimento improvviso di brevissimi spezzoni di melodie molto popolari - c'era anche Gershwin con Summertime- hanno spesso stravolto l'integrità bachiana per un Bach-Rea a volte di luminosa leggerezza, a volte di brutale integrazione, comunque interessante nella proposta complessiva. Il numeroso pubblico presente in teatro ha molto apprezzato l'originale proposta dei due pianisti in una serata ben organizzata introdotta e animata da Max Laudadio a favore di FRO - Federazione radioterapia oncologica- , da oltre trent'anni vicina ai pazienti oncologici (www.fro.care ). Sul palco anche il prof.lorenzo Livi, punto di riferimento per la Radioterapia Oncologica e altri ospiti che hanno sostenuto l'attività di FRO. Chi volesse sostenere FRO può fare un versamento su IBAN IT 29 O 0892270372000000413411 o per il 5x1000 al C.F. 94023880480

13 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Luisa Sello e Le Agane al Museo del Novecento

Continuano i pomeriggi musicali organizzati al Museo del Novecento milanese. In Sala Fontana alle ore 17.00, un interessantissimo concerto con un gruppo di sei flautiste, quelle di Luisa Sello e de Le Agane, hanno interpretato brani di nove musicisti. Ma non è un concerto di soli brani quello cui abbiamo assistito: è un lavoro di teatro e danza, dove la musica ha certamente un ruolo essenziale, ma trova una logica unitaria d'insieme con tutte le componenti artistiche presenti, a cominciare dal racconto sulle Agane. Sono personaggi mitologici particolarmente noti in Carnia, come spiriti dei corsi d'acqua, che a volte si trasformano in fate o in streghe. Sono state raccontate da Luisa Sello, nota flautista internazionale e ideatrice del riuscito spettacolo. Rendono ancor più accattivante la messinscena le coreografie, con passi di danza sostenute dalle sei flautiste e ideate da una di esse - Ilaria Prelaz-, e i costumi, cinque neri e uno blu- quello della Sello- , spesso integrati con vivaci foulard e con colorate maschere. Flauti, flauti in sol, ottavino, flauti basso, hanno suonato insieme o in alternanza, fermi o in movimento, unendo brani contemporanei, ricchi di effetti coloristici, ad altri più "classici" dal sapore antico. Si sono succeduti brani di Berthomieu, Baratello, Bichof, Clark, Corazza, Piazzolla, Selby, Zanettovich e uno della stessa Luisa Sello denominato Echi. Esecuzioni raffinate, da perte delle protagoniste, che hanno rivelato un alto livello tecnico interpretativo, sia individualmente che coralmente. La Sello, a conclusione del pomeriggio musicale, ha voluto presentare le più giovani compagne d'avventura, Le Agane nei nomi di Sara Brumat, Veronica Bortot, Ksenija Franeta, Tijana Krulj, Ilaria Prelaz. Due i bis concessi con uno struggente "Il signore delle cime" di Giuseppe De Marzi e il celebre Libertango di Astor Piazzolla, ben arrangiato per sei flauti. Fragorosi applausi al termine per uno spettacolo particolarmente originale e certamente di qualità.

13 aprile 2022 Cesare Guzzardella

PROSSIMAMENTE GRANDE SOIRÉE AL CIVICO: GUIDO RIMONDA DIRETTO DA PIER CARLO ORIZIO

Sabato 16 aprile 2022 al Teatro Civico di Vercelli , Via Monte di Pietà 15, ore 21 Guido Rimonda al violino e Pier Carlo Orizio alla direzione dell' Orchestra Camerata Ducale eseguiranno musiche di F. Schubert , L. van Beethoven, P. I. Čajkovskij e M. Bruch Certe volte vale la pena aspettare. Esempio ideale è l'appuntamento che il XXIV Viotti Festival, aveva in programma per lo scorso 26 marzo e che purtroppo è stato rinviato a sabato 16 aprile, sempre al Teatro Civico di Vercelli. Ne è valsa la pena, si è detto, perché protagonisti saranno Guido Rimonda, ovvero il solista residente e fondatore del Festival, un direttore d'orchestra d'eccezione come Pier Carlo Orizio e, naturalmente, l'Orchestra Camerata Ducale, “colonna” della rassegna concertistica vercellese. La serata sarà aperta e chiusa da Schubert: allo splendido ma poco eseguito terzo Entr'acte da Rosamunde “risponderà” idealmente la celebrata Incompiuta, vero manifesto della poetica schubertiana il cui finale mai scritto si dice confluì proprio in un altro brano di Rosamunde, in un intreccio il cui mistero forse non sarà mai chiarito. Tra queste due ammalianti pagine, il pubblico potrà scoprire il fascino di un'altra opera incompiuta, ossia il Concerto WoO 5 di Beethoven, ma anche lo struggente lirismo della Sérénade Mélancolique di Čajkovskij e la sospesa perfezione dell'Ave Maria di Bruch, della quale l'autore fu tanto soddisfatto da separarla dalla composizione di cui faceva parte – La croce di fuoco – e pubblicarla come pagina autonoma. All'ascolto, una scelta che si rivela quanto mai condivisibile. (Foto Orizio da Ufficio Stampa di Vercelli)

13 aprile  Dalla redazione

DA VIVALDI A MORRICONE AL VIOTTI FESTIVAL DI VERCELLI

Ieri sera, Sabato 9 aprile, il nuovo appuntamento al Teatro Civico di Vercelli con il Viotti Festival, organizzato dalla Camerata Ducale, prevedeva un recital cameristico, con un duo violoncello-pianoforte formato da due strumentisti francesi di ormai consolidata fama internazionale: il giovane violoncellista (26 anni) Edgar Moreau, vincitore, tra l’altro di un prestigioso premio Rostropovic e il pianista David Kadouch, che a soli tredici anni suonava già al Metropolitan di New York. Il programma impaginato per l’occasione si caratterizzava per la varietà stilistica, cronologica e di ‘genere’ delle composizioni proposte: da due sonate barocche, una di Vivaldi, la n. 5 in Mi minore delle 6 dell’op. 14 RV 40, e una di Benedetto Marcello, la n.1 op.2 in Fa maggiore, proseguendo con la Suite italienne n.1 di Stravinsky ( eseguita però come seconda composizione della serata) che il compositore russo-americano trasse nel 1932 dai brani più famosi del balletto Pulcinella, trascrivendoli per violoncello e pianoforte e per concludere con Paganini, di cui si è eseguita la famosa “Sonata a preghiera” vale a dire l’Introduzione e Variazioni sulla quarta corda in Fa minore sul tema ‘Dal tuo stellato soglio’ dal Mosé di Rossini, concepita originariamente per violino solo e orchestra da camera, ma che poi, dato il successo, ha avuto diverse trascrizioni, tra cui quella per violoncello e pianoforte ascoltata ieri sera. Tra Stravinsky e Paganini Moreau e Kadouch hanno inserito la versione per violoncello e pianoforte di brani di tre delle più celebri musiche da film composte da Ennio Morricone: quelle per i film “C’era una volta il West”, “Mission” e “Nuovo cinema Paradiso”. Ci pare evidente l’idea di musica che ispira un tale programma, un’idea che ha dominato per quasi due millenni la musica occidentale profana, cioè quella di una musica concepita come intrattenimento, nel senso più nobile del termine, sia come piacevole appagamento dell’udito, gradevole flusso di sensazioni sonore, grazie ad una forma elegante e di gradevole e raffinata melodiosità e armonia, sia come esibizione delle capacità virtuosistiche dell’esecutore. Un’idea di musica che, intendiamoci, non viene meno con la rivoluzione romantica che attribuisce alla musica un significato totalmente nuovo e di abissale profondità nella vita spirituale dell’uomo, anzi può affiorare ancora in pieno ‘900, ad es. in alcuni momenti del neoclassicismo stravinskiano del “Pulcinella”, che nasce proprio dall’incantata riscoperta di quel mondo sonoro di dolce eleganza della musica settecentesca italiana di Pergolesi (o presunto tale). Insomma, per citare le parole di Busoni, riportate nel programma di sala, “Non sentimento o metafisica, ma musica al cento per cento”. In tale quadro può rientrare più che legittimamente la musica da film, destinata ad accompagnare le immagini e il racconto del genere di spettacolo d’intrattenimento più tipico della modernità, il cinema. E i due interpreti hanno perfettamente dato voce a questa musica “al cento per cento”, entrambi, ciascuno col proprio strumento, distinguendosi per un suono di trasparente e soave leggerezza, per una limpida dolcezza della cavata melodica, per un suono, insomma tipicamente ‘francese’, nella sua luminosa chiarezza. Il ruolo di primo piano della serata è naturalmente toccato a Moreau. Moreau è un violoncellista di notevole spessore interpretativo, capace di dare voce a mondi sonori molto diversi tra loro: molto bella l’interpretazione delle sonate ‘da chiesa’ (cioè con lo schema di successione dei tempi Lento, Allegro, Lento, Allegro) di Vivaldi e Marcello, in cui la morbida e delicata cavata del giovane Maestro francese ha saputo dare pienamente voce, specie nei due tempi lenti, a quel carattere ‘amorevole e lamentevole’, che secondo il compositore secentesco Charpentier sarebbe proprio della tonalità di mi minore (Vivaldi), ma vale anche per la composizione di Marcello: un patetismo tenuto sempre nei limiti di una impeccabile eleganza formale, con un archetto che stacca le note, sia nei legati, sia nei balzati, con ottimo controllo delle dinamiche e un’arcata melodica di rara fluidità. La duttilità interpretativa di Moreau appare poi evidente nella Suite di Stravinsky, dove quell’ ispirazione un po’ grottesca e spiritosa, da opera buffa, che circola nella Serenata e nel Finale, trova la sua adeguata espressione nei pizzicati e nei passaggi rapidi sui registri bassi, gestiti con notevole abilità, e controllo efficace dei vari passaggi agogici nel dialogo con il pianoforte. Infine, con la “Sonata a preghiera” paganiniana, è emerso in tutta la sua bravura il Moreau virtuoso, già nella terza proposta del tema con un ampio ricorso agli armonici e soprattutto nelle tre variazioni e nel finale, con una diteggiatura acrobatica su tempi rapidissimi, salti vertiginosi di ottava e sovracuti che s’innalzavano ai limiti del silenzio. Pur svolgendo inevitabilmente un ruolo non protagonistico, il Kadouch che abbiamo ascoltato ieri sera ci ha fatto venir voglia di ascoltarlo da solista: stacca un suono che unisce perentoria energia e dolce fluidità, dando alle note, di volta in volta, una delicata velatura di trasognata malinconia (Vivaldi e Marcello, il tema della Suite stravinkyana) o la nettezza allegra del ritmo puntato di una marcia (il Tempo di marcia, appunto, delle Variazioni rossiniane di Paganini).E’ stato un ‘partner’ ideale per Moreau, con cui ha mostrato perfetta intesa. Un breve discorso a parte va riservato alla presentazione dei brani di Morricone: niente da ridire sul fatto che la musica da film entri nelle sale da concerto della c.d. ‘musica classica’,; del resto avviene ovunque e sempre più spesso. Semmai ci sarebbe da domandarsi perché, per quanto ne sappiamo per esperienza personale, la musica da film sia solo quella di Morricone e tutt’al più di Rota, quando il ‘900 ci ha regalato tanta altra splendida musica da film, da Prokofiev a Korngold a Jolivet, tanto per citare i primi nomi di una folta schiera che ci vengono in mente. Ma il problema, per quanto riguarda il recital di ieri sera, non è certo questo, ma il modo in cui è stata presentata la musica di Morricone, ovvero in una trascrizione (ignoriamo se dei due interpreti o di chi altro) per violoncello e pianoforte. La musica da film, nella grande maggioranza dei casi e in particolare nel caso di Morricone, è concepita per orchestra, vive di effetti orchestrali, il suo respiro è orchestrale. La suggestione che emana dalla colonna sonora di “C’era una volta il West” nasce dalle sempre efficaci e splendidamente variopinte scelte timbriche di quel grande allievo di Petrassi che fu Morricone. Tutto questo mondo sonoro va fatalmente perdendosi completamente in una trascrizione per violoncello e pianoforte, fino a rendere quasi noiosa una musica così coinvolgente quando è eseguita nella sua veste originale. A parte questo rilievo, è stato un bel concerto, applaudito a lungo da un pubblico accorso numeroso come sempre. Per dovere di cronaca, va detto che Moreau e Kadouch hanno regalato al pubblico due bis, che hanno presentato in inglese, ma di cui non abbiamo capito, né riconosciuto gli autori. Ce ne scusiamo con gli eventuali lettori.

10 aprile 2022 Bruno Busca

La Sinfonica Verdi diretta da Maxime Pascal per Colasanti, Weill e Bartòk

Tre compositori tra '900 e contemporaneo sono stati proposti dall'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi", per l'occasione diretta da Maxime Pascal. Tre brani che hanno in comune la lontananza dal mondo romantico e la modernità del nuovo linguaggio musicale iniziata nel primo decennio del 1900. Il brano di K.Weill, il Concerto per violino e orchestra a fiati Op.12 è del 1924, quello di B.Bartok, Musica per strumenti a corde, a percussioni e celesta del 1936 e quello contemporaneo di Silvia Colasanti, Cede pietati, dolor - Le anime di Medea per orchestra del 2007. Il primo eseguito in Auditorium ieri sera, è stato quello della compositrice romana. Un lavoro particolarmente espressivo con un impatto orchestrale ben marcato sin dalle prime battutte, e una situazione di suggestiva resa emotiva per le nette e risolute timbriche, spesso taglienti e ricche di contrasti. In linguaggio tonale, costruito su linee melodiche di pochissime note, il brano ispirato dai versi di Medea di Seneca, ha ancora una volta messo in rilievo le abilità costruttive della Colasanti, una tra le più affermate ed eseguite compositrici italiane e internazionali viventi. Il successivo brano del sassone Kurt Weill, ha trovato come protagonista la violinista moldava Patricia Kopatchinskaja, un'interprete nota internazionalmente per le sue qualità virtuosistiche, soprattutto nel repertorio novecentesco e contemporaneo, e per la sua eccentricità che la vede affermarsi anche gestualmente in modo intelligente, sottolineando anche mimicamente peculiarità timbriche dei brani eseguiti. Il concerto di Weill, di rara esecuzione, è particolarmente interessante per l'approccio coloristico dell'orchestra a fiati, il suo utilizzo cameristico con fondamentali interventi solistici che si sommano o si alternano al protagonista violino solista dell'eccellente Kopatchinskaja. I tre ampi movimenti del corposo lavoro, hanno lo stile tipico tra espressionismo e Gebrauchsmusik ("musica d'uso") che ha caratterizzato in parte la musica tedesca di quegli anni con compositori come appunto Weill e ancor più Paul Hindemith. L'influenza del cabaret di Bertolt Brecth si riscontra in lontananza anche in questo lavoro di Weill con i pregnanti timbri dei fiati e gli interventi del violino aiutati dalla sorprendente gestualità della solista. Ottima, come nel precedente brano, la direzione del giovane direttore francese Maxim Pascal, esperto nel repertorio contemporaneo e del Novecento. Divertente il bis concesso dalla Kopatchinskaja: un suo brano per violino e clarinetto dove ha coinvolto, nel gioco di relazioni timbriche, il bravissimo Fausto Ghiazza, primo clarinetto della Sinfonica Verdi. L'ultimo lavoro di Bartoķ, il brano più celebre, ha visto ancora un'eccellente direzione e una ottima resa espressiva in tutte le sezioni dell'Orchestra Verdi. Applausi del pubblico intervenuto e replica da non perdere per domenica alle ore 16.00.

9 aprile 2022 Cesare Guzzardella

La violoncellista Julia Hagen ai Pomeriggi Musicali

Il concerto de I Pomeriggi Musicali diretti da James Feddeck prevedeva tre lavori, il primo di un compositore vivente, Andrea Melis, classe 1979, era una prima esecuzione assoluta. Composto per l'Orchestra de I Pomeriggi Musicali, Visio Maragdina - Quasi una Passacaglia è un lavoro di circa dieci minuti di durata, dal carattere riflessivo, sostenuto da note lunghe che trovano inizialmente la sezione degli archi più gravi ad enunciare una pacata melodia poi appoggiata, ripetuta e ampliata delle altre sezioni dell'orchestra. Una musica d'atmosfera, in ambito tonale con una coralità che penetra con facile assimilazione al primo ascolto. Il brano, ben costruito, è stato apprezzato dal pubblico che ha tributato applausi anche al compositore salito sul palcoscenico. Il secondo brano era probabilmente il più atteso per la presenza di una giovane solista al violoncello. Julia Hagen, è un'emergente cellista ventisettenne nata a Salisburgo. Si è impegnata nel bellissimo Concerto per violoncello e orchestra n.1 in do maggiore di F.J.Haydn, un lavoro classico di straordinaria qualità sia nei movimenti laterali, il Moderato e l'Allegro molto finale, sia nella riuscita e pregnante melodia dell'Adagio centrale. La Hagen ha espresso con rigore tecnico, ma soprattutto con elegante espressività, le melodie haydniane dimostrando un ottimo tocco e una profonda discorsività nell'esprimere i fraseggi col suo voluminoso strumento. Splendida l'esecuzione. Dopo l'intervallo, valida l'interpretazione della celebre Sinfonia n.3 op.55 "Eroica" di L v.Beethoven, diretta con piglio energico da Feddeck per una resa ancor più di valore nell'Allegro molto. Finale. Fragorosi applausi al termine. Sabato alle 17.00 si replica. Da non perdere.

8 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Il Concerto De' Cavalieri e Vivica Genaux in Conservatorio

Un' eccellente serata musicale quella ascoltata ieri sera in Conservatorio ed organizzata dalla Fondazione La Società dei Concerti. Il gruppo orchestrale "Concerto De' Cavalieri", diretto da Marcello Di Lisa, è tra le formazioni barocche più apprezzate in Italia e internazionalmente. L'ottimo impaginato prevedeva brani di Corelli, Händel, Vivaldi, Hasse, Porpora e Brioschi/Hasse. Alcuni con l'ausilio dello splendido mezzo-soprano Vivica Genaux. Il Concerto grosso op.6 n.4 di Arcangelo Corelli, due Concerti di Vivaldi, tra cui quello per Due violini e archi op.3 n.5 insieme all'Ouverture da Rinaldo di Händel hanno ben individuato l'alta cifra espressiva della formazione cameristica giocata su una raffinata capacità coloristica prodotta da tutti i bravissimi strumentisti. In alternanza con i concerti, le Arie cantate dalla Genaux sono state Cara sposa dal Rinando di Händel, Son qual misera colomba dal Cleofide di J.A. Hasse, Alto Giove dal Polifemo di N.Porpora, Lascia che io pianga ancora dal Rinaldo e Son qual nave da Artaserse di Brioschi/Hasse. Tutte hanno fatto emergere la deliziosa vocalità della statunitense Vivica Genaux. Una voce dove la perfezione tecnica e l'agilità sono unite ad un bellezza evidente del suo timbro e ad una discorsività appassionante. Applausi fragorosi al termine del programma ufficiale e un bis altrettanto valido con ancora Antonio Vivaldi e la sua splendida aria Agitata da due venti dall'opera Griselda.

7 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Pierre-Laurent Aimard per un Bach esemplare

Uno dei più importanti interpreti di musica del '900 e contemporanea, ha portato in Conservatorio, in una serata organizzata dalla Società del Quartetto, la musica di Johann Sebastian Bach. L'impaginato prevedeva l'esecuzione completa del Libro Secondo BWV 870-893 del Clavicembalo ben temperato, monumento musicale del genio tedesco, che oltre ad avere uno scopo didattico, essendo universalmente eseguito dagli studenti di Conservatorio, rappresenta una delle più alte opere di Bach. I ventiquattro Preludi con le relative Fughe - oltre due ore la durata complessiva d'esecuzione - sono stati equamente distribuiti in due parti, separate dal breve intervallo. Pierre-Laurent Aimard, francese, classe 1957, non ha bisogno certo di presentazioni, essendo tra i massimi specialisti al mondo di Stockhausen, Ligeti, Benjamin, Boulez, e di molti altri grandi nomi riferibili al Secondo Novecento e prima di loro anche di Messiaen. Il fatto che oggi porti nelle sale da concerto la musica di Bach dimostra la molteplicità degli interessi di un pianista che da giovanissimo, a meno di vent'anni, divenne il solista della parigina Ensemble Intercontemporain. Come interprete bachiano ci ha stupito. Con una mirabile tenuta tecnico- espressiva ha elargito un'interpretazione di altissimo livello in tutti i ventiquattro brani, considerando il Preludio e la Fuga come elemento unitario. Stupisce la capacità di Aimard di modulare il linguaggio stilistico e l'espressività in ciascuno dei ventiquattro numeri, creando una varietà incredibile di possibilità d'approccio e rendendo sempre nuovo l'evento sonoro. Splendidi i Preludi, alcuni più celebri di altri, e ancor più mirabili le Fughe, interpretate con una chiarezza espositiva esemplare nel fare emergere le singole voci, i contrappunti e la complessa logica costruttiva del sommo Bach. Dai momenti di sobria riflessione di alcuni preludi alle repentine e leggere discorsività di altri, tutti ci sono apparsi di pregio, e le fughe, ricche di chiarezza e di accenti nell'esposizione del tema, hanno trovato un intreccio nelle ripetizioni tematiche con escursioni dinamiche esemplari. Un esempio di grande Bach quello di ieri sera, che grazie alle mani fatate di Aimard e alla sua intensità riflessiva ed espressiva, ha fatto trascorre le oltre due ore di musica rapidissimamente. Un concerto memorabile, per un interprete applaiditissimo dal pubblico presente in Sala Verdi. Splendido il bis concesso con un brano esemplare di Ligeti, Autunno a Varsavia - il n.6 dal primo volume di Studi- in perfetta concordanza con il Bach ascoltato per i livello delle strutture costruttive e polifoniche, anche se dal carattere tragico. Dedicato da Aimard alle vittime della tragica guerra in Ucraina, come da lui detto poteva essere titolato Autunno a Kiev o a Maripoul. Splendida serata.

5 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli

TRA I SECOLI A PASSO DI DANZA: MOREAU E KADOUCH AL TEATRO CIVICO. Se è vero che il tempo ben speso passa in un attimo, il concerto di sabato 9 aprile al Teatro Civico di Vercelli (ore 21, concerto in abbonamento), capace com'è di volare leggero su tre secoli di musica, apparirà breve come un respiro. Eppure si tratta di uno degli appuntamenti più importanti del XXIV Viotti Festival, in quanto dà il benvenuto a Vercelli a due interpreti acclamati in tutto il mondo: il violoncellista Edgar Moreau e il pianista David Kadouch. Fortemente voluti dalla Camerata Ducale, organizzatrice del Festival, Moreau e Kadouch sono arrivati giovanissimi alla ribalta internazionale e da anni sono una presenza fissa sui più prestigiosi palcoscenici del mondo, forti di una musicalità e di un'espressività che lasciano ammirati sia il pubblico sia la critica. Quando si esibiscono insieme, come nella serata vercellese, formano un duo che spicca per la profondità dell'interpretazione e allo stesso tempo, in uno dei “miracoli” riservati solo ai grandi musicisti, per la sublime leggerezza con cui affrontano il loro repertorio. E il concerto del Civico è un perfetto esempio delle loro magistrali capacità: passa infatti con disinvoltura dal fascinoso Settecento di Vivaldi e Marcello all'Ottocento di Paganini per arrivare alla meravigliosa Suite Italienne di Stravinskij e a un florilegio di celebri pagine di Ennio Morricone, del tutto a suo agio – cosa che avrebbe sicuramente apprezzato – nel confronto con i “monumenti” della musica classica.

dalla redazione 5 aprile 2022

Giovanni Bertolazzi alle Serate Musicali

È un giovane promettente del concertismo internazionale Giovanni Bertolazzi. Veronese, classe 1998, ha vinto numerosi concorsi internazionali e ultimamente, nel 2021, un 2° Premio al prestigioso Concorso pianistico internazionale "F.Liszt" di Budapest. La sua passione per il musicista ungherese ha trovato esplicazione nel bel concerto di ieri sera, organizzato in Conservatorio da Serate Musicali. Un impaginato interamente dedicato a Liszt, con brani tra i più ardui per spessore virtuosistico. Tutti noti i cinque brani in programma e alcuni di essi celeberrimi, come Après une lecture du Dante.Fantasia quasi Sonata, eseguito ad introduzione e la Sonata in si minore eseguito al termine del programma ufficiale. Non si discute l'alto livello tecnico di Bertolazzi. Quanto alla qualità interpretativa, complessivamente di rilievo, abbiamo trovato il pianista in crescendo nel corso delle esecuzioni. La "Sonata Dante" ha visto un interprete solido e determinato, a volte eccessivo nelle volumetrie e nell'uso del pedale di risonanza. Di maggior pregio il brano conclusivo. La Sonata in si minore ha trovato un pianista raffinato, ricco nella tavola dei colori ed equilibrato nelle esternazioni dinamiche. Un'interpretazione certamente di alta qualità. Validi i tre brani intermedi, dai 12 Studi di esecuzione trascendentale il n.11 Harmonies du soir e il n.13 Chasse- neige. Quindi, ancor più valida, la Rapsodia ungherese n.12 in do diesis minore, di rara chiarezza espressiva. Tre i bis concessi da Bertolazzi, tutti di ottima resa: dal virtuosistico e melodico Vecsey-Cziffra col Valse triste, al celebre cavallo di battaglia di Arthur Rubinstein, la Ritual fire danse di Manuel De Falla, e dopo tanto virtuosismo, la tranquillità di Bach con l'Aria sulla quarta corda nella celebre trascrizione pianistica di Siloti. Ottimo concerto e convinti applausi del pubblico intervenuto in Sala Verdi.

5 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Riccardo Chailly e l'Orchestra e il Coro della Scala per la Sinfonia n.2 "Resurrezione" di Mahler

Una delle più monumentali opere di Gustav Mahler, la Sinfonia n.2 in Do minore "Resurrezione", ha trovato sul podio scaligero ieri sera, alla seconda e ultima replica, Riccardo Chailly. Monumentale non è soltanto il lavoro in cinque movimenti, ma anche la compagine orchestrale comprensiva di ampio Coro e di due voci femminili soliste. La sinfonia ebbe una lunga gestazione iniziata nel 1887 ed arrivò a conclusione nel 1894, con una prima esecuzione a Berlino nel 1896. Chailly è un esperto di Mahler. La conoscenza del grande sinfonista maturata nel corso degli anni con orchestre italiane ed europee, come ad esempio la Gewandhausorchester Leipzig, hanno portato la sua cifra direttoriale nelle articolate sinfonie, ad una raffinata resa espressiva, giocata sulla cura di ogni dettaglio, sulla chiarezza delle timbriche e sui giusti equilibri negli impasti sonori. La risposta al suo coinvolgente gesto, da parte dell'Orchestra della Scala , del grandioso Coro curato in modo eccellente da Alberto Melazzi e delle due ottime voci soliste, ovvero il soprano Erin Morley e il contralto Anna Larsson, è stata straordinaria. Una qualità interpretativa dove la trasparenza di ogni frangente musicale è emersa con afficace resa espressiva, sia nei momenti maggiormente cameristici che in quelli di grande estroversione orchestrale e corale, partendo dall' iniziale Allegro maestoso. Mit durchaus ernstem und feierlichem Ausdruck, sino al monumentale Im Tempo des Scherzo. Wild herausfahrend, rappresentazione della resurrezione ad una vita ultraterrena. Di qualità sia la voce della Larsson che quella della Morley. Applausi fragorosi e numerose uscite dei protagonisti in un teatro ancora colmo di pubblico. ( Foto di Brescia e Amisano a cura dell'archivio della Scala)

4 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Maria Gabriella Mariani alla rassegna milanese Lieti calici agli "Amici del loggione del Teatro alla Scala"

Un simpatico e riuscito incontro musicale e... anche di ottimo aperitivo.., quello tenuto questa mattina agli Amici del Loggione della Scala, nella milanese via Silvio Pellico. Mario Marcarini, organizzatore, discografico e musicologo, ha portato davanti al pianoforte della capiente sala degli Amici, la pianista e compositrice napoletana Maria Gabriella Mariani. L'artista da alcuni anni vive a Campobasso, ed è anche autrice di validi romanzi. Nella breve intervista concessami, ha raccontato la sua storia musicale iniziata in tenera età con studi serissimi di Conservatorio, e perfezionamenti con il grande Aldo Ciccolini, dopo aver conosciuto anche Vincenzo Vitale, grande didatta della scuola napoletana. Come interprete ha realizzato numerosi Cd aventi come base la scuola francese di Debussy e Ravel, ma anche con molto Schumann. La passione compositiva è avvenuta dopo, nel 2008, per motivi accasionali, e da allora l'inserimento di suoi lavori nei concerti, come nei recenti dischi, è avvenuto puntualmente. Nel valido concerto di circa un'ora, davanti un numeroso pubblico, abbiamo ascoltato alcuni suoi brani. Sono caratterizzati da una parte iniziale scritta in modo rigoroso sul pentagramna, e da una finale dove la Mariani ha dato sfoggio delle sue abiltà d'improvvisazione. La sua interessante ed immediata cifra stilistica, in ambito tonale, trova riferimenti nel mondo da lei più amato, quello francese di fine ottocento e dei primi decenni del '900 (Debussy, Ravel e Poulenc), ma anche nel repertorio italiano, soprattutto dell'Italia centrale e del sud. Infatti Il suo accentuato "lirismo" è una caratteristica privilegiata, e la sua capacità improvvisatoria nasce anche dalla sua ricca esperianza in ambito interpretativo concertistico. Sin dal suo primo brano, Ologramma: Tema Variazioni, Finale e Improvvisazione, l'approccio stilistico, dal taglio tradizionale ma comunque caratterizzante di un linguaggio personale, è risultato evidente. Le semplice melodia iniziale, dal sapore antico, ha subito nel corso dell'esecuzione, variazioni e complessità armoniche, sino a trasformarsi in una sorta di finale senza fine, improvvisato con valida abilità discorsiva. Anche nel più breve secondo lavoro presentato, ha mostrato il suo stile narrativo, legato ai personaggi che spesso emergono nei suoi romanzi. Di grande impatto estetico il brano finale, concesso come bis, titolato Nenè Waltz, che inizia con un guizzo improvviso virtuosistico e termina brevemente sempre nel suo stile improvvisatorio. Una bella mattinata di musiche con un lieto calice di vino, un meraviglioso Dolcetto.

3 aprile 2022 Cesare Guzzardella

A VERCELLI SERATA CAMERISTICA CON I GIOVANI DELLA CAMERATA DUCALE JUNIOR

A conferma, se mai ce ne fosse bisogno, del ruolo sempre più importante che con gli anni si è venuta conquistando la Camerata Ducale nel panorama delle orchestre italiane, è l’intelligente ed efficace attenzione che essa dedica da anni ai giovani musicisti, avviandoli e formandoli all’attività concertistica, sia in ambito sinfonico che cameristico. Con un lavoro attento di selezione e valorizzazione dei più promettenti diplomati di vari Conservatori italiani, sostenuto anche da istituzioni come la romana Accademia Avos Project, la Camerata Ducale ha ‘figliato’ in questi ultimi anni una Camerata Ducale Junior, costituita di giovani strumentisti, di età non superiore ai 25 anni, protagonista di una stagione musicale sua propria, che si svolge, con grande successo, parallelamente al Viotti Festival della Camerata Ducale ‘senior’. In occasione del recital cameristico di ieri sera, sabato 2 aprile, nella splendida cornice del Salone Dugentesco recentemente restaurato, a rappresentare i giovani della Camerata ducale junior erano Giulia Rimonda (violino), Marco Introna (viola) ed Ettore Pagano (violoncello). Ad accompagnarli nell’esecuzione dei brani in programma erano altri due strumentisti, che hanno già raggiunto la fama nelle sale da concerto e in questa occasione hanno assolto il compito di Maestri preparatori dei tre giovani della CDJ, guidandoli all’esecuzione e poi esibendosi con loro: si tratta del violinista Andrea Obiso, in verità di poco più anziano dei suoi tre giovani allievi/colleghi, ma già primo violino dell’Orchestra dell’Accademia di S. Cecilia, e del pianista Massimo Spada, cofondatore, tra l’altro, di Avos Project. Il programma della serata prevedeva due composizioni celeberrime della letteratura cameristica classico-romantica ottocentesca: il “Trio degli spiriti” (GeisterTrio), titolo con cui è universalmente conosciuto il Trio per archi e pianoforte in Re maggiore op.70 n.1 di L. van Beethoven e il Quintetto in Fa minore per pianoforte e archi di Cesar Franck. Dunque, come primo pezzo in programma è stato presentato il Trio degli spiriti, così chiamato a causa del suo movimento centrale, il cui motivo, stando ad alcuni suoi appunti, Beethoven intendeva utilizzare per la scena dell’apparizione delle streghe in un “Macbeth”, che poi non compose. Il Trio op.70 n.1 è tra le opere a nostro avviso più enigmatiche e perciò più affascinanti di Beethoven: essa vive nel cuore e nella memoria dell’ascoltatore per il radicale contrasto tra i due movimenti esterni, vere esplosioni di energia vitale, energia cosmica fattasi suono, e un tempo centrale tra i più desolatamente nichilistici che la musica conosca, dal timbro livido e tenebroso: come uno sguardo sugli abissi del nulla, che irrompe come una vertigine di totale smarrimento nell’abbandono all’ebbrezza dionisiaca della vita. Non conosciamo riferimenti a questo Trio nell’opera di Nietzsche, ma esso ci pare una delle composizioni più nietzschiane mai concepite. A eseguire questo capolavoro erano ieri sera Giulia Rimonda al violino, Ettore Pagano al violoncello e Massimo Spada al pianoforte. E, diciamolo subito, è stata un’esecuzione di altissimo valore. In generale, possiamo dire che i tre strumentisti hanno saputo valorizzare pienamente le caratteristiche di questo splendido monumento musicale, con un suono ‘spigoloso’ e potente, diremmo ‘demonico’ nei due tempi estremi, realizzato in un dialogo sempre efficace tra gli archi e il pianoforte, frutto di sapienza tecnica ed intesa perfetta. Decisamente bella e coinvolgente l’esecuzione del Largo centrale, nella quale il perfetto lavoro sui contrasti dinamici incessanti nel passaggio continuo tra violino e violoncello del motivo-chiave di sette note, col sostegno degli spogli accordi ribattuti del pianoforte, avvolgeva il movimento in quell’ombra inquietante che è la sua ‘tinta’ sonora più appropriata. Più in dettaglio sono da segnalare alcuni momenti di particolare qualità esecutiva. Fin dal perentorio attacco dell’iniziale ‘Allegro vivace’, colla fulminante testa del tema principale, seguito da una sezione di più distesa cantabilità, l’ascoltatore è stato colpito dal suono perfettamente calibrato del violino di Giulia Rimonda, capace di sprigionare la più intensa energia, come di effondersi in una linea melodica dal legato morbido e suadente, con un suono di intensità e potente proiezione, oltre che di perfetto dominio tecnico, che ha dato la sua impronta decisiva all’interpretazione del movimento, in un dialogo incessante con gli altri due strumenti. Una bravura e una maturità, quelle di Giulia Rimonda, che escono pienamente confermate dall’ardua prova del tempo centrale, dove il suono delle sue quattro corde ha vibrato, con finezza, di quella malinconica desolazione che è la cifra espressiva del pezzo, chiaroscurandola con lo svariare delle dinamiche dal “sotto voce” d’esordio ai “fortissimo” e agli “sforzando” successivi. Una valutazione molto alta è dovuta anche al violoncello di Pagano, eccellente sempre nel dialogo col violino e molto accurato nei dettagli nei momenti in cui ha goduto di una maggiore autonomia, come nella sezione dello sviluppo del terzo tempo, poco prima della ripresa, ove al violoncello l’autore affida una raffinata e tenera melodia, che col suo brunito timbro crepuscolare, sembra anticipare Brahms. Perfetto sostegno ai due archi è stato il pianoforte di Spada, essenziale, nel tempo centrale, per creare, con accordi ribattuti e tremoli, quel clima ‘spettrale’ che lo caratterizza, così come, nello sviluppo del primo movimento, ha pennellato una sapiente sfumatura di color ‘sulfureo’ accompagnando con un che di tortuoso e oscuro l’iniziale elaborazione. del primo tema. Seguiva un altro capolavoro cameristico, ma di ben altra concezione e stile musicale, il Quintetto di Franck. A eseguirlo Giulia Rimonda primo violino, Andrea Obiso secondo violino, Matteo Introna viola, Ettore Pagano violoncello e Massimo Spada al pianoforte. Il quintetto di Franck, con la sua tendenza al monumentale (più di quaranta minuti per tre tempi), l’insistente ritorno ciclico di temi e cellule motiviche, il denso cromatismo di molti passaggi, crea, sotto l’influenza della linea Liszt-Wagner che si andava imponendo negli anni ’70-’80 del XIX sec. su tanta musica europea, una sorta di onda musicale montante, che trascina con sé l’ascoltatore con moto irresistibile, L’ampio ricorso al cromatismo crea delle zone di particolare intensità e suggestione ‘sentimentale’ che hanno spesso autorizzato, insieme con l’indicazione ‘con molto sentimento’ riferita dall’autore stesso al Lento centrale, interpretazioni improntate, appunto, ad un sentimentalismo talora sopra le righe. Non è stato, per fortuna, il caso dell’interpretazione ascoltata ieri sera a Vercelli. I giovani interpreti hanno semmai portato in primo piano, ancora una volta con potente energia di suono, un altro aspetto che pure è presente in questo capolavoro del tardo romanticismo, cioè il contrasto, che talora si fa drammatico, tra il ‘blocco’ degli archi, guidato con autorevolezza e sapienza da Giulia Rimonda e il pianoforte; un contrasto evidente fin da subito, quando il primo violino apre, con un fortissimo “drammatico”, come scritto in partitura, , cui risponde, in antitesi, un “espressivo piano” del pianoforte, suonato da Spada conferendo al ‘suo’ motivo un’aura di trasognata sospensione, stile ‘Pelleas et Melisande’, sfruttando al meglio l’ambiguità tonale del dominante cromatismo. Impossibile passare in rassegna i dettagli di un’opera così densa: non possiamo che ribadire gli elogi per un gruppo di giovani musicisti che ha sfoggiato ad alto livello qualità interpretative già mature, non solo, s’intende, nel dominio tecnico dei propri strumenti, ma nel controllo delle dinamiche, nella giusta calibratura agogica, nella capacità di penetrare le sfumature più sottili e segrete di una partitura densa e complessa, di creare, nel dialogo strumentale, una timbrica, sfumata e di raffinata eleganza, perfettamente adeguata alle sfumature armoniche della composizione. Insomma, la CDJ., per quanto si è visto ieri sera, è già ben più che una promessa, grazie alle qualità dei suoi giovani rappresentanti e, naturalmente, alla bravura dei loro Maestri. Alla fine del concerto, nell’ampio Salone Dugentesco, tutto esaurito, nonostante la ‘concorrenza’ del concerto di Claudio Baglioni, che si svolgeva ieri sera al Teatro Civico della città, sono risuonati a lungo scroscianti e meritatissimi applausi, seguiti da un bis, la ripetizione di un brano tratto dal quintetto di Franck. Serata che ricorderemo a lungo.(Foto dall'ufficio stampa di Vercelli)

3 aprile 2022 Bruno Busca

Honegger con Mozart e Beethoven diretti da Thomas Guggeis

Un programma sostanzioso per il concerto dedicato a Franca Canuti Cervetti, si è svolto ieri sera con replica di domenica. Impaginato ricco, con brani di Honegger, Mozart e Beethoven. Il movimento sinfonico Pacif 231 del compositore francese, di origine svizzera, Arthur Honegger (1892-1955) ha anticipato Mozart. L'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi" diretta da Thomas Guggeis ha interpretato molto bene questo breve lavoro di circa sei minuti che, composto nel 1923, riassume in modo efficace la modernità di una composizione ispirata dal mondo industriale e proiettata nel futuro. Il brano, decisamente Futurista, considerato il periodo di produzione, è un esempio felice, dal punto di vista timbrico e coloristico, di un genere innovativo se pur in ambito tonale. A seguire il Concerto per due pianoforti in mi bem maggiore K365 (1779) di Mozart ha trovato come solisti della testiera Lucas & Arthur Jussen. Due fratelli affermatissimi nel panorama internazionale, dotati di un talento straordinario, che hanno affrontato in modo efficace il bellissimo concerto mozartiano. L'eccellente intesa tra i due giovani interpreti, coadiuvati dalla Sinfonica Verdi, ha portato ad una valida interpretazione giocata sulla chiara esposizione e sulla resa espressiva delle melodie presenti nei classici tre movimenti.. L'alternanza simmetrica delle parti pianistiche, e la bellezza melodica è stata sostenuta sino al notissimo Rondò.Allegro del finale, apprezzato dal numerosissimo pubblico presente in Auditorium che al termine ha tributato fragorosi applausi. I fratelli, visibilmente soddisfatti, hanno concesso un virtuosistico bis per due pianoforti con una splendida rielaborazione di Igor Roma del celebre Valzer di Johann Strauss da "Il pipistrello", in chiave ritmica "sud-americana". Bravissimi! Nella seconda parte del concerto l'attesissima Sinfonia "Eroica" di L.v.Beethoven è stata preceduta dalla lettura dell'ode manzoniana Il cinque maggio, per i duecento anni dalla morte di Napoleone. Una lettura resa con chiarezza espositiva da Massimiliano Finazzer Flory. Ottima l'interpretazione di Thomas Guggeis della Sinfonia n.3 op.55 del genio di Bonn, restituita con dovizia di particolari ed espressività dalla Sinfonica Verdi, per un eccellente equilibrio dinamico complessivo. Ancora applausi meritatissimi. Da non perdere la replica di domenica pomeriggio alle ore 16.00

2 aprile 2022 Cesare Guzzardella

Meritato successo per il Don Giovanni di Robert Carsen alla Scala

È tornato il Don Giovanni mozartiano per la regia di Robert Carsen. Sono passati oltre dieci anni dalla medesima messinscena, allora diretta da Daniel Barenboim. Nella rappresentazione vista ieri sera, la terza, il Teatro alla Scala al completo e gli applausi tributati al termine, testimoniano ancora una volta la riuscita complessiva di un'opera che trova nell'insieme degli interventi artistico-musicali la sua rilevante riuscita. A partire dalla direzione dello spagnolo Pablo Heras-Casado per una visione equilibrata della partitura, molto rispettosa delle voci e qualitativamente di rilievo interpretativo. Le scene minimali di Michael Levine e i validi costumi di Brigitte Reiffenstuel erano perfettamente funzionali all'ottima regia di Carsen- autore anche delle luci insieme a Peter Van Praet. Una regia studiata per dar corpo attoriale sostenuto alle voci. I protagonisti in palcoscenico, molto in movimento e spesso in unione con le comparse e l'ottimo coro preparato da Alberto Malazzi, hanno riempito le scene spesso spoglie con lo sfondo di grandi quinte che rappresentavano il teatro. Valido il gioco di specchi subentrato in alcune scene nei due lunghi due atti. Di ottima qualità il cast vocale, completamente diverso rispetto all'edizione del 2011 e alla ripresa del 2017. Hanno reso per timbrica e voluminosità tutti i cantanti, ad iniziare da Christopher Maltman, un Don Giovanni con voce perfettamente impostata ed efficace presenza scenica. Stessa validità per Alex Esposito, voce incisiva e presenza scenica brillante quella del suo Leporello, il più applaudito. Sul versante femminile decisamente di qualità Hanna-Elisabeth Muller, una Donna Anna di grande presenza con voce ricca di colori e impositiva nel porgerla. Ottima attrice. Di qualità Emyli D'Angelo, una Donna Elvirà elegante con timbro adeguato al ruolo efficace attorialmente. Valida Andrea Carrol, una piacevole Zerlina, con valida emissione ed intonazione e ben presente in scena. Ancora sul versante maschile, di eccellente fattura la timbrica di Bernard Richter, un Don Ottavio perfetto nel porsi. Bravo Fabio Capitanucci in Masetto e rilevante vocalmente Günther Groissböck un Comendatore impositivo in scena e anche dal palco centrale illuminato insieme a tutto il Teatro. Numerosi i riusciti fuori scena con movimenti anche tra il pubblico presente. Applausi fragorosi a tutti i protagonisti. Prossime repliche per il 2, 5, 10 e 12 aprile. Da non perdere! ( Foto di Brescia - Amisano dall'Archivio del Teatro alla Scala)

1 aprile 2022 Cesare Guzzardella

PROSSIMAMENTE ANDREA OBISO E MASSIMO SPADA CON LA CAMERATA DUCALE JUNIOR

Quando viene riaperto al pubblico un luogo storico che è parte integrante del patrimonio di una città, la scelta migliore è quella di guardare al futuro. È con questo spirito che sabato 2 aprile (ore 21, concerto fuori abbonamento, ingresso gratuito sotto i 25 anni) gli spettatori del XXIV Viotti Festival potranno finalmente ritrovare lo splendido Salone Dugentesco – gioiello medievale e tappa fondamentale della Via Francigena – al termine di una lunga chiusura dovuta ai lavori di consolidamento strutturale al piano superiore. Guardare al futuro, si è detto. E i protagonisti della serata non potrebbero incarnare meglio questo proposito: saranno infatti di scena i solisti della Camerata Ducale Junior, l'orchestra under 25 nata dalla Camerata Ducale ma ormai diventata una brillante e del tutto autonoma realtà musicale, per l'occasione rappresentati da Giulia Rimonda al violino, Matteo Introna alla viola ed Ettore Pagano al violoncello. Il quintetto verrà completato da due Maestri preparatori d'assoluta eccezione come Andrea Obiso al violino e Massimo Spada al pianoforte, ovvero il meglio della nuova generazione italiana di concertisti alla conquista dei palcoscenici internazionali. Oltre a rappresentare un esempio d'eccezione dal punto di vista professionale (chi non vorrebbe ripercorrere i loro passi?), i Maestri preparatori quest'anno non si limitano a seguire e indirizzare le prove del concerto, ma si esibiscono insieme ai giovani della CDJ, dando prova di grande entusiasmo e coinvolgimento. Coinvolgimento confermato dalla collaborazione con Avos Project. In programma : L. van Beethoven - Trio per archi e pianoforte n. 5, op. 70 n. 1 Geister trio C. Franck - Quintetto in fa minore per pianoforte e archi

1 aprile dalla redazione

MARZO 2022

Angela Hewitt per la Società del Quartetto

La musica di J.S. Bach, il principale riferimento per la pianista canadese Angela Hewitt, è tornata in Conservatorio. Il concerto organizzato dalla Società del Quartetto ha visto un numeroso pubblico in Sala Verdi, per un'interprete che ha iniziato la sua carriera concertistica nel nome del grande compositore tedesco e che da alcuni decenni prosegue nell'interpretare l'amatissimo, senza comunque tralasciare altri importanti compositori. La Hewitt divenne infatti nota al grande pubblico a metà degli anni '80 dopo un'importante vittoria ottenuta ad un concorso pianistico tenuto a Toronto nel 1985 e dedicato a Bach, e grazie anche all'uscita - per una prestigiosa casa discografica- di uno splendido CD dedicato al grande musicista tedesco. L'impaginato di ieri sera prevedeva i Quattro Duetti, i Diciotto Piccoli Preludi, la Fantasia e fuga in la minore , l'Ouverture in stile francese in si minore e il Concerto in stile Italiano in fa maggiore. Naturalmente di qualità l'interpretazione della Hewitt. Il suono chiaro, ricco di sfumature ha ben individuato il gioco d'intrecci tra le parti della tastiera facendo emergere le linee melodiche, il ricco contrappunto e ogni particolare costruttivo. Le sonorità dell'ottimo Fazioli ben si prestano alla musica barocca e soprattutto alla musica di Bach, musica precisa, emotiva ma anche molto razionale, che abbisogna di precisioni millimetriche per definire le infinite sue geometrie, e la Hewitt, come architetto musicale ha pochissimi rivali al suo livello. Grande successo, con applausi fragorosi e con due bis ancora bachiani, due corali con il secondo tra i più celebri: dalla Cantata 147 "Jesus bleibet meine Freude" nella trascrizione pianistica di Myra Hess. Ottimo concerto per un'importante interprete.

30 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Giuseppe Gibboni alle Serate Musicali

È tornato a Milano il violinista salernitano Giuseppe Gibboni per un concerto organizzato da Serate Musicali. Insieme al pianista Ingmar Lazar, presente in una parte dei brani, ha impaginato un programma diversificato con alcuni lavori di Paganini, musicista a lui legato avendo vinto recentemente - nel 2021- il prestigioso Premio Internazionale Paganini di Genova. Il primo brano era la Sonata n.3 per violino e pianoforte Op.108 di Johannes Brahms. Una sonata celebre anche per quel Presto agitato che conclude il lavoro, scritto dal grande amburghese nel 1888 e che spesso viene eseguito come bis da molti virtuosi. Valida l'interpretazione. Un netto salto di qualità è stato riscontrato nei successivi lavori. Il ventunenne Gibboni ha proposto tre Capricci dai 24 dell'Op.1 e precisamente il N.1 "L'Arpeggio", il N.5 e il corposo N.24, un Tema con variazioni in la minore. Con i Capricci paganiniani sono emerse in toto le qualità virtuosistiche ed interpretative di Gibboni, eccelse nell'esprimere con apparente facilità virtuosismi d'immensa difficoltà. Di evidente qualità, anche il brano successivo, eseguito dopo il breve intervallo, ossia le Variazioni su un tema tema originale per violino e pianoforte Op.15 di Henryk Wieniawski (1835-1880). Il celebre virtuoso violinista e compositore polacco è debitore della lezione paganiniana. Anche in questo delizioso lavoro, Gibboni, in sinergia con l'ottimo Lazar, ha espresso al meglio le sue naturali qualità per un'interpretazione di alto livello. Il violino solo è ritornato nel brano successivo del compositore russo Alfred Schnittke ( 1934-1998). Titolato "A Paganini", recupera frammenti paganiniani, con una sorta di collage tratto da alcuni Capricci, per uno sviluppo virtuosistico autonomo dove è riconoscibile lo stile politonale del compositore, caratterizzato da colori scuri intensamente espressivi. Gibboni ha trovato la giusta dimensione interpretativa del difficile lavoro del 1982, attraverso timbriche precise, dettagliate dominate da colori scavati e profondi, resi dall'ottimo violino con voluminosa intensità espressiva . Originale il finale che prevede un'ultima nota ottenuta con la "scordatura" della corda più bassa. Eccellente interpretazione. L'ultimo brano in programma era la celebre "La Campanella", dal Concerto n.2 op.7 di Paganini che ha ancora trovato un evidente apprezzamento dal pubblico intervenuto. Un Campanella brillante, raffinata, in ottimo equilibrio con la parte pianistica eseguita molto bene dal giovane Lazar. Due i bis concessi, il primo in duo, con Hora Staccato, un celebre brano del folclore rumeno di Grigoras Dinicu (1889-1949), quindi il solista con l'Adagio dalla Sonata n.1 per violino solo di J.S.Bach, eseguito splendidamente. Applausi intensi e prolungati ai protagonisti.

29 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Jader Bignamini e Domenico Nordio con l'Orchestra Sinfonica G. Verdi

Programma particolarmente ricco quello proposto dalla "Sinfonica Verdi" con l'importante ritorno alla direzione di Jader Bignamini, attualmente responsabile della Detroit Symphony Orchestra. Tre i brani proposti, con una novità della compositrice romana Silvia Colasanti. Il suo recentissimo Esercizi per non dire addio per violino e orchestra è stato proposto come primo brano. A seguire il Concerto per violino e orchestra op.61 di L.v. Beethoven e quindi, dopo il breve intervallo, la Sinfonia n.9 op.70 di Dmitri Šostakoviç. Nei primi due lavori - non a caso la serata era titolata "Un violino per due" - al violino solista c'era l'ottimo Domenico Nordio. L'intenso e suggestivo concerto della Colasanti si immerge nei ricordi del passato, ricordi molto interiorizzati, attraverso sonorità cupe e frammentate per circa venti minuti, elargite in un unico movimento. Il prevalente impianto tonale rende particolarmente comprensibile il lavoro, giocato su un'alternanza o una sovrapposizione della parte solistica con le profonde timbriche orchestrali, spesso combinate con particolari effetti delle percussioni. La presenza di una sostenuta cadenza violinistica, di circa due minuti, resa con grande espressività da Nordio, assimila il brano ad un classico concerto violinistico, anche se risulta evidente il linguaggio attuale della nota compositrice, tipico dei nostri tempi ma con solidi agganci alla tradizione novecentesca, soprattutto europea ma con influenze mediterranee ed asiatiche. È un lavoro efficace, di ampio respiro che è stato commissionato dalla Sinfonica Verdi e che ha trovato un valido riscontro da parte del pubblico presente in Auditorium. L'eccellente direzione di Bignamini, con elegante e producente gestualità, si è riscontrata anche negli altri due importanti lavori. Eccellenti qualità violinistiche di Nordio anche nel celebre concerto beethoveniano. La discorsività del solista è emersa nei tre movimenti, così come la coinvolgente espressività delle timbriche dell'Orchestra Sinfonica Verdi. Ottimo l'equilibrio tra le parti per una interpretazione dell'Op.61 efficace. Di pregio la Cadenza dell'Allegro ma non troppo sostenuta da Nordio con grinta e profondità. Una maggiore volumetria sonora del dolce e intonatissimo violino di Nordio, avrebbe reso perfetto il concerto. Di particolare rilievo il bis solistico concesso da Nordio con un brano contemporaneo: Intervals dalla Sonata n.2 op.95 per violino solo di Weinberg. Dopo la pausa, significativa la Sinfonia n.9 di Šostakoviç. Cinque brevi movimenti composti dal russo nel 1945, improntati anche da timbriche spesso apparentemente scherzose, permeate però da profonda tragicità. Applausi intensi a tutti i protagonisti. Domani, alle 16.00, ultima replica. Da non perdere.

26 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Successo all' ultima replica di Jewels al Teatro alla Scala

Ieri sera ultima rappresentazione e ancora meritato successo, per il belletto Jewels, lavoro coreografico di George Balanchine ispirato a tre grandi scuole di danza: il Teatro Mariinskij di San Pietroburgo, l’Opéra di Parigi e il New York City Ballet. È in tre parti distinte, e precisamente: Emeralds su musiche di Gabriel Fauré, Rubies su musiche di Igor Stravinskij. e Diamonds su quelle di P.I. Čajkovskij. Presentato per la prima volta nel 1967, Jewels ha una coreografia tutta costruita sulle musiche dei tre grandi compositori. Manca un testo di riferimento, ma le note orchestrali e quelle del pianoforte nel balletto centrale, sono l'unico riferimento. Emeralds e Diamonds seguono stili classici più tradizionali, mentre Rubies interpreta una composizione neoclassica di Stravinskij. I notevoli costumi di Karinska e le preziose scenografie di Peter Harvey hanno reso l'intenzione di Balanchine di voler rappresentare tre pietre preziose attraverso passi di danza eleganti e pieni di coerenti simmetrie. Nella rappresentazione di Emeralds si sono avvicendati solisti quali Gaia Andreanò, Nicola Del Freo, Vittoria Valerio, Edoardo Capolaretti, Alessandra Vassallo, Agnese De Clemente e Federico Fresi, insieme ad un sinergico corpo di ballo. Hanno interpretato con equilibrio le dolci, eleganti e leggere timbriche del francese Fauré tratte da Pelléas e Melisande e da Shylock. Ottima la direzione musicale di Paul Connelly. Ribies è un balletto moderno, che mostra un Balanchine ancor più fantasioso e proiettato verso il futuro.Tratto dal bellissimo Capriccio per pianoforte ed orchestra di Stravinskij, ci troviamo di fronte ad una ballerina solista e ad una coppia, rappresentati dai bravissimi Alice Mariani, Virna Toppi e Claudio Coviello, in sinergia con il versatile corpo di ballo. L'efficace Capriccio è ottimamente interpretato al pianoforte da Roberto Cominati e dagli eccellenti orchestrali. Le particolari e contrastate timbriche dell'originale lavoro, sembrano aver ispirato Balanchine nel generare movenze di danza spettacolari, ricche di simmetrie e di asimmetrie, in perfetta sintonia come la musica. Un balletto convincente diretto con rigore musicale da Connelly. Con Diamonds, costruito sulle musiche di Čajkovskij tratte dalla Sinfonia n.3 (gli ultimi quattro movimenti), torniamo ad un concezione classica del balletto: una coppia di solisti, ieri sera Maria Celeste Lisa e Timofej Andrijashenko, si oppongono o si integrano nel grande corpo di ballo scaligero. L'interpretazione di Connelly e dell'Orchestra del Teatro alla Scala ci è apparsa sinergica con la parte coreografiche per un'interpretazione decisamente valida. Bravissimi i solisti e tutto il corpo di ballo. Successo di pubblico con numerose uscite dei protagonisti. Il prossimo balletto sarà Sylvia dall'11 al 26 maggio con sette rappresentazioni. Da non perdere. (prima foto di Brescia e Amisano Archivio Scala)

25 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Con “Il pianoforte in Ateneo” si apre una nuova stagione cameristica

Cinque pianisti di fama internazionale sul palco dell’Aula Magna in largo Gemelli da marzo a ottobre 2022: si apre così la nuova stagione cameristica in Università Cattolica a Milano grazie all’accordo tra Kawai Italia e lo Studium musicale d’Ateneo. La presentazione è avvenuta lunedì 21 marzo, ore 10, presso la Sala Conferenze della Biblioteca del Conservatorio “Giuseppe Verdi” Il pianoforte è quindi il protagonista di una nuova, straordinaria stagione cameristica milanese in largo Gemelli, nata dalla collaborazione tra Università Cattolica e Kawai Pianos di Hamamatsu, una delle più prestigiose Case produttrici degli strumenti musicali nel mondo. Il progetto “Il Pianoforte in Ateneo. La grande musica a Milano” presentato in una conferenza stampa lunedì 21 marzo, alle ore 10, presso la Sala Conferenze del Conservatorio “Giuseppe Verdi” in via Conservatorio 12 a Milano dove ha partecipato anche il direttore scientifico del Progetto Enrico Reggiani, docente di Letteratura inglese e direttore dello Studium musicale di Ateneo, e il direttore artistico Maestro Davide Cabassi. «Cinque pianisti straordinari - Luca Trabucco, Giuseppe Andaloro, Ingrid Fliter, Carlo Guaitoli e Roberto Cominati - formano una sorta di dream team della tastiera, alle cui mani affidiamo i meravigliosi pianoforti Shigeru Kawai nella cornice prestigiosa dell'Aula Magna dell’Università Cattolica. Una nuova stagione di musica, cultura e bellezza da donare a Milano» - anticipa Davide Cabassi. Il concerto di apertura è avvenuto giovedì 24 marzo nell’Aula Magna dell’Università Cattolica con inizio alle ore 20.45, dedicato a “Maurice Ravel: il piacere squisito di un’occupazione inutile”. Al pianoforte Luca Trabucco. Il calendario completo è il seguente: 24 marzo 2022 Luca Trabucco (Ravel) 21 aprile 2022 Giuseppe Andaloro (Chopin, Rachmaninoff, Ravel) ; 9 maggio 2022 Ingrid Fliter (Haydn, Beethoven, Scarlatti, Schumann) ; 16 giugno 2022 Carlo Guaitoli (Chopin, Janacek, Prokofiev); 6 ottobre 2022 Roberto Cominati (Chopin, De Falla) Foto dall'Ufficio Stampa dell'organizzazione.

dalla redazione 24-03-2022

Joshua Bell in Conservatorio per la Società del Quartetto

Il violinista americano Joshua Bell è tornato ad esibirsi in Conservatorio per la Società del Quartetto. Era venuto nel 2018 con un impaginato classico ed è tornato ancora con quattro autori classici con brani prevalentemete noti. Schubert, Beethoven, Bloch e Ravel si sono succeduti eseguiti ottimamente anche dal pianista israeliano Shai Wosner. La giovanile Sonatina in re maggiore n.1 D 384 di Franz Schubert ha introdotto la serata. È un brano discorsivo, immediato e ricco di fresca inventiva che ricorda, soprattutto nell'Allegro molto iniziale, Mozart. Bell, in ottima sinergia con Wosner, ha espresso elegantemete e con efficace resa espressiva le melodie schubertiane presenti. Di maggior impegno costruttivo il brano successivo di L.v. Beethoven con la Sonata n.7 in do minore op.30 n.2. Un lavoro più complesso, in quattro movimenti, con una parte pianistica più importante, che rivela un compositore maturo lontano dallo stile settecentesco e dal linguaggio personale. La solida intesa tra i due strumentisti ha prodotto un' interpretazione di ottima qualità. Bell, attento ad ogni dettaglio e misurato nelle sonorità garbate, precise e raffinate, ha ben evidenziato la parte solistica, coadiuvato dall'ottima armonizzazione del pianoforte di Wosner. Dopo l'intervallo cambio di stile e periodo storico con due lavori del Novecento. Il primo, meno noto, dello svizzaro- naturalizzato statunitense- Ernest Bloch con la Baal Shem Suite- Tre quadri di vita Cassidica. È un brano del 1923 caratterizzato da una suggestiva ricchezza coloristica definita dalle intense melodie del violino, che esprime arie meditate con citazioni della tradizione yiddish. Le note, molto legate, si succedono con perfetta integrazione dei due strumenti, riflessive nelle prime due parti del brano e di giocosa esuberanza nell'estroverso movimento finale. Eccellente l'interpretazione. Il brano conclusivo, la Sonata n.2 in sol maggiore di Maurice Ravel, è stato composto tra il 1923 e il 1927. È in tre movimenti, molto eseguito, con influenze jazz-blues specie nella seconda parte, un Blues Moderato. Semplici note del pianoforte e del violino s'intrecciano definendo una melodia spezzata ricca di swing. Il virtuosistico Perpetuum mobile.Allegro finale ritrova ancora lo spessore virtuosistico dei protagonisti. Applausi fragorosi e particolarmente toccante il bis concesso con una trascrizione per violino. di rara intensità espressiva, del celebre Notturno postumo n.20 in do diesis minore di F. Chopin. Splendido concerto.

23 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Steven Isserlis e Olli Mustonen per "Serate Musicali"

Una straordinaria intesa tra due strumentisti quella vista ed ascoltata ieri sera in Conservatorio al concerto organizzato da Serate Musicali. Gli estrosi musicisti, il violoncellista inglese Steven Isserlis ed il pianista finlandese Olli Mustonen, hanno trovato unione in quattro brani per violoncello e pianoforte, resi ottimamente con linguaggio personale ed estremamente espressivo. Iniziando con Felix Mendelssohn (18091847) e le Variazioni concertanti in re maggiore op.17, i due da subito sono entrati in sintonia: il pianista con la sua nota tecnica personale, brillante ed efficace, molto precisa nella pur evidente gestualità; il cellista con un'intensa melodicità in perfetta sinergia con le armonie pianistiche. Il virtuosistico brano, composto nel 1829 dal grande lipsiano, ha visto cambiamenti repentini nelle otto variazioni del delizioso tema iniziale, rese molto bene dal duo. Decisamente interessanti i due brani successivi. La Sonata per violoncello e pianoforte del pianista e compositore Olli Mustonen (1967) è del 2006 e, nei suoi quattro movimenti, - Misterioso, Andantino, Precipitato, Con visione - è un esempio felice di musica contemporanea, cosa non scontata. La scrittura, comprensibile, in ambito tonale con momenti di interessanti e ricercate dissonanze, rivela riferimenti storici che vanno da Stravinskij o Prokofiev a certo Messiaen ed altri ancora. La parte pianistica, ricca di virtuosismi espressi in modo chiaro da Mustonen, ha trovato appoggio dall'intensa melodicità di Isserlis, che è entrato perfettamente nel suo importante ruolo. Un ottimo lavoro, meritatamente apprezzato dal numeroso pubblico presente in Sala Verdi con applausi convinti. Il brano successivo, del ceco Bohuslav Martinů (1890-1959), ha destato altrettanto interesse ed è stato reso mirabilmente. La Sonata per violoncello e pianoforte n.3 è del 1952 ed è molto legata al folclore ceco. La costruzione, in tre movimenti, è nel tipico linguaggio del compositore che partendo dal neoclassicismo del primo Novecento , trova una personale modalità espressiva, resa bene dal duo. Il brano che ha concluso il bellissimo impaginato era quello più noto: la Sonata n.3 in la maggiore op.69 di L.v.Beethoven (1770-1827). Originalissima l'interpretazione del duo, con una personalizzazione, in senso virtuosistico e ritmico, valida e caratterizzante. Applausi sostenuti dal pubblico e un bis concesso con un brano intensamente melodico della compositrice francese Cécile Chaminade (1857-1954), Sommeil d'Enfant (1907).

22 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Agli Amici del Loggione il pianista Diego Petrella

Un cambio di programma, per motivi legati alla positività-covid, ha visto la sostituzione del gruppo cameristico Ensemble Festa Rustica che doveva presentare il recente Cd sul compositore Francesco Antonio Vallotti, con un ottimo interprete quale il ventiseienne pianista Diego Petrella. Di lui avevamo già parlato in occosione di un concerto del 2020 in Conservatorio. Vincitore del Premio del Conservatorio di Milano nel 2019 e di altri prestigiosi Concorsi internazionali, il bolognese Petrella ha ancora rivelato le sue ottime qualità eseguendo con maestria J.S.Bach. Mario Marcarini, musicologo, organizzatore e discografico, ha anticipato il breve concerto parlando di Bach e dei suoi contemporanei al numeroso pubblico intervenuto nella sala degli Amici del loggione della Scala. Petrella ha eseguito l' Ouverture in Stile francese n.1 in si minore BWV 831 con padronanza tecnica e rilevante espressività. Due i bis concessi prima con Scriabin e il Poema op.32 n.1 e poi Chopin con un Notturno . Applausi sostenuti da tutti i numerosi presenti e delizioso brindisi con un eccellente vino bianco.

21 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli la Camerata Ducale, Orizio e Rimonda

Sabato 16 aprile 2022 al Teatro Civico, via Monte di Pietà 15, di Vercelli, la Camerata Ducale con Guido Rimonda al violino e Pier Carlo Orizio alla direzione eseguiranno: F. Schubert - Entr'acte III da Rosamunde, Fürstin von Cypern (Rosamunda, principessa di Cipro).L. van Beethoven - Concerto in do maggiore per violino WoO 5, P. I.
Čajkovskij - Sérénade Mélancolique op. 26,M. Bruch - Ave Maria op. 61, F. Schubert - Sinfonia n. 8 Incompiuta in si minore D 759. Da non perdere.

 

 

21 marzo 2022    dalla redazione

Ancora grande successo alla Scala all'ultima replica di Adriana Lecouvreur

Applausi meritati al Teatro alla Scala a conclusione della settima ed ultima rappresentazione dell'opera più celebre di Francesco Cilea (1866-1950), Adriana Lecouvreur. Cilea, nato a Palmi in Calabria, fu autore non fecondo, ma con l’Adriana ebbe notorietà internazionale. Questi ha il merito di aver composto un’opera, nel 1902, molto ricca di raffinate melodie, un passo avanti rispetto al Verismo e se pur con ambientazione settecentesca, con sonorità a volte decadenti non lontane da Wagner o da R.Strauss, ma soprattutto dal sapore pucciniano, con una componente orchestrale con rilevante valenza sinfonica. Sonorità che anche in un allestimento tradizionale, come quello visto ieri sera in un teatro gremito di pubblico, ha ancora una valida ragione di essere apprezzato. La riuscita messinscena, come spesso, accade è dovuta al complesso delle interazioni di tutte le componenti artistiche. La valida regia di David McVicar -ripresa da Justin Way-, le ottime scenogafie di Charles Edwards con i costumi settecenteschi di Brigitte Reiffenstuel, le adeguate luci di Adam Silverman e le corrette coreografie di Andrew George, hanno trovato unione con la riuscita componente musicale, dall'ottima direzione di Giampaolo Bisanti, al suo debutto scaligero e applauditissimo, al coro sempre eccellente di Alberto Malazzi e, naturalmente, al cast vocale che ci è apparso di alto livello, con una punta nella coinvolgente voce di soprano di Maria Agresta. Un'Adriana, la sua, bravissima anche attorialmente con bel timbro, chiaro e delicato ma all'occorrenza incisivo e voluminoso. Yusif Eyvazov è stato un Maurizio Conte di Sassonia vocalmente adeguato in tutti i registri con valide qualità attoriali. Notevole la presenza scenica di Judit Kutasi, una Principessa di Bojillon con voce molto voluminosa ma anche limpida e particolarmente ricca di espressività. Validi Alessandro Spina, adeguato Principe di Bouillon e Carlo Bosi, l’Abate di Chazeuil. Notevole Corbelli in Michonnet. Questi ha sostituito all'ultimo momento Ambrogio Maestri indisposto. La sua splendida capacità attoriale ha ben integrato la sua rilevante vocalità. Bravi tutti gli altri, ballerini compresi. Un'Adriana Lecouvreur che ha degnamente espresso il capolavoro teatrale di Francesco Cilea. Da ricordare! Prossima opera Don Giovanni, dal 27 marzo al 12 aprile con sette rappresentazioni. (Prime due foto di M. Brescia e Amisano- Archivio Scala)

20 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Il Festival 5 Giornate per la musica contemporanea

È iniziata oggi la 16°edizione del Festival 5 Giornate dedicato alla musica contemporanea. Si svolge prevalentemente nel bellissimo spazio dedicato al Museo del Novecento di Milano per l'organizzazione musicale di Alessandro Calcagnile e di Rossella Spinosa. Oggi il programma prevedeva la presenza del gruppo cameristico New Made Ensemble in brani di Manzoni, Sani, Ambrosini, Solbiati, Fedele e Sciarrino. Paolo De Gaspari al clarinetto e Rossella Spinosa al pianoforte hanno introdotto il concerto con un lavoro significativo di Giacomo Manzoni del 1988, Frase per pianoforte e clarinetto. È un breve brano, ottimamente sostenuto dai due validi interpreti, dove le solide timbriche dello strumento a tastiera- con effetti anche nella cordiera- si alternano ai timbri ricercati del clarinetto, ricchi di effetti coloristici ottenuti con una ampia varietà di modi d'approccio ai timbri. Particolarmente valida l'interpretazione. Gli altri cinque brani erano per solo strumento solista. Prima il flauto contralto, con l'ottima Birgit Nolte impegnata in Dialoghi Migranti di Nicola Sani, un lavoro dove anche la gestualità è utile nel definire le soffici e discrete volumetrie, poi il clarinetto basso di De Gaspari per un corposo pezzo di Claudio Ambrosini denominato Capriccio, detto l'ermafrodita; quindi ancora il flauto con un brano di Alessandro Solbiati, "As if to land.." , lavoro che come il precedente si snoda utilizzando lo strumento in una gamma di possibilità totale tra suoni tondi ed effetti ben miscelati nella marcata linea compositiva. Di altrettanta efficacia il successivo brano, sempre per clarinetto basso, di Ivan Fedele denominato "High- memoriam Miles Davis". Vuole essere un omaggio al grandissimo trombettista e, la maggior melodicità del lavoro, se comparata ai brani precedenti, trova anche relazioni col mondo jazzistico. Precisa e dettagliata l'interpretazione. A conclusione un originale brano per flauto di Salvatore Sciarrino, Immagine Fenicia, suonato molto bene e caratterizzato da una sorte di note ribattute e ripetute quasi a creare un effetto eco. Applausi sostenuti ai tre interpreti al termine. Domani alle ore 17.30 il secondo appuntamento con brani di Sani, Castiglioni e Scelsi. Altri appuntamenti previsti i giorni successivi sino al 22 marzo, ultima delle 5 giornate di Milano. Da non perdere.

18 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Il Trio Sitkovetsky per la Società dei Concerti

La Fondazione Società dei Concerti ha portato sul palco di Sala Verdi in Conservatorio il Trio Sitkovetsky, formato dal violonista Alexander Sitkovetsky, dal violoncellista Isang Enders e dalla pianista Wu Qian. È un gruppo di livello internazionale affermato in tutto il mondo. Il programma serale, particolarmente corposo, prevedeva musiche di Beethoven, Schumann e Ravel. Il Trio in Sol maggiore Op.1 n.2, del primo grande tedesco, ha introdotto la serata rivelando l'ottimo equilibrio complessivo della formazione cameristica. La classicità del brano in quattro movimenti, composto da Beethoven in giovane età è stata espressa ottimamente dal gruppo. La rilevante componente pianistica, centrale in questo trio, ha trovato un'interprete precisa, attenta ad ogni dettaglio e mai eccessiva nelle volumetrie perfettamente calibrate e in ottima relazione con i due archi, strumentisti altrettanto precisi ed espressivi. Il Trio di Maurice Ravel, unico nel suo genere, composto nel 1914 da un compositore quasi quarantenne, ha dato una svolta al clima classico precedente, mostrando un lato interpretativo della formazione differente. Il dosaggio delle timbriche e l'impasto sinergico nei colori dei tre interpreti, hanno rivelato sottigliezze del grande compositore francese proiettate nel secondo Novecento e caratterizzate da bruschi cambiamenti di tempo e da volumetrie contrastanti, come quelle degli ultimi due movimenti: da una lenta e progressiva Passacaglia ad un folcloristico Animé finale, esuberante e ricco di accenti. Dopo il breve intervallo, il Trio in re minore op.63 di Robert Schumann, composto nel 1847-48, ha stravolto ancora la compagine cameristica impegnata sul versante romantico, con arditezze armoniche tipiche del secondo compositore tedesco e decisamente innovative per l'epoca. Ancora ottima l'intesa dei tre giovani interpreti accomunati da un'energica e non comune passione per il mondo musicale. Toccante il bis delicato con un breve Beethoven in una melodia tratta dal folclore ucraino. Applausi del pubblico decisamente sostenuti e pienamente meritati.

17 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Meritato successo al Teatro alla Scala anche all'ultima replica di Pikovaja Dama

Sono passati diciassette anni da quando vidi La Dama di Picche per il Teatro alla Scala -allora agli Arcimboldi- nell'insuperata direzione di Yuri Temirkanov. Ieri in un teatro al completo, l'ultima recita ha trovato ancora un meritato successo, con applausi fragorosi protatti per lungo tempo. È un mix di contributi, tutti validi, quelli che hanno portato la più importante opera di Čaikovskij al successo milanese. Dopo la prima rappresentazione con il direttore russo Gergiev, tutte le replica hanno decretato il trionfo per colui che l'ha sostitito nelle quattro repliche previste, Timur Zanziev, tra i più applauditi al termine. I sette quadri, nei tre atti dell'opera su libretto di Modest, fratello del più celebrato compositore, tratte dall'omonimo racconto di Puskin, sono tradizionali nella messinscena, ma certamente tutti di riuscita e spesso di spettacolare resa visiva. Hanno visto l'ottima regia di Matthias Hartman, le appariscenti scene di Volker Hintermeier, illuminate a volte in modo luccicante dalle valide luci di Mathias Märker e i bellissimi costumi di Malte Lubben. Di grande pregio le coreografie di Paul Blackman, che in questa messinscena giocano un ruolo fondamentale, unitamente alla strepitosa parte corale preparata da Alberto Malazzi. Per la componente delle voci soliste non possiammo che essere soddisfatti, vista la qualità complessiva a partire dal sempre presente in scena Najmiddin Mavlyanov ner ruolo del protagonista Hermann, tenore significativamente valido in ogni settore timbrico. Ottima l'incisività e la sua presenza scenica. L'innamorata Liza ha trovato un valido soprano in Elena Guseva, molto espressiva e ancor di più nell'aria forse più bella del terzo atto, con voce ricca di colori e perfetta intonazione. Di decisa presenza scenica e vocalità il mezzosoprano Julia Zerteva, la Contessa, e di altrettanto spessore espressivo il baritono Alexsey Markov, il principe Eleckij. Citiamo almeno le altrettanto valide voci di: Yevgeny Akimov in Čekalinskij, Alexei Botnarciuc in Surin, Sergey Radchenko in Čaplickij, Roman Burdenko nel Conte Tomskij, Matias Moncada in Nuramov, Brayan Ávila Martínez nel Maestro di cerimonie, Elena Maximova in Polina e gli altri. Per concludere ottima la direzione del già citato Zanziev, che oltre a far emergere con evidenza la componente vocale, ha diretto benissimo i professori del Teatro alla Scala definendo in modo dettagliato i colori strepitosi di Čaikovskij, che, come affermato precedentemente nella lontana messinscena del 2005, mettono in rilievo l’anima più russa del compositore, unitamente alla sua passione per Mozart con i riferimenti settecenteschi del secondo atto e alla sfarzosità dell'opera francese. Un lavoro che rimarrà a lungo nei ricordi del fortunato pubblico presente alle cinque rappresentazioni. (prime tre foto di M.Brescia e Amisano a cura dell'Archivio del Teatro alla Scala)

16 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Il pianista Yevgeny Sudbin per "Serate Musicali"

Serate Musicali da molti anni porta in Sala Verdi, nel Conservatorio milanese, il pianista russo, nato a san Pietroburgo, Yevgeny Sudbin. Ieri il programma, come sempre diversificato, ci ha permesso di assistere ad una serie di brani di ampia escursione temporale: da Haydn a Ravel, passando per Beethoven e Chopin. Un programma classico dove il brano più vicino ai nostri tempi era quel Gaspard de la nuit del compositore francese che risale al 1908. Il classicismo di Franz Joseph Haydn (1732-1809) con la Sonata per pianoforte in si minore Hob. XVI/32, ha trovato un ottimo interprete in Sudbin, pianista sicuro e ben attrezzato per un'ampia gradazione dinamica, espressa con controllato equilibrio coloristico. Con Ludwig van Beethoven (17701827) e le Sei Bagatelle per pianoforte op.126, abbiamo assaporato una valida esecuzione, anche se forse non sempre omogenea nello spessore espressivo. La seconda parte della serata, con la Ballata per pianoforte n.4 in fa minore op.52 di Fryderyc Chopin (1810-1849) e poi il già citato Ravel (1875-19), ci è apparsa di maggiore resa emotiva. La celebre ultima Ballata del polacco, molto articolata, ricca di contrasti - dall'intenso melodiare iniziale, alle complesse armonizzazioni centrali- è stata ben intercettata dall'interprete e la sua resa d'indubbia espressività. Decisamente rilevante Sudbin nell'ultimo lavoro, Gaspard de la nuit. I tre corposi momenti, Ondine, Le gibet e Scarbo, che formano una delle maggiori opere pianistiche del primo decennio del '900, hanno visto afficace resa nelle mani del russo, che ha definito l'intreccio timbrico attraverso ottimi parametri interpretativi, calibrando in modo accurato le contrastanti dinamiche ed esternando solido virtuosismo, nel rispetto degli equilibri coloristici complessivi. Il numeroso pubblico intervenuto ha apprezzato l'interprete, elargendo al termine del programma ufficiale, fragorosi applausi. Di notevole qualità i due bis concessi con due Sonate di Domenico Scarlatti tra le più celebri, di cui la prima, quella in Fa minore K 466, di splendido equilibrio estetico esternato con matura riflessività. Ancora fragorosi gli applausi.

15 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Il soprano Alexandra Marcellier e il direttore Giuseppe Grazioli in La voix humaine di Francis Poulenc

È tornato alla direzione dell'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi" Giuseppe Grazioli, direttore milanese che abbiamo molte volte ascoltato in repertori a lui cari, come quelli dedicati al compositore Nino Rota. Ieri sera due compositori francesi hanno animato il palcoscenico dell'Auditoriun di Largo Mahler: prima George Bizet con una selezione di suite da l'Arlésienne (1872), poi Francis Poulenc con La voix humaine( 1958),dal testo di Jean Cocteau che ricordiamo essere stato il riferimento del Gruppo dei Sei, di cui il compositore faceva parte. Due lavori molto diversi, che hanno in comune solo l'eleganza e la raffinatezza musicale tipica dei francesi. Il voluminoso impatto sonoro dell'Ouverture della prima serie di Suite ha rivelato subito la splendida musica di Bizet, giocata su un'evidente capacità d'orchestrazione delle bellissime melodie popolari che l'Arlésienne ritrova. La musica, negli otto momenti scelti per le due serie di suite, descrive con taglio deciso l’evoluzione dei personaggi della popolare vicenda ambientata in Camargue, nei pressi di Arles. Grazioli con una direzione decisa, esuberante e particolareggiata, ha plasmato ottimamente gli splendidi orchestrali della Sinfonica Verdi, rilevanti in ogni sezione dell'orchestra, una compagine spesso fragorosa nell'insieme, come anche nella seducente Marcia finale di Farandole, ma con momenti di pacato lirismo cameristico come nell'Andantino e nel Menuetto dalla seconda suite. Dopo l'intervallo c'è stato un deciso cambio di registro con la celebre piece per voce recitante e orchestra del secondo parigino, Poulenc. La semplice ed elegante messinscena era curata dalla regista Louise Brun, mentre protagonista in scena, il soprano francese Alexandra Marcellier. Nell'unico atto, la donna, raffinata ed elegante, è impegnata costantemente in una telefonata amorosa che alterna momenti affettuosi ad altri di crescenti contrasti, ricchi di tensione, sino alle parole finali con quell'affranto «Je t’aime» ripetuto più volte. Poulenc ha in modo geniale espresso musicalmente l'originale testo di Cocteau, e l'integrazione tra la voce, quasi sempre in recitazione ma con frangenti di alto lirismo vocale, e le pregnanti sonorità orchestrali, è emersa splendidamente grazie all'avvincente direzione di Grazioli e alle qualità attoriali e vocali della Marcellier. Una voce, la sua, con timbrica perfettamente adatta al ruolo de " La voix humaine ". Applausi fragorosi al termine con uscite ripetute dei protagonisti. Bravissimi. Domenica, alle ore 16.00, l'ultima replica. Assolutamente da non perdere.

12 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Il giovane pianista Antonio Alessandri diretto da Valentina Peleggi al Dal Verme

Tre sono i validi motivi d'interesse per il concerto de I Pomeriggi Musicali ascoltato ieri sera e in replica sabato alle ore 17.00: la presenza di un direttore d'orchestra donna, cosa oramai pittosto frequente, ma che ancora incuriosisce; l'inserimento nell'impaginato di un brano di una compositrice che rarissimamente si ascolta; un giovanissimo pianista per un concerto mozartiano. Valentina Peleggi, che ricordiamo essere Direttore Musicale della statunitense Richmond Symphony Orchestra e Direttore Musicale Ospite in Brasile del Theatro de Opera São Pedro, ha infatti diretto l'Orchestra de Pomeriggi Musicali in tre brani tra i quali l'ultimo della francese Louise Farrenc (1804- 1875), con la sua Sinfonia n.3 in sol minore op.39. La Farrenc è stata all'epoca una celebre pianista di livello internazionale e come compositrice, autrice di brani pianistici, cameristici e di tre sinfonie riscoperte solo negli ultimi decenni. Il brano forse più atteso della serata è stato probabilmente il secondo con il Concerto n.13 per pianoforte e orchestra in do minore K 415 di W.A.Mozart per via del giovanissimo pianista milanese Antonio Alessandri, interprete quindicenne allievo di Davide Cabassi. Ad introdurre il concerto, l' Ouverture la Bella Melusina di F. Mendelssohn ha rivelato la spigliatezza del direttore nell'affrontare un brano tipico del musicista tedesco per energia profusa e naturale discorsività. L'ingresso sul palcoscenico del Dal Verme di Antonio Alessandri ha certamente destato interesse sia per la giovene età dell'interprete che per la scelta di un brano non facile del grande salisburghese. Antonio ha affrontato i tre movimenti con straordinaria disinvoltura, fornendo un'interpretazione di ottimo livello, con valida resa stilistica, tecnica fluida ben collaudata, sicurezza e grande musicalità. Certamente un pianista che va seguito nella sua evoluzione nei prossimi anni. Energico il bis concesso con lo Studio n.8 in fa maggiore op.10 di F. Chopin. La Sinfonia n.3 della Farrenc ha visto una valida interpretazione della trentanovenne direttrice. È un lavoro che risente molto dell'influenza beethoveniana con uno sguardo nel romanticismo soprattutto mendelssohniano. Notevole il terzo movimento, Scherzo.Vivace, di incredibile energia musicale e con una calibratissima resa dinamica. Applausi convinti a tutti i protagonisti. Come accennato, sabato la replica. Da non perdere.

11 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Roberto Prosseda con l'Orchestra dell'Accademia del Teatro alla Scala per la Società dei Concerti

L'Orchestra dell'Accademia del Teatro alla Scala, diretta da Pietro Mianiti, è stata ospite della Società dei Concerti per una splendida serata che prevedeva musiche di Mozart e di Schubert. È una formazione di giovanissimi strumentisti quella vista ed ascoltata in Conservatorio per due brani di Mozart e uno di Schubert. Prima il Divertimento per archi n.1 in re maggiore K 136 ed il Concerto per pianoforte e orchestra n.27 in mi bem. maggiore K.595; poi il celebre Quartetto D810 "La morte e la Fanciulla", nella trascrizione per orchestra d'archi di Gustav Mahler. Il Divertimento mozartiano ha rivelato la fluidità discorsiva dell'Orchestra dell'Accademia scaligera che, ottimamente diretta da Mianiti, ha espresso molto bene la leggerezza, in stile galante, del giovanile brano che Mozart compose nel marzo del 1772, non ancora sedicenne. Ben evidenziata la bellezza melodica dei temi presenti nei classici tre movimenti. Il terzo, un Presto ricco di folclore scandito da un ritmo ben evidenziato dagli archi, verrà poi ripetuto come bis al termine del programma ufficiale. Il brano forse più atteso, il Concerto K.595, ha visto la presenza solistica del noto pianista Roberto Prosseda. Nato a Latina nel 1975, nel corso della sua brillante carriera si è specializzato in Mozart, del quale ha inciso in Cd le Sonate e molti concerti. Prosseda ha interpretato con profondità di pensiero e bellezza coloristica il celebre lavoro che ha nella semplicità delle melodie proposte un punto di forza. Il concerto è stato scritto nell' ultimo anno di vita del compositore, il 1791, quasi a simboleggiare di come la semplicità possa racchiudere profondità di pensiero e rilevante bellezza estetica. Il pianoforte ha scavato sino in fondo, evidenziando le semplici note, come quelle centellinate nel Larghetto centrale, servite in un piatto dorato ricco di delizie per le orecchie degli attenti ascoltatori. Ottima la compagine orchestrale nel sottolineare la fondamentale parte solistica. Applausi sostenuti al termine. Due i bis solistici concessi da Prosseda: prima il movimento centrale Andante dalla Sonata in do maggiore K330, interpretata con ancora intensa riflessione e profondità espressiva; quindi, a conclusione, un omaggio ad Ennio Morricone, dopo aver ricordato il ruolo positivo della musica nel riappacificare gli animi umani in questo difficile momento che stiamo attraversando tra fine covid e vicina guerra. Di alto spessore l'interpretazione della versione originale pianistica del noto tema del film La leggenda del pianista sull' oceano. Dopo il breve intervallo ancora importante musica con la schubertiana La Morte e la Fanciulla. I giovanissimi orchestrali diretti con maestria da Mianiti, hanno espresso evidente musicalità nel proporre i quattro corposi movimenti del noto Quartetto ben trascritto da Mahler. Ancora più bravi ed incisivi nel Presto finale, eseguito con grinta ed energia decisamente matura. Bravissimi! Applausi fragorosi a tutti i protagonisti.

10 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Il pianista Paul Lewis per la Società del Quartetto

Pianista affermato internazionalmente, il quarantanovenne inglese Paul Lewis ha scelto un impaginato diversificato per il suo recital tenuto ieri sera in Sala Verdi al Conservatorio milanese. La prevalenza di brani beethoveniani, con due celebri sonate quali la Patetica (1799) e l'Appassionata (1804-5), eseguite all'inizio e alla fine del programma ufficiale, rivela la passione per il genio di Bonn, compositore prediletto nella sua imponente discografia insieme a Schubert (non presente nell'impaginato). Tra la Sonata n.8 in do minore op.13 e la Sonata n.23 in fa minore op.57 di Beethoven, brani di Sibelius, Debussy e Chopin hanno messo in risalto ulteriori qualità dell'interprete. Valida l'interpretazione delle due sonate, con i momenti migliori nell'Adagio cantabile e nel Rondò nella Patetica e nell'Allegro ma non troppo nell'Appassionata. Abbiamo trovato rilevanti qualità espressive nelle rare Sei Bagatelle op.97 (1920) di Jean Sibelius ed eccellenti nel successivo Children's Corner (1906-8) di Claude Debussy, sei brani destinati a giovani interpreti di apparente facilità, resi da Lewis con una raffinata esposizione coloristica e un perfetto equilibrio costruttivo. Di buona fattura il suo Chopin con la Polonaise-Fantasie op.61 (1846). Due i bis concessi con un ottimo Felix Mendelssohn dalle Romanze senza parole, il n.1 op.19 e il n.3 op.53 eseguiti con fluida e raffinata discorsività. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico presente i sala. Prossimo concerto il 15 marzo con il Quartetto Emerson.

9 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Freddy Kempf in Conservatorio per "Serate Musicali"

Riascoltare il pianista londinese Freddy Kempf, da più di vent'anni ospite di "Serate Musicali", è sempre un piacere. Il suo talento virtuosistico non è soltanto complessa iper-tecnica digitale, ma supporto per un linguaggio personale di qualità. Il suo impaginato diversificato, prevedeva brani di Bach, Chopin, Rachmaninov e Čaikovskij di breve e media durata, e due corpose composizioni con la Sonata "Appassionata" di Beethoven e Carnaval di Schumann. Quello che ha unito brani molto differenti, inseriti probabilmente per scelta dettata non da ragioni storiche, ma di piacere personale, è il modo di interpretare di Kempf, pianista tout court, che trova nel virtuosismo, spesso sostenuto con tempi rapidi, un elemento espressivo del suo particolare linguaggio certamente ricco di pathos. Iniziando con un fulmineo Bach, con il Preludio e fuga n.12 (1742) dal secondo libro del Clavicembalo ben Temperato, con il relativo preludio eseguito celermente ma efficace nella quadratura temporale, Kempf ha fatto poi un salto di parecchi decenni passando allo Studio n.1 op.10 (1829-30) di Chopin. Un'interpretazione brillante, ricca di accenti e luminosissima. Con l'Allegro moderato, il n.8 in re minore dagli Etudes Tableaux op.39 (1916-17) di Rachmaninov, il quarantacinquenne pianista si è spostato di molto nel tempo per poi tornare indietro di trent'anni con la Dumka op.59 in do minore (1886) di Čaikovskij. Entrambi i brani sono stati eseguiti molto bene, in piena sintonia col mondo russo. Il primo brano corposo, la Sonata in fa minore op.57 "Appassionata" ( 1804-05) del genio di Bonn, ha trovato un virtuoso energico. L'estrema accelerazione dei tempi laterali, Allegro assai e Allegro ma non troppo, erano di una coerenza esemplare nello stile di Kempf, forse lontani dalla tradizione dei grandi del passato, ma certamente di alto valore estetico. Anche con l'ultimo brano in programma, Carnaval op.9 (1834-35), Kempf ha risolto energicamente i ventidue brevi pezzi che compongono il capolavoro di Schumann, con alcuni frangenti di intensa meditazione espressiva, nei momenti più moderati. Ottima interpretazione questa e tutte le altre per un pianista che, in Italia, andrebbe considerato maggiormente. Riflessivo e ben interpretato il bis con il celebre Adagio cantabile dalla Sonata "Patetica" (1798-99) di Beethoven. Successo di pubblico e numerose uscite del protagonista in palcoscenico.

8 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Un duo per tre celebri brani allo Spazio Teatro 89

Il concerto cameristico ascoltato ieri pomeriggio allo Spazio Teatro 89 di Milano ha visto un ottimo duo sul palcoscenico della piccola ma elegante sale situata in via Fratelli Zoia 89. Formato da due concertisti di fama internazionale, quali la violinista rumena Anca Vasile Caraman e dal pianista siciliano Alberto Ferro, il duo ha scelto tre lavori tra i più eseguiti al mondo nel repertorio dei due strumenti. La Sonata in la maggiore di César Franck, la Sonata n.3 in sol minore di Claude Debussy e l'ancor più celebre Rapsodia da concerto Tzigane di Maurice Ravel. Questi lavori non hanno certo bisogno di presentazioni, come ben spiegato in apertura di concerto da Luca Schieppati, pianista e organizzatore della serata in collaborazione con "Serate musicali" La sonata ciclica di Franck, del 1886, con quel bellissimo ritorno nei quattro movimenti dei principali temi, è un esempio di grande e unitaria costruzione del genio belga, naturalizzato francese. La Sonata di Debussy, del 1917, con quei rivoluzionari colori ritrova il musicista francese proiettato nel futuro della musica novecentesca; mentre la celeberrima Tzigane, op.76 di Ravel, terminata nel 1924, vede il trionfo del violino come strumento virtuosistico e una ricerca timbrica, quella del secondo francese, anch'essa particolarmente moderna. Insomma, tre capolavori che nelle mani dei due bravissimi interpreti hanno certamente convinto i presenti in sala. Di rilievo la chiarezza espressiva di entrambi gli strumentisti. Ottima intesa tra il fraseggio dettagliato e ben calibrato nei volumi di Ferro e il limpido timbro del voluminoso violino della Vasile Caraman. Di qualità i due bis concessi, che hanno maggiormente evidenziato le abilità della violinista: prima un Capriccio di Niccolò Paganini (Capriccio n.1) nella trascrizione con pianoforte di R.Schumann e poi un bellissimo Max Reger con la rara ma pregnante Romanza in sol maggiore. Bellissimo concerto per i fortunati e non numerosi presenti.

7 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Alessandro Taverna a Villa Necchi Campiglio

La Società del Quartetto, in collaborazione con il FAI, ha portato alla rassegna musicale di Villa Necchi Campiglio il pianista veneziano Alessandra Taverna. Affermato a livello internazionale dopo la vittoria del Concorso di Leed del 2009, Taverna ha proposto nel suo impaginato due brani di Chopin inframezzati da un lavoro di Alekandr Skrjabin. Una scelta che mette in rilievo il mondo romantico dalla prime note, quella dell'Andante Spianato e Grande Polonaise brillante Op.22 del polacco, tipiche di un romanticismo melodico di fase iniziale, sino ai momenti più evoluti del Presto della Sonata-Fantasia n.2 op.19 del russo Ma già nell'incredibile Presto della Sonata n.2 in Si bem. minore op.35 del polacco, eseguito come ultimo brano, si coglie già una stile compositivo che si spinge verso nuovi orizzonti espressivi. Taverna ha ben interpretato i tre lavori e specie nella celebre Sonata della Marchè funebre di Chopin ha trovato una valenza interpretativa di alto spessore, definito da una dettagliata chiarezza espositiva che esalta ogni peculiarità del corposo lavoro. Ottima la sintesi discorsiva nella Sonata centrale di Skrjabin. Applausi dal numeroso pubblico intervenuto ed eccellente il bis concesso con il Valzer brillante op.34 n.1 di Fryderyk Chopin. Il prossimo appuntamento della Società del Quartetto è previsto per martedì 8 marzo alle 20.30 in Conservatorio col pianista inglese Paul Lewis, specialista di Beethoven e di Schubert, eseguirà per l'occasione brani di Beethoven, Sibelius, Debussy e Chopin. Da non perdere!

6 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Un omaggio a Paolo Castaldi al Teatro dal Verme

L'Orchestra de I Pomeriggi Musicali, diretta da James Feddeck, ha voluto ricordare il compositore milanese Paolo Castaldi (1930-2021), a un anno dalla sua scomparsa, eseguendo due suoi lavori: il primo, più breve, Refrains per pianoforte e orchestra, era in prima esecuzione assoluta e il secondo, Seven Slogans per orchestra, era in due ampie sezioni di cui la prima tripartita. Il compositore, anche saggista e docente di Conservatorio, ha sin dagli anni '50 partecipato al dibattito relativo ai nuovi modi di comporre la musica, inserendonsi in quel filone di musicisti che partendo da Stravinskij trovava un linguaggio espressivo molto libero pur essendo ancorato al mondo tonale. I due brani proposti ieri sera, che troveranno una replica sabato alle ore 17.00, sono stati particolarmente significativi per evidenziare l'originale stile compositivo di Castaldi che con modalità assai personali, spesso unisce frammenti discorsivi del passato in una sorta di collage e di polistilismo. In Refrains  la parte solistica era affidata alla pianista Antonella Moretti. Il breve lavoro, meno di nove minuti la sua durata, era suddiviso in nove brevissimi momenti musicali. Il pianoforte della Moretti, ha segnato in modo determinato e incisivo lo svolgimento di Refrains (2000-2001) in cui spesso la sovrapposizione di differenti piani sonori e il rapporto dialettico con lo strumento solista determinano brevi suggestive timbriche, spesso improvvisamente interrotte. Le sonorità, molto cameristiche, dove anche i legni e gli ottoni hanno un ruolo fondamentale, hanno espresso bene questa sorta di neoclassicismo molto stravinskijano mediato dall'origionale linguaggo di Castaldi. Ottima la parte pianistica della Moretti, anche con inserzioni di brevissima durata. Nel secondo brano, con i Seven Slogans, brano orchestrale composto nel 1985-86, le modalità di scrittura hanno lo stesso orientamento in stile neoclassico, ma l'evolversi della composizione, più discorsiva e meno segmentata, ritrova una chiarezza espressiva ricca di contrasti in un contesto sempre cameristico. Valida la direzione di Feddeck e la restituzione dell'Orchestra de I Pomeriggi. Il concerto è terminato con una interessante interpretazione della Sinfonia n.1 in re maggiore D 82 di un Franz Schubert solo sedicenne. Ottima interpretazione. Applausi sostenuti dal pubblico presente al Teatro Dal Verme. Sabato, come già detto, si replica.

4 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Poesie della Merini e musica al Museo del Novecento

Dalla collaborazione tra il Museo del Novecento, NoMus e la Società del quartetto, è nata una rassegna musicale e letteraria che ha visto ieri pomeriggio il primo di una serie d'incontri che si terrano in questi mesi. L' "Omaggio ad Alda Merini" è avvenuto con una lettura-concerto di alcune pregnanti poesie della scrittrice milanese e con l'esecuzione di brani dei primi decenni del '900. Protagonisti di questa riuscita iniziativa sono stati Elena Zegna, voce recitante, e la pianista Eliana Grasso. Alternando poesie ai brani pianistici di Debussy, Šostakoviç, Rachmaninov, Skrjabin, Messiaen, Lutoslawski, Prokofiev, Bartók, Boulanger e Casella, inseriti in quattro quadri espositivi, si è venuta a creare, nel bellissimo spazio preposto al Museo del Novecento, una situazione particolarmente importante dovuta ai contrastanti testi poetici della Merini, recitati molto bene dalla Zegna, e dalle espressive e diversificate composizioni interpretate con intenso coinvolgimento emotivo dalla bravissima Grasso. Tra i brani eseguiti citiamo almeno quello iniziale con il celebre Clair de lune di Claude Debussy, il Preludio op.3 n.2 di Sergej Rachmaninov, un selezione dalle Danze fantastiche di Dmitri Šostakoviç, alcune Danze Fuggitive di Prokofiev, alcuni brani di Skrjabin e il significativo brano conclusivo con la rara ma efficace Toccata in do dies.minore op.6 di A.Casella. Una serie di brani ben accostati ai caratteri spesso forti e taglienti di alcune poesie della Merini, ma anche ad altre di più pacata espressività. Citiamo tra le poesie almeno Manicomio, Il dottore agguerrito nella notte, Sono folle d'amore per la sera, Abbiamo le nostre notti insonni, L'ora più solare per me,ecc. Di qualità l'interpretazione pianistica della Grasso che ha rivelato sicurezza e intensa partecipazione emotiva in tutti i brani proposti. Applausi intensi dal numeroso pubblico intervenuto. Ottima iniziativa!

2 marzo 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente al Civico di Vercelli l'arpa di Valerio Lisci

Sabato 5 marzo 2022 al Teatro Civico di Vercelli , Via Monte di Pietà 15, ore 21 si terrà un concerto dell'arpista Valerio Lisci. In programma N. Rota - Sarabanda e Toccata; N.C. Bochsa - Rondeau sur le trio Zitti zitti da Il barbiere di Siviglia di G. Rossini;F. Mannino - Tre Canzoni;E. Parish Alvars - Grande fantasie sur des motifs de Lucia di Lammermoor op. 79;G. Caramiello - Rimembranza di Napoli op. 6; V. Lisci - La Maschera; E. Parish Alvars - Sérénade op. 83;W. Posse - Variazioni su Il Carnevale di Venezia .

DALL'ITALIA VERSO IL MONDO: AL CIVICO L'ARPA DI VALERIO LISCI

Oltre a voler proporre al suo pubblico tutto ciò che di meglio offre oggi la nuova generazione di concertisti, il XXIV Viotti Festival vuole anche ampliare gli orizzonti dello spettatore, portandolo a incontrare repertori e strumenti meno conosciuti. Due obiettivi ambiziosi che si fondono in un unico concerto, quello in programma sabato 5 marzo al Teatro Civico di Vercelli (ore 21, concerto in abbonamento). Ovvero, l'appuntamento che vedrà protagonista il non ancora trentenne Valerio Lisci, “ambasciatore” nel mondo di uno strumento non comune ma di grandissimo fascino: l'arpa. Nel corso della serata, Lisci non solo mostrerà con accattivante virtuosismo tutta la sorprendente capacità espressiva dell’arpa, ma proporrà anche un programma “a tema”. Il concerto si intitola infatti Italianeggiante, ed è un suggestivo viaggio verso e attraverso il nostro Paese, visto sia con gli “occhi musicali” di autori italiani, sia con la sensibilità di compositori stranieri che all'Italia si sono ispirati. Si passerà così per pagine di autori che sono stati anche grandi arpisti, come Bochsa, Alvars, Caramiello, Posse e, non certo ultimo, lo stesso Valerio Lisci che presenterà il suo La Maschera, ma si scoprirà anche che due protagonisti della musica scritta per il cinema quali Nino Rota e Franco Mannino hanno composto per arpa, e con risultati spettacolari. E poi si viaggerà per l'Italia, da Napoli e Venezia, assaporando sia temi popolari sia la musica più “colta”, e si uscirà dal Civico stupiti che uno strumento tanto difficile da padroneggiare la tecnica arpistica è estremamente complessa possa riservare così tante emozioni.

1 marzo 2022 dalla redazione

FEBBRAIO 2022

Lorenzo Viotti dirige la Filarmonica della Scala in Čaikovskij e in Rachmaninov

Il direttore Lorenzo Viotti tra le repliche della bellissima Thaïs, da lui diretta, ha tenuto un concerto sinfonico, replicato due volte, dirigendo la Filarmonica della Scala in brani di Čaikovskij e Rachmaninov. Dei due compositori sono stati eseguiti la Serenata in do maggiore per archi op.48, che P.I.Čaikovskij compose nel 1880, e la Sinfonia n.2 in mi minore op.27 che Sergej Rachmanonov concepì nel 1907. La compattezza timbrica del lavoro cameristico del primo russo ha trovato un' eccellente interpretazione nel gesto asciutto, essenziale e misurato del giovane direttore svizzero. La celebre Serenata op.48 è strutturata in quattro parti e presenta un tema introduttivo dal carattere profondo e celebrativo, tema che ritornerà ancora nel corso del brano e anche alla sua conclusione. L'atmosfera ricca di nostalgia e tristezza dell'Allegro iniziale e dell' Elegia trova momenti di estrema positività nel delizioso Valzer centrale e nell'estroverso Allegro con spirito finale, una danza popolare divertente. Viotti ha trovato il giusto dosaggio nel definire le sottili timbriche che definiscono i contrastanti e repentini cambiamenti del brano, mantenendo un equilibrio perfetto nelle risoluzioni dinamiche. Bravissimi gli archettisti della Filarmonica. Ben più corposa, complessa e virtuosistica la rara Sinfonia n.2 del secondo russo. L'ampio lavoro, di quasi sessanta minuti di durate, presenta situazioni melodiche tipiche del compositore e frangenti di grandi volumetrie timbrica che rivelano le alte capacità d'orchestrazione di Rachmanimov, autore di un lavoro certamente evoluto considerando il periodo di scrittura. La Sinfonia, ricca di straordinari impasti coloristici, è stata resa con maestria da Viotti per una coinvolgente interpretazione dei filarmonici scaligeri. Bravissimi in tutte le sezioni orchestrali, gli strumentisti della Filarmonica della Scala hanno trovato ancor più una resa eccellente nell'Allegro vivace conclusivo. L'Op.27 meriterebbe una più larga diffusione. Applausi sostenuti in un teatro al completo e numerose uscite in palcoscenici del direttore.

28 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

ALEXANDRA DOVGAN A VERCELLI - QUANDO LA MUSICA ILLUMINA

Ieri sera, sabato 26 febbraio, il Festival Viotti, nella nuova serata della sua ventiquattresima stagione, vedeva il debutto, al Teatro civico di Vercelli, della giovanissima pianista russa Alexandra Dovgan, quattordicenne che ha cominciato a segnalarsi da qualche tempo nel firmamento del concertismo internazionale, con numerose esibizioni anche in Italia, e la cui comparsa sui palcoscenici si è già meritata l’appellativo di ‘evento’, “Lanciata” da autorevolissimi endorsements, come quello del connazionale Grigorij Sokolov, che, come si legge nel programma di sala, assicura che Alexandra non è più classificabile come un enfant prodige, ma ha già maturato una personalità adulta, si è guadagnata la fama di ‘piccolo genio’ della musica, Il pezzo scelto dalla Dovgan per il suo recital vercellese è stato uno dei due concerti di Chopin, precisamente quello indicato come n.2 benché, come noto, sia stato il primo a essere composto dal grande polacco: il Concerto in Fa minore op. 21. Ci pare interessante rilevare che secondo il programma del ViottiFestival diffuso a inizio stagione, la Dovgan avrebbe dovuto eseguire il concerto KV 491 di Mozart, un concerto che ha il suo valore principale nella straordinaria e tragica tensione espressiva, soprattutto nel primo tempo. In un’intervista di qualche tempo fa, la giovanissima pianista russa ha dichiarato di essere sempre lei a scegliere i pezzi da eseguire in concerto. Se è così, e non ne dubitiamo, è evidente che qualcosa ha indotto la Dovgan a preferire, ad un pezzo di grande profondità espressiva e dunque di intenso impegno interpretativo, un pezzo che porta in primo piano il virtuosismo del solista, specie nei due tempi esterni, affidando al tempo lento centrale il compito di dar voce ad un più effuso afflato espressivo. Insomma, una virata dal pianismo ‘espressivo’, al ‘pianismo spettacolare’. Francamente e sinceramente: peccato! Il programma prevedeva poi l’esecuzione di uno dei più celebri capolavori del sinfonismo ottocentesco, la beethoveniana Sinfonia n.6 in Fa maggiore op.68, universalmente nota come la ‘Pastorale’, L’orchestra era, come di consueto, la Camerata Ducale, diretta da Guido Rimonda. Fin dalle prime battute d’esordio del pianoforte, dopo l’esposizione orchestrale, nel concerto chopiniano, la Dovgan mettte in luce le solidissime basi tecniche del suo pianismo: la serie di quartine di semicrome in fortissimo con cui il pianoforte irrompe sulla scena e il successivo flusso, sempre di quartine di sedicesimi, che introduce il secondo tema, scorrevano sulla tastiera con un tocco elastico, un perfetto equilibrio tra le due mani, un’ energia, capace di proiettare un adeguato volume di suono, che si sgranava poi negli acuti degli abbellimenti, in particolare dei trilli, con cristallina limpidezza. Chi ascolta la Dovgan in questi brani di alto virtuosismo, non ha però l’impressione di trovarsi di fronte ad un virtuosismo esibito e forzato, teso al massimo della spettacolarità: c’è, nel fraseggio della giovane russa, un che di sobrio, di genuinamente spontaneo, che aderisce alla partitura senza voler strafare: non è, insomma, per usare la sprezzante espressione di Clara Wieck-Schumann, “una pestona”. Un po’ piatta, a nostro modesto parere, l’esecuzione dell’Allegro vivace finale, in forma di Rondò, dove il fraseggio della Dovgan, impeccabile nelle parti virtuosistiche, non è riuscito a rendere pienamente la fresca leggerezza popolaresca del ritornello né, soprattutto, quella ambigua vaporosità del secondo couplet, che è forse la parte più bella del Finale. Ma la Dovgan ha mostrato cosa può “diventare da grande” nell’interpretazione di quello che è il ‘centro spirituale’ del concerto n.2 di Chopin, cioè il centrale Larghetto. Con intelligente scelta interpretativa, la solista russa evita la tentazione peggiore di pezzi come questi (e di molto Chopin), cioè l’abbandono ad una languida sognante atmosfera di maniera, puntando tutto sulla purezza e soprattutto sulla dimensione interiore della melodia, grazie ad un tocco che sa tornire suoni perlacei e delicati, talvolta quasi sfiorati, anche nei numerosi abbellimenti: quello che la Dovgan ci propone è un meraviglioso brano musicale improntato ad un’intimità avvolgente, guidata da un sapiente controllo delle dinamiche, e che diventa davvero cosa sublime nel dialogo con il controcanto del fagotto, nella ripresa, dopo la contrastante sezione centrale, più mossa e drammatica. Questa è davvero musica che illumina chi ha il privilegio di ascoltarla e in questo brano la Dovgan ha mostrato di essere straordinariamente adulta . Nei concerti chopiniani, ben si sa, secondo il gusto Biedermeier dominante negli anni ‘20-‘30 delll’800, l’orchestra non ha un grande ruolo, limitandosi ad accompagnare il protagonista assoluto, il solista. Però Rimonda è stato bravissimo a guidare la Camerata Ducale nel seguire, in questo splendido secondo tempo, il fraseggio della solista, con una grande cura dei dettagli timbrici, un giusto stacco dei tempi, un chiaroscuro sottile e avvolgente delle dinamiche. Davvero un’emozionante esperienza di ascolto. E la bravura e la maturità ormai solida di Rimonda come direttore d’orchestra hanno dato ottima prova di sé nell’esecuzione della Pastorale. Sotto la pluridecennale guida del suo fondatore e direttore, la Camerata ducale ha raggiunto una perfetta trasparenza di suono, che Rimonda ha in questa occasione valorizzato al massimo, curando con particolare finezza le dinamiche e gli impasti timbrici, anzitutto quelli, decisivi per la Pastorale, fra gli archi e i fiati, ieri sera in forma strepitosa. Quasi subito l’ascoltatore è stato colpito, al comparire del secondo motivo dell’Allegro iniziale, dal suo trascolorare meravigliosamente reso, dai violini ai violoncelli, ai flauti: è cosi cominciato il viaggio in un meraviglioso mondo di suoni, che ha qualcosa dell’incantesimo di una magia, sotto la guida della bacchetta di Rimonda. Anche nei brani che troppe interpretazioni di esecutori e di critici hanno banalizzato a puri brani descrittivi di un postdatato barocco, come la “scena al ruscello”, l’interpretazione di Rimonda fa prevalere nettamente le ragioni della musica, come quando il tema di ‘barcarola’ in semicrome, più che “il brusio delle mille voci della natura” per citare il grande Mila, si presenta come una toccante, tenera danza di una musica luminosa, tersa, che avvolge nell’ebbrezza di una gioia senza limiti l’ascoltatore, invitato a immergersi nel sereno flusso della vita. Dicevamo della bravura dei fiati ascoltati ieri sera: ci si conceda qui un elogio particolare dell’oboe che, nel terzo tempo, espone, con una tenerezza e dolcezza straordinarie la terza idea del movimento, accompagnato dall’”ostinato” dei violini. La climax di questo viaggio nella magica fiaba sonora della Pastorale veniva poi raggiunta in quel momento di indicibile incanto, in cui avviene il trapasso dal fragore della tempesta allo splendido canto pastorale che domina il finale, che nell’interpretazione di Rimonda acquista una dolcezza e un sentimento di intima felicità riconquistata, che è delle migliori esecuzioni a noi note di questo capolavoro. Applausi prolungati di un pubblico che è tornato a riempire il Teatro Civico e che nella splendida musica ascoltata ieri sera ha trovato un po’ di conforto e forse di speranza, in un periodo di peste e di guerra come quello che stiamo vivendo. Serata che non dimenticheremo.

Bruno Busca 27 febbraio 2022

Continua il successo per il Thaïs di Massenet al Teatro alla Scala

Le ultime repliche del Thaïs alla Scala continuano ad avere un meritatissimo successo. Anche alla quarta rappresentazione, vista ieri sera, il pubblico, in un teatro al completo, ha tributato ripetuti applausi a tutti i protagonisti. Sono passati ottant'anni dalle prime rappresentazioni scaligere dell'opera di Jules Massenet. In piena seconda guerra mondiale, nel febbraio e nel marzo del 1942, vennero date le uniche cinque rappresentazioni dirette da Gino Marinuzzi. Vedendo la riuscita messinscena di questi giorni ci sembra evidente che questo capolavoro musicale francese mancava da Milano da troppo. L'apporto dell'originale e articolata musica di Massenet, composta intorno al 1894, è elemento strutturale per ogni messinscena. Nella versione del 1898, quella proposta al Teatro alla Scala dal direttore Lorenzo Viotti -svizzero di origine italo-francese- , e dal regista teatrale francese Olivier Py, il gioco di squadra è stato esemplare. Le scene e i costumi di pregio di Pierre-André Weitz hanno disegnato, con resa efficace, la semplice storia tratta dal romanzo di Anatole France e riportata nel libretto di Louis Gallet. La fondamentale parte coreografica di Ivo Bauchiero, sorretta dell'esemplare musica del grande compositore francese e dalle adeguate luci di Bertrand Killy, ha trovato un inserimento perfetto nel contesto scenografico. Ricordiamo l'ottimo intervento dei bravissimi bellerini Beatrice Carbone e Gioacchino Starace nel famoso intermezzo "Méditation", tema che conclude il primo quadro del secondo atto e che verrà accennato o ripetuto più volte nel corso dell'opera, anche nella toccante ultima scena con le voci dei due principali protagonisti. La componente vocale, di gran pregio, ha trovato come prime voci e primi attori, il soprano Marina Rebeka, una Thaïs di grande spessore che affronta il difficile ruolo con padronanza vocale esemplare, e il baritono Lucas Meachem, un Athanaël giovane cernobita, con timbro sicuro e ricco di dettagli. Di qualità le altre voci. Segnaliamo Giovanni Sala, un Nicias di grande espressivita , Caterina Sala in Crobyle, Anna Doris Capitelli in Myrtale, Valentina Pluzhnikova in Albine, Nicole Wacker La Charmeuse (in sostituzione di Federica Guida indisposta), Insung Sim in Palémon, ottimi insieme agli altri. Naturalmente di grande qualità il Coro preparato da Alberto Malazzi. Ultima replica prevista per mercoledì 2 marzo. Da non perdere! (Foto di Brescia- Amisano dall'Archivio del Teatro alla Scala)

26 febbraio 2022 Cesare guzzardella

Giuseppe Gibboni con l' Orchestra dei Pomeriggi Musicali per Paganini

Un'occasione da non perdere quella offerta da I Pomeriggi Musicali ieri sera. Giuseppe Gibboni, recente vincitore del "Concorso Internazionale di violino N.Paganini" di Genova, uno dei più prestigiosi al mondo, è venuto al Dal Verme per eseguire il Concerto n.1 per violino e orchestra op.6 di Paganini. L'Orchestra de I Pomeriggi diretta da James Feddeck aveva iniziato la serata con una valida interpretazione dell' Ouverture e Scena di danza da Arianna e Nasso di Richard Strauss. La serata ha avuto una svolta con la salita sul palcoscenico del ventenne violinista salernitano. Proveniente da una famiglia di musicisti, Gibboni suona da sempre il violino. Esemplare la sua interpretazione del concerto, forse il più noto del grande musicista e virtuoso genovese. La celebre op.6, strutturata in tre ampie parti, è un mirabile esempio della cantabilità italiana legata al mondo lirico e a quello strumentale. Paganini ha impreziosito le sue bellissime arie con i suoi virtuosismi. Nella restituzione del lavoro, Gibboni ha sbalordito per la bellezza del suo timbro. Una cantabilità precisa e luminosa, arricchita con i noti virtuosismi che con abilità esegue con resa semplice, pur essendo di una complessità inaudita. Ottima la componente orchestrale nella direzione di Feddeck. Applausi spontanei dal pubblico presente alla fine dell'Allegro maestoso iniziale, e ancor più fragorosi al termine del concerto. Due splendidi bis concessi da Gibboni. Prima il Capriccio n.24 sempre del genovese e poi un luminosissimo Bach. Dopo il breve intervallo, di qualità l'esecuzione della neoclassica Suite dal Pulcinella di Igor Stravinskij. Sabato alle ore 17.00 si replica. Da non perdere!

25 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

La pianista Ying Li per la Società dei Concerti in Conservatorio

La Serie Rubino dei concerti organizzati dalla "Fondazione la Società dei Concerti" ha ritrovato ieri sera la pianista cinese Ying Li per un recital variegato e ben strutturato. Per l'occasione, in concomitanza con la Settimana della moda milanese, la pianista si è presentata indossando due eleganti abiti della stilista Francesca Imperatore. Più classico il primo, come classici erano i brani della prima parte del concerto, più estroso e ricco di colori il secondo, in sintonia con i lavori della seconda parte. Ying Li è stata la vincitrice della prima edizione del "Premio Internazionale Antonio Mormone", terminato nel luglio dello scorso anno, ma ha vinto anche altri importanti concorsi internazionali, il più recente nell'ottobre del 2021 a New York. Certamente l'alto rilievo della tecnica pianistica sta diventando una costante per molti pianisti delle ultime generazioni. Ying Li oltre ad un formidabile virtuosismo ha una varietà di timbriche luminose e dinamicamente ricche. La prima parte del concerto era dedicata a J. S. Bach con la Suite Francese n. 5 BWV 816 e a R.Schumann con la Phantasiestücke op.12. Ottimo il Bach ascoltato, ricco di luce e perfettamente strutturato nella successione dei sette movimenti, con la celebre Gigue finale d'effetto per l'accentuata ed espressiva ritmica. Rilevante Schumann con la nota Op.12 ben rilevata in ogni dettaglio, una Phantasiestücke, però, non ancora pregna di spirito romantico. Di particolare qualità la seconda parte della serata. I brani ascoltati di Bartók, Albeniz e Ginastera, tutti composti nei primi decenni del '900, dimostrano l'attitudine di molti giovani pianisti ad esprimersi con maggior rigore nei lavori meno lontani o nel repertorio contemporaneo. Ying Li dopo aver ottimamente interpretato la Suite op 14 di Bartók, quattro movimenti composti dal compositore ungherese nel 1916, ha decisamente sbalordito in Albeniz con due brani tratti da Iberia: prima con Triana e poi con Fête Dieu à Seville. Con grande sicurezza ha riempito di colori i contrastati momenti delle due splendide composizioni. Le sue qualità ritmiche si sono poi ancor più rivelate a conclusione del programna ufficiale, con le più recenti Danzas Argentinas op.2, opera del compositore argentino Alberto Ginastera del 1937. La vivacità dei brani laterali - Danza del viejo boyero e Danza del gaucho matrero- hanno entusiasmato per padronanza ritmico-percussiva, mentre il meditato bellissimo brano centrale, la Danza de la moza donosa, ha rivelato l'intensa vena melodica dell'interprete. Successo caloroso con applausi fragorosi dal numeroso pubblico di Sala Verdi in Conservatorio. Due i bis concessi dalla bravissima Ying Li: prima un ottimo virtuosistico Verdi-Liszt con la celebre Parafrasi dal Rigoletto e poi un ritorno alla pacatezza con un valido Mozart nell' Andante cantabile dalla Sonata in si bem. maggiore K.333. Qualche variante nelle ultimissime battute, ma comunque di ottima fattura. Bravissima!

24 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

PROSSIMAMENTE ALEXANDRA DOVGAN A VERCELLI

Il talento non ha età: si può riassumere così lo spirito del concerto che il XXIV Viotti Festival presenterà al suo pubblico sabato 26 febbraio al Teatro Civico di Vercelli (ore 21, concerto in abbonamento), protagonisti la pianista Alexandra Dovgan e l'Orchestra Camerata Ducale diretta da Guido Rimonda. Non ha età perché la Dovgan, che vanta un presente da solista internazionale pluripremiata, ha appena 14 anni, una musicalità purissima, una maturità sorprendente e una spiccata insofferenza per la definizione di “enfant prodige”. E la si può capire: la sua presenza carismatica e la sua solidissima capacità interpretativa non hanno proprio nulla di adolescenziale. Ci si troverà dunque di fronte a una solista a tutti gli effetti già nel periodo “adulto” del suo percorso artistico, il che conferma la caratteristica unica del Festival vercellese, ovvero la capacità di proporre al suo pubblico tutte le assolute eccellenze delle nuove generazioni di interpreti. La Dovgan proporrà il Concerto n. 2 op. 21 di Fryderyk Chopin, e Chopin, come è risaputo, rappresenta l'apoteosi del pianoforte. (Foto a cura dell'ufficio stampa di Vercelli).

23 febbraio dalla redazione

Gidon Kremer in Conservatorio per i concerti di Serate Musicali

Le "Serate Musicali" hanno organizzato un concerto celebrativo per i 75 anni di Gidon Kremer ospitando, oltre al celebre violinista lettone, la violoncellista Giedré Dirvanausskaité - da anni strumentista della Kremerata Baltica- e il più giovane pianista Georgijs Osokins. L'impaginato diversificato, con trii di Schumann e Rachmaninov, ha visto anche due brani contemporanei: il primo di Igor Loboda ( 1956) un Requiem per violino solo, dedicato  al popolo ucraino per le infinite sofferenze subite; il secondo di Victoria Poleva (1962), un trio in un unico movimento del 2022 in prima esecuzione italiana. È una caratteristica di Kremer quella di produrre programmi che spaziano tra differenti periodi storici, inserendo sempre brani del Novecento e di musicisti contemporanei. Decine di compositori infatti, hanno scritto musica per lui, violinista tra i più riconosciuti del panorama mondiale. Il corposo Trio con pianoforte n.3 in sol minore op.110 di Robert Schumann ha introdotto la serata, rivelando da subito la cifra qualitativa del gruppo cameristico. Il brano eseguito per ultimo di Serjei Rachmaninov, Trio elegiaco in re minore op.9, opera giovanile del grande russo, ha sbalordito per qualità prodotta e sinergie degli interpreti. Tra loro, il pianista Osokins si è distinto per sensibilità e sicurezza, sostenendo un ruolo primario e dimostrando di penetrare in profondità - come gli altri interpreti- nella sofferta parte di questa elegia, opera che trova momenti di grande riflessione e altri di imponenti esternazioni volumetriche. Esecuzione esemplare. Nella parte centrale del concerto i due brani recenti, di relativamente breve durata, hanno visto prima l'assolo di Kremer col significativo Requiem, opera del 2014 del compositore georgiano Loboda. È un profondo e virtuosistico lavoro il Requiem, costruito su una canzone popolare ucraina, variata nelle complesse ed espressive progressioni melodiche che si concludono lentamente al ritmo di un significativo pizzicato ottenuto col dito mignolo. Il Trio dedicato a Kremer denominato "Amapola", della compositrice russa Poleva, ha modalità polistilistiche, con un impianto melodico-armonico fondamentalnente tonale di immediata comprensione. Le parti solistiche del violino e del violoncello intervengono in un tappeto sonoro pianistico dalle timbriche luminose, efficacemente introdotte e sviluppate dal bravissimo Osokins. Lavoro di evidente qualità, Amapola ha trovato riscontro favorevole dal numeroso pubblico intervenuto in Conservatorio. Calorosi applausi al termine del programma ufficiale, con ripetute uscite in palcoscenico dei protagonisti. Splendido il bis concesso con un adattamento strumentale per trio del noto lied Du bist die Ruh' di Franz Schubert eseguito con intensa espressività melodica.

22 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

La violinista Carolin Widmann diretta da Yoel Gamzou per il concerto di Korngold

Ieri pomeriggio l' Orchesrra Sinfonica di Milano "G. Verdi" ha tenuto l'ultima replica del concerto diretto da Yoel Gamzou per due lavori importanti quali il Concerto per violino e orchestra in Re maggiore op. 35 di Erich Wolfgang Korngold e la Sinfonia n. 1 in Re maggiore "Il Titano" di Gustav Mahler. Sono riuscito ad ascoltare- per sopraggiunti impegni- sola la prima parte del concerto. Il lavoro del compositore austriaco E. Wolfgang Korngold, nato a Brno nel 1897 e morto negli Stati Uniti nel 1957, ha avuto una non breve gestazione che è durata sino alla prima esecuzione che ebbe luogo nel 1947 per la bacchetta di Vladimir Golshmann e il prestigioso violino di Jasha Heifetz. Il tardo-romanticismo, dal sapore molto nordico, di questo splendido brano, strutturato nei classici tre movimenti, ha trovato come protagonista la violinista tedesca Carolin Widmann, solista di livello internazionale. La Widmann ha dato una lettura di altissimo livello coadiuvata dall'ottima direzione di Yoel Gamzou e dalle espressive timbriche di tutte le sezioni orchestrali. Soprattutto il coinvolgente Moderato nobile iniziale, il movimento più corposo, ha rivelato la valenza di un grande musicista quale Korngold, un tempo noto soprattutto per le numerose colonne sonore di film americani, per le quali, per alcuni di essi ottenne anche premi Oscar. L'incisività e la discorsività, ricca di espressività, della Widmann hanno esaltato la ricchezza virtuosistica di un concerto che vanta anche un'esemplare orchestrazione, degna di un G. Mahler o di un R.Strauss. Applausi sostenuti al termine ai protagonisti e ottimo il bis concesso dalla violinista con la più nota Sarabanda di J.S.Bach, interpretata benissimo.

21 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

L'ottimo duo di voce e pianoforte di M.Eleonora Caminada e di Alfonso Alberti all'Auditorium G.Di Vittorio

Un concerto di qualità quello proposto dal Alfonso Alberti, pianista e musicologo specializzato nella musica del '900 e contemporanea. Sua l'originale idea di articolare un programma che propone come riferimento l'anno 1917: l'anno della rivoluzione d'ottobre, l'anno centrale della Grande guerra, l'anno del primo jazz-Dixieland. Ha trovato nove noti compositori che avessero composto in quell'anno brani per voce e pianoforte, o perlomeno brani che in quell'anno avessero avuto una prima esecuzione. Da questa idea, che rivela la varietà di musica di quel lontano periodo- spesso pensata con stili e linguaggi molto diversificati- è nato un concerto che ha avuto come protagonista anche la bravissima Maria Eleonora Caminada, voce di soprano. La maggior parte dei brani, spesso brevissimi, ma con normali tempi per alcuni, erano di rarissimo ascolto. Lieder, song, romanze, canti popolari, a partire dai Cinque canti Op.27 di Sergej Prokofiev, hanno rivelato l'ottima voce della Caminada e la sua capacità di passare da un genere ad altro senza mai perdere un colpo in termini qualitativi, insieme, naturalmente, alle indubbie abilità pianistiche dell'Alberti che ha trovato un momento centrale, in solitaria, eseguendo benissimo il Menuet da Le tombeau de Couperin di Maurice Ravel- composizioni naturalmente terminate nel '17. Tutti interessanti e ottimamente interpretati i lavori presentati dallo stesso Alberti all'Auditorium della Camera del lavoro G.Di Vittorio. Segnaliamoli tutti, iniziando dal più melodico e se vogliamo "tradizionale" Puccini da La rondine con Ch' il bel sogno di Doretta, con l'ottima intonazione della Caminada. Non distante musicalmente da Puccini ancora un italiano con il rarissimo Ottorino Respighi de La fine, su testo del poeta indiano di R. Tagore dalle Cinque liriche, un canto raffinatissimo che meriterebbe una larghissima diffusione. D'impronta popolare e - come per il Prokofiev iniziale- di provenienza dall'est Europa, le Trois histoires pour enfants di Igor Stravinskij, fiabe quasi surreali del musicista russo, e una selezione ( le prime quattro) dalle Otto canzoni popolari di Bela Bartók, tutti brevi lavori, anche ben evidenziati dalla gestualità dalla Caminada. Di straordinaria resa espressiva, per l'unicità di linguaggio -un'atonalità spinta- i Quattro Lieder op.12 di Anton Webern, dove l'intreccio tra la complessa parte pianistica e le acrobazie vocali del soprano hanno rivelato un'eccellente integrazione dei due interpreti. Dagli Stati Uniti terminiamo con il melodicissimo George Gershwin di Beautiful Bird, scritti da un giovanissimo compositore diciannovenne, e a conclusione, He is There! un raro Charles Ives a ritmo di marcia. Lunghi applausi per i protagonisti e come bis di nuovo "voliamo" con il bellissimo brano Beautiful Bird di Gershwin. Bravissimi!!

20 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

L'ottima direzione di Diego Fasolis con I Pomeriggi Musicali

Un ottimo concerto sinfonico quello ascoltato ieri sera al Dal Verme con l' Orchestra de I Pomeriggi Musicali impegnata in brani di Mozart e Beethoven. A dirigere la compagine di strumentisti c'era Diego Fasolis, raffinato direttore, noto per il repertorio più lontano nel tempo, spesso eseguito con l'ausilio di strumenti originali. Fasolis, modificando l'ordine dei brani in programma, ha preferito dirigere prima tutto Beethoven lasciando, dopo il breve intervallo, la più celebre Sinfonia n. 41 in do maggiore K 551 “Jupiter” (1788) di W.A.Mozart. La sua energica modalità direttoriale, minuziosa e attenta ai dettagli, ha esaltato le qualità dei bravissimi orchestrali. Partendo con l'ouverture Le Creature di Prometeo (1801) di L.V.Beethoven, Fasolis ha dato grinta agli strumentisti de I Pomeriggi per un'interpretazione energica dove tutte le sezioni orchestrali hanno reso in modo adeguato, anche nelle importanti sezioni di legni e di ottoni. Anche i brani più corposi con la Sinfonia n. 2 in re maggiore op. 36 (1802) di L.v Beethoven e quindi la "Juppiter" di Mozart, hanno trovato energia e un equilibrio stilistico di alto livello nella bacchetta di Fasolis. Il direttore ha fatto emergere le timbriche in modo chiaro ed incisivo di ogni strumento o sezione strumentale. Di grande rilievo espressivo il Molto allegro, finale dell'ultima sinfonia mozartiana che oltre a concludere mirabilmente il ciclo sinfonico del salisburghese, ha posto fine alla bellissima serata strappando fragorosi applausi del numeroso pubblico intervenuto. Ricordiamo la replica di sabato 19 febbraio alle ore 17.00. Da non perdere.

18 febbraio Cesare Guzzardella

Leonora Armellini in Chopin per la "Fondazione La Società dei Concerti"

Il programma del concerto organizzato dalla Fondazione La Società dei Concerti, ascoltato ieri sera in Conservatorio, ha trovato sul palcoscenico di Sala Verdi la Filarmonica del Festival Pianistico di Brescia e Bergamo diretta da Pier Carlo Orizio e, al pianoforte, Leonora Armellini. Il celebre Concerto per pianoforte e orchestra n.1 in mi minore op. 11 di F.. Chopin ha rivelato un'eccellente interprete nella Armellini, pianista che ricordiamo essere entrata tra i finalisti del più recente e prestigioso Concorso Internazionale "F Chopin", conquistando e pienamente meritando, la quinta posizione. L'interpretazione fornita dalla Armellini, in piena sinergia con l'orchestra, ci è apparsa d'eccellente qualità. Una cifra stilistica, quella della ventinovenne padovana, che ritrova la migliore tradizione interpretativa del grande polacco. La sua espressiva esecuzione ha rivelato un tocco brillante, perlato e ricco di sfumature elargite con equilibrio, sottolineando ogni dettaglio in modo luminoso. Il suo disinvolto fraseggio è stato ben evidenziato e sostenuto dai bravissimi orchestrali della Filarmonica del Festival Pianistico di Brescia e Bergamo grazie alla precisa direzione di Pier Carlo Orizio. I fragorosi applausi - meriratissimi- per questa esemplare interpretazione, sono continuati anche dopo i tre bis concessi dalla pianista. Ancora Chopin con lo Studio n.12 op.10, lo Studio n.1 op.25, soprattutto il primo eseguito in modo esemplare per compattezza e scorrevolezza, quindi una rarità interpretativa con l'originale Tarantella del genio polacco espressa in modo energico dalla pianista visibilmente soddisfatta. Dopo il breve intervallo, l'esecuzione della nota Sinfonia n. 8 in si minore D 759 "Incompiuta"- seguita dall' Entr’acte n.3 da Rosamunde- di Franz Schubert, ha rivelato ancora le sensibili qualità degli orchestrali e del loro direttore Pier Carlo Orizio. Una splendida serata.

17 ottobre 2022 Cesare Guzzardella

Alexandre Kantorow per la Società del Quartetto

Per la prima volta in Conservatorio, il pianista francese Alexandre Kantorow ha tenuto un recital, organizzato dalla Società del Quartetto. La sua avviata carriera internazionale deve molto alla vittoria del prestigioso Concorso Čaikovskij di Mosca nel 2019. È un figlio d'arte, avendo come padre il celebre direttore e violinista Jean-Jacques Kantorow. L'impaginato scelto, con prevalenza di brani altamente virtuosistici, prevedeva pagine di Schumann, Liszt e Skrjabin. Il brano introduttivo era una parte tratta da Weinen, Klagen Sorgen, Zagen di Liszt dalla Cantata BWV 12 di J.S.Bach. Con la poco eseguita Sonata n.1 in fa diesis minore op.11 di Robert Schumann , Kantorow ha espresso da subito la sua elevata cifra stilistica, con impalcatura tecnica solidissima, dove un tocco leggero e preciso riesce all'occorrenza trovare un'esternazione più estroversa e voluminosa. Valida la sua interpretazione del complesso e fantasioso brano del compositore tedesco. Di maggior resa l'ancor più virtuosistica seconda parte del concerto. Quì è risultato ben individuato lo spessore musicale di questo giovane interprete. Prima con il Liszt del Sonetto 104 del Petrarca da Italia di ""Années de pèlerinage"", quindi di Abschied e di La lugubre gondola, brani maturi dell'ultimo Liszt. Il breve e visionario poema Verse la flamme op.72 di Aleksandr Skrjabin, ha rivelato maggiormente l'attitudine di Kantorow alle colorazioni scure, ben delineate dalla profonda interiorizzazione del tessuto melodico-armonico e ha evidenziato il suo marcato e preciso virtuosismo, presente soprattutto nell'ultima parte del breve lavoro. Con l'ultimo brano dell'impaginato, il noto Après une lecture de Dante: Fantasia quasi Sonata, il virtuosismo lisztiano ha trovato ancora un degno interprete in Kantorow. Di grande impatto il suo approccio alla "Dante Sonata", con una visione complessiva perfettamente calibrata nelle dinamiche e nelle timbriche, e con una sicurezza nel definire efficacemente ogni frase, anche quelle di maggiore difficoltà tecnica. Il pubblico presente in Sala Verdi è rimasto entusiasta, tributando, al termine del programma ufficiale, lunghi e fragorosi applausi. Due i bis concessi, prima uno strepitoso luminosissimo finale dall'Uccello di fuoco di Igor Stravinskij e poi un ottimo Johannes Brahms con la Ballata Op.10 n.2 in re maggiore. Da riascoltare al più presto.

16 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

L'Orchestra Cupiditas di Pietro Veneri per un interessante Richard Strauss

È tornata in Conservatorio, ai concerti organizzati da Serate Musicali, l' Orchestra Cupiditas e il suo direttore Pietro Veneri. La compagine orchestrale, formata prevalentemente da giovanissimi di età compresa tra i quattordici e ventotto anni, ha questa volta interpretato due brani certamente impegnativi. Il primo, di straordinario interesse, era una trascrizione per violoncello e orchestra dell'originale Sonata in fa maggiore per violoncello e pianoforte op.6 di Richard Strauss, lavoro giovanile del compositore. La versione con orchestra è opera di Giovanni Veneri, musicista che ha colto nella trascrizione orchestrale la visione costruttiva timbrica che si disvela nelle architetture musicali del grande musicista tedesco. La parte solistica era affidata alla violoncellista Silvia Chiesa, più volte interprete dell'originale op.6 col pianista Maurizio Baglini. Il brano - in questa versione in prima esecuzione mondiale-. ha trovato un valido riscontro nella resa orchestrale, oltre all'ottima esternazione del corposo violoncello della Chiesa, strumentista di ottimo livello con timbrice sicure, ricche di energia e sapientemente dosate. L'interpretazione è andata via via in crescendo per qualità, partendo dal più complesso e orchestralmente meno immediato, Allegro con brio e passando dall'intenso Andante ma non troppo sino all'avvincente Finale.Allegro vivo che ha rivelato ancor più le ottime qualità della cellista e i potenziali dei giovani orchestrali. Applausi sinceri al termine del brano e salita sul palcoscenico, tra gli applausi, di Giovanni Veneri, che, come ha poi ricordato la Chiesa, ha il merito di aver fatto una valida trascrizione che potrà in seguito travare risonanza tra le orchestra italiane e non solo. Eccellente il bis solistico della violoncellista con la Bourrée dalla Suite n.3 di J.S. Bach. Dopo la brevissima sosta l'impegnativa Sinfonia n.1 in do minore op.68 di Brahms, ben diretta da Pietro Veneri, ha avuto i momenti più felici nel Un poco sostenuto.Allegro iniziale e nel finale dell' Allegro non troppo, ma con brio. Applausi a tutti i giovani protagonisti e al direttore.

15 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Anne-Sophie Mutter e Lambert Orkis alla Scala per Mozart, Beethoven e Franck

Un Teatro alla Scala così pieno non si vedeva da un po' di tempo, e con un pubblico mediamente più giovane. La ghiotta occasione era rappresentata dalla presenza della celebre violinista tedesca Anne-Sophie Mutter, accompagnata al pianoforte dall'ottimo Lambert Orkis, pianista presente da anni in duo con la brava e ancora bellissima solista. Un impaginato classico con brani di Mozart, Beethoven e Franck, ha trovato certamente il favore del pubblico presente. I primi due lavori, la Sonata n.27 in sol maggiore K 379 di W.A.Mozart e la Sonata n.5 in fa magg. op.24 "La Primavera" di L.v.Beethoven hanno messo in risalto, oltre alle qualità della solista, anche quelle -eccellenti- di Orkis. Notoriamente nelle sonate di Mozart e Beethoven la parte pianistica non è di "accompagnamento", ma ha un ruolo pari e spesso predominante a quello del violino, tanto che originariamente, nel 1781, Mozart pubblicò un gruppo di sei sonate, tra cui la K 379, denominato "Sei sonate per clavicembalo e pianoforte con accompagnamento di violino". Di qualità l'equilibrio che si è creato tra la timbrica delicata della Mutter e le articolazioni, perfette nel fraseggio, nei pesi, e nei ricchi timbri del pianista. Di maggior presa violinistica la celebre sonata "La primavera" (1801) del genio di Bonn, con il noto incipit iniziale del violino nel primo movimento "Allegro". Dopo l'intervallo, il cambio di registro dovuta alla strepitosa Sonata in la maggiore (1886) di César Franck, ha invece maggiormente esaltato le eccellenti qualità interpretative di Anne-Sophie. L'evidente incisività timbrica che caratterizza la nota "sonata ciclica" di Franck, ha trovato nella Mutter interprete ideale. Il complesso sviluppo dell'ampio lavoro, con quell'originale tema che ritorna in tutti i movimenti, è stato espresso con timbriche chiare e scavate della solista. La resa sonora precisa e discorsiva della violinista, ha avuto integrazione nelle ottime armonizzazioni di Orkis e il risultato complessivo ha trovato un evidente riscontro nel pubblico, tanto da strappare applausi, cosa inconsueta, al termine dell'Allegro iniziale. Di grande impatto melodico i due bis concessi dall'eccellente duo. Prima una pagina di John Williams di intensa espressività melodica, e poi una profonda, articolata ed incisiva esecuzione della celebre Danza ungherese n.1 in sol minore di Johannes Brahms nella trascrizione del grande virtuoso violinista Joseph Joachim. Applausi fragorosi e continue uscite in palcoscenico degli interpreti visibilmente soddisfatti.

14 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli Emmanuel Tjeknavorian e Kiron Atom Tellian

Sabato 19 febbraio 2022 a Vercelli al Teatro Civico, Via Monte di Pietà 15, alle ore 21 si terrà un Concerto con Emmanuel Tjeknavorian, violino, e Kiron Atom Tellian al pianoforte. In Programma: J. Brahms - Scherzo in do minore WoO 2, A. von Webern - Quattro Pezzi op. 7, J. Brahms - Sonata n. 1 in sol maggiore op. 78, F. Poulenc - Sonata Alla memoria di Federico Garcia Lorca FP119, F. Schubert - Rondò in si minore op. 70, D 895. Quando è stato annunciato che il XXIV Viotti Festival avrebbe presentato il meglio dei giovani artisti della scena internazionale, si è fatta una promessa che, con il prossimo concerto. sarà ancora una volta mantenuta. Sabato 19 febbraio (ore 21, concerto in abbonamento) le luci del Teatro Civico di Vercelli si riaccendono per accogliere, due concertisti under 30 apprezzati in tutto il mondo: Emmanuel Tjeknavorian e Kiron Atom Tellian. Se per Tjeknavorian si tratta di un graditissimo ritorno al Festival, dove è già stato ospite e dove sarà ancora una volta protagonista a maggio, quando dirigerà un altro splendido talento emergente come Giulia Rimonda, per Tellian si tratta del debutto a Vercelli. Città che così aggiunge una nuova gemma al suo tesoro di giovani, anzi giovanissimi (l'età complessiva del duo non arriva a 50 anni) interpreti di assoluto valore. Ormai il pubblico del Festival sa bene che dire giovani non significa soltanto entusiasmo e passione, ma anche originalità nei programmi. E il concerto di Tjeknavorian e Tellian lo conferma, con una scelta di autori e brani capace di esaltare la purezza del suono e di sottolineare la potenza creativa della grande musica. Si andrà così da due opere di Brahms molto diverse fra loro – uno Scherzo giovanile dedicato al grande violinista Joachim e l'intensa Sonata n.1 della piena maturità all'ispirato e potente Rondò di Schubert, dalla tesa e incisiva Sonata di Poulenc alla memoria di Garcìa Lorca alle atmosfere rarefatte dei Quattro Pezzi di Webern. Scelte inusuali di due interpreti coltissimi e di grande sensibilità, capaci di dare vita a un concerto coerente ed evocativo, sempre fluido nella sua rigorosa compattezza. Per gli spettatori del Viotti Festival è l'ennesimo appuntamento al quale non mancare, ma è proprio vero che alla bellezza non ci si abitua mai.

14 febbraio 2022 dalla redazione

Davide Cabassi diretto da Gábor Takács-Nagy per il concerto di Schnittke

Un impaginato rilevante quello proposto ieri dall'Orchestra de I Pomeriggi Musicali per l'occasione diretta da Gábor Takács-Nagy. Tre compositori russi eseguiti in ordine inverso al periodo storico d'appartenenza. Prima Alfred Schnittke (1934-1998) con il Concerto per pianoforte ed archi, poi Dmitrij Šostakoviç (1906-1975) con la Suite "Amleto" op.32a, e per ultimo P.I. Čaikovskij (1840-1893) con la Suite n.4 in Sol minore op.61 "Mozartiana". Tre lavori di straordinario effetto musicale e d'immediata presa emotiva. Nel concerto di Schnittke la parte solistica è stata sostenuta dal pianista milanese Davide Cabassi. Schnittke, compositore eclettico, noto per il suo approccio multi-stilistico derivante dalla tradizione classica, ma influenzato da una serie di riferimenti musicali che spaziano dalla musica antica alla musica atonale, dal neoclassicismo al minimalismo, a certo spettralismo e anche al jazz, ha composto questo interessantissimo Concerto per pianoforte e archi nel 1979. È nei classici tre movimenti e l'impiego solistico del pianoforte spazia da momenti di semplice melodicità ad altri di fragorose esternazioni timbriche che creano situazioni di grande impatto sonoro. La componente orchestrale degli archi svolge un ruolo sia di sottolineatura dei colori pianistici, che di organica co-participazione alla resa compositiva. Cabassi ha sostenuto molto bene la non facile parte pianistica in un lavoro dove continui cambiamenti dinamici, timbrici e ritmici comportano difficoltà d'approccio da lui felicemente superate. Ottima la direzione di Gábor Takács-Nagy, direttore specializzato nel repertorio contemporaneo ma anche valente interprete della musica meno recente, come dimostrato dalla resa degli altri due avvincenti lavori. Successo per il lavoro del primo russo e ottimo il bis concesso da Cabassi. Dapo il breve intervallo, di rilevanza estetica la Suite composta da Šostakoviç per le musiche di scena di Amleto, una serie di tredici brevi ed intensi brani che hanno esaltato le ottime qualità degli orchestrali nelle varie sezioni. Altrettanto rilevante il delizioso lavoro di Čaikovskij costruito su celebri temi mozartiani e sulle dieci variazioni su un tema di Gluck del brano K 455. La Suite n.4 denominata " Mozartiana" ha infatto uniti i deliziosi temi del salisburghese ad un'atmosfera coloristica tipica di Čaikovskij. Fondamentali gli interventi solistici degli orchestrali: dal flauto, al clarinetto, dai precisi ottoni alle incisive percussioni, e soprattutto nel mirabile corposo intervento solistico del primo violino Fatlinda Thaci che ha ottimamente definito una delle più intense variazioni mozartiane riorchestrate dal compositore russo. Bravissima! Splendida la direzione ed eccellenti le timbriche dell'Orchestra de I Pomeriggi Musicali. Sabato 12 febbraio alle 17.00 si replica. Da non perdere!

11 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Arcadi Volodos per la Società dei concerti

È tornato in Conservatorio il pianista russo Arcadi Volodos in un recital organizzato dalla Società dei Concerti. Un impaginato ricco, con brani noti di Schubert e Schumann, che ha pienamente soddisfatto il pubblico presente in Sala Verdi. Il celebre pianista, nato a Pietroburgo nel 1972, è tra i migliori interpreti nel panorama internazionale, noto anche per le sue significative rielaborazioni, in senso virtuosistico, di molti celebri lavori. La corposa Sonata in re maggiore D 850 di Franz Schubert ha introdotto la serata. Un lavoro scritto in età matura dal viennese, precisamente nel 1825. La classicità della sonata si articola in quattro movimenti ricalcando il sonatismo beethoveniano, ma introducendo una varietà melodica tipica solo del viennese. Volodos si è rivelato un eccellente interprete schubertiano, capace di una straordinaria discorsività mediata da un peso delle dinamiche espresso in modo esemplare. Passando da una leggerezza quasi impercettibile dei pianissimo, sino alle robuste esternazioni dei momenti più concitati. La chiarezza espressiva è sembrata esemplare. Dopo il breve intervallo ha affrontato un "tutto Schumann" partendo dalle Kinderszenen op.15, raccolta di 13 brani dedicati ai giovanissimi, spesso brevi miniature di apparente facilità, uniti nell'esecuzione, quasi senza soluzione di continuità, alla celebre Fantasia in do maggiore op.17. Il netto salto virtuosistico della fantasia ha rivelato ancor più le abilità tecnico-espressiva dell' interprete che ha costruito un disegno preciso e raffinato nel definire i tre grandi poemi che compongono lo straordinario e maturo lavoro del compositore tedesco. Esecuzione di alto profilo estetico quella di Volodos, dove la sintesi discorsiva che ha origine da uno studio accurato di ogni dettaglio, sembra dispiegarsi in modo spontaneo, senza alcun minimo cedimento per una restituzione particolarmente espressiva. Applausi fragorosi al termine del programma ufficiale e ben cinque i bis offerti dal generoso pianista. Partendo dal noto Vogel als Prophet dall'op.82 di Schumann, poi i più rari Rachmaninov con Melodie op.21 n. e di Anatoly Lyadov il Preludio op.40 n.3 in re minore. Quindi Scriabin. Splendido concerto.

10 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Andris Nelsons dirige la Filarmonica della Scala

I concerti della Filarmonica della Scala hanno visto ieri sul podio scaligero il direttore lettone Andris Nelsons. Direttore affermato internazionalmente, attualmente svolge direzione stabile con la Boston Symphony Orchestra e con la Gewandhausenorchester di Lipsia. La scelta tradizionale dell'impaginato, ascoltato in un teatro colmo di pubblico, prevedeva prima Richard Wagner con il Preludio atto 1 dal Lohengrin, introduzione all'opera del 1853, poi il Preludio e Incantesimo del Venerdi Santo (dall'atto terzo) dal Parsifal composti tra il 1878 e il 1882. Dopo l'intervallo la Sinfonia n.7 in la maggiore op.92 di L.v. Beethoven, lavoro del 1811, completava il programma. Il clima meditato di Wagner ha trovato una valida direzione in Nelsons che ha ottenuto ottime dinamiche, con delicate e sottili escursioni volumetriche ben rilevate dai Filarmonici. In seguito l'energia discorsiva dei quattro movimenti della celebre Settima Sinfonia beethoveniana ha quindi portato gli eccellenti orchestrali ad esprimersi meglio, con una definizione coloristica, dinamica ed espressiva di alto livello, dal Poco sostenuto. Vivace iniziale, sino al rapido e ricco di energia Allegretto con brio finale. Eccellente la resa direttoriale e la complessiva restituzione in Beethoven e fragorosi e meritati applausi al termine dal pubblico presente.

(Foto di G.Gori- Uff.Stampa Filarmonica della Scala)

8 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Recital di Ferruccio Furlanetto alla Scala

Un programma impegnativo e particolarmente drammatico quello affrontato dal friulano Ferruccio Furlanetto al Teatro alla Scala. Sono passati oltre quarant'anni da quel lontano 1979, quando il celebre basso affrontò per la prima volta il palcoscenico scaligero nel Macbeth verdiano, nel ruolo di Banco, diretto da Abbado. Il recital di ieri sera lo ha visto accanto alla pianista Natalia Sidorenko- eccellente in tutti i lavori- per affrontare brani di Brahms, Musorgskij, Rachmaninov, Mozart, Massenet e Verdi. Brani che a parte alcuni mozartiani, hanno rappresentato alta drammaticità resa splendidamente dalla voce voluminosa ed espressiva del cantante. Ha iniziato dai maturi Quattro canti seri op.121 di Joahnnes Brahms, lieder composti nel 1896 che concludono con raro senso di smarrimento e tristezza la carriera del grande compositore amburghese, deceduto l'anno successivo. Quindi i quattro Canti e danze della morte, composti da Modest Musorgskij intorno al 1877, hanno ancora messo in risalto la pregnante e profonda voce di Furlanetto, seguiti ancora da due toccanti brani di Sergej Rachmaninov, tra cui Nel silenzio della morte misteriosa op.4 n.3. Dopo il breve intervallo, il ritorno sul palcoscenico dei due interpreti ha trovato un cambiamento di clima con tre brani di Mozart tratti dal Flauto magico, dalle Nozze di Figaro e dal Don Giovanni. Il carattere più dolce in In diesen heil‘gen Hallen e quello più spensierato in Non più andrai farfallone amoroso e Madamina, il catalogo è questo, hanno rivelato la duttilità del settantaduenne cantante nel cambiare la sua timbrica vocale e il suo stile espressivo, che trova sempre anche una precisa ed adeguata resa attoriale rispetto ai personaggi che interpreta. Il ritorno alla drammaticità si è ripresentato con la Morte di Don Chisciotte di Jules Massenet e ancor più con la Morte di Boris, finale del Boris Godunov di Musorgskij. Ancora drammatico l'ultimo brano dell'impaginato con Ella giammai m'amò dal Don Carlo verdiano. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto. Uno splendido bis concesso con un'esemplare Cavatina di Aleko dall'opera Aleko di Rachmaninov, intensamente espressiva. Applausi meritatissimi per i due interpreti!

7 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Luca Buratto a Villa Necchi Campiglio

I concerti organizzati dalla Società del Quartetto di Milano nell'ampio spazio coperto - ex tennis- di Villa Necchi Campiglio hanno trovato ieri, nel tardo pomeriggio, il pianista milanese Luca Buratto. Affermato nel panorama concertistico internazionale, Buratto ha impaginato un programma particolarmente vario con Brani di Schumann, Debussy, Janáček, Adès, Crumb e Bartók. Tredici lavori in un programma denominato "Nella notte" studiato dal pianista in modo intelligente, per un'esecuzione senza soluzione di continuità, in modo da sembrare come una grande suite dove i brani, pur essendo di autori diversi e distanti nel tempo tra loro di oltre 150 anni, sono resi in stile unitario, con un clima coloristico complessivo ben adeguato al clima notturno. Cinque i brani di Schumann, quattro quelli di Debussy, eseguiti in ordine sparso tra gli autori di minore notorietà come Thomas Adès (1971) e il suo Berceuse, da "The Exterminating Angel o di George Crumb (1929) con Dream Images da Mikrokosmos I, o di compositori eseguiti, ma meno dei primi, come Janáček e il suo Le nostre serate da "Sul sentiero dei rovi o Bartók con Musica notturna da "All'aria aperta". Insomma un programma suggestivo che unifica momenti compositivi differenti e che si è concluso con lo splendido In der Nacht-Nella notte dai Fantasiestüke op.12 di Schumann. Applausi calorosi dopo il silenzio assoluto, in uno spazio-tennis al completo. Generoso Buratto nel concedere tre validi bis: Janáček con Buonanotte, Debussy con Clair de lune e l'amato Schumann con l'ultimo dei Canti dell'alba. Bravissimo!

6 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Roberto Cominati per il concerto di Ildebrando Pizzetti

Un programma " Controcorrente" quello proposto dall'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi", che si ascolta raramente e che è piaciuto molto al pubblico presente in Auditorium ieri sera. Soprattutto il primo lavoro di Ildebrando Pizzetti, col suo "Canti della stagione alta" ovvero il Concerto per pianoforte e orchestra, non viene mai proposto pur essendo di indubbia qualità musicale. Composto nel 1930, quando il musicista parmense aveva esattamente cinquant'anni, il brano recupera quella tradizione antica che veniva osteggiata dai modernisti di quell'epoca. Le due parti del lavoro, dove la seconda è in realtà formata da un Adagio e da un Rondò, ha il pianoforte come strumento centrale, ma anche l'orchestra, per l'efficacia delle timbriche, ha un ruolo importante. Il solista Roberto Cominati, ottimo pianista cinquantaduenne napoletano, vincitore nel 1993 del Primo premio all'importante "Concorso Ferruccio Busoni" di Bolzano, ha aspresso chiarezza discorsiva e solida penetrazione nell'esprimere la non facile parte pianistica, che, come quella orchestrale diretta molto bene da Oleg Caetani , presenta continui cambiamenti nella linea melodico-armonica. Originalissimo il lavoro di Pizzetti che speriamo torni presto nelle sale milanesi e italiane. Di qualità i bis solistici concessi da Cominati, con il primo brano assai virtuosistico con un arrangiamento su valzer viennesi e il secondo, di pregnante epressività, con il Minuetto in sol minore HWV 434 di G.F. Händel nell'intenso arrangiamento di Wilhelm Kempff. Dopo il breve intervallo, Oleg Caetani ha ottimamente diretto la Sinfonica Verdi nella Sinfonia n.2 in do minore di Anton Bruckner. Composta nel 1871-72, è nei classici quattro movimenti e ritrova il compositore austriaco, dopo la prima sinfonia ascoltata recentemente, a cimentarsi in un brano di ancor più ampio respiro. Valida l'interpretazione fornita, con un'orchestra rilevante in tutte le sezioni, anche nei più concitati e appariscenti ottoni certamente di rilevante qualità timbrica. Applausi convinti. Domenica alle ore 16.00 si replica. Da non perdere.

5 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Pietro De Maria diretto da James Feddeck nel concerto di Schumann

Il Concerto per pianoforte e orchestra in La minore op.54 di Robert Schumann, cavallo di battaglia di tutti i migliori pianisti, ha trovato solista al pianoforte Pietro De Maria, un interprete affermato e conosciuto, soprattutto nel repertorio classico e romantico. Il celebre Concerto in La minore venne completato e poi eseguito a Desdra nel 1845 da Clara Wiech-Schumann. Divenne da allora tra i più eseguiti "concerti per pianoforte" e ancora oggi rimane ineguagliato per brillantezza, tensione emotiva ed equilibrio armonico. La non facile esecuzione, che prevede un'importante integrazione con la componente orchestrale, tanto da formare una sorte di sinfonia con solista, è stata affrontata con determinazione ed espressività da De Maria. Molto bravo nei frangenti di tensione volumetrica, è stato ancor più convincente nei momenti di maggiore interiorizzazione, dove i colori del pianoforte assumono un aspetto più intimamente romantico, come nella cadenza dell'Allegro affettuoso o nell'intenso tema dell'Andantino grazioso centrale. Di qualità la direzione di Feddeck e la resa strumentale dell'Orchestra de I Pomeriggi. Applausi fragorosi dal numeroso pubblico del Dal Verme e due splendidi bis solistici concessi da De Maria: prima un pregnante brano di J.P. Rameau, Les Cyclopes, eseguito con impeccabile precisione e chiarezza, e poi un delicato ed intimo Schumann con Eusebius da Carnaval op.9. Bravissimo! Dopo la breve pausa, I Pomeriggi hanno interpretato Mozart con la celebre Sinfonia n.40 in Sol minore K 550. Valida la visione complessiva di Feddeck che ha trovato il giusto dosaggio coloristico nell'integrare i diversi piani sonori che  s'intrecciano definendo con eleganza questo capolavoro del grande salisburghese. Fragorosi gli applausi a tutti i protagonisti. Sabato alle ore 17.00 si replica. Da non perdere.

4 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Il violoncello di Enrico Dindo per la Società dei Concerti

Il violoncello protagonista del concerto di ieri sera, quello di Enrico Dindo, ha trovato un valido compagno di viaggio col pianoforte di Carlo Guaitoli. Dindo ha iniziato la sua brillante carriera solistica con la vittoria, nel 1997, del Concorso "Rostropovich", acquisendo, via via, notorietà e diventando tra i migliori cellisti italiani ed internazionali. Guaitoli, affermatosi in molti concorsi internazionali, come il Casagrande di Terni nel 1994 o il Busoni di Bolzano nel 1997, ha trovato, oltre ad una brillante carriera solistica nel repertorio classico, anche fama tra i più giovani ascoltatori per via del sodalizio musicale con Franco Battiato. L'impaginato, interessante ed impegnativo, di ieri sera, prevedeva musiche di Schumann, Brahms e Miaskovsky. Dopo la frequentata Phantasiestüke op.73 di Schumann e la celeberrima Sonata n.1 in mi minore op.38 di Brahms, la rara Sonata n.2 in la minore op.81 del compositore russo N.J.Miaskovsky ( 1881-1950) ci ha permasso di conoscere un artista poco eseguito, ma certamente di grande raffinatezza musicale. Le qualità consolidate di Dindo sono state espresse mirabilmente in tutti tre i lavori, e la sinergia con il pianista Guatoli è stata ottima. Strumentista di precisa e sensibile visione musicale, Guaitoli ha un approccio asciutto e sicuro con la tastiera e una visione complessiva dei brani di alto livello. Con Dindo ha trovato la giusta espressività nel supportare le linee melodiche del voluminoso violoncello e, in alcuni frangenti, come nel sostenuto Allegro finale della sonata brahmsiana, il pianoforte ha avuto ruolo determinante. Decisamente valida l'interpretazione della sonata di Miaskovsky. Un lavoro di rara bellezza che trova riferimento soprattutto in Rachmaninov, ma anche in certo Šostakoviç, come nell'energico Allegro con spirito finale. Applausi sostenuti e un bellissimo bis concesso con una deliziosa ed intensa melodia di César Cui. Il suo Cantabile ha ancor più evidenziato la dolcezza del penetrante violoncello del grande interprete torinese. Applausi fragorosi al termine.

3 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Il Vision String Quartet in Conservatorio per la Società del Quartetto

È un gruppo di talenti di sicuro valore quello che forma il Vision String Quartet. Il concerto ascoltato ieri, organizzato dalla Società del Quartetto, ha visto sul palcoscenico di Sala Verdi, nel Conservatorio milanese, Florian Willeitner al violino, Daniel Stoll al violino, Sander Stuart alla viola e Leonard Disselhorst al violoncello. Quattro giovani che a Berlino, nel 2012 hanno avuto la luminosa idea di mettersi in gioco in una formazione quartettistica cha ha trovato in breve tempo un meritato successo. Punto di partenza anche la vincità del prestigioso Concorso Internazionale Felix Mendelssohn di Berlino nel 2016, seguito da molti altri primi premi in altri importanti concorsi È una formazione esemplare nell'eseguire il repertorio tradizionale classico, ma che ha la soddisfazione di dedicarsi anche ad \impaginati più "moderni", che spaziano dal folk, al pop, al funk e persino al jazz. Il programma del concerto di ieri era però decisamente classico. Prevedeva prima il Quartetto n.2 in la minore op.13 di F. Mendelssohn e poi il Quartetto n.13 in sol magg. op.106 di A.Dvořak. Due lavori importanti che hanno messo in rilievo l'eccellente intesa dei quattro strumentisti. Un equilibrio che sia nel più estroverso e melodico quartetto giovanile del lipsiano, composto nel 1827 da uno straordinario Mendelssohn diciottenne, che in quello più maturo e interiorizzato composto da Dvořak nel 1895, rivela le raffinate qualità del gruppo cameristico. I quattro, con i violini e la viola suonati in piedi, hanno eseguito, cosa assai rara, il quartetto di Dvořak completamente a memoria, senza spartiti. Ottima la discorsività e la resa espressiva di entrambi i lavori con un Dvořak di ancor più intensa espressività. Applausi fragorosi dal mumeroso pubblico intervenuto e un divertente "moderno" bis con un brano denominato "samba" eseguito tenendo violini e viola a "modo di chitarra", pizzicando le corde, per una resa ritmica e dinamica sorprendente. Applausi ancora più fragorosi, al termine dal pubblico entusiasta. Aspettiamo al più presto il Vision String Quartet in un programma con brani recenti come quelli del loro recente album "Spectrum" di cui Samba fa parte.

2 febbraio 2022 Cesare Guzzardella

Prossimo appuntamento a Vercelli con Timothy Ridout alla viola e Frank Dupree al pianoforte

Il prossimo appuntamento con la classica al XXIV Viotti Festival, sabato 5 febbraio (ore 21, concerto in abbonamento) al Teatro Civico di Vercelli sarà ancora una volta con ospiti eccellenti. Si tratta di un duo solidissimo, composto da interpreti molto giovani ma già acclamati in tutto il mondo: Timothy Ridout, già capace a 26 anni di portare la viola al centro dell'attenzione a livello internazionale, e il pianista Frank Dupree, 30 anni e una carriera di successi anche come direttore d’orchestra e jazzista. Due protagonisti d'eccezione che brillano per passione e originalità, qualità confermate dal programma proposto al pubblico del Civico, nel quale la scelta dei brani riesce a coniugare singolarità e rispetto dei “classici”, premiando sempre la ricerca dell'espressività. Si aprirà con Die Laune Aiolos (L'umore di Eolo, eseguito per la prima volta nel 2014), del compositore svizzero Richard Dubugnon: un brano intenso ed evocativo nel quale viola e pianoforte si inseguono in tempestosi passaggi virtuosistici. La parte centrale del concerto sarà poi musica 16 poesie di Heine, ma soprattutto una struggente, pienamente “romantica” storia d'amore, e poi con i Phantasiestücke (1849), tre pezzi in forma di canzone che creano un emozionante crescendo di tensione. La serata si chiuderà quindi con una selezione di brani dal balletto Romeo e Giulietta, qui proposti in forma di suite per viola e pianoforte firmata da Vadim Borisovskij: una scelta capace di esaltare l'inventiva esuberante che contraddistingue il capolavoro di Prokof’ev. Biglietti da 10 a 22 € online sul sito www.viottifestival.it o presso la biglietteria “Viotti Club” via G. Ferraris 14, Vercelli, dal lunedì al venerdì dalle 13 alle 18.50 Riduzioni per under 25, over 65, soci Coop. Per informazioni www.viottifestival.it email biglietteria@viottifestival.it cell 329 1260732 l prossimo appuntamento con il Viotti Festival è in programma sabato 19 febbraio al Teatro Civico (ore 21), con protagonisti Emmanuel Tjeknavorian al violino e Kiron Atom Tellian al pianoforte.

1 febbraio 2022 dalla redazione

GENNAIO 2022

Due flauti e il pianoforte di Bruno Canino alle "Serate Musicali"

Un concerto organizzato da Serate Musicali nell'elegante Sala Puccini del Conservatorio milanese, ha visto un pianista di classe quale Bruno Canino accompagnare due flautisti di eccellente qualità quali il danese -nativo di Budapest- Andras Adorján e l'udinese Luisa Sello. Entrambi noti in tutto il mondo, i due flautisti hanno suonato insieme o in alternanza in brani di Kuhlau, Mozart, Canino e Doppler. Il brillante Trio in sol maggiore op .119 per due flauti e pianoforte di Friedrich Kuhlau (1786-1832) ha introdotto il concerto. Un brano che ha subito rivelato le alte qualità dei flautisti e l'abilità del pianista napoletano nel mettere in rilievo le melodie flautistiche attraverso timbriche luminose e perfettamente scandite. Chiara e scorrevole la linea melodica e il contrappunto dei due splendidi flauti. La più nota Sonata per flauto e pianoforte in mi bem. maggiore dal Quintetto KV 452 di W.A.Mozart ha visto al flauto Adorján esprimersi molto bene nei tre movimenti del classico brano, coadiuvato ottimamente da Canino. Ricordiamo che Il Quintetto per pianoforte e fiati è stato rielaborato dal compositore L.W. Lachnith ( 1748-1820) e da Adorján stesso. Una delle novità della serata è stata la prima esecuzione di un lavoro di Bruno Canino (1935). Nella veste di compositore e non solo di pianista, Canino ha eseguito la sua Sestina per flauto e pianoforte insieme a Luisa Sello. Un brano di quasi sei minuti di durata, particolarmente chiaro nell'enunciazioni timbriche, dove l'importante parte pianistica è unita alla fondamentale articolata timbrica del flauto. Il brano è introdotto da una chiara linea melodica dello strumento a fiato sorretto dalle armonizzazioni pianistiche, per poi trovare una soluzione di dialogo tra le parti in un gioco contrappuntistico ben scandito da entrambi gli strumenti. Un lavoro di efficace resa espressiva che sconfina in territorio atonale e che si conclude con un'improvvisa brusca nota finale accentuata dal pianoforte. Deciso apprezzamento del pubblico presente in sala. L'ultimo lavoro della serata, un'altrà novità, era la Sonata per due flauti e pianoforte di Franz Doppler ( 1821-1883), flautista e compositore austriaco. In prima esecuzione italiana, la Sonata di Doppler si dipana in quattro movimenti ed è caratterizzata da una ricca vena melodica romantica di evidente estroversione. L'ottima interpretazione dei tre protagonisti ha concluso il programma ufficiale ma non la serata. Due infatti i bis generosamente concessi, tra cui un' eccellente trascrizione del toccante Andante dalla Sonata K 448 per due pianoforti di W.A. Mozart. Applausi meritati.

29 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

Il violoncello di Quirine Viersen diretto da Claus Peter Flor e una novità di Bizet-Ščedrin per "la Verdi"

Il concerto diretto da Claus Peter Flor, sul podio dell'Orchestra Sinfonica di Milano, ha portato due brani nell'ottimo impaginato scelto. Il primo, piuttosto eseguito, era il Concerto n.1 in do maggiore per violoncello ed orchestra di F. J. Haydn e il secondo, certamente di raro ascolto, la Carmen Suite di G.Bizet nella rielaborazione del compositore moscovita Rodion Ščedrin. Per il coinvolgente brano iniziale la violoncellista Quirine Viersen ha sostenuto ottimamente il ruolo da protagonista. La cinquantenne olandese, solista affermata soprattutto nel nord-Europa, ha trovato un giusto equilibrio per una sinergica interazione con la Sinfonica Verdi, ottimamente diretta da Flor. La sua dettagliata interpretazione del concerto haydniano evidenzia un'attitudine alla perfezione esecutiva che abbiamo riscontrato in tutti i tre movimenti che formano il classico concerto, dal Moderato iniziale all'intenso Adagio centrale interpretato magistralmente dalla Viersen, sino all'estroverso Allegro finale. Scritto da Haydn intorno al 1765, venne riscoperto solamente nei primi anni '60 del secolo scorso ed è un punto d'arrivo di tutti i grandi violoncellisti. Valido il bis concesso dalla bravissima Viersen con un ottimo Bach particolarmente apprezzato dal pubblico. Dopo il breve intervallo la rarità di Bizet- Ščedrin ha rivelato le qualità rielaborative del novantenne compositore russo che ha saputo reinterpretari le celebri arie tratte da Carmen utilizzando solo gli archi e le percussioni. Quartanta minuti di musica quella eseguita dagli eccellenti orchestrali, in grande forma sia nelle sezioni degli archi che in quelle della ampie percussioni. La direzione particolareggiata e attenta di Claus Peter Flor ha sottolineato tutti i tredici momenti musicali scelti da Ščedrin per definire il capolavoro lirico del francese, momenti giocati sul contrasto, a volte tenue, a volte incisivo, tra le melodiche dei violini, delle viole, dei violoncelli e dei contrabbassi e la ritmica percussiva spesso unita ai colori melodici di marimbe, vibrafoni e glockenspiel. Un lavoro di eccellente qualità quello che Ščedrin ha dedicato alla moglie ballerina Majja Pliseckaja nei primi anni '60, lavoro che meriterebbe di entrare spesso nei repertori delle orchestre italiane. Applausi sostenuti dal pubblico presente in Auditorium. Prossime repliche previste per questa sera, 28 gennaio e per domenica 30 gennaio. Da non perdere!

28 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

Il duo Hakhnazaryan-Tchaidze al Conservatorio milanese

Un programma romantico particolarmente interessante quello di ieri sera di Sala Verdi, organizzato nel Conservatorio milanese da "Serate Musicali". Un duo di ottima intesa formato dal violoncellista armeno Narek Hakhnazaryan e dal pianista russo Georgy Tchaidze. Hanno impaginato un programma con brani di Schumann, di Schubert e di Mendelssohn. La Phantasienstücke op.73 (1849) , del primo tedesco, ha introdotto la serata rivelando da subito la cifra stilistica del duo. Un'intesa giocata su timbriche tenui, di immediata discorsività, dove la fluidità melodica del violoncellista si è ben inserita nell'evoluto tessuto armonico pianistico di Schumann. Di più coinvolgente emotività, per la linearità dei temi, la  Sonata in la minore per arpeggione e pianoforte D.821 (1825) di Franz Schubert, nella più frequentata trascrizione per violoncello. Particolarmente conosciuta, la deliziosa sonata del viennese ha trovato ancora la scioltezza del cellista e l'abilità articolatoria del pianista per una efficace fluida resa interpretativa. Dopo il breve intervallo, la ingiustamente poco eseguita Sonata n.2 in re maggiore per violoncello e pianoforte op.58 di Felix Mendelsshon, ha concluso il programma ufficiale. Il lavoro composto nel 1843 dal musicista lipsiano è nel classico stile brillante, con frangenti di rapida esternazione, come avviene nel delizioso Molto allegro e vivace finale. Le repentine escursioni timbriche dei due strumentisti hanno ancora messo in risalto l'efficace intesa degli interpreti. Lunghi applausi e due bis concessi: prima le Variazioni sulla quarta corda da un tema di Rossini tratto dal Mosè, di Niccolò Paganini, eseguite virtuosisticamente da Hakhnazaryan sulla corda più alta del violoncello e poi l'Andante centrale dalla Sonata per violoncello e pianoforte di Sergej Rachmaninov. Applausi accorati dal pubblico presente in Sala Verdi ed evidente soddisfazione per gli interpreti.

25 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

I Capuleti e i Montecchi alla Scala

Continuano al Teatro alla Scala le repliche dell'opera belliniana I Capuleti e i Montecchi, lavoro del 1830 del compositore catanese che non trovò mai grande fortuna nelle rappresentazioni effettuate. Dalla Scala mancava da quasi trentacinque anni e con il nuovo allestimento di questi giorni, per la direzione femminile della romana Speranza Scappucci - alla sua prima direzione lirica scaligera- finalmente si è arrivati ad un successo convinto. Il nuovo allestimento del Teatro alla Scala, per la regia di Adrian Noble, le scene di Tobias Hoheisel e i costumi di Pertra Reinhardt, ha convinto il numerosissimo pubblico presente in teatro nella terza rappresentazione vista da me oggi, domenica 23. Le ottime sinergie di tutte le componenti presenti in scena, hanno trovato il punto di forza nella sensibile direzione della Scappucci deii bravissimi orchestrali scaligeri e nel valido cast vocale. La Scappucci ha trovato timbriche italianissime, delicate ed espressive, per esprimere i colori sfumati di Bellini e per esaltare le importanti voci soliste. Cinque le voci in scena, tre maschili e due femminile. Le due principali protagoniste, il soprano Lisette Oropesa, Giulietta, e il mezzosoprano Marianne Crebassa, Romeo (en travesti), sono state poi determinanti per l'indiscusso successo del non facile lavoro. ( prime foto a cura di Brescia e Amisano - archivio della Scala) La loro presenza scenica, specie nel secondo e ultimo atto, ha risolto problematiche storiche riguardanti proprio quest'ultima parte dell'opera, parte un tempo non apprezzata e solo recentemente rivalutata nella versione originale di Bellini. Ottime anche le tre voci maschili con il basso Jongmin Park nel ruolo di Capellio, il tenore Jinxu Xiahou in Tebaldo e l'inossidabile basso Michele Pertusi in Lorenzo. Eccellenti quindi sia la Giulietta di Lisette Oropesa che il Romeo di Marianne Crebassa che oltre a eccellere per coloristica e intonazione nelle arie individuali, hanno trovato eccellenza nei numerosi duetti presenti nell'opera, come nel sofferto finale che vede la loro celebre morte. Di alto livello, come sempre, il Coro del Teatro alla Scala preparato da Alberto Marazzi. Prossime repliche previste per il 30 gennaio e il 2 febbraio. Assolutamente da non perdere.

23 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

Pietari Inkinen dirige I Pomeriggi Musicali in Bruckner

Un impaginato tutto dedicato ad Anton Bruckner quello scelto dal direttore quarantenne Pietari Inkinen alla guida dell'Orchestra de I Pomeriggi Musicali. Ieri, nella replica del pomeriggio di sabato, l' Ouverture in sol minore prima, e la Sinfonia n. 1 in do minore dopo, hanno riempito di note l'ampia sala del milanese Teatro Dal Verme. Due brani di raro ascolto, composti dal grande musicista e organista austriaco pensando alla musica del tardo romanticismo tedesco e a quella di Richard Wagner. La produzione sinfonica di Bruckner ebbe inizio in età matura, alla soglia dei quarant'anni, è divenne copiosa fino a raggiungere il numero "magico" di nove sinfonie completate, la maggior parte di ampia dilatazione musicale, come avvenne anche per il suo collega Gustav Mahler. La delicata e più tradizionale Ouverture in sol minore è del 1862 e rappresenta uno dei primissimi lavori sinfonici del viennese, già autore di molta musica organistica, mentre la Sinfonia n.1 in do minore ebbe un percorso compositivo più travagliato e gli oltre cinquanta minuti di musica, dipanati nei classici quattro movimenti, sono da considerarsi tra le più brevi sinfonie del compositore. Composta tra il 1865 e il 1866, spesso rimaneggiata, contiene molte specificità tipiche dell'autore, con frangenti di efficace linguaggio espressivo tra situazioni di grande riflessività interiore ed altri di grande estroversione timbrica, come nelle prime note dell'Allegro iniziale. Il bravissimo direttore finlandese Pietari Inkinen ha rivelato sicure attitudini musicali verso la musica bruckneriana, dando una prova significativa nella sua completa esternazione musicale, ricca di dettagli e di espressività. Bravissimi i numerosi strumentisti dell'Orchestra de I Pomeriggi in ogni sezione strumentale, dai numerosissimi archi ai fragorosi ed efficaci ottoni, molto rilevanti nella musica di Bruckner. Grande successo con applausi fragorosi da parte del numerosissimo pubblico presente in teatro. Un prova decisamente valida!

23 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

Riccardo Chailly e la Filarmonica della Scala per Beethoven e Mahler.

Due Prime Sinfonie quelle ascoltate ieri sera in replica al Teatro alla Scala. Sul podio scaligero Riccardo Chailly ha infatti proposto prima la Sinfonia n.1 in do maggiore op.21 di L.v.Beethoven e poi la più corposa Sinfonia n.1 in re maggiore "Titano" di Gustav Mahler. Due lavori distanti tra loro circa 90 anni e diventati entrambi classici del sinfonismo musicale. L'orchestra beethoveniana, di medie dimensioni, ha ereditato nel 1799-1800, anni della realizzazione della sua "prima", le esperienze della scuola classica hydniana e mozartiana per un lavoro raffinato, ricco di equilibrio e anche spensierato, come testimonia il delizioso Allegro molto vivace che conclude la sinfonia. Un'interpretazione di grande equilibrio classico quella di Chailly, con una restituzione orchestrale di eccellente livello. Atmosfere più dilatate e contrastate quelle della celebre prima mahleriana, un brano di quasi sessanta minuti del 1888 che segna già completamente il linguaggio del grande musicista viennese. C'è già moltissimo Mahler nella prima sinfonia! Modalità discorsive che partendo dal mondo folcloristico austriaco, dal tardo romanticismo tedesco e da quell'ampliamento delle timbriche orchestrali sostenute dalla grandi orchestre sinfoniche dall'ultimo romanticismo, portano alla scrittura di capolavori divenuti dei classici non da molti decenni. Riccardo Chailly ha trovato il giusto equilibrio, senza eccessi volumetrici, nel definire in modo chiaro ed espressivo l'universo sonoro di Mahler. La Filarmonica della Scala, splendida, in ogni sezione strumentale, ha raggiunto pienamente gli obiettivi prefissati dal direttore milanese, con un traguardo di alta qualità assai apprezzato dal numerosissimo pubblico presente in teatro alla terza e ultima esecuzione. Applausi scroscianti interminabili e numerose uscite del Maestro.

21 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

Alvise Casellati e Alessandro Taverna per Mozart e Beethoven

La Fondazione La Società dei Concerti ha portato in Sala Verdi l'Orchestra Maderna, compagine nata a Forlì nel 1996 e diretta ieri sera in Conservatorio da Alvise Casellati. Protagonista del primo brano in programma è stato il pianista veneto Alessandro Taverna che ha sostenuto il ruolo più importante nel Concerto n.9 in mi bemolle maggiore K 271 "Jeunehomme" di Mozart. È un brano nei classici tre movimenti del salisburghese che segna una svolta di novità e creatività nei lavori solistici del grande compositore. Uscendo dal classico stile galante, tipico di quel periodo storico, Mozart, in questo noto lavoro del 1777, trova felici momenti creativi nell'Allegro, nel profondo Andantino centrale e soprattutto nel Rondó.Presto finale, un movimento particolarmente dilatato con all'interno un improvvisato minuetto centrale. Alessandro Taverna, coadiuvato con efficace resa coloristica dalla giovanile Orchestra Maderna e dall'ottima direzione, ha trovato un valido equilibrio discorsivo, giocato su una delicata ma sicura timbrica, ben articolata e trasparente. La parte solistica, spesso in evidenza senza accompagnamento, ha rivelato la rilevante cifra interpretativa del pianista che ricordiamo aver iniziato la carriera solistica a livello internazionale con l'affermazione al Concorso Pianistico Leeds nel 2009. Sostenuti gli applausi del numeroso pubblico intervenuto e valido il bis concesso da Taverna con il delicato Cigno dal Carnevale degli Animali di Camille Saint-Saëns, eseguito con garbo coloristico e rilevante espressività. Dopo il breve intervallo, valida l'interpretazione della Quinta Sinfonia di Beethoven, affrontata in modo grintoso da Casellati, per una resa sicura, chiara e ricca di energia specie nell'Allegro finale. Fragorosi applausi al termine e come bis ripetizione delle battute finali dell'Allegro.

20 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

VIOTTI TEA – L’APPUNTAMENTO SETTIMANALE CON LA CLASSICA E I GIOVANI TALENTI A VERCELLI

Nel Viotti Club, nuova sede della Camerata Ducale, la tradizionale ora del tè diventa l’ora della musica per ascoltare, in pieno pomeriggio, i migliori talenti della nuova generazione. In tempi di distanziamento, avere l'occasione di assistere (naturalmente, nel rispetto di tutte le norme di prevenzione) a un concerto dal vivo in un luogo intimo e raccolto come il Viotti Club di via Galileo Ferraris 14, nel cuore di Vercelli, è davvero un lusso.E ci sono almeno due motivi per apprezzarlo, se possibile, ancora di più. Il primo è che quello di giovedì 20 gennaio (ore 17) è solo uno dei ben 11 concerti che il Viotti Club proporrà da oggi fino alla fine di marzo.Un cartellone fitto di giovani solisti già avviati verso una prestigiosa carriera, ma anche una rassegna settimanale pensata – e realizzata pur tra tante difficoltà – per portare davvero l'arte “vicino” allo spettatore: il talento al servizio delle persone e della difesa dei veri, fondamentali valori umani.Il secondo motivo è che giovedì 20 saranno di scena due solisti già ben conosciuti al pubblico vercellese ed entrambi molto amati. La violinistra Giulia Rimonda, 19 anni, figlia d’arte di Guido Rimonda e Cristina Canziani, artista residente della Fondazione Società dei Concerti di Milano, solista della Camerata Ducale Junior, allieva di Salvatore Accardo all'Accademia Chigiana e dell'Accademia di Santa Cecilia. Josef Mossali, talentuoso pianista, 21 anni, già ammirato lo scorso giugno al Museo Leone nella rassegna Pianofortissimo e acclamato “Giovane talento musicale dell’anno” in occasione del Festival Pianistico di Brescia e Bergamo. Considerato che Rimonda e Mossali proporranno brani di grande presa emotiva, ovvero due Sonate di Franck e Prokofiev, il pomeriggio al Viotti Club si annuncia come una di quelle occasioni nelle quali sarà davvero bello poter dire: io c'ero. Tanto più che l'ingresso ha un costo estremamente contenuto, ovvero 5 Euro. Tuttavia, visto il numero limitato dei posti disponibili, è vivamente consigliata la prenotazione, che si può effettuare scrivendo a biglietteria@viottifestival.it o telefonando al 329 1260732. Giovedì 20 gennaio 2022 Viotti Club Via G. Ferraris, 14 – Vercelli Ore 17.00 Ingresso Euro 5 – capienza limitata Giulia Rimonda violino , Josef Mossali pianoforte Programma C. Franck- Sonata in la maggiore. S. Prokofiev - Sonata in re maggiore n. 2, op. 94 bis Il prossimo appuntamento con la rassegna VIOTTI TEA giovedì 27 gennaio (ore 17), Marco Carino pianoforte, programma: L.van Beethoven Sonata n.2 in la maggiore, op. 2 n. 2, J. Brahms Sonata n.2 in fa diesis minore, op. 2, F.Liszt Leggenda di San Francesco da Paola che cammina sulle onde, S.175 n.2 ufficio.stampa@camerataducale.it cell. 366 30 54 181

dalla redazione 19 gennaio 2020

Leonidas Kavakos ed Enrico Pace per "Serate Musicali"

È tornato in Conservatorio, ai concerti organizzati da "Serate Musicali", un duo di altissima qualità. Quello formato dal violinista greco Leonidas Kavakos e dal pianista riminese Enrico Pace. Come già scritto più volte in questi anni nelle pagine del giornale, un duo cameristico cha ha pochi rivali nel panorama concertistico mondiale. L'impaginato ascoltato ieri sera in Sala Verdi, prevedeva brani di Schubert, Schumann e Beethoven. Tre lavori importanti tra cui uno celeberrimo, la Sonata op.47 "A Kreutzer", eseguita dopo il breve intervallo e due meno noti, ma di altrettanto interesse: il tardo classicismo di Franz Schubert con la Sonata Duo n.4 in la maggiore D.574 (1817) e il romanticismo più evoluto di Robert Schumann con la Sonata n.2 in re minore Op.121"Grosse Sonate" (1851), così denominata per via della ingente dimensione. Le mirabili interpretazioni dei due strumentisti, poggiano su un equilibrio discorsivo e su un'accurata divisione delle parti, in perfetta sinergia. Il modo particolareggiato di scavare nelle timbriche di entrambi i musicisti, ha nella costante riflessione l'elemento centrale di definizione per una cifra estetica di evidente espressività. La discrezione sonora che caratterizza entrambi è supportata dalla consapevolezza di non voler mai esagerare con un uso gratuito virtuosistico. Le timbriche erano misurate ma con ampio spessore dinamico nella più classica sonata di Schubert, sonata che risente ancora dell'influenza mozartiana, sebbene più sostanziosa delle precedenti tre "Sonatine". Nella corposa Sonata op.121 di Schumann il taglio timbrico è apparso profondo, scavato e tormentato nelle melodie violinistiche e nelle rielaborate armonizzazioni pianistiche. Il risultato interpretativo è stato sorprendente e quest'ultima sonata, certamente tra le più complesse nell'esemplarità di tutti i quattro movimenti, è stata resa in modo comprensibile dalla chiarezza analitica della sua restituzione. A questo splendido lavoro si è unito poi il capolavoro consolidato della Sonata n.9 op.47 in la maggiore (1803). La sua restituzione ha trovato ancora nella resa analitica e dettagliata di Kavakos e di Pace il punto di partenza per una esecuzione che ha nel Finale.Presto il momento di più estemporanea resa discorsiva. Peccato la brusca interruzione nelle ultimissime battute - poi ripetute- del Presto iniziale del primo movimento, dovuta alla rottura di una corda del violino di Kavakos. La ripresa è stata poi compensata dal ritorno all'alta qualità interpretativa. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto e decisamente valido il bis con una inserzione musicale ricca di folclore tratta dalle rapsodie per violino e pianoforte di Bela Bartok. Splendido concerto.

18 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

Il direttore Vincenzo Milletarì e la pianista Valentina Lisitsa per le "Notti russe" dell' Auditorium

Il giovane direttore italiano Vincenzo Milletarì è in questi giorni sul podio dell'Auditorium di l.go Mahler per un programma tutto russo che prevede musiche di Čaikovskij, Stravinskij e Šostakoviç. Un impaginato eseguito partendo dal brano più recente del terzo russo, e che arrivare a quello più lontano nel tempo, il celebre Concerto per Pianoforte e Orchestra n.1 i si bem. minore op.23 di P.I. Čaikovskij, brano composto nel 1874-75. La prima parte della serata, con i primi due lavori, l'Ouverture su temi popolari russi e circassi op.115 (1963) di Dmitri Šostakoviç e la Suite "L'Uccello di fuoco" (1910 - 1919) di Igor Stravinskij, hanno messo in risalto le qualità direttoriali di Milletarì che ha ben espresso l'anima musicale russa alla testa dell'Orchestra Sinfonica di Milano G.Verdi, compagine strumentale ben collaudata in questo repertorio. Protagonista della seconda parte della serata- quella ascoltata ieri sera in replica- la celebre pianista ucraina - naturalizzata statunitense- Valentina Lisitsa. Il Concerto op.23, forse il più eseguito tra i concerti pianistici, è cavallo di battaglia di tutti i grandi interpreti. Unisce alla bellezza melodica dei temi, tra cui il celeberrimo tema iniziale, momenti di raffinato virtuosismo pianistico, spesso dominante sulla componente orchestrale. La Lisitsa, attraverso un' esecuzione virtuosistica, scorrevole e d'immediato impatto timbrico, ha trovato una corretta sinergia con l'Orchestra Verdi e con la valida direzione di Milletarì. Un'interpretazione che ha meritato pienamente il successo tributato dal numerosissimo pubblico intervenuto. Applausi fragorosi per tutti e, a conclusione. bis solistico della Lisitsa con un iper-virtuosistico Grande Polonaise brillante dall' Op.22 di Chopin. Un'esecuzione estemporanea, ricca di energia, che ha strappato al pubblico ancora fragorosi applausi. Domenica, alle ore 16.00, ultima replica. Da non perdere.

15 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli il Concerto della CAMERATA DUCALE JUNIOR con Benedetto Lupo

Al XXIV Viotti Festival inizia un'”altra stagione”. Proprio così, perché il concerto che andrà in scena sabato 15 gennaio (ore 21) al Teatro Civico di Vercelli con ingresso gratuito per gli spettatori under 25, a titolo promozionale e per avvicinare i giovani alla musica sarà il primo dei 3 appuntamenti della rassegna della CDJ - Camerata Ducale Junior. Il termine Junior non deve trarre in inganno: si riferisce unicamente all'età degli interpreti, giovanissimi talenti della classica, e non al livello della performance ormai apprezzato in tutta Italia. I Maestri preparatori dell’ensemble CDJ sono affermati solisti di livello internazionale, che quest’anno non soltanto guideranno le prove ma si esibiranno anche in concerto con i giovani interpreti, dimostrando tutta la dedizione e l'inesauribile entusiasmo di chi fa davvero della musica una ragione di vita. In questo primo concerto, l'onere e l'onore toccherà a Benedetto Lupo, uno dei pianisti che rappresentano sul piano artistico e didattico un punto di riferimento per i giovani musicisti.Intorno a lui, la CDJ in veste di quartetto d'archi, con Giulia Rimonda e Riccardo Zamuner ai violini, Lorenzo Lombardo alla viola e Luca Giovannini al violoncello, quattro talenti provenienti dalle grandi Accademie italiane, impegnati in due composizioni di Schumann e Brahms di grande fascino e appeal. C’è un altro motivo per non mancare: il concerto è dedicato alla memoria del professor Francesco Ottino, già docente, preside e “colonna” della scuola vercellese, ma anche grande appassionato di musica. Storico abbonato del Viotti Festival, ha saputo coinvolgere e interessare tanti giovani non solo nel mondo della scuola, ma anche in quello dei concerti. I 3 concerti della CDJ Camerata Ducale Junior non fanno parte della stagione in abbonamento del Viotti Festival. E previsto lingresso unico a 10 Euro, gratuito per i giovani under 25. Acquisto dei biglietti online sul sito www.viottifestival.it Benedetto Lupo, pianoforte, Camerata Ducale Junior, Giulia Rimonda Riccardo Zamuner violini, Lorenzo Lombardo viola, Luca Giovannini violoncello. Programma: J. Brahms - Quartetto per pianoforte e archi in do minore n.3 op. 60 ; R. Schumann - Quintetto per pianoforte e archi in mi b maggiore op. 44.

dalla redazione 12 gennaio 2022

L'addio alla Scala di Waltraud Meier

Il mezzosoprano Waltraud Meier ha dato l'addio al Teatro alla Scala con un ultimo recital proprio nel giorno del suo compleanno. Dopo quarantasei anni di carriera, onorata sia nel teatro milanese che nei più prestigiosi palcoscenici mondiali, la Meier ha deciso di lasciare le esibizioni entro il 2022 o nei primi mesi del 2023. Era il 1987 quando la Meier varcava per la prima volta il teatro scaligero, diretta da Sawallisch nel Cardillac di Paul Hindemith. Ieri sera un numeroso pubblico ha accolto la celebre cantante in palcoscenico con fragorosi e lunghi applausi. In compagnia del basso austriaco Günther Groissböck, entrambi accompagnati al pianoforte dall'ottimo Joseph Breinl, ha impaginato un programma corposo e vario che prevedeva brani di Rott, Bruckner, Wolf e Mahler. Alternandosi o in duo, entrambi hanno dato prova di grande espressività vocale. La potenza timbrica del più giovane Groissböck ha introdotto il recital con i brani di Hans Rott, di Anton Bruckner e i primi di Hugo Wolf. Una voce voluminosa, da basso profondo, precisa, dettagliata e di notevole espressività, ha trovato un appoggio sicuro e perfettamente calibrato nelle mani di Joseph Breinl. Pianista specializzato nel settore dei lieder, Breinl ha animato la serata con un pianismo che dire di accompagnamento è certamente riduttivo. Le valenze melodico-armoniche, specie nei brani di Mahler, sono state determinanti per il valore complessivo della resa musicale. In Mahler e non solo, vere e proprie orchestrazioni hanno messo in risalto timbriche complesse e articolate che solo un pianista di eccellenti qualità può evidenziare in modo chiaro e convincente. La voce intensamente espressiva della Meier, si è rivelata con ancor più intensità proprio nei brani mahleriani, oltre che nell'eccellente Erlkönig di Schubert - applauditissimo dal pubblico- eseguito come bis. Ancora una volta sono state rivelate le straordinarie qualitá gestuali-attoriali della cantante. Al termine del concerto il Sovrintendente e Direttore artistico scaligero Dominique Meyer è salito sul palcoscenico per salutare e ricordare a tutti gli intervenuti le straordinarie qualità artistiche dell'artista, sia nei momenti delle grandi Prime scaligere, specie wagneriane, sia nelle recite di tutto il mondo. Uno splendido omaggio floreale e un manifesto incorniciato con una grande locandina di una non lontana prima wagneriana, sono stati donati alla cantante. La Meier è poi intervenuta, con evidente emozione, per ringraziare il pubblico italiano della Scala che tanto ha contribuito ai suoi straordinari successi. Un breve, divertente ulteriore bis a tre ha concluso la splendida serata con ovazione finale per Waltraud Meier.

10 gennaio 2022 Cesare Guzzardella

A VERCELLI IL FESTIVAL INIZIA IL NUOVO ANNO NEL SEGNO DI GLORIA CAMPANER

Il concerto che sabato 8 gennaio (ore 21, concerto in abbonamento) andrà in scena al Teatro Civico di Vercelli sarà il primo del 2022 nel cartellone del XXIV Viotti Festival. E sarà dunque un appuntamento importante per almeno tre motivi: l'aspetto simbolico, i contenuti musicali e la presenza di una straordinaria pianista quale Gloria Campaner.Simbolicamente, questo concerto apre un anno che si annuncia ancora irto di difficoltà, ma che nel cuore di tutti si spera possa finalmente segnare l'uscita dall'emergenza pandemica e sappia consolare il pubblico della recente delusione per l’annullamento del concerto di San Silvestro E il programma del concerto aiuterà a recuperare una visione del mondo in qualche misura più poetica e fiduciosa. Gloria Campaner eseguirà infatti due capolavori assoluti del repertorio pianistico, capaci di coinvolgere, affascinare, commuovere. La Suite bergamasque di Claude Debussy, opera di vibrante e struggente bellezza che contiene, come un tesoro racchiuso in uno scrigno prezioso, il Clair de lune, forse tra i brani pianistici più amati e conosciuti di ogni tempo, capace di attraversare le epoche finendo addirittura per comparire nelle colonne sonore di grandi film hollywoodiani. Poi sarà la volta dei Preludi di Frederyk Chopin, omaggio al Clavicembalo ben temperato di J. S. Bach nel quale, in 24 brani – uno per tonalità – che a volte paiono quasi dei frammenti, si compone un mondo di passioni inquiete, sentimenti profondi, incessante ricerca della bellezza.Una scelta musicale esaltata dal valore dell'interprete. Gloria Campaner, infatti, cammina da tempo con grazia e bellezza sui palcoscenici internazionali lasciando dietro di sé momenti unici. Artista riconosciuta per i suoi molteplici talenti, unisce al suo appassionato impegno musicale un'incessante attività per la difesa dei diritti umani.

Prossimi appuntamenti:

- sabato 15.1.2022, h. 21, Teatro Civico di Vercelli, Benedetto Lupo, pianoforte e la Camerata Ducale Junior eseguiranno di Schumann Quintetto in mi b maggiore, op. 44 e di Brahms il Quartetto in do minore n.3 op. 60, concerto fuori abbonamento

3 gennaio 2022 dalla redazione

DICEMBRE 2021

A Vercelli Salta il Concerto di San Silvestro per alcuni casi di Covid

Con estremo rammarico l'Amministrazione Comunale di Vercelli e la Camerata Ducale comunicano che il Concerto di San Silvestro previsto al Teatro Civico per oggi, venerdì 31.12.2021, alle ore 19.30, è annullato. La causa è dovuta ad alcuni casi di Covid tra i componenti dell'orchestra e alla conseguente impossibilità di mandare in scena uno spettacolo a organico completo e nel rispetto delle norme di prevenzione. Si tratta di una decisione sofferta e dolorosa ma indispensabile in vista della tutela della salute degli orchestrali, del personale di scena e naturalmente degli spettatori.

31-12 - 2021 dalla redazione

GRANDE RITORNO AL TEATRO CIVICO: IL CONCERTO DI SAN SILVESTRO!

Se c'è un momento nel quale è importante iniziare un nuovo anno sotto una buona stella, è questo. Ed è difficile immaginare qualcosa di più positivo e beneaugurante di una serata allegra, piena di grande musica e costellata di risate, il tutto in ottima compagnia e con gli auguri finali che lasciano il tempo per recarsi al tradizionale cenone. Bene, tutto questo, e molto di più, è il Concerto di San Silvestro che andrà in scena anzi, tornerà finalmente in scena venerdì 31 dicembre al Teatro Civico di Vercelli, con inizio alle ore 19,30. Sarà l'appuntamento con il quale il Viotti Festival e la Camerata Ducale daranno l'addio al tormentato 2021 e il benvenuto al prossimo anno, che dal punto di vista musicale si annuncia assolutamente straordinario. Inutile sperare di ricevere qualche anticipazione: dalla Camerata Ducale non trapela assolutamente nulla sul programma della serata. Soltanto due sono le certezze. La prima è che sarà un concerto fitto di carrellate musicali travolgenti e di divertenti intermezzi nei quali i musicisti e i loro ospiti, anch'essi rigorosamente a sorpresa, mostreranno la loro verve comica e la capacità di dimenticare la serietà dei loro ruoli abituali. “Aspettiamoci l'inaspettato” sarà dunque la parola d'ordine. La seconda certezza è che, per la prima volta nella più che ventennale storia del Concerto di San Silvestro, la serata avrà un regista, e un regista d'eccezione: si tratta infatti di Giovanni Mongiano. Guido Rimonda violino e direttore, Giovanni Mongiano regia, Orchestra Camerata Ducale . Programma a sorpresa. (Foto dall'Uff.Stampa Camerata Ducale).

Prossimi appuntamenti: - sabato 8.1.2022, h. 21.00, Teatro Civico di Vercelli, concerto in abbonamento del Viotti Festival, Gloria Campaner, pianoforte eseguirà la Suite bergamasque di Debussy e i 24 preludi, op.28 di Chopin; - sabato 15.1.2022, h. 21, Teatro Civico di Vercelli, Benedetto Lupo, pianoforte e la Camerata Ducale Junior eseguiranno di Schumann Quintetto in mi b maggiore, op. 44 e di Brahms il Quartetto in do minore n.3 op. 60, concerto fuori abbonamento

29-12-2021 dalla redazione

Il duo Zalejski e Jakub Tchorzewski in Sala Puccini del Conservatorio

Un concerto di rarissimo ascolto quello proposto dal duo violinistico formato da Pawel Zalejski e Monika Hager-Zalejska e dal pianista Jakub Tchorzewski. Era organizzato da Serate Musicali e dal Consolato Generale della Repubblica di Polonia di Milano. Brani di Martinů, Szymanowski, Šostakoviç e Palester sono stati proposti nella Sala Puccini del Conservatorio milanese, all'insaputa della stampa ufficiale, visto l'esiguo numero di spettatori presenti. Ma i pochi fortunati hanno assistito ad un eccellente concerto dove i tre protagonisti, ora in duo, ora in trio, hanno rivelato alte qualità interpretative in brani raramente proposti ma certamente eseguiti dai protagonisti molte volte. La sintonia tra i due violini e l'ottima parte pianistica sono emerse in tutti i lavori, a cominciare dall'interessantissima Sonata per due violini e pianoforte H213 del ceco Bhouslav Martinů (1890-1959). Il suo stile tra l'impressionismo alla Debussy e il neoclassicismo alla Stravinskij è emerso in toto nell'eccellente interpretazione, dove l'equilibrio perfetto del trio, giocato su un'eleganza alla "viennese", si è certamente notata. Eleganza, discrezione e attenzione alle dinamiche, si sono ritrovate in tutti i brani. Dal rarissimo Canto di Rossana per violino e pianoforte (solista la Hager) di Karol Szymanowski ( 1882-1937), ai deliziosi Cinque Pezzi per due violini e pianoforte di D. Šostakoviç (1906-1975); per arrivare ad un compositore che non conoscevo come il polacco Roman Palester (1907-1989) con due suoi lavori: la Danza polacca per violino e pianoforte (solista Pawel Zalejski) e la sorprendente Sonata per due violini e pianoforte, brano del 1939 in uno stile vicino a Martinů o ai russi del periodo. Di altrettanta qualità il bis concesso con la Danza spagnola per due violini e piano di Dmitri Šostakoviç, due minuti deliziosi. Applausi fragorosi dai pochi fortunati.

22 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

Roberto Cappello alle Serate Musicali in Conservatorio

Torna puntualmente a Milano in Conservatorio il pianista Roberto Cappello per i concerti organizzati da Serate Musicali. Questa volta per un impaginato dove il virtuosismo pianistico era rappresentato dalla figura del grande pianista-compositore Franz Liszt. Un programma interamente legato a Liszt, ma con un riferimento ad un altro grande genio dell'Ottocento musicale quale Franz Schubert. Tra le centinaia di trascrizioni o rielaborazioni fatte dal musicista ungherese su brani di altri compositori, certamente quelle sui lieder di Schubert occupano una parte rilevante. Il concerto, oltre novanta minuti di musica senza intervallo, ha trovato inizialmente otto lieder di Schubert nella trascrizione pianistica di Liszt, al quale si aggiunge l'Ave Maria eseguita a conclusione della splendida serata. Dopo i primi otto brani, due corposi lavori completamente di Liszt, Après un lecture du Dante: Sonata quasi una Fantasia e Bénédiction de Dieu dans la Solitude, hanno ancor più evidenziato la componente virtuosistica legata a Liszt e naturalmente espressa con efficace resa interpretativa dal pianista salentino. Cappello ha affrontato l'impegnativo impaginato con evidente concentrazione e profonda penetrazione del complesso materiale sonoro, esaltando la fondamentale parte melodica dei canti schubertiani in un contesto armonico deciso e limpido nelle timbriche espresse. La trasparenza dei piani sonori ha messo in risalto le melodie schubertiane in tutti i lavori, alcuni di essi maggiormente noti, come Sei mir gegrübt, Erkönig, Standchen ( la celebre Serenata) o l'altrettanto celebre Ave Maria. La perfezione tecnico-espressiva di Cappello ha messo in risalto ogni dettaglio, ben evidenziato nella solida costruzione architettonica. Di particolare intensità espressiva anche i due brani interamente di Liszt dove Cappello ha rivelato un taglio scultoreo nel definire le fragorose volumetrie spesso presenti, ma anche un modo sottile e raffinato d'espressione nei frangenti di più pacata discorsività, come nel secondo brano lisztiano. Una sequenza di brani scelti con coerenza, per una cifra stilistica che ha pochi uguali nel panorama pianistico internazionale. Un interprete che ricordiamo avere iniziato la folgorante carriera solistica nel lontano 1976 con la vittoria del prestigioso "Concorso Internazionale Ferruccio Busoni". Applausi fragorosi in una Sala Verdi purtroppo non al completo.

21 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

Agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala le musiche del siciliano Antonio Trovato

Una serata ben organizzata e ottimamente riuscita quella di ieri sera agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala di via Silvio Pellico. Mario Marcarini ha portato il pianista-compositore siciliano Antonio Trovato sul palcoscenico della capiente sala in occasione della conclusione del ciclo d'incontri musicali denominati "Lieti Calici", organizzati dal noto circolo culturale milanese. L'evento musicale è stato anticipato dagli interventi di Gino Vezzini, Presidente degli Amici del Loggione, che ha ricordato l'importanza storica degli "Amici del loggione" come luogo d'incontro d'illustri personaggi legati alla Scala; del Presidente di Ensto Apollo Guglielmo Rutigliano, una società anche specializzata in sanificazione di ambienti. Il Maestro Alberto Malazzi, direttoro del prestigioso Coro del Teatro alla Scala, impegnato in questi giorni nel Macbeth verdiano, ha ricordato il periodo di apprendistato col Maestro Bruno Casoni e la sua esperienze recente a Bologna, quindi quella attuale alla Scala in sostituzione di Casoni. Il virologo Fabrizio Pregliasco, ha poi evidenziato l'importanza della sanificazione degli spazi chiusi per protegerci dalla pandemia. Alcune domande di Marcarini al compositore Trovato hanno anticipato la sua performance di presentazione ai suoi Cd, sia quello recentemente uscito, "Percorsi dell'anima", reperibile in sala, sia il prossimo, legato ad un nuovo progetto, denominato "Luci di Sicilia". Tra i brani eseguiti, alcuni sono stati composti recentemente in occasione di questo incontro. Trovato, nato a Taormina nel 1970, ma residente da decenni a Palermo, nella breve intervista concessami nel pre-serata, ha raccontato il precoce inizio dei suoi studi musicali, lo studio classico del pianoforte, strumento da sempre presente in casa, provenendo lui da una famiglia di musicisti, e il suo immediato orientamento verso la composizione. La copiosa produzione ha portato Trovato ad eseguire in concerto i suoi espressivi lavori. Sottolineando gli studi di composizione con Eliodoro Sollima - padre del noto violoncellista Giovanni- e la sua passione per i classici italiani e soprattutto per la scuola musicale russa di Čajkovskij, Musorgskij Rachmaninov, Prokofiev, Šostakoviç e Schnittke, Trovato ha messo in evidenza la sua scelta compositiva nata dopo un lungo lavoro di ricerca musicale e legata alla tradizione tonale in opposizione al linguaggio sperimentale odierno, spesso incomprensibile. Nei suoi brani la provenienza dalla terra siciliana ha una ragione importante d'ispirazione. I suoi lavori hanno spesso come riferimento luoghi e situazioni legati alla Sicilia: dal celebre dipinto di Antonello da Messina "Annunciata di Palermo", al dramma di Falcone e Borsellino, dai luoghi storici palermitani come il mercato Vucciria e il relativo dipinto di Renato Guttuso, al mondo delle marionette e dei pupi ancora presenti in molte realtà, soprattutto locali, della terra sicula. Mormorii del bosco, Una preghiera (dedicato ad Antonello da Messina), Fantasia dantesca, Luci di Sicilia, Ad Apollo, Passeggiata alla Vucciria, I Pupi, questi i brani eseguiti da Antonio Trovato ieri in circa trenta minuti di ottima musica. Lavori caratterizzati da una valida costruzione melodico-armonica, e da un linguaggio personale che ha nella tradizione e nel calore mediterraneo i punti di forza e di pregnante resa espressiva. L'immediatezza della restituzione e della comprensione risultano evidenti, grazie anche alla sua dettagliata ed incisiva interpretazione pianistica. Applausi convinti dal numeroso pubblico intervenuto e ottima conclusione della serata con un aperitivo e una cena con eccellente vino rosso gentilmente offerti dall'organizzazione.

18 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

La violinista russa Alëna Baeva diretta da Jaume Santonja in Auditorium

Alëna Baeva, affermata violinista russa, è approdata a Milano per il Concerto n.1 in Re maggiore op.35 di Čaikovskij, opera arcinota del suo grande connazionale. L'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi" era per l'occasione diretta dallo spagnolo Jaume Santonja, impegnato nella seconda parte del concerto anche con la Prima Sinfonia del grande russo denominata "Sogni d'inverno". La notorietà del Concerto op.35, composto da P.I. Čaikovskij nel 1878, è tale da essere probabilmente il più eseguito al mondo. Non c'è grande violinista che non si sia cimentato in questo lavoro particolarmente virtuosistico che deve la sua fama soprattutto al corposo primo movimento, l' Allegro moderato, moderato assai, allegro giusto. Una prima parte che quasi sempre al termine strappa gli applausi del pubblico, cosa che teoricamente non dovrebbe avvenire ma che ancora una volta è avvenuta. L'interpretazione ascoltata dalla giovane solista Baeva è stata certamente all'altezza della notorietà del brano. Le qualità virtuosistiche di Alëna Baeva sono emerse dal suo tocco energico, preciso e dettagliato non disgiunto da eleganza anche gestuale, impreziosite dai corposi colori del suo splendido violino, un Guarneri del Gesù del 1738. Particolatmente intenso per le ombrose timbriche l'Andante centrale e ancora ricco di energia il Finale.Allegro vivacissimo. Di qualità le sinergie con l'Orchestra Sinfonica Verdi ottimamente diretta da Santonja. Particolarmente intenso il breve bis offerto dalla solista. Nella seconda parte della serata ottima l'interpretazione della Sinfonia in Sol minore "Sogni d'inverno", primo importante lavoro sinfonico di Čaikovskij iniziato nel 1868 e modificato più volte sino al 1874. Applausi fragorosi del numeroso pubblico intervenuto in Auditorium. Prima replica per questa sera alle ore 20.00 e replica ulteriore per domenica alle ore 16.00-Da non perdere!

17 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

Successo meritato per il Macbeth al Teatro alla Scala

Dopo lo straordinario successo della prima scaligera e della diretta televisiva, con alcuni milioni di telespettatori, vedere finalmente ieri sera la quarta rappresentazione del Macbeth verdiano al Teatro alla Scala, ha dato maggiore chiarezza alle positive impressioni avute dalla visione sullo schermo. Guardare l'opera e ascoltarla dalle vive voci in teatro, ha aggiunto certezza alla validità di un lavoro certamente impegnativo e complesso, ma ottimamente realizzato. La regia e l'allestimento scenico, criticato in negativo da alcuni osservatori nella resa teatrale, meno in quella televisiva, mi sono assai piaciuti e le critiche di alcuni non mi trovano per nulla concorde. Anzi, considerando l'ottima direzione di Riccardo Chailly, l'alta qualità del cast vocale e l'eccellente parte corale, che in quest'opera è componente fondamentale, la regia di Livermore, l'allestimento Giò Forma con gli importanti video D-Wok, i costumi di Gianluca Falaschi e le luci di Antonio Castro, si sono rivelati di valore non solo per modernizzare l'opera, ma per l'attualizzazione dei contenuti. Fondamentale l'aspetto unitario della messinscena: non ci sono stati squilibri nelle varie componenti, ma soprattutto sinergie, e questo vale anche per la parte coreografica curata splendidamente da Daniel Ezralov. La concertazione di Riccardo Chailly, ricca di colori, energica e rispettosissima delle voci, ha esaltato la musica di Verdi, per un'opera probabilmente meno conosciuta di altre, che offre un insieme musicale, tra parti solistiche, corali e anche sinfoniche, che non ha uguali nella produzione del Maestro di Roncole di Busseto. L'alta resa espressiva dell' Orchestra scaligera ha trovato il degno appoggio nelle voci protagoniste di Anna Netrebko, una Lady Macbeth apparsa in grande forma sia vocale che attoriale, e di Luca Salsi, con un Macbeth di alto profilo timbrico. (foto a cura di Brescia e Amisano dall'Archivio del Teatro alla Scala) I due maggiori interpreti hanno rivelato volumetrie vocali invidiabili e chiarezza espressiva evidente. Di grande efficacia timbrica sia il Banco di Ildar Abdrazakov che il Macduff di Francesco Meli. Ottimi anche Chiara Isotton, Dama di Lady Macbeth, Ivan Ayón Rivas in Malcolm e gli altri. La formidabile parte corale curata da Alberto Malazzi, e per le Voci bianche anche da Bruno Casoni, ha segnato in modo indelebile, anche per presenza scenica, il capolavoro di Verdi. L'integrazioni delle luminosissime immagini proiettate, perfette in video, hanno trovato resa ottimale in teatro nella visione frontale del palcoscenico e meno dalle viste laterali. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico in un teatro quasi al 100% completo e numerose uscite in palcoscenico di tutti i protagonisti. Splendida messinscena!

16 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

Pletnev e Chopin alle Serate Musicali in Conservatorio

È ritornato Mikhail Pletnev ai concerti organizzati da "Serate Musicali" in Conservatorio. Questa volta per un "tutto Chopin", con una dozzina di brani tra Polacche, Notturni, Fantasie e Barcarola. Un pianista che, come sempre, si presenta statuario, con poca mimica e molta sostanza. Certo, Pletnev è Pletnev, nel senso che il suo modo di esprimersi è talmente personale da non essere che lui l'interprete di riferimento. Il problema è che il riferimento dovrebbe essere Chopin, l'amatissimo Chopin, storicizzato da molti eccelsi interpreti, e invece spesso troviamo Pletnev-Chopin, con il primo in maggiore evidenza del secondo. Premesso che ci troviamo di fronte ad un mostro di bravura, per quanto concerne il dominio assoluto della tastiera, il controllo delle dinamiche, dei timbri, di ogni dettaglio. Pletnev ha pochi rivali nel mondo dei grandi pianisti, che è inutile elencare. Insomma, quello che ha fatto il pianista russo è certamente un allargamento della prospettiva che consideriamo nell'ascoltare il grande Polacco. Uno Chopin iper-sfaccettato con frangenti eccelsi, che lasciano sgomenti per bellezza timbrica e raffinatezza di pensiero, come in quasi tutti i Notturni eseguiti, a cominciare da quello più celebre, il Notturno in mi bem. maggiore op.9 n.2, bello da togliere il respiro. Altri brani, come le Polacche Op.26 n.2 o Op.53, la Fantasia op.49, la Polonaise-Fantasie op.61 o la Barcarola op.60, fanno riflettere perchè Pletnev, in questi, porta l'ascoltatore dove vuole lui, facendo spesso dimenticare Fryderyk Chopin. Ma lui può permetterselo. Esemplare il bis concesso di Moszkowsky, l'Étude op.72 n.6. Applausi fragorosi dal numerosissimo pubblico intervenuto.

14 dicembre 2021  Cesare Guzzardella

LETTERATURA E MUSICA S’INCONTRANO AL FESTIVAL CANTELLI

Il terzo appuntamento dell’attuale stagione del novarese Festival Cantelli, ha proposto ieri sera, sull’ormai consueto palcoscenico del Teatro Faraggiana, un concerto dalla formula inconsueta e piuttosto originale, che può aver fatto storcere il naso a qualche musicofilo ‘fondamentalista’, ma che a noi è apparsa iniziativa culturale intelligente e stimolante. Fondata sull’incontro/confronto tra musica e letteratura, la serata proponeva l’esecuzione di un solo pezzo, la celeberrima Sonata beethoveniana per violino e pianoforte op. 47 in LA maggiore “A Kreutzer”, i cui tre movimenti intervallavano la rappresentazione in trasposizione teatrale del romanzo breve “La sonata a Kreutzer”, capolavoro dell’ultima fase della creazione letteraria di Lev N. Tolstoj. Probabile ideatore della serata, nonché pianista nell’esecuzione della sonata, Ettore Borri, per presentare il profilo e le attività del quale si esaurirebbe l’inchiostro di una penna: pianista di grande valore, studioso, in particolare della storia del genere pianistico del ‘notturno’ e massimo esperto in Italia dell’opera del compositore irlandese John Field che ne fu l’inventore, attualmente insegnante di pianoforte principale al Conservatorio di Milano e per anni indimenticato direttore di quello di Novara, città cui è profondamente legato, anzitutto con la presidenza dell’Associazione ‘Amici della musica’ organizzatrice del Festival Cantelli. E non abbiamo citato che una parte minima (per quantità, non certo per qualità) delle sue svariate attività. Al violino il giovane violinista novarese Matteo Ruffo, da dieci anni tra i primi violini dell’Orchestra Sinfonica della Rai, ma con alle spalle anche una solida esperienza sia solistica sia cameristica: è tra i fondatori del quartetto d’archi ‘Perosi’ che si sta facendo conoscere nelle sale da concerto e con incisioni discografiche di notevole qualità. La parte ‘teatrale’ della serata era affidata al noto attore Mario Cei, che ha interpretato una riduzione del racconto tolstojano, in sostanza un’antologia di pagine, pensata per l’occasione da Claudio Beccari, attore e regista da tempo immemorabile legato al teatro dei Filodrammatici di Milano. L’idea che sta alla base di questo spettacolo teatral-musicale è molto chiara: mentre per Beethoven la musica, come ben testimonia il c.d. “Testamento di Heiligenstadt”, costituisce l’attività spirituale che dà senso ad una vita che rischia di precipitare nell’abisso della disperazione, con l’insorgere della sordità, e dunque si presenta come elevazione dell’animo ed alternativa salvifica alla tentazione della morte, per il grande scrittore russo, all’opposto, la musica “è una cosa terribile” (come si legge nel romanzo), in quanto agisce sull’animo non elevandolo (“sciocchezze” commenta Tolstoj), ma eccitandolo, suscitando in esso un turbine di passioni, soprattutto legate alla sfera dei sensi e dell’eros, che, prima inavvertite dalla coscienza, affiorano ora sotto l’impulso del ritmo e del suono (Freud e la psicanalisi non sono lontani). Si tratta di una posizione che Tolstoj attinge a tutto un filone radicale della mistica cristiano-orientale e specificatamente russa e che appunto s’incarna nella tragica vicenda di Vasja Pozdniscev, il protagonista e io narrante del romanzo, che, spinto da un turbine di passione sensuale e di gelosia, sorto in lui all’ascolto della sonata “A Kreutzer “eseguita dalla moglie e da un giovane violinista, giunge infine a uccidere la moglie, della cui ‘colpa’, peraltro, lo stesso uxoricida non ha alcuna prova certa. Dunque musica come elevazione salvifica dell’animo, o come scatenamento sensuale di rovinosi impulsi inconsci ? Naturalmente dal palcoscenico del Faraggiana non può venire alcuna risposta, perché entrambe le tesi sono unilaterali e parziali: la musica è il più straordinario linguaggio non verbale creato dall’uomo, capace di dare vita a un mondo in cui si esprimono, nei suoni, tutte le pieghe dell’anima umana, l’intero ‘pianeta uomo’ , potremmo dire. E dunque l’elemento più accattivante di questa singolare messa in scena di una composizione musicale sta nell’atmosfera, carica di crescente tensione, che le pagine dell’opera del grande romanziere russo creano intorno alla musica, suggerendo come l’eco di una tenebrosa profondità, di un che di indicibile e di oscuro che si nasconde nel suono. A questo effetto contribuisce in misura decisiva l’ottima resa interpretativa di Cei, che, alternando recitazione e lettura, dà il ‘respiro’ giusto, emotivamente assai coinvolgente, alle pagine tolstojane, accompagnato da una sobria scenografia di evidente significato simbolico: due sedie tra loro distanziate da un lenzuolo di un letto nuziale arrotolato e gualcito, a significare la lontananza, l’estraneità reciproca tra i due coniugi protagonisti del racconto, per i quali (come per tutti gli uomini e le donne del mondo, secondo Tolstoj) quello che un’ipocrita convenzione chiama “amore” non può essere altro che pura attrazione fisica e piacere dei sensi, tragicamente sfociato nel sangue, il cui sinistro colore rosso illumina alla fine il lenzuolo. Ma veniamo all’esecuzione musicale di questo capolavoro. Il problema esecutivo fondamentale con cui gli interpreti della Sonata a Kreutzer devono fare i conti è già chiaramente indicato da Beethoven, quando nel titolo dell’opera parla di “stilo (sic) molto concertante, quasi come un Concerto”. Dunque una sonata che, per densità di scrittura e di intreccio delle due linee strumentali, va ben oltre i confini tradizionali del genere, per attingere una grandiosità di suono di rilievo concertistico. Basti pensare, a mo’ d’esempio, alla scrittura pianistica di eccezionale ricchezza, a quattro parti reali, della terza variazione dell’Andante centrale. A questo si aggiunge la seconda componente caratteristica della Kreutzer, quella che fece scattare la critica inesorabile di Tolstoj: l’estrema tensione agogica dei due tempi estremi, in particolare del Presto iniziale, un che di febbrile, di drammatico e sinistro che li ispira. Ci pare che Borri e Ruffo abbiano interpretato al meglio entrambi i caratteri del brano, Considerando in particolare il primo tempo, grazie alla proiezione sempre energica e potente del suono, al controllo sapiente delle dinamiche, i due interpreti hanno dato compiuto rilievo alla violenta contrapposizione, all’incessante inseguirsi dei due strumenti, che nella seconda sezione del movimento, dopo la breve pausa di poche battute in Adagio, si scatena in una serie di ottave spezzate, eseguite dal pianoforte di Borri con la giusta energia e sostenute dai pizzicati del violino, quasi ‘strappati’ da Ruffo. In questa sonorità vagamente allucinata, il rigore esecutivo dei due interpreti manteneva un controllo sempre nitido e trasparente del fraseggio, con un suono che non perdeva nulla della sua chiarezza anche nella coda, dove il pianoforte è chiamato a una vera ‘onda d’urto’ di martellanti doppie ottave arpeggi, mentre il violino affronta un impervio ‘sforzando’, che Ruffo esegue con olimpica naturalezza. Tutt’altra ispirazione, e dunque altre le esigenze espressive poste dal successivo Andante con variazioni: qui vengono in piena luce la luminosa cavata del violino di Ruffo, che incanta particolarmente nella terza variazione con una melodia fraseggiata con intima dolcezza di sfumature, e la fluida cantabilità che Borri sa dare al suono nella variazione iniziale, mentre l’ultima variazione è il banco di prova della raffinata capacità dialogica dei due strumentisti, sempre impeccabile, ma qui resa particolarmente suggestiva dall’incessante fioritura di abbellimenti, fra trilli, gruppetti e quant’altro, il tutto eseguito con limpida tornitura di suoni e timbri. Coinvolgente , nell’interpretazione di Ruffo e Borri il moto perpetuo in forma di tarantella, che nel Presto finale riprende l’acceso dinamismo del primo movimento, trascinante sino alla conclusione, all’insegna di un’ebbrezza incontenibile dei suoni: forse ha davvero ragione Quirino Principe, quando sostiene che, nella sua essenza profonda, la musica è energia cosmica allo stato puro, e Beethoven è stato il compositore che più di tutti lo ha capito. Bello lo spettacolo nel suo insieme, bella l’esecuzione della sonata a Kreutzer: merito dei tre bravissimi interpreti nei loro rispettivi ruoli, salutati da una salva di applausi del pubblico presente: abbastanza numeroso, ma una serata come questa avrebbe meritato almeno la platea al completo. Ma in tempi di Covid di nuovo all’offensiva qualche posto vuoto di troppo è più che comprensibile. Chi c’era, comunque, ricorderà a lungo questa serata. Ora il Festival Cantelli si prende una lunga pausa, per riprendere a Marzo con l’ultima serata in programma, dedicata allo ‘Spazzacamino’ di B. Britten.( Foto a cura del Festival Cantelli)

14 dicembre 2021 Bruno Busca

Wayne Marshall all'organo e alla direzione della "Sinfonica G.Verdi"

Un programma di particolare interesse quello voluto dal direttore d'orchestra inglese Wayne Marshall, con brani di Dupré, Poulenc e Bizet per un concerto denominato "A tutto organo" , ascoltato all'ultima replica domenicale in Auditorium. L'Ochestra Sinfonica G.Verdi di Milano ha trovato la corposità delle timbriche di un grande organo, suonato dallo stesso Marshall, per esprimere un qualcosa che si ascolta raramente. Il Concerto per Organo, orchestra d'archi e timpani del parigino Francis Poulenc, brano composto tra il 1934 e il 1938, era in posizione centrale nell'impaginato, come lo era il bellissimo organo posizionato al centro del palcoscenico. Marshall ha introdotto in solitaria il concerto con un lavoro organistico di Marcel Dupré denominato Cortège et Litanie op.19 n.2, dove ha rivelato oltre alle sue eccellenti qualità di organista, anche la varietà dei registri dello straordinario strumento a tastiera - ben tre tastiere più la pedaliera - per un brano composto dal francese nel 1922 per undici strumenti, poi trascritto per questo strumento. È un lavoro breve, di circa sette minuti, dal carattere religioso, sapientemente restituito nei colori dal solista. Di maggiore particolarità il Concerto per Organo, orchestra d'archi e timpani di Poulenc. Lo stile caratteristico e unico del compositore parigino si trova condensato in questo eclettico brano in sette movimenti, dove gli intensi volumi timbrici dell'organo sono a volte in contrasto e a volte complementari, con le timbriche degli archi. Elemento d'unione tra le corpose masse sonore dell'organo e degli archi è quello dei fondamentali timpani, inseriti nei momenti cruciali della bellissima composizione. Eccellente la resa strumentale di Marshall alle tastiere e contemporaneamente anche alla direzione. Di grande effetto il bis solistico concesso da Marshall con una trascrizione organistica, probabilmente dello stesso direttore , di Jingle Bells.  Dopo l'intervallo l'esecuzione della luminosa e scorrevole Sinfonia n.1 in do maggiore di Georges Bizet - un altro compositore francese- ci ha fatto tornare indietro negli anni al 1855. Bizet aveva solo 17 anni è componeva la sua unica sinfonia, un lavoro in quattro movimenti di raffinata e ricca liricità ed esemplare orchestrazione, interpretato splendidamente dalla Sinfonica Verdi e dalla decisa bacchetta di Wayne Marshall. Splendido concerto!

13 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

Successo all'Auditorium per il debutto dell'Orchestra Sinfonica Giovanile  di Milano

Il debutto dell'Orchestra Sinfonica Giovanile  di Milano ha riscosso un meritato successo all'Auditorium di largo Mahler. Formata da giovanissimi strumentisti, alcuni neo-diplomati, altri con ancora studi in atto, viene seguita da tutor della Sinfonica Verdi come lo storico primo violino Luca Santaniello, e ha prossimamente in programma altri importanti concerti. Nell'impaginato del tardo pomeriggio di ieri, due i brani in programma: il Concerto per Violino e Orchestra n.1 K 207 di Mozart e la Sinfonia n.7 Op.92 di Beethoven. Nel giovanile concerto mozartiano una violinista di primo livello e di notorietà internazionale quale Francesca Dego ha sostenuto ottimamente la parte solistica, e l'Orchestra, diretta molto bene da Andrea Oddone, ha integrato con qualità altrettanto valida, le eccellenti escursioni melodiche della Dego. La resa complessiva è stata ottima. Francesca ha poi concesso un bis solistico con un brano composto, e a lei dedicato, da Carlo Boccadoro. Il compositore, pianista e direttore d'orchestra milanese ha scritto Come d'autunno per violino solo ispirandosi dalla nota poesia di Ungaretti. Un brano di non facile discorsività eseguito con maestria dalla violinista, con momenti di evidente virtuosismo. Dopo il breve intervallo, la nota Sinfonia in la maggiore del genio di Bonn ha rivelato ancor più le qualità dei giovani orchestrali. La grintosa direzione di Oddone ha trovato una valida risposta in ogni sezione della più ampia compagine orchestrale che, dopo l'energico Allegro con brio finale, ha strappato fragorosi applausi al numeroso pubblico intervenuto. Eccellente debutto!

12 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

IL TRIO CHAGALL A VERCELLI PER IL VIOTTI FESTIVAL

La seconda serata dell’attuale stagione del Viotti Festival di Vercelli, prevedeva, ieri sera , sabato 11/12, secondo il programma ufficialmente pubblicato, l’esibizione al Teatro civico del Quartetto Adorno. Cause di forza maggiore hanno costretto quest’ultimo alla rinuncia, ed è stato sostituito da una delle più interessanti formazioni cameristiche ‘emergenti’ oggi in Italia, il Trio Chagall. Fondato a Torino nel 2013 dai giovanissimi Edoardo Grieco (violino), Francesco Massimino (violoncello) e Lorenzo Nguyen ( pianoforte), si è già fatto apprezzare in molte prestigiose sale della penisola, ottenendo numerosi riconoscimenti, tra i quali il più recente e significativo è il secondo premio (il primo non è stato assegnato) alla XX edizione dell’importante concorso “Trio di Trieste”. Molto interessante il programma con cui il Trio Chagall si è presentato al pubblico vercellese: a un inizio beethoveniano, con il Trio in Do min. n.1 op.3, è seguita una brusca virata sulla musica contemporanea, rappresentata da una composizione di Mauricio Kagel del 2001 , il Trio n. 2 in einem satz (in un movimento), per risalire agli anni venti del ‘900 con un’opera giovanile di D. Shostakovic, il Trio n.1 op.8 in do minore, composto nel 1923. Un impaginato costruito ‘ad anello’, dunque: all’inizio l’esordio nel genere Trio di un gigante del XIX secolo, alla fine il Trio d’esordio di un gigante del XX secolo. In mezzo, il linguaggio polimorfo, non riconducibile a un indirizzo o a una corrente dominante, proprio della musica contemporanea ‘postmoderna’. Non è facile ascoltare composizioni del ‘900, figurarsi poi del nostro tempo, nelle sale da concerto del Piemonte orientale e dunque grande è la nostra gratitudine a questi tre giovani dello Chagall e alla Camerata Ducale che li ha ospitati, per avercene offerta l’occasione! Fin dalle prime note del trio di Beethoven, l’ascoltatore è colpito dal suono che contraddistingue, in tutti e tre gli strumenti, il Trio Chagall: è un suono di straordinaria eleganza, fatto di pulizia, raffinata chiarezza delle linee strumentali, perfezione dialogica dell’insieme. A queste eccellenti qualità va aggiunta un’attenzione accurata ai timbri e alle dinamiche, subito messa alla prova dallo strano primo tema dell’Allegro con brio iniziale del trio beethoveniano, articolato in due sezioni agogicamente assai diverse, con una dinamica sfumata tra il piano e il pianissimo, resa con grande efficacia dai tre strumentisti. Questo Trio ‘battezza’ la tonalità di do minore, quale Beethoven la concepì nel suo c.d. “primo stile”, come voce di un’espressività improntata a un patetismo profondo, non privo di intensità drammatica: dunque il banco di prova ideale per verificare le capacità interpretative dei tre giovanissimi membri del Trio Chagall. Il tono generale con cui questo primo capolavoro beethoveniano è eseguito dai tre giovani interpreti è quello di un patetismo soffuso e vibrante, che tende, soprattutto nel Prestissimo finale, ad alleggerire i momenti più tempestosi della composizione, per privilegiare, con un sottile, quanto delicato gioco sui timbri e sulle dinamiche, il gioco dialogico tra le sezioni strumentali, ricondotto a un limpido equilibrio formale. Il punto più alto, anche emotivamente, di questa esecuzione è raggiunto col secondo movimento, un Andante, consistente in un tema di suggestiva cantabilità, seguito da cinque variazioni. Qui tutte le possibili combinazioni dialogiche fra i tre strumenti sono sfruttate con sapienza dal compositore: salvo la prima variazione, in cui a dominare è il pianoforte, nelle altre i tre strumenti sono posti su un piano di assoluta parità, in un colloquio incessante e sempre vario. Di questo movimento il Trio Chagall ha valorizzato al massimo, in funzione intensamente espressiva, la varietà timbrica, in cui il violino spiccava per una calda dolcezza, il violoncello colpiva per la morbidezza delicatamente brunita del colore, il pianoforte brillava con suono di impeccabile nitore, nel fluido disegno di biscrome della terza variazione, così come nel denso accompagnamento sincopato della quarta. A suggellare questo meraviglioso pezzo l’incantevole dolcezza che il Trio Chagall ha impresso alla coda, in un gioco di raffinati arabeschi, prima al pianoforte, poi al violino. Un’interpretazione assolutamente convincente, dunque sotto il profilo sia tecnico, sia espressivo, indice di una maturità e di una cultura musicale che non può non lasciare stupiti in giovani che hanno da poco superato i vent’anni. Il Kagel del Trio n.2, che ha la tragica particolarità di essere stato terminato nel pomeriggio dell’11 settembre del 2001, è certamente un Kagel piuttosto lontano da quello che era stato il compositore legato alle espressioni più radicali delle avanguardie musicali degli anni ’50-’60 del secolo scorso, in particolare sotto l’influenza di Cage e Stockhausen. E’ un Kagel che ha fatto i conti colla svolta del postmodernismo, con un recupero almeno parziale della tonalità, la contaminazione tra ‘alto’ e ‘basso’ nell’arte ( nel caso di questo trio, ad esempio, l’allusione al tango subito dopo momenti di sublime tragicità ‘classica’), il confronto con la tradizione. Il Trio n.2 presenta nel suo unico movimento, una notevole densità di materiale musicale, sviluppato con rapsodica libertà, ma, a ben guardare, si tratta di un Tema con variazioni: si apre infatti con uno sghembo ritmo di marcia, che più o meno affiora costantemente, trasfigurato, nel corso di tutto il pezzo. Il colore del suono cambia, soprattutto quello del violino, che deve assumere fin da subito, un timbro acido, quasi sgradevole, che si riverbera anche, attirandoli a sé, sul violoncello e sul pianoforte. Il trio di Kagel vede un alternarsi continuo di ritmi e di dinamiche, come una musica sempre sul punto di esplodere: i momenti per noi più coinvolgenti, ed eseguiti magnificamente dai tre interpreti, sono quei momenti lunari, avvolti in un’atmosfera come di attonita stupefazione, nei quali i tre strumenti mandano un suono flebile, quasi un messaggio disperato a un destinatario ignoto, fuori dallo spazio e dal tempo.Ma in generale i tre interpreti sono bravissimi a dar voce a quell’esuberanza musicale caratteristica di questopezzo e alla tensione che si nasconde sotto la sua superficie. Davvero un’ eccellente esecuzione, che ha suscitato lunghi e convinti applausi da parte di un pubblico non certo abituato a questo tipo di musica. Quanto all’ultimo brano in programmo, il Trio n.1 op.8 di Shostakovic, si tratta di ‘un ‘pezzo di baule’, presenza pressoché stabile nel repertorio del giovane Trio Chagall. Anche questo in un solo movimento, presenta una successione libera di momenti musicali, sull’esempio delle ‘Serenate’ settecentesche. Si apre con un tema pensoso e triste, cui segue immediatamente, per contrasto un tema più vivace, dal ritmo incalzante (anche qui sembra di riconoscere l’allusione ad un ritmo di marcia): è dunque già subito presente il contrasto che caratterizzerà sempre la musica migliore di Shostakovic, e che si esaspererà negli anni cupi dello stalinismo trionfante; il contrasto tra una musica che sa raggiungere abissi d’angoscia e una apparentemente più estroversa e ‘allegra’, ma di un’allegria amara e ironica. A partire da questo attacco, il trio prosegue con un’alternanza continua di sezioni di diverso andamento agogico. Osiamo definire stupenda l’esecuzione del Trio Chagall: citiamo, tra i momenti più coinvolgenti, il tema di ‘ninna nanna’, all’incirca al centro della composizione, esposto dal violoncello con una struggente intensità lirica senza pari; di poco successivo, un tema eroico, affidato prevalentemente alla mano sinistra del pianoforte, mentre la destra, ribatte un ostinato, cui sa dare il giusto colore di martellante disperazione; verso la fine, ciclicamente, la ripresa del tema introduttivo, in cui è il violino a spiccare con una melodia improntata a una tristezza velata, di sapore elegiaco. Ma ovviamente a rendere superba l’interpretazione di questo brano è il dialogo, sempre calibratissimo e sicuro, fra i tre strumenti, in cui ha spesso un ruolo di riferimento imprescindibile l’eccellente pianoforte di Lorenzo Nguyen. Gli applausi del pubblico, numeroso, anche se, coi tempi che corrono, i sold out dell’era precovid sono purtroppo un ricordo, hanno spinto il Trio Chagall a concedere un bis: anche questo un brano di Shostakovic, il primo dei cinque pezzi per due violini e pianoforte, in cui la parte del secondo violino è trascritta per il violoncello. Ignoriamo, francamente, se la trascrizione si debba allo stesso autore o ad altri. Certo è che, a paragone con l’originale, saremmo portati a preferire questa versione, che non avevamo mai ascoltato: si tratta di un breve pezzo, simile, per sentimento ispiratore, al primo, malinconico tema del Trio n.1 e interpretato altrettanto bene. Degno congedo di una serata di musica bellissima, che va ad aggiungersi alle tante che la Camerata Ducale ci ha regalato in questi anni. ( Foto dall'Ufficio Stampa di Vercelli)

12 dicembre 2021 Bruno Busca

 

Il pianista polacco Piotr Pawlak per il "Concerto per Antonio" in Conservatorio

E' il quinto anno che la Società dei Concerti ricorda Antonio Mormone, figura rilevante d' organizzatore di concerti e scopritore di talenti. Il "Concerto per Antonio" ascoltato ieri sera in Conservatorio, ha trovato un valido pianista polacco sul palcoscenico di Sala Verdi. Piotr Pawlak, classe 1998, ha partecipato recentemente al "Premio Internazionale Antonio Mormone" arrivando in seconda posizione e dimostrando di avere  importanti qualità musicali. Nella bellissima serata presentata, come sempre, da Enrica Ciccarelli, presidente e organizzatrice della società concertistica, l'impaginato prevedeva un "tutto Chopin" con brani molto conosciuti che avrebbero messo alla prova ogni valido pianista. Nella prima parte della serata il Preludio in do diesis minore op.45 ha anticipato, senza soluzione di continuità, la nota Sonata in si bem. minore Op.35 " Marcia funebre", mentre dopo il breve intervallo le Quattro Mazurche Op.17 hanno introdotto l'Andante spianato e Grande Polacca Brillante Op.22. Piotr Pawlak ha evidenziato eccellenti qualità tecniche, ben utilizzate per un'espressività certamente di qualità ma con punti di grande rilevanza nei lavori più giovanili del grande polacco, come nelle Mazurche e sopprattutto nell' Op.22 dove il carattere brillante del celebre brano è emerso in toto, dal chiaro fraseggio del pianista definito da note sgranate e luminose. L'ottima tenuta di Piotr ha portato ad una resa complessiva notevole. Di eccellente qualità la più nota tra le mazurche eseguite, la N.4 in La minore , un Lento ma non troppo reso celebre dal grande Vladimir Horowitz, che il giovane polacco ha degnamente interpretato. Valido anche il Preludio iniziale. Di buona qualità la Sonata Op.35, brano che abbisogna di completa maturità interpretativa per una resa di alto livello, e Pawlak ha certamente i potenziali giusti. Successo di pubblico e ben tre bis: d'indubbia ottima qualità il Notturno in do minore posth., valido lo Studio n.12 op.10 e ottimamente eseguito il terzo, di Liszt-Chopin "Madchens Wunsch" dai Sei Canti polacchi. Applausi dal numeroso pubblico intervenuto.

5 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

Ovazione per Lang Lang al Teatro alla Scala

Che terminasse con un'ovazione era pressoché scontato. Il pianista cinese Lang Lang è considerato oramai da molti anni un mito del pianismo mondiale. I suoi concerti, in ogni teatro, esauriscono rapidamente i biglietti disponibili. Così è successo anche ieri sera alla Scala. Un teatro completamente al completo, ha ospitato un pubblico eterogeneo, con presenti molti connazionali del pianista. Il programma incentrato nel genere "variazioni", prevedeva le celebri Variazioni Goldberg di J. S.Bach anticipate dall'Arabesque di Robert Schumann, un altro brano dove all'esposizione di un tema, qui ripetuto molte volte, segue una serie di variazioni. Certamente il contrasto tra i due lavori, il primo con evidenti riferimenti romantici, e il più corposo secondo, dove la costruzione razionale raggiunge vertici assoluti, si è notato. Il linguaggio, autenticamente personale, di Lang ha comunque creato una giusta unione dei due lavori. Le Goldberg sono un punto d'arrivo di moltissimi grandi pianisti, la maggior parte erano o sono specialisti di Bach. Lang Lang, noto per la varietà del suo repertorio, ha ben affrontato il tema e le trenta variazioni del capolavoro bachiano che, a secondo degli interpreti, variano notevolmente nella durata complessiva, e parliamo anche di oltre dieci minuti in più o in meno. Ben novanta minuti, secondo in più o in meno, la durata delle Goldberg, complete di ritornelli, di Lang-Bach. La dilatazione del tempo nell'Aria iniziale, ripetuta poi alla fine, e in molte delle variazioni, è certamente la caratteristica principale del suo Bach. L'escursione delle volumetrie con alcuni pianissimo quasi impercettibili, e i tenui contrasti, hanno intensificato la riflessività di alcune variazioni, in opposizione ad altre con tempi rapidi, ricche di accenti e con taglio netto e preciso. Indubbiamente Lang Lang ha mostrato di avere idee molto chiare in merito al suo Bach e le sue capacità di controllo, in ogni aspetto dinamico e timbrico sono fuori discussione. In molti frangenti, maggiormente negli andamenti rapidi, ha raggiunto dei vertici interpretativi dove il suo pianismo "creativo" , il suo Lang-Bach è risultato evidente. Il pubblico, dopo oltre cento minuti complessivi di religioso silenzio, con l'ultima nota ha dato sfogo ad applausi interminabili e Lang Lang, uscito più volte in palcoscenico, ha concesso due bis, il primo con "Jasmine Flower" da un canto tradizionale cinese e quindi il celebre beethoveniano Per Elisa, nell'apprezzabile dilatata versione ancora "alla Lang Lang". Ovazioni al termine e parecchie decine di cellulari per fotografarlo.

4 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

La Camerata Ducale di Guido Rimonda e il pianista Ramin Bahrami per la Società dei Concerti in Conservatorio

Sono tornati, dopo la "sosta Covid", il violinista Guido Rimonda con la sua Camerata Ducale e il pianista iraniano Ramin Bahrami, celebre quest'ultimo per il suo amore per la musica di J.S. Bach. Del concerto parlerò poco perchè è presente qui sotto il link che rimanda all'accurata recensione uscita sul nostro giornale recentemente, ad opera del corrispondente musicologo Bruno Busca sul medesimo concerto tenuto sabato scorso al Teatro Civico di Vercelli . Concludiamo sottolineando il grande successo di pubblico sia nel concerto del tardo pomeriggio, sia per quello serale. I protagonisti hanno voluto dedicare l'interessante impaginato vivaldiano e bachiano ad Antonio Mormone, storico fondatore dell'importante società concertistica, nonchè scopritore di talenti divenuti poi concertisti di fama internazionale. Splendidi i due bis bachiani concessi: prima un Adagio per violino e pianoforte da una Sonata di Bach e poi la celebre Aria dalle "Goldberg Variations" per solo pianoforte. Ricordiamo la serata straordinaria che si terrà sabato 4 dicembre, alle ore 20.45, in memoria di A. Mormone, denominata "Concerto per Antonio", dove il pianista polacco Piotr Pawlak eseguirà un "tutto Chopin". Da non perdere! Ecco il link:  www.corrierebit.com/musica.htm#bahrami2021

2 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

Il Trio di Parma e Guglielmo Pellarin per la Società del Quartetto

Ancora musica da camera in Sala Verdi. Questa volta il concerto del Conservatorio milanese era organizzato dalla Società del Quartetto. Ieri sera abbiamo ascoltato la prestigiosa formazione cameristica Trio di Parma, con Alberto Miodini al pianoforte, Ivan Rabaglia al violino e Enrico Bronzi al violoncello. In programma due trii di Johannes Brahms: il Trio in si maggiore op.8 e il Trio in mi bem.maggiore op.40. Quest'ultimo però prevedeva l'uso del corno al posto del violoncello. A svolgere il ruolo di cornista l'ottimo Guglielmo Pellarin, da anni primo corno dell'Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia. La qualità degli strumenti utilizzati, come il violino Santo Serafino costruito a Venezia nel 1740 o il violoncello Vincenzo Panormo, costruito a Londra nel 1775, e soprattutto le eccellenti qualità degli strumentisti, hanno permesso l'eccellente resa interpretativa prima nella giovanile Op.8, un trio completato nel 1854 da un musicista di non ancora ventun'anni; poi nella più matura Op.40, lavoro completato nel 1865 e dedicato al padre del musicista amburghese, ottimo suonatore di corno naturale. Un ottimo impasto timbrico è emerso nel noto Trio in Si maggiore. Nel più raro Trio in Mi bemolle maggiore la qualità dell'interpretazione ha trovato un'ottima resa musicale nelle note di Pellarin, per un lavoro di non facile interpretazione dovuto al dosaggio delle volumetrie che lo strumento a fiato impone. Bravissimi! Molto piacevole e ottimamente eseguito il bis concesso da tutti e quattro gli strumentisti: una riuscita trascrizione del terzo movimento dalla Sinfonia n.3 di Brahms, il Poco allegretto, che nell'originale versione sinfonica prevede l'esposizione del bellissimo e celebre tema iniziale ad opera del corno francese. Applausi sostenuti al termine della piacevolissima serata.

1 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

NOVEMBRE 2021

Il Quartetto Modigliani per le "Serate Musicali" in Conservatorio

Ottima musica da camera quella ascoltata in Conservatorio ai concerti organizzati da "Serate Musicali", la storica organizzazione concertistica milanese. Il Quartetto Modigliani, formazione francese fondata nel 2003, è formato dai violinisti Amaury Coeyataux e Loic Rio, dal violista Laurent Marfaing e dal violoncellista François Kieffer. I protagonisti, nei due brani di Franz Schubert, hanno trovato nel secondo lavoro in programma, l' Ottetto in fa maggiore per fiati ed archi op.166 D.803, altri quattro splendidi compagni: la clarinettista Sabine Meyer, il cornista Bruno Schneider, il fagottista Dag Jensen e il contrabbassista Knut Erik Sundquist. Il Quartetto per archi in mi magg. n.11 D.353 ha introdotto la serata. L'ottima esecuzione è stata sostenuta con eccellente equilibrio dinamico ed omogenea miscela coloristica dai quattro strumentisti, che ricordiamo utilizzare strumenti italiani, come i violini settecenteschi di Giovanni Battista Guadagnini o la viola del Seicento di Luigi Mariani e il violoncello del 1706 di Matteo Goffriller. Il Quartetto D.353 è del periodo centrale dell'attività schubertiana e trova ispirazione soprattutto nei classici quartetti d'archi di Joseph Haydn, riconoscibili nello stile soprattutto nel delizioso Rondó finale. Ancora più interessante il corposo Ottetto D.803 che ha concluso il concerto. I sei movimenti che compongono il tardo lavoro di Schubert, composto nel 1824, è un miracolo d'invenzione melodica dove tutti i protagonisti, sia gli archi che i fiati, si alternano in episodi melodici, scambiandosi le parti o accompagnando i compagni in un viaggio di raffinata sintesi discorsiva. La difficile resa estetica, dovuta al fatto di utilizzare strumenti molto differenti, soprattutto dal punto di vista delle volumetrie del suono - basti pensare alla possanza timbrica del  corno francese- ha incontrato professionisti degli strumenti che hanno individuato il giusto equilibrio di emissioni sonore, tali da non prevaricare mai le sonorità più "deboli". Bravissimi tutti e molto efficace la parte solistica, spesso presente, sostenuta da Sabine Meyer, strumentista di spicco nel panorama musicale internazionale. Sagnaliamo il prossimo appuntamento di "Serate Musicali", prevvisto per il 13 dicembre, che avrà come protagonista il celebre pianista russo Mikail Pletnev, per un programma interamente dedicato a Fryderik Chopin. Da non perdere!

30 novembre 2021 Cesare Guzzardella

PER IL FESTIVAL CANTELLI DOPO PIU’ DI TRENT’ANNI RITORNA A NOVARA IL PIANISTA MICHELE CAMPANELLA

L’Associazione “Amici della musica”, nell’ambito del Festival Cantelli di Novara, da essa promosso e organizzato, ha offerto ieri sera, 29 novembre, presso il Teatro Faraggiana, un’altra serata di musica di grandissima qualità, che ha permesso al pubblico degli amanti della musica della città piemontese di ascoltare un ospite illustre, dopo più di trent’anni dal suo primo e sino a ieri unico concerto novarese. Parliamo di Michele Campanella, l’esponente oggi più illustre di quella scuola pianistica napoletana ,che è vanto e gloria della cultura musicale italiana. Campanella è universalmente noto (e pluripremiato) come uno dei più grandi interpreti viventi dell’opera pianistica di F. Liszt, eppure nel programma da lui presentato ieri a Novara Liszt non compariva: il Maestro napoletano ha eseguito due delle vette più eccelse per qualità estetica e originalità, e più ardimentose per difficoltà esecutiva, dell’intera letteratura pianistica: i “Phantasiestucke”op. 12 di R. Schumann e “ I quadri di un’esposizione” di M. P. Musorgskij. Un programma che testimonia l’ampiezza di orizzonti della ricerca musicale di questo grande artista della tastiera., che non a caso, in un’intervista rilasciata qualche giorno fa al giornale “La Stampa”, dichiarava che alla base dello studio e della pratica della musica “deve esserci la curiosità totale di entrare fino in fondo in ogni brano e repertorio». A unire i due capolavori non c’è soltanto l’aspetto ‘tecnico’ del virtuosismo esecutivo, c’è qualcosa di molto più profondo, che spetta all’interprete cogliere e illuminare: pur nelle enormi differenze di linguaggio e di forma espressiva, ciò che accomuna Schumann e Musorgskij è ll’idea di una musica chiamata a sondare il mistero della vita, attraverso un caleidoscopico vortice di immagini, voci, le più varie e diverse, spesso percorse da una vena di grottesco umorismo o di inquietante allucinazione, sbigottita e sofferta espressione dell’impossibilità di dare una risposta ultima a quel “Warum?” (Perché?”), che echeggia quasi al centro del pezzo schumanniano. Veniamo dunque al modo in cui Campanella ha inteso e presentato al pubblico, le composizioni in programma. Schumann, come si accennava, è forse il musicista, che con maggiore intensità, sofferta fino al sacrificio di sé, della sua mente tormentata, ha concepito la musica e l’arte in generale come il linguaggio attraverso il quale rispondere all’interrogativo dell’esistenza. E nella musica di Schumann i modi di tale risposta sono ben più d’uno e non certo a caso il compositore di Zwickau amava la forma ‘a polittico’, come appunto i Phantasiestucke, composti da otto pezzi, ciascuno dei quali dà voce a un atteggiamento possibile di fronte alla vita e perciò presenta un proprio carattere ben definito e diverso dagli altri, tanto da rendere difficile dare unità a quest’opera affascinante. Qui sorge dunque il problema che chi suona l’op.12 di Schumann si trova inevitabilmente di fronte: dare voce espressivamente adeguata a tale varietà, scegliendo di volta in volta il tocco, il colore timbrico, le dinamiche più idonee: se c’è un’opera pianistica che non ammette ‘piattezza’ e uniformità di tecnica esecutiva è questa. Ebbene, le prodigiose dita di Campanella ci hanno offerto una delle più memorabili interpretazioni di questa gemma della musica di tutti i tempi. Il suono di Campanella, sempre sgranato con precisione assoluta, anche nelle parti agogicamente più mosse, ha saputo assumere una tale duttilità espressiva, una tale ’adesione all’essenza spirituale del singolo momento della composizione, che da suono si è fatto sentimento, emozione pura. Non possiamo passare dettagliatamente in rassegna tutti gli otto ‘tasselli’ del polittico, ma citeremo a mo’ d’esempio la sequenza che è un po’ come il cuore dei Phantasiestucke. “Warum?” grazie a un fraseggiare in sordina, raccolto e delicato, che intrecciava con sapienza i disegni dell’accompagnamento con la melodia, è divenuto, nell’interpretazione di Campanella, un dialogo tutto interiore, come di due voci dell’anima, alla ricerca vana di una risposta, appunto, al misterioso “Perché” della vita. Il successivo “Grillen” (Capricci, “Grilli per la testa”) nell’esecuzione di Campanella ha suggerito un abbandono ad un momento di bizzarria che vuole tutto dimenticare, di serenità solo apparente, un girare un po’ a vuoto, in cui si inserisce un valzer, privo di qualsiasi festosità, dal colore che diresti quasi livido. La sequenza è chiusa dallo stupendo “In der Nacht” (“Nella notte”), di cui Campanella valorizza sapientemente la disomogeneità ritmica che lo contraddistingue, per evocare una sonorità affannosa, incerta, di chi ha smarrito il cammino. Ma la tavolozza espressiva del grande Maestro napoletano è sublime anche nel dare voce all’incantevole brano d’apertura, “Des Abends” (“Di sera”) quell’illusoria pace di una silenziosa sera che tutto avvolge nel suo grembo sereno, evocato da un tocco di rara delicatezza (a nostra conoscenza, solo la Argerich ha saputo rendere altrettanto bene la bellezza sublime di questa apertura), così come allo slancio impetuoso che subito segue di “Aufschwung” (”Slancio”, appunto). Insomma, un’interpretazione esemplare, che tocca un’ultima vetta nel pezzo conclusivo, “Ende von Lied” (“Fine del canto”), che dopo un andamento maestoso si viene spegnendo lentamente in un mesto pianissimo, che non ha più nulla della dolcezza serale dell’inizio. Campanella ha saputo magistralmente raccontarci la storia di un’ anima, in tutta la varietà sempre cangiante dei suoi sentimenti, delle sue emozioni, dominate dalla consapevolezza dell’impossibilità di strappare alla vita il suo segreto. Lo stesso nodo di problemi, l’intreccio indissolubile tra difficoltà esecutiva in alcuni punti quasi insuperabile e problematica interpretazione, presenta l’altro capolavoro suonato da Campanella ieri sera: i celeberrimi “Quadri di un’esposizione” di Musorgskij.. Anche qui, estrema varietà di atteggiamenti e timbri e ritmi, soluzioni dinamiche e agogiche e registri espressivi con, rispetto a Schumann, una più accentuata vena di grottesca follia. A questo proposito confessiamo di faticare non poco a riconoscerci nella definizione di ‘realismo crudo’ che Campanella ha dato dei “Quadri” musorsgkiani nella presentazione del concerto al pubblico. Ci riconosciamo di più nella definizione che ne dava lo stesso autore, parlando di “suoni e idee sospese in aria” (che poco ha a che fare col ‘realismo’, qualunque cosa s’intenda con tale termine). E’ nota la glaciale definizione che Saint-Saens diede del compositore russo: “Un fou, obscure et grotesque”, (“Un pazzo, oscuro e grottesco”). Più di un dubbio ci suscita anche il riferimento ad un presunto ‘puro canto popolare russo’ che il Maestro ravvisa nell’opera. In questa composizione apparentemente divagante, a nostro modestissimo parere, è piuttosto presente un altro filo conduttore unitario: se ascoltiamo con attenzione il pezzo “Catacombae”, sentiamo insinuarsi in esso senza soluzione di continuità una variante della melodia pentatonica di ‘Promenade’, la sezione di collegamento tra i diversi momenti, ciclicamente ritornante nell’opera, sino al monumentale finale. Ci pare evidente che Musorgskij intenda suggerire che la promenade, la passeggiata, non avviene in un’esposizione di quadri, ma nel regno della morte e del nulla, il vero contenuto di quei ‘quadri’, l’obscure’ di cui parlava Saint-Saens: insomma, la musica e l’arte tutta, possono essere soltanto, nichilisticamente, un dialogo ”Cum mortuis in lingua mortua”, come recita, non a caso, il titolo del pezzo subito successivo a “Catacombae”. Ma tutto questo non toglie alcun merito alla magistrale interpretazione di Campanella. Anzitutto è doveroso un omaggio all’incredibile agilità di diteggiatura che questo pianista possiede ancora a 74 anni di età: la naturalezza con cui ha suonato passi ‘ineseguibili’, come il ‘velocissimo’ finale del brano “Gnomus”, con una forza e un’energia straordinarie, o la raffica di bicordi ribattuti della mano sinistra nella zona centrale della tastiera in “La fiera di Limoges”, ha del prodigioso. Ma non si tratta certo di un virtuosismo fine a se stesso, quanto di una necessaria modalità espressiva. Anche in questo capolavoro, Campanella rivela la duttilità estrema del suo fraseggio e la sapienza evocatrice del tocco, che sa passare dalla sonorità da incubo, martellante nella sua gravità di timbro, di “Bydlo”, alla leggerezza scherzosa di “Tuileries” a quella un po’ surreale del “Balletto dei pulcini”, cui Campanella conferisce una venatura ironica, fino al tono inquietante di “Baba Yaga”, Nonostante le premesse enunciate nella presentazione, il brano-chiave di “Catacombae” è stato interpretato in modo perfetto: un suono che sembrava sbalzato da un gelido marmo, inesorabile nella sua timbrica di un nero senza speranza, ha mostrato cosa ci sia dietro i momenti apparentemente più svagati o ‘popolari’ di questo inquietante capolavoro. Il pubblico presente (abbastanza numeroso, ma vista la fama di Campanella ci aspettavamo una partecipazione più nutrita:) ha applaudito a lungo uno dei più grandi pianisti viventi, che ha ringraziato con due bis, entrambi non listziani: uno “Scherzo” da Mendelssohn e un “Momento musicale” da Schubert, entrambi eseguiti magistralmente. Un concerto da ricordare.

30 novembre 2021 Bruno Busca

BAHRAMI E RIMONDA INAUGURANO LA NUOVA STAGIONE DEL FESTIVAL VIOTTI DI VERCELLI

Ieri sera, sabato 27/11, il Teatro Civico di Vercelli ha visto, dopo la forzata chiusura da Covid di più di un anno, l’inaugurazione ‘in presenza’ della XXIV stagione del Viotti Festival, ovvero del più importante evento musicale del Piemonte orientale (ma diremmo di tutto il Piemonte, Torino ovviamente a parte). Ad accogliere il musicofilo, un poco emozionato, un concerto interamente dedicato al tardo-barocco della prima metà del ‘700: Vivaldi, con il non frequente “”Concerto (per violino e orchestra) Scritto per la Solennità della S. Lingua di S. Antonio da Padova RV 212a”, Albinoni con l’Adagio dal “Concerto per violino e orchestra” in Do maggiore e tre concerti di J.S. Bach: il BWV. 1041 per violino e orchestra, e due dei sette concerti per clavicembalo e orchestra, il BWV 1056 in fa minore e il BWV 1052 in re minore (in ordine di esecuzione). Gli interpreti: Guido Rimonda nella doppia veste di violino solista e direttore dell’orchestra Camerata Ducale e il pianista iraniano Rahmin Bahrami, notoriamente considerato oggi uno dei più autorevoli interpreti del Grande di Eisenach, che, del tutto giustamente secondo noi, come tutti i pianisti del resto, ignora con olimpica serenità il dibattito piuttosto stucchevole, che di tanto in tanto si riaccende, sulla spinta della moda delle ‘esecuzioni storicamente informate’, circa la liceità di esecuzioni al pianoforte dell’opera clavicembalistica di Bach. Chiaro, ed esplicitamente enunciato nella presentazione del programma al pubblico fatta dai due solisti, il tema della serata: l’influenza del concerto ‘all’italiana’, soprattutto nel suo supremo modello a quell’epoca , quello vivaldiano, sul concerto di J.S. Bach. E l’idea di fondo che ispira gli interpreti è che tale influenza fu decisiva. La serata inaugurale ha quindi inizio con un omaggio a Vivaldi, che vuole proporre la chiave di lettura dell’intero concerto: il Maestro Rimonda sale sul podio dalla platea, suonando il Largo dall’”Inverno” del compositore veneziano, introducendo subito il pubblico a quell’atmosfera di sognante dolcezza che sarà una delle cifre dell’intero concerto. La prima delle composizioni in programma, appunto di Vivaldi, è un concerto per violino, legato ad una solennità religiosa: il tema religioso non è però evocato direttamente ed esplicitamente, né nella struttura (è un normale, ‘laico’ Allegro-Grave-Allegro), né nei temi: l’afflato religioso è presente nell’estremo virtuosismo della parte solistica, che raggiunge livelli quasi paganiniani negli stratosferici sopracuti della cadenza del terzo tempo. Un virtuosismo dunque come espressione del trascendente, che attinge, con l’ascesa finale alle note più alte, le sfere celesti e il contatto col divino. Rimonda e la Camerata Ducale hanno dato una splendida interpretazione di questo capolavoro. Il leggendario Stradivari “Le Noir” di Rimonda risplende di una calda e tersa luminosità e di una dolcezza di timbro, che si amalgamano perfettamente con la leggerezza di suono dell’orchestra: le acrobazie virtuosistiche del violino non hanno nulla di spettacolare, ma sorgono quasi naturalmente, con incantevole grazia, dal mondo sonoro evocato dagli orchestrali e dal solista. Lo stesso Grave centrale, che formalmente sarebbe un’ recitativo’ accompagnato, nell’interpretazione di Rimonda scioglie ogni secchezza propria di un recitativo in quella dolce grazia del timbro che guida la sua interpretazione. Il concerto per violino in Do maggiore di Albinoni, di cui è stato eseguito il solo Adagio centrale, pone gli interpreti di fronte ad un problema: conservarne la sonorità intima e cameristica, anche quando, come oggi generalmente avviene, la partitura è affidata non all’organico per cui era stata originariamente pensata (due violini, due viole, basso continuo), ma viene affidata ad un’orchestra, sia pure da camera come la Ducale. Va anche tenuto presente che Albinoni propone un modello di concerto strutturalmente un po’ diverso da quello di Vivaldi: la parte solistica e il ‘tutti’, non si alternano, nettamente distinti, come in Vivaldi, ma si integrano e si intrecciano più strettamente, imponendo al solista un suono che al tempo stesso spicchi sull’insieme orchestrale, ma sappia anche dialogare con esso, nelle scelte ritmiche, dinamiche e timbriche. La scelta interpretativa di Rimonda è stata ancora una volta coerente e convincente: è vero che, con il passaggio dall’organico originario a quello orchestrale ha perso peso il timbro delle viole, delicatamente vellutato, ma, affidando alle morbide volute sonore del violoncello la parte del basso e accentuando la leggerezza e dolcezza del suono d’insieme e solistico, in un dialogo perfettamente bilanciato, ne è uscita davvero quella deliziosa ‘chicca’, preannunciata da Rimonda nella presentazione al pubblico. Rimonda ha chiuso la prima parte della serata con il primo dei due concerti per violino di Bach, il BWV 1041. Qui, pur nella struttura vivaldiana della composizione, la scrittura bachiana presenta una trama orchestrale contrappuntistica decisamente più fitta rispetto al modello italiano: il formato cameristico della Ducale ha sicuramente aiutato ad alleggerire tale elemento contrappuntistico, consentendo una piena realizzazione di una limpida grazia di suono, sottilmente chiaroscurata, soprattutto nell’Allegro iniziale, dal sicuro dominio delle dinamiche, in continuo alternarsi sia nei ritornelli, sia nella parte solistica. Rimonda ha toccato una delle vette della serata nell’esecuzione dell’Andante centrale, una sublime melodia affidata al violino, sostenuta costantemente da un basso ostinato dell’orchestra. Rimonda ha dato di questo grande brano un’interpretazione indimenticabile: il Do maggiore dell’Andante, quando ha cominciato a modulare in modi minori, si è innalzato dalle corde del ‘Noir’ con l’intensità di un’emozionante preghiera, intrisa di soavità e di malinconia. Rimonda ci ha donato uno di quei momenti magici in cui il suono incontra l’anima, qualunque cosa si intenda con questo nome. La seconda parte della serata ha visto protagonista Bahrami, con due concerti di Bach. Conosciamo ormai bene il Bach di Bahrami, ed è un Bach perfettamente coerente con la parola-chiave di questo concerto inaugurale del Viotti festival: dolcezza. Bahrami ridimensiona drasticamente la tradizionale tendenza dei pianisti bachiani a ‘trasferire’ la secchezza del clavicembalo sulla tastiera del pianoforte, privilegiando un suono morbido e decisamente addolcito, tutto virato sul ‘piacevole’, piuttosto che sul ‘rigoroso’, sul gioiosamente leggero’ piuttosto che sull’austero. Ne esce dunque un Bach “all’italiana” decisamente più coinvolgente nelle parti più cantabili dei concerti, che in quelle più virtuosistiche, ove la leggerezza di tocco, pur nell’assoluta perfezione tecnica dell’esecuzione, talvolta oscura un poco alle orecchie dell’ascoltatore, la straordinaria densità di scrittura di Bach (vedi, a mo’ d’esempio, le due cadenze del primo movimento del BWV 1052). E’ invece un grandissimo e raffinato interprete, Bahrami, dello splendido, quanto celebre Largo del BWV 1056, suonato con pieno, ma mai retorico abbandono alla malinconica espressività del brano, con un suono limpido, creato quasi accarezzando i tasti e con un uso parco e puntuale del pedale. Bravo Bahrami anche nel farsi seguire da un’orchestra, che lo ha accompagnato con coerenza nelle dinamiche e nelle coloriture espressive. Bahrami ha definito Rimonda il suo miglior partner bachiano attuale. E alla fine del concerto i due Maestri hanno eseguito due bis, due movimenti da altrettante sonate bachiane per violino e clavicembalo: particolarmente bello il secondo bis, l’Adagio dalla sonata in mi minore, nella sua delicata e cantabile ‘grazia’, degno suggello alla serata. Grande successo di pubblico, accorso come sempre numeroso, con cospicua presenza di giovani studenti delle scuole vercellesi, a conferma dell’intelligente campagna di diffusione della cultura musicale sul territorio di cui è impareggiabile e infaticabile ispiratrice Cristina Canziani, Direttore artistico della Ducale. Anche il programma della stagione stupisce per la qualità e la quantità degli appuntamenti proposti: dietro un programma simile c’è un intero mondo di passione generosa, uno slancio, una fede nella musica propria di un gruppo, quello della Camerata Ducale, che merita tutto il nostro ammirato e riconoscente apprezzamento. (Foto a cura dell'Ufficio Stampa Camerata Ducale)

28 novembre 2021 Bruno Busca

 

Serata memorabile con la Filarmonica della Scala diretta da Thielemann e Camilla Nylund

È stata una serata di altissima qualità quella terminata da pochi minuti. Il tedesco Christian Thielemann era alla guida della Filarmonica della Scala. I pregi della Filarmonica scaligera li conosciamo, ma questa sera, nella replica del bellissimo impaginato che prevedeva i Vier Lieder op.27 di Richard Strauss e la Sinfonia n.4 op.98 di Johannes Brahms, i colori della compagine orchestrale ci sono apparsi decisamente più importanti, specie nella sezione degli archi. Improvvisamente abbiamo ritrovato timbriche più nordiche, tra i wiener e i berliner. Insomma, Thielemann ha prodotto un autentico miracolo forgiando gli alti potenziali dei filarmonici in modo da ottenere i suoi colori. Nella prima parte l'eccellente voce di Camilla Nylund ha cesellato con intensa espressione coloristica i quattro brevi Vier Lieder, capolavori di Strauss, ben sottolineati anche dall'orchestra. Appassionati, calorosi e interminabili gli applausi del pubblico, rivolti soprattutto alla protagonista tornata più volte in palcoscenico, e splendido il bis concesso con ancora un lied di Strauss e precisamente il raffinatissimo Zueignung -capolavoro in meno di due minuti- cantato dal soprano in modo angelico. Dopo il breve intervallo, nell'ultima celebre sinfonia dell'amburghese, la n.4 in Mi minore op.98, il livello della serata, già elevato, si è ulteriormente alzato con il miracolo di Thielemann. Concerto memorabile! Domani sera ultima replica. Da non perdere!!!

26 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Il duo Alessandro Carbonare e Monaldo Braconi

È stato un piacere tornare ad ascoltare il clarinettista Alessandro Carbonare in questo concerto denominato "Clarinetto, un secolo di storia". Alcuni giorni or sono il solista di Desenzano del Garda era al Teatro Dal Verme con gli eccellenti "Virtuosi Italiani", ieri sera in Conservatorio con l'ottimo pianista Monaldo Braconi. La serata, organizzata dalla "Società dei concerti", segna per Carbonare e per la Società milanese un ritorno in Sala Verdi dopo quel bellissimo concerto di Aarold Copland ascoltato nell'aprile del 2018. Ieri, un impaginato variegato prevedeva nella prima parte musiche di Brahms e Bernstein, e nella seconda di Poulenc e di Gershwin. L'affiatamento del duo è incominciato con la Sonata in mi bem. maggiore op. 120 n.°2 del musicista amburghese per continuare con la rara Sonata di Leonard Bernstein, grande musicista statunitense, noto soprattutto come valente direttore d'orchestra e, come compositore, solo per pochi lavori, in una produzione in realtà vastissima e molto importante. La sua Sonata per clarinetto e pianoforte trova inizialmente sonorità cupe per poi dispiegarsi nelle ritmiche sincopate tipiche del compositore. Di qualità la resa espressiva del duo. Con la celebre Sonata per clarinetto e pianoforte del parigino Francis Poulenc, un capolovaro assoluto di equilibrio costruttivo, siamo passati al momento più entusiasmante della serata. L'intesa di Carbonare con Braconi ci è sembrata ancor più sinergica e liberatoria, per una resa espressiva di maggiore qualità. La chiarezza delle timbriche, precise e dettagliate, del clarinettista sono state sostenute con analoga resa dall'ottimo pianista. Ottima interpretazione nella Fantasia sulle celebri melodie di George Gershwin. Il sapore jazzistico, mediato dall'ottima scuola classica dei due interpreti, emersa in modo evidente, ha creato una situazione complessiva di grande virtuosismo melodico e ritmico. Applausi convinti dal numeroso pubblico intervenuto in Conservatorio e due i bis concessi: prima un omaggio a Ennio Moricone con una fantasia sui celebri temi del film Nuovo Cinema Paradiso e quindi un pregnante brano di musica Klezmer inizialmente affidato al solo clarinetto e quindi insieme al pianoforte nel divertente e appassionante folclore ebraico. Bravissimi!

25 novembre 2021 Cesare Guzzardella

A NOVARA CONVEGNO DI STUDI e MARATONA PIANISTICA

Sabato 27 novembre p.v. Novara diventa capitale del pianismo italiano. La manifestazione avrà luogo al Salone dell’Arengo nel Broletto di Novara per l’intera giornata. Il Convegno di studi e la Maratona pianistica, ideati e organizzati dagli Amici della Musica, hanno richiamato l’attenzione di numerosi pianisti, musicologi e compositori di grande rilevanza nazionale e internazionale.Questo primo Convegno intende considerare il mondo del pianoforte che, dagli inizi dell’Ottocento fino ad ogg,i ha espresso con grande vivacità e varietà l’azione e l’opera di compositori, pianisti, insegnanti e costruttori di pianoforte costituendo una specifica “linea italiana”. Dopo i saluti istituzionali, gli interventi sono così articolati: Ettore Borri- Pianoforte e musica pianistica italiana: un percorso originale. Piero Rattalino- Muzio Clementi romano de Roma e gentiluomo inglese. Anelide Nascimbene e Attilio Brugnoli- Il pianoforte italiano tra musicologia e propaganda. Alessandro Marangoni Victor de Sabata e il pianoforte. Michele Campanella La scuola pianistica napoletana. Oreste Bossini Musica pianistica italiana nel secondo dopoguerra. Il convegno di studi così concepito è supportato da un’altra importante iniziativa che offre la rara occasione di ascoltare una panoramica di questo ricco e interessante repertorio: la Maratona pianistica nella quale sette pianisti, in quattro concerti, eseguiranno brani di 19 autori italiani da fine Settecento a oggi. Il primo concerto, alle 14.30, si apre al femminile con i brani di Francesca Nava d’Adda e Giulia Recli, affidati alla giovane pianista Anna Doria, cui segue Silvia Giliberto sensibile interprete di Giuseppe Martucci, Alfredo Casella e Alessandro Solbiati. Il secondo concerto, alle ore 16.00, è affidato a Alberto Veggiotti e Alessandro Marangoni: i due interpreti ci conducono nell’intensa atmosfera italiana del tardo ‘800 e del primo ‘900 con pagine di Martucci, Ferrari- Tracate, Pick-Mangiagalli, Ponchielli, Castelnuovo-Tedesco e Victor de Sabata. Il terzo concerto, alle ore 17.30, vede la partecipazione di Massimiliano Damerini (foto P.Saracco), tra i massimi interpreti di questo repertorio. Nel suo programma, Damerini traccia i punti di un’evoluzione del gusto e della ricerca musicale pianistica italiana con brani di Sgambati, Busoni, Casella. Dallapiccola, Di Bari e Damerini. Il quarto concerto, alle ore 20.30, conclude la maratona con due grandi interpreti: Ilia Kim che propone una tra le più belle sonate di Muzio Clementi; Simone Pedroni con le note di Armando Gentilucci, Nino Rota ed Ennio Morricone. Saranno inoltre presenti anche i compositori Marco di Bari e Alessandro Solbiati, di cui verranno eseguiti alcuni brani pianistici. Il Convegno è a ingresso gratuito, mentre per la Maratona pianistica l’ingresso al singolo concerto è € 8,00; tutti e quattro i concerti € 20,00. Biglietteria: presso Amici della Musica, via dei Cattaneo 15, 28100 Novara (tel. 0321031518): Giovedì dalle 9:30 alle 14:30, Venerdì dalle 13:00 alle 18:30 e nel giorno della manifestazione. Con bonifico a Ass. Amici della Musica V. Cocito, IBAN: IT50C0503410100000000001294, indicando nella causale: Orario concerto, Nome, Quantità biglietti Online: su Vivaticket cercando “Maratona pianistica”. www.amicimusicacocito.it (cerca “Eventi straordinari”). Per informazioni: info@amicimusicacocito.it Tel 0321031518

25 novembre 2021 dalla redazione

Una grande Maria João Pires per la Società del Quartetto

L'altro ieri in Sala Verdi una grande interprete come la Virsaladze, ieri, sempre in Conservatorio, un'altra grande come la pianista portoghese Maria João Pires. Un concerto straordinario quello organizzato dalla Società del Quartetto, con una Sala Verdi finalmente colma di pubblico, anche mediamente più giovane del solito. L'eccellente pianista, che non ascoltavo a Milano dal 2016 - quell'anno con due concerti, di cui uno alla Scala- ci ha fatto completamente dimenticare che in Sala Verdi ci sarebbe dovuto essere un altro grande interprete quale Daniil Trifonov, purtroppo indisposto, ma come dice un vecchio detto "non tutte le sfortune, sono sfortune". La Pires ha impaginato un programma ottimo, con brani noti ed importanti. Prima Schubert con la Sonata in la maggiore D 664, poi Debussy con la Suite Bergamasque e dopo il breve intervallo, Beethoven con la Sonata n.32 in do minore op.111. Tocco magico quello della Pires, ricco d'espressività e di una musicalità mutevole in rapporto al carattere del compositore. L'impatto iniziale con Schubert ha espresso un'interprete dal tocco leggero, asciutto e ben articolato nella progressione dinamica, con una tavolozza di colori ampia e completa che riesce a variare l'intensità volumetrica in modo eccelso. Le piccole imperfezioni non hanno assolutamente compromesso l'alto livello interpretativo. Ancor più efficace il suo Debussy, con una vetta nel celebre Clair de lune, interpretato magistralmente, con un'intensità espressiva mediata dalle splendide pause riflessive di chi è capace di ascoltarsi. Un Debussy robusto, scavato con il giusto discreto uso del pedale. Splendido! Di qualità, ricco di forza, il suo Beethoven con la celebre ultima sonata. La prorompente tensione iniziale ha trovato il giusto contrappeso con l'etereo finale definito da quei trilli interminabili espressi con maestria dalla pianista settantasettenne. Aveva già eseguto l'Op.111 nel febbraio 2016, in Sala Verdi, e come allora siamo rimasti entusiasti. Breve, ma di qualità il bis concesso, con l'Adagio cantabile centrale della Sonata "Patetica" beethoveniana. Applausi scroscianti, con molto pubblico in piedi e il sorriso soddisfatto della grande interprete.

24 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Elisso Virsaladze alle Serate musicali per Mozart e Chopin

Dal 1992 la pianista georgiana, di Tblisi, Elisso Virsaladze frequenta le Serate Musicali del Conservatorio milanese. Non ha certo bisogno di presentazioni avendo una carriera consolidata da oltre cinquant'anni e provenendo da una scuola musicale russa prestigiosa, quella legata al pianista e grande didatta Heinrich Neuhaus e a Yakov Zak. Ieri sera ha impaginato un programma tutto mozartiano e chopiniano. Ha alternato brani del salisbughese e del polacco creando un contrasto stilistico mediato dal suo stile inconfondibile, intriso di chiarezza coloristica e strutturale. I primi due brani mozartiani, la Fantasia in do minore K 396 e le 9 Variazioni in do magg. su "Lison dormait" K.264 erano rarità interpretative, mentre il terzo, sempre di Mozart, il Rondò in la minore K.511, uno tra i più eseguiti. Dai primi tre lavori è risultata evidente la cifra interpretativa della Virsaladze, sostenuta da una trasparenza timbrica evidente, sorretta da una tecnica impreziosità dall'esperienza di centinaia di concerti. Questo Mozart, di altissimo livello interpretativo, verrà ripreso ancora da due celebri lavori quali la Fantasia in do minore K475 e la Sonata in do minore K 457, eseguite una dopo l'altro, come da tradizione. Il grande equilibrio dell'interprete e la sua forza espressiva, pretesa dai due superlativi lavori, sono emersi dalle mani della Virsaladze, mani capace di esaltare i dettagli nei chiarissimi piani sonori dei timbri più gravi o più alti della tastiera. Splendide l'esecuzioni. Anche Chopin ha trovato un'eccellente pianista, sia con il semplice e profondo Valzer postumo n.19 in la minore; sia con i Notturni n.1 e 2 Op.27 e anche nelle corpose Ballate, la n.2 op.38 e la n.3 op.47, eseguita a conclusione del programma ufficiale. Uno Chopin ben calibrato nelle timbriche e perfetto nella struttura melodico-armonica. Ancora Chopin nei due bis concessi: prima l'ottima Mazurca in la minore op.68 n.2 e poi un eccellente Valzer Brillante Op.34 n.2 eseguito di getto, ma perfetto sotto ogni aspetto. Che Chopin! Applausi fragorosi. Da ricordare

23 novembre 2021 Cesare Guzzardella

La Cappella Mediterranea con Sonya Yoncheva al Teatro alla Scala

Una serata davvero speciale quella di ieri sera al Teatro alla Scala, dove la Cappella Mediterranea ha accompagnato il soprano bulgaro Sonya Yoncheva, una celebrità nel mondo della lirica. La compagine di musica antica è nata nel 2005 per opera dell'argentino Leonardo García Alarcón, direttore, organista e clavicembalista. L'eccellente gruppo strumentale, un tempo concentrato su un repertorio strettamente mediterraneo, da alcuni anni ha allargato il suo campo interpretativo, ampliando i programmi anche con brani d'opera o di musica più recente. La mancanza, ieri sera, del direttore per motivi non specificati, ha permesso cumunque alla formazione cameristica di accompagnare il soprano e di eseguire brani anche solo strumentali. La bravissima Mónica Pustilnik, specializzata in arciliuto e chitarra, ha sostituito il direttore al cembalo e all'organo in modo egregio, restituendo un coordinamento decisamente valido. L'impaginato variegato prevedeva brani per canto o strumentali di Stradella, Monteverdi, Cavalli, Caldara, Gibbons, Ruiz de Ribayaz, Marín, Purcell, Alarćon, Dowland, Díaz e Tomás de Torrejón y Velasco. Molti di essi erano arrangiati da Quito Gato, suonatore di tiorba e chitarra nella compagine. I colori delicati degli strumenti d'epoca hanno sottolineato la splendida calda voce della Yoncheva che con delicatezza, sensibilità ed espressività ha restituito delle timbriche perfettamente in linea con quelle sottili e raffinate degli strumenti antichi utilizzati dal gruppo cameristico. Tra i brani strumentali segnaliamo almeno Tarantela di Santiago de Murcia e Diego Fernández de Huete. Tra quelli con soprano oltre all'originale ed espressivo brano di Leonardo Garcia Alarćon, Y as tu plantas, Nisea, anche il brano di John Dowland ripetuto poi al termine nel bis con la splendida Yoncheva accompagnata dall'arciliuto da Mónica Pustilnik : Come again sweet love - Vieni ancora, dolce amore. Fragorosi gli applausi in un teatro con moltissimi giovani. Da ricordare sempre.

19 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Stefan Milenkovich e Antonio Chen Guang per la Società dei Concerti

Il violinista Stefan Milenkovich ed il pianista Antonio Chen Guang avevano suonato assieme nel dicembre 2018, in una serata in ricordo di Antonio Mormone, il fondatore e il presidente della Società dei Concerti. Ieri sono tornati insieme per un doppio appuntamento - nel pomeriggio e alla sera - dedicato a Händel, a Beethoven e a Brahms. Tre brani noti che hanno entusiasmato il numeroso pubblico presente in Sala Verdi. Il violinista serbo si era esibito da bambino nella sala maggiore del Conservatorio e adesso, trent'anni dopo e più, è tornato in piena maturità artistica con Chen Guang. Entrambi gli strumentisti sono scoperte di Antonio Mormone. La raffinata Sonata n.4 in re maggiore di Händel ha introdotto la serata meritando un'ottima esecuzione. In perfetta sintonia hanno dato il giusto peso alle dinamiche e alle timbriche. Buona l'interpretazione della Sonata n.1 in sol maggiore op.78 di J. Brahms. Un'esecuzione precisa e dettagliata ma forse troppo controllata. Un maggiore slancio emotivo avrebbe giovato alla resa complessiva. Di maggior spessore espressivo la celebre Sonata n.9 in la magg. op.47 "A Kreutzer", eseguita dopo il breve intervallo. Entrambi gli interpreti, in sinergia costante, hanno ugualmente contribuito alla qualità della sonata, sia negli energici movimenti laterali che nell'Andante con variazioni centrale, dove, nella dominante parte pianistica, con quelle fluide e deliziose variazioni, Chen Guang ha dato sfoggio di raffinata resa musicale. Tre i bis concessi: prima un' Allemanda dalla Partita n.2 per violino solo di J.S. Bach eseguita da Milenkovich in modo eccellente; poi ancora uno scorrevole e autorevole Bach, questa volta pianistico, ed infine, in duo, una semplice e suggestiva melodia che come raccontato dal simpatico violinista, è stata scritta da un compositore-pianista statunitense Navajo, ispirata dagli indiani indiani d'America e avente come titolo "Coyote". Fragorosi gli applausi al termine.

18 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Milano Musica, Michele Gamba e Nicolas Hodges al Teatro alla Scala

Un interessante concerto sinfonico di musica contemporanea ha impegnato ieri l'Orchestra Sinfonica di Milano "G. Verdi" e il direttore Michele Gamba nella splendida cornice del Teatro alla Scala. Grazie a Milano Musica e all'annuale rassegna di musica moderna e contemporanea,quest'anno denominata "D'un comune sentire", abbiamo ancora una volta ascoltato -e visto- dalla platea scaligera tre valide composizioni. Dalla più recente di Rebecca Saunders (1967) con To An Utterance del 2020, a quella di Wolfgang Rihm (1952) con Verwndlung III del 2008, al classico di Benjamin Britten (1913-1976) Four Sea Interludes, del 1945, dalla sua opera Peter Grimes. Lavori molto diversi tra loro, che ci rivelano la varietà espressiva di un settore musicale attuale che deve ancora penetrare nelle conoscenze di un più ampio pubblico. Il suggestivo impatto timbrico del primo lavoro, quello più recente, per pianoforte ed orchestra, ha trovato alla tastiera un pianista noto quale Nicolas Hodges. Per chi aveva dei dubbi sul fatto che il pianoforte fosse anche uno strumento a percussione, quale occasione per non averne più! To An Utterance offre infatti un utilizzo interessante dei tasti bianco e neri. Pochissime le note isolate, ma sempre grappoli di note, cluster di ampia dimensione che percuotono, a volte delicatamente ma spesso in maniera più aggressiva, i tasti. La parte orchestrale avvolge in modo incisivo i virtuosismi precisi, calibrati e con margini di aleatorietà probabilmente minimi, del bravissimo Hodges. Trenta minuti circa di suggestive timbriche che rivelano la forza femminile e il gran carattere della Saunders, affermata compositrice londinese che vive da anni in Germania. Il brano del tedesco Rihm è la terza parte di un lavoro più ampio. Dall'ascolto di Verwndlung III, eseguito mirabilmente dalla "Verdi" e diretto ottimamente da Gamba, si evidenzia la spettacolare capacità di orchestrazione dell'affermato compositore nel mettere in luce i dialoghi tra le diverse sezioni orchestrali. Movimenti timbrici fluidi, rapidi e chiarissimi nelle loro esternazioni. Un eccellente lavoro. I Quattro interludi marini dell'inglese Britten sono ben conosciuti ed eseguiti da decenni dalle massime orchestre mondiali. Si rimane ancora sorpresi per la modernità di questi interludi che, composti oltre settant'anni fa, rappresentano ancora coloristiche attualissime. Il linguaggio di Britten, riconoscibile in ogni frase musicale, ha una cifra stilistica alta, dove l'eleganza del fraseggio e il taglio deciso delle battute richiamano mirabilmente la natura del mondo sommerso. Ottima l'interpretazione, molto applaudita dal numerosissimo pubblico intervenuto. Da ricordare.

17 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Robert Trevino ed Emmanuel Tjeknavorian con la Filarmonica della Scala per Mozart e Šostakoviç

Ha recentemente diretto la "Sinfonica Verdi" in Auditorium con un programma dedicato a Šostakoviç e Mendelsshon, Robert Trevino. Ora ritroviamo il direttore americano nel Teatro del Piermarini per dirigere la Filarmonica della Scala in Mozart e ancora in Šostakoviç, questa volta per la grandiosa Settima Sinfonia. Un impaginato che ieri ha trovato in palcoscenico anche il violinista viennese, di origine armena, Emmanuel Tjeknavorian per il noto Concerto in la maggiore per violino e orchestra K 219, il quinto e ultimo di questo genere nella produzione del salisburghese. Un'interpretazione, quella di Tjeknavorian, all'insegna della delicatezza nel proporre timbriche sottili, fluide, prive di contrasti eccessivi. Il suo suono trasparente e ricco di espressività ha trovato l'appoggio coerente dei filarmonici scaligeri e della direzione di Trevino per un risultato di eccellente resa espressiva. Applaudito con convinzione dal pubblico presente in teatro, ha concesso un breve bis solistico con un brano pizzicato di Paul Hindemith. Dopo il breve intervallo, un cambiamento radicale di colori ci ha portato alla monumentale Sinfonia n.7 in do maggiore op.60 "Leningrado" di Dmìtrij Šostakoviç. Un lavoro composto dal musicista russo nel 1941 che risente degli insegnamenti del passato dei grandi sinfonisti - Beethoven per primo- , ma che attraverso situazioni di estreme esasperazioni sonore riflette la tragedia di quel periodo storico in cui la sinfonia è stata composta. I contrasti timbrici e volumetrici presenti in questa partitura sono forse tra i più marcati tra quelli del mondo sinfonico delle orchestre allargate. L'ottima definizione dei colori, espressa in ogni sezione orchestrale dagli eccellenti filarmonici, e l'avvincente direzione di Trevino, ricca di dettagli, ha determinato i fragorosi applausi espressi dal pubblico presente in teatro. Prossimo appuntamento per la serie dei Concerti d'autunno 2021 con Riccardo Chailly che dirige la Filarmonica della Scala in Beethoven con la Sesta Sinfonia, e in Mendelsshon con la Sinfonia n.3 "Scozzese", il 22 di questo mese. Da non perdere!

16-11-2021 Cesare Guzzardella

Successo per L' Elisir d'amore alla Scala con Meli e la Torre

La ripresa de L'Elisir d'amore di Gaetano Donizetti sta risquotendo ancora notevole successo al Teatro alla Scala. Già nel settembre 2019, in un'Italia per pochi mesi ancora non pandemica, mettevamo in luce questa tradizionale messinscena pensata nel 1998 da Tullio Pericoli autore delle colorate, naïf e fiabesche scene, con i relativi costumi perfettamente in sintonia con la bellissima scenografia. Una delicatezza d'insieme che è perfettamente appropriata con i personaggi che entrano in gioco, pensati e inseriti nel semplice ma efficace libretto di Felice Romani. L'ottima regia di Grischa Asagaroff e le luci di Hans-Rudolf Kunz riprese da Marco Filibeck, ben sottolineano le caratteristiche dei protagonisti in questi bellissimi quadri dominati da una leggerezza funzionale a sottolineare la vicenda e soprattutto la musica del grande bergamasco, musica che è stata diretta ottimamente ancora da Michele Gamba. Il giovane eclettico direttore d'orchestra, esperto anche di musica contemporanea - dopodomani dirigerà alla Scala musica contemporanea- ha certamente dimostrato di essere in sintonia col repertorio lirico otticentesco, esprimendo grande equilibrio e spessore nei momenti più importanti dell'opera e trovando una convincente visione complessiva della piacevole vicenda a lieto fine. Nella seconda rappresentazione, vista ed ascoltata nel pomeriggio, i due principali protagonisti sono subentrati inaspettatamente sostituendo gli indisposti Aida Garifullina e Paolo Fanale. Si tratta di Benedetta Torre nel ruolo di Adina e di Francesco Meli in Nemorino. Ottime le loro interpretazioni. Il Nemorino di Meli, la voce più applaudita, con una memorabile "Una furtiva lagrima", seguita da alcuni minuti di applausi, - tanto che sembrava dovesse replicarla- è in perfetta sintonia con il personaggio. Meli ha una voce timbricamente perfetta in ogni registro che utilizza, e sopperisce la normale volumetria sonora di cui è dotato, con capacità espressive superlative nel modulare tutte le altezze sonore. Valida anche attorialmente il soprano Benedetta Torre. La sua Adina ha convinto. Specie nei toni più alti mostra perfetta intonazione nell'esprimere con sicurezza ed espressività il suo ruolo. (prime foto di Brescia e Amisano- Archivio Scala) Efficace anche Davide Luciano in Belcore, una voce corposa e dettagliata. Adeguato il Dottor Dulcamara di Giulio Mastrototaro, molto bravo attorialmente. Di qualità la Giannetta di Francesca Pia Vitale. Ottime le mimiche di Davide Gasparro, accompagnatore di Dulcamara, e bravissimo alla tombra, sul palcoscenico, Gianni Dallaturca. Ottima la parte corale curata da Alberto Malazzi e il fortepiano di Beatrice Benzi. Le prossime repliche sono previste per il 17, il 21 e il 23 novembre. Da non perdere!!

14 novembre 2021 Cesare Guzzardella

I Virtuosi Italiani e Alessandro Carbonare al Dal Verme

I Virtuosi Italiani sono tornati puntualmente al Dal Verme per i concerti organizzati da I Pomeriggi Musicali. È una compagine di strumenti ad arco capeggiata dal primo violino e direttore Alberto Martini. Un'eccellenza musicale in questo ambito cameristico ricco di composizioni di moltissimi autori, non solo delle tradizioni più lontane. Ieri pomeriggio, in replica, abbiamo ascoltato tre splendidi lavori per archi. Il primo di rara esecuzione era di Padre Komitas ( 1869-1935), un religioso-musicista armeno che svolse nella sua vita anche un'importantissima ricerca sulla tradizione musicale del suo popolo, diffondendola un po' ovunque. Di particolare profondità le sue Sei melodie per Orchestra d'archi, eseguite ottimamente dai Virtuosi Italiani. Negli espressivi movimenti che compongono i brani, si riconosce la tradizione vocale e popolare che ha costituito le fondamenta della poetica del grande compositore armeno. Il secondo brano in programma, di Carl Maria von Weber(1786-1826), ha visto come protagonista l'eccellente clarinettista Alessandro Carbonare per il Quintetto per clarinetto ed archi in un'ottima versione con Orchestra d'Archi. Gli efficaci quattro movimenti che compongono il noto lavoro, sono stati resi con efficace espressività da Carbonare, coadiuvato splendidamente dai colori orchestrali di ogni sezione. Bellissimo il bis concesso dal clarinettista con l'ausilio degli archi. Un lavoro della tradizione Klezmer, con un tema iniziale per solo clarinetto ispirato e incisivo che ha ancor più rivelato le qualità virtuosiste del solista. A conclusione del programma ufficiale la giovanile Simple Symphony per archi op.4 di Benjamin Britten ha evidenziato, unitamente alle qualità del grande compositore inglese, anche quelle coloristiche de I Virtuosi Italiani, dei quali ricordiamo oltre al violinista e concertatore Martini, almeno l'eccellente prima viola Flavio Ghilardi. Di qualità i bis concessi: prima una trascrizione strepitosa per orchestra d'archi del noto brano pianistico dal film The Piano - The Heart Asks Pleasure First di Michael Nyman e poi un incisivo Presto, terzo movimento dall' Estate dalle Quattro Stagioni di Antonio Vivaldi. Applausi fragorosi ai protagonisti. Da ricordare.

14 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Josef Edoardo Mossali per la Società dei Concerti

Doveva esserci la giovanissima Alexandra Dovgan sul palcoscenico di Sala Verdi in Conservatorio, una straordinaria pianista quattordicenne russa già famosa e molto attesa. Problemi legati alla pandemia non le hanno permesso di essere presente. L'ha sostituita in extremis il giovane pianista ventenne Josef Edoardo Mossali, recentemente semifinalista del "Premio Internazionale Antonio Mormone", e vincitore di numerosi altri concorsi internazionali, dove ha rivelato le sue indubbie qualità virtuosistiche. Un impaginato variegato, all'insegna delle difficoltà trascendentali, specie nella seconda parte della serata, con brani di Beethoven, Chopin e poi di Liszt e Brahms-Paganini, ci ha permesso di conoscerlo e di godere appieno la sua performance, espressa con notevole esuberanza. La Sonata op 81a "Les adieux" di Beethoven, introduttiva alla serata, ha avuto un buon inizio di concerto con momenti superlativi nel Vivacissimamente (Das Wiedersehen) finale. La Ballata n.4 in fa minore op. 52 del grande polacco ha trovato sensibili e leggere mani. L'evidente discorsività nel fraseggio di Mossali hanno portato ad un'ottima interpretazione. Con Liszt prima, nella sua Dante Sonata e con Brahms e le sue Variazioni su un tema di Paganini ( libro 2), abbiamo colto pienamente la cifra virtuosistica del giovane talentuoso pianista. L'incredibile scorrevolezza delle dita sulla tastiera, sempre orientate all'ottenimento di un tempo perfetto, ha rivelato potenzialità che raggiungerano probabilmente molto presto l'obiettivo in termini di profondità espressiva. Momenti di alta resa interpretativa sono emersi laddove le strutture complesse musicali si risolvono con l'esercizio meccanico e di articolazione digitale. Alcune variazioni sul tema di Paganini hanno raggiunto vette di precisione ed equilibrio non disgiunti da notevole espressività. Solo in alcune situazioni è mancata una certa maggiore riflessività, che darebbe più respiro ai brani. Ben quattro i bis concessi: un valido Studio di Chopin (Op.25 n.1), due trascrizioni di Pletnev dallo Schiaccianoci di Čaikovskij, tra cui la nota Marcia, e una splendida La Campanella di Paganini-Liszt. Un pianista da seguire costantemente. Ottima serata.

11- 11- 2021 Cesare Guzzardella

Il MDI Ensemble per la Società del Quartetto

Nel panorama dei concerti organizzati dalla Società del Quartetto, da alcuni anni gioca un ruolo importante la musica moderna e contemporanea. Per moderna intendiamo quella musica che nei primi anni del '900, con figure storiche della composizione come Schönberg, Berg e Webern -la cosiddetta Seconda Scuola di Vienna- dà inizio ad un cambiamento radicale del linguaggio, passando dalla tonalità all'atonalità, attraverso la dodecafonia. L'interessante impaginato proposto dal gruppo cameristico MDI Ensemble- per un importante lavoro diretto da Marco Angius- prevedeva brani di questi grandi compositori unitamente al più recente Arlequin Poupí per pianoforte e cinque strumenti (2010) di Sylvano Bussotti (1931-2021), brano composto specificatamente per il MDI Ensemble. Dai Quattro pezzi op.5 per clarinetto e pianoforte (1913) di Alban Berg, al Trio op.20 per violino, viola e violoncello (1926-27) di Anton Webern, siamo andati indietro nel tempo per arrivare al 1906 con la Kammersymphonie in La maggiore op.9 di Arnold Schönberg, brano in cinque parti - ascoltata nella versione per 5 strumenti (1922-23) curata da Webern- che con tonalità d'impianto risente ancora degli influssi del tardo romanticismo, Brahms prima di tutti, uscendo però spesso dagli schemi della tradizione ottocentesca per proiettarsi nel futuro atonale. Le esecuzioni restituite dall'eccellente gruppo cameristico, nelle differenti formazioni proposte, hanno evidenziato la predisposizione naturale delle nuove generazioni ad accostarsi ad una musica che rimane ancora di non facile ascolto, per gran parte del pubblico che frequenta le sale da concerto. Nel duo clarinetto-pianoforte di Berg segnaliamo le qualità del pianista Luca Ieracitano e del clarnettista Paolo Casiraghi, entrambi presenti negli ulteriori brani. Ottima l'esecuzione del Trio op.20 di Webern ad opera di Lorenzo Gentili-Tedeschi, violino, Paolo Fumagalli, viola e Giorgio Casati, violoncello. Splendida l'Op.9 di Schönberg. Dopo il breve intervallo, uno stacco di oltre ottant'anni dai lavori ascoltati ci ha portato a Sylvano Bussotti e al suo Arlequin Poupí. Nel lavoro del compositore toscano recentemente scomparso, la componente gestuale e d'effetto gioca un ruolo fondamentale. Il pianoforte, con le eccellenti sonorità fornite da Ieracitano, ha un ruolo centrale, mentre gli strumenti presenti, dai tre archi ai flauti dell'ottima Sonia Formenti, ai clarinetti del già citato Casiraghi, ruotano, spesso alternandosi, per definire un lavoro elegante e di importante pregnanza espressiva. Progressivamente, a turno, gli strumentisti terminano in modo tronco la loro parte ed escono di scena. Ultimo ad uscire, naturalmente il pianista. Brano clou, e più preponderante della serata, con i suoi quasi quaranta minuti di durata, è stato l'ultimo, il celebre Pierrot lunaire op.22 (1912) di Schönberg. Oltre alla direzione accurata di uno specialista quale Marcus Angius, protagonista è stata la voce recitante della bravissima Cristina Zavalloni, una cantante specializzata nel repertorio novecentesco, jazz compreso, e nel contemporaneo. La bellissima, espressiva musica del capo-scuola Schönberg, ha trovato ottimi interpreti ad attenderla, prima fra tutti la cantante, che nel particolare ruolo di canto-recitato si è trovata perfettamente, grazie anche alle sue qualità mimiche e attoriali. Un' interpretazione complessiva luminosa e ricca di sfumature per un lavoro oramai diventato un classico del Novecento. Applausi intensi al termine dal numeroso pubblico intervenuto in Sala Verdi del Conservatorio. Un breve bis con la ripetizione di una sequenza del Pierrot. Da ricordare.

10 novembre 2021   Cesare Guzzardella

IL FESTIVAL STRING LUCERNE E LEIA ZHU INAUGURANO A NOVARA LA 41° STAGIONE DEL FESTIVAL CANTELLI

Ieri sera 9 novembre a Novara era doveroso vincere quei timori che ancora assillano per un Covid tutt’altro che debellato, per andare ad ascoltare, al Teatro Faraggiana, il concerto inaugurale del Festival Cantelli 2021/22, organizzato da quella che da settantacinque anni è la più autorevole e prestigiosa società musicale della città, l’Associazione Amici della Musica Cocito (dal cognome del suo benemerito fondatore). Chi scrive era la prima volta dallo scoppio della pandemia che rimetteva piede in una sala da concerto per ascoltare musica dal vivo e l’ingresso in un palco del Faraggiana è stato una sorta di rito di rinascita. A rallegrare ulteriormente l’animo dello scrivente c’era, tra il pubblico (buona l’affluenza) una folta, mai veduta prima, presenza di giovani e giovanissimi, lieto augurio di giorni migliori per noi e per il mondo dello spettacolo, soprattutto quello musicale. Il programma della serata vedeva due protagonisti: lo svizzero complesso orchestrale da camera (di soli archi) Festival Strings Lucerne che, nato nel 56, si è conquistato in più di sessant’anni di attività, larga fama internazionale ed è attualmente guidato dal violinista australiano-cinese Daniel Dodds, nel ruolo di konzertmeister (quindi l’orchestra non ha un direttore che salga sul podio), coerentemente con la volontà dei fondatori dell’orchestra di rinverdire le tradizioni musicali del mondo austro-tedesco. L’altra protagonista era Leia Zhu, quindicenne violinista anglo-cinese, astro nascente del firmamento musicale internazionale, nonostante l’ancor giovanissima età. L’impaginato proponeva quattro composizioni: la” Suite n.3 di antiche arie e danze per soli archi”, una delle opere più celebri di O. Respighi, risalente al 1931; una versione per violino e orchestra della “Suite Italienne” di I. Stravinsky, formata da brani ricavati dalla musica per il balletto “Pulcinella”; la “Fantasia su temi del Faust di Gounod”op. 20 del “Paganini polacco” H. Wieniawski, in un arrangiamento per violino e orchestra ; infine di P.I. Ciajkovskij la “Serenata per orchestra d’archi in Do maggiore op.46”. Come balza subito all’occhio, salvo il brano di Wieniawski, inserito nel programma, immaginiamo, per permettere a Leia Zhu di sfoggiare il meglio del suo repertorio tecnico ,l’impaginato segue un filo conduttore molto coerente che lega le altre tre opere e cioè una delle tendenze principali della musica europea tra ‘800 e ‘900, quel ‘ritorno al passato’ tra XVII e XVIII secolo, cui si guarda per attingere nuove linfe da immettere in un linguaggio musicale, quello classico-romantico, ormai logorato: ed ecco Respighi e Stravinsky, sia pur in forme assai diverse, recuperare la secolare tradizione italiana, il grande russo volgersi a quello che fu sempre per lui uno dei musicisti del passato più ammirati, Mozart. Il Festival Strings ha una qualità che spicca su tutte e che subito ammalia i sensi dell’ascoltatore: un suono di luminosa trasparenza, calibratissimo sulle minime sfumature timbriche e dalle dinamiche variegate e intensamente espressive. Questa caratteristica ha reso ieri possibile una delle esecuzioni più belle da noi mai ascoltate della Serenata di Ciajkovskij, che di mozartiano, in verità, non ha nulla se guardiamo al linguaggio musicale sotto il suo profilo strettamente tecnico: Mozart per il russo significa soprattutto evocazione di un mondo di grazia e dolcezza, di leggerezza ed apollineo equilibrio compositivo, nel quale trovar rifugio per il suo animo tormentato: sono proprio queste grazia e dolcezza, appena increspate dall’affiorare di una lieve malinconia (con l’eco ripetuta di un tema-chiave dell’Oneghin) che gli Stringers di Lucerna  sanno far cantare con straordinaria bravura. La scelta, poi, dei violoncelli a tre e un solo contrabbasso conferisce al registro degli archi gravi un colore morbido e vellutato, ideale, ad esempio, per portare in primo piano un tratto essenziale della ricerca di nuove risorse coloristiche, languidamente decadenti, di Respighi, con un’esecuzione, davvero incantevole dei due pezzi centrali della suite, “Arie di corte” e “Siciliana”. Ma il suono dell’orchestra svizzera sa anche dar voce alla severa austerità di una passacaglia, l’ultimo movimento della suite di Respighi, o alla grandiosità del tema da corale che ricorre nel finale della serenata ciajkovskijana. Insomma, una splendida orchestra da camera, che ci augureremmo di ascoltare più spesso (dal vivo!). E veniamo, last but not least a Leia Zhu. Confessiamo che ci aspettavamo la solita enfant prodige cinese, tutta sbalorditiva bravura tecnica e zero capacità interpretativa ed espressiva. Grande è stata la nostra sorpresa nell’ascoltarla: Leia ha già maturato un suo suono, una sua capacità di rendere le acrobazie tecniche non un fine spettacolare a sé, ma un mezzo per dare voce a un sentimento, a un’emozione, a un mondo spirituale evocato dal suono. La sua cavata è intensa, soprattutto cristallina nel suono, anche nel registro sovracuto, o nelle rapidissime scale e nei trilli, ma quello che più ci ha colpito è la sua eccellente capacità di variare le dinamiche con matura sapienza, colorando e tornendo un suono sempre ricco di sfumature e di chiaroscuri. Da qui la bellissima resa interpretativa di passi come la Serenata e la Gavotta della Suite Italienne , ma anche il brano più accesamente virtuosistico della Fantasia di Wieniawski usciva dal violino di Leia Zhu non come uno stucchevole numero ad effetto, ma come un’interpretazione efficace e coinvolgente di alcuni dei momenti più drammatici o patetici dell’opera di Gounod. Davvero un bellissimo concerto di apertura di una stagione, che ci auguriamo davvero il mostro del coronavirus non debba turbare. Gli scroscianti applausi del pubblico e l’entusiasmo dei giovani presenti sono il meritato tributo ad una serata che ricorderemo. Attendiamo con gioia il prossimo concerto del Festival Cantelli, il 29 novembre: ospite al Faraggiana sarà il grande pianista italiano Michele Campanella.

(Foto di Ettore Borri)

10 novembre 2021 Bruno Busca

 

Zlata Chochieva alle Serate Musicali

Da alcuni anni la pianista Zlata Chochieva è una costante presenza in Conservatorio ai concerti organizzati da Serate Musicali. Zlata è nata a Mosca ma è residente da tempo a Berlino. Ieri sera, in Sala Verdi, ha impaginato un programma di particolare interesse per la composizione dei brani scelti, alcuni di rara esecuzione. La maggior parte sono rielaborazioni o trascrizioni fatte da grandi pianisti del passato - e non solo pianisti- , quali Franz Liszt, Ignaz Friedman e Sergej Rachmaninov. Nella parte centrale della serata, la corposa suite in cinque parti Miroirs op.43, di Maurice Ravel, era l'unico lavoro originale. Brani di Grazioli, Bach, Mahler, Schubert, Mendelssohn e Gartner, quasi tutti estrapolati da lavori più ampi, sono stati ripensati virtuosisticamente dai pianisti-compositori sopracitati e hanno trovato in Zlata Chochieva un'inteprete eccellente per qualità espresse. La virtuosa, allieva in passato anche di Pletnev, ha rivelato facilità interpretativa anche nei frangenti più complessi. I brani, presenti anche in un suo recente Cd, si sono succeduti senza la classica interruzione di metà concerto. Il primo era un rarissimo Adagio, da una sonata per clavicembalo di G.B.Grazioli ( 1746-1820), trascritto da Ignaz Friedman (1882-1948), storico interprete che frequentò i corsi di Ferruccio Busoni. Il celebre Allegro iniziale, dal Concerto Brandeburghese n.3 di J.S.Bach- rivisto ancora da Friedman- ha rivelato ancor più le qualità virtuosistiche ed espressive della Chochieva. Dopo l'ottimo Tempo di Minuetto dalla Terza Sinfonia di Gustav Mahler, sempre nella trascrizione di Friedman, la pianista ha rivelato sensibilità ai colori di Ravel nelle celebri Miroirs, composti dal francese tra il 1904 e il 1905. Un'interpretazione precisa, sicura, all'insegna della delicatezza e della tenue espressività. Di ottimo livello anche i tre lieder di Schubert rivisti da Liszt, precisamente Wohin?, Litaney e Auf dem Wasser zu singen. Ancor più coinvolgente il lied di Mendelssohn-Liszt Auf Flügeln des Gesanges. A conclusione del programma ufficiale, prima un impeccabile Scherzo dal mendelssohniano Sogno di una notte di mezza estate, nella virtuosistica trascrizione di Rachmaninov e poi, dalle rarissime Sei danze viennesi di Eduard Gartner (1862-1918), il Tempo di Valse lente rivisto sempre da Friedman. Fragorosi gli applausi del pubblico intervenuto in Sala Verdi, purtroppo non numerosissimo, e due i bis concessi dalla bravissima e bella interprete: prima la nota Gopak di M.Musorgskij- Rachmaninov e quindi una rarissima, iper-virtuosistica e stravolgente Toccata del francese Pierre Sancan (1916- 2008). Ancora applausi fragorosi. Da ricordare

9 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Nobuyoki Tsujii con la Sinfonica Verdi in Auditorium

Il concerto dell'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi" tenuto in questi giorni ed ascoltato nella replica di domenica pomeriggio era diretto da Robert Trevino ed ha avuto come protagonista il pianista giapponese - cieco dalla nascita- Nobuyoki Tsujii, noto in tutto il mondo per le sue qualità d'interprete decretate con la vittoria del Concorso Internazionale "Van Cliburn" nel 2009. Il Concerto per pianoforte e tromba n.1 in Do minore op.35 di Dmitri Šostakoviç eseguito nella prima parte del sostanzioso concerto dell'Auditorium, ha trovato una parte solistica importante anche nella tromba di Alessandro Caruana, ottimo per chiarezza espressiva. La valida direzione di Trevino è riuscita ad evidenziare le qualità di Nobo. Le sue timbriche luminose, precise e ricche di sonorità, hanno rivelato ogni dettaglio del profondo lavoro che il grande musicista russo compose nel 1933. Un concerto tutto sommato breve nella durata, pur essendo in quattro movimenti, ma ricchissimo nei contenuti, con un Lento (secondo movimento) di espressività assoluta. Splendida la resa complessiva del concerto e due i bis pianistici concessi dall'eccellente interprete. Prima Chopin con la celebre Berceuse op.57 e poi di Liszt-Paganini la celebre La Campanella. Splendidi. Dopo l'intervallo, di qualità la direzione dello statunitense Trevino e ottima prova degli orchestrali, nella Sinfonia n.3 in la minore op.56 "Scozzese" di F. Mendelsshon. Prossimo concerto in Auditorium previsto per l'11-12-14 novembre con il Messiah di Händel diretto da Ruben Jais, con quattro voci soliste importanti.

7 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Successo alla Scala per La Calisto di Francesco Cavalli

Prosegue al Teatro alla Scala la messinscena de La Calisto di Francesco Cavalli. Il teatro d'opera post-monteverdiano è tornato a risplendere con questo lavoro in un Prologo e tre Atti, su libretto di Giovanni Faustini, tratto dalle Metamorfosi di Ovidio. Presentata a Venezia al Teatro Sant'Apollinare nel 1651, si rivela ben 370 anni dopo a Milano, con l'ottima regia di David McVicar, con le valide scene di Charles Edwards, i costumi d'epoca secenteschi di Doey Lüthi e l'avvincente direzione musicale di Christophe Rousset -tra i massimi esperti di repertorio barocco- alle testa di una formazione orchestrale che ha unito strumentisti dell'Orchestra del Teatro alla Scala con i suoi dei Les Talens Lyriques, tutti impegnati su strumenti storici. La terza rappresentazione, ascoltata e vista ieri sera, ha rinnovato il successo delle precedenti. La coerenza di un lavoro estremamente unitario nella molteplicità degli interventi - comprese le ottime luci di Adam Silverman, la coreografia di Jo Meredith, perfettamente inserita nel contesto scenografico, e anche i non pochi ed efficaci video di Bob Vale- ha contribuito in modo sostanziale alla riuscita di quest'opera barocca, certamente di non facile lettura per la molteplicità di angolazioni da cui può essere osservata ed analizzata. Le argomentazioni trattate, di straordinaria attualità pur appartenendo alla mitologia classica, spaziano tra erotismo, abusi di potere con relative punizioni, metamorfosi e tradimenti. Gli interventi attoriali di tutti i protagonisti, spesso resi ancor più efficaci dai ridondanti ed eccellenti costumi, non sono da meno rispetto alle ottime voci del valido cast internazionale. Cast che ha avuto modo di rivelarsi ancor più grazie alla passerella che corre attorno alla buca dell’orchestra, collegando il palcoscenico alla platea. Tra i cantanti, tutti di qualità, segnaliamo almeno il soprano israeliano Chen Reiss nei panni della protagonista, Calisto. Sensuale e leggera ha voce con bel timbro, luminoso e limpido in tutti i registri. Autorevole, con timbriche scure ed incisive, Giove nella voce del basso Luca Tittoto. Di qualità per il modo diretto di comunicare, il Mercurio del baritono Markus Werba; Olga Bezsmertna è un'ottima Diana, un soprano ricco di sonorità specie nei timbri più alti.(Foto di Brescia - Amisano- Arch. Scala)Molto apprezzato dal pubblico presente in teatro il controtenore Christophe Dumaux, un Endimione timbricamente espressivo e ben inserito nel suo ruolo. Perfettamente a suo agio nel severo costume, il soprano Véronique Gens si è rivelata una Giunone particolarmente valida. Di imponente presenza scenica ha espresso una timbrica chiara, asciutta e determinata. Di spessore e meritevoli tutte le altre numerose voci presenti. Ricordiamo le prossime recite previste per il 10 e il 13 novembre. Uno spettacolo assolutamente da non perdere.

6 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Concerto pianistico straordinario di Daniel Barenboim alla Scala

Un bel regalo il Concerto Straordinario donato al pubblico scaligero, in sostituzione dei concerti sinfonici programmati per il 3 e il 4 novembre al Teatro alla Scala e improvvisamente cancellati. "(...) Un caso sospetto di positività al Covid-19 nella Staatskapelle Berlin è stato rilevato nel pomeriggio e la direzione del Piermarini, in accordo con la Staatsoper Unter den Linden, ha scelto di rimandare a data da definirsi la prevista integrale delle quattro Sinfonie di Brahms per garantire la massima sicurezza ad orchestrali, maestranze scaligere e pubblico ...".Questo il messaggio arrivato: e immediata è stata la risposta del grande direttore ed eccelso pianista,che ha deciso di anticipare a ieri sera il concerto con le ultime tre Sonate di Beethoven, precisamente la n.30 op.109 in Mi maggiore, la n.31 Op.110 in La bem.maggiore e la n.32 op.111 in Do minore. Tre capolavori che, al pari degli ultimi quartetti per archi o della Sinfonia n.9, rappresentano la fine di un ciclo di produzioni in cui vengono raggiunte le più alte vette artistiche. Daniel Barenboim, ritornato al Teatro alla Scala - quello che alcuni anni fa era diventato il suo Teatro - ha condiviso con gli ascoltatori la forza dirompente delle ultime sonate pianistiche del genio tedesco. Una forza espressa dal direttore-pianista con un'apparente discrezione nei volumi sonori, un taglio stilistico tenue, che ha reso altresì evidente l'interiorizzazione totale degli elementi melodici e armonici. Piccole smagliature, peraltro rarissime, non hanno certo influito sulla resa intensamente espressiva delle tre celebri composizioni. Il pianista argentino ha fatto vivere al pubblico presente alcuni momenti di altissime esternazioni, in un contesto complessivo di elevata rielaborazione musicale. Rimarrà un ricordo indelebile il chiarissimo finale dell'op.111, magnificamente intenso e conclusivo. Nessun bis dopo le straordinarie ultime note, ma solo fragorosi e lunghissimi applausi, ad accompagnare le numerose uscite in palcoscenico del Maestro. Eccellente serata!

5 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Boris Petrushansky per la Società dei Concerti

Il pianista moscovita Boris Petrushansky ha tenuto ieri sera un recital per la Società dei Concerti in Conservatorio, affrontando due lavori importanti, impegnativi e corposi di Robert Schumann e di Modest Musorgskij. Davidsbündlertänze op.6, del musicista tedesco, eseguita nella prima parte del concerto, è una serie di diciotto brevi miniature composte nel 1837. Sono nel pieno stile romantico del compositore. I Quadri di un'esposizione, del grande compositore russo, datano invece 1873. L'ampia suite fu ispirata dai disegni e dagli acquerelli prodotti da Hartmann e destinati poi ad una grande mostra dalla quale Musorgskij prese ispirazione per realizzare il celebre lavoro. Rapprentano un deciso allontanamento dal linguaggio romantico. Due lavori molto in contrasto tra loro che il pianista russo, che da molti anni vive in Italia dove opera anche attraverso un'intensa attività didattica nella nota scuola specialistica di Imola, ha voluto unire in un medesimo impaginato, probabilmente per dare al concerto una possibilità di ascolto diversificato. Petrushansky ha evidenziato, ancora una volta, le sue eccelenti qualità espressive attraverso letture particolarmente analitiche che mettono in risalto gli elementi strutturali dei lavori. I tempi sono spesso dilatati, a vantaggio di una chiarezza espressiva che evidenzia i dettagli, e i colori sono apparsi, in entrambe le composizioni, molto nitidi. Esecuzioni quindi valide e personali . Specie nei Quadri, il noto interprete ha restituito la sua anima musicale russa attraverso una ricchezza di particolari e di contrasti evidenti. Il pubblico ha decisamente apprezzato l'ottima performance pianistica del Maestro, tributando fragorosi applausi al termine del programma ufficiale. Petrushansky ha concesso poi ben tre bis: di S.Prokofiev Suggestioni Diaboliche, di Claude Debussy Minstrels e, a conclusione, di Domenico Scarlatti la Sonata "Pastorale" K 9. Ottime interpretazioni. Da ricordare.

4 novembre 2021 Cesare Guzzardella

L'Accademia dell'Annunciata e Mario Brunello per la Società del Quartetto

È tornato in Conservatorio, dopo pochi giorni dalla sua presenza con Giovanni Sollima, Mario Brunello. Questa volta con la compagine barocca L'Accademia dell'Annunciata, diretta da Riccardo Doni, anche cembalista, per un programma incentrato sul barocco settecentesco. Compositore di riferimento della serata di Sala Verdi è stato Giuseppe Tartini (1692-1770), con i suoi Concerti in La maggiore e in Re maggiore entrambi per violoncello piccolo, archi e basso continuo, ma anche nel brano rivisto da Respighi con la Pastorale dalla Sonata tartiniana, con L'antro dell'orco del milanese Vanni Moretto (1967), liberamente tratto da L'Arte dell'arco di Tartini e con Giulio Meneghini (1741-1824) e la sua traduzione in Concertone dalle Sonate tartiniane. Inframmezzato a questi lavori un Concerto, ancora per violoncello piccolo e archi, del bolognese Antonio Vandini (1690-1778), contemporaneo di Tartini. Una serata valida sotto ogni aspetto, che ha stimolato il pubblico di appassionati intervenuti per un ascolto dal sapore antico, nelle bellissime timbriche del prezioso cello piccolo di Mario Brunello e in quelle degli archi armonizzati dal cembalo a dal liuto. Particolarmente riuscita l'elaborazione musicale di Moretto, uno Scherzo di suggestivo impatto creativo. Il suo "L'antro dell'orco" ritrova lo stile antico di Tartini, unitamente ad una serie di timbriche contemporanee con utilizzo attualizzato degli strumenti ad arco e con la presenza di artifizi coloristici e percussivi che rendono particolarmente suggestiva la sua composizione. Un brano incentrato su una serie di Variazioni originate dal tema di Tartini, esguite molto bene nell'ottima direzione di Doni e nella resa interpretativa di Brunello. Fragorosi applausi al termine del programma ufficiale e due i bis concessi con una graziosissima Furlana di Tartini e un valido Bach con il movimento centrale, Largo, dal noto Concerto in fa minore BWV 1056. Serata da ricordare.

3 novembre 2021 Cesare Guzzardella

OTTOBRE 2021

L'Orchestra del Teatro Carlo Felice diretta da Alessandro Cadario

Un impaginato pieno di colori quello scelto da Alessandro Cadario alla guida dell'Orchestra del Teatro Carlo Felice di Genova. Al Teatro dal Verme la compagine genovese ha rivelato a noi milanesi le sue eccellenti qualità timbriche, in ogni sezione orchestrale. Per farlo ha scelto d'interpretare brani di primo '900 di Respighi, Stravinskij e Ravel, tutti compositori che dell'espressività coloristica, in ambito orchestrale, primeggiano. Il Trittico Botticelliano, d'ispirazione vivaldiana, di Respighi ha introdotto, in replica, il tardo pomeriggio di ieri. La Suite n.1 e n.2 di Stravinskij ha espresso il lato più cameristico del russo, mentre le musiche dal balletto Ma Mère l'Oye di Maurice Ravel hanno reso il concerto ancor più interessante per quanto concerne le abilità di orchestrazione e di espressione coloristica. Gli artefici di questo ottimo concerto, il direttore Cadario e gli orchestrali genovesi, hanno dato prova di grande capacità coloristica. Le sottili dinamiche, ricche di luminosità ed espressione, si sono rivelate soprattutto in Respighi e in Ravel e le qualità dei solisti dell'orchestra nelle originali suite di Stravinskij. Insomma, un concerto che andava ascoltato e restituito almeno dalle mie poche righe. Da ricordare.

31 ottobre 202 Cesare Guzzardella

Mario Brunello e Giovanni Sollima alle Serate Musicali

È uno spettacolo diverso, particolare e anche divertente, quello che stanno portando in giro per l'Italia i due talentuosi violoncellisti Mario Brunello e Giovanni Sollima. Con quattro violoncelli sul palcoscenico alternati per l'occasione, hanno presentato in Sala Verdi in modo scherzoso la loro performance, giocando con la parola "falso" e dimostrando poi che con i loro strumenti di quattro, a volte cinque corde, si può fare di tutto. Entrambi sessantenni, (del 1962 il compositore palermitano Sollima e del 1960 il veneto - di Castelfranco- Brunello) sono noti in tutto il mondo per le loro eccellenti qualità di strumentisti. La fama di Sollima riguarda anche le sue belle e mediterranee composizioni. Insieme hanno impaginato un programma articolato dove, tra Verdi con le arie più celebri di Traviata, Stravinskij con la nota Suite Italienne, Bach con l'arcinota Ciaccona dalla Partita n.2, hanno inserito la splendida composizione di Sollima "The Hunting Sonata" e rarità di Antonio Bertali ( 1606-1669) e Giovanni Battista Costanzi ( 1704-1778). Concludendo poi con il classico dei Queen "Bohemian Rapsody" in una trascrizione raffinata ed espressiva per due celli. Il numeroso pubblico intervenuto in Conservatorio - molti giovani e giovanissimi - , ha potuto apprezzare le raffinatezze delle timbriche sottili dei due interpreti. Alternandosi spesso nelle parti melodiche e completando le armonie con un eccellente "basso continuo" i due anticonformisti interpreti, con la presenza mimica accentuata del "mediterraneo", hanno fatto miracoli restituendo capolavori nella loro integrità espressiva. La Sonata nuova di Giovanni Sollima ha poi, ancora una volta, rivelato le qualità compositive del musicista. Melodie sinuose, con timbriche arabeggianti ricche di glissando e toni sottili - anche quarti di tono- serpeggiano in un contesto armonico tonale, comprensivo e suggestivo. Ottimo lavoro. Tripudio di applausi al termine, con i violoncelli alzati in aria, gesto molto apprezzato in quanto simpatico simbolo del trionfo della Musica. Concerto indimenticabile.

29-10-2021 Cesare Guzzardella

 

Rudolf Buchbinder e le Diabelli Variations

Finalmente è tornato Rudolf Buchbinder in Sala Verdi, nel Conservatorio milanese, per un concerto organizzato dalla Società dei Concerti. Buchbinder, tra i più assidui pianisti presenti alle serate della nota società concertistica, ha voluto ritornare al suo amato Beethoven con le celebri 33 Variazioni su un Walzer di Diabelli op. 120. La serata ha avuto motivo di grande interesse anche per l'anticipazione musicale avvenuta nell' ambito del The Diabelli Project. Un progetto voluto da Buchbinder per omaggiare Diabelli, comissionando nuove variazioni sul celebre tema a 12 compositori contemporanei. Ieri sera sono state eseguite quattro variazioni rispettivamente di Brett Dean (1961, di Toshio Hosokawa (1955), di Tan Dun (1957) e di Jörg Widmann (1973). Lavori interessanti e molto differenti tra loro. Di grande impatto timbrico la prima di B.Dean e decisamente scherzosa la parodia elaborata da J.Widmann. A questo momento di "musica contemporanea", sempre nella prima parte della serata, ha fatto seguito l'esecuzione di Variazioni sul tema di quattro musicisti del periodo di Diabelli quali Kalkbrenner, Liszt, Schubert e Czerny, tutte pregievoli e ottimamente interpretate dal pianista austriaco. Dopo il breve intervallo, l'ascolto delle più celebri Diabelli Variations beethoveniane, ha fatto ancora una volta apprezzare, al numeroso pubblico di Sala Verdi, le qualità di Buchbinder. Interprete celebre per la sua assiduità nel frequentare le opere dei grandi autori classici della prima Scuola di Vienna, anche nelle Diabelli ha rivelato la sua cifra stilistica di grande interprete. La sintesi discorsiva operata nell'eseguire le 33 variazioni non è stata dsgiunta da fluidità ed espressività. Vette molto elevate sono state raggiunte in moltissime variazioni, dove il perfetto equilibrio delle dinamiche e i rilievi espressivi sono stati mediati da tocco leggero e luminosissimo. Grande interpretazione! Al termine un bis concesso con un eccellente Improvviso di Schubert, il N.4 dall'op.90. Da ricordare.

28 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

 Alexander Malofeev per la Società del Quartetto

Avevamo ascoltato Alexander Malofeev nel febbraio del 2019 in uno splendido e variegato concerto (Beethoven, Ravel, Rachmaninov, Čaikovskij e Prokof'ev) in Sala Verdi e poi ancora nell'ottobre dello stesso anno alla Scala con il celebre Rach 3. Sono passati due anni e l'attuale ventenne pianista moscovita ha mostrato i suoi straordinari progressi virtuosistici in un concerto organizzato dalla Società del Quartetto. Ha scelto un programma particolare, con tre brani di raro ascolto. Probabilmente il brano più noto era la Sonata in la minore D 785 di Franz Schubert, eseguita ad introduzione; mentre la Sonata n.5 in sol minore op.22 del russo Nikolaj Medtner, composta nel 1910, rappresenta un'autentica rarità interpretativa milanese. Dopo il breve intervallo anche la corposa Sonata n.1 in re minore op.28 di Sergej Rachmaninov ha rappresentato un'inconsueta presenza nelle sale da concerto. Malofeev ha affrontato i tre difficili lavori con una sicurezza sorprendente, utilizzando al meglio l'evidente forza delle mani e una mobilità digitale di assoluta precisione, per una ricerca audace di timbriche giocate all'occorrenza anche su sequenze pacate e leggere, in un tessuto dinamico sottile. Il suo Schubert, iniziato con colori marcati, ha trovato poi nell'Andante esternazioni leggere, con momenti di pianissimo quasi impercettibili. Sonate particolarmente difficili le successive, sia quella breve ma ricca di sostanza di Medtner - un unico movimento con un Interludio centrale dalle tinte scure- , sia quella corposa e iper-virtuosistica di Rachmaninov, scritta nal 1906-07, che esprime sonorità "orchestrali" di grande impatto espressivo. Malofeev ha affrontato le indubbie difficolta tecniche con facilità sorprendente, senza mai cedere in termine di precisione ed espressione. Applausi calorosi al termine del programma ufficiale , ma fragorosi e ancor più convinti al termine di ognuno dei sei bis concessi. Tra questi ricordiamo il primo, di Medtner la n.6 dalle Forgotten melodies op.38, quindi il noto Precipitato dalla Sonata n.7 di Prokof'ev, e la trascrizione di Pletnev di Trepak dallo Schiaccianoci di Čaikovskij. Ovazioni al termine.

27 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Fiorenzo Pascalucci alle Serate Musicali

Alle Serate Musicali del Conservatorio milanese il pianista Fiorenzo Pascalucci ha impaginato un programma vario e incentrato soprattutto su brani del primo decennio del '900. Debussy, Ravel, Skrjabin e rarità del lituano Čiurlionis, noto forse maggiormente come pittore, appartengono a questo periodo di trasformazione del linguaggio musicale. Sono brani "visionari", dove i colori, le timbriche, risultano elementi dominanti. Pascalucci ha mostrato di essere in decisa sintonia con questo momento storico, esprimendosi con una sensibilità di tocco non indifferente, mediata da un virtuosismo di elevata sintesi espressiva. Les Estampes e L'isle Joyeuse di Debussy, Jeux d'eau di Ravel, la sorprendente Sonata n.5 op.53 di Skrjabin e, tra i due Debussy, la deliziosa selezione tra le Danze Popolari e i Preludi di Čiurlionis, hanno rivelato l'ottima cifra espressiva del pianista molisano, un interprete raffinato, ricco di qualità. L'ultimo brano in programma, la celebre Rapsodia in blu di George Gershwin era invece del 1924. Splendida ma in contrasto stilistico con i brani precedenti. Pascalucci ha colto della rapsodia soprattutto l'aspetto classico-virtuosistico, tralasciando quello legato al mondo del jazz. Valida ed apprezzata dal pubblico, purtroppo non numeroso, la sua interpretazione. Due i bis concessi: uno splendido Händel con deliziose variazioni - peccato i piccoli inciampi- e un bellissimo e brevissimo Preludio di Skrjabin interpretato in modo eccellente. Ottimo concerto!

26 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Monica Cattarossi e Emanuela Piemonti in Conservatorio per "Musica Maestri"

L'interessante concerto che ha visto in tarda serata le mani, su una tastiera di pianoforte, di Monica Cattarossi e di Emanuela Piemonti, prevedeva brani di Kurtág-Bach, Brahms-Schumann e Beethoven. Brani importanti adattati a "quattro mani", in un pianoforte "orchestrale" per le estensioni che venivano ricoperte. Prima quattro Corali d'organo di Bach trascritti sapientemente dal musicista ungherese Gýorgy Kurtág (1926) quali O Lamm Gottes, unschuldig, Alle Menschen müssen sterben, Allein Gott in der Höh'sei Her e Aus tiefer Not schrei ich zu dir; quindi dell'amburghese, Dieci variazioni op.23 sul "Geister thema", "tema degli spiriti" di Robert Schumann. La parte finale del concerto era riservata a Beethoven, con una superba trascrizione della Grosse Fuge in si bem.maggiore op.134, dalla versione originale per Quartetto d'archi (op.133). Di qualità l'interpretazione ascoltata in Sala Puccini, alla presenza di un numeroso pubblico. Il duo a quattro mani ha rivelato un'ottima intesa nel sostenere le sottili timbriche dei differenti brani di Bach, come la maggiore tensione dinamica di Brahms e ancor più nella coinvolgente op.134 di Beethoven, composta dal grande genio tedesco in piena sordità. Applausi sostenuti al termine e come bis ancora un Kurtág-Bach dalla Cantata BWV 106 "Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit" (Il tempo di Dio è il tempo migliore). Ottima serata.

25 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Ultime recite per Il turco in Italia al Teatro alla Scala

Poco più di duecento anni fa venne rappresentato al Teatro alla Scala "Il turco in Italia". Era il 1814, l'insuccesso di quest'opera rossiniana seguiva al grande interesse suscitato invece dalla più rappresentata "Italiana in Algeri". Negli anni '50 Gavazzeni, la Callas e Zeffirelli cambiarono i giudizi del pubblico e della critica riportando in scena un'opera che venne poi, più recentemente, rivalutata con le interpretazioni di Riccardo Chailly alla fine degli anni '90. La ripresa scaligera di questi giorni, per la direzione musicale di Diego Fasolis, la regia di Roberto Andò, le scene di Gianni Carluccio, i costumi di Nanà Cecchi e i video di Luca Scarzella, riportano l'interesse per questa divertente e riuscita messinscena. Due atti, su libretto di Felice Romani, che oltre alle voci di qualità, rivelano anche le abilità attoriali dei protagonisti. È una valida rappresentazione quella vista ieri sera, con situazioni di rilievo nel secondo atto, quando la componente corale ha un ruolo più esposto ed entrano in scena tutti i protagonisti. Diego Fasolis ha ben diretto la compagine orchestrale, senza mai eccedere nelle volumetrie, e dando il giusto spazio alle voci soliste, voci complessivamente di ottimo livello. Punto di forza è il soprano Rosa Feola, timbricamente perfetta nel ruolo di Donna Fiorilla, con intonazione equilibrata nella sua estensione vocale disinvolta ed incisica. Bravissima anche attorialmente. ( Foto di Brescia e Amisano - Archivio Scala) Di qualità anche il Selim di Erwin Schrott, un basso voluminoso e dinamicamente articolato. Di spessore anche il Geronio di Giulio Mastrototaro, con un fuori scena su un palco molto apprezzato dal pubblico presente in teatro. Ottimi la Zaida di Laura Verrecchia, il Don Narciso di Antonino Siragusa, applaudito fragorosamente nell'aria principale, il Prosdocimo di Alessio Arduini e anche Albazar di Manuel Amati. Prossima recita, l'ultima, per lunedì 25 ottobre. Da non perdere.

23 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Anna Tifu per le Quattro Stagioni di Vivaldi-Richter

È finalmente tornata in Conservatorio la violinista Anna Tifu. Da alcuni anni è ospite immancabile della Società dei Concerti e ieri, in una Sala Verdi con molto pubblico, ha trovato ad attenderla un brano particolarmente diffuso anche nella rivisitazione operata dal compositore-musicista britannico - nato in Germania- Max Richter (1966). Ci riferiamo alle Quattro Stagioni vivaldiane denominate, nella nuova veste, "Vivaldi recomposed". È un'operazione interessante e molto piacevole quella operata dal musicista inglese nel 2012, un lavoro eseguito in tutto il mondo e che ieri ha trovato per l'esecuzione l'eccellente Orchestra d'Archi di Padova e del Veneto diretta per l'occasione da Biagio Angius, uno specialista nel settore contemporaneo. L'ottima interpretazione ha messo in rilievo le qualità di Anna Tifu, che in modo determinato, con grinta e con splendide timbriche, si è unita ai colori ricchi di sfumature dell'orchestra d'archi. La composizione è una sorta di rivisitazione in chiave " minimalista" dei dodici movimenti che compongono le celebri Stagioni. I temi, tutti riconoscibili e spesso assimilabili all'originale lavoro, subiscono cambiamenti in termini armonici e ritmici che mettono in risalto e rendono riconoscibile l'originale linguaggio estetico di Richter. Spesso i movimenti sono troncati in maniera brusca e altre volte terminano in modo sfumato. Applausi sostenuti al termine del brano e due i bis concessi: il primo nella ripetizione dell'energico Presto dall'Estate di Vivaldi-Richter e quindi un ottimo Bach con la celebre Sarabanda (Partita n.2) eseguita con espressività dalla violinista sarda. Nella parte introduttiva del concerto, l'Orchestra aveva ben interpretato il noto Adagietto dalla Quinta Sinfonia di G.Mahler e poi una novità compositiva di Alvise Zambon (1988) dal titolo "Un guardare senza confini" , un lavoro di circa dieci minuti per Orchestra d'archi, che sfrutta tutti i potenziali timbrici di questi strumenti, per una restituzione sonora di suggestiva presa emotiva. Da un inizio che utlizza i glissando degli archi, alla parte finale dove gli elementi più ritmici e maggiori contrasti tra le sezioni degli archi vengono messi in rilievo. Zambon con questo brano ha recentemente vinto il Concorso Nazionale di Composizione "Francesco Agnello", conferito da una giuria presieduta dal Maestro Salvatore Sciarrino. Ottimo lavoro.

21 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Un Salotto Musicale al Teatro alla Scala

Un tardo pomeriggio musicale di qualità quello di ieri al Ridotto dei Palchi "A.Toscanini" del Teatro alla Scala. L'associazione Musica con le Ali in collaborazione col Museo Teatrale alla Scala ha organizzato una serie di concerti denominati "Il Salotto musicale" aventi lo scopo di far conoscere giovani promettenti interpreti che ambiscono ad una carriera professionale nel non facile settore concertistico. La giovanissima Carlotta Maestrini, di soli 15 anni, ha interpretato brani di Beethoven, Sollima e Mendelssohn insieme ad un violoncellista di fama quale Giovanni Sollima. La giovane interprete, vincitrice di numerosi concorsi pianistici e attualmente frequentante i corsi di Andrea Lucchesini presso la Scuola di Musica di Fiesole, ha rivelato indubbie qualità nei tre lavori proposti per violoncello e pianoforte. Due classici quali la Sonata in sol minore n.2 Op. 5 di L.v. Beethoven e la Sonata in si bemolle maggiore n.1 Op.45 di F. Mendelsshon, sono stati inframezzati da un brano di Giovanni Sollima, Il bell'Antonio (tema III), un lavoro intensamente lirico ed espressivo nel tipico stile mediterraneo del musicista siciliano con influssi arabeggianti e interessanti glissandi con quarti di tono. Le indiscusse qualità del violoncellista hanno trovato un appoggio qualitativo ottimo nelle mani disinvolte di Carlotta. La sala, colma di pubblico, ha riservato al termine fragorosi applausi ai protagonisti. Questi hanno concesso un bis ripetendo lo splendido movimento centrale Andante della sonata mendelsshoniana. Il prossimo "Salotto musicale" è previsto per il 19 novembre con il Quartetto Werther in musiche di Mahler e di Strauss. www.musicaconleali.it

20 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

L'Orchestra Cupiditas e Freddy Kempf alle Serate Musicali

L'Orchestra Cupiditas diretta da Pietro Veneri è approdata in Conservatorio per un concerto di estroversa resa musicale, con due lavori noti quali il Concerto in la minore per pianoforte ed orchestra Op.16 di Edvard Grieg e la Settima Sinfonia in la maggiore di L.v.Beethoven. Un programma certamente arduo, considerando la presenza di giovani orchestrali, tutti di età compresa tra i quattordici e i ventotto anni. Sono giovani motivati, provenienti dalle migliori scuole musicali toscane. A rendere ancor più attraente la serata è stata la partecipazione del pianista londinese Freddy Kempf, un virtuoso scoperto ed ospitato moltissime volte da Serate Musicali. Il Concerto in la minore di Grieg è certamente tra i più virtuosistici di quel genere. Kempf ha saputo dominare la tastiera esprimendosi con grinta e con un giusto equilibrio complessivo. L'ottima direzione di Veneri nel sostenere l'appoggio degli orchestrali, ha determinato un'interpretazione di eccellente qualità, dove l'elemento dominante, il pianoforte solista, ha trovato un aiuto nelle timbriche di ogni sezione dell'ampia orchestra, aiuto utile e appropriato. La forza espressiva del quarantaquattrenne pianista è visibile anche nella sua evidente gestualità, non fine a se stessa, ma funzionale all'ottenimento delle sue chiare e incisive timbriche. Di spessore la resa coloristica nel controllato contrasto delle dinamiche. Applausi fragorosi del pubblico al termine e decisamente bello il bis solistico con un Valzer di Chopin, l'Op.69 n.1, reso delicatamente e con profonda espressività. Il brano successivo, la Settima di Beethoven, ha dato la possibilità di osservare in modo più dettagliato l'operato dei giovani orchestrali. Valida la resa interpretativa complessiva, considerando le indubbie difficoltà da affrontare per un'interpretazione di un lavoro maturo e importante quale quello del genio tedesco. Bravi! Fragorosi applausi del numeroso pubblico intervenuto.

19 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

 

Milano Musica al Teatro alla Scala

Il Festival di musica contemporanea Milano Musica ha avuto ieri una nuova serata al Teatro alla Scala per l'esecuzione di quattro brani di altrettanti compositori. Da Helmut Lachenmann (1935) con il suo Staub per orchestra (1985-87), in prima esecuzione in Italia, a Giacomo Manzoni (1932) con il recente Schuld per tenore e orchestra (2016-18 rev. 2021), una commissione di Milano Musica in prima esecuzione assoluta. Dopo il breve intervallo, prima abbiamo ascoltato un lavoro di Fausto Romitelli (1963-2004) con Dead City Radio. Audiodrome per orchestra (2003) e per finire di Francesco Filidei (1973) il suo Fiori di fiori per orchestra (2012). Sul podio scaligero un esperto di esecuzioni contemporanee quale Gergely Madaras ha diretto l'Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai. Lavori estremamente diversi, ma certamente legati da una ricerca timbrico-gestuale tipica di questi ultimi decenni. Non tutto è stato apprezzato con entusiasmo dal numeroso pubblico del Teatro alla Scala. Il brano composto tra il 1985-87 da Lachenmann è certamente di non immediata comprensione, essendo giocato sulla disintegrazione del materiale sonoro e su una non definizione unitaria. La quantità di frammentazioni, con frequenti pause o effetti timbrici, spesso non percepibili, si dipanano per oltre venti minuti con un finale non-finale di quello che si può definire un non-brano. Pubblico piuttosto freddo al termine. Il secondo lavoro, Schuld, del milanese Giacomo Manzoni prevedeva la voce tenorile. In questa prima esecuzione, la voce era quella di Leonardo Cortellazzi. Un brano ricco di energia che parte con un certo numero di battute iniziali per la sola orchestra esprimenti sonorità ricche e suggestive. Con l'ingresso della voce tenorile e del testo cantato su un sonetto di Albrecht Haushoferil, il clima energico dell'orchestra si riduce di tensione per evidenziare maggiormente l'eccellente timbrica di Cortellazzi nel suo dialogo con le sezioni orchestrali che esprimono timbriche più cameristiche. Un lavoro di grande impatto emotivo che è piaciuto al pubblico presente. Applausi sostenuti anche al compositore salito sul palcoscenico. Di pregnante espressività il terzo brano, Dead City Radio. Audiodrome per orchestra, un lavoro scritto un anno prima della scomparsa dell'autore, avvenuta nel 2004. È un brano di immediato effetto e di efficace presa emotiva, dove effetti di glissando, suoni campionati e strumenti elettronici, si mescolano alle timbriche corpose e sostenute della grande orchestra. I riferimenti alla musica tonale, tipici di Romitelli, dopo l'inizio suggestivo con contrasti in glaciali sonorità, ci portano ad una logica di comprensione maggiormente vicina alla tradizione. Molto interessante la tensione emotiva ed espressiva che ruota intorno ad una nota lunga riproposta in continuazione nella parte centrale del lavoro, e lo sviluppo successivo che ripropone effettistiche dal carattere bucolico. Il lavoro rimane tra i più sconvolgenti e moderni del compositore. Decisi gli applausi del pubblico che ha molto apprezzato l'opera dello scomparso ancor giovane musicista. Per concludere, il brano Fiori di fiori per orchestra di Francesco Filidei ci ha portato al termine, in una serata nella quale la gestualità ha avuto una componente determinante. È un brano soprattutto da vedere e non solo da ascoltare, quello di Filidei. Una performance dove gli orchestrali, soprattutto nelle sezioni percussive e degli archi, operano per ottenere effetti sonori-coreografici determinanti per la buona resa esecutiva. Temi dal clima mediterraneo o dal sapore antico subentrano in modo discreto e lasciano poi ancora spazio alle gestualità effettistiche degli orchestrali che concludono, dopo un martellante, stridente e suggestivo culmine sonoro, con pacatezza l'originale lavoro. Successo deciso. Eccellente la direzione di Madaras in tutti i brani e bravissimi tutti i componenti dell'orchestra.

18 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

La nuova Stagione de I Pomeriggi Musicali con J.Feddeck e Jae Hong Park

La nuova stagione musicale de I Pomerggi Musicali ha preso avvio ufficialmente ieri sera, al Teatro Dal Verme, con un interessante concerto sinfonico diretto da James Feddeck. Tre brani in programma, apparentemente molto diversi tra loro, ma volutamente legati ad un filo conduttore nella denominazione suggerita: "Racconti senza parole". F. Mendelssohn con la Suite op.61 da Sogno di una notte di mezza estate, Aaron Copland con la suite Appalachian Spring e Maurice Ravel col suo virtuosistico Concerto in Sol per pianoforte ed orchestra, si sono succeduti nella sala gremita di pubblico del Teatro Dal Verme. È da pochissimi giorni che è finalmente possibile occupare tutti i posti disponibili. Tre brani, che come avviene nei racconti, vorrebbero esplorare infinite situazioni, utilizzando, nel linguaggio musicale, una coerente successione di timbriche misurate e in relazioni tra loro. Tutti e tre i compositori presentati sono stati maestri di orchestrazione e ricercatori di colori adeguati per esprimere la loro arte. Adeguato e decisamente all'altezza di questi tre eccellenti lavori, è stato il direttore di riferimenti dell'orchestra "I Pomeriggi" James Feddeck. Questi ha affrontato con sensibilità, minuziosità e chiarezza espressiva i brani, forgiando un'orchestra ottima in ogni sezione strumentale. I numerosi interventi solistici- specie nel brano di Copland- sono apparsi perfetti nei chiari ed espressivi interventi. Dopo una valida interpretazione della Suite di Mendelssohn, siamo rimasti ancor più convinti del brano dell'americano Copland. Appalachian Spring, composto nel 1944, è un balletto dal quale l'autore ha ricavato una suite costruita splendidamente, di apparente facilità, che abbisogna invece di un equilibrio perfetto nelle parti orchestri, per una resa adeguata. L'ottima compagine e la calibrata direzione di Feddeck, hanno raggiunto l'obiettivo di qualità per l'interpretazione di un lavoro che andrebbe proposto maggiormente nelle sale da concerto. L'ultimo brano, il Concerto in Sol, del grande compositore e orchestratore francese, era probabilmente quello più atteso. Fondamentale la presenza di un solista al pianoforte quale il giovane Jae Hong Park, talentuoso virtuoso, fresco di vincita del Concorso Internazionale F. Busoni, uno tra i più prestigiosi al mondo. Park ha sostituito all'ultimo momento l'affermato Nicholas Angelich, indisposto. La prestazione del pianista ventiduenne sud-coreano, è stata eccellente, come adeguata la sinergia orchestrale. Oltre ad una disinvolta e sciolta abilità tecnica, che il brano impone, specie nell'Allegramente e nel Presto finale, Park ha fornito profonda espressività in tutto il brano. La precisione raffinata e la chiarezza nei dettagli dei frangenti più impervi, hanno trovato un'uguale resa estetica nel più apparantemente semplice Adagio assai, movimento centrale il cui lungo tema viene introdotto dal solo pianoforte per poi integrarsi con le tenui timbriche orchestrali. Park è un solista di indubbia eccellenza che ci auguriamo di ascoltare presto in un recital solistico. Di qualità i bis solistici concessi, entrambi di Claude Debussy. Prima La fille aux cheveux de lin e poi La cathédrale engloutie. Interpretazioni con perfetto dosaggio coloristico. Accorati applausi del pubblico a tutti i protagonisti. Sabato alle ore 17.00 si replica. Da ricordare.

15 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Ying Li e la NWD Philharmonie diretta da J. Heyward

La pianista cinese Ying Li ha vinto recentemente, meritatamente, il primo Premio Internazionale A.Mormone, concorso pianistico nato per commemorare la figura del fondatore e organizzatore della Fondazione La Società dei Concerti. Ieri sera, in Sala Verdi, abbiamo avuto l'occasione di riascoltare Ying Li in un classicissimo Mozart col noto Concerto per pianoforte e orchestra in la maggiore K488. Tre movimenti dove la parte solistica risulta fondamentale e trova il coronamento con una componente orchestrale che deve sottolineare ed esaltare gli interventi pianistici. Ying Li ha rivelato una particolare sintonia con Mozart, evidenziata da una perfezione tecnica di primo livello che definisce con chiarezza e bellezza di colore ogni frase. I momenti riflessivi del celebre Adagio sono stati ben delineati dalla pianista e la scorrevolezza dell'Allegro assai finale ha esaltato la carica energica della solista. Valida la componente orchestrale e la direzione del giovane Jonathon Heyward. Eccellente il bis concesso con l'Allegro dal Concerto Italiano di J.S.Bach e personale e ricco d'introspezione l'Intermezzo op.118 n.2 di J.Brahms proposto come secondo bis. Dopo il breve intervallo, rilevante la lettura orchestrale della giovanile Sinfonia n.1 in do maggiore di Beethoven, lavoro che trova nell'Allegro molto e vivace conclusivo il momento di maggiore esternazione e piacevolezza. Grintosa la direzione di Heyward in Beethoven ed ottimo ed energico il bis orchestrale con l'Ouverture mozartiana da "Le Nozze di Fogaro".

14 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Uno strepitoso Beethoven con Jordi Savall e Le Concert des Nations inaugura il "Quartetto"

Dopo due anni è tornato in Conservatorio, per inaugurare la nuova Stagione della Società del Quartetto, il direttore spagnolo Jordi Savall con i suoi Le Concert des Nations, una splendida orchestra che usa strumenti originali, molto riconoscibili nelle timbriche, specie nelle sezioni dei fiati. Il 21 ottobre del 2019, in epoca ante-pandemia, avevamo ascoltato Savall interpretare in modo eccellente le Sinfonie n.3 e n.5 di Beethoven. Ieri sera, in una Sala Verdi finalmente colma di pubblico, - da due giorni si possono occupare tutti i posti- si è ripetuto l'incantesimo con la Sesta Sinfonia in fa maggiore op.68 "Pastorale" e la Settima Sinfonia in la maggiore op.92. Come ho scritto la scorsa volta, siamo stati abituati alla frequentazione di Savall al Conservatorio milanese nel repertorio di musica antica o del '700, anche per poter ascoltare i colori strumentali d'epoca. Questi strumenti, soprattutto nella sezione dei legni e degli ottoni, sono stati utilizzati anche per Beethoven. Ancora due capolavori, definiti da momenti più cameristici, soprattutto nella Sesta, dove emergono le sonorità pure e autentiche dei legni, spesso suonati singolarmente o i tipici suoni "antichi" degli ottoni; in altri frangenti, una prorompente estroversione, come nei più voluminosi movimenti della Settima, ci portano al Beethoven più irrequieto, come nel geniale finale Allegro con brio, un movimento mozzafiato. La bellezza delle timbriche, la chiarezza dei singoli strumenti- tutti riconoscibili e perfettamente inseriti- gli equilibrati piani sonori, hanno ancora una volta reso le due interpretazioni di un livello di alta valenza estetica. Sono di nuovo emerse le profondità di pensiero del genio di Bonn e le qualità eccellenti della compagine orchestrale e del suo direttore. Savall prima del bis - il Minuetto dell'Ottava Sinfonia- ha voluto ancora ricordare l'avv. Antonio Magnocavallo, presidente per molti anni della prestigiosa Società del Quartetto. Splendida serata!!

13 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Piotr Anderszewski alle Serate Musicali incontra Bach

Ieri sera per le Serate Musicali, nella Sala Verdi del Conservatorio milanese - finalmente con un potenziale di posti fruibili al 100%-, è tornato il pianista polacco Piotr Anderszewski. Ha presentato un impaginato incentrato su J.S.Bach dove 12 Preludi e fughe dei 24 che compongono il Libro Secondo del Clavicembalo ben temperato erano in programma, da eseguire senza intervalli. I due libri del Clavicembalo, per complessivi 48 preludi e relative fughe, rappresentano un monumento di costruzione polifonica e armonica, utilizzato anche nella didattica per l'insegnamento degli strumenti a tastiera. È un' opera di straordinaria rilevanza estetica. Come già rilevato in precedenti concerti di Anderszewski dedicati a Bach, abbiamo trovato coinvolgente il livello interpretativo del pianista polacco. L'originale scelta di un ordine d'esecuzione che rispondesse ai propri gusti estetici è certamente adeguato. La sequenza era questa: N.1-12-17-8-11-22-7-16-9-18-23-24. (non ha eseguito però il n.12). La concentrazione assoluta, sottolineata anche dalla soffusa illuminazione del palcoscenico di Sala Verdi, con attenzione rivolta sulla tastiera dello Steinway, era funzionale alla messa in risalto delle splendide architetture musicali bachiane. Le dinamiche, ricche di contrasti, in un contesto esecutivo molto intimista, sono risultate eccellenti sia nei Preludi che nelle Fughe, esaltando sia i momenti più riflessivi che quelli di maggiore estroversione. I piani sonori e la sovrapposizione delle voci sono risultati di chiarissima resa all'ascolto. Certamente un Bach di altissimo livello quello di Anderszewski! Breve il bis e molto valida l'esecuzione, con il Preludio n.12 BWV 881 ( quello mancante dal programma ufficiale...ma non fa fatto la Fuga) con adeguata "personalizzazione" - in termini di fioriture- dell'eccellente interprete. Da ricordare a lungo.

12 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Al Teatro alla Scala un "Barbiere di qualità" quello di Muscato-Chailly

Il ritorno alla tradizione è ancora una volta presente nelle nuove rappresentazioni liriche. La nuova produzione del Teatro alla Scala del rossiniano Barbiere di Siviglia, opera in due atti su libretto di Cesare Sterbini, per la regia di Leo Muscato, sostituisce egregiamente la solida e quasi inespugnabile regia di Jean-Pierre Ponnelle - anche scenografo e costumista- che dal lontano 1969 e sino al 2015 -oltre 45 anni - ha imperversato al Teatro alla Scala. Ricordiamo che la prima rappresentazione del 9 dicembre 1969 di Abbado-Ponnelle, nella revisione critica di Alberto Zedda, venne offuscata dall'attentato di piazza Fontana avvenuto il 12 dicembre di quel anno, tragica vicenda che fece saltare le due rappresentazioni successive. La nuova regia di Leo Muscato, nel linguaggio della tradizione lirica, omaggia certamente Ponnelle e porta sostanziali cambiamenti. Muscato - regista teatrale da oltre vent'anni- si è avvalso delle riuscite scene di Federica Parolini, inquadrate in un' ampia cornice semi-circolare, dei costumi nella tradizione di Silvia Aymonino, dei ballerini classici della coreografa Nicole Kehrberger presenti in molte scene, della concezione delle luci non invasive di Alessandro Verazzi, unitamente alla unificante, italianissima e valente direzione di Riccardo Chailly. Modalità tradizionali, ma certamente di ottima fattura. La prima evidenza rilevata ieri sera, nella quarta e terz'ultima rappresentazione, è l'unità di lavoro di tutte le componenti artistiche. Un legame tra le parti piaciuto al numeroso pubblico intervenuto, ed unificato dalle novità inserite in messinscena, quali il teatro nel teatro con la preparazione del "L'inutil precauzione", i ballerini classici con Rosina in costume di danza, i numerosi interventi strumentali sul palco, ad iniziare dalla presenza di un'orchestra con Fiorello primo violino. Idee originali, potenziate dalla presenza di un ottimo cast vocale, ad iniziare dall'ancora unificante Figaro: timbro deciso, chiaro, corposo quello di Mattia Olivieri, la voce più applaudita. Ottime tutte le voci, con un Conte d'Almaviva-Lindoro elegante come Conte e dolce come Lindoro, nel timbro sottile e chiaro di Maxim Mironov. ( Foto di Brescia- Amisano- Archivio della Scala) Di spessore e timbricamente rilevante per bellezza la Rosina di Svetlina Stoyanova. Ottima la presenza vocale di Bartolo ovvero Marco Filippo Romano, sia nell'espressiva voce che nella chiara sillabazione; valido il limpido, anche se non troppo buffo, Basilio di Nicola Ulivieri. Bene anche Lavinia Bini in Berta e Costantino Finucci in Fiorello. Parte corale ben preparata da Alberto Malazzi. Chailly, come già detto, in grande forma, ad iniziare dall'Ouverture a sipario chiuso. Più evidente di un clavicembalo il Fortepiano di Paolo Spadaro Munitto e riconoscibile l'originale e raro strumento metallico a percussioni con funzione prevalentemente ritmica, denominato Sistro, progettato da Gioacchino Rossini per il suo “Barbiere di Siviglia”, ma scomparso subito dopo la prima di Roma nel 1816. Applausi intensi del pubblico e numerose uscite in palcoscenico dei protagonisti. Prossime recite - con utilizzo completo dei posti in teatro- per l'11 e il 15 ottobre. Da non perdere!

9 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

In Conservatorio i vincitori del Concorso Internazionale Musicale della Società Umanitaria

Da molti anni è diventato un Concorso Internazionale musicale importante quello della Società Umanitaria, dove nel Salone degli affreschi il 6 e il 7 ottobre si sono svolte le prove finali. Il concerto dei vincitori, ascoltato ieri sera nel Conservatorio milanese, ha evidenziato le qualità indubbie dei giovani interpreti. I primi tre classificati sono stati scelti da una giuria formata da sette musicisti noti e qualificati. La serata, organizzata benissimo e presentata in Sala Verdi da Francesco Biraghi, ha trovato interventi del Presidente della Società Umanitaria Alberto Jannuzzelli, del Direttore generale Maria Elena Polidoro e dal Direttore artistico e ideatore del Concorso sin dal 1989, Maestro Massimiliano Baggio. Presente in Sala anche Francesca Di Cera, coordinatrice delle attività. Il primo premio è stato assegnato alla violoncellista belga Stéphanie Huang, il secondo al Trio Soleri formato dal violinista Dainis Medjaniks, dal violoncellista Moritz Weigert e dal pianista Asen Tanchev; il terzo premio al fisarmonicista Radu Ratoi. Alla presenza del numeroso pubblico che occupava tutti i posti disponibili della sala, abbiamo ascoltato prima lo straordinario brano De Profundis della compositrice novantenne Sofia Gubaidulina, interpretato magistralmente dal fisarmonicista moldavo/romeno Radu Ratoi. Questi ha mostrato oltre alle eccellenti qualità musicali che il il brano impone, anche sensibilità gestuali e mimiche. Quindi il trio Soleri (bulgaro-lettone e tedesco) ha eseguito in modo espressivo e con grande equilibrio delle dinamiche, gli ultimi tre movimenti del noto Trio n.2 op.87 di Johannes Brahms. A conclusione della splendida serata la vincitrice Stéphanie Huang, accompagnata per l'occasione dall'ottimo pianista Gaspard Thomas , ha interpretato prima Schumann con Adagio e Allegro op.70, quindi Martinů con Variazioni su un tema di Rossini e per finire il virtuosistico Cassado con Danse du diable vert. Di eccellente qualità il tocco della Huang nel rendere espressivo il suo violoncello. L'ottima interprete ricordiamo provenire dal Conservatorio di Parigi. Al termine fragorosi applausi a tutti i protagonisti e organizzatori di nuovo in palcoscenico. Da ricordare

9 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

 

A Varallo Sesia la 41esima edizione di Musica a Villa Durio

Sono già alcuni i decenni di attività concertistica, di ospiti prestigiosi e di proposte sempre nuove e il 10 ottobre, nella Città di Varallo, si inaugurara la 41esima edizione di Musica a Villa Durio, stagione musicale diretta da Massimo Giuseppe Bianchi che avrà luogo sino al 18 dicembre. Il 10 ottobre si ascolteranno musiche di R.Hahn , Debussy e Ravel interpretate dal trio formato da Klara Flieder al violino, Christophe Pantillon al violoncello e Massimo G. Bianchi al pianoforte. Il concerto avverrà alle ore 17.30 al Palazzo dei Musei - Pinacoteca di Varallo e Museo Calderini. Da non perdere WWW.MUSICAVILLADURIO.COM

8 ottobre 2021 dalla redazione

Beatrice Rana per la nuova Stagione della Società dei Concerti

L'impaginato scelto dalla pianista pugliese Beatrice Rana per il bellissimo concerto ascoltato ieri sera ad inaugurazione della nuova Stagione concertistica della Società dei Concerti, ha messo in risalto i diversi approcci stilistici utilizzati per esprimere brani di compositori molto differenti. Nella prima parte erano presenti i Quattro Scherzi di Fryderyk Chopin, quindi, dopo il breve intervallo, il '900 di Claude Debussy con il 1°libro degli Etudes, e quello di Igor Stravinskij, con gli estroversi Trois Muovements de Petrouchka. Danse Russe, Chez Petruchka e Le semaine grasse compongono la versione pianistica, in tre parti, tratta dal celebre balletto per orchestra del russo. Ricordiamo che Chopin è in pieno '800, gli Scherzi datano dal 1831 al 1842, mentre Debussy, se pur nato nel 1862, compose i suoi due libri di Studi nel 1915, tre anni prima della sua morte parigina. Petrushka è invece del 1910-11 e la trascrizione pianistica ascoltata è del 1921. Gli ultimi lavori, gli Studi e Petrushka, rappresentano modalità nuove di intendere la musica pianistica, nelle quali la componente coloristica diventa dominante. Beatrice Rana ha affrontato tutti e tre i brani in programma con esemplare sicurezza, esprimendo in modo personale l'essenza musicale dei grandi compositori. L'impatto stilistico complessivo, ben determinato, ha rivelato piena maturità. La rilevante sintesi discorsiva emersa negli Scherzi di Chopin, con taglio netto e preciso nei frangenti più movimentati era in alternanza ai momenti di maggior riflessività delle parti centrali. Abbiamo ascoltato certamente qualcosa di nuovo in Beatrice nel modo d'intendere Chopin e certamente di rilevante qualità estetica. Ottimi anche i sei Studi che compongono il Primo Libro di Debussy, un Debussy molto moderno e precursore di nuovi linguaggi. I Tre Movimenti stravinskijani, eseguiti a conclusione del programna ufficiale, hanno ancor più esaltato le enormi qualità tecnico-espressive della Rana. I tempi rapidi, ma chiari e ricchi di dettagli, di questa eccellente interpretazione, hanno ben evidenziato l'idea complessiva del lavoro, idea restituita in alta qualità al numeroso pubblico presente. Sala Verdi del Conservatorio era al completo nei limiti imposti dalla pandemia. Eccellente il bis concesso con un riflessivo ed espressivo Notturno n.13 Op.48 n.1 di Chopin. Fragorosi applausi e numerose uscite della protagonista. Da ricordare a lungo

7 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

 

Myung-Whun Chung e Alessandro Taverna al Teatro alla Scala a sastegno di LILT

Ieri sera grande successo al Teatro all Scala per il concerto sinfonico benefico a sostegno di LILT-Milano Monza Brianza APS con l’Orchestra Filarmonica della Scala, il direttore Myung-Whun Chung e il pianoforte solista Alessandro Taverna. I fondi raccolti sosterranno l’apertura del nuovo Spazio Parentesi a Milano per i malati oncologici e i loro familiari. Il programma, di rilievo, prevedeva due noti brani: il Concerto per pianoforte n. 5, in mi bemolle maggiore “Imperatore” Op. 73 di L.v Beethoven e la Sinfonia n.9 in mi minore “Dal Nuovo Mondo” Op. 95 di Antonìn Dvořák. Nel primo brano il pianista veneziano Alessandro Taverna ha espresso ottimamente la parte solistica, coadiuvato dalle ottime timbriche della Filarmonica della Scala e dalla valida direzione di Myung-Whun Chung . Particolarmente di rilievo l' Adagio un poco mosso centrale, sia per i tenui colori degli archi esaltati dai bravissimi orchestrali, che per la delicata e profonda parte pianistica restituita con sensibilità ed intensa espressione da Taverna. Di grande effetto il bis pianistico concesso dal pianista: una formidabile Fuga dalle Telemann Variations op.134 di Max Reger, interpretata con disinvoltura e nitore espressivo. Di qualità, dopo il breve intervallo, la Sinfonia "Dal Nuovo Mondo", brano nei classici quattro movimenti che specie nell'Allegro molto iniziale e nell'Allegro con fuoco finale trova situazioni di coinvolgente notorietà che ha decisamente avvinto il pubblico presente in teatro. Applausi fragorosi e numerose uscite in palcoscenico per l'ottimo direttore sud-coreano. Chi volesse sostenere le attività della LILT può farlo attraverso bonifico bancario, versamenti postali e consultando le pagine di FB e il sito internet http://www.legatumori.mi.it

5 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

POSSIMAMENTE BEATRICE RANA INAUGURA LA SERIE SMERALDO DELLA SOCIETA' DEI CONCERTI

Oggi è una delle pianiste più acclamate a livello internazionale; nel 2011, prima dellaconsacrazione al Van Cliburn, fu il fondatore della Società dei Concerti Antonio Mormone a capirne il talento e a farla debuttare in Sala Verdi con il Concerto di Tchaikowskj. A 9 anni già suonava con l’orchestra; a 18 già vinceva il concorso di Montreal; ma fu nel 2013, nella più selettiva competizione pianistica al mondo, la texana Van Cliburn, che Beatrice Rana fece prepotentemente irruzione sulla ribalta maggiore. Prima però, Antonio Mormone ne aveva già compreso il talento e l’aveva invitata alla Società dei Concerti: incantò il pubblico come solista nel primo concerto di Tchaikowskj. Da allora si è instaurato un rapporto profondo che trascende il mero fatto artistico; Rana ha confessato più volte il piacere nel tornare in Conservatorio per la Società che l’aveva lanciata, e questa volta lo fa con un programma di trascinante intensità: i 4 Scherzi di Chopin, manifesto della poetica musicale romantica, appena incisi nel suo nuovo premiato albumper Warner; i Tre movimenti da Petrouchka, brano di funambolico virtuosismo dove Stravinskij conferma la sua visionarietà rivoluzionaria; nel mezzo un’altra pietra miliare di inizio 900, il primo libro degli Etudes di Debussy, indagine immaginifica sulle nuove possibilità espressive, timbriche e coloristiche del pianoforte.( foto dell'ufficio stampa della Società dei Concerti)

LADRI DI NOTE in Sala Verdi il 6 ottobre al Conservatorio di Milano - Sala Verdi

Ladri di Note anche agli Incontri Musicali

Sarà il pubblico a scegliere il bis, chiedendolo agli interpreti. E lo ruberà, portandosi a casa la registrazione delle note appena ascoltate. Una originale, coinvolgente novità segna il cartellone 2021-22 degli storici “Incontri Musicali” della Società dei Concerti, quest’anno ospitati alla Palazzina Liberty. Sarà il pubblico a chiedere il bis, ma non semplicemente insistendo con gli applausi e ascoltando i classici encore che gli artisti sono soliti regalare dopo il programma ufficiale. Come accadeva nei grandi concerti del passato, quando Mozart doveva ripetere l’Adagio del suo Concerto in do minore o Beethoven l’Allegretto della sua settima Sinfonia, gli spettatori saranno chiamati a scegliere il preferito tra i brani o i movimenti dei brani appena ascoltati, e i musicisti lo riproporranno come bis. Un’esecuzione live unica che la Società dei Concerti registrerà e invierà per mail ai partecipanti: l’ascolto live, per sua natura estemporaneo e irripetibile, verrà così rubato e immortalato, così che si potrà riassaporare ad libitum l’emozione vissuta quella certa serata alla Palazzina Liberty.Ad inaugurare gli Incontri Musicali saranno Ludovica Rana (violoncello) e Maria Grazia Bellocchio (pianoforte). Gli Incontri Musicali furono creati da Antonio Mormone proprio per offrire ai giovani talenti un palcoscenico prestigioso per presentarsi sulla ribalta milanese. Fu il primo a intuire il talento della sorella di Ludovica, Beatrice, oggi considerata una delle più interessanti pianiste a livello internazionale. Ludovica aveva già inaugurato gli Incontri Musicali, accompagnata da Beatrice. Questa volta al suo fianco c’è Maria Grazia Bellocchio, pianista di grande esperienza, collaboratrice di Accardo, Filippini, Divertimento Ensemble.Rana e Bellocchio affrontano due capolavori della letteratura per violoncello e pianoforte: la quinta e ultima delle Sonate di Beethoven, dove il genio di Bonn, inoltrandosi in quello che la critica ha indicato come “terzo stile”, dal suo nuovo romanticismo guarda oltre il classicismo viennese e spinge lo sguardo fino al barocco, riprendendone la scienza polifonica, che qui pervade tutta la Sonata e modula il dialogo tra i due strumenti, fino a sfociare nel vertiginoso fugato a quattro parti del finale. Ed è sempre fonte di sorprese ascoltare i rari cimenti di Chopin construmenti diversi dal pianoforte: che qui è presente, ma per fondere il proprio timbro con quello del violoncello, in una ricerca non solo melodica ma di colori ed effetti di struggente suggestione. ( foto dell'ufficio stampa della Società dei Concerti)

1 ottobre dalla redazione

SETTEMBRE 2021

L'Ensemble Barocca "La Magnifica Comunità" alle Serate Musicali

L'originale percorso musicale scelto dall'Ensemble strumentale barocco La Magnifica Comunità, ha trovato un motivato titolo, anche di recente attualità, nella denominazione dello spettacolo "Sulla via della seta". Il gruppo cameristico di strumenti antichi, diretto da Enrico Casazza, anche violino solista, ha proposto brani di Gallo, Händel, VIvaldi e Hasse, concerti interi o brani lirici estratti da opere liriche settecentesche che trovano riferimenti con le culture dei popoli orientali di provenienza cinese, turca, araba, persiana, indiana. Un percorso raccontato in modo chiaro dall'attore-lettore Umberto Terruso e recitato e cantato in modo pregnante dal soprano romano Raffaella Milanesi. Le arie d'opera, estratte dal Tamerlano o da Alessandro di G.F.Händel, dalle opere Bajazet e Teutone di Antonio Vivaldi, dall'Artaserse di J.A Hasse erano introdotte da Sonate, come la rara “La Follia” per 2 violini, viola, violoncello e continuo di D.Gallo, eseguita ad introduzione o come il Concerto per violino, archi e basso continuo in re maggiore “Grosso Mogul” di A. Vivaldi eseguito ottimamente dall'Ensemble e sostenuto con virtuosismo dal violino solista Enrico Casazza. Non dimentichiamo poi le Ouverture di alcune opere e gli originali e orientali interventi del bravo percussionista che legava i momenti di lettura di Terruso agli immediati interventi strumentali. Uno spettacolo decisamente interessante e coinvolgente quello ascoltato ieri sera alle "Serate Musicali" del Conservatorio milanese, alla presenza di un pubblico, al termine, decisamente entusiasta. Bravissimi tutti quanti. Un plauso alla chiara e decisa voce da soprano e mezzo-soprano di Raffaella Milanesi e alle ottime parti solistiche del violinista-direttore Enrico Casazza. Da ricordare.

28 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Andrea Lucchesini in Conservatorio per la Società del Quartetto

Si è concluso ieri sera il ciclo pianistico "Preludi, la serie A del pianoforte", organizzato dalla Società del Quartetto, con un pianista autorevole quale Andrea Lucchesini. Classe 1965, il pianista toscano iniziò la sua carriera concertistica con la vittoria del Concorso Dino Ciani nel 1983. Il programma, interamente dedicato a Schubert, prevedeva i Tre Klavierstüke D 946 e la Sonata in la maggiore D 959. Notevole la qualità espressa da Lucchesini in entrambi i lavori. Un timbro chiaro e ricercato si è esternato nella precisa e lucida idea complessiva di questi capolavori. L'inesauribile ricchezza moledica del genio vennese è stata sostenuta da un'impalcatura pianistica solida, che ha delineato in modo sicuro tutte le componenti musicali delle articolate composizioni. In molti frangenti Lucchesini ha raggiunto altissimi vertici interpretativi , come nel superlativo Andantino della Sonata, dove le poche note che esprimono la semplice linea melodica, hanno visto una carica espressiva pregnante e di purezza assoluta. Lucchesini, nel rapportarsi con la musica del grande compositore ha rivelato importanti affinità che nella restituzione in sala da concerto, trova pochissimi rivali. Applausi calorosi in Sala Verdi e un inaspettato bis con una Variazione su un tema di Diabelli dello stesso Schubert. Da ricordare a lungo.

24 settembre 2021 Cesare Guzzardella

 

Dmytro Choni e il duo Krylov-Lifits al Dal Verme per MiTo

Doppio concerto ieri al Dal Verme. Per il Festival MiTo, nel pomeriggio la novità era rappresentata dal giovane pianista di Kiev Dmytro Choni. Classe 1993, ha vinto nel 2018 il primo premio al Santander International Piano Competition ed ha avuto ottimi piazzamenti nei più importanti Concorsi. Ha presentato un programma incentrato su brani del primo Novecento di Debussy, Skrjabin e Rachmaninov e uno Studio (1985) di Ligeti. Il lavoro più preponderante era la nota Sonata n.2 op.36 del secondo russo, brano che ha concluso il programma ufficiale. Abbiamo molto apprezzato il pianismo di Choni, espresso con modalità interpretative che trovano nella grande scuola russa evidente riferimento. La leggerezza di tocco, non disgiunta da efficaci timbriche nei brani di Debussy, come in Et la lune descend sur le temple qui fût, (seconda serie di Images) o nel successivo L' isle Joyeuse, ha trovato in contrasto le disinvolte modalità espressive delle virtuosistiche Sonate n.4 op.30 di Skrjabin e soprattutto in quella citata op.36 versione 1931 di Rachmaninov. La robustezza e la plasticità del suo tocco, netto e preciso in ogni dettaglio, hanno portato ad espressioni di alto livello. Validi anche lo Studio n.5 di Ligeti e il più dolce e nitido Margaritki dall'op.38 sempre di Rachmaninov. Di qualità i bis proposti con uno splendido arrangiamento di Valzer viennesi e una energica scultorea Rapsodia op.79 n.2 di Brahms. Un pianista che certamente va riascoltato, speriamo presto. Nel concerto serale un fuoriclasse come il violinista Sergej Krilov ha trovato l'appoggio di un ottimo pianista come Michail Lifits per un impaginato diversificato e di eccellente qualità. In programna brani di Prokof'ev, Stravinskij, De Falla e Kreisler. Eccellente l'integrazione dei due strumentisti che con raffinata classe hanno espresso i numerosi numeri che compongono i Cinque canti senza parole op.35bis del primo russo, per procedere col Divertissement dal balletto stravinskiano Le baiser de la Fee. Sempre su toni pacati e di colori raffinati la Suite popolare spagnola di Manuel De Falla e a conclusione i classici, sia eleganti che virtuosistici, brani di Fritz Kleisler: La gitana, Caprice viennois e il profondo Preludio e Allegro. Applausi fragorosi al termine del programma ufficiale con un bis ancora di Kleisler. Dua concerti di ottima qualità.

23 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Luca Buratto al Teatro Delfino per il Festival MiTo

Il pianista milanese Luca Buratto ieri sera ha impaginato un programma di straordinario interesse, esegundo brani di compositori quali Chopin, Adès (1971), Couperin e Ravel. Una scelta ben strutturata dove in una prima parte l'alternanza di alcune Mazurche del grande polacco - op.7.n1, op. 24 n.2, Tre Mazurche op.50- alle Tre Mazurche op.27 di Thomas Adès ha evidenziato, oltre ai celebri brani chopiniani, le qualità espressive del compositore inglese che partendo dai colori e dagli accenti di Chopin, riscrive, con un personale e riconoscibile linguaggio, i suoi brevi ed espressivi brani. Dopo i primi meritati applausi del pubblico presente in sala, Buratto ha proposto Les folies françoises ou Les dominos di François Couperin, dodici barocche variazioni sul tema della follia spagnola, cui ha fatto seguito in modo continuo, la celebre Suite di Maurice Ravel Le tombeau de Couperin (1914-17), brano che con una scrittura dal sapore "antico" riscopre il collega francese nato ben due secoli prima. Buratto ha ancora una volta dimostrato le sue eccellenti qualità d'interprete. La perfezione nei dettagli, la chiara visione complessiva dell'insieme sonoro, in un contesto di equilibri decisamente strutturati e misurati, ha reso alta la qualità delle sue interpretazione. Oltre all'ottimo Chopin delle Mazurche, eseguite quasi di getto, decisamente valida la restituzione delle mazurche contemporanee, datate 2009, di Adès. Il convincente Couperin ha poi trovato una straordinaria continuazione nella suite di danze di Ravel, eseguita con fluidità e chiarezza espressiva nei pur rapidi andamenti, ben sei dal Prelúde iniziale alla Toccata finale. Un eccellente concerto quello ascoltato, con due rarità nei bis concessi: prima Schumann e poi ancora Adès. Da ricordare a lungo!

22 settembre 2021   Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli due giornate di musica e cultura nel nome di Giovan Battista Viotti

Due giornate di musica e cultura nel nome di Giovan Battista Viotti, il più importante compositore piemontese di sempre. 150 mini concerti "Face to Face" per un solo spettatore nel pomeriggio di sabato, in 5 giardini storici di Vercelli in e la serata al Teatro Civico, a partire dalle 19, un duo pianistico con un programma brillante dedicato alle arie d'opera di Verdi, uno spettacolo teatral-musicale "Viotti o Amleto, questo è il problema!" di e con Giovanni Mongiano con Guido Rimonda, violino e Cristina Canziani, pianoforte e, per finire, l'estro travolgente di Danilo Rea in "Piano Solo". La manifestazione Viotti Day and Night si svolgerà nello stesso weekend di Raccolti, Festival delle nuove narrazione con cui è stata realizzata una collaborazione con prezzi agevolati sui biglietti degli spettacoli al Teatro Civico (www.raccoltifestival.it). (Foto dall'uff. Stampa di Vercelli)

22 settembre 2021 dalla tredazione

 

Le Goldberg di Bach eseguite dal duo Tal & Groethuysen

È un duo pianistico affermato e di qualità quello ascoltato ieri sera al Dal Verme per il Festival MiTo È formato dalla israeliana Yaara Tal e dal tedesco Andreas Groethuysen. La trascrizione per due pianoforti delle Variazioni Goldberg BWV 988 di Bach operata da Joseph Gabriel Rheinberger, nella revisione di Max Reger, ha certamente dato una differente prospettiva d'ascolto alla felice struttura architettonica del Sommo genio tedesco. Partendo dalla celebre Aria iniziale, poi riproposta alla fine, Bach ha creato una serie interminabile di variazioni , ben trenta, nelle quali gli elementi melodici, armonici e ritmici si susseguono con restituzioni perfette nella costruzione e godibilissimi all'ascolto. Il "raddoppio" della tastiera operato da Rheinberger e migliorato, soprattutto nelle dinamiche e nelle articolazioni da Reger, ha potenziato la composizione bachiana, con effetti di maggiore coralità dovuti anche a sovrapposizioni melodico-armoniche di originale interesse. Il duo ha rivelato un perfetto equilibrio timbrico, alternando molto bene le parti in un tutt'uno pianistico di ottima resa espressiva. La leggerezza di tocco sia di Tal che di Groethuysen, e l'eccellente capacità di alternarsi o sovrapporsi all'occorrenza nel delineare le frasi musicali, ha portato ad un'interpretazione di indubbio valore. Successo di pubblico, con numerose uscite in palcoscenico degli interpreti e un breve bis, ancora di Bach. Da ricordare.

21 settembre 2921 Cesare Guzzardella

Corde Spagnole per la chitarra di Francesco Romano al MiTo

Le corde spagnole della chitarra di Francesco Romano hanno riempito in modo tenue, ma deciso, l'ampio spazio del milanese Teatro Delfino. La chitarra, di piccole dimensioni, ma di chiara sonorità, era quella costruita dal liutaio Luis Panormo nel 1835 e la musica dei chitarristi-compositori Fernando Sor, Johann Kaspar Mertz e Dionisio Aguado, ha trovato in Fabio Vacchi la presenza di un compositore contemporaneo, non chitarrista ma certamente conoscitore dello strumento . Suo il suo breve ed intenso brano Plynn. Le arie di Mozart dal Flauto magico, arrangiate da Sor, hanno introdotto il concerto. Brani di Schubert tra cui la celebre Serenata, rivisti da Mertz, hanno occupato la parte centrale della serata. Dopo la Fantasia n.7 di Sor e Fandango di Aguado, una nuova accordatura della storica chitarra, ha coinvolto Francesco Romano nel lavoro di Vacchi. Raramente si ascolta lo strumento a sei corde in sala da concerto. È un'esperienza quasi mistica poter penetrare le sonorità sottili di uno strumento assolutamente completo, sia melodicamente che armonicamente. Basti citare ad esempio la celebre Serenata del grande viennese che, nella precisa trascrizione chitarristica di Mertz, ci fa cogliere dettagli simili alla più celebre trascrizione pianistica di Liszt. Bravissimo Francesco Romano in tutti i lavori, eseguiti con nitore espressivo e fluidità evidente. Sorprendenti i colori sottili e nascosti, ritrovati nelle parti più alte delle sei corde, nell'originale brano di Fabio Vacchi. È una composizione non recente, che data 1986, e che ha concluso ottimamente l'avvincente serata. Da ricordare.

18 settembre 2021   Cesare Guzzardella

Gabriele Carcano e Pietro De Maria per la Società del Quartetto

Settimana interessante in Conservatorio per i concerti organizzati dalla Società del Quartetto per la serie "Preludi". Martedì, il pianista torinese Gabriele Carcano ha eseguito tutto Beethoven, oggi il veneziano Pietro De Maria ha scelto un impaginato interamente dedicato a Chopin. Carcano, classe 1985, sta eseguendo da tempo le sonate beethoveniane ottenendo unanime consenso. L'altra sera ha affrontato tre opere importanti quali l'Op.14 n.2, l'Op.13 "Patetica" e l'Op.57 " Appassionata". Tre lavori differenti, contrastanti, che rivelano il carattere complesso del grande genio di Bonn. Carcano ha rivelato le sue ottime qualità interpretative attraverso i luminosi colori della Sonata in sol maggiore, la prima in programma. Delle altre due, certamente più celebri, ci è piaciuto soprattutto l'Allegro assai dell'Appassionata. Un movimento affrontato con sicura disinvoltura ed eccellente resa espressiva. Valido il bis di Schubert ( Momento musicale n.3). Pietro De Maria, classe 1967, da anni è specializzato nell'opera del grande polacco. Il suo impaginato, comprendeva nove brani estrapolati tra Mazurche, Ballate, Notturni, Scherzi e Walzer. Questi hanno rivelato la geniale varietà compositiva di Chopin, ma anche la valenza interpretativa del pianista veneziano che ha rivelato di essere in sintonia con i colori del polacco. Ottima la resa espressiva, frutto di coerenza e chiarezza d'intenti. Tutti ben eseguiti i brani, con una mia preferenza per le tre Mazurche - op.67 n.4, op 24 n.2 e op.63 n.3-, per lo Scherzo n.2 op.31, il Valzer op.42 e per la Ballata op.52 n.4. Di qualità la Sonata scarlattiana suonata come bis. Bravissimi! Questa sera alle 20.30 replica per De Maria. Il 23 settembre, in Sala Verdi, ultimo concerto della serie Preludi con Andrea Lucchesini che esguirà tutto Schubert. Da non perdere!

16 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Alexandra Conunova ed Enrico Pace al Festival MiTo

I concerti del Festival MiTo, ieri sera, al Teatro Dal Verme, hanno aggiunto eccellenti qualità interpretative grazie ad un duo superlativo: quello formato dalla giovane violinista moldava Alexandra Conunova e dal pianista riminese Enrico Pace. L'impaginato prevedeva due corpose sonate, la primi, meno nota ma importante, era la Sonata n.2 in fa minore op.6 di George Enescu ( 1881-1955); la seconda la celebre Sonata op.47 "Kreuzer" di L.v. Beethoven. La Conunova, violinista di raffinata capacità, ha vinto importanti concorsi internazionali, primo fra tutti il "Joachim" di Hannover nel 2012. Enrico Pace, con la vittoria del Concorso Franz Liszt del 1989, si è imposto internazionalmente sia come solista che in duo con violinisti del calibro di Kavakos e di Zimmermann. Siamo rimasti stupiti dalla splendida intesa dei protagonisti, sia nella significativa sonata di Enescu, parecchio influenzata dal folclore rumeno e moldavo, sia dalla celebre "Kreutzer". La perfetta intesa dei due interpreti ha aspresso incisività timbrica e attenzione ad ogni dettaglio. Determinante il ruolo primario di Pace nel costruire un' architettura musicale che trova un perfetto equilibrio nelle parti, sempre espresse con disinvoltura e con forza musicale dirompente. La componente maggiormente melodica della violinista si è inserita con rigore e perfezione nel contesto armonico di Pace e il risultato complessivo ha portato ad elevate restituzioni in entrambi i lavori. Applausi convinti al termine del programma. Di estrema qualità il bis concesso con il primo dei Romantic Pieces op.75 di Antonin Dvořàk. Bravissimi!

16 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Ivo Pogorelich per il Festifal MiTo al Dal Verme

Probabilmente era la serata più attesa quella di ieri sera al Teatro Dal Verme. Per il Festival MiTo di Milano e Torino la presenza del pianista croato Ivo Pogorelich è certamente un motivo di grande richiamo per tutti gli appassionati di musica pianistica. Abbiamo notato in sala, tra il pubblico anche numerosi ottimi pianisti. L'impaginato classico, con brani di Schubert e di Chopin, ci ha molto incuriosito, sapendo che il Maestro, in questi ultimi anni, dopo i trionfi degli anni '80, ha modificato il suo approccio stilistico per una via riflessiva di più ampia dilatazione temporale. Ascoltare Pogorelich oggi significa cercare di entrare in un mondo misterioso e suggestivo dove le note, i timbri e le dinamiche hanno bisogno di trovare un ascoltatore attento, paziente e disponibile. Due grandi lavori nel programma ufficiale: i sei Momenti Musicali D780 op.94 di Franz Schubert e la Sonata n.3 in si minore Op.58 di Frederick Chopin. I celebri Momenti del viennese, nelle robuste mani del Maestro, non sono stati certamente brevi. Dal Moderato iniziale in poi abbiamo trovato i tempi di Pogoreich certo riflessivi, ma chiari e di un equilibrio perfetto. Quello che piace di più nel suo personalissimo liguaggio è la formidabile coerenza nel sistemare, con giuste misure, ogni parte dei singoli brani per una restituzione che ha nell'"attesa" una costante centrale. Una visione complessiva chiara, lineare, con anche momenti di andamenti sostenuti come quelli del quarto brano. Dopo l'eccellente Schubert, il passaggio al suo Chopin ci è sembrato non facile. Pogorelich nell'eseguire il polacco, esce dai canoni interpretativi entrati nella storia e si propone con un nuovo linguaggio, dove al primo ascolto sembra di perdere il senso dell'unità complessiva, passando da situazioni molto dilatate a repentini cambiamenti. Certo, spesso si riconoscono frangenti chopiniani profondi e illuminati che ci son piaciuti assai. Ancora Chopin nel bis concesso al termine del programma ufficiale, con una straordinaria Fantasia op.49 che ha letteralmente appassionato il numeroso pubblico presente in teatro, limitatamente alle poltrone imposte dal covid. Fragorosi gli applausi. Certamente da ricordare

15 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Uto Ughi e Bruno Canino alle Serate Musicali

È una coppia d'interpreti oramai entrata nella storia quella formata dal violinista Uto Ughi e dal pianista Bruno Canino. Suonano insieme da decenni e spesso arrivano in Conservatorio, nella Sala Verdi che ben conoscono, per omaggiarci di un repertorio classico, collaudato, ma sempre piacevole da riascoltare. La Ciaccona in sol minore per violino e pianoforte di Tomaso Antonio Vitali, la Sonata n.3 in re min. op.108 di Johannes Brahms, la Suite popolare spagnola di Manuel De Falla e Introduzione e Rondò Capriccioso op.28 di Camille Saint-Saëns componevano il programma ufficiale. Brani di repertorio che convincono sempre e che trovano una estemporanea interpretazione nelle mani dei due celebri interpreti. Canino, il più anziano, napoletano, classe 1935, ha rivelato ancora una freschezza di tocco stupefacente e una capacità di mettersi in rapporto col solista in modo pressochè perfetto. Ughi, Busto Arsizio 1944, conserva una classe ancora ottima, con eccellente vibrato e modi interpretativi tipicamente italiani per luminosità delle timbriche e per melodicità di fraseggio. Tra i brani eseguiti ci hanno convinto ancor più la Suite popolare spagnola di De Falla e il Rondò Capriccioso del francese. Naturalmente anche i due bis concessi, con la trascrizione per violino e pianoforte della celebre Melodia di Gluck-Sgambati e il classico finale, presente in moltissimi concerti di Ughi: la Ridda dei folletti di Antonio Bazzini. Successo di pubblico e numerose uscite in palcoscenico dei protagonisti. Da ricordare.

14 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Alla Scala l'inaugurazione della Stagione dell'Orchestra Sinfonica di Milano "G. Verdi"

Come ogni anno l'inaugurazione della nuova stagione dell'Orchestra Sinfonica di Milano "G. Verdi" avviene al Teatro alla Scala . Abbiamo ascoltato un concerto importante ieri sera, diretto da Claus Peter Flor. Prevedeva brani di Liszt e Brahms: prima il Concerto per Pianoforte e Orchestra n.1 in mi bem. maggiore del grande virtuoso ungherese e poi la Sinfonia n.4 in mi minore Op.98 dell'amburghese. La pianista napoletana Mariangela Vacatello, spesso presente nel teatro milanese, ha introdotto la serata con il brano virtuosistico composto da Liszt nel 1849 e modificato negli anni seguenti sino alla prima esecuzione del 1855. Quattro movimenti eseguiti senza soluzione di continuità, in circa venti minuti, che alternano momenti di pacate melodie romantiche molto chopiniane, al virtuosismo pianistico tipicamente lisztiano, perfettamente integrato nella complessa e fondamentale componente orchestrale. Mariangela Vacatello ha rivelato, ancora una volta, di possedere eccellenti qualità interpretative in questo repertorio a lei evidentemente affine. La complessa parte pianistica, ricca di contrasti e con frangenti di evidente complessità tecnica, è stata affrontata con facilità, con energica fluidità e con una definizione timbrica chiara nei dettagli. Ottima anche la direzione di Flor e la resa orchestrale della Sinfonica Verdi. Di qualità il bis concesso dalla Vacatello con Widmung di Schumann nel più noto arrangiamento di Liszt, brano che, nell'interpretazione della Vacatello, si è distinto per leggerezza espressiva, velata ma di sicura qualità. Applausi sostenuti dal pubblico presente. Di valore, nella direzione e nella resa orchestrale, l'ultima delle sinfonie brahmsiane. Un capolavoro in quattro movimenti che ha trovato nei giusti tempi, nei colori di ogni sezione orchestrale e nell'insieme timbrico, una valida resa espressiva. Fragorosi applausi al termine e ancora omaggi floreali. Da ricordare. Il primo appuntamento della Sinfonica Verdi nella sede dell' Auditorium di l.go Mahler è previsto per il 30 settembre - con replica l'1 e 3 ottobre- con la direzione di Alondra de la Parra per brani di Copland, Mahler, Ravel e Milhaud. Da non perdere.

13 settembre 2021 Cesare Guzzardella

 

Filippo Gorini in Conservatorio per la Società del Quartetto

Secondo appuntamento pianistico in Conservatorio per la Società del Quartetto per la serie "Preludi, la Serie A del pianoforte". Il pianista brianzolo Filippo Gorini, classe 1995, ha proposto le note 33 Variazioni su un Valzer di Diabelli op.120, composizione matura di L.v. Beethoven. Gorini, vincitore nel 2015 del Concorso Telekom-Beethoven di Bonn, ha rivelato ancora una volta di essere in piena sintonia con il grande compositore tedesco fornendo un'interpretazione di rilevante qualità espressiva. La tenuta discorsiva del corposo capolavoro è avvenuta con chiara visione d'insieme nell'esternazione fluida, sicura e dettagliata di tutte le 33 variazioni. Sia nei momenti di maggiore riflessione emotiva, che nei più virtuosistici e movimentati frangenti, Gorini ha mostrato di entrare nelle peculiari caratteristiche coloristiche del genio tedesco, rivelando uno stile pianistico tipico della migliore scuola classica. L'ottima interpretazione ascoltata ha avuto un'eccellente coda con il breve bis concesso al termine, una Variazione dalle Diabelli di Schubert. Ricordiamo che dopo il successo dei primi due Cd di Gorini dedicati a Beethoven, con appunto le Variazioni Diabelli e con le Op.106 e 111, è da poco uscito un terzo Cd con la bachiana Arte della Fuga. Pubblico decisamente soddisfatto al termine del concerto e replica serale. Il 14 settembre alle ore 18.00 e alle ore 21.00, terzo appuntamento con il pianista piemontese Gabriele Carcano che eseguirà alcune sonate di Beethoven. Da ricordare

10 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Benedetto Lupo inaugura la rassegna "Preludi, la serie A del pianoforte" della Società del Quartetto

Oggi, 7 settembre 2021, si è inaugurato il ciclo Preludi, la serie A del pianoforte. Cinque  pianisti italiani si alterneranno per offrire agli spettatori della Società del Quartetto le loro interpretazioni di capolavori, soprattutto romantici. Il primo pianista, ascoltato nel tardo pomeriggio nella Sala Verdi del Conservatorio è stato il pianista pugliese Benedetto Lupo che ha proposto brani di Brahms e Schumann. Lupo, affermatosi nel 1989 al prestigioso Concorso Internazionale Van Cliburn, ha scelto i Tre Klavierstüke op.117 e i Sei Klavierstüke op.118 dell'amburghese, ai quali ha fatto seguito la Sonata n.2 in sol min. Op.22 di Robert Schumann. Valida l'introspezione musicale dei nove brani brahmsiani, eseguiti con mistica interiorizzazione e buona resa espressiva. Più estroversa e sicura la splendida Sonata di Schumann, nella quale Lupo ha colto con illuminato virtuosismo il carattere improvvisatorio, sapientemente espresso, del compositore tedesco. Valido il bis concesso con una Romanza di Schumann. Applausi dal pubblico presente in sala. Replica questa sera alle ore 21.00.

7 settembre 2021 Cesare Guzzardella

LUGLIO 2021

Prossimamente la terza edizione del "Festival Beethoven" a Villa Durio di Varallo

Il sodalizio tra Musica a Villa Durio, storica stagione musicale diretta da Massimo Giuseppe Bianchi, e l’Associazione Musica con le Ali, dedita alla valorizzazione dei giovani talenti del panorama nazionale, rende omaggio al grande compositore tedesco con la terza edizione del Festival di musica da camera che si svolgerà a Varallo (Vercelli) dal 30 Luglio al 1 Agosto 2021, con il patrocinio e la collaborazione del Comune di Varallo, nell’ambito dell’Alpàa 2021. “Musica a Villa Durio, la Stagione di musica classica che da oltre vent’anni è il fiore all’occhiello della programmazione culturale di Varallo e della Valsesia dichiara Eraldo Botta, Sindaco di Varallo - partecipa anche questanno agli eventi dellAlpàa edizione 2021. Il 3° Festival Beethoven, realizzato in collaborazione con l’Associazione Musica con le Ali presieduta da Carlo Hruby, cittadino onorario di Varallo, viene ad arricchire, nel cuore dell’estate, la già notevole offerta culturale che la città dispensa abitualmente ai suoi visitatori. Per il terzo anno consecutivo ritorna il "Festival Beethoven" che in questa edizione, denominata “Beethoven e i Romantici”, propone accostamenti tra opere cameristiche del genio di Bonn e capolavori del periodo romantico. Gli interpreti che si avvicenderanno nelle tre serate accanto a me al pianoforte, saranno il controtenore David Feldman, la violinista Gaia Trionfera, la clarinettista Gaia Gaibazzi e il violoncellista Giacomo Cardelli.

16 luglio 2021 dalla redazione

Ying Li vince il Premio Internazionale Antonio Mormone

Tardo pomeriggio speciale al Teatro alla Scala per la finale del Premio Internazionale Antonio Mormone. Tre i candidati che si contendevano il premio: la coreana Su Yeon Kim che ha eseguito il Concerto n.1 Op.23 di Čaikovskij, il polacco Piotr Pawlak che interpretava il Concerto n.2 Op.16 di Prokof'ev e la cinese Ying Li con il Concerto n.2 Op.18 di Rachmaninov. L' Orchestra dell'Accademia Teatro alla Scala è stato diretta ottimamente dal giapponese Toshiuki Kamioka. Al termine della non breve maratona, dopo un'attesa di quindici minuti circa, il verdetto della giuria ha decretato la vittoria di Ying Li. Meritatissima! Ying Li, nelle prove finali di questi giorni, ha rivelato una maturità interpretativa fuori dal comune, giocata da una tecnica eccellente unita a disinvoltura e fluidità nel controllare le timbriche e le dinamiche dei brani classici, proposti sempre con intensa espressività. A questi si aggiunge una strepitosa interpretazione del brano contemporaneo di Ivan Fedele, quel virtuosistico e complesso WS Variations ascoltato venerdì scorso. È una pianista che ha tutte le qualità per intraprendere una luminosa carriera concertistica. Molto bravi comunque gli altri due candidati, con Pawlak che ha interpretato con grinta e perfezione il difficilissimo Concerto di Prokof'ev e, tra i brani proposti nei giorni scorsi, un'eccellente Sonata n.3 di Brahms. Ottima Su Yeon Kim con il celebre concerto di Čaikovskij. Un augurio di grande successo ai tre finalisti, con la certezza di riscontri internazionali per Yiang Li. Un plauso all'eccellente organizzazione artistica del Premio dovuta a Enrica Ciccarelli Mormone e Matthieu Mantanus.

11 luglio 2021 Cesare Guzzardella

Le finali del Premio Internazionale Antonio Mormone

In questi giorni si sono svolte le prove finali dei tre pianisti recentemente selezionati al Premio Internazionale Antonio Mormone. È un importante Concorso Internazionale, voluto per ricordare la figura del fondatore e Presidente della Società dei Concerti di Milano, nonchè grande ricercatore di talenti musicali. L'alto livello del concorso è garantito dalla presenza, in qualità di Presidente Onorario del premio, del grande pianista russo Evgenij Kissin, nonchè dalla partecipazione in giuria di pianisti di fama quali Bruno Canino, Aleksandar Madzar, Alexei Volodin, Ingolf Wunder, Olga Kern e di altri importanti musicisti come il compositore Ivan Fedele, il direttore Matthieu Mantanus, l'organizzatrice e pianista Enrica Ciccarelli Mormone, il pianista Nazzareno Carusi e ancora altri. In Sala Verdi del Conservatorio abbiamo ascoltato il polacco Piotr Pawlak, la cinese Ying Li e la coreana Su Yeon Kim. Hanno eseguito brani classici di Beethoven, Brahms, Chopin, Prokof'ev, Bach-Rachmaninov, Dvorak e Franck. Inframmezzata, tra questi brani, una valente composizione contemporanea, scritta appositamente dal noto compositore leccese Ivan Fedele, ha dato modo di raffrontare tre differenti interpretazioni di un medesimo lavoro. Il brano di Fedele, denominato WS Variations, è certamente di alto virtuosismo e ha modalità compositive che, partendo da esperienze dodecafoniche, trova, a mio avviso, in autori come Messiaen o Ligeti sicuri riferimenti. Tutti e tre i pianisti hanno prodotto una brillante e sicura resa interpretativa, con qualità certamente di alto livello a riprova del fatto di come le nuove generazioni - i tre pianisti hanno età comprese tra i 22 e i 27 anni - siano oramai abituate all'esecuzione dei nuovi e complessi linguaggi attuali. Ricordiamo anche lo svolgimento di un' importante prova cameristica, dove i tre solisti hanno trovato il completamento con l' eccellente quartetto d'archi composto, per l'occasione, da Edoardo Zosi e Liù Pelliciari ai violini, Simone Gramaglia alla viola e Stefano Cerrato al violoncello. I due lavori proposti sono stati, per le due pianiste orientali, il Quintetto per pianoforte e archi in la magg. op 81 di Antonin Dvorak e per il polacco il Quintetto per pianoforte ed archi in fa minore di César Franck. Domenica, alle ore 17.00, al Teatro alla Scala si svolgerà la prova finale con l'esecuzione dei Concerti per pianoforte e orchestra di Čaikovskij, Prokof'ev e Rachmaninov, rispettivamente l' Op.23 con Su Yeon Kim al pianoforte, l'Op.16 con Piotr Pawlak e l'Op.18 con Ying Li. Il direttore giapponese Toshiyuki Kamioka dirigerà l'Orchestra dell'Accademia Teatro alla Scala. La serata si concluderà con la premiazione di colui o colei che sarà sicuramente un nome di grande rilevanza nel panorama concertistico attuale.

9 luglio 2021 Cesare Guzzardella

PROSSIMAMENTE ANDREA LUCCHESINI AL VIOTTI FESTIVAL ESTATE

Non si sono ancora spente le emozioni suscitate dalle recenti esibizioni di Anna Tifu e Giovanni Sollima, che la “parata di stelle” proposta dal Viotti Festival di Vercelli prosegue con un'altra straordinaria presenza: sabato 10 luglio, al Teatro Civico (ore 20) sarà infatti protagonista Andrea Lucchesini, senz'altro uno dei più grandi pianisti del panorama classico, accompagnato dall'Orchestra Camerata Ducale diretta da Guido Rimonda.Una sequenza di artisti di livello mondiale che ha davvero pochi eguali in una rassegna concertistica, e che insieme al numero degli appuntamenti in cartellone – ben 40 in 4 mesi – innalza Vercelli al rango di ideale “capitale della musica” di quest'estate 2021, quella che segna il tanto atteso ritorno dei concerti dal vivo. Enorme soddisfazione, dunque, per la Camerata Ducale, organizzatrice del Festival, essere riusciti a coinvolgere il pubblico in un tourbillon musicale incessante e dai contenuti così importanti. Inoltre, la presenza di Lucchesini a Vercelli continuerà anche dopo il concerto del Civico: mercoledì 14, il pianista si esibirà in quintetto insieme ai giovanissimi musicisti della Camerata Ducale Junior, da lui seguiti in veste di maestro preparatore. Una conferma della capacità di Lucchesini di essere non solo un eccelso interprete, ma anche un grandissimo didatta. Il programma dell'appuntamento del Civico, poi, rappresenta un altro motivo per non mancare: promette infatti di essere un'autentica celebrazione della bellezza. Si aprirà infatti con lo scintillante, magico Concerto K595 di Mozart, l'ultimo composto dal genio di Salisburgo prima della sua prematura morte, e si chiuderà con l'elegantissimo, sognante Concerto n.2 di Chopin. Composto da un autore appena diciannovenne, non è solo fresco e originale, ma riesce anche, nell'incantevole Larghetto, ad esprimere tutto il mistero e il turbamento di un amore giovanile.Con uno sguardo più ampio, che con il “cuore” guarda più in là, oltre la platea degli abitué del Viotti Festival, con il concerto di Lucchesini parte l’iniziativa del BIGLIETTO SOSPESO Un “biglietto sospeso” per chi non può permettersi di andare a teatro: solidarietà e cultura si fondono nell’iniziativa della Camerata Ducale. Il meccanismo è molto semplice: chiunque, con soli 5 €, può offrire un “biglietto sospeso” e fare in modo che il teatro sia davvero uno strumento di cultura per tutti. Per ogni biglietto sospeso donato, la Camerata ne offrirà un altro. Le Associazioni solidali che vogliono collaborare a questo progetto possono contattare gli uffici della Camerata al 366 30 54181, carolina.melpignano@camerataducale.

8 luglio dalla redazione

Fedor Rudin e Boris Kusnezow alle Serate Musicali del Conservatorio

Un programma incentrato sulla musica di Franz Schubert ma anche con un breve brano di Mozart e una rarità esecutiva di J.V.H. Voříšek, quello proposto in Conservatorio dal violinista Fedor Rudin e dal pianista Boris Kusnezow, entrambi moscoviti. Un duo cameristico particolarmente classico, dove già dalle prime note è emerso un equilibrio interpretativo di alto livello: chiarezza espressiva, controllo delle dinamiche e rispetto dei rispettivi ruoli, sono emersi in modo evidente in tutti i brani. La deliziosa Sonatina per violino e pianoforte in re maggiore op.137 n.1 D.384 (1816) e il più incisivo e virtuosistico Brillante per violino e pianoforte in si bemolle minore D895 (1826), hanno rivelato le ottime qualità interpretative del duo, ispirate da un esemplare "classicismo viennese". Sempre riferito al compositore austriaco abbiamo ascoltato l'interessante rivisitazione virtuosolistica di H.W.Ernst (1814-1865) del celebre lied Elkönig: nel Grand Caprice op.26 per violino solo (1854) del compositore ceco sono emerse ancor più le qualità virtuosistiche di Rudin. L' intenso lavoro è ricco di effetti timbrici, con uso di accordi e linee melodiche persino a quattro voci, armonici artificiali e difficili passaggi in pizzicato. Certamente Paganini è stato il principale riferimento di Ernst. Di ottima qualità il Rondò per violino e pianoforte in do maggiore KV373 (1781) di W.A.Mozart eseguito tra i due brani di Schubert. Il sostanzioso brano conclusivo dell'impaginato ufficiale prevedeva la Sonata per violino e pianoforte in sol maggiore op.5 (1820) di Jan Václav Voříšek, compositore boemo contemporaneo di Schubert e di qualche anno maggiore. È un lavoro, particolarmente virtuosistico, specie nella componente pianistica, - Voříšek è stato infatti un eccellente virtuoso di pianoforte - che ha ribadito l'ottima intesa del duo nell'esternare espressività in tutti i quattro classici movimenti che compongono la sonata. Applausi sostenuti al termine del programma ufficiale ed eccellente il bis concesso con lo splendido Cantabile in re magg. op.17 di Niccolò Paganini. Bravissimi!!!

 

7 luglio 2021 Cesare Guzzardella

Beatrice Rana e Manfred Honeck con la Filarmonica della Scala per Brahms e Dvořák

Un programma sostanzioso per la Filarmonica della Scala quello ascoltato ieri sera nel principale teatro milanese, con due brani importanti quali il Concerto n.1 in re min. op.15 di Johannes Brahms e la Sinfonia n.8 in sol magg. op.88 di Antonín Dvořák. Sul podio il direttore austriaco Manfred Honeck ha trovato al pianoforte, nel concerto brahmsiano, la salentina Beatrice Rana, attualmente la più affermata pianista italiana. Due lavori molto diversi nell'impaginato, datati rispettivamente 1858 e 1889, che hanno in comune timbriche sinfoniche imponenti. Anche il Concerto n.1 dell'amburghese infatti, trova nell'orchestra una componente sinfonica particolarmente accentuata. Beatrice Rana, pianista di ancora giovane età ma con già vasto repertorio, ha corraggiosamente affrontato un lavoro che richiede in genere maturità, oltre che forza fisica e tecnica non indifferente, specie nel monumentale Maestoso iniziale, dove la parte pianistica, interagendo sinergicamente con le sezioni strumentali ha ruolo primario al pari dell'orchestra. La Rana, dotata di tecnica precisa e minuziosa e di ferma gestualità, ha trovato coerenza interpretativa affrontando le difficili pagine con misurato equilibrio nei momenti meno concitati e con ampia volumetria sonora, e di decisa timbrica nelle parti di maggiore incisività. L'ottima direzione di Honeck, rivelata nelle eccellenti sonorità dei Filarmonici, ha ben rispettato lo spazio della solista, esaltando le parti dove l'orchestra e il pianoforte interagiscono. Molto delicato il timbro della Rana nell'intimo Adagio centrale e particolarmente elegante il Rondò conclusivo con le battute finali rese mirabilmente. Applausi scroscianti e numerose uscite in palcoscenico della pianista. Una resa eccellente per il bis concesso: la Romanza n.2 dall' Op.28 di Robert Schumann. La Sinfonia n.8 di Dvořák proposta dopo il breve intervallo, ha ancor più messo in risalto le splendide qualità direttoriali di Honeck. Il brano, nei classici quattro movimenti e nel tipico linquaggio del compositore ceco, ha frangenti di sublime bellezza, come nelle celebri battute dell'Allegretto grazioso e inserzioni folcloristiche nell'Allegro non troppo finale espresse con fragoroso virtuosismo orchestrale dagli eccellenti filarmonici, notevoli in ogni sezione strumentale. Honech ha quindi centrato perfettamente l'obiettivo fornendo un'esecuzione complessiva di altissimo livello estetico e rivelando le caratteristiche più autentiche del celebre compositore di Nelahozeves (Boemia). Ancora applausi fragorosi. Da ricordare

4 luglio 2021 Cesare Guzzardella

Prossimamente Giovanni Sollima al Teatro Civico di Vercelli

Se si ripensa alla delusione provata quando, l'anno scorso, il concerto di Giovanni Sollima al Viotti Festival dovette essere annullato a causa dell'emergenza Covid, allora l'attesa per l'appuntamento di domenica 4 luglio al Teatro Civico di Vercelli (ore 20) diventa ancora più intensa, perché alla gioia di una serata storica per il Festival si aggiunge l'ineguagliabile soddisfazione di vedersi idealmente chiudere una così lunga e sofferta parentesi. Giovanni Sollima, dunque, domenica sarà finalmente in scena al Civico. Nulla può fermare la musica, viene spontaneo dire; e la stessa frase vale anche per questo carismatico artista, non solo uno dei più noti violoncellisti e compositori viventi, ma anche e soprattutto una figura capace di attraversare epoche, generi e confini, riuscendo a rendere la musica stessa “universalmente contemporanea”, a contatto con il mondo e vicina a ogni persona. Dimostrazione di questa capacità di coinvolgere e trascinare lo spettatore sarà il concerto vercellese, perfetta espressione della personalità di un artista in grado di collaborare con Riccardo Muti e Claudio Abbado così come con Philip Glass e Patti Smith, di comporre temi per Peter Greenaway e John Turturro, di suonare il violoncello sott'acqua o su uno strumento fatto di ghiaccio. Nel programma, infatti, compaiono classici assoluti come Bach o Stravinsky, ma anche gioielli filologici come il riferimento al settecentesco Giuseppe Clemente Dall'Abaco, il tutto insieme a brani dello stesso Sollima, compreso un Fandango ispirato a Luigi Boccherini. Tutto quanto serve per saziare la voglia di musica e per andare anche oltre, aprendo orizzonti verso i quali, forse, lo spettatore non ha mai pensato di avventurarsi. L'incontro tra Giovanni Sollima e il Viotti Festival, insomma, promette davvero di stupire. Il concerto è a pagamento: biglietto intero 20 €, ridotto (under 26) 10 €. Per prenotare è possibile scrivere a biglietteria@viottifestival.it o telefonare al 329/1260732, oppure recarsi di persona al Viotti Club - via G. Ferraris 14, Vercelli (dal lunedì al venerdì dalle 10.30 alle 17.30, sabato dalle 14.30 alle 17.30). Il programma è il seguente: Giovanni Sollima violoncello Sollima - Hell I da Songs from the Divine Comedy ; Galli- Sonata II da Trattenimento musicale sopra il violoncello, 1691; Stravinski - Tre pezzi per clarinetto eseguiti sul violoncello; Bach - Suite n.3 in do maggiore BWV 1009; Dall'Abaco - Capricci n.6 e 8; Sollima - Natural Songbook n.1, 6 e 12, Fandango (after Boccherini)-

2 luglio     dalla redazione

GIUGNO 2021

Il Trio Gorna, Pieranunzi e Fiore per le Serate Musicali

Una formazione inconsueta ma estremamente interessante, quella formata dalle violinista LAURA GORNA, dal violinista GABRIELE PIERANUNZI e dal violista FRANCESCO FIORE. Tre archi per un programma che prevedeva brani di Dvorak, Prokofiev e Mozart. La Suite Miniature per 2 violini e viola (4 Pezzi Romantici) op.75 di Antonin Dvorak ha introdotto il concerto presentando subito la cifra stilistica dei protagonisti, cifra che ha trovato in tutti le qualità della grande scuola di strumenti ad arco italiana. Il dolce melodiare del grande compositore ceco, spesso espresso da poche note ricche di profondità espressiva, ha visto nel trio eccellenti interpreti, con intonazione, vibrato e dinamiche ottimamente gestite e in splendido equilibrio. Nella successiva Sonata per due violini op.56 di Sergej Prokof'ev i due archi si alternavano ed integravano definendo un mondo sonoro più astratto, meno lineare del precedente, ma con una costruzione armonica altrettanto importante. Le timbriche "spaziali" del grande compositore russo sono emerse grazie all'ottimo virtuosismo della Gorna e di Pieranunzi. Con Mozart e il suo Duo Kv 423 per violino e viola, siamo tornati ad un classicismo di fine Settecento, che unisce l'espressività delle mirabili melodie del salisburghese ad una sapiente costruzione d'insieme, dove la linea del violino di Pieranunzi è stata sostenuta dalla timbrica calda e profonda della corposa e volumetrica viola di Francesco Fiore. Ottima la resa complessiva. Di nuovo tutti e tre i protagonisti per il coinvolgente Terzetto Op .74 per due violini e viola ancora di Dvorak. I tre hanno ancora splendidamente interagito, creando quell'unico strumento ad arco che risulta quando l'affiatamento della parti e il rispetto dei ruoli raggiunge alti livelli, come quelli svelati con maestria dai tre sensibili attori. Applausi sostenuti dal pubblico intervenuto. Ottimo e divertente il bis concesso con il violista che lascia il suo strumento prediletto per sedersi al pianoforte e accompagnare i due violini in un brano del grande Pablo De Sarasate: Navarra op.33, un lavoro ricco di virtuosismi raffinati come è stato delineato in modo brillante e raffinato, evidenziando elementi folcloristici pensati magistralmente dal grande compositore e virtuoso spagnolo. Da ricordare.

30 giugno 2021 Cesare Guzzardella

Recital di Maurizio Pollini al Teatro alla Scala

Ogni ritorno di Maurizio Pollini al Teatro alla Scala è un avvenimento da non perdere. Anche questa volta il pubblico, prevalentemente milanese, ha risposto con evidente calore alle straordinarie qualità del grande virtuoso. Ieri sera, infatti, circa settecento persone presenti in teatro,- quelle consentite dalle severe regole della pandemia- hanno ascoltato in religioso silenzio l'artista milanese in un programma interamente dedicato a Fryderyk Chopin. Un impaginato ben strutturato, ben articolato e di ricca qualità, quello proposto: due Notturni Op.27, la Barcarola Op.60, la Sonata N.2 Op. 35 e, dopo il breve intervallo, lo Scherzo n.3 Op.39, la Berceuse Op.57 e la Polacca Op.53 "Eroica"; per finire due bis con lo Studio n.11 Op.25 e la Ballata n.1 Op.23. Tutti brani che ascoltiamo da decenni, ma che spesso trovano nel Maestro una ancora maggiore profondità interpretativa. Pollini oggi, all'età di 79 anni, ha il grande merito di dire qualcosa di nuovo, di non ancora sentito. Certo, in questi anni, le incertezze tecniche sono aumentate, l'elasticità digitale non è quella degli anni migliori, ma questo rappresenta, a mio avviso, un dettaglio di non significativa importanza rispetto alla profondità di pensiero e di resa complessiva di molti dei brani eseguiti. Nell'arte interpretativa, quello che maggiormente conta è lo spessore espressivo che si disvela internamente ai brani scelti in funzione dell'idea complessiva. L'espressività non solo è ancora presente nello Chopin di Pollini, ma è in costante salita per chiarezza d'idee e tensione drammatica. I due Notturni hanno trovato un' ottima introduzione al concerto in senso drammaturgico, con uno sviluppo della tensione emotiva già dal Notturno n.1 in Do diesis minore e dal più disteso e romantico Notturno n.2 in Re bem. maggiore, reso con estrema luminosità. La pacata Barcarola in Fa diesis maggiore, di straordinario equilibrio complessivo, ha anticipato il momento clou del concerto rappresentato dalla Sonata n.2 in Si bem. minore op.35, probabilmente quella più celebre e resa magistralmente in 24 minuti e 5 secondi. La straordinaria sintesi espressiva globale, ha trovato momenti apicali negli ultimi due movimenti, il terzo, quello dello Marcia funebre ed il brevissimo e rapidissimo Finale, Presto, movimento quest'ultimo di sconvolgente sintesi discorsiva e di straordinaria contemporaneità. Il breve intervallo ha visto di nuovo Pollini in palcoscenico per tre lavori ufficiali. Lo Scherzo n.3 in Do diesis minore op.39 è stato reso molto bene nella splendida "cascata" inversa di note; straordinaria la Berceuse in Re bem. maggiore op.57, ricostruita in modo perfetto e chiarissima nei dettagli. La successiva Polacca in La bem. maggiore op.53 "Eroica", altro cavallo di battaglia polliniano, ha trovato imperfezioni perdonabili nel complessivo impaginato. Tra i due bis proposti, lo Studio n.11 Op.25 "Winter Wind" e la Ballata n.1 in Sol minore Op.23, la seconda è stata di maggiore ricchezza, con profonda tensione emotiva ed equilibrio misurato come solo Pollini può! Numerose le uscite in palcoscenico dell'artista tra l'entusiasmo del pubblico. Da ricordare sempre.

26 giugno 2021 Cesare Guzzardella

 

Pierre-Laurent Aimard diretto da James Feddeck per il Concerto n.2 di Brahms e la Sinfonia n.2

Con la quarta settimana siamo arrivati al termine dellla riuscita rassegna musicale "A tutto Brahms". Un doppio incontro che ha visto impegnati il mercoledì e il giovedì solisti di fama internazionale ed eccellenti direttori d'orchestra. Ieri, nell'anteprima delle ore 17.00, abbiamo trovato al pianoforte il francese Pierre-Laurent Aimard e sul podio dell'Orchestra de "I Pomeriggi Musicali" il direttore americano James Feddeck. Un concerto importante e un brano particolarmente noto quello proposto. Il Concerto n.2 in si bem. maggiore op.83, ebbe una gestazione più facile del precedente e venne terminato da Johannes Brahms nel 1881, dopo tre anni d'intenso lavoro. Ottenne da subito un notevole successo. Come il primo concerto, ha caratteristiche decisamente sinfoniche ed è strutturato però in quattro movimenti, una rarità per questo genere di composizioni che di solito annoverano solo tre parti. L' eccellente dialogo che s'instaura tra il solista e l'orchestra, entrambi protagonisti, mette in risalto i numerosi temi che pervadono il celebre lavoro, ad iniziare dal corposo Allegro non troppo iniziale, per arrivare al fluido e spensierato Allegretto grazioso finale. Ottima l'integrazione sinergica tra il noto solista francese Aimard - pianista conosciuto soprattutto per le sue fondamentali interpretazioni del repertorio novecentesco e contemporaneo - e il direttore James Feddeck. Aimard ha mostrato un approccio molto strutturato e preciso nel suo modo di fraseggiare, attento ai dettagli e molto rispettoso dell'importante componente orchestrale. Momenti d'intensa forza espressiva si sono alternati ad altri di più pacata leggerezza. Valida la visione complessiva di Feddeck e l'espressività ottenuta, grazia agli ottimi orchestrali de I Pomeriggi, bravi in ogni sezione di strumenti. Applausi meritati dal numeroso pubblico pomeridiano. Nel pomeriggio di oggi, la Sinfonia n.2 in re maggiore op.73 (1877) ha rivelato le qualità direttoriali del trentasettenne Feddeck, che ricordiamo essere dal 2020 il direttore principale di questa valente orchestra e di essere stato vincitore, nel 2013, del prestigioso Sir Georg Solti Conducting Award. Particolarmente analitico, ma efficace, l' Allegro ma non troppo iniziale e di grande impatto discorsivo l'Allegro con spirito finale. Concerti da ricordare.

24 giugno 2021 Cesare Guzzardella

PROSSIMAMENTE

LA PROMESSA MANTENUTA: ANNA TIFU AL VIOTTI FESTIVAL ESTATE

Si dice “ogni promessa è debito”, e il Viotti Festival Estate lo conferma: l'anno scorso, quando la pandemia aveva imposto la chiusura dei teatri, uno dei concerti annullati senz'altro uno dei più attesi era stato quello di Anna Tifu, la fantastica violinista italiana ormai consacrata tra le stelle della musica mondiale. Ma subito, come confermato dalla stessa Tifu intervistata da Giulia Rimonda nel suo format Note a piè di pagina, ci si era ripromessi di comune accordo che quel concerto sarebbe sicuramente andato in scena, e presto, anzi appena possibile. Detto fatto: venerdì 25 giugno (ore 20), Anna Tifu sarà al Teatro Civico di Vercelli per un appuntamento che offre almeno tre motivi per restare scolpito nella storia del Festival: l'incontro con un'interprete straordinaria, la bellezza e l'originalità dei contenuti musicali e, non certo per ultimo, il gesto di chiudere simbolicamente il cerchio, affidando alla grande musica il compito di celebrare il ritorno alla mai così sospirata vita “normale”. Questo per il significato ideale della serata, ma un concerto è soprattutto musica. E sotto questo aspetto, il concerto di venerdì 25 rappresenta un'occasione più unica che rara: quella di immergersi nel mondo vibrante, appassionato, travolgente del tango. Anna Tifu, infatti, in quartetto con musicisti (e compositori) eccelsi come Fabio Furia al bandoneon, Romeo Scaccia al pianoforte e Giovanni Chiaramonte al contrabbasso, darà vita a un vorticoso e coinvolgente viaggio alla scoperta (o riscoperta) di una musica dalla storia lunga e complessa, ma soprattutto capace di stupire e quasi “rapire” l'ascoltatore. Dire tango vuol dire prima di tutto Astor Piazzolla, l'autore che più di ogni altro ha saputo elevare un genere da musica da ballo a musica “colta” (e che proprio per questo fu definito dai puristi “l'assassino del tango”), e al quale la formazione di Anna Tifu dedica giustamente ampio spazio, con classici struggenti quali Adios Nonino, Escualo e la celeberrima Libertango. Ma significa anche attingere alle molte pagine memorabili composte dagli epigoni di Piazzolla, tra i quali proprio Scaccia e Furia, che si esibiranno al Civico con la Tifu. Insomma, gli ingredienti per rendere un concerto indimenticabile ci sono tutti, e anzi, forse c'è anche quel qualcosa in più che spinge assolutamente a non mancare: la bella e rassicurante sensazione di vivere il momento in cui una promessa viene mantenuta.

23 giugno dalla redazione

Louis Lortie per il Concerto n.1 di Brahms e la Quarta Sinfonia con Donato Renzetti

Siamo arrivati alla terza settimana di appuntamenti per la rassegna musicale "A tutto Brahms". Un doppio incontro che mercoledì ha trovato al pianoforte il canadese Louis Lortie e sul podio dell'Orchestra de I Pomeriggi Musicali ancora Donato Renzetti. Un concerto esemplare per potenza espressiva. Il Concerto n.1 in re minore per Pianoforte e Orchestra op.15, ebbe una gestazione non facile per il giovane Johannes Brahms che lo terminò nel 1858. Ai tempi venne considerato un concerto difficile da eseguire e non venne apprezzato, al contrario del meno trasgressivo e più "tradizionale" Concerto n.2. Le caratteristiche molto sinfoniche del lavoro, pongono l'orchestra ad un livello di esposizione pari, a volte superiore, a quella del solista. L'integrazione tra la monumentale parte orchestrale e quella solistica rimane esemplare, soprattutto nel lungo e scultoreo Maestoso iniziale, movimento dove l'ottima direzione di Donato Renzetti con i bravissimi "I Pomeriggi" unitamente alla plastica resa di Louis Lortie, che ha adattato le sue eccellenti qualità solistiche in ogni frangente del brano, hanno prodotto un'esecuzione di alto livello. L'Adagio centrale, dove le note più intime e personali del pianoforte hanno un ruolo maggiore, hanno rivelato l'ottima introspezione e la notevole espressività del pianista canadese. Molto bello anche il più estroverso e disteso Rondò finale. Applausi fragorosi dal numeroso pubblico. La Sinfonia n.4 in mi minore op.98, ascoltata oggi, è l'ultima delle quattro, ed è stata terminata nel 1885. Capolavoro assoluto per varietà e bellezza dei temi proposti, per rielaborazione delle architetture e per resa espressiva complessiva, questo lavoro conclude un ciclo compositivo proiettato verso il '900. Ha trovato un'ottima direzione nella bacchetta di Donato Renzetti in tutti i quattro movimenti, a partire dallo stupendo Allegro non troppo. Bravissimi gli orchestrali de I Pomeriggi in ogni sezione. Applausi meritati e per bis ancora una celebre Danza ungherese. Da ricordare.

17-06-2021 Cesare Guzzardella

 

Andrea Bacchetti alle Serate Musicali

È una costante presenza milanese quella del pianista genovese Andrea Bacchetti. Conosciamo bene le sue frequentazioni in territorio barocco, con l'eccellenza interpretativa riservata a Bach. Ieri sera in Sala Verdi era con l'Orchestra della Scuola dell’Opera del Teatro Comunale di Bologna diretta da Marco Boni per due concerti mozartiani: il Concerto per pianoforte e orchestra n. 26 in re maggiore K 537 ed il Concerto per pianoforte e orchestra n.12 in la maggiore K 414. Questi sono stati preceduti dall'Ouverture in si minore op.26 “Le Ebridi” di F.Mendelsshon, lavoro del 1832 del compositore tedesco che ci ha rivelato da subito la cifra espressiva dei giovani orchestrali che formano l'orchestra della Scuola dell'Opera bolognese attraverso un'interpretazione energica e ben sostenuta dall'ottima direzione di Boni. L'ingresso di Bacchetti nel palcoscenico di Sala Verdi ha segnato un cambio di rotta per un ritorno ad un classicismo chiaro e luminoso quale è quello del grande salisburghese. L' opera K 537, denominato anche "Concerto dell'Incoronazione" è del 1788. In stile galante presenta una moltiplicità di temi esposti sia dall'orchestra che dal solista mentre l'opera K 414 è del 1784 ed ha tinte più scure con situazioni che anticipano il romanticismo, come spesso accade nei concerti più eseguiti. Bacchetti ha rivelato in entrambi i lavori una scioltezza discorsiva sostenuta da una evidente luminosa espressività. L'ottima integrazione con le timbriche orchestrali, ben espresse in ogni sezione della compagine, ha portato ad interpretazioni di qualità in entrambi i lavori, con momenti di ancora maggiore profondità espressiva nell'Andante del Concerto in la maggiore (K.414). Fragorosi gli applausi al termine del programma ufficiale da parte del pubblico, purtroppo con limite numerico imposto dalla pandemia. Di grande qualità il bis concesso da Bacchetti con il Preludio n.9 dal Secondo libro del Clavicembalo ben temperato. Da ricordare

15 giugno 2021 Cesare Guzzardella

Prosegue l’Estate musicale dalla Camerata Ducale

Sabato 19 giugno 2021, ore 20 al Teatro Civico via Monte di Pietà 15, Vercelli, Protagonisti saranno l'Orchestra Camerata Ducale al gran completo condotta da Emmanuel Tjeknavorian, giovane direttore e violinista di fama internazionale con la giovanissima e brillante Giulia Rimonda nel ruolo di violinista solista, per un programma di grande fascino: Prokofiev Concerto per violino n. 2 in sol minore, op. 63 e Beethoven Sinfonia n. 4 in si b maggiore, op. 60. IMPORTANTE: si segnala che viste le recenti disposizioni che rimuovono il coprifuoco e per andare incontro alle preferenze dimostrate da molte persone interessate, tutti i concerti al Teatro Civico del Viotti Festival Estate - 25.6 Anna Tifu Quartet, 4 luglio Giovanni Sollima, 10 luglio Andrea Lucchesini e la Camerata Ducale, 28 agosto Guido Rimonda e Ramin Bahrami - inizieranno alle ore 20, e non alle ore 19 come inizialmente comunicato.

15 giugno 2021 dalla redazione

Lucas & Arthur Jussen con l'Orchestra Sinfonica "G.Verdi"

I fratelli Jussen, i pianisti olandesi Lucas & Arthur, sono approdati in Auditorium con l'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi" per eseguire il noto Concerto per due pianoforti ed orchestra di Francis Poulenc, un lavoro di grande impatto discorsivo scritto dal grande compisitore parigino nel 1932 ed eseguito per la prima volta nel settembre di quell'anno al Teatro la Fenice di Venezia. È nello stile tipico di Poulenc, un neo-classicismo ricco d'inventiva, con una quantità enorme di melodie unite in una sorta di "collage musicale" che denota anche influenze futuriste. I due pianoforti, in perfetto equilibrio tra loro e con esemplare integrazione con l'orchestra, hanno travato in Lucas e Arthur due interpreti ideali per determinazione e senso ritmico. Gli elementi virtuosistici, determinati anche da uno scorrimento rapido di molti frangenti musicali, come gli attacchi repentini nell'Allegro ma non troppo iniziale e dell'Allegro molto del terzo ed ultimo movimento, sono anche presenti nelle parti orchestrali che devono perfettamente integrarsi con le accentuate e ritmiche note dei pianoforti. Momenti di pacata liricità sono presenti nel suggestivo Larghetto centrale, ispirato dal classicismo dei concerti mozartiani. Un'esecuzione memorabile per i due fratelli e per l'Orchestra Verdi, diretta ottimamente da Alpesh Chauhan. Applausi fragorosi da parte del numeroso pubblico e due bis solistici concessi: il primo per due pianoforti con virtuosismi dei Jussen ispirati dal primo movimento della Sinfonia n.40 di Mozart ma anche da un celebre Carosone e poi un breve ma intenso Bach con la BWV 106 trascritta da G.Kurtàg per quattro mani. Il brano di Poulenc è stato preceduto da un interessante lavoro in "prima esecuzione assoluta" del compositore torinese Nicola Campogrande. Il brano per soprano e orchestra è denominato Hello, World ed è in quattro brevi parti. Una sorte di quattro lieder, intonati ottimamente dal soprano Vittoriana De Amicis, ispirati da termini usati nel linguaggio informatico. I quattro movimenti si chiamano infatti In B, Unix-Shell, In Delphi, In Malbolge. Questi termini e poche altre parole, vengono aggregate tra loro ed intonate dal soprano in modo quasi "futuristico " integrandosi con la parte orchestrale che utilizza invece timbriche tonali ottimamente costruite, con un linguaggio che ricorda la leggerezza della migliore musica dei primi del Novecento con riferimenti che vanno da Puccini sino ai viennesi più lirici. Un ottimo lavoro diretto benissimo dal direttore Chauhan. Il concerto è terminato con una rara giovanile Sinfonia n.1 in do minore op.11 di F. Mendelssohn, brano con molti spunti interessanti e ben orchestrati che rimandano ai grandi compositori che hanno preceduto il grande compositore tedesco. Da ricordare!

11 giugno 2021 Cesare Guzzardella

"A tutto Brahms" con Krylov, Maisky e Renzetti

Procede la rassegna dedicata a Johannes Brahms con due lavori importanti quali il Doppio Concerto in la minore per violino, violoncello e orchestra op.102 e con la Sinfonia n.3 in fa maggiore op.90. Sul podio dell'Orchestra I Pomeriggi Musicali abbiamo trovati questa volta il direttore Donato Renzetti. Solisti nel Concerto ascoltato mercoledì 9, un duo di eccellenti qualità come quello dei russi Sergej Krylov e Mischa Maisky. Due fuoriclassi, spesso presenti nelle sale concertistiche di Milano, che hanno esaltato il contesto ampiamente melodico del celebre Doppio Concerto, composto dall'amburghese nel 1887. I canonici tre movimenti, Allegro, Andante e Vivace non troppo, si dipanano nell'arco di poco oltre trenta minuti partendo dal serioso inizio del primo movimento, quello più ampio, come spesso accade nei concerti per solista e orchestra. Le potenti brevi battute orchestrali iniziali e l'ingresso autonomo del violoncello solista sono da subito indicativi della forza drammatica di questo capolavoro. Una Cadenza, quella del violoncello, che trova una posizione iniziale inusuale, e che stabilisce quasi una gerarchia di valori nel quale questo strumento ad arco vorrebbe essere dominante. Maisky, con il suo tocco preciso e scavato riesce da subito a mostrare la sua eccelsa cifra stistica. Dopo poche note orchestrali l'ingresso più melodico del violino di Krylov, confluisce poi in una seconda cadenza esternata da entrambi i solisti. Bravissimi i due protagonisti, unitamente agli ottimi orchestrali diretti splendidamente da Renzetti, un direttore famoso nel mondo sin dalla vittoria del Concorso Cantelli nel lontano 1980. Di suadente impatto il celebre Vivace non troppo finale, con la folclorica melodia che introduce il terzo movimento. Grande successo con fragorosi applausi e un inaspettato bis - sembrava non esserci- con due incredibili, per qualità, Bach: prima la Sarabanda dalla Suite n.2 per violoncello solo e po senza soluzione di continuità, col violino la Sarabanda per violino solo dalla Partita n.2. Successo e fragorosi applausi dal numeroso pubblico intervenuto. Di qualità anche l'interpretazione della Sinfonia n.3 in fa maggiore op.90 ascoltata nel tardo pomeriggio sempre per la direzione di Donato Renzetti. Il noto lavoro sinfonico dell"amburghese, composto nell'estate del 1883 ha trovato una decisa sintesi formale in tutti i quattro i movimenti, dall'ampio Allegro con brio iniziale all'Allegro finale, passando per l' Andante e dal delizioso Poco allegro. Ottime tutte le sezioni della compagine orchestrale. Applausi sentiti per Renzetti e l'Orchestra anche dopo il bis concesso, ancora di Brahms, con una Danza ungherese. Da ricordare.

10 giugno 2021 Cesare Guzzardella

SMILE: VERCELLI RITROVA LA MUSICA CON GUIDO RIMONDA E LA CAMERATA DUCALE

Là dove c'era il distanziamento sociale, ora ritorna la musica dal vivo: è ciò che accadrà domenica 13 giugno (ore 21) a Vercelli nello spazio Pisu, ovvero l'area ex ospedale, con protagonisti Guido Rimonda e l'Orchestra Camerata Ducale. Inserito nel programma estivo del Viotti Festival (40 concerti da maggio a settembre), il concerto sarà dunque fondamentale per il suo significato, ma anche originale per il suo contenuto. Guido Rimonda e il suo Stradivari Leclair 1721 accompagneranno infatti gli spettatori in un'avventura musicale tra le colonne sonore che hanno contrassegnato la storia del cinema.

Smile - Uno Stradivari al cinema nasce dal nuovo e sorprendente cd inciso da Guido Rimonda per Decca e mette insieme tre carte vincenti: uno Stradivari dal fascino oscuro e inquietante, un grande violinista che ama addentrarsi in territori inusuali e l'incanto del grande schermo. Il tutto condensato in una parola che regala leggerezza e ottimismo: smile.

Guido Rimonda non si accontenta di ripercorrere i classiciche hanno reso indimenticabili molte pellicole, bensì regala una scelta di melodie spesso sorprendente, andando a scavare nelle pieghe della settima artee uscendone con dei veri tesori. Smile, lo splendido tema da Tempi moderni di Charlie Chaplin, dà il titolo a un viaggio musical-cinematografico che via via toccherà lo struggente tema dell'Olocausto, con la celeberrima colonna sonora di John Williams per Schindler's list, ma anche il tango di Carlos Gardel con Por una cabeza, i capolavori del sommo Ennio Morricone, come Nuovo Cinema Paradiso, e molte altre gemme, come ad esempio il tema dell'ultima interpretazione di Massimo Troisi, ovvero Il postino. Ma ci sarà ancora molto altro da scoprire in Smile, un concerto che saprà emozionare e stupire come capita davvero di rado.

10 giugno dalla redazione

DUCALE.LAb E PIANOFORTISSIMO: DOPPIO APPUNTAMENTO AL MUSEO LEONE

La fitta stagione concertistica estiva vercellese non conosce soste: in piena coerenza con la sua fama Vercelli è risultata di recente in assoluto l'ottava città in Italia per offerta musicale il Viotti Festival Estate propone per venerdì 11 giugno, nell'ambito delle rassegne Ducale.LAb e Pianofortissimo, addirittura un doppio appuntamento con due giovani talentuosi pianisti: Chiara Biagioli e Josef Mossali. Un concerto che è reso possibile da tre collaborazioni tanto importanti quanto consolidate. La prima è quella con un'altra eccellenza cittadina, ovvero il Museo Leone, che come accade da anni ospiterà i concerti nei suoi splendidi ambienti, offrendo agli spettatori l'occasione di vivere non solo la musica, ma anche la bellezza e l'atmosfera di uno dei luoghi più affascinanti di Vercelli. La seconda riguarda il concerto di Chiara Biagioli (alle ore 18), ed è quella con il Concorso Ducale.LAb, creaturadella Camerata Ducale, giunto ormai alla VII edizione. Pensato per selezionare e premiare i migliori talenti dei Conservatori piemontesi, il Concorso ha suscitato in questi anni un crescendo di interesse, e offre da sempre al pubblico l'opportunità di ascoltare dal vivo i vincitori in una rassegna estiva a loro dedicata. La terza, per quanto concerne il concerto di Mossali (alle ore 20), è quella con la Fondazione Società dei Concerti di Milano, la quale ha già notato e premiato il giovanissimo pianista nell'ambito del suo prestigioso Premio Mormone, e che con la sua disponibilità ha reso possibile questo appuntamento

10 giugno dalla redazione

L' Arcangelo incantatore Mikhail Pletnev alle Serate Musicali

È tornato Mikhail Pletnev in Conservatorio per le Serate Musicali. Atteso, come sempre, da un numeroso pubblico di affezionati, ieri sera il grande pianista russo ha trovato i limiti di capienza di Sala Verdi imposti dal covid. I fortunati presenti, circa quattrocento, hanno ascoltato un impaginato tutto dedicato a Frederick Chopin: l' Impromptu op.51 in sol bemolle maggiore, una serie di ben 13 Mazurche ( dalle opere 6-7-17-24-30-33-63-67-68- b134) e la Sonata n.3 in Si minore op.58. Premesso che il pianista russo, classe 1957 di Arkhangelsk (Arcangelo), sia uno dei massimi interpreti viventi, sappiamo anche che analizzarlo nel repertorio del grande compositore polacco non è cosa facile. In esso i grandi del passato, soprattutto ma non soli i polacchi, hanno dato risultati sorprendenti entrati nella storia dell'interpretazione. Lo stile di Pletnev probabilmente non è molto vicino al territorio "polaccho", ma indubbiamente ha una carica vitale ed espressiva unica, molto personale, con situazioni diffuse di eccellenze inarrivabili. Nei pezzi di breve durata, quindi certamente in tutte le Mazurche - parte sostanziale del programma- , Pletnev ha dato probabilmente la prova migliore, dominando la tastiera con un controllo delle dinamiche stupefacente. Tutto concentrato nell'interpretazione, con la postura ferma, il volto severo e immobile plasticamente, Pletnev è puro pensiero musicale. Ogni difficoltà tecnica è superata dalla sua fomidabile capacità d'introiezione del materiale sonoro, ed il suo unico problema risulta essere il controllo del peso delle note o delle pause, nelle più semplici o complesse frasi musicali. La sua escursione dinamica, dai quasi impercettibili pianissimo ai fortissimo - questi mai eccessivi- presenta un'infinità di gradazioni. Solo un ascolto attento ci può fare cogliere in profondità molti dei particolari presenti nelle sue chiare e poetiche esternazioni. Dopo l'eccellente Impromptu introduttivo - luminoso nella sua "vivace" esplicazione ed indicativo della capacità di Pletnev di elaborare sfumature sottili in molteplici piani sonori ben evidenziati-, la serie delle Mazurche ha raggiunto vertici assoluti a partire dalla prima, l'Op.6 n.1 in fa diesis minore, eseguita in continuità con l'Improvviso. Citiamo le più coinvolgenti mazurche, anche se tutte sono di altissimo livello e legate tra loro, tutte e tredici, secondo una sequenza certamente studiata per creare un effetto di continuità e di unità. L'Op.7 n.1 in si bem. maggiore ha evidenziato il sottile gioco di accenti in una sintesi discorsiva chiara ed estroversa. La celebre Op.17 n.4 in la minore - ricordiamo l'interpretazione del sommo Horowitz- eseguita subito dopo, è un vertice assoluto di gradazioni coloristiche evidenziate da tenui contrasti che in certi momanti tendono a svanire nel nulla. L'Op 24.n.2 in do maggiore è un altro capolavoro di contrasti ritmici e di accenti in una rapida sintesi discorsiva che non nasconde nulla ma che anzi evidenzia ogni particella musicale. Interessante il collegamento in continuità con l'Op.63 n.2 in fa minore e con il suo andamento lento e meditato. Citiamo ancora l' Op. 63 n.3 in do diesis minore, insuperabile per equilibrio e bellezza timbrica. Dopo le Mazurche, la Sonata n.3 in Si minore op.58, ci è piaciuta soprattutto per l'esternazione originale di moltissimi dettagli che rientrano nelle originali modalità di ricerca coloristica di Pletnev. La Sonata è lontana da alcune interpretazioni entrate nella storia, ma è indubbiamente di enorme interesse per personalizzazione. Dopo i fragorosi applausi tributati al termine del programma ufficiale, i tre bis concessi hanno esaltato ancor più le qualità del grande interprete: una rara e mirabile The Lark (l'allodola) di Glinka nella trascrizione di Balakirev, una rapida e perfetta esecuzione di una Fuga di Bach, la n.22 dal secondo volume del Clavicembalo ben temperato, e per concludere una delle più celebri Sonate di Domenico Scarlatti, la "Pastorale" ovvero la K 9 in Re minore eseguita con una sintesi estetica sublime. Da ricordare sempre.

8 giugno 2021 Cesare Guzzardella

Marianne Crebassa al Teatro alla Scala

Il recital del mezzo-soprano francese Marianne Crebassa, ascoltato ieri sera in teatro, ha trovato oltre al pubblico scaligero presente, limitato alle 500 persone imposte dalla pandemia, anche numerosi video-ascoltatori in diretta streaming. Accompagnata molto bene dal pianista parigino Alphonse Cemin, Marianne ha scelto un programma prevalentemente di autori francesi quali Debussy, Ravel, Berlioz e Bizet, anticipati da quattro brani del compositore basco-spanolo Jesús Guridi tratti da Seis canciones castellanas e inframezzati dall'altro spagnolo, Manuel de Falla, con due brani quali Séguedille da Trois Mélodies eVivan los que rien! da La vida breve. Forte l'impatto con i lavori di Guridi. Il taglio incisivo delle melodie ottimamente armonizzate e ben rese dalle mani di Cemin, hanno trovato una sinergica voce della Cabrassa con timbriche chiare, espressive, quasi angeliche nel lieve riverbero della platea del teatro scaligero, libero dalle poltrone. Decisamente coinvolgente l'ultimo dei quattro brani di Guridi: Mañanita de San Juan. Cambio di registro con i quattro brani di Claude Debussy proposti successivamente tra cui citiamo l'originale La chevelure e il cupo e sensuale Le tombeau des Naïades. Ritorno ad un taglio spagnolo ricco di contrasti con Chanson espagnole di Maurice Ravel e soprattutto con Sèguedille tratto dalle Trois Mélodies di Manuel de Falla. Nella seconda parte della serata, dopo il breve intervallo, i sei brani di Hector Berlioz da Les nuits d'été op. 7 per voce ed orchestra, hanno riportato ai sapori francesi e, in questi lavori, espressi con intensa drammaticità e sofferenza dalla voce ancor più calda della splendida interprete, abbiamo apprezzato le complesse armonizzazioni pianistiche dell'ottimo Cemin. Dopo un breve ritorno alla Spagna di Manuel de Falla con Vivan los que rien! da La vida Breve, il celebre brano di Georges Bizet tratto da Carmen, Près des remparts de Séville, ha concluso felicemente il programma ufficiale. Due i bis concessi: prima Ravel con la sua sensuale Habanera e poi ancora Bizet con l'Amour est un oiseau rebelle ancora da Carmen. Splendida la voce della Crebassa, ottimo il pianoforte di Cemin! Fragorosi gli applausi, con numerose uscite dei protagonisti. Da ricordare.

7 giugno 2021 Cesare Guzzardella

 

"A tutto Brahms" con I POMERIGGI MUSICALI

È una rassegna estremamente interessante quella che è iniziata ieri pomeriggio al Teatro Dal Verme con l' Orchestra I Pomeriggi Musicali. Denominata "A tutto Brahms", il non breve festival musicale dedicato al grande musicista amburghese occuperà i giorni di mercoledì e di giovedì delle prime tre settimane di giugno per l'esecuzione delle Sinfonie e di tutti i Concerti solistici. Direttori come George Pehlivanian, Donato Renzetti e James Feddeck e solisti di fama internazionale quali Julian Rachlin, Sergej Krylov, Mischa Maisky, Louis Lortie e Pierre-Laurent Aimard, si alterneranno sino al 24 giugno per questo "tutto Brahms". È un festival importante anche perchè segna finalmente il ritorno del pubblico in questa storica sala milanese. I concerti verranno sempre ripetuti: l'anticipazione del tardo pomeriggio -ore 17.00- verrà infatti riproposta nella prima serata alle ore 20.00, per dare la possibilità d'ascolto ad un pubblico più numeroso, viste le restrizioni imposte dalla pandemia che limitano di molto l'affluenza degli spettatori. Ieri è stata la volta di un grande virtuoso quale Julian Rachlin, diretto da George Pehlivanian, per il Concerto in Re maggiore per violino e orchestra op.77. Un capolavoro di scrittura sinfonica e violinistica del 1878, dedicato da Brahms al grande virtuoso di violino ungherese Joseph Joachim, violinista che ha personalmente curato la parte solistica ricca di difficoltà tecnico-virtuosistiche. Pehlivanian, prima del lavoro brahmsiano, in occasione della Festa della Repubblica ha eseguito l'Inno di Mameli. L'esecuzione dell'op.77 ha trovato una direzione corposa e decisa, ben rivelata nella valida interpretazione dell'orchestra de I Pomeriggi. La rilevante parte solistica di Rachlin è stata sostenuta con determinazione e virtuosismo sia nell'ampio Allegro non troppo iniziale che nei due movimenti successivi, quello più meditativo dell'Adagio e quello estroverso dell'Allegro giocoso. Due i bis solistici concessi da Rachlin al termine del programma ufficiale : prima un valido Bach con la Sarabanda dalla Partita n.2 e quindi un eccellente Ysaye con la Sonata n.3 "Ballade", brano che a conclusione ha strappato fragorosi applausi, decisamente meritati. Oggi, nell'anteprima pomeridiana, I Pomeriggi, ancora diretti da Pehlivanian, hanno ottimamente interpretato la Sinfonia n.1 in do minore op.68, lavoro di ampie proporzioni che Brahms terminò dopo lunga gestazione nel 1876. La valida interpretazione ascoltata ha trovato il momento migliore nello splendido Allegro non troppo del finale. Applausi sentiti. Prossimo appuntamento per mercoledì 9 con Donato Renzetti, Sergej Krilov e Mischa Maisky e il Doppio concerto op. 102. Da non perdere!

3 giugno 2021 Cesare Guzzardella

Enrico Dindo e I Solisti di Pavia per Serate Musicali

Da circa venti anni il violoncellista Enrico Dindo dirige l'orchestra d'archi I Solisti di Pavia, esprimendosi oltre che nella direzione anche con il suo prediletto strumento ad arco. Ieri sera, dopo alcuni rimandi "causa covid", finalmente è tornato sul palcoscenico di Sala Verdi in Conservatorio nel duplice ruolo di direttore e di solista. Dindo prima d'iniziare ha voluto ricordare l'Avv. Andrea Massimo Astolfi, compianto presidente de I Solisti di Pavia. L'impaginato prevedeva brani classici di marcata valenza melodica, alcuni di questi in trascrizione o orchestrazione per cello ed archi fatte dallo stesso Dindo. Il bellissimo brano Chant du Menestrel (1901) per violoncello ed archi di Aleksandr Glazunov, ha felicemente introdotto la serata rivelando da subito la cifra stilistica ed espressiva dell'eccellente violoncellista. Il suono dolce e vellutato, del suo strumento, ricco di vibrato, è apparso di notevole qualità sin dal primo breve ed intenso lavoro. A seguire il Rondò per violoncello ed archi (1891) di Antonin Dvorak ha proseguito la serata. La felice orchestrazione di Dindo del Requiem per tre violoncelli ed archi (1891) di David Popper - compositore e violoncellista boemo vissuto nel secondo Ottocento- ci ha portato ad un lavoro di rara esecuzione ma di ottima resa espressiva. Molto bravi anche gli altri due solisti  entrati in giocoin modo determinante nel valido brano. Rientrato in palcoscenico nel ruolo di direttore, Dindo ha scelto poi la celebre Serenata per archi di P.I. Čaikovskij, un ampio lavoro cameristico del 1880 caratterizzato da quattro movimenti d'immensa ispirazione e di perfetta costruzione melodico-timbrica L'ottima direzione operata da Dindo ci ha rivelato la statura d'alto livello del gruppo d'archi di Pavia, arrivato ad una tensione musicale di notevole impatto emotivo sin dal primo movimento, il profondo ed incisivo Andante non troppo, seguito poi dal celebre luminoso Valzer. Il programma ufficiale ha avuto una non breve coda con tre brani per violoncello ed orchestra eseguiti come bis. Il primo, il Notturno di Čaikovskij trascritto dal russo dall'originale per pianoforte op.19 n.4 ; il secondo, una trascrizione di Dindo del Cigno dal Carnevale degli animali di C. Saint-Saens ed in fine un'Ave Maria di Piazzolla ancora egregiamente trascritta per violoncello ed orchestra dal bravissimo solista. Mirabili esecuzioni. Successo di pubblico ed applausi meritatissimi.

1 giugno 2021 Cesare Guzzardella

 

MAGGIO 2021

L'Orchestra d'Archi dell' Accademia Teatro alla Scala in Conservatorio per la Società dei Concerti

Un programma eccellente quello scelto da Francesco Manara e dai giovani Archi dell'Accademia del Teatro alla Scala. Le celebri Quattro Stagioni di Antonio Vivaldi in alternanza alle stagioni di Astor Piazzolla o meglio "Cuatro Estaciones Porteñas", hanno intrattenuto il numeroso pubblico intervenuto in Sala Verdi per oltre settanta minuti. Non è certo la prima volta che vengono accostati i due lavori composti intorno al 1725 dal veneziano e tra il 1965 e il 1970 dall'argentino. In anni recenti abbiamo ascoltato i due capolavori dalla Sinfonica Verdi, dalla Kremerata Baltica e addirittura dagli Archi dei Filarmonici di Berlino. Ogni volta siamo rimasti piacevolmente soddisfatti delle interpretazioni, tutte valide anche se differenti nelle rese coloristche. Francesco Manara, da moltissimi anni violino di spalla dell'Orchestra del Teatro alla Scala e ieri sera anche direttore, ha trovato un ottimo equilibrio nelle scelte adottate per definire al meglio i rispettivo dodici movimenti che compongono i lavori. L'idea, certamente non nuova, dell'accostamento delle rispettive stagioni partendo dalla Primavera per Vivaldi e dall'Estate per Piazzolla , ha rivelato le differenze sostanziali tra i modi compositivi dei due grandi musicisti, accomunati nei due lavori dalle timbriche tipiche degli strumenti ad arco. Piazzolla ha pensato bene di ispirarsi alle stagioni vivaldiane inserendo, nelle sue più brevi Estationes, inserzioni ben riconoscibili del capolavoro veneziano. La resa complessiva, ottima, ha rivelato anche le qualità dei giovani orchestrali scaligeri con punte di eccellenza nelle prime parti dell'orchestra, spesso messe in evidenza nei momenti più cameristici dei brani. Grande successo al termine del programma e due splendidi bis concessi con il celebre Oblivion di Piazzolla e la ripetizione del Presto finale dell' Estate vivaldiana. Bravissimi tutti! Da ricordare.

27 maggio 2021 Cesare Guzzardella

Sono tornati i concerti con pubblico alle Serate Musicali con i Lonquich

Splendido il ritorno ai concerti delle Serate Musicali. Sala Verdi in Conservatorio ha visto un buon numero di attenti spettatori al concerto di Alexander Lonquich, di Tommaso Lonquich e di Irena Kavčič. Rispettivamente pianoforte, clarinetto e flauto per brani di ben sette compositori, con alternanza degli strumenti a fiato e quasi costante presenza del pianoforte di Alexander Lonquich. Il primo lavoro, il bellissimo Syrinx (1913) di Claude Debussy, ha trovato il flauto in solitaria della bravissima Kavčič. Luminosa e precisa la sua interpretazione per un lavoro particolarmente moderno e anticipatore di atmosfere più recenti. A questo brano è seguito quello del secondo francese, Gabriel Fauré con la Fantasia per flauto e pianoforte (1898). L'ottima interpretazione ascoltata è stata determinata da un sinergico intervento dei due protagonisti con la parte pianistica di Lonquich senior ben articolata nell'incedere grintoso e molto preciso, con timbriche ricche di sfumature. Di qualità i colori del sonoro flauto della Kavčič. Con il lavoro di F. Busoni e la sua Elegia in mi bemolle (1920), è entrato in scena il figlio d'arte Tommaso Lonquich col suo splendido e timbricamente corposo clarinetto. L'interpretazione del duo ha avuto un'intesa perfetta. Perfezione ripetuta poi negli altri lavori per pianoforte e clarinetto. Ricco di colori il brano di Oliver Messiaen, Le merle noir per flauto e pianoforte (1954) reso in modo mirabile dalla flautista in perfetta sintonia col pianista. Lavoro questo di assoluta contemporaneità per ricerca coloristica. Ancora autori francesi in programma, prima con le note grintose e ricche d'armonia di Camille Saint-Saens con la Sonata per Clarinetto e pianoforte (1921) eseguita in modo eccellente e poi i timbri eleganti e divertiti di Francis Poulenc con la Sonata per flauto e pianoforte (1957) interpretata con grande fluidità. A conclusione del programma ufficiale, un salto indietro nel tempo di oltre sessanta anni dai lavori più recenti con la romantica Sonata per clarinetto e pianoforte (1894) di J.Brahms ha determinato al termine fragorosi applausi dal pubblico. Finalmente il trio al completo nei due bis concessi con l'eccellente, rara e deliziosa Tarantella op.6 (1857) di Saint-Saens, espressione di raffinata costruzione melodica e armonica e a conclusione un movimento lento e breve dalla Sonatina op.85 (1935) del francese Florent Schmitt. Splendido concerto, certamente da ricordare.

25 maggio 2021 Cesare Guzzardella

 

Musica e poesia con Andaloro e Curci in Conservatorio

L'interessante intreccio tra letteratura e musica ha visto realizzazione nel programma proposto dalla Società dei Concerti e dai due interpreti che si sono alternati sul palcoscenico di Sala Verdi in Conservatorio. L'attore Angelo Curci ed il pianista Giuseppe Andaloro hanno trovato, in occasione del settimo centenario dalla morte di Dante Alighieri, un motivo di congiunzione dei rispettivi linguaggi. Versi tratti dalle Rime, dalla Vita Nova e dalla Divina Commedia sono stati ottimamente recitati da Angelo Curci; a questi si sono alternati brani eseguiti con chiara e decisa esposizione dal pianista siciliano. Il tema poetico della serata si è rivelato anche nella scelta accurata e ben strutturata operata da Giuseppe Andaloro: sue trascrizioni pianistiche di madrigali a cinque voci di Luca Marenzio con Così nel mio parlar voglio essere aspro e di L. Luzzaschi con Quivi sospiri e anche su una breve trascrizione dalla Cantata op.9 di Wolf-Ferrari dalla dantesca Vita Nova e poi brani originali pianistici quelli di H. von Bülow /F. Liszt, Sonetto di Dante “Tanto gentile e tanto onesta” e la celebre lisztiana “Après une lecture de Dante: Fantasia quasi Sonata”. Andaloro, interprete di fama internazionale - ricordiamo la oramai lontana vittoria al Concorso Internazionale Ferruccio Busoni- ha reso con efficace chiarezza espressiva tutti i lavori, domostrando ancor più il suo evidente virtuosismo nell'ultimo lavoro proposto, quella "Dante Sonata" di difficoltà trascendentale, dove momenti di pacate e scure timbriche si oppongono a sorprendenti arditezze digitali, sostenute quest'ultime con apparente facilità, per una resa interpretativa di grande qualità. Dopo gli accorati applausi del pubblico intervenuto, una non breve coda musicale si è avuta con tre bis pianistici: un omaggio a Franco Battiato, scomparso ieri, con il suo profondo brano L'ombra della luce nella breve, quasi estemporanea e riuscita trascrizione di Giuseppe Andaloro; quindi un brano di Sergej Rachmaninov da Francesca da Rimini e una per finire una felice rara trascrizione di Sergio Fiorentino dal noto Widmung di Robert Schumann, eseguito con grande sensibilità emotiva. Fragorosi applausi dei presenti, purtroppo non numerosi. Da ricordare.

20 maggio 2021 Cesare Guzzardella

Maurizio Pollini per il Festival Milano Musica

Con la ripresa dei concerti in presenza, è da poco iniziato il trentesimo Festival Milano Musica. Ieri sera, nella sala Verdi del Conservatorio milanese abbiamo ascoltato Maurizio Pollini. L'interessante impaginato, per la rilevanza di brani del Novecento storico unitamente a lavori romantici di Robert Schumann, ci ha rivelato ancora una volta le sorprendenti qualità del grande pianista milanese. Questo concerto, dedicato a Luciana Pestalozza ed a Claudio Abbado, ha visto la Sala Verdi relativamente al completo per le misure imposte dalla pandemia. Nella prima parte della serata le note di Pollini si sono espresse nei lavori pianistici di Arnold Schönberg: prima i Drei klavierstücke op. 11 e poi i brevissimi Sechs kleine Klavierstucke op.19, lavori datati rispettivamente 1909 e 1911. Un'esecuzione impeccabile quella di Pollini, giocata su contrasti coloristici sapientemente dosati e d'intensa espressività. I lavori atonali di Schönberg risentono ancora parzialmente di un certa influenza brahmsiana, e segnano un'importante svolta nella formazione di un nuovo linguaggio. Pollini ha ben interiorizzato ogni frammento discorsivo restituendo sonorità di profondo impatto drammatico e di esaustiva sintesi espressiva. Il successivo brano di Luigi Nono, ...sofferte onde serene..., del 1976, era stato pensato dal Maestro veneziano proprio per Pollini e prevedeva oltre al pianoforte live, anche una registrazione su nastro magnetico. Il dialogo tra il pianoforte e la componente pianistica pre-registrata dallo stesso Pollini, unitamente alle timbriche elettroniche, sviluppa un effetto suggestivo d'interazione tra le parti in gioco. La regia del suono di André Richard e l'esecuzione precisa live ben sincronizzata con la componente registrata, hanno determinato uno straordinario rapporto discorsivo tipico dell'innovativo linguaggio di Nono. Dopo un breve intervallo, il programma schumanniano prevedeva prima l'Arabeske in do magg. op.18 e quindi la Fantasia in do maggiore op.17. Eccelso il Pollini dell'Arabeske, restituita con una luminosità sorprendente. L'altrettanto celebre Fantasia ha trovato Pollini convincente nella scelta interpretativa complessiva, giocata su tempi ben contrastati e spesso rapidi. Decisamente valido l'ultimo movimento, Durchweh leise zu halten, di pregnante resa espressiva. Applausi sentiti al termine e continue uscite in palcoscenico di Pollini ma nessun bis. Da ricordare.

 

17 maggio 2021 Cesare Guzzardella

 

Francesco Libetta riporta il pubblico in Sala Verdi

Il Conservatorio milanese ha finalmente riaperto l'attività concertistica col pubblico in presenza. Ieri sera, in Sala Verdi, per "La Società dei Concerti" abbiamo assistito al concerto pianistico di Francesco Libetta. Il noto solista pugliese ha impaginato un programma all'insegna della classicità interpretando musiche di Weber, Chopin, Beethoven e Liszt. I posti limitati, circa quattrocento quelli disponibili, erano al completo e l'entusiamo dei presenti si è riscontrato in modo evidente al termine della serata, serata introdotta dalle parole di Enrica Ciccarelli, Presidente e Direttore artistico della nota società concertistica milanese. Il brano introduttivo, di rara esecuzione, Invito alla danza op.65 di C.M.v.Weber, ha evidenziato da subito le qualità coloristiche dell'interprete. Un lavoro questo di estrema eleganza, all'insegna di un valzer brillante con un inaspettato postludio finale. Una serie di brani chopiniani hanno continuato la serata. Prima i Tre valzer op.64, poi tre Studi dall' op.25 ( n. 1-6-12), quindi la nota Ballata n.1 in sol min. op.23. Uno Chopin particolare quello di Libetta, lontano dalle esecuzioni entrate nella storia, ma ricreato secondo un gusto personale certamente non banale. Decisamente apprezzabile la Ballata, per incisività e coerenza. Con la Sonata n.8 in do min.op.13 "Patetica" di Beethoven siamo rientrati nelle modalità espressive più vicine ai gusti consolidati. Libetta ha comunque personalizzato la celebre sonata con un taglio intetpretativo straordinario per chiarezza e coerenza espressiva. I contrasti accentuati del primo movimento, hanno dato un' immagine di forza e vitalità degna del migliore Beethoven. Valido anche l'Adagio centrale, eseguito con andamento spedito ma molto chiaro ed espressivo. Ancora di spessore il contrastato Rondò finale. L'ultimo brano in programma era la nota Parafrasi da concerto dal Rigoletto verdiano, riassunto con eccelso vurtuosismo da F. Liszt e interpretato splendidamente da Libetta. Ancora una volta, e forse ancor meglio, il virtuoso pugliese ha evidenziato le sue attitudini per il grande compositore ungherese. Una lezione di stile quest'ultimo lavoro, delineata da una infinità tavolozza coloristica ricca di luce. Lunghi e calorosi gli applausi al termine e un bis concesso con un omaggio a Milano: " Oh mia bela madunina" di Giovanni D'Anzi completamente ricreata da Libetta stesso, in una successione di timbriche scure ma di grande vitalità espressiva. Calorosi gli applausi. Concerto da ricordare!

13 maggio 2021 Cesare Guzzardella

CONCERTO DI INAUGURAZIONE DEL VIOTTI FESTIVAL ESTATE

La stagione estiva prenderà ufficialmente il via domenica 16 maggio 2021 alle ore 18.00 nella Chiesa di Sant'Agnese, con Guido Rimonda e il quintetto della Camerata Ducale impegnati nell'atteso concerto di presentazione.

Programma: Vivaldi Concerto per violino e archi “Per la SS. Lingua di S. Antonio da Padova”; Albinoni Concerto per violino in do maggiore; Nardini Concerto per violino in la maggiore. Ingresso libero. Prenotazione obbligatoria scrivendo a biglietteria@viottifestival.it

12 maggio dalla redazione

 

VERCELLI: 40 CONCERTI IN QUATTRO MESI: È TORNATO IL "VIOTTI FESTIVAL"!

“La musica (ri)splende”: è con questo slogan che il Viotti Festival di Vercelli torna finalmente in contatto con il suo pubblico, dopo oltre un anno dall'inizio dell'emergenza Covid e la, purtroppo breve e solo parziale, riapertura della scorsa estate. E torna in grande stile: ben 40 concerti programmati da maggio fino a settembre, in location diverse (e, come si dirà, in alcuni casi inedite), con grandi solisti internazionali e il meglio delle nuove generazioni. Ma soprattutto, con grandissimo entusiasmo: i musicisti, con alle spalle un anno di abbandono forzato del palcoscenico, non vedono letteralmente l'ora di tornare a suonare dal vivo. Il che, naturalmente, sarà garanzia di concerti straordinari. La stagione estiva prenderà ufficialmente il via domenica 16 maggio 2021 nella Chiesa di Sant'Agnese in San Francesco, con Guido Rimonda e il quintetto della Camerata Ducale impegnati nell'atteso concerto di presentazione. Altro appuntamento importante sarà il 3 giugno con l’inaugurazione del nuovissimo Viotti Club. Guido Rimonda e Cristina Canziani daranno il benvenuto al pubblico in quello che sarà il nuovo punto di riferimento per la musica a Vercelli: la sede della Camerata Ducale in via Ferraris, 14. Denominato Viotti Club per sottolineare il desiderio di creare una comunità, un senso di appartenenza tra coloro che tengono alla musica e alla cultura, sarà uno spazio aperto a tutti nel quale verranno organizzati concerti, incontri, presentazioni e molto altro ancora, in aggiunta a tutte le attività di biglietteria e prenotazione legate al Viotti Festival. A questo evento inaugurale seguiranno molti altri appuntamenti di grande interesse, come il concerto orchestrale di apertura, dedicato al progetto Smile, Uno Stradivari al cinema ospitato nell’Area ex Ospedale messa a disposizione dall’Amministrazione Comunale, e i 6 appuntamenti con grandi solisti in cartellone al Teatro Civico, tra i quali sono assolutamente da segnare in agenda il concerto con Emmanuel Tjeknavorian direttore e Giulia Rimonda al violino, quello con la violinista Anna Tifu e l'evento che vedrà protagonista uno dei più grandi compositori e interpreti mondiali, Giovanni Sollima. Ma il resto non sarà certo da meno: nello splendido chiostro del Museo Leone sarà possibile seguire i 4 concerti legati alla VII edizione del Concorso Ducale.LAb, che premia i migliori diplomati dei Conservatori piemontesi, e, sempre al Museo Leone, gli appuntamenti della serie Pianofortissimo in collaborazione con la Società dei Concerti di Milano (gli artisti inseriti fanno parte del prestigiosissimo Premio Mormone). Da non perdere, poi, i 3 concerti con la CDJ - Camerata Ducale Junior, formazione under 25 nata dalla Camerata Ducale o ormai diventata, in soli due anni, una realtà di valore nazionale. La novità di questa stagione sarà che i maestri preparatori, tutti solisti di valore mondiale come il pianista Andrea Lucchesini, il violinista Alessandro Milani, spalla dell’Orchestra Nazionale della Rai di Torino, il flautista Massimo Mercelli, non solo seguiranno la preparazione del concerto, ma si esibiranno insieme ai giovani musicisti.

Impossibile dimenticare, poi, sia il tradizionale concerto del 1 agosto per la festa patronale nella Basilica di S. Andrea, sia gli eventi di spicco per il Viotti Day&Night, la kermesse che per un intero fine settimana riempirà di musica strade, piazze e palazzi di Vercelli e di Fontanetto Po. Impossibile dimenticare, poi, sia il tradizionale concerto del 1° agosto per la festa patronale nella Basilica di S. Andrea, sia gli eventi di spicco del Viotti Day & Night, la kermesse che per un intero fine settimana riempirà di musica strade, piazze e palazzi di Vercelli e Fontanetto Po. Fiore all'occhiello del Viotti Day & Night sarà, il 25 settembre, il concerto del grande pianista jazz Danilo Rea. Un concerto che, tra l'altro, sarà anche l'occasione per avviare una nuova collaborazione: quella con Raccolti Festival, la rassegna culturale che per tre giorni animerà il chiostro dell'ex monastero di San Pietro Martire. Con questo appuntamento, quindi, due realtà collaudate della cultura vercellese si incontrano e collaborano, favorendo lo scambio reciproco di relazioni e di competenze.

Ultimo ma non certo meno importante, i ben 16 concerti organizzati all'ora del tè nel nuovissimo Viotti Club: un modo simpatico e “leggero” per creare una vera, positiva (ma sicura) aggregazione dopo tanti mesi di forzato distanziamento sociale. La rassegna non poteva che chiamarsi Viotti-Tea.

Dalla redazione 10 maggio 2021

 

APRILE 2021

UN ECCELLENTE BACH PER ANDREA BACCHETTI

Un monumentale Johann Sebastian Bach quello ascoltato questa sera dal teatro Carlo Felice di Genova con l'affermato pianista ligure Andrea Bacchetti. L'impaginato del concerto organizzato da GOG Giovine Orchestra Genovese, prevedeva infatti il secondo libro del "Il Clavicembalo ben temperato" opera del genio tedesco conosciuta da tutti i pianisti che si sono cimentati nello studio classico dello strumento a tastiera. Bacchetti è uno specialista di Bach. Ha tenuto decine di concerti in Italia e nel mondo eseguendo moltissimi dei capolavori bacchiani per tastiera. Lo abbiamo ascoltato più volte nelle Goldberg, nelle Suite francesi ed inglese, nel Concerto Italiano e in molti altri celebri brani. Il suo timbro chiaro e preciso ha sempre evidenziato ogni componente melodica e contrappuntistica del grande musicista. Anche nei noti Preludi e nelle Fughe del secondo libro bachiano -ben ventiquattro- Bacchetti ha rivelato le sue qualità interpretative. L'ottima resa stilistica è emersa anche nella valida ripresa audio-video e la composta gestualità del pianista genovese ha ancora una volta trovato la corretta ragione per un'eccellente espressività. Consigliamo la visione del filmato che speriamo rimanga per molto tempo tra i video di YouTube. ( le immagini sono ricavate dal video trasmesso). Da non perdere la visione e l'ascolto!

12 aprile 2021 Cesare Guzzardella

MARZO 2021

Un eccellente Mozart per due pianoforti con Davide Cabassi e Luca Buratto

Due pianoforti decisamente speculari e delicati quelli di Davide Cabassi e di Luca Buratto per un concerto tra i più belli e conosciuti di Wolfgang Amadeus Mozart. Il concerto K.365 in Mi bemolle Maggiore è stato eseguito il giorno 19 scorso all'Auditorium di Milano ma la registrazione di quell'ottimo streaming è ancora presente in rete. L'Orchestra Sinfonica di Milano "G. Verdi" era diretta dal direttore palermitano Gaetano D'Espinosa mentre i due pianisti milanesi, affermati internazionalmente e spesso presenti nelle sale da concerto di Milano, hanno trovato una resa stilistica analoga di eccellente livello. Entrambi i solisti hanno vinto importanti Concorsi Internazionali e il più giovane, Buratto, ha avuto tra i suoi insegnanti il meno giovane Cabassi. Segnaliamo oltre all'ottima interpretazione del concerto mozartiano da parte dei solisti e della Sinfonica Verdi e alla valida direzione di D'Espinosa, le ottime riprese video che, a causa dello streaming e del bisogno di sopperire allo mancanza del pubblico in sala, hanno subito miglioramenti qualitativi straordinari. Si consiglia la visone del concerto ancora presente nel sito della Sinfonica Verdi. (Foto dallo streaming)

23 marzo 2021 Cesare Guzzardella

PRIMA USCITA DEL PROGETTO “G.B.VIOTTI COLLECTION”

A CURA DI G. RIMONDA E DELLA CAMERATA DUCALE

La Camerata Ducale comunica la prima uscita del progetto editoriale "Giovanni Battista Viotti Collection" curato da Guido Rimonda per le Edizioni Curci in collaborazione con CIDIM, Comitato Nazionale Italiano Musica. Una iniziativa importante lanciata allo scopo di pubblicare tutti i concerti per violino e orchestra di G.B. Viotti, ovvero la partitura e la riduzione per violino e pianoforte per rendere finalmente disponibile agli interpreti e al pubblico un prezioso patrimonio musicale ancora in larga parte da scoprire. Finalmente disponibile, dal 20 marzo 2021, neI negozi di musica e online sul sito della Curci, il concerto n. 3 in La maggiore, il primo scritto da Viotti, nel 1769, quando aveva solo 14 anni.

23 marzo 2021 la Redazione

L' Orchestra Sinfonica di Milano diretta da Jader Bignamini e la violinista Francesca Dego

Bellissimo il concerto trasmesso ieri sera in streaming dall'Auditorium milanese con l'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi" diretta da Jader Bignamini. In programma il Concerto n.1 in la minore per Violino e Orchestra op.77 di Dmitrij Šostakoviç, un classico della letteratura violinistica della prima metà del '900. Solista, nel profondo concerto del russo, la violinista lecchese Francesca Dego, certamente tra le migliori interpreti presenti sulla scena internazionale. I colori cupi della lunga parte introduttiva del corposo lavoro, sono emersi in toto dalle eccellenti timbriche degli orchestrali della "Verdi" nella dettagliata direzione di Bignamini, ed in perfetta sintonia con il tocco intenso, preciso e maturo della Dego. Francesca, ancora giovane d'età, ha dimostrato in questa interpretazione un' ulteriore maturità stilistica ed espressiva, immergendosi completamente nei profondi colori del difficile e complesso lavoro del russo. Dalle prime iniziali, lunghe e drammatiche note solistiche è emersa la cifra interpretativa della Dego, in sintonia con un'orchestra che lei ben conosce per via della collaborazione avuta in questi anni. Dopo lo sconvolgente Notturno, un moderato introduttivo, il più ritmico Allegro, uno Scherzo in danza demoniaca decisamente efficace ed orecchiabile, ha ravvivato il clima sonoro. Con l'Andante del terzo movimento, una coinvolgente Passacaglia, siamo ritornati alle timbriche più intense che ci rammentano il periodo storico della composizione, gli anni 1947-48, anni che risentono ancora in modo evidente la tragedia della guerra appena conclusa. Molto pregnante la Cadenza sostenuta con espressione dalla solista. L'ultimo movimento, Burlesque:Allegro, ha nuovamente ravvivato il lungo lavoro di Šostakoviç, rimarcando le qualità della Sinfonica Verdi, della bravissima violinista e di un direttore d'orchestra, Jader Bignamini, che sta facendo un'importante e straordinaria carriera internazionale anche come direttore della Detroit Symphony Orchestra . Bravissimi tutti! Splendido concerto! Si consiglia l'ascolto presente nel sito della Sinfonica Verdi! ( immagini prese dallo streaming)

13 marzo 2021 Cesare Guzzardella

 

FEBBRAIO 2021

La violinista Liza Ferschtman per la Stagione Sinfonica della Verdi

Per la Stagione 2021 dell'Orchestra Sinfonica Verdi di Milano, ieri abbiamo ascoltato in streaming il notevole Concerto per Violino e Orchestra di Benjamin Britten, tra i massimi lavori del compositore inglese, scritto sul finire degli anni '30 ed eseguito negli Stati Uniti nel marzo del 1940 con la New York Philharmonic diretta da John Barbirolli. È un lavoro tonale tipico dello stile di primo Novecento e molto caratterizzante dei modi incisivi e profondi di Britten, modi che spesso risentono  della musica più lontana nel tempo. La notevole parte violinistica, sostenuta con efficace espressività dalla solista olandese Liza Ferschtman, non esclude la coralità di un lavoro che ha nella componente sinfonica un altro elemento fondamentale. L'Orchestra Sinfonica Verdi è stata diretta con maestria da Claus Peter Flor e ha rilevato ancora una volta di essere in grande sintonia con la produzione musicale di primo Novecento. L'abile virtuosa Ferschtman ha rivelato incisività finalizzata a profonda espressività, anche nei passaggi più impervi, come nella difficile Cadenza del primo movimento. Splendide le sonorità cupe della nota Passacaglia e di qualità la resa espressiva in ogni settore orchestrale. Consigliamo l'ascolto in streaming dell'importante brano accedendo gratuitamente dal sito dell'Orchestra Verdi. Da non perdere ed ascoltare attentamente! Se possibile fate una donazione alla Verdi in questo difficile momento. N.B. foto prese dal filmato in streaming).

13 febbraio 2021 Cesare Guzzardella

 

GENNAIO 2021

Importanti medaglie per la pianista cosentina Ingrid Carbone all'ultima edizione del Global Music Awards

La pianista cosentina Ingrid Carbone è risultata vincitrice nell'importante concorso musicale Global Music Awards istituito in California ed in totale indipendenza dalle linee di mercato dominanti. È una competizione basata sul merito, molto attenta alla presenza femminile. Numerose infatti sono le donne premiate nelle categorie del concorso. La nota pianista ha ricevuto ben due medaglie per due recenti incisioni discografiche - dischi recensiti anche nelle pagine del nostro giornale -, e anche una medaglia per una riuscita registrazione dal vivo. I validi CD, editi da Da Vinci Classics, sono dedicati a musiche di Schubert e di Liszt, autori in sintonia con il forte temperamento artistico dell'interprete. Non possiamo che complimentarci con Ingrid Carbone, interprete che mette ancora una volta in primo piano la valente scuola pianistica italiana nel più ampio contesto internazionale.

27 gennaio 2021 C.G.

Al Teatro alla Scala musica moderna e contemporanea diretta da Carlo Boccadoro in streaming

Anche il teatro alla Scala in questo periodo pandemico, ha realizzato una serie di concerti senza pubblico trasmessi in streaming e destinati a migliaia di attenti ascoltatori. Ieri sera, un esaustivo concerto di musica moderna e contemporanea ci ha permesso di accostarci ad autori del secondo '900 e anche a compositori viventi. Un'ampia ensemble scaligera diretta da Carlo Boccadoro -anche compositore con un suo brano in programma ci ha fatto accostare a linguaggi musicali oramai consolidati con brani di Castiglioni, Glass, Maderna, Montalbetti, Boccadoro, Pärt e Reich. ( immagini estratte dalla diretta streaming a cura del Teatro alla Scala). Il Concertino per la notte di Natale di Niccolò Castiglioni, opera prima del 1952 del compositore milanese, ha introdotto la splendida serata. L'impatto iniziale d' impronta stravinskiana ha rivelato l'origine stilistica di questo grande Maestro italiano, origine poi evoluta in modalità stilistiche certamente più personali è facilmente riconoscibili. Company, lavoro del 1982 del compositore statunitense Philip Glass, eseguito nella versione per archi dall'originario quartetto d'archi, ci ha portato nel mondo minimalista. È un brano apparentemente semplice ma profondo nell'espressività. Probabilmente tra i migliori dell'americano. Il terzo brano eseguito , di Bruno Maderna, è stato Serenata 2 per 11 strumenti, un lavoro del 1954 di stampo espressionista con riferimenti alla seconda Scuola di Vienna. I singoli strumenti, partendo da semplici enunciazioni tematiche si mettono poi in relazione sino ad momento di climax centrale, per ritornare poi alla tranquillità individuale. Corpo in controcanto, di Mauro Montalbetti(1969), è un brano di circa 10 anni fa per orchestra d'archi ispirato da una poesia di Flaviano Pisanelli e caratterizzato da forti contrasti nei vari registri timbrici e da interventi d'intensa espressività degli archi solisti che formano un inglobato quartetto. Come polvere o vento di Carlo Boccadoro( 1963) è ancora un brano orchestrale di una decina d'anni fa ispirato dalle poesie della milanese Alda Merini. È in tre brevi parti con un iniziale carattere lento e suggestivo che ritorna nell'ultimo movimento, mentre la parte centrale esplode in un'articolata carica energetica particolarmente espressiva. Da pacem domine è un breve lavoro del compositore estone Arvo Pärt. Quattro minuti d' intenso lirismo che esprimono una evidente pace interiore nel suo singolare linguaggio musicale. L'ultimo brano in programma è stato un lavoro del 2016 di Steve Reich concepito per un balletto denominato Runner. Il grande minimalista statunitense, oggi ottantaquatrenne, ha prodotto un lavoro ritmico ma anche particolarmente ricco di luminosità espressiva. Ottima sia la precisa direzione di Boccadoro che l'interpretazione degli scaligeri in ogni sezione strumentale. Da ricordare.

16- 01- 2021 Cesare Guzzardella