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DICEMBRE 2021

La Camerata Ducale di Guido Rimonda e il pianista Ramin Bahrami per la Società dei Concerti in Conservatorio

Sono tornati, dopo la "sosta Covid", il violinista Guido Rimonda con la sua Camerata Ducale e il pianista iraniano Ramin Bahrami, celebre quest'ultimo per il suo amore per la musica di J.S. Bach. Del concerto parlerò poco perchè è presente qui sotto il link che rimanda all'accurata recensione uscita sul nostro giornale recentemente, ad opera del corrispondente musicologo Bruno Busca sul medesimo concerto tenuto sabato scorso al Teatro Civico di Vercelli . Concludiamo sottolineando il grande successo di pubblico sia nel concerto del tardo pomeriggio, sia per quello serale. I protagonisti hanno voluto dedicare l'interessante impaginato vivaldiano e bachiano ad Antonio Mormone, storico fondatore dell'importante società concertistica, nonchè scopritore di talenti divenuti poi concertisti di fama internazionale. Splendidi i due bis bachiani concessi: prima un Adagio per violino e pianoforte da una Sonata di Bach e poi la celebre Aria dalle "Goldberg Variations" per solo pianoforte. Ricordiamo la serata straordinaria che si terrà sabato 4 dicembre, alle ore 20.45, in memoria di A. Mormone, denominata "Concerto per Antonio", dove il pianista polacco Piotr Pawlak eseguirà un "tutto Chopin". Da non perdere! Ecco il link:  www.corrierebit.com/musica.htm#bahrami2021

2 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

Il Trio di Parma e Guglielmo Pellarin per la Società del Quartetto

Ancora musica da camera in Sala Verdi. Questa volta il concerto del Conservatorio milanese era organizzato dalla Società del Quartetto. Ieri sera abbiamo ascoltato la prestigiosa formazione cameristica Trio di Parma, con Alberto Miodini al pianoforte, Ivan Rabaglia al violino e Enrico Bronzi al violoncello. In programma due trii di Johannes Brahms: il Trio in si maggiore op.8 e il Trio in mi bem.maggiore op.40. Quest'ultimo però prevedeva l'uso del corno al posto del violoncello. A svolgere il ruolo di cornista l'ottimo Guglielmo Pellarin, da anni primo corno dell'Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia. La qualità degli strumenti utilizzati, come il violino Santo Serafino costruito a Venezia nel 1740 o il violoncello Vincenzo Panormo, costruito a Londra nel 1775, e soprattutto le eccellenti qualità degli strumentisti, hanno permesso l'eccellente resa interpretativa prima nella giovanile Op.8, un trio completato nel 1854 da un musicista di non ancora ventun'anni; poi nella più matura Op.40, lavoro completato nel 1865 e dedicato al padre del musicista amburghese, ottimo suonatore di corno naturale. Un ottimo impasto timbrico è emerso nel noto Trio in Si maggiore. Nel più raro Trio in Mi bemolle maggiore la qualità dell'interpretazione ha trovato un'ottima resa musicale nelle note di Pellarin, per un lavoro di non facile interpretazione dovuto al dosaggio delle volumetrie che lo strumento a fiato impone. Bravissimi! Molto piacevole e ottimamente eseguito il bis concesso da tutti e quattro gli strumentisti: una riuscita trascrizione del terzo movimento dalla Sinfonia n.3 di Brahms, il Poco allegretto, che nell'originale versione sinfonica prevede l'esposizione del bellissimo e celebre tema iniziale ad opera del corno francese. Applausi sostenuti al termine della piacevolissima serata.

1 dicembre 2021 Cesare Guzzardella

NOVEMBRE 2021

Il Quartetto Modigliani per le "Serate Musicali" in Conservatorio

Ottima musica da camera quella ascoltata in Conservatorio ai concerti organizzati da "Serate Musicali", la storica organizzazione concertistica milanese. Il Quartetto Modigliani, formazione francese fondata nel 2003, è formato dai violinisti Amaury Coeyataux e Loic Rio, dal violista Laurent Marfaing e dal violoncellista François Kieffer. I protagonisti, nei due brani di Franz Schubert, hanno trovato nel secondo lavoro in programma, l' Ottetto in fa maggiore per fiati ed archi op.166 D.803, altri quattro splendidi compagni: la clarinettista Sabine Meyer, il cornista Bruno Schneider, il fagottista Dag Jensen e il contrabbassista Knut Erik Sundquist. Il Quartetto per archi in mi magg. n.11 D.353 ha introdotto la serata. L'ottima esecuzione è stata sostenuta con eccellente equilibrio dinamico ed omogenea miscela coloristica dai quattro strumentisti, che ricordiamo utilizzare strumenti italiani, come i violini settecenteschi di Giovanni Battista Guadagnini o la viola del Seicento di Luigi Mariani e il violoncello del 1706 di Matteo Goffriller. Il Quartetto D.353 è del periodo centrale dell'attività schubertiana e trova ispirazione soprattutto nei classici quartetti d'archi di Joseph Haydn, riconoscibili nello stile soprattutto nel delizioso Rondó finale. Ancora più interessante il corposo Ottetto D.803 che ha concluso il concerto. I sei movimenti che compongono il tardo lavoro di Schubert, composto nel 1824, è un miracolo d'invenzione melodica dove tutti i protagonisti, sia gli archi che i fiati, si alternano in episodi melodici, scambiandosi le parti o accompagnando i compagni in un viaggio di raffinata sintesi discorsiva. La difficile resa estetica, dovuta al fatto di utilizzare strumenti molto differenti, soprattutto dal punto di vista delle volumetrie del suono - basti pensare alla possanza timbrica del  corno francese- ha incontrato professionisti degli strumenti che hanno individuato il giusto equilibrio di emissioni sonore, tali da non prevaricare mai le sonorità più "deboli". Bravissimi tutti e molto efficace la parte solistica, spesso presente, sostenuta da Sabine Meyer, strumentista di spicco nel panorama musicale internazionale. Sagnaliamo il prossimo appuntamento di "Serate Musicali", prevvisto per il 13 dicembre, che avrà come protagonista il celebre pianista russo Mikail Pletnev, per un programma interamente dedicato a Fryderik Chopin. Da non perdere!

30 novembre 2021 Cesare Guzzardella

PER IL FESTIVAL CANTELLI DOPO PIU’ DI TRENT’ANNI RITORNA A NOVARA IL PIANISTA MICHELE CAMPANELLA

L’Associazione “Amici della musica”, nell’ambito del Festival Cantelli di Novara, da essa promosso e organizzato, ha offerto ieri sera, 29 novembre, presso il Teatro Faraggiana, un’altra serata di musica di grandissima qualità, che ha permesso al pubblico degli amanti della musica della città piemontese di ascoltare un ospite illustre, dopo più di trent’anni dal suo primo e sino a ieri unico concerto novarese. Parliamo di Michele Campanella, l’esponente oggi più illustre di quella scuola pianistica napoletana ,che è vanto e gloria della cultura musicale italiana. Campanella è universalmente noto (e pluripremiato) come uno dei più grandi interpreti viventi dell’opera pianistica di F. Liszt, eppure nel programma da lui presentato ieri a Novara Liszt non compariva: il Maestro napoletano ha eseguito due delle vette più eccelse per qualità estetica e originalità, e più ardimentose per difficoltà esecutiva, dell’intera letteratura pianistica: i “Phantasiestucke”op. 12 di R. Schumann e “ I quadri di un’esposizione” di M. P. Musorgskij. Un programma che testimonia l’ampiezza di orizzonti della ricerca musicale di questo grande artista della tastiera., che non a caso, in un’intervista rilasciata qualche giorno fa al giornale “La Stampa”, dichiarava che alla base dello studio e della pratica della musica “deve esserci la curiosità totale di entrare fino in fondo in ogni brano e repertorio». A unire i due capolavori non c’è soltanto l’aspetto ‘tecnico’ del virtuosismo esecutivo, c’è qualcosa di molto più profondo, che spetta all’interprete cogliere e illuminare: pur nelle enormi differenze di linguaggio e di forma espressiva, ciò che accomuna Schumann e Musorgskij è ll’idea di una musica chiamata a sondare il mistero della vita, attraverso un caleidoscopico vortice di immagini, voci, le più varie e diverse, spesso percorse da una vena di grottesco umorismo o di inquietante allucinazione, sbigottita e sofferta espressione dell’impossibilità di dare una risposta ultima a quel “Warum?” (Perché?”), che echeggia quasi al centro del pezzo schumanniano. Veniamo dunque al modo in cui Campanella ha inteso e presentato al pubblico, le composizioni in programma. Schumann, come si accennava, è forse il musicista, che con maggiore intensità, sofferta fino al sacrificio di sé, della sua mente tormentata, ha concepito la musica e l’arte in generale come il linguaggio attraverso il quale rispondere all’interrogativo dell’esistenza. E nella musica di Schumann i modi di tale risposta sono ben più d’uno e non certo a caso il compositore di Zwickau amava la forma ‘a polittico’, come appunto i Phantasiestucke, composti da otto pezzi, ciascuno dei quali dà voce a un atteggiamento possibile di fronte alla vita e perciò presenta un proprio carattere ben definito e diverso dagli altri, tanto da rendere difficile dare unità a quest’opera affascinante. Qui sorge dunque il problema che chi suona l’op.12 di Schumann si trova inevitabilmente di fronte: dare voce espressivamente adeguata a tale varietà, scegliendo di volta in volta il tocco, il colore timbrico, le dinamiche più idonee: se c’è un’opera pianistica che non ammette ‘piattezza’ e uniformità di tecnica esecutiva è questa. Ebbene, le prodigiose dita di Campanella ci hanno offerto una delle più memorabili interpretazioni di questa gemma della musica di tutti i tempi. Il suono di Campanella, sempre sgranato con precisione assoluta, anche nelle parti agogicamente più mosse, ha saputo assumere una tale duttilità espressiva, una tale ’adesione all’essenza spirituale del singolo momento della composizione, che da suono si è fatto sentimento, emozione pura. Non possiamo passare dettagliatamente in rassegna tutti gli otto ‘tasselli’ del polittico, ma citeremo a mo’ d’esempio la sequenza che è un po’ come il cuore dei Phantasiestucke. “Warum?” grazie a un fraseggiare in sordina, raccolto e delicato, che intrecciava con sapienza i disegni dell’accompagnamento con la melodia, è divenuto, nell’interpretazione di Campanella, un dialogo tutto interiore, come di due voci dell’anima, alla ricerca vana di una risposta, appunto, al misterioso “Perché” della vita. Il successivo “Grillen” (Capricci, “Grilli per la testa”) nell’esecuzione di Campanella ha suggerito un abbandono ad un momento di bizzarria che vuole tutto dimenticare, di serenità solo apparente, un girare un po’ a vuoto, in cui si inserisce un valzer, privo di qualsiasi festosità, dal colore che diresti quasi livido. La sequenza è chiusa dallo stupendo “In der Nacht” (“Nella notte”), di cui Campanella valorizza sapientemente la disomogeneità ritmica che lo contraddistingue, per evocare una sonorità affannosa, incerta, di chi ha smarrito il cammino. Ma la tavolozza espressiva del grande Maestro napoletano è sublime anche nel dare voce all’incantevole brano d’apertura, “Des Abends” (“Di sera”) quell’illusoria pace di una silenziosa sera che tutto avvolge nel suo grembo sereno, evocato da un tocco di rara delicatezza (a nostra conoscenza, solo la Argerich ha saputo rendere altrettanto bene la bellezza sublime di questa apertura), così come allo slancio impetuoso che subito segue di “Aufschwung” (”Slancio”, appunto). Insomma, un’interpretazione esemplare, che tocca un’ultima vetta nel pezzo conclusivo, “Ende von Lied” (“Fine del canto”), che dopo un andamento maestoso si viene spegnendo lentamente in un mesto pianissimo, che non ha più nulla della dolcezza serale dell’inizio. Campanella ha saputo magistralmente raccontarci la storia di un’ anima, in tutta la varietà sempre cangiante dei suoi sentimenti, delle sue emozioni, dominate dalla consapevolezza dell’impossibilità di strappare alla vita il suo segreto. Lo stesso nodo di problemi, l’intreccio indissolubile tra difficoltà esecutiva in alcuni punti quasi insuperabile e problematica interpretazione, presenta l’altro capolavoro suonato da Campanella ieri sera: i celeberrimi “Quadri di un’esposizione” di Musorgskij.. Anche qui, estrema varietà di atteggiamenti e timbri e ritmi, soluzioni dinamiche e agogiche e registri espressivi con, rispetto a Schumann, una più accentuata vena di grottesca follia. A questo proposito confessiamo di faticare non poco a riconoscerci nella definizione di ‘realismo crudo’ che Campanella ha dato dei “Quadri” musorsgkiani nella presentazione del concerto al pubblico. Ci riconosciamo di più nella definizione che ne dava lo stesso autore, parlando di “suoni e idee sospese in aria” (che poco ha a che fare col ‘realismo’, qualunque cosa s’intenda con tale termine). E’ nota la glaciale definizione che Saint-Saens diede del compositore russo: “Un fou, obscure et grotesque”, (“Un pazzo, oscuro e grottesco”). Più di un dubbio ci suscita anche il riferimento ad un presunto ‘puro canto popolare russo’ che il Maestro ravvisa nell’opera. In questa composizione apparentemente divagante, a nostro modestissimo parere, è piuttosto presente un altro filo conduttore unitario: se ascoltiamo con attenzione il pezzo “Catacombae”, sentiamo insinuarsi in esso senza soluzione di continuità una variante della melodia pentatonica di ‘Promenade’, la sezione di collegamento tra i diversi momenti, ciclicamente ritornante nell’opera, sino al monumentale finale. Ci pare evidente che Musorgskij intenda suggerire che la promenade, la passeggiata, non avviene in un’esposizione di quadri, ma nel regno della morte e del nulla, il vero contenuto di quei ‘quadri’, l’obscure’ di cui parlava Saint-Saens: insomma, la musica e l’arte tutta, possono essere soltanto, nichilisticamente, un dialogo ”Cum mortuis in lingua mortua”, come recita, non a caso, il titolo del pezzo subito successivo a “Catacombae”. Ma tutto questo non toglie alcun merito alla magistrale interpretazione di Campanella. Anzitutto è doveroso un omaggio all’incredibile agilità di diteggiatura che questo pianista possiede ancora a 74 anni di età: la naturalezza con cui ha suonato passi ‘ineseguibili’, come il ‘velocissimo’ finale del brano “Gnomus”, con una forza e un’energia straordinarie, o la raffica di bicordi ribattuti della mano sinistra nella zona centrale della tastiera in “La fiera di Limoges”, ha del prodigioso. Ma non si tratta certo di un virtuosismo fine a se stesso, quanto di una necessaria modalità espressiva. Anche in questo capolavoro, Campanella rivela la duttilità estrema del suo fraseggio e la sapienza evocatrice del tocco, che sa passare dalla sonorità da incubo, martellante nella sua gravità di timbro, di “Bydlo”, alla leggerezza scherzosa di “Tuileries” a quella un po’ surreale del “Balletto dei pulcini”, cui Campanella conferisce una venatura ironica, fino al tono inquietante di “Baba Yaga”, Nonostante le premesse enunciate nella presentazione, il brano-chiave di “Catacombae” è stato interpretato in modo perfetto: un suono che sembrava sbalzato da un gelido marmo, inesorabile nella sua timbrica di un nero senza speranza, ha mostrato cosa ci sia dietro i momenti apparentemente più svagati o ‘popolari’ di questo inquietante capolavoro. Il pubblico presente (abbastanza numeroso, ma vista la fama di Campanella ci aspettavamo una partecipazione più nutrita:) ha applaudito a lungo uno dei più grandi pianisti viventi, che ha ringraziato con due bis, entrambi non listziani: uno “Scherzo” da Mendelssohn e un “Momento musicale” da Schubert, entrambi eseguiti magistralmente. Un concerto da ricordare.

30 novembre 2021 Bruno Busca

BAHRAMI E RIMONDA INAUGURANO LA NUOVA STAGIONE DEL FESTIVAL VIOTTI DI VERCELLI

Ieri sera, sabato 27/11, il Teatro Civico di Vercelli ha visto, dopo la forzata chiusura da Covid di più di un anno, l’inaugurazione ‘in presenza’ della XXIV stagione del Viotti Festival, ovvero del più importante evento musicale del Piemonte orientale (ma diremmo di tutto il Piemonte, Torino ovviamente a parte). Ad accogliere il musicofilo, un poco emozionato, un concerto interamente dedicato al tardo-barocco della prima metà del ‘700: Vivaldi, con il non frequente “”Concerto (per violino e orchestra) Scritto per la Solennità della S. Lingua di S. Antonio da Padova RV 212a”, Albinoni con l’Adagio dal “Concerto per violino e orchestra” in Do maggiore e tre concerti di J.S. Bach: il BWV. 1041 per violino e orchestra, e due dei sette concerti per clavicembalo e orchestra, il BWV 1056 in fa minore e il BWV 1052 in re minore (in ordine di esecuzione). Gli interpreti: Guido Rimonda nella doppia veste di violino solista e direttore dell’orchestra Camerata Ducale e il pianista iraniano Rahmin Bahrami, notoriamente considerato oggi uno dei più autorevoli interpreti del Grande di Eisenach, che, del tutto giustamente secondo noi, come tutti i pianisti del resto, ignora con olimpica serenità il dibattito piuttosto stucchevole, che di tanto in tanto si riaccende, sulla spinta della moda delle ‘esecuzioni storicamente informate’, circa la liceità di esecuzioni al pianoforte dell’opera clavicembalistica di Bach. Chiaro, ed esplicitamente enunciato nella presentazione del programma al pubblico fatta dai due solisti, il tema della serata: l’influenza del concerto ‘all’italiana’, soprattutto nel suo supremo modello a quell’epoca , quello vivaldiano, sul concerto di J.S. Bach. E l’idea di fondo che ispira gli interpreti è che tale influenza fu decisiva. La serata inaugurale ha quindi inizio con un omaggio a Vivaldi, che vuole proporre la chiave di lettura dell’intero concerto: il Maestro Rimonda sale sul podio dalla platea, suonando il Largo dall’”Inverno” del compositore veneziano, introducendo subito il pubblico a quell’atmosfera di sognante dolcezza che sarà una delle cifre dell’intero concerto. La prima delle composizioni in programma, appunto di Vivaldi, è un concerto per violino, legato ad una solennità religiosa: il tema religioso non è però evocato direttamente ed esplicitamente, né nella struttura (è un normale, ‘laico’ Allegro-Grave-Allegro), né nei temi: l’afflato religioso è presente nell’estremo virtuosismo della parte solistica, che raggiunge livelli quasi paganiniani negli stratosferici sopracuti della cadenza del terzo tempo. Un virtuosismo dunque come espressione del trascendente, che attinge, con l’ascesa finale alle note più alte, le sfere celesti e il contatto col divino. Rimonda e la Camerata Ducale hanno dato una splendida interpretazione di questo capolavoro. Il leggendario Stradivari “Le Noir” di Rimonda risplende di una calda e tersa luminosità e di una dolcezza di timbro, che si amalgamano perfettamente con la leggerezza di suono dell’orchestra: le acrobazie virtuosistiche del violino non hanno nulla di spettacolare, ma sorgono quasi naturalmente, con incantevole grazia, dal mondo sonoro evocato dagli orchestrali e dal solista. Lo stesso Grave centrale, che formalmente sarebbe un’ recitativo’ accompagnato, nell’interpretazione di Rimonda scioglie ogni secchezza propria di un recitativo in quella dolce grazia del timbro che guida la sua interpretazione. Il concerto per violino in Do maggiore di Albinoni, di cui è stato eseguito il solo Adagio centrale, pone gli interpreti di fronte ad un problema: conservarne la sonorità intima e cameristica, anche quando, come oggi generalmente avviene, la partitura è affidata non all’organico per cui era stata originariamente pensata (due violini, due viole, basso continuo), ma viene affidata ad un’orchestra, sia pure da camera come la Ducale. Va anche tenuto presente che Albinoni propone un modello di concerto strutturalmente un po’ diverso da quello di Vivaldi: la parte solistica e il ‘tutti’, non si alternano, nettamente distinti, come in Vivaldi, ma si integrano e si intrecciano più strettamente, imponendo al solista un suono che al tempo stesso spicchi sull’insieme orchestrale, ma sappia anche dialogare con esso, nelle scelte ritmiche, dinamiche e timbriche. La scelta interpretativa di Rimonda è stata ancora una volta coerente e convincente: è vero che, con il passaggio dall’organico originario a quello orchestrale ha perso peso il timbro delle viole, delicatamente vellutato, ma, affidando alle morbide volute sonore del violoncello la parte del basso e accentuando la leggerezza e dolcezza del suono d’insieme e solistico, in un dialogo perfettamente bilanciato, ne è uscita davvero quella deliziosa ‘chicca’, preannunciata da Rimonda nella presentazione al pubblico. Rimonda ha chiuso la prima parte della serata con il primo dei due concerti per violino di Bach, il BWV 1041. Qui, pur nella struttura vivaldiana della composizione, la scrittura bachiana presenta una trama orchestrale contrappuntistica decisamente più fitta rispetto al modello italiano: il formato cameristico della Ducale ha sicuramente aiutato ad alleggerire tale elemento contrappuntistico, consentendo una piena realizzazione di una limpida grazia di suono, sottilmente chiaroscurata, soprattutto nell’Allegro iniziale, dal sicuro dominio delle dinamiche, in continuo alternarsi sia nei ritornelli, sia nella parte solistica. Rimonda ha toccato una delle vette della serata nell’esecuzione dell’Andante centrale, una sublime melodia affidata al violino, sostenuta costantemente da un basso ostinato dell’orchestra. Rimonda ha dato di questo grande brano un’interpretazione indimenticabile: il Do maggiore dell’Andante, quando ha cominciato a modulare in modi minori, si è innalzato dalle corde del ‘Noir’ con l’intensità di un’emozionante preghiera, intrisa di soavità e di malinconia. Rimonda ci ha donato uno di quei momenti magici in cui il suono incontra l’anima, qualunque cosa si intenda con questo nome. La seconda parte della serata ha visto protagonista Bahrami, con due concerti di Bach. Conosciamo ormai bene il Bach di Bahrami, ed è un Bach perfettamente coerente con la parola-chiave di questo concerto inaugurale del Viotti festival: dolcezza. Bahrami ridimensiona drasticamente la tradizionale tendenza dei pianisti bachiani a ‘trasferire’ la secchezza del clavicembalo sulla tastiera del pianoforte, privilegiando un suono morbido e decisamente addolcito, tutto virato sul ‘piacevole’, piuttosto che sul ‘rigoroso’, sul gioiosamente leggero’ piuttosto che sull’austero. Ne esce dunque un Bach “all’italiana” decisamente più coinvolgente nelle parti più cantabili dei concerti, che in quelle più virtuosistiche, ove la leggerezza di tocco, pur nell’assoluta perfezione tecnica dell’esecuzione, talvolta oscura un poco alle orecchie dell’ascoltatore, la straordinaria densità di scrittura di Bach (vedi, a mo’ d’esempio, le due cadenze del primo movimento del BWV 1052). E’ invece un grandissimo e raffinato interprete, Bahrami, dello splendido, quanto celebre Largo del BWV 1056, suonato con pieno, ma mai retorico abbandono alla malinconica espressività del brano, con un suono limpido, creato quasi accarezzando i tasti e con un uso parco e puntuale del pedale. Bravo Bahrami anche nel farsi seguire da un’orchestra, che lo ha accompagnato con coerenza nelle dinamiche e nelle coloriture espressive. Bahrami ha definito Rimonda il suo miglior partner bachiano attuale. E alla fine del concerto i due Maestri hanno eseguito due bis, due movimenti da altrettante sonate bachiane per violino e clavicembalo: particolarmente bello il secondo bis, l’Adagio dalla sonata in mi minore, nella sua delicata e cantabile ‘grazia’, degno suggello alla serata. Grande successo di pubblico, accorso come sempre numeroso, con cospicua presenza di giovani studenti delle scuole vercellesi, a conferma dell’intelligente campagna di diffusione della cultura musicale sul territorio di cui è impareggiabile e infaticabile ispiratrice Cristina Canziani, Direttore artistico della Ducale. Anche il programma della stagione stupisce per la qualità e la quantità degli appuntamenti proposti: dietro un programma simile c’è un intero mondo di passione generosa, uno slancio, una fede nella musica propria di un gruppo, quello della Camerata Ducale, che merita tutto il nostro ammirato e riconoscente apprezzamento. (Foto a cura dell'Ufficio Stampa Camerata Ducale)

28 novembre 2021 Bruno Busca

 

Serata memorabile con la Filarmonica della Scala diretta da Thielemann e Camilla Nylund

È stata una serata di altissima qualità quella terminata da pochi minuti. Il tedesco Christian Thielemann era alla guida della Filarmonica della Scala. I pregi della Filarmonica scaligera li conosciamo, ma questa sera, nella replica del bellissimo impaginato che prevedeva i Vier Lieder op.27 di Richard Strauss e la Sinfonia n.4 op.98 di Johannes Brahms, i colori della compagine orchestrale ci sono apparsi decisamente più importanti, specie nella sezione degli archi. Improvvisamente abbiamo ritrovato timbriche più nordiche, tra i wiener e i berliner. Insomma, Thielemann ha prodotto un autentico miracolo forgiando gli alti potenziali dei filarmonici in modo da ottenere i suoi colori. Nella prima parte l'eccellente voce di Camilla Nylund ha cesellato con intensa espressione coloristica i quattro brevi Vier Lieder, capolavori di Strauss, ben sottolineati anche dall'orchestra. Appassionati, calorosi e interminabili gli applausi del pubblico, rivolti soprattutto alla protagonista tornata più volte in palcoscenico, e splendido il bis concesso con ancora un lied di Strauss e precisamente il raffinatissimo Zueignung -capolavoro in meno di due minuti- cantato dal soprano in modo angelico. Dopo il breve intervallo, nell'ultima celebre sinfonia dell'amburghese, la n.4 in Mi minore op.98, il livello della serata, già elevato, si è ulteriormente alzato con il miracolo di Thielemann. Concerto memorabile! Domani sera ultima replica. Da non perdere!!!

26 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Il duo Alessandro Carbonare e Monaldo Braconi

È stato un piacere tornare ad ascoltare il clarinettista Alessandro Carbonare in questo concerto denominato "Clarinetto, un secolo di storia". Alcuni giorni or sono il solista di Desenzano del Garda era al Teatro Dal Verme con gli eccellenti "Virtuosi Italiani", ieri sera in Conservatorio con l'ottimo pianista Monaldo Braconi. La serata, organizzata dalla "Società dei concerti", segna per Carbonare e per la Società milanese un ritorno in Sala Verdi dopo quel bellissimo concerto di Aarold Copland ascoltato nell'aprile del 2018. Ieri, un impaginato variegato prevedeva nella prima parte musiche di Brahms e Bernstein, e nella seconda di Poulenc e di Gershwin. L'affiatamento del duo è incominciato con la Sonata in mi bem. maggiore op. 120 n.°2 del musicista amburghese per continuare con la rara Sonata di Leonard Bernstein, grande musicista statunitense, noto soprattutto come valente direttore d'orchestra e, come compositore, solo per pochi lavori, in una produzione in realtà vastissima e molto importante. La sua Sonata per clarinetto e pianoforte trova inizialmente sonorità cupe per poi dispiegarsi nelle ritmiche sincopate tipiche del compositore. Di qualità la resa espressiva del duo. Con la celebre Sonata per clarinetto e pianoforte del parigino Francis Poulenc, un capolovaro assoluto di equilibrio costruttivo, siamo passati al momento più entusiasmante della serata. L'intesa di Carbonare con Braconi ci è sembrata ancor più sinergica e liberatoria, per una resa espressiva di maggiore qualità. La chiarezza delle timbriche, precise e dettagliate, del clarinettista sono state sostenute con analoga resa dall'ottimo pianista. Ottima interpretazione nella Fantasia sulle celebri melodie di George Gershwin. Il sapore jazzistico, mediato dall'ottima scuola classica dei due interpreti, emersa in modo evidente, ha creato una situazione complessiva di grande virtuosismo melodico e ritmico. Applausi convinti dal numeroso pubblico intervenuto in Conservatorio e due i bis concessi: prima un omaggio a Ennio Moricone con una fantasia sui celebri temi del film Nuovo Cinema Paradiso e quindi un pregnante brano di musica Klezmer inizialmente affidato al solo clarinetto e quindi insieme al pianoforte nel divertente e appassionante folclore ebraico. Bravissimi!

25 novembre 2021 Cesare Guzzardella

A NOVARA CONVEGNO DI STUDI e MARATONA PIANISTICA

Sabato 27 novembre p.v. Novara diventa capitale del pianismo italiano. La manifestazione avrà luogo al Salone dell’Arengo nel Broletto di Novara per l’intera giornata. Il Convegno di studi e la Maratona pianistica, ideati e organizzati dagli Amici della Musica, hanno richiamato l’attenzione di numerosi pianisti, musicologi e compositori di grande rilevanza nazionale e internazionale.Questo primo Convegno intende considerare il mondo del pianoforte che, dagli inizi dell’Ottocento fino ad ogg,i ha espresso con grande vivacità e varietà l’azione e l’opera di compositori, pianisti, insegnanti e costruttori di pianoforte costituendo una specifica “linea italiana”. Dopo i saluti istituzionali, gli interventi sono così articolati: Ettore Borri- Pianoforte e musica pianistica italiana: un percorso originale. Piero Rattalino- Muzio Clementi romano de Roma e gentiluomo inglese. Anelide Nascimbene e Attilio Brugnoli- Il pianoforte italiano tra musicologia e propaganda. Alessandro Marangoni Victor de Sabata e il pianoforte. Michele Campanella La scuola pianistica napoletana. Oreste Bossini Musica pianistica italiana nel secondo dopoguerra. Il convegno di studi così concepito è supportato da un’altra importante iniziativa che offre la rara occasione di ascoltare una panoramica di questo ricco e interessante repertorio: la Maratona pianistica nella quale sette pianisti, in quattro concerti, eseguiranno brani di 19 autori italiani da fine Settecento a oggi. Il primo concerto, alle 14.30, si apre al femminile con i brani di Francesca Nava d’Adda e Giulia Recli, affidati alla giovane pianista Anna Doria, cui segue Silvia Giliberto sensibile interprete di Giuseppe Martucci, Alfredo Casella e Alessandro Solbiati. Il secondo concerto, alle ore 16.00, è affidato a Alberto Veggiotti e Alessandro Marangoni: i due interpreti ci conducono nell’intensa atmosfera italiana del tardo ‘800 e del primo ‘900 con pagine di Martucci, Ferrari- Tracate, Pick-Mangiagalli, Ponchielli, Castelnuovo-Tedesco e Victor de Sabata. Il terzo concerto, alle ore 17.30, vede la partecipazione di Massimiliano Damerini (foto P.Saracco), tra i massimi interpreti di questo repertorio. Nel suo programma, Damerini traccia i punti di un’evoluzione del gusto e della ricerca musicale pianistica italiana con brani di Sgambati, Busoni, Casella. Dallapiccola, Di Bari e Damerini. Il quarto concerto, alle ore 20.30, conclude la maratona con due grandi interpreti: Ilia Kim che propone una tra le più belle sonate di Muzio Clementi; Simone Pedroni con le note di Armando Gentilucci, Nino Rota ed Ennio Morricone. Saranno inoltre presenti anche i compositori Marco di Bari e Alessandro Solbiati, di cui verranno eseguiti alcuni brani pianistici. Il Convegno è a ingresso gratuito, mentre per la Maratona pianistica l’ingresso al singolo concerto è € 8,00; tutti e quattro i concerti € 20,00. Biglietteria: presso Amici della Musica, via dei Cattaneo 15, 28100 Novara (tel. 0321031518): Giovedì dalle 9:30 alle 14:30, Venerdì dalle 13:00 alle 18:30 e nel giorno della manifestazione. Con bonifico a Ass. Amici della Musica V. Cocito, IBAN: IT50C0503410100000000001294, indicando nella causale: Orario concerto, Nome, Quantità biglietti Online: su Vivaticket cercando “Maratona pianistica”. www.amicimusicacocito.it (cerca “Eventi straordinari”). Per informazioni: info@amicimusicacocito.it Tel 0321031518

25 novembre 2021 dalla redazione

Una grande Maria João Pires per la Società del Quartetto

L'altro ieri in Sala Verdi una grande interprete come la Virsaladze, ieri, sempre in Conservatorio, un'altra grande come la pianista portoghese Maria João Pires. Un concerto straordinario quello organizzato dalla Società del Quartetto, con una Sala Verdi finalmente colma di pubblico, anche mediamente più giovane del solito. L'eccellente pianista, che non ascoltavo a Milano dal 2016 - quell'anno con due concerti, di cui uno alla Scala- ci ha fatto completamente dimenticare che in Sala Verdi ci sarebbe dovuto essere un altro grande interprete quale Daniil Trifonov, purtroppo indisposto, ma come dice un vecchio detto "non tutte le sfortune, sono sfortune". La Pires ha impaginato un programma ottimo, con brani noti ed importanti. Prima Schubert con la Sonata in la maggiore D 664, poi Debussy con la Suite Bergamasque e dopo il breve intervallo, Beethoven con la Sonata n.32 in do minore op.111. Tocco magico quello della Pires, ricco d'espressività e di una musicalità mutevole in rapporto al carattere del compositore. L'impatto iniziale con Schubert ha espresso un'interprete dal tocco leggero, asciutto e ben articolato nella progressione dinamica, con una tavolozza di colori ampia e completa che riesce a variare l'intensità volumetrica in modo eccelso. Le piccole imperfezioni non hanno assolutamente compromesso l'alto livello interpretativo. Ancor più efficace il suo Debussy, con una vetta nel celebre Clair de lune, interpretato magistralmente, con un'intensità espressiva mediata dalle splendide pause riflessive di chi è capace di ascoltarsi. Un Debussy robusto, scavato con il giusto discreto uso del pedale. Splendido! Di qualità, ricco di forza, il suo Beethoven con la celebre ultima sonata. La prorompente tensione iniziale ha trovato il giusto contrappeso con l'etereo finale definito da quei trilli interminabili espressi con maestria dalla pianista settantasettenne. Aveva già eseguto l'Op.111 nel febbraio 2016, in Sala Verdi, e come allora siamo rimasti entusiasti. Breve, ma di qualità il bis concesso, con l'Adagio cantabile centrale della Sonata "Patetica" beethoveniana. Applausi scroscianti, con molto pubblico in piedi e il sorriso soddisfatto della grande interprete.

24 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Elisso Virsaladze alle Serate musicali per Mozart e Chopin

Dal 1992 la pianista georgiana, di Tblisi, Elisso Virsaladze frequenta le Serate Musicali del Conservatorio milanese. Non ha certo bisogno di presentazioni avendo una carriera consolidata da oltre cinquant'anni e provenendo da una scuola musicale russa prestigiosa, quella legata al pianista e grande didatta Heinrich Neuhaus e a Yakov Zak. Ieri sera ha impaginato un programma tutto mozartiano e chopiniano. Ha alternato brani del salisbughese e del polacco creando un contrasto stilistico mediato dal suo stile inconfondibile, intriso di chiarezza coloristica e strutturale. I primi due brani mozartiani, la Fantasia in do minore K 396 e le 9 Variazioni in do magg. su "Lison dormait" K.264 erano rarità interpretative, mentre il terzo, sempre di Mozart, il Rondò in la minore K.511, uno tra i più eseguiti. Dai primi tre lavori è risultata evidente la cifra interpretativa della Virsaladze, sostenuta da una trasparenza timbrica evidente, sorretta da una tecnica impreziosità dall'esperienza di centinaia di concerti. Questo Mozart, di altissimo livello interpretativo, verrà ripreso ancora da due celebri lavori quali la Fantasia in do minore K475 e la Sonata in do minore K 457, eseguite una dopo l'altro, come da tradizione. Il grande equilibrio dell'interprete e la sua forza espressiva, pretesa dai due superlativi lavori, sono emersi dalle mani della Virsaladze, mani capace di esaltare i dettagli nei chiarissimi piani sonori dei timbri più gravi o più alti della tastiera. Splendide l'esecuzioni. Anche Chopin ha trovato un'eccellente pianista, sia con il semplice e profondo Valzer postumo n.19 in la minore; sia con i Notturni n.1 e 2 Op.27 e anche nelle corpose Ballate, la n.2 op.38 e la n.3 op.47, eseguita a conclusione del programma ufficiale. Uno Chopin ben calibrato nelle timbriche e perfetto nella struttura melodico-armonica. Ancora Chopin nei due bis concessi: prima l'ottima Mazurca in la minore op.68 n.2 e poi un eccellente Valzer Brillante Op.34 n.2 eseguito di getto, ma perfetto sotto ogni aspetto. Che Chopin! Applausi fragorosi. Da ricordare

23 novembre 2021 Cesare Guzzardella

La Cappella Mediterranea con Sonya Yoncheva al Teatro alla Scala

Una serata davvero speciale quella di ieri sera al Teatro alla Scala, dove la Cappella Mediterranea ha accompagnato il soprano bulgaro Sonya Yoncheva, una celebrità nel mondo della lirica. La compagine di musica antica è nata nel 2005 per opera dell'argentino Leonardo García Alarcón, direttore, organista e clavicembalista. L'eccellente gruppo strumentale, un tempo concentrato su un repertorio strettamente mediterraneo, da alcuni anni ha allargato il suo campo interpretativo, ampliando i programmi anche con brani d'opera o di musica più recente. La mancanza, ieri sera, del direttore per motivi non specificati, ha permesso cumunque alla formazione cameristica di accompagnare il soprano e di eseguire brani anche solo strumentali. La bravissima Mónica Pustilnik, specializzata in arciliuto e chitarra, ha sostituito il direttore al cembalo e all'organo in modo egregio, restituendo un coordinamento decisamente valido. L'impaginato variegato prevedeva brani per canto o strumentali di Stradella, Monteverdi, Cavalli, Caldara, Gibbons, Ruiz de Ribayaz, Marín, Purcell, Alarćon, Dowland, Díaz e Tomás de Torrejón y Velasco. Molti di essi erano arrangiati da Quito Gato, suonatore di tiorba e chitarra nella compagine. I colori delicati degli strumenti d'epoca hanno sottolineato la splendida calda voce della Yoncheva che con delicatezza, sensibilità ed espressività ha restituito delle timbriche perfettamente in linea con quelle sottili e raffinate degli strumenti antichi utilizzati dal gruppo cameristico. Tra i brani strumentali segnaliamo almeno Tarantela di Santiago de Murcia e Diego Fernández de Huete. Tra quelli con soprano oltre all'originale ed espressivo brano di Leonardo Garcia Alarćon, Y as tu plantas, Nisea, anche il brano di John Dowland ripetuto poi al termine nel bis con la splendida Yoncheva accompagnata dall'arciliuto da Mónica Pustilnik : Come again sweet love - Vieni ancora, dolce amore. Fragorosi gli applausi in un teatro con moltissimi giovani. Da ricordare sempre.

19 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Stefan Milenkovich e Antonio Chen Guang per la Società dei Concerti

Il violinista Stefan Milenkovich ed il pianista Antonio Chen Guang avevano suonato assieme nel dicembre 2018, in una serata in ricordo di Antonio Mormone, il fondatore e il presidente della Società dei Concerti. Ieri sono tornati insieme per un doppio appuntamento - nel pomeriggio e alla sera - dedicato a Händel, a Beethoven e a Brahms. Tre brani noti che hanno entusiasmato il numeroso pubblico presente in Sala Verdi. Il violinista serbo si era esibito da bambino nella sala maggiore del Conservatorio e adesso, trent'anni dopo e più, è tornato in piena maturità artistica con Chen Guang. Entrambi gli strumentisti sono scoperte di Antonio Mormone. La raffinata Sonata n.4 in re maggiore di Händel ha introdotto la serata meritando un'ottima esecuzione. In perfetta sintonia hanno dato il giusto peso alle dinamiche e alle timbriche. Buona l'interpretazione della Sonata n.1 in sol maggiore op.78 di J. Brahms. Un'esecuzione precisa e dettagliata ma forse troppo controllata. Un maggiore slancio emotivo avrebbe giovato alla resa complessiva. Di maggior spessore espressivo la celebre Sonata n.9 in la magg. op.47 "A Kreutzer", eseguita dopo il breve intervallo. Entrambi gli interpreti, in sinergia costante, hanno ugualmente contribuito alla qualità della sonata, sia negli energici movimenti laterali che nell'Andante con variazioni centrale, dove, nella dominante parte pianistica, con quelle fluide e deliziose variazioni, Chen Guang ha dato sfoggio di raffinata resa musicale. Tre i bis concessi: prima un' Allemanda dalla Partita n.2 per violino solo di J.S. Bach eseguita da Milenkovich in modo eccellente; poi ancora uno scorrevole e autorevole Bach, questa volta pianistico, ed infine, in duo, una semplice e suggestiva melodia che come raccontato dal simpatico violinista, è stata scritta da un compositore-pianista statunitense Navajo, ispirata dagli indiani indiani d'America e avente come titolo "Coyote". Fragorosi gli applausi al termine.

18 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Milano Musica, Michele Gamba e Nicolas Hodges al Teatro alla Scala

Un interessante concerto sinfonico di musica contemporanea ha impegnato ieri l'Orchestra Sinfonica di Milano "G. Verdi" e il direttore Michele Gamba nella splendida cornice del Teatro alla Scala. Grazie a Milano Musica e all'annuale rassegna di musica moderna e contemporanea,quest'anno denominata "D'un comune sentire", abbiamo ancora una volta ascoltato -e visto- dalla platea scaligera tre valide composizioni. Dalla più recente di Rebecca Saunders (1967) con To An Utterance del 2020, a quella di Wolfgang Rihm (1952) con Verwndlung III del 2008, al classico di Benjamin Britten (1913-1976) Four Sea Interludes, del 1945, dalla sua opera Peter Grimes. Lavori molto diversi tra loro, che ci rivelano la varietà espressiva di un settore musicale attuale che deve ancora penetrare nelle conoscenze di un più ampio pubblico. Il suggestivo impatto timbrico del primo lavoro, quello più recente, per pianoforte ed orchestra, ha trovato alla tastiera un pianista noto quale Nicolas Hodges. Per chi aveva dei dubbi sul fatto che il pianoforte fosse anche uno strumento a percussione, quale occasione per non averne più! To An Utterance offre infatti un utilizzo interessante dei tasti bianco e neri. Pochissime le note isolate, ma sempre grappoli di note, cluster di ampia dimensione che percuotono, a volte delicatamente ma spesso in maniera più aggressiva, i tasti. La parte orchestrale avvolge in modo incisivo i virtuosismi precisi, calibrati e con margini di aleatorietà probabilmente minimi, del bravissimo Hodges. Trenta minuti circa di suggestive timbriche che rivelano la forza femminile e il gran carattere della Saunders, affermata compositrice londinese che vive da anni in Germania. Il brano del tedesco Rihm è la terza parte di un lavoro più ampio. Dall'ascolto di Verwndlung III, eseguito mirabilmente dalla "Verdi" e diretto ottimamente da Gamba, si evidenzia la spettacolare capacità di orchestrazione dell'affermato compositore nel mettere in luce i dialoghi tra le diverse sezioni orchestrali. Movimenti timbrici fluidi, rapidi e chiarissimi nelle loro esternazioni. Un eccellente lavoro. I Quattro interludi marini dell'inglese Britten sono ben conosciuti ed eseguiti da decenni dalle massime orchestre mondiali. Si rimane ancora sorpresi per la modernità di questi interludi che, composti oltre settant'anni fa, rappresentano ancora coloristiche attualissime. Il linguaggio di Britten, riconoscibile in ogni frase musicale, ha una cifra stilistica alta, dove l'eleganza del fraseggio e il taglio deciso delle battute richiamano mirabilmente la natura del mondo sommerso. Ottima l'interpretazione, molto applaudita dal numerosissimo pubblico intervenuto. Da ricordare.

17 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Robert Trevino ed Emmanuel Tjeknavorian con la Filarmonica della Scala per Mozart e Šostakoviç

Ha recentemente diretto la "Sinfonica Verdi" in Auditorium con un programma dedicato a Šostakoviç e Mendelsshon, Robert Trevino. Ora ritroviamo il direttore americano nel Teatro del Piermarini per dirigere la Filarmonica della Scala in Mozart e ancora in Šostakoviç, questa volta per la grandiosa Settima Sinfonia. Un impaginato che ieri ha trovato in palcoscenico anche il violinista viennese, di origine armena, Emmanuel Tjeknavorian per il noto Concerto in la maggiore per violino e orchestra K 219, il quinto e ultimo di questo genere nella produzione del salisburghese. Un'interpretazione, quella di Tjeknavorian, all'insegna della delicatezza nel proporre timbriche sottili, fluide, prive di contrasti eccessivi. Il suo suono trasparente e ricco di espressività ha trovato l'appoggio coerente dei filarmonici scaligeri e della direzione di Trevino per un risultato di eccellente resa espressiva. Applaudito con convinzione dal pubblico presente in teatro, ha concesso un breve bis solistico con un brano pizzicato di Paul Hindemith. Dopo il breve intervallo, un cambiamento radicale di colori ci ha portato alla monumentale Sinfonia n.7 in do maggiore op.60 "Leningrado" di Dmìtrij Šostakoviç. Un lavoro composto dal musicista russo nel 1941 che risente degli insegnamenti del passato dei grandi sinfonisti - Beethoven per primo- , ma che attraverso situazioni di estreme esasperazioni sonore riflette la tragedia di quel periodo storico in cui la sinfonia è stata composta. I contrasti timbrici e volumetrici presenti in questa partitura sono forse tra i più marcati tra quelli del mondo sinfonico delle orchestre allargate. L'ottima definizione dei colori, espressa in ogni sezione orchestrale dagli eccellenti filarmonici, e l'avvincente direzione di Trevino, ricca di dettagli, ha determinato i fragorosi applausi espressi dal pubblico presente in teatro. Prossimo appuntamento per la serie dei Concerti d'autunno 2021 con Riccardo Chailly che dirige la Filarmonica della Scala in Beethoven con la Sesta Sinfonia, e in Mendelsshon con la Sinfonia n.3 "Scozzese", il 22 di questo mese. Da non perdere!

16-11-2021 Cesare Guzzardella

Successo per L' Elisir d'amore alla Scala con Meli e la Torre

La ripresa de L'Elisir d'amore di Gaetano Donizetti sta risquotendo ancora notevole successo al Teatro alla Scala. Già nel settembre 2019, in un'Italia per pochi mesi ancora non pandemica, mettevamo in luce questa tradizionale messinscena pensata nel 1998 da Tullio Pericoli autore delle colorate, naïf e fiabesche scene, con i relativi costumi perfettamente in sintonia con la bellissima scenografia. Una delicatezza d'insieme che è perfettamente appropriata con i personaggi che entrano in gioco, pensati e inseriti nel semplice ma efficace libretto di Felice Romani. L'ottima regia di Grischa Asagaroff e le luci di Hans-Rudolf Kunz riprese da Marco Filibeck, ben sottolineano le caratteristiche dei protagonisti in questi bellissimi quadri dominati da una leggerezza funzionale a sottolineare la vicenda e soprattutto la musica del grande bergamasco, musica che è stata diretta ottimamente ancora da Michele Gamba. Il giovane eclettico direttore d'orchestra, esperto anche di musica contemporanea - dopodomani dirigerà alla Scala musica contemporanea- ha certamente dimostrato di essere in sintonia col repertorio lirico otticentesco, esprimendo grande equilibrio e spessore nei momenti più importanti dell'opera e trovando una convincente visione complessiva della piacevole vicenda a lieto fine. Nella seconda rappresentazione, vista ed ascoltata nel pomeriggio, i due principali protagonisti sono subentrati inaspettatamente sostituendo gli indisposti Aida Garifullina e Paolo Fanale. Si tratta di Benedetta Torre nel ruolo di Adina e di Francesco Meli in Nemorino. Ottime le loro interpretazioni. Il Nemorino di Meli, la voce più applaudita, con una memorabile "Una furtiva lagrima", seguita da alcuni minuti di applausi, - tanto che sembrava dovesse replicarla- è in perfetta sintonia con il personaggio. Meli ha una voce timbricamente perfetta in ogni registro che utilizza, e sopperisce la normale volumetria sonora di cui è dotato, con capacità espressive superlative nel modulare tutte le altezze sonore. Valida anche attorialmente il soprano Benedetta Torre. La sua Adina ha convinto. Specie nei toni più alti mostra perfetta intonazione nell'esprimere con sicurezza ed espressività il suo ruolo. (prime foto di Brescia e Amisano- Archivio Scala) Efficace anche Davide Luciano in Belcore, una voce corposa e dettagliata. Adeguato il Dottor Dulcamara di Giulio Mastrototaro, molto bravo attorialmente. Di qualità la Giannetta di Francesca Pia Vitale. Ottime le mimiche di Davide Gasparro, accompagnatore di Dulcamara, e bravissimo alla tombra, sul palcoscenico, Gianni Dallaturca. Ottima la parte corale curata da Alberto Malazzi e il fortepiano di Beatrice Benzi. Le prossime repliche sono previste per il 17, il 21 e il 23 novembre. Da non perdere!!

14 novembre 2021 Cesare Guzzardella

I Virtuosi Italiani e Alessandro Carbonare al Dal Verme

I Virtuosi Italiani sono tornati puntualmente al Dal Verme per i concerti organizzati da I Pomeriggi Musicali. È una compagine di strumenti ad arco capeggiata dal primo violino e direttore Alberto Martini. Un'eccellenza musicale in questo ambito cameristico ricco di composizioni di moltissimi autori, non solo delle tradizioni più lontane. Ieri pomeriggio, in replica, abbiamo ascoltato tre splendidi lavori per archi. Il primo di rara esecuzione era di Padre Komitas ( 1869-1935), un religioso-musicista armeno che svolse nella sua vita anche un'importantissima ricerca sulla tradizione musicale del suo popolo, diffondendola un po' ovunque. Di particolare profondità le sue Sei melodie per Orchestra d'archi, eseguite ottimamente dai Virtuosi Italiani. Negli espressivi movimenti che compongono i brani, si riconosce la tradizione vocale e popolare che ha costituito le fondamenta della poetica del grande compositore armeno. Il secondo brano in programma, di Carl Maria von Weber(1786-1826), ha visto come protagonista l'eccellente clarinettista Alessandro Carbonare per il Quintetto per clarinetto ed archi in un'ottima versione con Orchestra d'Archi. Gli efficaci quattro movimenti che compongono il noto lavoro, sono stati resi con efficace espressività da Carbonare, coadiuvato splendidamente dai colori orchestrali di ogni sezione. Bellissimo il bis concesso dal clarinettista con l'ausilio degli archi. Un lavoro della tradizione Klezmer, con un tema iniziale per solo clarinetto ispirato e incisivo che ha ancor più rivelato le qualità virtuosiste del solista. A conclusione del programma ufficiale la giovanile Simple Symphony per archi op.4 di Benjamin Britten ha evidenziato, unitamente alle qualità del grande compositore inglese, anche quelle coloristiche de I Virtuosi Italiani, dei quali ricordiamo oltre al violinista e concertatore Martini, almeno l'eccellente prima viola Flavio Ghilardi. Di qualità i bis concessi: prima una trascrizione strepitosa per orchestra d'archi del noto brano pianistico dal film The Piano - The Heart Asks Pleasure First di Michael Nyman e poi un incisivo Presto, terzo movimento dall' Estate dalle Quattro Stagioni di Antonio Vivaldi. Applausi fragorosi ai protagonisti. Da ricordare.

14 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Josef Edoardo Mossali per la Società dei Concerti

Doveva esserci la giovanissima Alexandra Dovgan sul palcoscenico di Sala Verdi in Conservatorio, una straordinaria pianista quattordicenne russa già famosa e molto attesa. Problemi legati alla pandemia non le hanno permesso di essere presente. L'ha sostituita in extremis il giovane pianista ventenne Josef Edoardo Mossali, recentemente semifinalista del "Premio Internazionale Antonio Mormone", e vincitore di numerosi altri concorsi internazionali, dove ha rivelato le sue indubbie qualità virtuosistiche. Un impaginato variegato, all'insegna delle difficoltà trascendentali, specie nella seconda parte della serata, con brani di Beethoven, Chopin e poi di Liszt e Brahms-Paganini, ci ha permesso di conoscerlo e di godere appieno la sua performance, espressa con notevole esuberanza. La Sonata op 81a "Les adieux" di Beethoven, introduttiva alla serata, ha avuto un buon inizio di concerto con momenti superlativi nel Vivacissimamente (Das Wiedersehen) finale. La Ballata n.4 in fa minore op. 52 del grande polacco ha trovato sensibili e leggere mani. L'evidente discorsività nel fraseggio di Mossali hanno portato ad un'ottima interpretazione. Con Liszt prima, nella sua Dante Sonata e con Brahms e le sue Variazioni su un tema di Paganini ( libro 2), abbiamo colto pienamente la cifra virtuosistica del giovane talentuoso pianista. L'incredibile scorrevolezza delle dita sulla tastiera, sempre orientate all'ottenimento di un tempo perfetto, ha rivelato potenzialità che raggiungerano probabilmente molto presto l'obiettivo in termini di profondità espressiva. Momenti di alta resa interpretativa sono emersi laddove le strutture complesse musicali si risolvono con l'esercizio meccanico e di articolazione digitale. Alcune variazioni sul tema di Paganini hanno raggiunto vette di precisione ed equilibrio non disgiunti da notevole espressività. Solo in alcune situazioni è mancata una certa maggiore riflessività, che darebbe più respiro ai brani. Ben quattro i bis concessi: un valido Studio di Chopin (Op.25 n.1), due trascrizioni di Pletnev dallo Schiaccianoci di Čaikovskij, tra cui la nota Marcia, e una splendida La Campanella di Paganini-Liszt. Un pianista da seguire costantemente. Ottima serata.

11- 11- 2021 Cesare Guzzardella

Il MDI Ensemble per la Società del Quartetto

Nel panorama dei concerti organizzati dalla Società del Quartetto, da alcuni anni gioca un ruolo importante la musica moderna e contemporanea. Per moderna intendiamo quella musica che nei primi anni del '900, con figure storiche della composizione come Schönberg, Berg e Webern -la cosiddetta Seconda Scuola di Vienna- dà inizio ad un cambiamento radicale del linguaggio, passando dalla tonalità all'atonalità, attraverso la dodecafonia. L'interessante impaginato proposto dal gruppo cameristico MDI Ensemble- per un importante lavoro diretto da Marco Angius- prevedeva brani di questi grandi compositori unitamente al più recente Arlequin Poupí per pianoforte e cinque strumenti (2010) di Sylvano Bussotti (1931-2021), brano composto specificatamente per il MDI Ensemble. Dai Quattro pezzi op.5 per clarinetto e pianoforte (1913) di Alban Berg, al Trio op.20 per violino, viola e violoncello (1926-27) di Anton Webern, siamo andati indietro nel tempo per arrivare al 1906 con la Kammersymphonie in La maggiore op.9 di Arnold Schönberg, brano in cinque parti - ascoltata nella versione per 5 strumenti (1922-23) curata da Webern- che con tonalità d'impianto risente ancora degli influssi del tardo romanticismo, Brahms prima di tutti, uscendo però spesso dagli schemi della tradizione ottocentesca per proiettarsi nel futuro atonale. Le esecuzioni restituite dall'eccellente gruppo cameristico, nelle differenti formazioni proposte, hanno evidenziato la predisposizione naturale delle nuove generazioni ad accostarsi ad una musica che rimane ancora di non facile ascolto, per gran parte del pubblico che frequenta le sale da concerto. Nel duo clarinetto-pianoforte di Berg segnaliamo le qualità del pianista Luca Ieracitano e del clarnettista Paolo Casiraghi, entrambi presenti negli ulteriori brani. Ottima l'esecuzione del Trio op.20 di Webern ad opera di Lorenzo Gentili-Tedeschi, violino, Paolo Fumagalli, viola e Giorgio Casati, violoncello. Splendida l'Op.9 di Schönberg. Dopo il breve intervallo, uno stacco di oltre ottant'anni dai lavori ascoltati ci ha portato a Sylvano Bussotti e al suo Arlequin Poupí. Nel lavoro del compositore toscano recentemente scomparso, la componente gestuale e d'effetto gioca un ruolo fondamentale. Il pianoforte, con le eccellenti sonorità fornite da Ieracitano, ha un ruolo centrale, mentre gli strumenti presenti, dai tre archi ai flauti dell'ottima Sonia Formenti, ai clarinetti del già citato Casiraghi, ruotano, spesso alternandosi, per definire un lavoro elegante e di importante pregnanza espressiva. Progressivamente, a turno, gli strumentisti terminano in modo tronco la loro parte ed escono di scena. Ultimo ad uscire, naturalmente il pianista. Brano clou, e più preponderante della serata, con i suoi quasi quaranta minuti di durata, è stato l'ultimo, il celebre Pierrot lunaire op.22 (1912) di Schönberg. Oltre alla direzione accurata di uno specialista quale Marcus Angius, protagonista è stata la voce recitante della bravissima Cristina Zavalloni, una cantante specializzata nel repertorio novecentesco, jazz compreso, e nel contemporaneo. La bellissima, espressiva musica del capo-scuola Schönberg, ha trovato ottimi interpreti ad attenderla, prima fra tutti la cantante, che nel particolare ruolo di canto-recitato si è trovata perfettamente, grazie anche alle sue qualità mimiche e attoriali. Un' interpretazione complessiva luminosa e ricca di sfumature per un lavoro oramai diventato un classico del Novecento. Applausi intensi al termine dal numeroso pubblico intervenuto in Sala Verdi del Conservatorio. Un breve bis con la ripetizione di una sequenza del Pierrot. Da ricordare.

10 novembre 2021   Cesare Guzzardella

IL FESTIVAL STRING LUCERNE E LEIA ZHU INAUGURANO A NOVARA LA 41° STAGIONE DEL FESTIVAL CANTELLI

Ieri sera 9 novembre a Novara era doveroso vincere quei timori che ancora assillano per un Covid tutt’altro che debellato, per andare ad ascoltare, al Teatro Faraggiana, il concerto inaugurale del Festival Cantelli 2021/22, organizzato da quella che da settantacinque anni è la più autorevole e prestigiosa società musicale della città, l’Associazione Amici della Musica Cocito (dal cognome del suo benemerito fondatore). Chi scrive era la prima volta dallo scoppio della pandemia che rimetteva piede in una sala da concerto per ascoltare musica dal vivo e l’ingresso in un palco del Faraggiana è stato una sorta di rito di rinascita. A rallegrare ulteriormente l’animo dello scrivente c’era, tra il pubblico (buona l’affluenza) una folta, mai veduta prima, presenza di giovani e giovanissimi, lieto augurio di giorni migliori per noi e per il mondo dello spettacolo, soprattutto quello musicale. Il programma della serata vedeva due protagonisti: lo svizzero complesso orchestrale da camera (di soli archi) Festival Strings Lucerne che, nato nel 56, si è conquistato in più di sessant’anni di attività, larga fama internazionale ed è attualmente guidato dal violinista australiano-cinese Daniel Dodds, nel ruolo di konzertmeister (quindi l’orchestra non ha un direttore che salga sul podio), coerentemente con la volontà dei fondatori dell’orchestra di rinverdire le tradizioni musicali del mondo austro-tedesco. L’altra protagonista era Leia Zhu, quindicenne violinista anglo-cinese, astro nascente del firmamento musicale internazionale, nonostante l’ancor giovanissima età. L’impaginato proponeva quattro composizioni: la” Suite n.3 di antiche arie e danze per soli archi”, una delle opere più celebri di O. Respighi, risalente al 1931; una versione per violino e orchestra della “Suite Italienne” di I. Stravinsky, formata da brani ricavati dalla musica per il balletto “Pulcinella”; la “Fantasia su temi del Faust di Gounod”op. 20 del “Paganini polacco” H. Wieniawski, in un arrangiamento per violino e orchestra ; infine di P.I. Ciajkovskij la “Serenata per orchestra d’archi in Do maggiore op.46”. Come balza subito all’occhio, salvo il brano di Wieniawski, inserito nel programma, immaginiamo, per permettere a Leia Zhu di sfoggiare il meglio del suo repertorio tecnico ,l’impaginato segue un filo conduttore molto coerente che lega le altre tre opere e cioè una delle tendenze principali della musica europea tra ‘800 e ‘900, quel ‘ritorno al passato’ tra XVII e XVIII secolo, cui si guarda per attingere nuove linfe da immettere in un linguaggio musicale, quello classico-romantico, ormai logorato: ed ecco Respighi e Stravinsky, sia pur in forme assai diverse, recuperare la secolare tradizione italiana, il grande russo volgersi a quello che fu sempre per lui uno dei musicisti del passato più ammirati, Mozart. Il Festival Strings ha una qualità che spicca su tutte e che subito ammalia i sensi dell’ascoltatore: un suono di luminosa trasparenza, calibratissimo sulle minime sfumature timbriche e dalle dinamiche variegate e intensamente espressive. Questa caratteristica ha reso ieri possibile una delle esecuzioni più belle da noi mai ascoltate della Serenata di Ciajkovskij, che di mozartiano, in verità, non ha nulla se guardiamo al linguaggio musicale sotto il suo profilo strettamente tecnico: Mozart per il russo significa soprattutto evocazione di un mondo di grazia e dolcezza, di leggerezza ed apollineo equilibrio compositivo, nel quale trovar rifugio per il suo animo tormentato: sono proprio queste grazia e dolcezza, appena increspate dall’affiorare di una lieve malinconia (con l’eco ripetuta di un tema-chiave dell’Oneghin) che gli Stringers di Lucerna  sanno far cantare con straordinaria bravura. La scelta, poi, dei violoncelli a tre e un solo contrabbasso conferisce al registro degli archi gravi un colore morbido e vellutato, ideale, ad esempio, per portare in primo piano un tratto essenziale della ricerca di nuove risorse coloristiche, languidamente decadenti, di Respighi, con un’esecuzione, davvero incantevole dei due pezzi centrali della suite, “Arie di corte” e “Siciliana”. Ma il suono dell’orchestra svizzera sa anche dar voce alla severa austerità di una passacaglia, l’ultimo movimento della suite di Respighi, o alla grandiosità del tema da corale che ricorre nel finale della serenata ciajkovskijana. Insomma, una splendida orchestra da camera, che ci augureremmo di ascoltare più spesso (dal vivo!). E veniamo, last but not least a Leia Zhu. Confessiamo che ci aspettavamo la solita enfant prodige cinese, tutta sbalorditiva bravura tecnica e zero capacità interpretativa ed espressiva. Grande è stata la nostra sorpresa nell’ascoltarla: Leia ha già maturato un suo suono, una sua capacità di rendere le acrobazie tecniche non un fine spettacolare a sé, ma un mezzo per dare voce a un sentimento, a un’emozione, a un mondo spirituale evocato dal suono. La sua cavata è intensa, soprattutto cristallina nel suono, anche nel registro sovracuto, o nelle rapidissime scale e nei trilli, ma quello che più ci ha colpito è la sua eccellente capacità di variare le dinamiche con matura sapienza, colorando e tornendo un suono sempre ricco di sfumature e di chiaroscuri. Da qui la bellissima resa interpretativa di passi come la Serenata e la Gavotta della Suite Italienne , ma anche il brano più accesamente virtuosistico della Fantasia di Wieniawski usciva dal violino di Leia Zhu non come uno stucchevole numero ad effetto, ma come un’interpretazione efficace e coinvolgente di alcuni dei momenti più drammatici o patetici dell’opera di Gounod. Davvero un bellissimo concerto di apertura di una stagione, che ci auguriamo davvero il mostro del coronavirus non debba turbare. Gli scroscianti applausi del pubblico e l’entusiasmo dei giovani presenti sono il meritato tributo ad una serata che ricorderemo. Attendiamo con gioia il prossimo concerto del Festival Cantelli, il 29 novembre: ospite al Faraggiana sarà il grande pianista italiano Michele Campanella.

(Foto di Ettore Borri)

10 novembre 2021 Bruno Busca

 

Zlata Chochieva alle Serate Musicali

Da alcuni anni la pianista Zlata Chochieva è una costante presenza in Conservatorio ai concerti organizzati da Serate Musicali. Zlata è nata a Mosca ma è residente da tempo a Berlino. Ieri sera, in Sala Verdi, ha impaginato un programma di particolare interesse per la composizione dei brani scelti, alcuni di rara esecuzione. La maggior parte sono rielaborazioni o trascrizioni fatte da grandi pianisti del passato - e non solo pianisti- , quali Franz Liszt, Ignaz Friedman e Sergej Rachmaninov. Nella parte centrale della serata, la corposa suite in cinque parti Miroirs op.43, di Maurice Ravel, era l'unico lavoro originale. Brani di Grazioli, Bach, Mahler, Schubert, Mendelssohn e Gartner, quasi tutti estrapolati da lavori più ampi, sono stati ripensati virtuosisticamente dai pianisti-compositori sopracitati e hanno trovato in Zlata Chochieva un'inteprete eccellente per qualità espresse. La virtuosa, allieva in passato anche di Pletnev, ha rivelato facilità interpretativa anche nei frangenti più complessi. I brani, presenti anche in un suo recente Cd, si sono succeduti senza la classica interruzione di metà concerto. Il primo era un rarissimo Adagio, da una sonata per clavicembalo di G.B.Grazioli ( 1746-1820), trascritto da Ignaz Friedman (1882-1948), storico interprete che frequentò i corsi di Ferruccio Busoni. Il celebre Allegro iniziale, dal Concerto Brandeburghese n.3 di J.S.Bach- rivisto ancora da Friedman- ha rivelato ancor più le qualità virtuosistiche ed espressive della Chochieva. Dopo l'ottimo Tempo di Minuetto dalla Terza Sinfonia di Gustav Mahler, sempre nella trascrizione di Friedman, la pianista ha rivelato sensibilità ai colori di Ravel nelle celebri Miroirs, composti dal francese tra il 1904 e il 1905. Un'interpretazione precisa, sicura, all'insegna della delicatezza e della tenue espressività. Di ottimo livello anche i tre lieder di Schubert rivisti da Liszt, precisamente Wohin?, Litaney e Auf dem Wasser zu singen. Ancor più coinvolgente il lied di Mendelssohn-Liszt Auf Flügeln des Gesanges. A conclusione del programma ufficiale, prima un impeccabile Scherzo dal mendelssohniano Sogno di una notte di mezza estate, nella virtuosistica trascrizione di Rachmaninov e poi, dalle rarissime Sei danze viennesi di Eduard Gartner (1862-1918), il Tempo di Valse lente rivisto sempre da Friedman. Fragorosi gli applausi del pubblico intervenuto in Sala Verdi, purtroppo non numerosissimo, e due i bis concessi dalla bravissima e bella interprete: prima la nota Gopak di M.Musorgskij- Rachmaninov e quindi una rarissima, iper-virtuosistica e stravolgente Toccata del francese Pierre Sancan (1916- 2008). Ancora applausi fragorosi. Da ricordare

9 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Nobuyoki Tsujii con la Sinfonica Verdi in Auditorium

Il concerto dell'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi" tenuto in questi giorni ed ascoltato nella replica di domenica pomeriggio era diretto da Robert Trevino ed ha avuto come protagonista il pianista giapponese - cieco dalla nascita- Nobuyoki Tsujii, noto in tutto il mondo per le sue qualità d'interprete decretate con la vittoria del Concorso Internazionale "Van Cliburn" nel 2009. Il Concerto per pianoforte e tromba n.1 in Do minore op.35 di Dmitri Šostakoviç eseguito nella prima parte del sostanzioso concerto dell'Auditorium, ha trovato una parte solistica importante anche nella tromba di Alessandro Caruana, ottimo per chiarezza espressiva. La valida direzione di Trevino è riuscita ad evidenziare le qualità di Nobo. Le sue timbriche luminose, precise e ricche di sonorità, hanno rivelato ogni dettaglio del profondo lavoro che il grande musicista russo compose nel 1933. Un concerto tutto sommato breve nella durata, pur essendo in quattro movimenti, ma ricchissimo nei contenuti, con un Lento (secondo movimento) di espressività assoluta. Splendida la resa complessiva del concerto e due i bis pianistici concessi dall'eccellente interprete. Prima Chopin con la celebre Berceuse op.57 e poi di Liszt-Paganini la celebre La Campanella. Splendidi. Dopo l'intervallo, di qualità la direzione dello statunitense Trevino e ottima prova degli orchestrali, nella Sinfonia n.3 in la minore op.56 "Scozzese" di F. Mendelsshon. Prossimo concerto in Auditorium previsto per l'11-12-14 novembre con il Messiah di Händel diretto da Ruben Jais, con quattro voci soliste importanti.

7 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Successo alla Scala per La Calisto di Francesco Cavalli

Prosegue al Teatro alla Scala la messinscena de La Calisto di Francesco Cavalli. Il teatro d'opera post-monteverdiano è tornato a risplendere con questo lavoro in un Prologo e tre Atti, su libretto di Giovanni Faustini, tratto dalle Metamorfosi di Ovidio. Presentata a Venezia al Teatro Sant'Apollinare nel 1651, si rivela ben 370 anni dopo a Milano, con l'ottima regia di David McVicar, con le valide scene di Charles Edwards, i costumi d'epoca secenteschi di Doey Lüthi e l'avvincente direzione musicale di Christophe Rousset -tra i massimi esperti di repertorio barocco- alle testa di una formazione orchestrale che ha unito strumentisti dell'Orchestra del Teatro alla Scala con i suoi dei Les Talens Lyriques, tutti impegnati su strumenti storici. La terza rappresentazione, ascoltata e vista ieri sera, ha rinnovato il successo delle precedenti. La coerenza di un lavoro estremamente unitario nella molteplicità degli interventi - comprese le ottime luci di Adam Silverman, la coreografia di Jo Meredith, perfettamente inserita nel contesto scenografico, e anche i non pochi ed efficaci video di Bob Vale- ha contribuito in modo sostanziale alla riuscita di quest'opera barocca, certamente di non facile lettura per la molteplicità di angolazioni da cui può essere osservata ed analizzata. Le argomentazioni trattate, di straordinaria attualità pur appartenendo alla mitologia classica, spaziano tra erotismo, abusi di potere con relative punizioni, metamorfosi e tradimenti. Gli interventi attoriali di tutti i protagonisti, spesso resi ancor più efficaci dai ridondanti ed eccellenti costumi, non sono da meno rispetto alle ottime voci del valido cast internazionale. Cast che ha avuto modo di rivelarsi ancor più grazie alla passerella che corre attorno alla buca dell’orchestra, collegando il palcoscenico alla platea. Tra i cantanti, tutti di qualità, segnaliamo almeno il soprano israeliano Chen Reiss nei panni della protagonista, Calisto. Sensuale e leggera ha voce con bel timbro, luminoso e limpido in tutti i registri. Autorevole, con timbriche scure ed incisive, Giove nella voce del basso Luca Tittoto. Di qualità per il modo diretto di comunicare, il Mercurio del baritono Markus Werba; Olga Bezsmertna è un'ottima Diana, un soprano ricco di sonorità specie nei timbri più alti.(Foto di Brescia - Amisano- Arch. Scala)Molto apprezzato dal pubblico presente in teatro il controtenore Christophe Dumaux, un Endimione timbricamente espressivo e ben inserito nel suo ruolo. Perfettamente a suo agio nel severo costume, il soprano Véronique Gens si è rivelata una Giunone particolarmente valida. Di imponente presenza scenica ha espresso una timbrica chiara, asciutta e determinata. Di spessore e meritevoli tutte le altre numerose voci presenti. Ricordiamo le prossime recite previste per il 10 e il 13 novembre. Uno spettacolo assolutamente da non perdere.

6 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Concerto pianistico straordinario di Daniel Barenboim alla Scala

Un bel regalo il Concerto Straordinario donato al pubblico scaligero, in sostituzione dei concerti sinfonici programmati per il 3 e il 4 novembre al Teatro alla Scala e improvvisamente cancellati. "(...) Un caso sospetto di positività al Covid-19 nella Staatskapelle Berlin è stato rilevato nel pomeriggio e la direzione del Piermarini, in accordo con la Staatsoper Unter den Linden, ha scelto di rimandare a data da definirsi la prevista integrale delle quattro Sinfonie di Brahms per garantire la massima sicurezza ad orchestrali, maestranze scaligere e pubblico ...".Questo il messaggio arrivato: e immediata è stata la risposta del grande direttore ed eccelso pianista,che ha deciso di anticipare a ieri sera il concerto con le ultime tre Sonate di Beethoven, precisamente la n.30 op.109 in Mi maggiore, la n.31 Op.110 in La bem.maggiore e la n.32 op.111 in Do minore. Tre capolavori che, al pari degli ultimi quartetti per archi o della Sinfonia n.9, rappresentano la fine di un ciclo di produzioni in cui vengono raggiunte le più alte vette artistiche. Daniel Barenboim, ritornato al Teatro alla Scala - quello che alcuni anni fa era diventato il suo Teatro - ha condiviso con gli ascoltatori la forza dirompente delle ultime sonate pianistiche del genio tedesco. Una forza espressa dal direttore-pianista con un'apparente discrezione nei volumi sonori, un taglio stilistico tenue, che ha reso altresì evidente l'interiorizzazione totale degli elementi melodici e armonici. Piccole smagliature, peraltro rarissime, non hanno certo influito sulla resa intensamente espressiva delle tre celebri composizioni. Il pianista argentino ha fatto vivere al pubblico presente alcuni momenti di altissime esternazioni, in un contesto complessivo di elevata rielaborazione musicale. Rimarrà un ricordo indelebile il chiarissimo finale dell'op.111, magnificamente intenso e conclusivo. Nessun bis dopo le straordinarie ultime note, ma solo fragorosi e lunghissimi applausi, ad accompagnare le numerose uscite in palcoscenico del Maestro. Eccellente serata!

5 novembre 2021 Cesare Guzzardella

Boris Petrushansky per la Società dei Concerti

Il pianista moscovita Boris Petrushansky ha tenuto ieri sera un recital per la Società dei Concerti in Conservatorio, affrontando due lavori importanti, impegnativi e corposi di Robert Schumann e di Modest Musorgskij. Davidsbündlertänze op.6, del musicista tedesco, eseguita nella prima parte del concerto, è una serie di diciotto brevi miniature composte nel 1837. Sono nel pieno stile romantico del compositore. I Quadri di un'esposizione, del grande compositore russo, datano invece 1873. L'ampia suite fu ispirata dai disegni e dagli acquerelli prodotti da Hartmann e destinati poi ad una grande mostra dalla quale Musorgskij prese ispirazione per realizzare il celebre lavoro. Rapprentano un deciso allontanamento dal linguaggio romantico. Due lavori molto in contrasto tra loro che il pianista russo, che da molti anni vive in Italia dove opera anche attraverso un'intensa attività didattica nella nota scuola specialistica di Imola, ha voluto unire in un medesimo impaginato, probabilmente per dare al concerto una possibilità di ascolto diversificato. Petrushansky ha evidenziato, ancora una volta, le sue eccelenti qualità espressive attraverso letture particolarmente analitiche che mettono in risalto gli elementi strutturali dei lavori. I tempi sono spesso dilatati, a vantaggio di una chiarezza espressiva che evidenzia i dettagli, e i colori sono apparsi, in entrambe le composizioni, molto nitidi. Esecuzioni quindi valide e personali . Specie nei Quadri, il noto interprete ha restituito la sua anima musicale russa attraverso una ricchezza di particolari e di contrasti evidenti. Il pubblico ha decisamente apprezzato l'ottima performance pianistica del Maestro, tributando fragorosi applausi al termine del programma ufficiale. Petrushansky ha concesso poi ben tre bis: di S.Prokofiev Suggestioni Diaboliche, di Claude Debussy Minstrels e, a conclusione, di Domenico Scarlatti la Sonata "Pastorale" K 9. Ottime interpretazioni. Da ricordare.

4 novembre 2021 Cesare Guzzardella

L'Accademia dell'Annunciata e Mario Brunello per la Società del Quartetto

È tornato in Conservatorio, dopo pochi giorni dalla sua presenza con Giovanni Sollima, Mario Brunello. Questa volta con la compagine barocca L'Accademia dell'Annunciata, diretta da Riccardo Doni, anche cembalista, per un programma incentrato sul barocco settecentesco. Compositore di riferimento della serata di Sala Verdi è stato Giuseppe Tartini (1692-1770), con i suoi Concerti in La maggiore e in Re maggiore entrambi per violoncello piccolo, archi e basso continuo, ma anche nel brano rivisto da Respighi con la Pastorale dalla Sonata tartiniana, con L'antro dell'orco del milanese Vanni Moretto (1967), liberamente tratto da L'Arte dell'arco di Tartini e con Giulio Meneghini (1741-1824) e la sua traduzione in Concertone dalle Sonate tartiniane. Inframmezzato a questi lavori un Concerto, ancora per violoncello piccolo e archi, del bolognese Antonio Vandini (1690-1778), contemporaneo di Tartini. Una serata valida sotto ogni aspetto, che ha stimolato il pubblico di appassionati intervenuti per un ascolto dal sapore antico, nelle bellissime timbriche del prezioso cello piccolo di Mario Brunello e in quelle degli archi armonizzati dal cembalo a dal liuto. Particolarmente riuscita l'elaborazione musicale di Moretto, uno Scherzo di suggestivo impatto creativo. Il suo "L'antro dell'orco" ritrova lo stile antico di Tartini, unitamente ad una serie di timbriche contemporanee con utilizzo attualizzato degli strumenti ad arco e con la presenza di artifizi coloristici e percussivi che rendono particolarmente suggestiva la sua composizione. Un brano incentrato su una serie di Variazioni originate dal tema di Tartini, esguite molto bene nell'ottima direzione di Doni e nella resa interpretativa di Brunello. Fragorosi applausi al termine del programma ufficiale e due i bis concessi con una graziosissima Furlana di Tartini e un valido Bach con il movimento centrale, Largo, dal noto Concerto in fa minore BWV 1056. Serata da ricordare.

3 novembre 2021 Cesare Guzzardella

OTTOBRE 2021

L'Orchestra del Teatro Carlo Felice diretta da Alessandro Cadario

Un impaginato pieno di colori quello scelto da Alessandro Cadario alla guida dell'Orchestra del Teatro Carlo Felice di Genova. Al Teatro dal Verme la compagine genovese ha rivelato a noi milanesi le sue eccellenti qualità timbriche, in ogni sezione orchestrale. Per farlo ha scelto d'interpretare brani di primo '900 di Respighi, Stravinskij e Ravel, tutti compositori che dell'espressività coloristica, in ambito orchestrale, primeggiano. Il Trittico Botticelliano, d'ispirazione vivaldiana, di Respighi ha introdotto, in replica, il tardo pomeriggio di ieri. La Suite n.1 e n.2 di Stravinskij ha espresso il lato più cameristico del russo, mentre le musiche dal balletto Ma Mère l'Oye di Maurice Ravel hanno reso il concerto ancor più interessante per quanto concerne le abilità di orchestrazione e di espressione coloristica. Gli artefici di questo ottimo concerto, il direttore Cadario e gli orchestrali genovesi, hanno dato prova di grande capacità coloristica. Le sottili dinamiche, ricche di luminosità ed espressione, si sono rivelate soprattutto in Respighi e in Ravel e le qualità dei solisti dell'orchestra nelle originali suite di Stravinskij. Insomma, un concerto che andava ascoltato e restituito almeno dalle mie poche righe. Da ricordare.

31 ottobre 202 Cesare Guzzardella

Mario Brunello e Giovanni Sollima alle Serate Musicali

È uno spettacolo diverso, particolare e anche divertente, quello che stanno portando in giro per l'Italia i due talentuosi violoncellisti Mario Brunello e Giovanni Sollima. Con quattro violoncelli sul palcoscenico alternati per l'occasione, hanno presentato in Sala Verdi in modo scherzoso la loro performance, giocando con la parola "falso" e dimostrando poi che con i loro strumenti di quattro, a volte cinque corde, si può fare di tutto. Entrambi sessantenni, (del 1962 il compositore palermitano Sollima e del 1960 il veneto - di Castelfranco- Brunello) sono noti in tutto il mondo per le loro eccellenti qualità di strumentisti. La fama di Sollima riguarda anche le sue belle e mediterranee composizioni. Insieme hanno impaginato un programma articolato dove, tra Verdi con le arie più celebri di Traviata, Stravinskij con la nota Suite Italienne, Bach con l'arcinota Ciaccona dalla Partita n.2, hanno inserito la splendida composizione di Sollima "The Hunting Sonata" e rarità di Antonio Bertali ( 1606-1669) e Giovanni Battista Costanzi ( 1704-1778). Concludendo poi con il classico dei Queen "Bohemian Rapsody" in una trascrizione raffinata ed espressiva per due celli. Il numeroso pubblico intervenuto in Conservatorio - molti giovani e giovanissimi - , ha potuto apprezzare le raffinatezze delle timbriche sottili dei due interpreti. Alternandosi spesso nelle parti melodiche e completando le armonie con un eccellente "basso continuo" i due anticonformisti interpreti, con la presenza mimica accentuata del "mediterraneo", hanno fatto miracoli restituendo capolavori nella loro integrità espressiva. La Sonata nuova di Giovanni Sollima ha poi, ancora una volta, rivelato le qualità compositive del musicista. Melodie sinuose, con timbriche arabeggianti ricche di glissando e toni sottili - anche quarti di tono- serpeggiano in un contesto armonico tonale, comprensivo e suggestivo. Ottimo lavoro. Tripudio di applausi al termine, con i violoncelli alzati in aria, gesto molto apprezzato in quanto simpatico simbolo del trionfo della Musica. Concerto indimenticabile.

29-10-2021 Cesare Guzzardella

 

Rudolf Buchbinder e le Diabelli Variations

Finalmente è tornato Rudolf Buchbinder in Sala Verdi, nel Conservatorio milanese, per un concerto organizzato dalla Società dei Concerti. Buchbinder, tra i più assidui pianisti presenti alle serate della nota società concertistica, ha voluto ritornare al suo amato Beethoven con le celebri 33 Variazioni su un Walzer di Diabelli op. 120. La serata ha avuto motivo di grande interesse anche per l'anticipazione musicale avvenuta nell' ambito del The Diabelli Project. Un progetto voluto da Buchbinder per omaggiare Diabelli, comissionando nuove variazioni sul celebre tema a 12 compositori contemporanei. Ieri sera sono state eseguite quattro variazioni rispettivamente di Brett Dean (1961, di Toshio Hosokawa (1955), di Tan Dun (1957) e di Jörg Widmann (1973). Lavori interessanti e molto differenti tra loro. Di grande impatto timbrico la prima di B.Dean e decisamente scherzosa la parodia elaborata da J.Widmann. A questo momento di "musica contemporanea", sempre nella prima parte della serata, ha fatto seguito l'esecuzione di Variazioni sul tema di quattro musicisti del periodo di Diabelli quali Kalkbrenner, Liszt, Schubert e Czerny, tutte pregievoli e ottimamente interpretate dal pianista austriaco. Dopo il breve intervallo, l'ascolto delle più celebri Diabelli Variations beethoveniane, ha fatto ancora una volta apprezzare, al numeroso pubblico di Sala Verdi, le qualità di Buchbinder. Interprete celebre per la sua assiduità nel frequentare le opere dei grandi autori classici della prima Scuola di Vienna, anche nelle Diabelli ha rivelato la sua cifra stilistica di grande interprete. La sintesi discorsiva operata nell'eseguire le 33 variazioni non è stata dsgiunta da fluidità ed espressività. Vette molto elevate sono state raggiunte in moltissime variazioni, dove il perfetto equilibrio delle dinamiche e i rilievi espressivi sono stati mediati da tocco leggero e luminosissimo. Grande interpretazione! Al termine un bis concesso con un eccellente Improvviso di Schubert, il N.4 dall'op.90. Da ricordare.

28 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

 Alexander Malofeev per la Società del Quartetto

Avevamo ascoltato Alexander Malofeev nel febbraio del 2019 in uno splendido e variegato concerto (Beethoven, Ravel, Rachmaninov, Čaikovskij e Prokof'ev) in Sala Verdi e poi ancora nell'ottobre dello stesso anno alla Scala con il celebre Rach 3. Sono passati due anni e l'attuale ventenne pianista moscovita ha mostrato i suoi straordinari progressi virtuosistici in un concerto organizzato dalla Società del Quartetto. Ha scelto un programma particolare, con tre brani di raro ascolto. Probabilmente il brano più noto era la Sonata in la minore D 785 di Franz Schubert, eseguita ad introduzione; mentre la Sonata n.5 in sol minore op.22 del russo Nikolaj Medtner, composta nel 1910, rappresenta un'autentica rarità interpretativa milanese. Dopo il breve intervallo anche la corposa Sonata n.1 in re minore op.28 di Sergej Rachmaninov ha rappresentato un'inconsueta presenza nelle sale da concerto. Malofeev ha affrontato i tre difficili lavori con una sicurezza sorprendente, utilizzando al meglio l'evidente forza delle mani e una mobilità digitale di assoluta precisione, per una ricerca audace di timbriche giocate all'occorrenza anche su sequenze pacate e leggere, in un tessuto dinamico sottile. Il suo Schubert, iniziato con colori marcati, ha trovato poi nell'Andante esternazioni leggere, con momenti di pianissimo quasi impercettibili. Sonate particolarmente difficili le successive, sia quella breve ma ricca di sostanza di Medtner - un unico movimento con un Interludio centrale dalle tinte scure- , sia quella corposa e iper-virtuosistica di Rachmaninov, scritta nal 1906-07, che esprime sonorità "orchestrali" di grande impatto espressivo. Malofeev ha affrontato le indubbie difficolta tecniche con facilità sorprendente, senza mai cedere in termine di precisione ed espressione. Applausi calorosi al termine del programma ufficiale , ma fragorosi e ancor più convinti al termine di ognuno dei sei bis concessi. Tra questi ricordiamo il primo, di Medtner la n.6 dalle Forgotten melodies op.38, quindi il noto Precipitato dalla Sonata n.7 di Prokof'ev, e la trascrizione di Pletnev di Trepak dallo Schiaccianoci di Čaikovskij. Ovazioni al termine.

27 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Fiorenzo Pascalucci alle Serate Musicali

Alle Serate Musicali del Conservatorio milanese il pianista Fiorenzo Pascalucci ha impaginato un programma vario e incentrato soprattutto su brani del primo decennio del '900. Debussy, Ravel, Skrjabin e rarità del lituano Čiurlionis, noto forse maggiormente come pittore, appartengono a questo periodo di trasformazione del linguaggio musicale. Sono brani "visionari", dove i colori, le timbriche, risultano elementi dominanti. Pascalucci ha mostrato di essere in decisa sintonia con questo momento storico, esprimendosi con una sensibilità di tocco non indifferente, mediata da un virtuosismo di elevata sintesi espressiva. Les Estampes e L'isle Joyeuse di Debussy, Jeux d'eau di Ravel, la sorprendente Sonata n.5 op.53 di Skrjabin e, tra i due Debussy, la deliziosa selezione tra le Danze Popolari e i Preludi di Čiurlionis, hanno rivelato l'ottima cifra espressiva del pianista molisano, un interprete raffinato, ricco di qualità. L'ultimo brano in programma, la celebre Rapsodia in blu di George Gershwin era invece del 1924. Splendida ma in contrasto stilistico con i brani precedenti. Pascalucci ha colto della rapsodia soprattutto l'aspetto classico-virtuosistico, tralasciando quello legato al mondo del jazz. Valida ed apprezzata dal pubblico, purtroppo non numeroso, la sua interpretazione. Due i bis concessi: uno splendido Händel con deliziose variazioni - peccato i piccoli inciampi- e un bellissimo e brevissimo Preludio di Skrjabin interpretato in modo eccellente. Ottimo concerto!

26 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Monica Cattarossi e Emanuela Piemonti in Conservatorio per "Musica Maestri"

L'interessante concerto che ha visto in tarda serata le mani, su una tastiera di pianoforte, di Monica Cattarossi e di Emanuela Piemonti, prevedeva brani di Kurtág-Bach, Brahms-Schumann e Beethoven. Brani importanti adattati a "quattro mani", in un pianoforte "orchestrale" per le estensioni che venivano ricoperte. Prima quattro Corali d'organo di Bach trascritti sapientemente dal musicista ungherese Gýorgy Kurtág (1926) quali O Lamm Gottes, unschuldig, Alle Menschen müssen sterben, Allein Gott in der Höh'sei Her e Aus tiefer Not schrei ich zu dir; quindi dell'amburghese, Dieci variazioni op.23 sul "Geister thema", "tema degli spiriti" di Robert Schumann. La parte finale del concerto era riservata a Beethoven, con una superba trascrizione della Grosse Fuge in si bem.maggiore op.134, dalla versione originale per Quartetto d'archi (op.133). Di qualità l'interpretazione ascoltata in Sala Puccini, alla presenza di un numeroso pubblico. Il duo a quattro mani ha rivelato un'ottima intesa nel sostenere le sottili timbriche dei differenti brani di Bach, come la maggiore tensione dinamica di Brahms e ancor più nella coinvolgente op.134 di Beethoven, composta dal grande genio tedesco in piena sordità. Applausi sostenuti al termine e come bis ancora un Kurtág-Bach dalla Cantata BWV 106 "Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit" (Il tempo di Dio è il tempo migliore). Ottima serata.

25 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Ultime recite per Il turco in Italia al Teatro alla Scala

Poco più di duecento anni fa venne rappresentato al Teatro alla Scala "Il turco in Italia". Era il 1814, l'insuccesso di quest'opera rossiniana seguiva al grande interesse suscitato invece dalla più rappresentata "Italiana in Algeri". Negli anni '50 Gavazzeni, la Callas e Zeffirelli cambiarono i giudizi del pubblico e della critica riportando in scena un'opera che venne poi, più recentemente, rivalutata con le interpretazioni di Riccardo Chailly alla fine degli anni '90. La ripresa scaligera di questi giorni, per la direzione musicale di Diego Fasolis, la regia di Roberto Andò, le scene di Gianni Carluccio, i costumi di Nanà Cecchi e i video di Luca Scarzella, riportano l'interesse per questa divertente e riuscita messinscena. Due atti, su libretto di Felice Romani, che oltre alle voci di qualità, rivelano anche le abilità attoriali dei protagonisti. È una valida rappresentazione quella vista ieri sera, con situazioni di rilievo nel secondo atto, quando la componente corale ha un ruolo più esposto ed entrano in scena tutti i protagonisti. Diego Fasolis ha ben diretto la compagine orchestrale, senza mai eccedere nelle volumetrie, e dando il giusto spazio alle voci soliste, voci complessivamente di ottimo livello. Punto di forza è il soprano Rosa Feola, timbricamente perfetta nel ruolo di Donna Fiorilla, con intonazione equilibrata nella sua estensione vocale disinvolta ed incisica. Bravissima anche attorialmente. ( Foto di Brescia e Amisano - Archivio Scala) Di qualità anche il Selim di Erwin Schrott, un basso voluminoso e dinamicamente articolato. Di spessore anche il Geronio di Giulio Mastrototaro, con un fuori scena su un palco molto apprezzato dal pubblico presente in teatro. Ottimi la Zaida di Laura Verrecchia, il Don Narciso di Antonino Siragusa, applaudito fragorosamente nell'aria principale, il Prosdocimo di Alessio Arduini e anche Albazar di Manuel Amati. Prossima recita, l'ultima, per lunedì 25 ottobre. Da non perdere.

23 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Anna Tifu per le Quattro Stagioni di Vivaldi-Richter

È finalmente tornata in Conservatorio la violinista Anna Tifu. Da alcuni anni è ospite immancabile della Società dei Concerti e ieri, in una Sala Verdi con molto pubblico, ha trovato ad attenderla un brano particolarmente diffuso anche nella rivisitazione operata dal compositore-musicista britannico - nato in Germania- Max Richter (1966). Ci riferiamo alle Quattro Stagioni vivaldiane denominate, nella nuova veste, "Vivaldi recomposed". È un'operazione interessante e molto piacevole quella operata dal musicista inglese nel 2012, un lavoro eseguito in tutto il mondo e che ieri ha trovato per l'esecuzione l'eccellente Orchestra d'Archi di Padova e del Veneto diretta per l'occasione da Biagio Angius, uno specialista nel settore contemporaneo. L'ottima interpretazione ha messo in rilievo le qualità di Anna Tifu, che in modo determinato, con grinta e con splendide timbriche, si è unita ai colori ricchi di sfumature dell'orchestra d'archi. La composizione è una sorta di rivisitazione in chiave " minimalista" dei dodici movimenti che compongono le celebri Stagioni. I temi, tutti riconoscibili e spesso assimilabili all'originale lavoro, subiscono cambiamenti in termini armonici e ritmici che mettono in risalto e rendono riconoscibile l'originale linguaggio estetico di Richter. Spesso i movimenti sono troncati in maniera brusca e altre volte terminano in modo sfumato. Applausi sostenuti al termine del brano e due i bis concessi: il primo nella ripetizione dell'energico Presto dall'Estate di Vivaldi-Richter e quindi un ottimo Bach con la celebre Sarabanda (Partita n.2) eseguita con espressività dalla violinista sarda. Nella parte introduttiva del concerto, l'Orchestra aveva ben interpretato il noto Adagietto dalla Quinta Sinfonia di G.Mahler e poi una novità compositiva di Alvise Zambon (1988) dal titolo "Un guardare senza confini" , un lavoro di circa dieci minuti per Orchestra d'archi, che sfrutta tutti i potenziali timbrici di questi strumenti, per una restituzione sonora di suggestiva presa emotiva. Da un inizio che utlizza i glissando degli archi, alla parte finale dove gli elementi più ritmici e maggiori contrasti tra le sezioni degli archi vengono messi in rilievo. Zambon con questo brano ha recentemente vinto il Concorso Nazionale di Composizione "Francesco Agnello", conferito da una giuria presieduta dal Maestro Salvatore Sciarrino. Ottimo lavoro.

21 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Un Salotto Musicale al Teatro alla Scala

Un tardo pomeriggio musicale di qualità quello di ieri al Ridotto dei Palchi "A.Toscanini" del Teatro alla Scala. L'associazione Musica con le Ali in collaborazione col Museo Teatrale alla Scala ha organizzato una serie di concerti denominati "Il Salotto musicale" aventi lo scopo di far conoscere giovani promettenti interpreti che ambiscono ad una carriera professionale nel non facile settore concertistico. La giovanissima Carlotta Maestrini, di soli 15 anni, ha interpretato brani di Beethoven, Sollima e Mendelssohn insieme ad un violoncellista di fama quale Giovanni Sollima. La giovane interprete, vincitrice di numerosi concorsi pianistici e attualmente frequentante i corsi di Andrea Lucchesini presso la Scuola di Musica di Fiesole, ha rivelato indubbie qualità nei tre lavori proposti per violoncello e pianoforte. Due classici quali la Sonata in sol minore n.2 Op. 5 di L.v. Beethoven e la Sonata in si bemolle maggiore n.1 Op.45 di F. Mendelsshon, sono stati inframezzati da un brano di Giovanni Sollima, Il bell'Antonio (tema III), un lavoro intensamente lirico ed espressivo nel tipico stile mediterraneo del musicista siciliano con influssi arabeggianti e interessanti glissandi con quarti di tono. Le indiscusse qualità del violoncellista hanno trovato un appoggio qualitativo ottimo nelle mani disinvolte di Carlotta. La sala, colma di pubblico, ha riservato al termine fragorosi applausi ai protagonisti. Questi hanno concesso un bis ripetendo lo splendido movimento centrale Andante della sonata mendelsshoniana. Il prossimo "Salotto musicale" è previsto per il 19 novembre con il Quartetto Werther in musiche di Mahler e di Strauss. www.musicaconleali.it

20 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

L'Orchestra Cupiditas e Freddy Kempf alle Serate Musicali

L'Orchestra Cupiditas diretta da Pietro Veneri è approdata in Conservatorio per un concerto di estroversa resa musicale, con due lavori noti quali il Concerto in la minore per pianoforte ed orchestra Op.16 di Edvard Grieg e la Settima Sinfonia in la maggiore di L.v.Beethoven. Un programma certamente arduo, considerando la presenza di giovani orchestrali, tutti di età compresa tra i quattordici e i ventotto anni. Sono giovani motivati, provenienti dalle migliori scuole musicali toscane. A rendere ancor più attraente la serata è stata la partecipazione del pianista londinese Freddy Kempf, un virtuoso scoperto ed ospitato moltissime volte da Serate Musicali. Il Concerto in la minore di Grieg è certamente tra i più virtuosistici di quel genere. Kempf ha saputo dominare la tastiera esprimendosi con grinta e con un giusto equilibrio complessivo. L'ottima direzione di Veneri nel sostenere l'appoggio degli orchestrali, ha determinato un'interpretazione di eccellente qualità, dove l'elemento dominante, il pianoforte solista, ha trovato un aiuto nelle timbriche di ogni sezione dell'ampia orchestra, aiuto utile e appropriato. La forza espressiva del quarantaquattrenne pianista è visibile anche nella sua evidente gestualità, non fine a se stessa, ma funzionale all'ottenimento delle sue chiare e incisive timbriche. Di spessore la resa coloristica nel controllato contrasto delle dinamiche. Applausi fragorosi del pubblico al termine e decisamente bello il bis solistico con un Valzer di Chopin, l'Op.69 n.1, reso delicatamente e con profonda espressività. Il brano successivo, la Settima di Beethoven, ha dato la possibilità di osservare in modo più dettagliato l'operato dei giovani orchestrali. Valida la resa interpretativa complessiva, considerando le indubbie difficoltà da affrontare per un'interpretazione di un lavoro maturo e importante quale quello del genio tedesco. Bravi! Fragorosi applausi del numeroso pubblico intervenuto.

19 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

 

Milano Musica al Teatro alla Scala

Il Festival di musica contemporanea Milano Musica ha avuto ieri una nuova serata al Teatro alla Scala per l'esecuzione di quattro brani di altrettanti compositori. Da Helmut Lachenmann (1935) con il suo Staub per orchestra (1985-87), in prima esecuzione in Italia, a Giacomo Manzoni (1932) con il recente Schuld per tenore e orchestra (2016-18 rev. 2021), una commissione di Milano Musica in prima esecuzione assoluta. Dopo il breve intervallo, prima abbiamo ascoltato un lavoro di Fausto Romitelli (1963-2004) con Dead City Radio. Audiodrome per orchestra (2003) e per finire di Francesco Filidei (1973) il suo Fiori di fiori per orchestra (2012). Sul podio scaligero un esperto di esecuzioni contemporanee quale Gergely Madaras ha diretto l'Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai. Lavori estremamente diversi, ma certamente legati da una ricerca timbrico-gestuale tipica di questi ultimi decenni. Non tutto è stato apprezzato con entusiasmo dal numeroso pubblico del Teatro alla Scala. Il brano composto tra il 1985-87 da Lachenmann è certamente di non immediata comprensione, essendo giocato sulla disintegrazione del materiale sonoro e su una non definizione unitaria. La quantità di frammentazioni, con frequenti pause o effetti timbrici, spesso non percepibili, si dipanano per oltre venti minuti con un finale non-finale di quello che si può definire un non-brano. Pubblico piuttosto freddo al termine. Il secondo lavoro, Schuld, del milanese Giacomo Manzoni prevedeva la voce tenorile. In questa prima esecuzione, la voce era quella di Leonardo Cortellazzi. Un brano ricco di energia che parte con un certo numero di battute iniziali per la sola orchestra esprimenti sonorità ricche e suggestive. Con l'ingresso della voce tenorile e del testo cantato su un sonetto di Albrecht Haushoferil, il clima energico dell'orchestra si riduce di tensione per evidenziare maggiormente l'eccellente timbrica di Cortellazzi nel suo dialogo con le sezioni orchestrali che esprimono timbriche più cameristiche. Un lavoro di grande impatto emotivo che è piaciuto al pubblico presente. Applausi sostenuti anche al compositore salito sul palcoscenico. Di pregnante espressività il terzo brano, Dead City Radio. Audiodrome per orchestra, un lavoro scritto un anno prima della scomparsa dell'autore, avvenuta nel 2004. È un brano di immediato effetto e di efficace presa emotiva, dove effetti di glissando, suoni campionati e strumenti elettronici, si mescolano alle timbriche corpose e sostenute della grande orchestra. I riferimenti alla musica tonale, tipici di Romitelli, dopo l'inizio suggestivo con contrasti in glaciali sonorità, ci portano ad una logica di comprensione maggiormente vicina alla tradizione. Molto interessante la tensione emotiva ed espressiva che ruota intorno ad una nota lunga riproposta in continuazione nella parte centrale del lavoro, e lo sviluppo successivo che ripropone effettistiche dal carattere bucolico. Il lavoro rimane tra i più sconvolgenti e moderni del compositore. Decisi gli applausi del pubblico che ha molto apprezzato l'opera dello scomparso ancor giovane musicista. Per concludere, il brano Fiori di fiori per orchestra di Francesco Filidei ci ha portato al termine, in una serata nella quale la gestualità ha avuto una componente determinante. È un brano soprattutto da vedere e non solo da ascoltare, quello di Filidei. Una performance dove gli orchestrali, soprattutto nelle sezioni percussive e degli archi, operano per ottenere effetti sonori-coreografici determinanti per la buona resa esecutiva. Temi dal clima mediterraneo o dal sapore antico subentrano in modo discreto e lasciano poi ancora spazio alle gestualità effettistiche degli orchestrali che concludono, dopo un martellante, stridente e suggestivo culmine sonoro, con pacatezza l'originale lavoro. Successo deciso. Eccellente la direzione di Madaras in tutti i brani e bravissimi tutti i componenti dell'orchestra.

18 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

La nuova Stagione de I Pomeriggi Musicali con J.Feddeck e Jae Hong Park

La nuova stagione musicale de I Pomerggi Musicali ha preso avvio ufficialmente ieri sera, al Teatro Dal Verme, con un interessante concerto sinfonico diretto da James Feddeck. Tre brani in programma, apparentemente molto diversi tra loro, ma volutamente legati ad un filo conduttore nella denominazione suggerita: "Racconti senza parole". F. Mendelssohn con la Suite op.61 da Sogno di una notte di mezza estate, Aaron Copland con la suite Appalachian Spring e Maurice Ravel col suo virtuosistico Concerto in Sol per pianoforte ed orchestra, si sono succeduti nella sala gremita di pubblico del Teatro Dal Verme. È da pochissimi giorni che è finalmente possibile occupare tutti i posti disponibili. Tre brani, che come avviene nei racconti, vorrebbero esplorare infinite situazioni, utilizzando, nel linguaggio musicale, una coerente successione di timbriche misurate e in relazioni tra loro. Tutti e tre i compositori presentati sono stati maestri di orchestrazione e ricercatori di colori adeguati per esprimere la loro arte. Adeguato e decisamente all'altezza di questi tre eccellenti lavori, è stato il direttore di riferimenti dell'orchestra "I Pomeriggi" James Feddeck. Questi ha affrontato con sensibilità, minuziosità e chiarezza espressiva i brani, forgiando un'orchestra ottima in ogni sezione strumentale. I numerosi interventi solistici- specie nel brano di Copland- sono apparsi perfetti nei chiari ed espressivi interventi. Dopo una valida interpretazione della Suite di Mendelssohn, siamo rimasti ancor più convinti del brano dell'americano Copland. Appalachian Spring, composto nel 1944, è un balletto dal quale l'autore ha ricavato una suite costruita splendidamente, di apparente facilità, che abbisogna invece di un equilibrio perfetto nelle parti orchestri, per una resa adeguata. L'ottima compagine e la calibrata direzione di Feddeck, hanno raggiunto l'obiettivo di qualità per l'interpretazione di un lavoro che andrebbe proposto maggiormente nelle sale da concerto. L'ultimo brano, il Concerto in Sol, del grande compositore e orchestratore francese, era probabilmente quello più atteso. Fondamentale la presenza di un solista al pianoforte quale il giovane Jae Hong Park, talentuoso virtuoso, fresco di vincita del Concorso Internazionale F. Busoni, uno tra i più prestigiosi al mondo. Park ha sostituito all'ultimo momento l'affermato Nicholas Angelich, indisposto. La prestazione del pianista ventiduenne sud-coreano, è stata eccellente, come adeguata la sinergia orchestrale. Oltre ad una disinvolta e sciolta abilità tecnica, che il brano impone, specie nell'Allegramente e nel Presto finale, Park ha fornito profonda espressività in tutto il brano. La precisione raffinata e la chiarezza nei dettagli dei frangenti più impervi, hanno trovato un'uguale resa estetica nel più apparantemente semplice Adagio assai, movimento centrale il cui lungo tema viene introdotto dal solo pianoforte per poi integrarsi con le tenui timbriche orchestrali. Park è un solista di indubbia eccellenza che ci auguriamo di ascoltare presto in un recital solistico. Di qualità i bis solistici concessi, entrambi di Claude Debussy. Prima La fille aux cheveux de lin e poi La cathédrale engloutie. Interpretazioni con perfetto dosaggio coloristico. Accorati applausi del pubblico a tutti i protagonisti. Sabato alle ore 17.00 si replica. Da ricordare.

15 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Ying Li e la NWD Philharmonie diretta da J. Heyward

La pianista cinese Ying Li ha vinto recentemente, meritatamente, il primo Premio Internazionale A.Mormone, concorso pianistico nato per commemorare la figura del fondatore e organizzatore della Fondazione La Società dei Concerti. Ieri sera, in Sala Verdi, abbiamo avuto l'occasione di riascoltare Ying Li in un classicissimo Mozart col noto Concerto per pianoforte e orchestra in la maggiore K488. Tre movimenti dove la parte solistica risulta fondamentale e trova il coronamento con una componente orchestrale che deve sottolineare ed esaltare gli interventi pianistici. Ying Li ha rivelato una particolare sintonia con Mozart, evidenziata da una perfezione tecnica di primo livello che definisce con chiarezza e bellezza di colore ogni frase. I momenti riflessivi del celebre Adagio sono stati ben delineati dalla pianista e la scorrevolezza dell'Allegro assai finale ha esaltato la carica energica della solista. Valida la componente orchestrale e la direzione del giovane Jonathon Heyward. Eccellente il bis concesso con l'Allegro dal Concerto Italiano di J.S.Bach e personale e ricco d'introspezione l'Intermezzo op.118 n.2 di J.Brahms proposto come secondo bis. Dopo il breve intervallo, rilevante la lettura orchestrale della giovanile Sinfonia n.1 in do maggiore di Beethoven, lavoro che trova nell'Allegro molto e vivace conclusivo il momento di maggiore esternazione e piacevolezza. Grintosa la direzione di Heyward in Beethoven ed ottimo ed energico il bis orchestrale con l'Ouverture mozartiana da "Le Nozze di Fogaro".

14 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Uno strepitoso Beethoven con Jordi Savall e Le Concert des Nations inaugura il "Quartetto"

Dopo due anni è tornato in Conservatorio, per inaugurare la nuova Stagione della Società del Quartetto, il direttore spagnolo Jordi Savall con i suoi Le Concert des Nations, una splendida orchestra che usa strumenti originali, molto riconoscibili nelle timbriche, specie nelle sezioni dei fiati. Il 21 ottobre del 2019, in epoca ante-pandemia, avevamo ascoltato Savall interpretare in modo eccellente le Sinfonie n.3 e n.5 di Beethoven. Ieri sera, in una Sala Verdi finalmente colma di pubblico, - da due giorni si possono occupare tutti i posti- si è ripetuto l'incantesimo con la Sesta Sinfonia in fa maggiore op.68 "Pastorale" e la Settima Sinfonia in la maggiore op.92. Come ho scritto la scorsa volta, siamo stati abituati alla frequentazione di Savall al Conservatorio milanese nel repertorio di musica antica o del '700, anche per poter ascoltare i colori strumentali d'epoca. Questi strumenti, soprattutto nella sezione dei legni e degli ottoni, sono stati utilizzati anche per Beethoven. Ancora due capolavori, definiti da momenti più cameristici, soprattutto nella Sesta, dove emergono le sonorità pure e autentiche dei legni, spesso suonati singolarmente o i tipici suoni "antichi" degli ottoni; in altri frangenti, una prorompente estroversione, come nei più voluminosi movimenti della Settima, ci portano al Beethoven più irrequieto, come nel geniale finale Allegro con brio, un movimento mozzafiato. La bellezza delle timbriche, la chiarezza dei singoli strumenti- tutti riconoscibili e perfettamente inseriti- gli equilibrati piani sonori, hanno ancora una volta reso le due interpretazioni di un livello di alta valenza estetica. Sono di nuovo emerse le profondità di pensiero del genio di Bonn e le qualità eccellenti della compagine orchestrale e del suo direttore. Savall prima del bis - il Minuetto dell'Ottava Sinfonia- ha voluto ancora ricordare l'avv. Antonio Magnocavallo, presidente per molti anni della prestigiosa Società del Quartetto. Splendida serata!!

13 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Piotr Anderszewski alle Serate Musicali incontra Bach

Ieri sera per le Serate Musicali, nella Sala Verdi del Conservatorio milanese - finalmente con un potenziale di posti fruibili al 100%-, è tornato il pianista polacco Piotr Anderszewski. Ha presentato un impaginato incentrato su J.S.Bach dove 12 Preludi e fughe dei 24 che compongono il Libro Secondo del Clavicembalo ben temperato erano in programma, da eseguire senza intervalli. I due libri del Clavicembalo, per complessivi 48 preludi e relative fughe, rappresentano un monumento di costruzione polifonica e armonica, utilizzato anche nella didattica per l'insegnamento degli strumenti a tastiera. È un' opera di straordinaria rilevanza estetica. Come già rilevato in precedenti concerti di Anderszewski dedicati a Bach, abbiamo trovato coinvolgente il livello interpretativo del pianista polacco. L'originale scelta di un ordine d'esecuzione che rispondesse ai propri gusti estetici è certamente adeguato. La sequenza era questa: N.1-12-17-8-11-22-7-16-9-18-23-24. (non ha eseguito però il n.12). La concentrazione assoluta, sottolineata anche dalla soffusa illuminazione del palcoscenico di Sala Verdi, con attenzione rivolta sulla tastiera dello Steinway, era funzionale alla messa in risalto delle splendide architetture musicali bachiane. Le dinamiche, ricche di contrasti, in un contesto esecutivo molto intimista, sono risultate eccellenti sia nei Preludi che nelle Fughe, esaltando sia i momenti più riflessivi che quelli di maggiore estroversione. I piani sonori e la sovrapposizione delle voci sono risultati di chiarissima resa all'ascolto. Certamente un Bach di altissimo livello quello di Anderszewski! Breve il bis e molto valida l'esecuzione, con il Preludio n.12 BWV 881 ( quello mancante dal programma ufficiale...ma non fa fatto la Fuga) con adeguata "personalizzazione" - in termini di fioriture- dell'eccellente interprete. Da ricordare a lungo.

12 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

Al Teatro alla Scala un "Barbiere di qualità" quello di Muscato-Chailly

Il ritorno alla tradizione è ancora una volta presente nelle nuove rappresentazioni liriche. La nuova produzione del Teatro alla Scala del rossiniano Barbiere di Siviglia, opera in due atti su libretto di Cesare Sterbini, per la regia di Leo Muscato, sostituisce egregiamente la solida e quasi inespugnabile regia di Jean-Pierre Ponnelle - anche scenografo e costumista- che dal lontano 1969 e sino al 2015 -oltre 45 anni - ha imperversato al Teatro alla Scala. Ricordiamo che la prima rappresentazione del 9 dicembre 1969 di Abbado-Ponnelle, nella revisione critica di Alberto Zedda, venne offuscata dall'attentato di piazza Fontana avvenuto il 12 dicembre di quel anno, tragica vicenda che fece saltare le due rappresentazioni successive. La nuova regia di Leo Muscato, nel linguaggio della tradizione lirica, omaggia certamente Ponnelle e porta sostanziali cambiamenti. Muscato - regista teatrale da oltre vent'anni- si è avvalso delle riuscite scene di Federica Parolini, inquadrate in un' ampia cornice semi-circolare, dei costumi nella tradizione di Silvia Aymonino, dei ballerini classici della coreografa Nicole Kehrberger presenti in molte scene, della concezione delle luci non invasive di Alessandro Verazzi, unitamente alla unificante, italianissima e valente direzione di Riccardo Chailly. Modalità tradizionali, ma certamente di ottima fattura. La prima evidenza rilevata ieri sera, nella quarta e terz'ultima rappresentazione, è l'unità di lavoro di tutte le componenti artistiche. Un legame tra le parti piaciuto al numeroso pubblico intervenuto, ed unificato dalle novità inserite in messinscena, quali il teatro nel teatro con la preparazione del "L'inutil precauzione", i ballerini classici con Rosina in costume di danza, i numerosi interventi strumentali sul palco, ad iniziare dalla presenza di un'orchestra con Fiorello primo violino. Idee originali, potenziate dalla presenza di un ottimo cast vocale, ad iniziare dall'ancora unificante Figaro: timbro deciso, chiaro, corposo quello di Mattia Olivieri, la voce più applaudita. Ottime tutte le voci, con un Conte d'Almaviva-Lindoro elegante come Conte e dolce come Lindoro, nel timbro sottile e chiaro di Maxim Mironov. ( Foto di Brescia- Amisano- Archivio della Scala) Di spessore e timbricamente rilevante per bellezza la Rosina di Svetlina Stoyanova. Ottima la presenza vocale di Bartolo ovvero Marco Filippo Romano, sia nell'espressiva voce che nella chiara sillabazione; valido il limpido, anche se non troppo buffo, Basilio di Nicola Ulivieri. Bene anche Lavinia Bini in Berta e Costantino Finucci in Fiorello. Parte corale ben preparata da Alberto Malazzi. Chailly, come già detto, in grande forma, ad iniziare dall'Ouverture a sipario chiuso. Più evidente di un clavicembalo il Fortepiano di Paolo Spadaro Munitto e riconoscibile l'originale e raro strumento metallico a percussioni con funzione prevalentemente ritmica, denominato Sistro, progettato da Gioacchino Rossini per il suo “Barbiere di Siviglia”, ma scomparso subito dopo la prima di Roma nel 1816. Applausi intensi del pubblico e numerose uscite in palcoscenico dei protagonisti. Prossime recite - con utilizzo completo dei posti in teatro- per l'11 e il 15 ottobre. Da non perdere!

9 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

In Conservatorio i vincitori del Concorso Internazionale Musicale della Società Umanitaria

Da molti anni è diventato un Concorso Internazionale musicale importante quello della Società Umanitaria, dove nel Salone degli affreschi il 6 e il 7 ottobre si sono svolte le prove finali. Il concerto dei vincitori, ascoltato ieri sera nel Conservatorio milanese, ha evidenziato le qualità indubbie dei giovani interpreti. I primi tre classificati sono stati scelti da una giuria formata da sette musicisti noti e qualificati. La serata, organizzata benissimo e presentata in Sala Verdi da Francesco Biraghi, ha trovato interventi del Presidente della Società Umanitaria Alberto Jannuzzelli, del Direttore generale Maria Elena Polidoro e dal Direttore artistico e ideatore del Concorso sin dal 1989, Maestro Massimiliano Baggio. Presente in Sala anche Francesca Di Cera, coordinatrice delle attività. Il primo premio è stato assegnato alla violoncellista belga Stéphanie Huang, il secondo al Trio Soleri formato dal violinista Dainis Medjaniks, dal violoncellista Moritz Weigert e dal pianista Asen Tanchev; il terzo premio al fisarmonicista Radu Ratoi. Alla presenza del numeroso pubblico che occupava tutti i posti disponibili della sala, abbiamo ascoltato prima lo straordinario brano De Profundis della compositrice novantenne Sofia Gubaidulina, interpretato magistralmente dal fisarmonicista moldavo/romeno Radu Ratoi. Questi ha mostrato oltre alle eccellenti qualità musicali che il il brano impone, anche sensibilità gestuali e mimiche. Quindi il trio Soleri (bulgaro-lettone e tedesco) ha eseguito in modo espressivo e con grande equilibrio delle dinamiche, gli ultimi tre movimenti del noto Trio n.2 op.87 di Johannes Brahms. A conclusione della splendida serata la vincitrice Stéphanie Huang, accompagnata per l'occasione dall'ottimo pianista Gaspard Thomas , ha interpretato prima Schumann con Adagio e Allegro op.70, quindi Martinů con Variazioni su un tema di Rossini e per finire il virtuosistico Cassado con Danse du diable vert. Di eccellente qualità il tocco della Huang nel rendere espressivo il suo violoncello. L'ottima interprete ricordiamo provenire dal Conservatorio di Parigi. Al termine fragorosi applausi a tutti i protagonisti e organizzatori di nuovo in palcoscenico. Da ricordare

9 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

 

A Varallo Sesia la 41esima edizione di Musica a Villa Durio

Sono già alcuni i decenni di attività concertistica, di ospiti prestigiosi e di proposte sempre nuove e il 10 ottobre, nella Città di Varallo, si inaugurara la 41esima edizione di Musica a Villa Durio, stagione musicale diretta da Massimo Giuseppe Bianchi che avrà luogo sino al 18 dicembre. Il 10 ottobre si ascolteranno musiche di R.Hahn , Debussy e Ravel interpretate dal trio formato da Klara Flieder al violino, Christophe Pantillon al violoncello e Massimo G. Bianchi al pianoforte. Il concerto avverrà alle ore 17.30 al Palazzo dei Musei - Pinacoteca di Varallo e Museo Calderini. Da non perdere WWW.MUSICAVILLADURIO.COM

8 ottobre 2021 dalla redazione

Beatrice Rana per la nuova Stagione della Società dei Concerti

L'impaginato scelto dalla pianista pugliese Beatrice Rana per il bellissimo concerto ascoltato ieri sera ad inaugurazione della nuova Stagione concertistica della Società dei Concerti, ha messo in risalto i diversi approcci stilistici utilizzati per esprimere brani di compositori molto differenti. Nella prima parte erano presenti i Quattro Scherzi di Fryderyk Chopin, quindi, dopo il breve intervallo, il '900 di Claude Debussy con il 1°libro degli Etudes, e quello di Igor Stravinskij, con gli estroversi Trois Muovements de Petrouchka. Danse Russe, Chez Petruchka e Le semaine grasse compongono la versione pianistica, in tre parti, tratta dal celebre balletto per orchestra del russo. Ricordiamo che Chopin è in pieno '800, gli Scherzi datano dal 1831 al 1842, mentre Debussy, se pur nato nel 1862, compose i suoi due libri di Studi nel 1915, tre anni prima della sua morte parigina. Petrushka è invece del 1910-11 e la trascrizione pianistica ascoltata è del 1921. Gli ultimi lavori, gli Studi e Petrushka, rappresentano modalità nuove di intendere la musica pianistica, nelle quali la componente coloristica diventa dominante. Beatrice Rana ha affrontato tutti e tre i brani in programma con esemplare sicurezza, esprimendo in modo personale l'essenza musicale dei grandi compositori. L'impatto stilistico complessivo, ben determinato, ha rivelato piena maturità. La rilevante sintesi discorsiva emersa negli Scherzi di Chopin, con taglio netto e preciso nei frangenti più movimentati era in alternanza ai momenti di maggior riflessività delle parti centrali. Abbiamo ascoltato certamente qualcosa di nuovo in Beatrice nel modo d'intendere Chopin e certamente di rilevante qualità estetica. Ottimi anche i sei Studi che compongono il Primo Libro di Debussy, un Debussy molto moderno e precursore di nuovi linguaggi. I Tre Movimenti stravinskijani, eseguiti a conclusione del programna ufficiale, hanno ancor più esaltato le enormi qualità tecnico-espressive della Rana. I tempi rapidi, ma chiari e ricchi di dettagli, di questa eccellente interpretazione, hanno ben evidenziato l'idea complessiva del lavoro, idea restituita in alta qualità al numeroso pubblico presente. Sala Verdi del Conservatorio era al completo nei limiti imposti dalla pandemia. Eccellente il bis concesso con un riflessivo ed espressivo Notturno n.13 Op.48 n.1 di Chopin. Fragorosi applausi e numerose uscite della protagonista. Da ricordare a lungo

7 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

 

Myung-Whun Chung e Alessandro Taverna al Teatro alla Scala a sastegno di LILT

Ieri sera grande successo al Teatro all Scala per il concerto sinfonico benefico a sostegno di LILT-Milano Monza Brianza APS con l’Orchestra Filarmonica della Scala, il direttore Myung-Whun Chung e il pianoforte solista Alessandro Taverna. I fondi raccolti sosterranno l’apertura del nuovo Spazio Parentesi a Milano per i malati oncologici e i loro familiari. Il programma, di rilievo, prevedeva due noti brani: il Concerto per pianoforte n. 5, in mi bemolle maggiore “Imperatore” Op. 73 di L.v Beethoven e la Sinfonia n.9 in mi minore “Dal Nuovo Mondo” Op. 95 di Antonìn Dvořák. Nel primo brano il pianista veneziano Alessandro Taverna ha espresso ottimamente la parte solistica, coadiuvato dalle ottime timbriche della Filarmonica della Scala e dalla valida direzione di Myung-Whun Chung . Particolarmente di rilievo l' Adagio un poco mosso centrale, sia per i tenui colori degli archi esaltati dai bravissimi orchestrali, che per la delicata e profonda parte pianistica restituita con sensibilità ed intensa espressione da Taverna. Di grande effetto il bis pianistico concesso dal pianista: una formidabile Fuga dalle Telemann Variations op.134 di Max Reger, interpretata con disinvoltura e nitore espressivo. Di qualità, dopo il breve intervallo, la Sinfonia "Dal Nuovo Mondo", brano nei classici quattro movimenti che specie nell'Allegro molto iniziale e nell'Allegro con fuoco finale trova situazioni di coinvolgente notorietà che ha decisamente avvinto il pubblico presente in teatro. Applausi fragorosi e numerose uscite in palcoscenico per l'ottimo direttore sud-coreano. Chi volesse sostenere le attività della LILT può farlo attraverso bonifico bancario, versamenti postali e consultando le pagine di FB e il sito internet http://www.legatumori.mi.it

5 ottobre 2021 Cesare Guzzardella

POSSIMAMENTE BEATRICE RANA INAUGURA LA SERIE SMERALDO DELLA SOCIETA' DEI CONCERTI

Oggi è una delle pianiste più acclamate a livello internazionale; nel 2011, prima dellaconsacrazione al Van Cliburn, fu il fondatore della Società dei Concerti Antonio Mormone a capirne il talento e a farla debuttare in Sala Verdi con il Concerto di Tchaikowskj. A 9 anni già suonava con l’orchestra; a 18 già vinceva il concorso di Montreal; ma fu nel 2013, nella più selettiva competizione pianistica al mondo, la texana Van Cliburn, che Beatrice Rana fece prepotentemente irruzione sulla ribalta maggiore. Prima però, Antonio Mormone ne aveva già compreso il talento e l’aveva invitata alla Società dei Concerti: incantò il pubblico come solista nel primo concerto di Tchaikowskj. Da allora si è instaurato un rapporto profondo che trascende il mero fatto artistico; Rana ha confessato più volte il piacere nel tornare in Conservatorio per la Società che l’aveva lanciata, e questa volta lo fa con un programma di trascinante intensità: i 4 Scherzi di Chopin, manifesto della poetica musicale romantica, appena incisi nel suo nuovo premiato albumper Warner; i Tre movimenti da Petrouchka, brano di funambolico virtuosismo dove Stravinskij conferma la sua visionarietà rivoluzionaria; nel mezzo un’altra pietra miliare di inizio 900, il primo libro degli Etudes di Debussy, indagine immaginifica sulle nuove possibilità espressive, timbriche e coloristiche del pianoforte.( foto dell'ufficio stampa della Società dei Concerti)

LADRI DI NOTE in Sala Verdi il 6 ottobre al Conservatorio di Milano - Sala Verdi

Ladri di Note anche agli Incontri Musicali

Sarà il pubblico a scegliere il bis, chiedendolo agli interpreti. E lo ruberà, portandosi a casa la registrazione delle note appena ascoltate. Una originale, coinvolgente novità segna il cartellone 2021-22 degli storici “Incontri Musicali” della Società dei Concerti, quest’anno ospitati alla Palazzina Liberty. Sarà il pubblico a chiedere il bis, ma non semplicemente insistendo con gli applausi e ascoltando i classici encore che gli artisti sono soliti regalare dopo il programma ufficiale. Come accadeva nei grandi concerti del passato, quando Mozart doveva ripetere l’Adagio del suo Concerto in do minore o Beethoven l’Allegretto della sua settima Sinfonia, gli spettatori saranno chiamati a scegliere il preferito tra i brani o i movimenti dei brani appena ascoltati, e i musicisti lo riproporranno come bis. Un’esecuzione live unica che la Società dei Concerti registrerà e invierà per mail ai partecipanti: l’ascolto live, per sua natura estemporaneo e irripetibile, verrà così rubato e immortalato, così che si potrà riassaporare ad libitum l’emozione vissuta quella certa serata alla Palazzina Liberty.Ad inaugurare gli Incontri Musicali saranno Ludovica Rana (violoncello) e Maria Grazia Bellocchio (pianoforte). Gli Incontri Musicali furono creati da Antonio Mormone proprio per offrire ai giovani talenti un palcoscenico prestigioso per presentarsi sulla ribalta milanese. Fu il primo a intuire il talento della sorella di Ludovica, Beatrice, oggi considerata una delle più interessanti pianiste a livello internazionale. Ludovica aveva già inaugurato gli Incontri Musicali, accompagnata da Beatrice. Questa volta al suo fianco c’è Maria Grazia Bellocchio, pianista di grande esperienza, collaboratrice di Accardo, Filippini, Divertimento Ensemble.Rana e Bellocchio affrontano due capolavori della letteratura per violoncello e pianoforte: la quinta e ultima delle Sonate di Beethoven, dove il genio di Bonn, inoltrandosi in quello che la critica ha indicato come “terzo stile”, dal suo nuovo romanticismo guarda oltre il classicismo viennese e spinge lo sguardo fino al barocco, riprendendone la scienza polifonica, che qui pervade tutta la Sonata e modula il dialogo tra i due strumenti, fino a sfociare nel vertiginoso fugato a quattro parti del finale. Ed è sempre fonte di sorprese ascoltare i rari cimenti di Chopin construmenti diversi dal pianoforte: che qui è presente, ma per fondere il proprio timbro con quello del violoncello, in una ricerca non solo melodica ma di colori ed effetti di struggente suggestione. ( foto dell'ufficio stampa della Società dei Concerti)

1 ottobre dalla redazione

SETTEMBRE 2021

L'Ensemble Barocca "La Magnifica Comunità" alle Serate Musicali

L'originale percorso musicale scelto dall'Ensemble strumentale barocco La Magnifica Comunità, ha trovato un motivato titolo, anche di recente attualità, nella denominazione dello spettacolo "Sulla via della seta". Il gruppo cameristico di strumenti antichi, diretto da Enrico Casazza, anche violino solista, ha proposto brani di Gallo, Händel, VIvaldi e Hasse, concerti interi o brani lirici estratti da opere liriche settecentesche che trovano riferimenti con le culture dei popoli orientali di provenienza cinese, turca, araba, persiana, indiana. Un percorso raccontato in modo chiaro dall'attore-lettore Umberto Terruso e recitato e cantato in modo pregnante dal soprano romano Raffaella Milanesi. Le arie d'opera, estratte dal Tamerlano o da Alessandro di G.F.Händel, dalle opere Bajazet e Teutone di Antonio Vivaldi, dall'Artaserse di J.A Hasse erano introdotte da Sonate, come la rara “La Follia” per 2 violini, viola, violoncello e continuo di D.Gallo, eseguita ad introduzione o come il Concerto per violino, archi e basso continuo in re maggiore “Grosso Mogul” di A. Vivaldi eseguito ottimamente dall'Ensemble e sostenuto con virtuosismo dal violino solista Enrico Casazza. Non dimentichiamo poi le Ouverture di alcune opere e gli originali e orientali interventi del bravo percussionista che legava i momenti di lettura di Terruso agli immediati interventi strumentali. Uno spettacolo decisamente interessante e coinvolgente quello ascoltato ieri sera alle "Serate Musicali" del Conservatorio milanese, alla presenza di un pubblico, al termine, decisamente entusiasta. Bravissimi tutti quanti. Un plauso alla chiara e decisa voce da soprano e mezzo-soprano di Raffaella Milanesi e alle ottime parti solistiche del violinista-direttore Enrico Casazza. Da ricordare.

28 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Andrea Lucchesini in Conservatorio per la Società del Quartetto

Si è concluso ieri sera il ciclo pianistico "Preludi, la serie A del pianoforte", organizzato dalla Società del Quartetto, con un pianista autorevole quale Andrea Lucchesini. Classe 1965, il pianista toscano iniziò la sua carriera concertistica con la vittoria del Concorso Dino Ciani nel 1983. Il programma, interamente dedicato a Schubert, prevedeva i Tre Klavierstüke D 946 e la Sonata in la maggiore D 959. Notevole la qualità espressa da Lucchesini in entrambi i lavori. Un timbro chiaro e ricercato si è esternato nella precisa e lucida idea complessiva di questi capolavori. L'inesauribile ricchezza moledica del genio vennese è stata sostenuta da un'impalcatura pianistica solida, che ha delineato in modo sicuro tutte le componenti musicali delle articolate composizioni. In molti frangenti Lucchesini ha raggiunto altissimi vertici interpretativi , come nel superlativo Andantino della Sonata, dove le poche note che esprimono la semplice linea melodica, hanno visto una carica espressiva pregnante e di purezza assoluta. Lucchesini, nel rapportarsi con la musica del grande compositore ha rivelato importanti affinità che nella restituzione in sala da concerto, trova pochissimi rivali. Applausi calorosi in Sala Verdi e un inaspettato bis con una Variazione su un tema di Diabelli dello stesso Schubert. Da ricordare a lungo.

24 settembre 2021 Cesare Guzzardella

 

Dmytro Choni e il duo Krylov-Lifits al Dal Verme per MiTo

Doppio concerto ieri al Dal Verme. Per il Festival MiTo, nel pomeriggio la novità era rappresentata dal giovane pianista di Kiev Dmytro Choni. Classe 1993, ha vinto nel 2018 il primo premio al Santander International Piano Competition ed ha avuto ottimi piazzamenti nei più importanti Concorsi. Ha presentato un programma incentrato su brani del primo Novecento di Debussy, Skrjabin e Rachmaninov e uno Studio (1985) di Ligeti. Il lavoro più preponderante era la nota Sonata n.2 op.36 del secondo russo, brano che ha concluso il programma ufficiale. Abbiamo molto apprezzato il pianismo di Choni, espresso con modalità interpretative che trovano nella grande scuola russa evidente riferimento. La leggerezza di tocco, non disgiunta da efficaci timbriche nei brani di Debussy, come in Et la lune descend sur le temple qui fût, (seconda serie di Images) o nel successivo L' isle Joyeuse, ha trovato in contrasto le disinvolte modalità espressive delle virtuosistiche Sonate n.4 op.30 di Skrjabin e soprattutto in quella citata op.36 versione 1931 di Rachmaninov. La robustezza e la plasticità del suo tocco, netto e preciso in ogni dettaglio, hanno portato ad espressioni di alto livello. Validi anche lo Studio n.5 di Ligeti e il più dolce e nitido Margaritki dall'op.38 sempre di Rachmaninov. Di qualità i bis proposti con uno splendido arrangiamento di Valzer viennesi e una energica scultorea Rapsodia op.79 n.2 di Brahms. Un pianista che certamente va riascoltato, speriamo presto. Nel concerto serale un fuoriclasse come il violinista Sergej Krilov ha trovato l'appoggio di un ottimo pianista come Michail Lifits per un impaginato diversificato e di eccellente qualità. In programna brani di Prokof'ev, Stravinskij, De Falla e Kreisler. Eccellente l'integrazione dei due strumentisti che con raffinata classe hanno espresso i numerosi numeri che compongono i Cinque canti senza parole op.35bis del primo russo, per procedere col Divertissement dal balletto stravinskiano Le baiser de la Fee. Sempre su toni pacati e di colori raffinati la Suite popolare spagnola di Manuel De Falla e a conclusione i classici, sia eleganti che virtuosistici, brani di Fritz Kleisler: La gitana, Caprice viennois e il profondo Preludio e Allegro. Applausi fragorosi al termine del programma ufficiale con un bis ancora di Kleisler. Dua concerti di ottima qualità.

23 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Luca Buratto al Teatro Delfino per il Festival MiTo

Il pianista milanese Luca Buratto ieri sera ha impaginato un programma di straordinario interesse, esegundo brani di compositori quali Chopin, Adès (1971), Couperin e Ravel. Una scelta ben strutturata dove in una prima parte l'alternanza di alcune Mazurche del grande polacco - op.7.n1, op. 24 n.2, Tre Mazurche op.50- alle Tre Mazurche op.27 di Thomas Adès ha evidenziato, oltre ai celebri brani chopiniani, le qualità espressive del compositore inglese che partendo dai colori e dagli accenti di Chopin, riscrive, con un personale e riconoscibile linguaggio, i suoi brevi ed espressivi brani. Dopo i primi meritati applausi del pubblico presente in sala, Buratto ha proposto Les folies françoises ou Les dominos di François Couperin, dodici barocche variazioni sul tema della follia spagnola, cui ha fatto seguito in modo continuo, la celebre Suite di Maurice Ravel Le tombeau de Couperin (1914-17), brano che con una scrittura dal sapore "antico" riscopre il collega francese nato ben due secoli prima. Buratto ha ancora una volta dimostrato le sue eccellenti qualità d'interprete. La perfezione nei dettagli, la chiara visione complessiva dell'insieme sonoro, in un contesto di equilibri decisamente strutturati e misurati, ha reso alta la qualità delle sue interpretazione. Oltre all'ottimo Chopin delle Mazurche, eseguite quasi di getto, decisamente valida la restituzione delle mazurche contemporanee, datate 2009, di Adès. Il convincente Couperin ha poi trovato una straordinaria continuazione nella suite di danze di Ravel, eseguita con fluidità e chiarezza espressiva nei pur rapidi andamenti, ben sei dal Prelúde iniziale alla Toccata finale. Un eccellente concerto quello ascoltato, con due rarità nei bis concessi: prima Schumann e poi ancora Adès. Da ricordare a lungo!

22 settembre 2021   Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli due giornate di musica e cultura nel nome di Giovan Battista Viotti

Due giornate di musica e cultura nel nome di Giovan Battista Viotti, il più importante compositore piemontese di sempre. 150 mini concerti "Face to Face" per un solo spettatore nel pomeriggio di sabato, in 5 giardini storici di Vercelli in e la serata al Teatro Civico, a partire dalle 19, un duo pianistico con un programma brillante dedicato alle arie d'opera di Verdi, uno spettacolo teatral-musicale "Viotti o Amleto, questo è il problema!" di e con Giovanni Mongiano con Guido Rimonda, violino e Cristina Canziani, pianoforte e, per finire, l'estro travolgente di Danilo Rea in "Piano Solo". La manifestazione Viotti Day and Night si svolgerà nello stesso weekend di Raccolti, Festival delle nuove narrazione con cui è stata realizzata una collaborazione con prezzi agevolati sui biglietti degli spettacoli al Teatro Civico (www.raccoltifestival.it). (Foto dall'uff. Stampa di Vercelli)

22 settembre 2021 dalla tredazione

 

Le Goldberg di Bach eseguite dal duo Tal & Groethuysen

È un duo pianistico affermato e di qualità quello ascoltato ieri sera al Dal Verme per il Festival MiTo È formato dalla israeliana Yaara Tal e dal tedesco Andreas Groethuysen. La trascrizione per due pianoforti delle Variazioni Goldberg BWV 988 di Bach operata da Joseph Gabriel Rheinberger, nella revisione di Max Reger, ha certamente dato una differente prospettiva d'ascolto alla felice struttura architettonica del Sommo genio tedesco. Partendo dalla celebre Aria iniziale, poi riproposta alla fine, Bach ha creato una serie interminabile di variazioni , ben trenta, nelle quali gli elementi melodici, armonici e ritmici si susseguono con restituzioni perfette nella costruzione e godibilissimi all'ascolto. Il "raddoppio" della tastiera operato da Rheinberger e migliorato, soprattutto nelle dinamiche e nelle articolazioni da Reger, ha potenziato la composizione bachiana, con effetti di maggiore coralità dovuti anche a sovrapposizioni melodico-armoniche di originale interesse. Il duo ha rivelato un perfetto equilibrio timbrico, alternando molto bene le parti in un tutt'uno pianistico di ottima resa espressiva. La leggerezza di tocco sia di Tal che di Groethuysen, e l'eccellente capacità di alternarsi o sovrapporsi all'occorrenza nel delineare le frasi musicali, ha portato ad un'interpretazione di indubbio valore. Successo di pubblico, con numerose uscite in palcoscenico degli interpreti e un breve bis, ancora di Bach. Da ricordare.

21 settembre 2921 Cesare Guzzardella

Corde Spagnole per la chitarra di Francesco Romano al MiTo

Le corde spagnole della chitarra di Francesco Romano hanno riempito in modo tenue, ma deciso, l'ampio spazio del milanese Teatro Delfino. La chitarra, di piccole dimensioni, ma di chiara sonorità, era quella costruita dal liutaio Luis Panormo nel 1835 e la musica dei chitarristi-compositori Fernando Sor, Johann Kaspar Mertz e Dionisio Aguado, ha trovato in Fabio Vacchi la presenza di un compositore contemporaneo, non chitarrista ma certamente conoscitore dello strumento . Suo il suo breve ed intenso brano Plynn. Le arie di Mozart dal Flauto magico, arrangiate da Sor, hanno introdotto il concerto. Brani di Schubert tra cui la celebre Serenata, rivisti da Mertz, hanno occupato la parte centrale della serata. Dopo la Fantasia n.7 di Sor e Fandango di Aguado, una nuova accordatura della storica chitarra, ha coinvolto Francesco Romano nel lavoro di Vacchi. Raramente si ascolta lo strumento a sei corde in sala da concerto. È un'esperienza quasi mistica poter penetrare le sonorità sottili di uno strumento assolutamente completo, sia melodicamente che armonicamente. Basti citare ad esempio la celebre Serenata del grande viennese che, nella precisa trascrizione chitarristica di Mertz, ci fa cogliere dettagli simili alla più celebre trascrizione pianistica di Liszt. Bravissimo Francesco Romano in tutti i lavori, eseguiti con nitore espressivo e fluidità evidente. Sorprendenti i colori sottili e nascosti, ritrovati nelle parti più alte delle sei corde, nell'originale brano di Fabio Vacchi. È una composizione non recente, che data 1986, e che ha concluso ottimamente l'avvincente serata. Da ricordare.

18 settembre 2021   Cesare Guzzardella

Gabriele Carcano e Pietro De Maria per la Società del Quartetto

Settimana interessante in Conservatorio per i concerti organizzati dalla Società del Quartetto per la serie "Preludi". Martedì, il pianista torinese Gabriele Carcano ha eseguito tutto Beethoven, oggi il veneziano Pietro De Maria ha scelto un impaginato interamente dedicato a Chopin. Carcano, classe 1985, sta eseguendo da tempo le sonate beethoveniane ottenendo unanime consenso. L'altra sera ha affrontato tre opere importanti quali l'Op.14 n.2, l'Op.13 "Patetica" e l'Op.57 " Appassionata". Tre lavori differenti, contrastanti, che rivelano il carattere complesso del grande genio di Bonn. Carcano ha rivelato le sue ottime qualità interpretative attraverso i luminosi colori della Sonata in sol maggiore, la prima in programma. Delle altre due, certamente più celebri, ci è piaciuto soprattutto l'Allegro assai dell'Appassionata. Un movimento affrontato con sicura disinvoltura ed eccellente resa espressiva. Valido il bis di Schubert ( Momento musicale n.3). Pietro De Maria, classe 1967, da anni è specializzato nell'opera del grande polacco. Il suo impaginato, comprendeva nove brani estrapolati tra Mazurche, Ballate, Notturni, Scherzi e Walzer. Questi hanno rivelato la geniale varietà compositiva di Chopin, ma anche la valenza interpretativa del pianista veneziano che ha rivelato di essere in sintonia con i colori del polacco. Ottima la resa espressiva, frutto di coerenza e chiarezza d'intenti. Tutti ben eseguiti i brani, con una mia preferenza per le tre Mazurche - op.67 n.4, op 24 n.2 e op.63 n.3-, per lo Scherzo n.2 op.31, il Valzer op.42 e per la Ballata op.52 n.4. Di qualità la Sonata scarlattiana suonata come bis. Bravissimi! Questa sera alle 20.30 replica per De Maria. Il 23 settembre, in Sala Verdi, ultimo concerto della serie Preludi con Andrea Lucchesini che esguirà tutto Schubert. Da non perdere!

16 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Alexandra Conunova ed Enrico Pace al Festival MiTo

I concerti del Festival MiTo, ieri sera, al Teatro Dal Verme, hanno aggiunto eccellenti qualità interpretative grazie ad un duo superlativo: quello formato dalla giovane violinista moldava Alexandra Conunova e dal pianista riminese Enrico Pace. L'impaginato prevedeva due corpose sonate, la primi, meno nota ma importante, era la Sonata n.2 in fa minore op.6 di George Enescu ( 1881-1955); la seconda la celebre Sonata op.47 "Kreuzer" di L.v. Beethoven. La Conunova, violinista di raffinata capacità, ha vinto importanti concorsi internazionali, primo fra tutti il "Joachim" di Hannover nel 2012. Enrico Pace, con la vittoria del Concorso Franz Liszt del 1989, si è imposto internazionalmente sia come solista che in duo con violinisti del calibro di Kavakos e di Zimmermann. Siamo rimasti stupiti dalla splendida intesa dei protagonisti, sia nella significativa sonata di Enescu, parecchio influenzata dal folclore rumeno e moldavo, sia dalla celebre "Kreutzer". La perfetta intesa dei due interpreti ha aspresso incisività timbrica e attenzione ad ogni dettaglio. Determinante il ruolo primario di Pace nel costruire un' architettura musicale che trova un perfetto equilibrio nelle parti, sempre espresse con disinvoltura e con forza musicale dirompente. La componente maggiormente melodica della violinista si è inserita con rigore e perfezione nel contesto armonico di Pace e il risultato complessivo ha portato ad elevate restituzioni in entrambi i lavori. Applausi convinti al termine del programma. Di estrema qualità il bis concesso con il primo dei Romantic Pieces op.75 di Antonin Dvořàk. Bravissimi!

16 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Ivo Pogorelich per il Festifal MiTo al Dal Verme

Probabilmente era la serata più attesa quella di ieri sera al Teatro Dal Verme. Per il Festival MiTo di Milano e Torino la presenza del pianista croato Ivo Pogorelich è certamente un motivo di grande richiamo per tutti gli appassionati di musica pianistica. Abbiamo notato in sala, tra il pubblico anche numerosi ottimi pianisti. L'impaginato classico, con brani di Schubert e di Chopin, ci ha molto incuriosito, sapendo che il Maestro, in questi ultimi anni, dopo i trionfi degli anni '80, ha modificato il suo approccio stilistico per una via riflessiva di più ampia dilatazione temporale. Ascoltare Pogorelich oggi significa cercare di entrare in un mondo misterioso e suggestivo dove le note, i timbri e le dinamiche hanno bisogno di trovare un ascoltatore attento, paziente e disponibile. Due grandi lavori nel programma ufficiale: i sei Momenti Musicali D780 op.94 di Franz Schubert e la Sonata n.3 in si minore Op.58 di Frederick Chopin. I celebri Momenti del viennese, nelle robuste mani del Maestro, non sono stati certamente brevi. Dal Moderato iniziale in poi abbiamo trovato i tempi di Pogoreich certo riflessivi, ma chiari e di un equilibrio perfetto. Quello che piace di più nel suo personalissimo liguaggio è la formidabile coerenza nel sistemare, con giuste misure, ogni parte dei singoli brani per una restituzione che ha nell'"attesa" una costante centrale. Una visione complessiva chiara, lineare, con anche momenti di andamenti sostenuti come quelli del quarto brano. Dopo l'eccellente Schubert, il passaggio al suo Chopin ci è sembrato non facile. Pogorelich nell'eseguire il polacco, esce dai canoni interpretativi entrati nella storia e si propone con un nuovo linguaggio, dove al primo ascolto sembra di perdere il senso dell'unità complessiva, passando da situazioni molto dilatate a repentini cambiamenti. Certo, spesso si riconoscono frangenti chopiniani profondi e illuminati che ci son piaciuti assai. Ancora Chopin nel bis concesso al termine del programma ufficiale, con una straordinaria Fantasia op.49 che ha letteralmente appassionato il numeroso pubblico presente in teatro, limitatamente alle poltrone imposte dal covid. Fragorosi gli applausi. Certamente da ricordare

15 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Uto Ughi e Bruno Canino alle Serate Musicali

È una coppia d'interpreti oramai entrata nella storia quella formata dal violinista Uto Ughi e dal pianista Bruno Canino. Suonano insieme da decenni e spesso arrivano in Conservatorio, nella Sala Verdi che ben conoscono, per omaggiarci di un repertorio classico, collaudato, ma sempre piacevole da riascoltare. La Ciaccona in sol minore per violino e pianoforte di Tomaso Antonio Vitali, la Sonata n.3 in re min. op.108 di Johannes Brahms, la Suite popolare spagnola di Manuel De Falla e Introduzione e Rondò Capriccioso op.28 di Camille Saint-Saëns componevano il programma ufficiale. Brani di repertorio che convincono sempre e che trovano una estemporanea interpretazione nelle mani dei due celebri interpreti. Canino, il più anziano, napoletano, classe 1935, ha rivelato ancora una freschezza di tocco stupefacente e una capacità di mettersi in rapporto col solista in modo pressochè perfetto. Ughi, Busto Arsizio 1944, conserva una classe ancora ottima, con eccellente vibrato e modi interpretativi tipicamente italiani per luminosità delle timbriche e per melodicità di fraseggio. Tra i brani eseguiti ci hanno convinto ancor più la Suite popolare spagnola di De Falla e il Rondò Capriccioso del francese. Naturalmente anche i due bis concessi, con la trascrizione per violino e pianoforte della celebre Melodia di Gluck-Sgambati e il classico finale, presente in moltissimi concerti di Ughi: la Ridda dei folletti di Antonio Bazzini. Successo di pubblico e numerose uscite in palcoscenico dei protagonisti. Da ricordare.

14 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Alla Scala l'inaugurazione della Stagione dell'Orchestra Sinfonica di Milano "G. Verdi"

Come ogni anno l'inaugurazione della nuova stagione dell'Orchestra Sinfonica di Milano "G. Verdi" avviene al Teatro alla Scala . Abbiamo ascoltato un concerto importante ieri sera, diretto da Claus Peter Flor. Prevedeva brani di Liszt e Brahms: prima il Concerto per Pianoforte e Orchestra n.1 in mi bem. maggiore del grande virtuoso ungherese e poi la Sinfonia n.4 in mi minore Op.98 dell'amburghese. La pianista napoletana Mariangela Vacatello, spesso presente nel teatro milanese, ha introdotto la serata con il brano virtuosistico composto da Liszt nel 1849 e modificato negli anni seguenti sino alla prima esecuzione del 1855. Quattro movimenti eseguiti senza soluzione di continuità, in circa venti minuti, che alternano momenti di pacate melodie romantiche molto chopiniane, al virtuosismo pianistico tipicamente lisztiano, perfettamente integrato nella complessa e fondamentale componente orchestrale. Mariangela Vacatello ha rivelato, ancora una volta, di possedere eccellenti qualità interpretative in questo repertorio a lei evidentemente affine. La complessa parte pianistica, ricca di contrasti e con frangenti di evidente complessità tecnica, è stata affrontata con facilità, con energica fluidità e con una definizione timbrica chiara nei dettagli. Ottima anche la direzione di Flor e la resa orchestrale della Sinfonica Verdi. Di qualità il bis concesso dalla Vacatello con Widmung di Schumann nel più noto arrangiamento di Liszt, brano che, nell'interpretazione della Vacatello, si è distinto per leggerezza espressiva, velata ma di sicura qualità. Applausi sostenuti dal pubblico presente. Di valore, nella direzione e nella resa orchestrale, l'ultima delle sinfonie brahmsiane. Un capolavoro in quattro movimenti che ha trovato nei giusti tempi, nei colori di ogni sezione orchestrale e nell'insieme timbrico, una valida resa espressiva. Fragorosi applausi al termine e ancora omaggi floreali. Da ricordare. Il primo appuntamento della Sinfonica Verdi nella sede dell' Auditorium di l.go Mahler è previsto per il 30 settembre - con replica l'1 e 3 ottobre- con la direzione di Alondra de la Parra per brani di Copland, Mahler, Ravel e Milhaud. Da non perdere.

13 settembre 2021 Cesare Guzzardella

 

Filippo Gorini in Conservatorio per la Società del Quartetto

Secondo appuntamento pianistico in Conservatorio per la Società del Quartetto per la serie "Preludi, la Serie A del pianoforte". Il pianista brianzolo Filippo Gorini, classe 1995, ha proposto le note 33 Variazioni su un Valzer di Diabelli op.120, composizione matura di L.v. Beethoven. Gorini, vincitore nel 2015 del Concorso Telekom-Beethoven di Bonn, ha rivelato ancora una volta di essere in piena sintonia con il grande compositore tedesco fornendo un'interpretazione di rilevante qualità espressiva. La tenuta discorsiva del corposo capolavoro è avvenuta con chiara visione d'insieme nell'esternazione fluida, sicura e dettagliata di tutte le 33 variazioni. Sia nei momenti di maggiore riflessione emotiva, che nei più virtuosistici e movimentati frangenti, Gorini ha mostrato di entrare nelle peculiari caratteristiche coloristiche del genio tedesco, rivelando uno stile pianistico tipico della migliore scuola classica. L'ottima interpretazione ascoltata ha avuto un'eccellente coda con il breve bis concesso al termine, una Variazione dalle Diabelli di Schubert. Ricordiamo che dopo il successo dei primi due Cd di Gorini dedicati a Beethoven, con appunto le Variazioni Diabelli e con le Op.106 e 111, è da poco uscito un terzo Cd con la bachiana Arte della Fuga. Pubblico decisamente soddisfatto al termine del concerto e replica serale. Il 14 settembre alle ore 18.00 e alle ore 21.00, terzo appuntamento con il pianista piemontese Gabriele Carcano che eseguirà alcune sonate di Beethoven. Da ricordare

10 settembre 2021 Cesare Guzzardella

Benedetto Lupo inaugura la rassegna "Preludi, la serie A del pianoforte" della Società del Quartetto

Oggi, 7 settembre 2021, si è inaugurato il ciclo Preludi, la serie A del pianoforte. Cinque  pianisti italiani si alterneranno per offrire agli spettatori della Società del Quartetto le loro interpretazioni di capolavori, soprattutto romantici. Il primo pianista, ascoltato nel tardo pomeriggio nella Sala Verdi del Conservatorio è stato il pianista pugliese Benedetto Lupo che ha proposto brani di Brahms e Schumann. Lupo, affermatosi nel 1989 al prestigioso Concorso Internazionale Van Cliburn, ha scelto i Tre Klavierstüke op.117 e i Sei Klavierstüke op.118 dell'amburghese, ai quali ha fatto seguito la Sonata n.2 in sol min. Op.22 di Robert Schumann. Valida l'introspezione musicale dei nove brani brahmsiani, eseguiti con mistica interiorizzazione e buona resa espressiva. Più estroversa e sicura la splendida Sonata di Schumann, nella quale Lupo ha colto con illuminato virtuosismo il carattere improvvisatorio, sapientemente espresso, del compositore tedesco. Valido il bis concesso con una Romanza di Schumann. Applausi dal pubblico presente in sala. Replica questa sera alle ore 21.00.

7 settembre 2021 Cesare Guzzardella

LUGLIO 2021

Prossimamente la terza edizione del "Festival Beethoven" a Villa Durio di Varallo

Il sodalizio tra Musica a Villa Durio, storica stagione musicale diretta da Massimo Giuseppe Bianchi, e l’Associazione Musica con le Ali, dedita alla valorizzazione dei giovani talenti del panorama nazionale, rende omaggio al grande compositore tedesco con la terza edizione del Festival di musica da camera che si svolgerà a Varallo (Vercelli) dal 30 Luglio al 1 Agosto 2021, con il patrocinio e la collaborazione del Comune di Varallo, nell’ambito dell’Alpàa 2021. “Musica a Villa Durio, la Stagione di musica classica che da oltre vent’anni è il fiore all’occhiello della programmazione culturale di Varallo e della Valsesia – dichiara Eraldo Botta, Sindaco di Varallo - partecipa anche quest’anno agli eventi dell’Alpàa edizione 2021. Il 3° Festival Beethoven, realizzato in collaborazione con l’Associazione Musica con le Ali presieduta da Carlo Hruby, cittadino onorario di Varallo, viene ad arricchire, nel cuore dell’estate, la già notevole offerta culturale che la città dispensa abitualmente ai suoi visitatori. Per il terzo anno consecutivo ritorna il "Festival Beethoven" che in questa edizione, denominata “Beethoven e i Romantici”, propone accostamenti tra opere cameristiche del genio di Bonn e capolavori del periodo romantico. Gli interpreti che si avvicenderanno nelle tre serate accanto a me al pianoforte, saranno il controtenore David Feldman, la violinista Gaia Trionfera, la clarinettista Gaia Gaibazzi e il violoncellista Giacomo Cardelli.

16 luglio 2021 dalla redazione

Ying Li vince il Premio Internazionale Antonio Mormone

Tardo pomeriggio speciale al Teatro alla Scala per la finale del Premio Internazionale Antonio Mormone. Tre i candidati che si contendevano il premio: la coreana Su Yeon Kim che ha eseguito il Concerto n.1 Op.23 di Čaikovskij, il polacco Piotr Pawlak che interpretava il Concerto n.2 Op.16 di Prokof'ev e la cinese Ying Li con il Concerto n.2 Op.18 di Rachmaninov. L' Orchestra dell'Accademia Teatro alla Scala è stato diretta ottimamente dal giapponese Toshiuki Kamioka. Al termine della non breve maratona, dopo un'attesa di quindici minuti circa, il verdetto della giuria ha decretato la vittoria di Ying Li. Meritatissima! Ying Li, nelle prove finali di questi giorni, ha rivelato una maturità interpretativa fuori dal comune, giocata da una tecnica eccellente unita a disinvoltura e fluidità nel controllare le timbriche e le dinamiche dei brani classici, proposti sempre con intensa espressività. A questi si aggiunge una strepitosa interpretazione del brano contemporaneo di Ivan Fedele, quel virtuosistico e complesso WS Variations ascoltato venerdì scorso. È una pianista che ha tutte le qualità per intraprendere una luminosa carriera concertistica. Molto bravi comunque gli altri due candidati, con Pawlak che ha interpretato con grinta e perfezione il difficilissimo Concerto di Prokof'ev e, tra i brani proposti nei giorni scorsi, un'eccellente Sonata n.3 di Brahms. Ottima Su Yeon Kim con il celebre concerto di Čaikovskij. Un augurio di grande successo ai tre finalisti, con la certezza di riscontri internazionali per Yiang Li. Un plauso all'eccellente organizzazione artistica del Premio dovuta a Enrica Ciccarelli Mormone e Matthieu Mantanus.

11 luglio 2021 Cesare Guzzardella

Le finali del Premio Internazionale Antonio Mormone

In questi giorni si sono svolte le prove finali dei tre pianisti recentemente selezionati al Premio Internazionale Antonio Mormone. È un importante Concorso Internazionale, voluto per ricordare la figura del fondatore e Presidente della Società dei Concerti di Milano, nonchè grande ricercatore di talenti musicali. L'alto livello del concorso è garantito dalla presenza, in qualità di Presidente Onorario del premio, del grande pianista russo Evgenij Kissin, nonchè dalla partecipazione in giuria di pianisti di fama quali Bruno Canino, Aleksandar Madzar, Alexei Volodin, Ingolf Wunder, Olga Kern e di altri importanti musicisti come il compositore Ivan Fedele, il direttore Matthieu Mantanus, l'organizzatrice e pianista Enrica Ciccarelli Mormone, il pianista Nazzareno Carusi e ancora altri. In Sala Verdi del Conservatorio abbiamo ascoltato il polacco Piotr Pawlak, la cinese Ying Li e la coreana Su Yeon Kim. Hanno eseguito brani classici di Beethoven, Brahms, Chopin, Prokof'ev, Bach-Rachmaninov, Dvorak e Franck. Inframmezzata, tra questi brani, una valente composizione contemporanea, scritta appositamente dal noto compositore leccese Ivan Fedele, ha dato modo di raffrontare tre differenti interpretazioni di un medesimo lavoro. Il brano di Fedele, denominato WS Variations, è certamente di alto virtuosismo e ha modalità compositive che, partendo da esperienze dodecafoniche, trova, a mio avviso, in autori come Messiaen o Ligeti sicuri riferimenti. Tutti e tre i pianisti hanno prodotto una brillante e sicura resa interpretativa, con qualità certamente di alto livello a riprova del fatto di come le nuove generazioni - i tre pianisti hanno età comprese tra i 22 e i 27 anni - siano oramai abituate all'esecuzione dei nuovi e complessi linguaggi attuali. Ricordiamo anche lo svolgimento di un' importante prova cameristica, dove i tre solisti hanno trovato il completamento con l' eccellente quartetto d'archi composto, per l'occasione, da Edoardo Zosi e Liù Pelliciari ai violini, Simone Gramaglia alla viola e Stefano Cerrato al violoncello. I due lavori proposti sono stati, per le due pianiste orientali, il Quintetto per pianoforte e archi in la magg. op 81 di Antonin Dvorak e per il polacco il Quintetto per pianoforte ed archi in fa minore di César Franck. Domenica, alle ore 17.00, al Teatro alla Scala si svolgerà la prova finale con l'esecuzione dei Concerti per pianoforte e orchestra di Čaikovskij, Prokof'ev e Rachmaninov, rispettivamente l' Op.23 con Su Yeon Kim al pianoforte, l'Op.16 con Piotr Pawlak e l'Op.18 con Ying Li. Il direttore giapponese Toshiyuki Kamioka dirigerà l'Orchestra dell'Accademia Teatro alla Scala. La serata si concluderà con la premiazione di colui o colei che sarà sicuramente un nome di grande rilevanza nel panorama concertistico attuale.

9 luglio 2021 Cesare Guzzardella

PROSSIMAMENTE ANDREA LUCCHESINI AL VIOTTI FESTIVAL ESTATE

Non si sono ancora spente le emozioni suscitate dalle recenti esibizioni di Anna Tifu e Giovanni Sollima, che la “parata di stelle” proposta dal Viotti Festival di Vercelli prosegue con un'altra straordinaria presenza: sabato 10 luglio, al Teatro Civico (ore 20) sarà infatti protagonista Andrea Lucchesini, senz'altro uno dei più grandi pianisti del panorama classico, accompagnato dall'Orchestra Camerata Ducale diretta da Guido Rimonda.Una sequenza di artisti di livello mondiale che ha davvero pochi eguali in una rassegna concertistica, e che insieme al numero degli appuntamenti in cartellone – ben 40 in 4 mesi – innalza Vercelli al rango di ideale “capitale della musica” di quest'estate 2021, quella che segna il tanto atteso ritorno dei concerti dal vivo. Enorme soddisfazione, dunque, per la Camerata Ducale, organizzatrice del Festival, essere riusciti a coinvolgere il pubblico in un tourbillon musicale incessante e dai contenuti così importanti. Inoltre, la presenza di Lucchesini a Vercelli continuerà anche dopo il concerto del Civico: mercoledì 14, il pianista si esibirà in quintetto insieme ai giovanissimi musicisti della Camerata Ducale Junior, da lui seguiti in veste di maestro preparatore. Una conferma della capacità di Lucchesini di essere non solo un eccelso interprete, ma anche un grandissimo didatta. Il programma dell'appuntamento del Civico, poi, rappresenta un altro motivo per non mancare: promette infatti di essere un'autentica celebrazione della bellezza. Si aprirà infatti con lo scintillante, magico Concerto K595 di Mozart, l'ultimo composto dal genio di Salisburgo prima della sua prematura morte, e si chiuderà con l'elegantissimo, sognante Concerto n.2 di Chopin. Composto da un autore appena diciannovenne, non è solo fresco e originale, ma riesce anche, nell'incantevole Larghetto, ad esprimere tutto il mistero e il turbamento di un amore giovanile.Con uno sguardo più ampio, che con il “cuore” guarda più in là, oltre la platea degli abitué del Viotti Festival, con il concerto di Lucchesini parte l’iniziativa del BIGLIETTO SOSPESO Un “biglietto sospeso” per chi non può permettersi di andare a teatro: solidarietà e cultura si fondono nell’iniziativa della Camerata Ducale. Il meccanismo è molto semplice: chiunque, con soli 5 €, può offrire un “biglietto sospeso” e fare in modo che il teatro sia davvero uno strumento di cultura per tutti. Per ogni biglietto sospeso donato, la Camerata ne offrirà un altro. Le Associazioni solidali che vogliono collaborare a questo progetto possono contattare gli uffici della Camerata al 366 30 54181, carolina.melpignano@camerataducale.

8 luglio dalla redazione

Fedor Rudin e Boris Kusnezow alle Serate Musicali del Conservatorio

Un programma incentrato sulla musica di Franz Schubert ma anche con un breve brano di Mozart e una rarità esecutiva di J.V.H. Voříšek, quello proposto in Conservatorio dal violinista Fedor Rudin e dal pianista Boris Kusnezow, entrambi moscoviti. Un duo cameristico particolarmente classico, dove già dalle prime note è emerso un equilibrio interpretativo di alto livello: chiarezza espressiva, controllo delle dinamiche e rispetto dei rispettivi ruoli, sono emersi in modo evidente in tutti i brani. La deliziosa Sonatina per violino e pianoforte in re maggiore op.137 n.1 D.384 (1816) e il più incisivo e virtuosistico Brillante per violino e pianoforte in si bemolle minore D895 (1826), hanno rivelato le ottime qualità interpretative del duo, ispirate da un esemplare "classicismo viennese". Sempre riferito al compositore austriaco abbiamo ascoltato l'interessante rivisitazione virtuosolistica di H.W.Ernst (1814-1865) del celebre lied Elkönig: nel Grand Caprice op.26 per violino solo (1854) del compositore ceco sono emerse ancor più le qualità virtuosistiche di Rudin. L' intenso lavoro è ricco di effetti timbrici, con uso di accordi e linee melodiche persino a quattro voci, armonici artificiali e difficili passaggi in pizzicato. Certamente Paganini è stato il principale riferimento di Ernst. Di ottima qualità il Rondò per violino e pianoforte in do maggiore KV373 (1781) di W.A.Mozart eseguito tra i due brani di Schubert. Il sostanzioso brano conclusivo dell'impaginato ufficiale prevedeva la Sonata per violino e pianoforte in sol maggiore op.5 (1820) di Jan Václav Voříšek, compositore boemo contemporaneo di Schubert e di qualche anno maggiore. È un lavoro, particolarmente virtuosistico, specie nella componente pianistica, - Voříšek è stato infatti un eccellente virtuoso di pianoforte - che ha ribadito l'ottima intesa del duo nell'esternare espressività in tutti i quattro classici movimenti che compongono la sonata. Applausi sostenuti al termine del programma ufficiale ed eccellente il bis concesso con lo splendido Cantabile in re magg. op.17 di Niccolò Paganini. Bravissimi!!!

 

7 luglio 2021 Cesare Guzzardella

Beatrice Rana e Manfred Honeck con la Filarmonica della Scala per Brahms e Dvořák

Un programma sostanzioso per la Filarmonica della Scala quello ascoltato ieri sera nel principale teatro milanese, con due brani importanti quali il Concerto n.1 in re min. op.15 di Johannes Brahms e la Sinfonia n.8 in sol magg. op.88 di Antonín Dvořák. Sul podio il direttore austriaco Manfred Honeck ha trovato al pianoforte, nel concerto brahmsiano, la salentina Beatrice Rana, attualmente la più affermata pianista italiana. Due lavori molto diversi nell'impaginato, datati rispettivamente 1858 e 1889, che hanno in comune timbriche sinfoniche imponenti. Anche il Concerto n.1 dell'amburghese infatti, trova nell'orchestra una componente sinfonica particolarmente accentuata. Beatrice Rana, pianista di ancora giovane età ma con già vasto repertorio, ha corraggiosamente affrontato un lavoro che richiede in genere maturità, oltre che forza fisica e tecnica non indifferente, specie nel monumentale Maestoso iniziale, dove la parte pianistica, interagendo sinergicamente con le sezioni strumentali ha ruolo primario al pari dell'orchestra. La Rana, dotata di tecnica precisa e minuziosa e di ferma gestualità, ha trovato coerenza interpretativa affrontando le difficili pagine con misurato equilibrio nei momenti meno concitati e con ampia volumetria sonora, e di decisa timbrica nelle parti di maggiore incisività. L'ottima direzione di Honeck, rivelata nelle eccellenti sonorità dei Filarmonici, ha ben rispettato lo spazio della solista, esaltando le parti dove l'orchestra e il pianoforte interagiscono. Molto delicato il timbro della Rana nell'intimo Adagio centrale e particolarmente elegante il Rondò conclusivo con le battute finali rese mirabilmente. Applausi scroscianti e numerose uscite in palcoscenico della pianista. Una resa eccellente per il bis concesso: la Romanza n.2 dall' Op.28 di Robert Schumann. La Sinfonia n.8 di Dvořák proposta dopo il breve intervallo, ha ancor più messo in risalto le splendide qualità direttoriali di Honeck. Il brano, nei classici quattro movimenti e nel tipico linquaggio del compositore ceco, ha frangenti di sublime bellezza, come nelle celebri battute dell'Allegretto grazioso e inserzioni folcloristiche nell'Allegro non troppo finale espresse con fragoroso virtuosismo orchestrale dagli eccellenti filarmonici, notevoli in ogni sezione strumentale. Honech ha quindi centrato perfettamente l'obiettivo fornendo un'esecuzione complessiva di altissimo livello estetico e rivelando le caratteristiche più autentiche del celebre compositore di Nelahozeves (Boemia). Ancora applausi fragorosi. Da ricordare

4 luglio 2021 Cesare Guzzardella

Prossimamente Giovanni Sollima al Teatro Civico di Vercelli

Se si ripensa alla delusione provata quando, l'anno scorso, il concerto di Giovanni Sollima al Viotti Festival dovette essere annullato a causa dell'emergenza Covid, allora l'attesa per l'appuntamento di domenica 4 luglio al Teatro Civico di Vercelli (ore 20) diventa ancora più intensa, perché alla gioia di una serata storica per il Festival si aggiunge l'ineguagliabile soddisfazione di vedersi idealmente chiudere una così lunga e sofferta parentesi. Giovanni Sollima, dunque, domenica sarà finalmente in scena al Civico. Nulla può fermare la musica, viene spontaneo dire; e la stessa frase vale anche per questo carismatico artista, non solo uno dei più noti violoncellisti e compositori viventi, ma anche e soprattutto una figura capace di attraversare epoche, generi e confini, riuscendo a rendere la musica stessa “universalmente contemporanea”, a contatto con il mondo e vicina a ogni persona. Dimostrazione di questa capacità di coinvolgere e trascinare lo spettatore sarà il concerto vercellese, perfetta espressione della personalità di un artista in grado di collaborare con Riccardo Muti e Claudio Abbado così come con Philip Glass e Patti Smith, di comporre temi per Peter Greenaway e John Turturro, di suonare il violoncello sott'acqua o su uno strumento fatto di ghiaccio. Nel programma, infatti, compaiono classici assoluti come Bach o Stravinsky, ma anche gioielli filologici come il riferimento al settecentesco Giuseppe Clemente Dall'Abaco, il tutto insieme a brani dello stesso Sollima, compreso un Fandango ispirato a Luigi Boccherini. Tutto quanto serve per saziare la voglia di musica e per andare anche oltre, aprendo orizzonti verso i quali, forse, lo spettatore non ha mai pensato di avventurarsi. L'incontro tra Giovanni Sollima e il Viotti Festival, insomma, promette davvero di stupire. Il concerto è a pagamento: biglietto intero 20 €, ridotto (under 26) 10 €. Per prenotare è possibile scrivere a biglietteria@viottifestival.it o telefonare al 329/1260732, oppure recarsi di persona al Viotti Club - via G. Ferraris 14, Vercelli (dal lunedì al venerdì dalle 10.30 alle 17.30, sabato dalle 14.30 alle 17.30). Il programma è il seguente: Giovanni Sollima violoncello Sollima - Hell I da Songs from the Divine Comedy ; Galli- Sonata II da Trattenimento musicale sopra il violoncello, 1691; Stravinski - Tre pezzi per clarinetto eseguiti sul violoncello; Bach - Suite n.3 in do maggiore BWV 1009; Dall'Abaco - Capricci n.6 e 8; Sollima - Natural Songbook n.1, 6 e 12, Fandango (after Boccherini)-

2 luglio     dalla redazione

GIUGNO 2021

Il Trio Gorna, Pieranunzi e Fiore per le Serate Musicali

Una formazione inconsueta ma estremamente interessante, quella formata dalle violinista LAURA GORNA, dal violinista GABRIELE PIERANUNZI e dal violista FRANCESCO FIORE. Tre archi per un programma che prevedeva brani di Dvorak, Prokofiev e Mozart. La Suite Miniature per 2 violini e viola (4 Pezzi Romantici) op.75 di Antonin Dvorak ha introdotto il concerto presentando subito la cifra stilistica dei protagonisti, cifra che ha trovato in tutti le qualità della grande scuola di strumenti ad arco italiana. Il dolce melodiare del grande compositore ceco, spesso espresso da poche note ricche di profondità espressiva, ha visto nel trio eccellenti interpreti, con intonazione, vibrato e dinamiche ottimamente gestite e in splendido equilibrio. Nella successiva Sonata per due violini op.56 di Sergej Prokof'ev i due archi si alternavano ed integravano definendo un mondo sonoro più astratto, meno lineare del precedente, ma con una costruzione armonica altrettanto importante. Le timbriche "spaziali" del grande compositore russo sono emerse grazie all'ottimo virtuosismo della Gorna e di Pieranunzi. Con Mozart e il suo Duo Kv 423 per violino e viola, siamo tornati ad un classicismo di fine Settecento, che unisce l'espressività delle mirabili melodie del salisburghese ad una sapiente costruzione d'insieme, dove la linea del violino di Pieranunzi è stata sostenuta dalla timbrica calda e profonda della corposa e volumetrica viola di Francesco Fiore. Ottima la resa complessiva. Di nuovo tutti e tre i protagonisti per il coinvolgente Terzetto Op .74 per due violini e viola ancora di Dvorak. I tre hanno ancora splendidamente interagito, creando quell'unico strumento ad arco che risulta quando l'affiatamento della parti e il rispetto dei ruoli raggiunge alti livelli, come quelli svelati con maestria dai tre sensibili attori. Applausi sostenuti dal pubblico intervenuto. Ottimo e divertente il bis concesso con il violista che lascia il suo strumento prediletto per sedersi al pianoforte e accompagnare i due violini in un brano del grande Pablo De Sarasate: Navarra op.33, un lavoro ricco di virtuosismi raffinati come è stato delineato in modo brillante e raffinato, evidenziando elementi folcloristici pensati magistralmente dal grande compositore e virtuoso spagnolo. Da ricordare.

30 giugno 2021 Cesare Guzzardella

Recital di Maurizio Pollini al Teatro alla Scala

Ogni ritorno di Maurizio Pollini al Teatro alla Scala è un avvenimento da non perdere. Anche questa volta il pubblico, prevalentemente milanese, ha risposto con evidente calore alle straordinarie qualità del grande virtuoso. Ieri sera, infatti, circa settecento persone presenti in teatro,- quelle consentite dalle severe regole della pandemia- hanno ascoltato in religioso silenzio l'artista milanese in un programma interamente dedicato a Fryderyk Chopin. Un impaginato ben strutturato, ben articolato e di ricca qualità, quello proposto: due Notturni Op.27, la Barcarola Op.60, la Sonata N.2 Op. 35 e, dopo il breve intervallo, lo Scherzo n.3 Op.39, la Berceuse Op.57 e la Polacca Op.53 "Eroica"; per finire due bis con lo Studio n.11 Op.25 e la Ballata n.1 Op.23. Tutti brani che ascoltiamo da decenni, ma che spesso trovano nel Maestro una ancora maggiore profondità interpretativa. Pollini oggi, all'età di 79 anni, ha il grande merito di dire qualcosa di nuovo, di non ancora sentito. Certo, in questi anni, le incertezze tecniche sono aumentate, l'elasticità digitale non è quella degli anni migliori, ma questo rappresenta, a mio avviso, un dettaglio di non significativa importanza rispetto alla profondità di pensiero e di resa complessiva di molti dei brani eseguiti. Nell'arte interpretativa, quello che maggiormente conta è lo spessore espressivo che si disvela internamente ai brani scelti in funzione dell'idea complessiva. L'espressività non solo è ancora presente nello Chopin di Pollini, ma è in costante salita per chiarezza d'idee e tensione drammatica. I due Notturni hanno trovato un' ottima introduzione al concerto in senso drammaturgico, con uno sviluppo della tensione emotiva già dal Notturno n.1 in Do diesis minore e dal più disteso e romantico Notturno n.2 in Re bem. maggiore, reso con estrema luminosità. La pacata Barcarola in Fa diesis maggiore, di straordinario equilibrio complessivo, ha anticipato il momento clou del concerto rappresentato dalla Sonata n.2 in Si bem. minore op.35, probabilmente quella più celebre e resa magistralmente in 24 minuti e 5 secondi. La straordinaria sintesi espressiva globale, ha trovato momenti apicali negli ultimi due movimenti, il terzo, quello dello Marcia funebre ed il brevissimo e rapidissimo Finale, Presto, movimento quest'ultimo di sconvolgente sintesi discorsiva e di straordinaria contemporaneità. Il breve intervallo ha visto di nuovo Pollini in palcoscenico per tre lavori ufficiali. Lo Scherzo n.3 in Do diesis minore op.39 è stato reso molto bene nella splendida "cascata" inversa di note; straordinaria la Berceuse in Re bem. maggiore op.57, ricostruita in modo perfetto e chiarissima nei dettagli. La successiva Polacca in La bem. maggiore op.53 "Eroica", altro cavallo di battaglia polliniano, ha trovato imperfezioni perdonabili nel complessivo impaginato. Tra i due bis proposti, lo Studio n.11 Op.25 "Winter Wind" e la Ballata n.1 in Sol minore Op.23, la seconda è stata di maggiore ricchezza, con profonda tensione emotiva ed equilibrio misurato come solo Pollini può! Numerose le uscite in palcoscenico dell'artista tra l'entusiasmo del pubblico. Da ricordare sempre.

26 giugno 2021 Cesare Guzzardella

 

Pierre-Laurent Aimard diretto da James Feddeck per il Concerto n.2 di Brahms e la Sinfonia n.2

Con la quarta settimana siamo arrivati al termine dellla riuscita rassegna musicale "A tutto Brahms". Un doppio incontro che ha visto impegnati il mercoledì e il giovedì solisti di fama internazionale ed eccellenti direttori d'orchestra. Ieri, nell'anteprima delle ore 17.00, abbiamo trovato al pianoforte il francese Pierre-Laurent Aimard e sul podio dell'Orchestra de "I Pomeriggi Musicali" il direttore americano James Feddeck. Un concerto importante e un brano particolarmente noto quello proposto. Il Concerto n.2 in si bem. maggiore op.83, ebbe una gestazione più facile del precedente e venne terminato da Johannes Brahms nel 1881, dopo tre anni d'intenso lavoro. Ottenne da subito un notevole successo. Come il primo concerto, ha caratteristiche decisamente sinfoniche ed è strutturato però in quattro movimenti, una rarità per questo genere di composizioni che di solito annoverano solo tre parti. L' eccellente dialogo che s'instaura tra il solista e l'orchestra, entrambi protagonisti, mette in risalto i numerosi temi che pervadono il celebre lavoro, ad iniziare dal corposo Allegro non troppo iniziale, per arrivare al fluido e spensierato Allegretto grazioso finale. Ottima l'integrazione sinergica tra il noto solista francese Aimard - pianista conosciuto soprattutto per le sue fondamentali interpretazioni del repertorio novecentesco e contemporaneo - e il direttore James Feddeck. Aimard ha mostrato un approccio molto strutturato e preciso nel suo modo di fraseggiare, attento ai dettagli e molto rispettoso dell'importante componente orchestrale. Momenti d'intensa forza espressiva si sono alternati ad altri di più pacata leggerezza. Valida la visione complessiva di Feddeck e l'espressività ottenuta, grazia agli ottimi orchestrali de I Pomeriggi, bravi in ogni sezione di strumenti. Applausi meritati dal numeroso pubblico pomeridiano. Nel pomeriggio di oggi, la Sinfonia n.2 in re maggiore op.73 (1877) ha rivelato le qualità direttoriali del trentasettenne Feddeck, che ricordiamo essere dal 2020 il direttore principale di questa valente orchestra e di essere stato vincitore, nel 2013, del prestigioso Sir Georg Solti Conducting Award. Particolarmente analitico, ma efficace, l' Allegro ma non troppo iniziale e di grande impatto discorsivo l'Allegro con spirito finale. Concerti da ricordare.

24 giugno 2021 Cesare Guzzardella

PROSSIMAMENTE

LA PROMESSA MANTENUTA: ANNA TIFU AL VIOTTI FESTIVAL ESTATE

Si dice “ogni promessa è debito”, e il Viotti Festival Estate lo conferma: l'anno scorso, quando la pandemia aveva imposto la chiusura dei teatri, uno dei concerti annullati – senz'altro uno dei più attesi – era stato quello di Anna Tifu, la fantastica violinista italiana ormai consacrata tra le stelle della musica mondiale. Ma subito, come confermato dalla stessa Tifu intervistata da Giulia Rimonda nel suo format Note a piè di pagina, ci si era ripromessi di comune accordo che quel concerto sarebbe sicuramente andato in scena, e presto, anzi appena possibile. Detto fatto: venerdì 25 giugno (ore 20), Anna Tifu sarà al Teatro Civico di Vercelli per un appuntamento che offre almeno tre motivi per restare scolpito nella storia del Festival: l'incontro con un'interprete straordinaria, la bellezza e l'originalità dei contenuti musicali e, non certo per ultimo, il gesto di chiudere simbolicamente il cerchio, affidando alla grande musica il compito di celebrare il ritorno alla mai così sospirata vita “normale”. Questo per il significato ideale della serata, ma un concerto è soprattutto musica. E sotto questo aspetto, il concerto di venerdì 25 rappresenta un'occasione più unica che rara: quella di immergersi nel mondo vibrante, appassionato, travolgente del tango. Anna Tifu, infatti, in quartetto con musicisti (e compositori) eccelsi come Fabio Furia al bandoneon, Romeo Scaccia al pianoforte e Giovanni Chiaramonte al contrabbasso, darà vita a un vorticoso e coinvolgente viaggio alla scoperta (o riscoperta) di una musica dalla storia lunga e complessa, ma soprattutto capace di stupire e quasi “rapire” l'ascoltatore. Dire tango vuol dire prima di tutto Astor Piazzolla, l'autore che più di ogni altro ha saputo elevare un genere da musica da ballo a musica “colta” (e che proprio per questo fu definito dai puristi “l'assassino del tango”), e al quale la formazione di Anna Tifu dedica giustamente ampio spazio, con classici struggenti quali Adios Nonino, Escualo e la celeberrima Libertango. Ma significa anche attingere alle molte pagine memorabili composte dagli epigoni di Piazzolla, tra i quali proprio Scaccia e Furia, che si esibiranno al Civico con la Tifu. Insomma, gli ingredienti per rendere un concerto indimenticabile ci sono tutti, e anzi, forse c'è anche quel qualcosa in più che spinge assolutamente a non mancare: la bella e rassicurante sensazione di vivere il momento in cui una promessa viene mantenuta.

23 giugno dalla redazione

Louis Lortie per il Concerto n.1 di Brahms e la Quarta Sinfonia con Donato Renzetti

Siamo arrivati alla terza settimana di appuntamenti per la rassegna musicale "A tutto Brahms". Un doppio incontro che mercoledì ha trovato al pianoforte il canadese Louis Lortie e sul podio dell'Orchestra de I Pomeriggi Musicali ancora Donato Renzetti. Un concerto esemplare per potenza espressiva. Il Concerto n.1 in re minore per Pianoforte e Orchestra op.15, ebbe una gestazione non facile per il giovane Johannes Brahms che lo terminò nel 1858. Ai tempi venne considerato un concerto difficile da eseguire e non venne apprezzato, al contrario del meno trasgressivo e più "tradizionale" Concerto n.2. Le caratteristiche molto sinfoniche del lavoro, pongono l'orchestra ad un livello di esposizione pari, a volte superiore, a quella del solista. L'integrazione tra la monumentale parte orchestrale e quella solistica rimane esemplare, soprattutto nel lungo e scultoreo Maestoso iniziale, movimento dove l'ottima direzione di Donato Renzetti con i bravissimi "I Pomeriggi" unitamente alla plastica resa di Louis Lortie, che ha adattato le sue eccellenti qualità solistiche in ogni frangente del brano, hanno prodotto un'esecuzione di alto livello. L'Adagio centrale, dove le note più intime e personali del pianoforte hanno un ruolo maggiore, hanno rivelato l'ottima introspezione e la notevole espressività del pianista canadese. Molto bello anche il più estroverso e disteso Rondò finale. Applausi fragorosi dal numeroso pubblico. La Sinfonia n.4 in mi minore op.98, ascoltata oggi, è l'ultima delle quattro, ed è stata terminata nel 1885. Capolavoro assoluto per varietà e bellezza dei temi proposti, per rielaborazione delle architetture e per resa espressiva complessiva, questo lavoro conclude un ciclo compositivo proiettato verso il '900. Ha trovato un'ottima direzione nella bacchetta di Donato Renzetti in tutti i quattro movimenti, a partire dallo stupendo Allegro non troppo. Bravissimi gli orchestrali de I Pomeriggi in ogni sezione. Applausi meritati e per bis ancora una celebre Danza ungherese. Da ricordare.

17-06-2021 Cesare Guzzardella

 

Andrea Bacchetti alle Serate Musicali

È una costante presenza milanese quella del pianista genovese Andrea Bacchetti. Conosciamo bene le sue frequentazioni in territorio barocco, con l'eccellenza interpretativa riservata a Bach. Ieri sera in Sala Verdi era con l'Orchestra della Scuola dell’Opera del Teatro Comunale di Bologna diretta da Marco Boni per due concerti mozartiani: il Concerto per pianoforte e orchestra n. 26 in re maggiore K 537 ed il Concerto per pianoforte e orchestra n.12 in la maggiore K 414. Questi sono stati preceduti dall'Ouverture in si minore op.26 “Le Ebridi” di F.Mendelsshon, lavoro del 1832 del compositore tedesco che ci ha rivelato da subito la cifra espressiva dei giovani orchestrali che formano l'orchestra della Scuola dell'Opera bolognese attraverso un'interpretazione energica e ben sostenuta dall'ottima direzione di Boni. L'ingresso di Bacchetti nel palcoscenico di Sala Verdi ha segnato un cambio di rotta per un ritorno ad un classicismo chiaro e luminoso quale è quello del grande salisburghese. L' opera K 537, denominato anche "Concerto dell'Incoronazione" è del 1788. In stile galante presenta una moltiplicità di temi esposti sia dall'orchestra che dal solista mentre l'opera K 414 è del 1784 ed ha tinte più scure con situazioni che anticipano il romanticismo, come spesso accade nei concerti più eseguiti. Bacchetti ha rivelato in entrambi i lavori una scioltezza discorsiva sostenuta da una evidente luminosa espressività. L'ottima integrazione con le timbriche orchestrali, ben espresse in ogni sezione della compagine, ha portato ad interpretazioni di qualità in entrambi i lavori, con momenti di ancora maggiore profondità espressiva nell'Andante del Concerto in la maggiore (K.414). Fragorosi gli applausi al termine del programma ufficiale da parte del pubblico, purtroppo con limite numerico imposto dalla pandemia. Di grande qualità il bis concesso da Bacchetti con il Preludio n.9 dal Secondo libro del Clavicembalo ben temperato. Da ricordare

15 giugno 2021 Cesare Guzzardella

Prosegue l’Estate musicale dalla Camerata Ducale

Sabato 19 giugno 2021, ore 20 al Teatro Civico via Monte di Pietà 15, Vercelli, Protagonisti saranno l'Orchestra Camerata Ducale al gran completo condotta da Emmanuel Tjeknavorian, giovane direttore e violinista di fama internazionale con la giovanissima e brillante Giulia Rimonda nel ruolo di violinista solista, per un programma di grande fascino: Prokofiev Concerto per violino n. 2 in sol minore, op. 63 e Beethoven Sinfonia n. 4 in si b maggiore, op. 60. IMPORTANTE: si segnala che viste le recenti disposizioni che rimuovono il coprifuoco e per andare incontro alle preferenze dimostrate da molte persone interessate, tutti i concerti al Teatro Civico del Viotti Festival Estate - 25.6 Anna Tifu Quartet, 4 luglio Giovanni Sollima, 10 luglio Andrea Lucchesini e la Camerata Ducale, 28 agosto Guido Rimonda e Ramin Bahrami - inizieranno alle ore 20, e non alle ore 19 come inizialmente comunicato.

15 giugno 2021 dalla redazione

Lucas & Arthur Jussen con l'Orchestra Sinfonica "G.Verdi"

I fratelli Jussen, i pianisti olandesi Lucas & Arthur, sono approdati in Auditorium con l'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi" per eseguire il noto Concerto per due pianoforti ed orchestra di Francis Poulenc, un lavoro di grande impatto discorsivo scritto dal grande compisitore parigino nel 1932 ed eseguito per la prima volta nel settembre di quell'anno al Teatro la Fenice di Venezia. È nello stile tipico di Poulenc, un neo-classicismo ricco d'inventiva, con una quantità enorme di melodie unite in una sorta di "collage musicale" che denota anche influenze futuriste. I due pianoforti, in perfetto equilibrio tra loro e con esemplare integrazione con l'orchestra, hanno travato in Lucas e Arthur due interpreti ideali per determinazione e senso ritmico. Gli elementi virtuosistici, determinati anche da uno scorrimento rapido di molti frangenti musicali, come gli attacchi repentini nell'Allegro ma non troppo iniziale e dell'Allegro molto del terzo ed ultimo movimento, sono anche presenti nelle parti orchestrali che devono perfettamente integrarsi con le accentuate e ritmiche note dei pianoforti. Momenti di pacata liricità sono presenti nel suggestivo Larghetto centrale, ispirato dal classicismo dei concerti mozartiani. Un'esecuzione memorabile per i due fratelli e per l'Orchestra Verdi, diretta ottimamente da Alpesh Chauhan. Applausi fragorosi da parte del numeroso pubblico e due bis solistici concessi: il primo per due pianoforti con virtuosismi dei Jussen ispirati dal primo movimento della Sinfonia n.40 di Mozart ma anche da un celebre Carosone e poi un breve ma intenso Bach con la BWV 106 trascritta da G.Kurtàg per quattro mani. Il brano di Poulenc è stato preceduto da un interessante lavoro in "prima esecuzione assoluta" del compositore torinese Nicola Campogrande. Il brano per soprano e orchestra è denominato Hello, World ed è in quattro brevi parti. Una sorte di quattro lieder, intonati ottimamente dal soprano Vittoriana De Amicis, ispirati da termini usati nel linguaggio informatico. I quattro movimenti si chiamano infatti In B, Unix-Shell, In Delphi, In Malbolge. Questi termini e poche altre parole, vengono aggregate tra loro ed intonate dal soprano in modo quasi "futuristico " integrandosi con la parte orchestrale che utilizza invece timbriche tonali ottimamente costruite, con un linguaggio che ricorda la leggerezza della migliore musica dei primi del Novecento con riferimenti che vanno da Puccini sino ai viennesi più lirici. Un ottimo lavoro diretto benissimo dal direttore Chauhan. Il concerto è terminato con una rara giovanile Sinfonia n.1 in do minore op.11 di F. Mendelssohn, brano con molti spunti interessanti e ben orchestrati che rimandano ai grandi compositori che hanno preceduto il grande compositore tedesco. Da ricordare!

11 giugno 2021 Cesare Guzzardella

"A tutto Brahms" con Krylov, Maisky e Renzetti

Procede la rassegna dedicata a Johannes Brahms con due lavori importanti quali il Doppio Concerto in la minore per violino, violoncello e orchestra op.102 e con la Sinfonia n.3 in fa maggiore op.90. Sul podio dell'Orchestra I Pomeriggi Musicali abbiamo trovati questa volta il direttore Donato Renzetti. Solisti nel Concerto ascoltato mercoledì 9, un duo di eccellenti qualità come quello dei russi Sergej Krylov e Mischa Maisky. Due fuoriclassi, spesso presenti nelle sale concertistiche di Milano, che hanno esaltato il contesto ampiamente melodico del celebre Doppio Concerto, composto dall'amburghese nel 1887. I canonici tre movimenti, Allegro, Andante e Vivace non troppo, si dipanano nell'arco di poco oltre trenta minuti partendo dal serioso inizio del primo movimento, quello più ampio, come spesso accade nei concerti per solista e orchestra. Le potenti brevi battute orchestrali iniziali e l'ingresso autonomo del violoncello solista sono da subito indicativi della forza drammatica di questo capolavoro. Una Cadenza, quella del violoncello, che trova una posizione iniziale inusuale, e che stabilisce quasi una gerarchia di valori nel quale questo strumento ad arco vorrebbe essere dominante. Maisky, con il suo tocco preciso e scavato riesce da subito a mostrare la sua eccelsa cifra stistica. Dopo poche note orchestrali l'ingresso più melodico del violino di Krylov, confluisce poi in una seconda cadenza esternata da entrambi i solisti. Bravissimi i due protagonisti, unitamente agli ottimi orchestrali diretti splendidamente da Renzetti, un direttore famoso nel mondo sin dalla vittoria del Concorso Cantelli nel lontano 1980. Di suadente impatto il celebre Vivace non troppo finale, con la folclorica melodia che introduce il terzo movimento. Grande successo con fragorosi applausi e un inaspettato bis - sembrava non esserci- con due incredibili, per qualità, Bach: prima la Sarabanda dalla Suite n.2 per violoncello solo e po senza soluzione di continuità, col violino la Sarabanda per violino solo dalla Partita n.2. Successo e fragorosi applausi dal numeroso pubblico intervenuto. Di qualità anche l'interpretazione della Sinfonia n.3 in fa maggiore op.90 ascoltata nel tardo pomeriggio sempre per la direzione di Donato Renzetti. Il noto lavoro sinfonico dell"amburghese, composto nell'estate del 1883 ha trovato una decisa sintesi formale in tutti i quattro i movimenti, dall'ampio Allegro con brio iniziale all'Allegro finale, passando per l' Andante e dal delizioso Poco allegro. Ottime tutte le sezioni della compagine orchestrale. Applausi sentiti per Renzetti e l'Orchestra anche dopo il bis concesso, ancora di Brahms, con una Danza ungherese. Da ricordare.

10 giugno 2021 Cesare Guzzardella

SMILE: VERCELLI RITROVA LA MUSICA CON GUIDO RIMONDA E LA CAMERATA DUCALE

Là dove c'era il distanziamento sociale, ora ritorna la musica dal vivo: è ciò che accadrà domenica 13 giugno (ore 21) a Vercelli nello spazio Pisu, ovvero l'area ex ospedale, con protagonisti Guido Rimonda e l'Orchestra Camerata Ducale. Inserito nel programma estivo del Viotti Festival (40 concerti da maggio a settembre), il concerto sarà dunque fondamentale per il suo significato, ma anche originale per il suo contenuto. Guido Rimonda e il suo Stradivari Leclair 1721 accompagneranno infatti gli spettatori in un'avventura musicale tra le colonne sonore che hanno contrassegnato la storia del cinema.

Smile - Uno Stradivari al cinema nasce dal nuovo e sorprendente cd inciso da Guido Rimonda per Decca e mette insieme tre carte vincenti: uno Stradivari dal fascino oscuro e inquietante, un grande violinista che ama addentrarsi in territori inusuali e l'incanto del grande schermo. Il tutto condensato in una parola che regala leggerezza e ottimismo: smile.

Guido Rimonda non si accontenta di ripercorrere i “classici” che hanno reso indimenticabili molte pellicole, bensì regala una scelta di melodie spesso sorprendente, andando a scavare nelle pieghe della “settima arte” e uscendone con dei veri tesori. Smile, lo splendido tema da Tempi moderni di Charlie Chaplin, dà il titolo a un viaggio musical-cinematografico che via via toccherà lo struggente tema dell'Olocausto, con la celeberrima colonna sonora di John Williams per Schindler's list, ma anche il tango di Carlos Gardel con Por una cabeza, i capolavori del sommo Ennio Morricone, come Nuovo Cinema Paradiso, e molte altre gemme, come ad esempio il tema dell'ultima interpretazione di Massimo Troisi, ovvero Il postino. Ma ci sarà ancora molto altro da scoprire in Smile, un concerto che saprà emozionare e stupire come capita davvero di rado.

10 giugno dalla redazione

DUCALE.LAb E PIANOFORTISSIMO: DOPPIO APPUNTAMENTO AL MUSEO LEONE

La fitta stagione concertistica estiva vercellese non conosce soste: in piena coerenza con la sua fama – Vercelli è risultata di recente in assoluto l'ottava città in Italia per offerta musicale – il Viotti Festival Estate propone per venerdì 11 giugno, nell'ambito delle rassegne Ducale.LAb e Pianofortissimo, addirittura un doppio appuntamento con due giovani talentuosi pianisti: Chiara Biagioli e Josef Mossali. Un concerto che è reso possibile da tre collaborazioni tanto importanti quanto consolidate. La prima è quella con un'altra eccellenza cittadina, ovvero il Museo Leone, che – come accade da anni – ospiterà i concerti nei suoi splendidi ambienti, offrendo agli spettatori l'occasione di vivere non solo la musica, ma anche la bellezza e l'atmosfera di uno dei luoghi più affascinanti di Vercelli. La seconda riguarda il concerto di Chiara Biagioli (alle ore 18), ed è quella con il Concorso Ducale.LAb, “creatura” della Camerata Ducale, giunto ormai alla VII edizione. Pensato per selezionare e premiare i migliori talenti dei Conservatori piemontesi, il Concorso ha suscitato in questi anni un crescendo di interesse, e offre da sempre al pubblico l'opportunità di ascoltare dal vivo i vincitori in una rassegna estiva a loro dedicata. La terza, per quanto concerne il concerto di Mossali (alle ore 20), è quella con la Fondazione Società dei Concerti di Milano, la quale ha già notato e premiato il giovanissimo pianista nell'ambito del suo prestigioso Premio Mormone, e che con la sua disponibilità ha reso possibile questo appuntamento

10 giugno dalla redazione

L' Arcangelo incantatore Mikhail Pletnev alle Serate Musicali

È tornato Mikhail Pletnev in Conservatorio per le Serate Musicali. Atteso, come sempre, da un numeroso pubblico di affezionati, ieri sera il grande pianista russo ha trovato i limiti di capienza di Sala Verdi imposti dal covid. I fortunati presenti, circa quattrocento, hanno ascoltato un impaginato tutto dedicato a Frederick Chopin: l' Impromptu op.51 in sol bemolle maggiore, una serie di ben 13 Mazurche ( dalle opere 6-7-17-24-30-33-63-67-68- b134) e la Sonata n.3 in Si minore op.58. Premesso che il pianista russo, classe 1957 di Arkhangelsk (Arcangelo), sia uno dei massimi interpreti viventi, sappiamo anche che analizzarlo nel repertorio del grande compositore polacco non è cosa facile. In esso i grandi del passato, soprattutto ma non soli i polacchi, hanno dato risultati sorprendenti entrati nella storia dell'interpretazione. Lo stile di Pletnev probabilmente non è molto vicino al territorio "polaccho", ma indubbiamente ha una carica vitale ed espressiva unica, molto personale, con situazioni diffuse di eccellenze inarrivabili. Nei pezzi di breve durata, quindi certamente in tutte le Mazurche - parte sostanziale del programma- , Pletnev ha dato probabilmente la prova migliore, dominando la tastiera con un controllo delle dinamiche stupefacente. Tutto concentrato nell'interpretazione, con la postura ferma, il volto severo e immobile plasticamente, Pletnev è puro pensiero musicale. Ogni difficoltà tecnica è superata dalla sua fomidabile capacità d'introiezione del materiale sonoro, ed il suo unico problema risulta essere il controllo del peso delle note o delle pause, nelle più semplici o complesse frasi musicali. La sua escursione dinamica, dai quasi impercettibili pianissimo ai fortissimo - questi mai eccessivi- presenta un'infinità di gradazioni. Solo un ascolto attento ci può fare cogliere in profondità molti dei particolari presenti nelle sue chiare e poetiche esternazioni. Dopo l'eccellente Impromptu introduttivo - luminoso nella sua "vivace" esplicazione ed indicativo della capacità di Pletnev di elaborare sfumature sottili in molteplici piani sonori ben evidenziati-, la serie delle Mazurche ha raggiunto vertici assoluti a partire dalla prima, l'Op.6 n.1 in fa diesis minore, eseguita in continuità con l'Improvviso. Citiamo le più coinvolgenti mazurche, anche se tutte sono di altissimo livello e legate tra loro, tutte e tredici, secondo una sequenza certamente studiata per creare un effetto di continuità e di unità. L'Op.7 n.1 in si bem. maggiore ha evidenziato il sottile gioco di accenti in una sintesi discorsiva chiara ed estroversa. La celebre Op.17 n.4 in la minore - ricordiamo l'interpretazione del sommo Horowitz- eseguita subito dopo, è un vertice assoluto di gradazioni coloristiche evidenziate da tenui contrasti che in certi momanti tendono a svanire nel nulla. L'Op 24.n.2 in do maggiore è un altro capolavoro di contrasti ritmici e di accenti in una rapida sintesi discorsiva che non nasconde nulla ma che anzi evidenzia ogni particella musicale. Interessante il collegamento in continuità con l'Op.63 n.2 in fa minore e con il suo andamento lento e meditato. Citiamo ancora l' Op. 63 n.3 in do diesis minore, insuperabile per equilibrio e bellezza timbrica. Dopo le Mazurche, la Sonata n.3 in Si minore op.58, ci è piaciuta soprattutto per l'esternazione originale di moltissimi dettagli che rientrano nelle originali modalità di ricerca coloristica di Pletnev. La Sonata è lontana da alcune interpretazioni entrate nella storia, ma è indubbiamente di enorme interesse per personalizzazione. Dopo i fragorosi applausi tributati al termine del programma ufficiale, i tre bis concessi hanno esaltato ancor più le qualità del grande interprete: una rara e mirabile The Lark (l'allodola) di Glinka nella trascrizione di Balakirev, una rapida e perfetta esecuzione di una Fuga di Bach, la n.22 dal secondo volume del Clavicembalo ben temperato, e per concludere una delle più celebri Sonate di Domenico Scarlatti, la "Pastorale" ovvero la K 9 in Re minore eseguita con una sintesi estetica sublime. Da ricordare sempre.

8 giugno 2021 Cesare Guzzardella

Marianne Crebassa al Teatro alla Scala

Il recital del mezzo-soprano francese Marianne Crebassa, ascoltato ieri sera in teatro, ha trovato oltre al pubblico scaligero presente, limitato alle 500 persone imposte dalla pandemia, anche numerosi video-ascoltatori in diretta streaming. Accompagnata molto bene dal pianista parigino Alphonse Cemin, Marianne ha scelto un programma prevalentemente di autori francesi quali Debussy, Ravel, Berlioz e Bizet, anticipati da quattro brani del compositore basco-spanolo Jesús Guridi tratti da Seis canciones castellanas e inframezzati dall'altro spagnolo, Manuel de Falla, con due brani quali Séguedille da Trois Mélodies eVivan los que rien! da La vida breve. Forte l'impatto con i lavori di Guridi. Il taglio incisivo delle melodie ottimamente armonizzate e ben rese dalle mani di Cemin, hanno trovato una sinergica voce della Cabrassa con timbriche chiare, espressive, quasi angeliche nel lieve riverbero della platea del teatro scaligero, libero dalle poltrone. Decisamente coinvolgente l'ultimo dei quattro brani di Guridi: Mañanita de San Juan. Cambio di registro con i quattro brani di Claude Debussy proposti successivamente tra cui citiamo l'originale La chevelure e il cupo e sensuale Le tombeau des Naïades. Ritorno ad un taglio spagnolo ricco di contrasti con Chanson espagnole di Maurice Ravel e soprattutto con Sèguedille tratto dalle Trois Mélodies di Manuel de Falla. Nella seconda parte della serata, dopo il breve intervallo, i sei brani di Hector Berlioz da Les nuits d'été op. 7 per voce ed orchestra, hanno riportato ai sapori francesi e, in questi lavori, espressi con intensa drammaticità e sofferenza dalla voce ancor più calda della splendida interprete, abbiamo apprezzato le complesse armonizzazioni pianistiche dell'ottimo Cemin. Dopo un breve ritorno alla Spagna di Manuel de Falla con Vivan los que rien! da La vida Breve, il celebre brano di Georges Bizet tratto da Carmen, Près des remparts de Séville, ha concluso felicemente il programma ufficiale. Due i bis concessi: prima Ravel con la sua sensuale Habanera e poi ancora Bizet con l'Amour est un oiseau rebelle ancora da Carmen. Splendida la voce della Crebassa, ottimo il pianoforte di Cemin! Fragorosi gli applausi, con numerose uscite dei protagonisti. Da ricordare.

7 giugno 2021 Cesare Guzzardella

 

"A tutto Brahms" con I POMERIGGI MUSICALI

È una rassegna estremamente interessante quella che è iniziata ieri pomeriggio al Teatro Dal Verme con l' Orchestra I Pomeriggi Musicali. Denominata "A tutto Brahms", il non breve festival musicale dedicato al grande musicista amburghese occuperà i giorni di mercoledì e di giovedì delle prime tre settimane di giugno per l'esecuzione delle Sinfonie e di tutti i Concerti solistici. Direttori come George Pehlivanian, Donato Renzetti e James Feddeck e solisti di fama internazionale quali Julian Rachlin, Sergej Krylov, Mischa Maisky, Louis Lortie e Pierre-Laurent Aimard, si alterneranno sino al 24 giugno per questo "tutto Brahms". È un festival importante anche perchè segna finalmente il ritorno del pubblico in questa storica sala milanese. I concerti verranno sempre ripetuti: l'anticipazione del tardo pomeriggio -ore 17.00- verrà infatti riproposta nella prima serata alle ore 20.00, per dare la possibilità d'ascolto ad un pubblico più numeroso, viste le restrizioni imposte dalla pandemia che limitano di molto l'affluenza degli spettatori. Ieri è stata la volta di un grande virtuoso quale Julian Rachlin, diretto da George Pehlivanian, per il Concerto in Re maggiore per violino e orchestra op.77. Un capolavoro di scrittura sinfonica e violinistica del 1878, dedicato da Brahms al grande virtuoso di violino ungherese Joseph Joachim, violinista che ha personalmente curato la parte solistica ricca di difficoltà tecnico-virtuosistiche. Pehlivanian, prima del lavoro brahmsiano, in occasione della Festa della Repubblica ha eseguito l'Inno di Mameli. L'esecuzione dell'op.77 ha trovato una direzione corposa e decisa, ben rivelata nella valida interpretazione dell'orchestra de I Pomeriggi. La rilevante parte solistica di Rachlin è stata sostenuta con determinazione e virtuosismo sia nell'ampio Allegro non troppo iniziale che nei due movimenti successivi, quello più meditativo dell'Adagio e quello estroverso dell'Allegro giocoso. Due i bis solistici concessi da Rachlin al termine del programma ufficiale : prima un valido Bach con la Sarabanda dalla Partita n.2 e quindi un eccellente Ysaye con la Sonata n.3 "Ballade", brano che a conclusione ha strappato fragorosi applausi, decisamente meritati. Oggi, nell'anteprima pomeridiana, I Pomeriggi, ancora diretti da Pehlivanian, hanno ottimamente interpretato la Sinfonia n.1 in do minore op.68, lavoro di ampie proporzioni che Brahms terminò dopo lunga gestazione nel 1876. La valida interpretazione ascoltata ha trovato il momento migliore nello splendido Allegro non troppo del finale. Applausi sentiti. Prossimo appuntamento per mercoledì 9 con Donato Renzetti, Sergej Krilov e Mischa Maisky e il Doppio concerto op. 102. Da non perdere!

3 giugno 2021 Cesare Guzzardella

Enrico Dindo e I Solisti di Pavia per Serate Musicali

Da circa venti anni il violoncellista Enrico Dindo dirige l'orchestra d'archi I Solisti di Pavia, esprimendosi oltre che nella direzione anche con il suo prediletto strumento ad arco. Ieri sera, dopo alcuni rimandi "causa covid", finalmente è tornato sul palcoscenico di Sala Verdi in Conservatorio nel duplice ruolo di direttore e di solista. Dindo prima d'iniziare ha voluto ricordare l'Avv. Andrea Massimo Astolfi, compianto presidente de I Solisti di Pavia. L'impaginato prevedeva brani classici di marcata valenza melodica, alcuni di questi in trascrizione o orchestrazione per cello ed archi fatte dallo stesso Dindo. Il bellissimo brano Chant du Menestrel (1901) per violoncello ed archi di Aleksandr Glazunov, ha felicemente introdotto la serata rivelando da subito la cifra stilistica ed espressiva dell'eccellente violoncellista. Il suono dolce e vellutato, del suo strumento, ricco di vibrato, è apparso di notevole qualità sin dal primo breve ed intenso lavoro. A seguire il Rondò per violoncello ed archi (1891) di Antonin Dvorak ha proseguito la serata. La felice orchestrazione di Dindo del Requiem per tre violoncelli ed archi (1891) di David Popper - compositore e violoncellista boemo vissuto nel secondo Ottocento- ci ha portato ad un lavoro di rara esecuzione ma di ottima resa espressiva. Molto bravi anche gli altri due solisti  entrati in giocoin modo determinante nel valido brano. Rientrato in palcoscenico nel ruolo di direttore, Dindo ha scelto poi la celebre Serenata per archi di P.I. Čaikovskij, un ampio lavoro cameristico del 1880 caratterizzato da quattro movimenti d'immensa ispirazione e di perfetta costruzione melodico-timbrica L'ottima direzione operata da Dindo ci ha rivelato la statura d'alto livello del gruppo d'archi di Pavia, arrivato ad una tensione musicale di notevole impatto emotivo sin dal primo movimento, il profondo ed incisivo Andante non troppo, seguito poi dal celebre luminoso Valzer. Il programma ufficiale ha avuto una non breve coda con tre brani per violoncello ed orchestra eseguiti come bis. Il primo, il Notturno di Čaikovskij trascritto dal russo dall'originale per pianoforte op.19 n.4 ; il secondo, una trascrizione di Dindo del Cigno dal Carnevale degli animali di C. Saint-Saens ed in fine un'Ave Maria di Piazzolla ancora egregiamente trascritta per violoncello ed orchestra dal bravissimo solista. Mirabili esecuzioni. Successo di pubblico ed applausi meritatissimi.

1 giugno 2021 Cesare Guzzardella

 

MAGGIO 2021

L'Orchestra d'Archi dell' Accademia Teatro alla Scala in Conservatorio per la Società dei Concerti

Un programma eccellente quello scelto da Francesco Manara e dai giovani Archi dell'Accademia del Teatro alla Scala. Le celebri Quattro Stagioni di Antonio Vivaldi in alternanza alle stagioni di Astor Piazzolla o meglio "Cuatro Estaciones Porteñas", hanno intrattenuto il numeroso pubblico intervenuto in Sala Verdi per oltre settanta minuti. Non è certo la prima volta che vengono accostati i due lavori composti intorno al 1725 dal veneziano e tra il 1965 e il 1970 dall'argentino. In anni recenti abbiamo ascoltato i due capolavori dalla Sinfonica Verdi, dalla Kremerata Baltica e addirittura dagli Archi dei Filarmonici di Berlino. Ogni volta siamo rimasti piacevolmente soddisfatti delle interpretazioni, tutte valide anche se differenti nelle rese coloristche. Francesco Manara, da moltissimi anni violino di spalla dell'Orchestra del Teatro alla Scala e ieri sera anche direttore, ha trovato un ottimo equilibrio nelle scelte adottate per definire al meglio i rispettivo dodici movimenti che compongono i lavori. L'idea, certamente non nuova, dell'accostamento delle rispettive stagioni partendo dalla Primavera per Vivaldi e dall'Estate per Piazzolla , ha rivelato le differenze sostanziali tra i modi compositivi dei due grandi musicisti, accomunati nei due lavori dalle timbriche tipiche degli strumenti ad arco. Piazzolla ha pensato bene di ispirarsi alle stagioni vivaldiane inserendo, nelle sue più brevi Estationes, inserzioni ben riconoscibili del capolavoro veneziano. La resa complessiva, ottima, ha rivelato anche le qualità dei giovani orchestrali scaligeri con punte di eccellenza nelle prime parti dell'orchestra, spesso messe in evidenza nei momenti più cameristici dei brani. Grande successo al termine del programma e due splendidi bis concessi con il celebre Oblivion di Piazzolla e la ripetizione del Presto finale dell' Estate vivaldiana. Bravissimi tutti! Da ricordare.

27 maggio 2021 Cesare Guzzardella

Sono tornati i concerti con pubblico alle Serate Musicali con i Lonquich

Splendido il ritorno ai concerti delle Serate Musicali. Sala Verdi in Conservatorio ha visto un buon numero di attenti spettatori al concerto di Alexander Lonquich, di Tommaso Lonquich e di Irena Kavčič. Rispettivamente pianoforte, clarinetto e flauto per brani di ben sette compositori, con alternanza degli strumenti a fiato e quasi costante presenza del pianoforte di Alexander Lonquich. Il primo lavoro, il bellissimo Syrinx (1913) di Claude Debussy, ha trovato il flauto in solitaria della bravissima Kavčič. Luminosa e precisa la sua interpretazione per un lavoro particolarmente moderno e anticipatore di atmosfere più recenti. A questo brano è seguito quello del secondo francese, Gabriel Fauré con la Fantasia per flauto e pianoforte (1898). L'ottima interpretazione ascoltata è stata determinata da un sinergico intervento dei due protagonisti con la parte pianistica di Lonquich senior ben articolata nell'incedere grintoso e molto preciso, con timbriche ricche di sfumature. Di qualità i colori del sonoro flauto della Kavčič. Con il lavoro di F. Busoni e la sua Elegia in mi bemolle (1920), è entrato in scena il figlio d'arte Tommaso Lonquich col suo splendido e timbricamente corposo clarinetto. L'interpretazione del duo ha avuto un'intesa perfetta. Perfezione ripetuta poi negli altri lavori per pianoforte e clarinetto. Ricco di colori il brano di Oliver Messiaen, Le merle noir per flauto e pianoforte (1954) reso in modo mirabile dalla flautista in perfetta sintonia col pianista. Lavoro questo di assoluta contemporaneità per ricerca coloristica. Ancora autori francesi in programma, prima con le note grintose e ricche d'armonia di Camille Saint-Saens con la Sonata per Clarinetto e pianoforte (1921) eseguita in modo eccellente e poi i timbri eleganti e divertiti di Francis Poulenc con la Sonata per flauto e pianoforte (1957) interpretata con grande fluidità. A conclusione del programma ufficiale, un salto indietro nel tempo di oltre sessanta anni dai lavori più recenti con la romantica Sonata per clarinetto e pianoforte (1894) di J.Brahms ha determinato al termine fragorosi applausi dal pubblico. Finalmente il trio al completo nei due bis concessi con l'eccellente, rara e deliziosa Tarantella op.6 (1857) di Saint-Saens, espressione di raffinata costruzione melodica e armonica e a conclusione un movimento lento e breve dalla Sonatina op.85 (1935) del francese Florent Schmitt. Splendido concerto, certamente da ricordare.

25 maggio 2021 Cesare Guzzardella

 

Musica e poesia con Andaloro e Curci in Conservatorio

L'interessante intreccio tra letteratura e musica ha visto realizzazione nel programma proposto dalla Società dei Concerti e dai due interpreti che si sono alternati sul palcoscenico di Sala Verdi in Conservatorio. L'attore Angelo Curci ed il pianista Giuseppe Andaloro hanno trovato, in occasione del settimo centenario dalla morte di Dante Alighieri, un motivo di congiunzione dei rispettivi linguaggi. Versi tratti dalle Rime, dalla Vita Nova e dalla Divina Commedia sono stati ottimamente recitati da Angelo Curci; a questi si sono alternati brani eseguiti con chiara e decisa esposizione dal pianista siciliano. Il tema poetico della serata si è rivelato anche nella scelta accurata e ben strutturata operata da Giuseppe Andaloro: sue trascrizioni pianistiche di madrigali a cinque voci di Luca Marenzio con Così nel mio parlar voglio essere aspro e di L. Luzzaschi con Quivi sospiri e anche su una breve trascrizione dalla Cantata op.9 di Wolf-Ferrari dalla dantesca Vita Nova e poi brani originali pianistici quelli di H. von Bülow /F. Liszt, Sonetto di Dante “Tanto gentile e tanto onesta” e la celebre lisztiana “Après une lecture de Dante: Fantasia quasi Sonata”. Andaloro, interprete di fama internazionale - ricordiamo la oramai lontana vittoria al Concorso Internazionale Ferruccio Busoni- ha reso con efficace chiarezza espressiva tutti i lavori, domostrando ancor più il suo evidente virtuosismo nell'ultimo lavoro proposto, quella "Dante Sonata" di difficoltà trascendentale, dove momenti di pacate e scure timbriche si oppongono a sorprendenti arditezze digitali, sostenute quest'ultime con apparente facilità, per una resa interpretativa di grande qualità. Dopo gli accorati applausi del pubblico intervenuto, una non breve coda musicale si è avuta con tre bis pianistici: un omaggio a Franco Battiato, scomparso ieri, con il suo profondo brano L'ombra della luce nella breve, quasi estemporanea e riuscita trascrizione di Giuseppe Andaloro; quindi un brano di Sergej Rachmaninov da Francesca da Rimini e una per finire una felice rara trascrizione di Sergio Fiorentino dal noto Widmung di Robert Schumann, eseguito con grande sensibilità emotiva. Fragorosi applausi dei presenti, purtroppo non numerosi. Da ricordare.

20 maggio 2021 Cesare Guzzardella

Maurizio Pollini per il Festival Milano Musica

Con la ripresa dei concerti in presenza, è da poco iniziato il trentesimo Festival Milano Musica. Ieri sera, nella sala Verdi del Conservatorio milanese abbiamo ascoltato Maurizio Pollini. L'interessante impaginato, per la rilevanza di brani del Novecento storico unitamente a lavori romantici di Robert Schumann, ci ha rivelato ancora una volta le sorprendenti qualità del grande pianista milanese. Questo concerto, dedicato a Luciana Pestalozza ed a Claudio Abbado, ha visto la Sala Verdi relativamente al completo per le misure imposte dalla pandemia. Nella prima parte della serata le note di Pollini si sono espresse nei lavori pianistici di Arnold Schönberg: prima i Drei klavierstücke op. 11 e poi i brevissimi Sechs kleine Klavierstucke op.19, lavori datati rispettivamente 1909 e 1911. Un'esecuzione impeccabile quella di Pollini, giocata su contrasti coloristici sapientemente dosati e d'intensa espressività. I lavori atonali di Schönberg risentono ancora parzialmente di un certa influenza brahmsiana, e segnano un'importante svolta nella formazione di un nuovo linguaggio. Pollini ha ben interiorizzato ogni frammento discorsivo restituendo sonorità di profondo impatto drammatico e di esaustiva sintesi espressiva. Il successivo brano di Luigi Nono, ...sofferte onde serene..., del 1976, era stato pensato dal Maestro veneziano proprio per Pollini e prevedeva oltre al pianoforte live, anche una registrazione su nastro magnetico. Il dialogo tra il pianoforte e la componente pianistica pre-registrata dallo stesso Pollini, unitamente alle timbriche elettroniche, sviluppa un effetto suggestivo d'interazione tra le parti in gioco. La regia del suono di André Richard e l'esecuzione precisa live ben sincronizzata con la componente registrata, hanno determinato uno straordinario rapporto discorsivo tipico dell'innovativo linguaggio di Nono. Dopo un breve intervallo, il programma schumanniano prevedeva prima l'Arabeske in do magg. op.18 e quindi la Fantasia in do maggiore op.17. Eccelso il Pollini dell'Arabeske, restituita con una luminosità sorprendente. L'altrettanto celebre Fantasia ha trovato Pollini convincente nella scelta interpretativa complessiva, giocata su tempi ben contrastati e spesso rapidi. Decisamente valido l'ultimo movimento, Durchweh leise zu halten, di pregnante resa espressiva. Applausi sentiti al termine e continue uscite in palcoscenico di Pollini ma nessun bis. Da ricordare.

 

17 maggio 2021 Cesare Guzzardella

 

Francesco Libetta riporta il pubblico in Sala Verdi

Il Conservatorio milanese ha finalmente riaperto l'attività concertistica col pubblico in presenza. Ieri sera, in Sala Verdi, per "La Società dei Concerti" abbiamo assistito al concerto pianistico di Francesco Libetta. Il noto solista pugliese ha impaginato un programma all'insegna della classicità interpretando musiche di Weber, Chopin, Beethoven e Liszt. I posti limitati, circa quattrocento quelli disponibili, erano al completo e l'entusiamo dei presenti si è riscontrato in modo evidente al termine della serata, serata introdotta dalle parole di Enrica Ciccarelli, Presidente e Direttore artistico della nota società concertistica milanese. Il brano introduttivo, di rara esecuzione, Invito alla danza op.65 di C.M.v.Weber, ha evidenziato da subito le qualità coloristiche dell'interprete. Un lavoro questo di estrema eleganza, all'insegna di un valzer brillante con un inaspettato postludio finale. Una serie di brani chopiniani hanno continuato la serata. Prima i Tre valzer op.64, poi tre Studi dall' op.25 ( n. 1-6-12), quindi la nota Ballata n.1 in sol min. op.23. Uno Chopin particolare quello di Libetta, lontano dalle esecuzioni entrate nella storia, ma ricreato secondo un gusto personale certamente non banale. Decisamente apprezzabile la Ballata, per incisività e coerenza. Con la Sonata n.8 in do min.op.13 "Patetica" di Beethoven siamo rientrati nelle modalità espressive più vicine ai gusti consolidati. Libetta ha comunque personalizzato la celebre sonata con un taglio intetpretativo straordinario per chiarezza e coerenza espressiva. I contrasti accentuati del primo movimento, hanno dato un' immagine di forza e vitalità degna del migliore Beethoven. Valido anche l'Adagio centrale, eseguito con andamento spedito ma molto chiaro ed espressivo. Ancora di spessore il contrastato Rondò finale. L'ultimo brano in programma era la nota Parafrasi da concerto dal Rigoletto verdiano, riassunto con eccelso vurtuosismo da F. Liszt e interpretato splendidamente da Libetta. Ancora una volta, e forse ancor meglio, il virtuoso pugliese ha evidenziato le sue attitudini per il grande compositore ungherese. Una lezione di stile quest'ultimo lavoro, delineata da una infinità tavolozza coloristica ricca di luce. Lunghi e calorosi gli applausi al termine e un bis concesso con un omaggio a Milano: " Oh mia bela madunina" di Giovanni D'Anzi completamente ricreata da Libetta stesso, in una successione di timbriche scure ma di grande vitalità espressiva. Calorosi gli applausi. Concerto da ricordare!

13 maggio 2021 Cesare Guzzardella

CONCERTO DI INAUGURAZIONE DEL VIOTTI FESTIVAL ESTATE

La stagione estiva prenderà ufficialmente il via domenica 16 maggio 2021 alle ore 18.00 nella Chiesa di Sant'Agnese, con Guido Rimonda e il quintetto della Camerata Ducale impegnati nell'atteso concerto di presentazione.

Programma: Vivaldi Concerto per violino e archi “Per la SS. Lingua di S. Antonio da Padova”; Albinoni Concerto per violino in do maggiore; Nardini Concerto per violino in la maggiore. Ingresso libero. Prenotazione obbligatoria scrivendo a biglietteria@viottifestival.it

12 maggio dalla redazione

 

VERCELLI: 40 CONCERTI IN QUATTRO MESI: È TORNATO IL "VIOTTI FESTIVAL"!

“La musica (ri)splende”: è con questo slogan che il Viotti Festival di Vercelli torna finalmente in contatto con il suo pubblico, dopo oltre un anno dall'inizio dell'emergenza Covid e la, purtroppo breve e solo parziale, riapertura della scorsa estate. E torna in grande stile: ben 40 concerti programmati da maggio fino a settembre, in location diverse (e, come si dirà, in alcuni casi inedite), con grandi solisti internazionali e il meglio delle nuove generazioni. Ma soprattutto, con grandissimo entusiasmo: i musicisti, con alle spalle un anno di abbandono forzato del palcoscenico, non vedono letteralmente l'ora di tornare a suonare dal vivo. Il che, naturalmente, sarà garanzia di concerti straordinari. La stagione estiva prenderà ufficialmente il via domenica 16 maggio 2021 nella Chiesa di Sant'Agnese in San Francesco, con Guido Rimonda e il quintetto della Camerata Ducale impegnati nell'atteso concerto di presentazione. Altro appuntamento importante sarà il 3 giugno con l’inaugurazione del nuovissimo Viotti Club. Guido Rimonda e Cristina Canziani daranno il benvenuto al pubblico in quello che sarà il nuovo punto di riferimento per la musica a Vercelli: la sede della Camerata Ducale in via Ferraris, 14. Denominato Viotti Club per sottolineare il desiderio di creare una comunità, un senso di appartenenza tra coloro che tengono alla musica e alla cultura, sarà uno spazio aperto a tutti nel quale verranno organizzati concerti, incontri, presentazioni e molto altro ancora, in aggiunta a tutte le attività di biglietteria e prenotazione legate al Viotti Festival. A questo evento inaugurale seguiranno molti altri appuntamenti di grande interesse, come il concerto orchestrale di apertura, dedicato al progetto Smile, Uno Stradivari al cinema ospitato nell’Area ex Ospedale messa a disposizione dall’Amministrazione Comunale, e i 6 appuntamenti con grandi solisti in cartellone al Teatro Civico, tra i quali sono assolutamente da segnare in agenda il concerto con Emmanuel Tjeknavorian direttore e Giulia Rimonda al violino, quello con la violinista Anna Tifu e l'evento che vedrà protagonista uno dei più grandi compositori e interpreti mondiali, Giovanni Sollima. Ma il resto non sarà certo da meno: nello splendido chiostro del Museo Leone sarà possibile seguire i 4 concerti legati alla VII edizione del Concorso Ducale.LAb, che premia i migliori diplomati dei Conservatori piemontesi, e, sempre al Museo Leone, gli appuntamenti della serie Pianofortissimo in collaborazione con la Società dei Concerti di Milano (gli artisti inseriti fanno parte del prestigiosissimo Premio Mormone). Da non perdere, poi, i 3 concerti con la CDJ - Camerata Ducale Junior, formazione under 25 nata dalla Camerata Ducale o ormai diventata, in soli due anni, una realtà di valore nazionale. La novità di questa stagione sarà che i maestri preparatori, tutti solisti di valore mondiale come il pianista Andrea Lucchesini, il violinista Alessandro Milani, spalla dell’Orchestra Nazionale della Rai di Torino, il flautista Massimo Mercelli, non solo seguiranno la preparazione del concerto, ma si esibiranno insieme ai giovani musicisti.

Impossibile dimenticare, poi, sia il tradizionale concerto del 1 agosto per la festa patronale nella Basilica di S. Andrea, sia gli eventi di spicco per il Viotti Day&Night, la kermesse che per un intero fine settimana riempirà di musica strade, piazze e palazzi di Vercelli e di Fontanetto Po. Impossibile dimenticare, poi, sia il tradizionale concerto del 1° agosto per la festa patronale nella Basilica di S. Andrea, sia gli eventi di spicco del Viotti Day & Night, la kermesse che per un intero fine settimana riempirà di musica strade, piazze e palazzi di Vercelli e Fontanetto Po. Fiore all'occhiello del Viotti Day & Night sarà, il 25 settembre, il concerto del grande pianista jazz Danilo Rea. Un concerto che, tra l'altro, sarà anche l'occasione per avviare una nuova collaborazione: quella con Raccolti Festival, la rassegna culturale che per tre giorni animerà il chiostro dell'ex monastero di San Pietro Martire. Con questo appuntamento, quindi, due realtà collaudate della cultura vercellese si incontrano e collaborano, favorendo lo scambio reciproco di relazioni e di competenze.

Ultimo ma non certo meno importante, i ben 16 concerti organizzati all'ora del tè nel nuovissimo Viotti Club: un modo simpatico e “leggero” per creare una vera, positiva (ma sicura) aggregazione dopo tanti mesi di forzato distanziamento sociale. La rassegna non poteva che chiamarsi Viotti-Tea.

Dalla redazione 10 maggio 2021

 

APRILE 2021

UN ECCELLENTE BACH PER ANDREA BACCHETTI

Un monumentale Johann Sebastian Bach quello ascoltato questa sera dal teatro Carlo Felice di Genova con l'affermato pianista ligure Andrea Bacchetti. L'impaginato del concerto organizzato da GOG Giovine Orchestra Genovese, prevedeva infatti il secondo libro del "Il Clavicembalo ben temperato" opera del genio tedesco conosciuta da tutti i pianisti che si sono cimentati nello studio classico dello strumento a tastiera. Bacchetti è uno specialista di Bach. Ha tenuto decine di concerti in Italia e nel mondo eseguendo moltissimi dei capolavori bacchiani per tastiera. Lo abbiamo ascoltato più volte nelle Goldberg, nelle Suite francesi ed inglese, nel Concerto Italiano e in molti altri celebri brani. Il suo timbro chiaro e preciso ha sempre evidenziato ogni componente melodica e contrappuntistica del grande musicista. Anche nei noti Preludi e nelle Fughe del secondo libro bachiano -ben ventiquattro- Bacchetti ha rivelato le sue qualità interpretative. L'ottima resa stilistica è emersa anche nella valida ripresa audio-video e la composta gestualità del pianista genovese ha ancora una volta trovato la corretta ragione per un'eccellente espressività. Consigliamo la visione del filmato che speriamo rimanga per molto tempo tra i video di YouTube. ( le immagini sono ricavate dal video trasmesso). Da non perdere la visione e l'ascolto!

12 aprile 2021 Cesare Guzzardella

MARZO 2021

Un eccellente Mozart per due pianoforti con Davide Cabassi e Luca Buratto

Due pianoforti decisamente speculari e delicati quelli di Davide Cabassi e di Luca Buratto per un concerto tra i più belli e conosciuti di Wolfgang Amadeus Mozart. Il concerto K.365 in Mi bemolle Maggiore è stato eseguito il giorno 19 scorso all'Auditorium di Milano ma la registrazione di quell'ottimo streaming è ancora presente in rete. L'Orchestra Sinfonica di Milano "G. Verdi" era diretta dal direttore palermitano Gaetano D'Espinosa mentre i due pianisti milanesi, affermati internazionalmente e spesso presenti nelle sale da concerto di Milano, hanno trovato una resa stilistica analoga di eccellente livello. Entrambi i solisti hanno vinto importanti Concorsi Internazionali e il più giovane, Buratto, ha avuto tra i suoi insegnanti il meno giovane Cabassi. Segnaliamo oltre all'ottima interpretazione del concerto mozartiano da parte dei solisti e della Sinfonica Verdi e alla valida direzione di D'Espinosa, le ottime riprese video che, a causa dello streaming e del bisogno di sopperire allo mancanza del pubblico in sala, hanno subito miglioramenti qualitativi straordinari. Si consiglia la visone del concerto ancora presente nel sito della Sinfonica Verdi. (Foto dallo streaming)

23 marzo 2021 Cesare Guzzardella

PRIMA USCITA DEL PROGETTO “G.B.VIOTTI COLLECTION”

A CURA DI G. RIMONDA E DELLA CAMERATA DUCALE

La Camerata Ducale comunica la prima uscita del progetto editoriale "Giovanni Battista Viotti Collection" curato da Guido Rimonda per le Edizioni Curci in collaborazione con CIDIM, Comitato Nazionale Italiano Musica. Una iniziativa importante lanciata allo scopo di pubblicare tutti i concerti per violino e orchestra di G.B. Viotti, ovvero la partitura e la riduzione per violino e pianoforte per rendere finalmente disponibile agli interpreti e al pubblico un prezioso patrimonio musicale ancora in larga parte da scoprire. Finalmente disponibile, dal 20 marzo 2021, neI negozi di musica e online sul sito della Curci, il concerto n. 3 in La maggiore, il primo scritto da Viotti, nel 1769, quando aveva solo 14 anni.

23 marzo 2021 la Redazione

L' Orchestra Sinfonica di Milano diretta da Jader Bignamini e la violinista Francesca Dego

Bellissimo il concerto trasmesso ieri sera in streaming dall'Auditorium milanese con l'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi" diretta da Jader Bignamini. In programma il Concerto n.1 in la minore per Violino e Orchestra op.77 di Dmitrij Šostakoviç, un classico della letteratura violinistica della prima metà del '900. Solista, nel profondo concerto del russo, la violinista lecchese Francesca Dego, certamente tra le migliori interpreti presenti sulla scena internazionale. I colori cupi della lunga parte introduttiva del corposo lavoro, sono emersi in toto dalle eccellenti timbriche degli orchestrali della "Verdi" nella dettagliata direzione di Bignamini, ed in perfetta sintonia con il tocco intenso, preciso e maturo della Dego. Francesca, ancora giovane d'età, ha dimostrato in questa interpretazione un' ulteriore maturità stilistica ed espressiva, immergendosi completamente nei profondi colori del difficile e complesso lavoro del russo. Dalle prime iniziali, lunghe e drammatiche note solistiche è emersa la cifra interpretativa della Dego, in sintonia con un'orchestra che lei ben conosce per via della collaborazione avuta in questi anni. Dopo lo sconvolgente Notturno, un moderato introduttivo, il più ritmico Allegro, uno Scherzo in danza demoniaca decisamente efficace ed orecchiabile, ha ravvivato il clima sonoro. Con l'Andante del terzo movimento, una coinvolgente Passacaglia, siamo ritornati alle timbriche più intense che ci rammentano il periodo storico della composizione, gli anni 1947-48, anni che risentono ancora in modo evidente la tragedia della guerra appena conclusa. Molto pregnante la Cadenza sostenuta con espressione dalla solista. L'ultimo movimento, Burlesque:Allegro, ha nuovamente ravvivato il lungo lavoro di Šostakoviç, rimarcando le qualità della Sinfonica Verdi, della bravissima violinista e di un direttore d'orchestra, Jader Bignamini, che sta facendo un'importante e straordinaria carriera internazionale anche come direttore della Detroit Symphony Orchestra . Bravissimi tutti! Splendido concerto! Si consiglia l'ascolto presente nel sito della Sinfonica Verdi! ( immagini prese dallo streaming)

13 marzo 2021 Cesare Guzzardella

 

FEBBRAIO 2021

La violinista Liza Ferschtman per la Stagione Sinfonica della Verdi

Per la Stagione 2021 dell'Orchestra Sinfonica Verdi di Milano, ieri abbiamo ascoltato in streaming il notevole Concerto per Violino e Orchestra di Benjamin Britten, tra i massimi lavori del compositore inglese, scritto sul finire degli anni '30 ed eseguito negli Stati Uniti nel marzo del 1940 con la New York Philharmonic diretta da John Barbirolli. È un lavoro tonale tipico dello stile di primo Novecento e molto caratterizzante dei modi incisivi e profondi di Britten, modi che spesso risentono  della musica più lontana nel tempo. La notevole parte violinistica, sostenuta con efficace espressività dalla solista olandese Liza Ferschtman, non esclude la coralità di un lavoro che ha nella componente sinfonica un altro elemento fondamentale. L'Orchestra Sinfonica Verdi è stata diretta con maestria da Claus Peter Flor e ha rilevato ancora una volta di essere in grande sintonia con la produzione musicale di primo Novecento. L'abile virtuosa Ferschtman ha rivelato incisività finalizzata a profonda espressività, anche nei passaggi più impervi, come nella difficile Cadenza del primo movimento. Splendide le sonorità cupe della nota Passacaglia e di qualità la resa espressiva in ogni settore orchestrale. Consigliamo l'ascolto in streaming dell'importante brano accedendo gratuitamente dal sito dell'Orchestra Verdi. Da non perdere ed ascoltare attentamente! Se possibile fate una donazione alla Verdi in questo difficile momento. N.B. foto prese dal filmato in streaming).

13 febbraio 2021 Cesare Guzzardella

 

GENNAIO 2021

Importanti medaglie per la pianista cosentina Ingrid Carbone all'ultima edizione del Global Music Awards

La pianista cosentina Ingrid Carbone è risultata vincitrice nell'importante concorso musicale Global Music Awards istituito in California ed in totale indipendenza dalle linee di mercato dominanti. È una competizione basata sul merito, molto attenta alla presenza femminile. Numerose infatti sono le donne premiate nelle categorie del concorso. La nota pianista ha ricevuto ben due medaglie per due recenti incisioni discografiche - dischi recensiti anche nelle pagine del nostro giornale -, e anche una medaglia per una riuscita registrazione dal vivo. I validi CD, editi da Da Vinci Classics, sono dedicati a musiche di Schubert e di Liszt, autori in sintonia con il forte temperamento artistico dell'interprete. Non possiamo che complimentarci con Ingrid Carbone, interprete che mette ancora una volta in primo piano la valente scuola pianistica italiana nel più ampio contesto internazionale.

27 gennaio 2021 C.G.

Al Teatro alla Scala musica moderna e contemporanea diretta da Carlo Boccadoro in streaming

Anche il teatro alla Scala in questo periodo pandemico, ha realizzato una serie di concerti senza pubblico trasmessi in streaming e destinati a migliaia di attenti ascoltatori. Ieri sera, un esaustivo concerto di musica moderna e contemporanea ci ha permesso di accostarci ad autori del secondo '900 e anche a compositori viventi. Un'ampia ensemble scaligera diretta da Carlo Boccadoro -anche compositore con un suo brano in programma ci ha fatto accostare a linguaggi musicali oramai consolidati con brani di Castiglioni, Glass, Maderna, Montalbetti, Boccadoro, Pärt e Reich. ( immagini estratte dalla diretta streaming a cura del Teatro alla Scala). Il Concertino per la notte di Natale di Niccolò Castiglioni, opera prima del 1952 del compositore milanese, ha introdotto la splendida serata. L'impatto iniziale d' impronta stravinskiana ha rivelato l'origine stilistica di questo grande Maestro italiano, origine poi evoluta in modalità stilistiche certamente più personali è facilmente riconoscibili. Company, lavoro del 1982 del compositore statunitense Philip Glass, eseguito nella versione per archi dall'originario quartetto d'archi, ci ha portato nel mondo minimalista. È un brano apparentemente semplice ma profondo nell'espressività. Probabilmente tra i migliori dell'americano. Il terzo brano eseguito , di Bruno Maderna, è stato Serenata 2 per 11 strumenti, un lavoro del 1954 di stampo espressionista con riferimenti alla seconda Scuola di Vienna. I singoli strumenti, partendo da semplici enunciazioni tematiche si mettono poi in relazione sino ad momento di climax centrale, per ritornare poi alla tranquillità individuale. Corpo in controcanto, di Mauro Montalbetti(1969), è un brano di circa 10 anni fa per orchestra d'archi ispirato da una poesia di Flaviano Pisanelli e caratterizzato da forti contrasti nei vari registri timbrici e da interventi d'intensa espressività degli archi solisti che formano un inglobato quartetto. Come polvere o vento di Carlo Boccadoro( 1963) è ancora un brano orchestrale di una decina d'anni fa ispirato dalle poesie della milanese Alda Merini. È in tre brevi parti con un iniziale carattere lento e suggestivo che ritorna nell'ultimo movimento, mentre la parte centrale esplode in un'articolata carica energetica particolarmente espressiva. Da pacem domine è un breve lavoro del compositore estone Arvo Pärt. Quattro minuti d' intenso lirismo che esprimono una evidente pace interiore nel suo singolare linguaggio musicale. L'ultimo brano in programma è stato un lavoro del 2016 di Steve Reich concepito per un balletto denominato Runner. Il grande minimalista statunitense, oggi ottantaquatrenne, ha prodotto un lavoro ritmico ma anche particolarmente ricco di luminosità espressiva. Ottima sia la precisa direzione di Boccadoro che l'interpretazione degli scaligeri in ogni sezione strumentale. Da ricordare.

16- 01- 2021 Cesare Guzzardella

NOVEMBRE 2020

NOT THE SAME ­ RASSEGNA ON LINE DELLA CAMERATA DUCALE

Mercoledì 25 novembre alle ore 18.00 prende il via NOT THE SAME, una rassegna che costituisce uno dei fiori all’occhiello della programmazione della Camerata Ducale per questo fine anno 2020.

Si tratta di una serie di 10 momenti musicali online, registrati al Teatro Civico di Vercelli e pubblicati sui principali canali social sia della Camerata Ducale che della città di Vercelli, con protagonisti quelli che in assoluto si possono definire i migliori giovani solisti della nuova generazione.

Dalla Sicilia al Trentino, dalle migliori accademie d’Europa e del mondo, i giovani solisti approdano a questo appuntamento con l’ambizione e l’energia di chi è agli inizi di una luminosa carriera. I concerti, della durata massima di 40 minuti compresa una breve introduzione, saranno ripresi da una prospettiva assolutamente originale: invece che dalla platea, lo spettatore virtuale potrà vivere l'evento musicale come se si trovasse sul palcoscenico, alle spalle del solista. E davanti ai suoi occhi avrà lo splendido e irreale colpo d'occhio del Teatro Civico deserto, al quale un allestimento ad hoc conferirà un'atmosfera sospesa, fiabesca, incantata. La Camerata Ducale con questo progetto lancia un messaggio importante: la musica online, per quanto affascinante possa essere, non potrà mai sostituire quella dal vivo. L'emergenza Covid non deve essere l'occasione per passare definitivamente da una fruizione in presenza a una digitale, perchè nulla può prendere il posto del contatto diretto e immediato tra l'interprete e il suo pubblico. Questa, dunque, sarà l'opportunità di esplorare nuovi orizzonti musicali, e, come i molti altri progetti online della Camerata Ducale, verrà in futuro mantenuta e rinforzata; il suo fine primario, però, è quello di far crescere ancora di più il desiderio di tornare alla musica “vera”, vissuta, respirata, perchè quella digitale è incredibilmente stimolante, certo, ma è appunto not the same.

Dunque, appuntamento il 25 novembre per il primo appuntamento di una rassegna che offrirà a portata di un clic quanto di meglio possa offrire la nuova, anzi nuovissima generazione in termini di solisti.

Si partirà con il 26enne violinista Andrea Obiso, in duo con Massimo Spada al pianoforte. Obiso, vincitore quest'anno del concorso come spalla nell'Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, è vincitore di molti concorsi internazionali tra cui il Prix Ravel e l'ARD International Violin Competition di Monaco.

Il 28 novembre sarà di scena un vero astro nascente come la 21enne chitarrista Carlotta Dalia,

Il 2 dicembre toccherà invece al 24enne pianista Alberto Ferro, premiato al prestigioso Concorso Ferruccio Busoni di Bolzano.

La carrellata di talenti proseguirà il 5 dicembre con la 26enne cantante Emilia Zamuner, in duo con Massimo Moriconi, bassista storico di Mina.

Il successivo 9 dicembre sarà protagonista la violoncellista 25enne Ludovica Rana, in duo con Maddalena Giacopuzzi al pianoforte. Rana si è aggiudicata l’International Music Competition Vienna Grand Prize Virtuoso

Appena tre giorni e, il 12 dicembre, gli spettatori potranno ammirare il Quartetto Werther, composto da Misia Iannoni Sebastianini al violino, Martina Santarone alla viola,

Simone Chiominto al violoncello e Antonino Fiumara al pianoforte. Una formazione in vertiginosa ascesa, vincitrice del Premio Abbiati.

Il 16 dicembre sarà invece la volta della 21enne violoncellista Erica Piccotti, in duo con Leonardo Pierdomenico al pianoforte.

Protagoniste il 19 dicembre saranno la soprano Ivanna Speranza e la pianista Enrica Ciccarelli, Presidente della celebre Società dei Concerti di Milano e vero punto di riferimento per tutti i giovani talenti musicali del nostro Paese.

Altro appuntamento d'eccezione sarà quello del 21 dicembre con il giovane pianista Antonio Chen Guang, già vincitore di numerosi primi premi internazionali tra cui lo Scriabin,

E infine, il 24 dicembre, arriverà il gran finale con due soliste giovanissime, entrambe avviate verso una luminosa carriera: la 18enne violinista Giulia Rimonda in duo con l'altrettanto giovane pianista Valentina Kaufman. Entrambe artiste in residence 2021 della Fondazione Società dei concerti di Milano, sono tra l'altro vincitrici dell'International Crescendo Competition. Nel complesso, 10 appuntamenti da non perdere .

23 novembre 2020 Dalla redazione

OTTOBRE 2020

Otto domande alla pianista Mariangela Vacatello

Dal bellissimo recente concerto tenuto al Teatro alla Scala per "Milano Musica" è emerso un particolare interesse della trentottenne pianista napoletana sia per il repertorio più classico, quello dell'ottima Kreisleriana di Schumann o degli Studi di Debussy, sia per quello contemporaneo, avendo eseguito brani di Stroppa, Aperghis e Maresz. Ho avuto modo d'intervistare Mariangela Vacatello stimolato dallo splendido concerto scaligero, uno degli ultimi prima dell' interruzione - speriamo breve- a causa della pandemia.

Quando è nata la sua passione per la musica contemporanea? Quanto tempo le dedica?

L'interesse per la musica contemporanea è sorto nel periodo dei primi concorsi. Ero molto giovane, allora, ed era obbligo inserire, tra i brani in concorso, anche alcuni tra quelli scelti del repertorio contemporaneo. Sono stata molto fortunata perchè nell'ambiente del Conservatorio di Milano, nella stessa mia classe, ho avuto come compagni sia pianisti appassionati al repertorio contemporaneo, che compositori divenuti poi noti. C'erano giovani che portavano spartiti di nuovi brani, brani che spesso provavano. Io ero molto curiosa di tutto, pur conservando maggior interesse per il repertorio classico. Ho scoperto allora Messiaen, il suo "Quartetto per la fine dei tempi" ed altri lavori oramai divenuti dei "classici". Purtroppo stiamo passando un momento in cui la musica di massa è molto invadente, tanto da impedire l'incontro dei giovani con il repertorio contemporaneo. Ma qui entriamo in un altro discorso...mi piacerebbe se poi ne parlassimo.

Come vede il mondo attuale dei compositori contemporanei, ha qualche altra preferenza?

Posso parlare di quelli con cui ho lavorato. Per esempio posso citare Georges Aperghis con il quale ho lavorato diverse volte. È un compositore che ha  un'eleganza unica e grande intelligenza. È stato un incontro molto importante per me. Quello che m'interessa soprattutto è lavorare bene sui brani che decido di eseguire. Ho trovato molto interessanti i lavori di Marco Stroppa, gli Studi per pianoforte. Belli anche i brani che ha scritti per me Yan Maresz, un autore che purtroppo scrive poco per pianoforte. Mi è piaciuta la leggerezza che riesce a rendere sullo strumento, non scontata e superficiale, ma estremamente difficile, leggerezza che si trova anche in autori del primo '900.

\Nel repertorio "classico", inteso sino a quello del primo Novecento, dove trova maggiore interesse per interpretazione e affinità?

Debussy è stato il mio primo amore, subito dopo è arrivato Liszt e con l'età è arrivato Beethoven. Ho trovato molte similitudini caratteriali tra di loro, anche con Schumann, che metto per interesse vicino a Beethoven. Ci sono aspetti per ciascuno di questi compositori che li accomunano. Sono epoche diverse, mondi diversi, stili diversi, ma hanno importanti elementi, anche umanamente, che li hanno uniti. Questo è molto affascinante.

Nel panorama interpretativo pianistico mondiale ha una gerarchia di preferenze? Come giudica i pianisti italiani e quali predilige?

Le posso solo dire che credo che il pianismo italiano abbia tantissimi talenti. Al di fuori dall'Italia, Zimerman è un grande pianista, uno di quelli arrivati ai massimi livelli come Pletnev o Sokolov, anche loro grandissimi pianisti. Vado ai loro concerti, non posso negare che a me piace andare ai concerti, anche non solo pianistici. Se potessi, andrei anche tutti i giorni, come se fossi una studentessa.

So che è nata in una famiglia musicale. Mi può raccontare brevemente l'origine di questa passione in ambito familiare? Chi ha coinvolto in famiglia oltre a lei?

Mia sorella Monica è una violinista, i miei genitori sono entrambi legati alla musica. Mio padre lavorava nel settore elettronico della Yamaha ed è anche accordatore di pianoforti. Questo è estremamente utile, non ho mai un pianoforte scordato. Uno dei due pianoforti che ho lo accorda solo lui e non vuole che nessun altro metta le mani ma l'altro, il Fazioli, non lo tocca. Mia madre ha insegnato musica nelle scuole medie.

Quante ore di studio dedica al pianoforte?

Se posso anche tutto il giorno, ma non sempre riesco, comunque parecchie ore. Spesso sono in viaggio o devo insegnare. Adesso mi sono appena trasferita al Conservatorio di Perugia, città dove vivo attualmente. Prima ero a Parma.

Aveva in programma prossimi concerti in Italia e all'estero?

Hanno cancellato tutto! Dovevo inaugurare la stagione per Fazioli e dovevo fare alcune registrazioni. Il mio prossimo impegno sono infatti due registrazioni musicali. Ho un progetto per un video per la Cina e l'altro è un prossimo Cd, ma non posso dirle ancora il repertorio.

29 ottobre 2020        a cura di Cesare Guzzardella

 

Richard Galliano e i Solisti Aquilani per Serate Musicali

Il fisarmonicista e compositore francese di origine piemontese Richard Galliano, è tornato in Conservatorio per un concerto organizzato da Serate Musicali. Era accompagnato da I Solisti Aquilani, una compagine cameristica di strumenti ad arco specializzata in repertori che spaziano dal barocco sino al contemporaneo. Sono stati eseguiti brani di Vivaldi, Bach, Galliano e Piazzolla. Il brano introduttivo di Vivaldi, il Concerto alla rustica, ha visto all'opera esclusivamente la compagine cameristica per una luminosa interpretazione. Il Concerto in do minore, originariamente per oboe, violino ed archi di J.S. Bach, ha trovato una felice trascrizione di Galliano per fisarmonica, violino ed archi. Un'operazione ottima, in quanto le profonde sonorità della fisarmonica - in compagnia dell'ottimo violino solista nella persona di Daniele Orlando- hanno messo in risalto, per incisività e chiarezza discorsiva, ogni dettaglio dei tre classici movimenti Allegro, Adagio e Allegro. Con i quattro brani successivi, composti da Richard Galliano, siamo entrati nello spirito più profondo del compositore e virtuoso dello strumento. Tutti e quattro i lavori erano per fisarmonica ed orchestra d'archi: dal più corposo Opale alla Petite suite française, dal più breve Tango per Claude a La valse a Margaux. Le timbriche, dal sapore tipicamente francese e con uno sguardo verso la musica argentina di Piazzolla, hanno rivelato le straordinarie abilità del compositore -interprete, che con raffinata musicalità è riuscito a nobilitare uno strumento spesso legato al solo folclore popolare. Di valore l'integrazione strumentale con I Solisti Aquilani, un gruppo strumentale di eccellente qualità. L'omaggio al "maestro" Astor Piazzolla, con il celebre Oblivion, ha concluso con successo ampiamente meritato il programma ufficiale. Molto bello il breve bis solistico con un brano per pianoforte di Isaac Albéniz in una fedele trascrizione per fisarmonica di Galliano. Applausi fragorosi. Da ricordare.

20 ottobre 2020 Cesare Guzzardella

Mariangela Vacatello per Milano Musica inaugura i concerti serali alla Scala

In questo momento di grande difficoltà per i teatri italiani e per le sale da concerto, la nota rassegna milanese dedicata prevalentemente alla musica contemporanea di Milano Musica trova assolutamente bisogno di esprimersi. Quest' anno la denominazione Caminantes non poteva essere che il migliore aspicio per il superamento di questa maggiore staticità portata dalla pandemia. L'evento di ieri sera, al Teatro alla Scala, con la nota pianista napoletana Mariangela Vacatello è tra le prime manifestazioni musicali di un calendario che prevede concerti sino al 23 novembre. È stata una serata variegata quella scaligera, con un impaginato che prevedeva, nella prima parte, musiche di Claude Debussy alternarsi con brani di compositori contemporanei in prima esecuzione assoluta. I lavori di Marco Stroppa (1959), del greco Georges Aperghis (1945) e del tedesco Yan Maresz (1966) erano incastonati tra Étude n.10 pour la sonorités opposées e l'Étude n.1 pour les cinques doits d'après Monsieur Czerny del grande compositore francese. Di rara qualità il Debussy della Vacatello. Il tocco leggero, ma nel contempo deciso e risoluto, ha evidenziato un Debussy perfettamente interiorizzato e restituito con profonda sintesi discorsiva nei bellissimi timbri vellutati. I lavori in prima esecuzione hanno rivelato l'eccellente vocazione della pianista al repertorio contemporaneo, a dimostrazione, ancora una volta, dell'attitudine delle nuove generazioni di interpreti alle nuove modalità compositive degli autori viventi. Di qualità tutti i lavori presentati datati 2020: ad iniziare da Trois études pour piano di Stroppa, proseguendo con Scherzo II di Georges Aperghis e continuando, dopo il valido Debussy, con Miniatures di Yan Maresz. La lettura di tutti i recenti brani è stata particolarmente attenta e particolareggiata. Come spesso accade nelle composizioni contemporanee, almeno un secondo ascolto sarebbe stato necessario per entrare meglio nelle articolate strutture costruttive, ma già dal primo ascolto sono emerse peculiarità rilevanti in tutte e tre le recenti composizioni. Con maestria, la Vacatello ha evidenziato i sottili cambiamenti ritmici e i mutevoli contrasti di registro nell'ampia tavolozza pianistica dei Tre studi di Stroppa. Molto bello l'ultimo studio dal sapore "spettrale" e con rimandi più lontani alla Messiaen. Dominio della testiera totale nel definire i veloci cambiamenti dei micro-intervalli nelle rapidissimi frasi nello Scherzo di Aperghis giocato anche su una ritmica spesso percussiva in tutti i registri della tastiera. Una più marcata esternazione iniziale nelle Minatures di Maresz, dal sapore molto jazzistico, ha concluso il ciclo dei brani contemporanei. Diversificate e tutte decisamente interessanti, le Miniatures con riferimenti anche a Ligeti e a certo Minimalismo nella ripetizione strutturale. Finale meditato con poche e necessarie note nell'ultima miniatura. Dopo un breve intervallo, la Vacatello ha sostenuto un brano celebre quale Kreisleriana op.16 di Robert Schumann, cavallo di battaglia dei più grandi interpreti del passato. L'interpretazione, tanto sicura quanto in apparenza di getto pur nella precisa esternazione, ha rivelato ancora le indubbie qualità di sintesi discorsiva della Vacatello e nei momenti meno concitati, ancora chiara e profonda espressività. Una lettura dai colori bruni, coerente e certamente di ottima qualità. Validi i bis concessi con ancora uno splendido Debussy dell'Etude n.11 pour les arpèges composés ed il finale della Sonata Al chiaro di luna di Beethoven eseguito con una carica di energia estremamente ricca di espressione. Applausi ripetuti e numerose uscite dell'artista in palcoscenico. Da ricordare.

19 ottobre 2020 Cesare Guzzardella

Alla Scala splendida Terza Sinfonia di Mahler per Zubin Mehta

La monumentale Terza Sinfonia di Mahler, oltre 1 ora e 40 minuti di musica, ha visto sul podio del Teatro alla Scala Zubin Mehta, per una direzione di eccellente qualità nella mirabile resa coloristica dell'Orchestra, del Coro femminile e delle Voci bianche del Teatro . Mehta è certamente uno dei massimi direttori mahleriani e la prova sostenuta, nei corposi sei movimenti che compongono la Sinfonia n.3 in re minore, rivela ancora una volta le precise idee del direttore votato ad una chiarezza espressiva allarmante e ad una "classicità interpretativa" priva di ogni enfasi e ricca di sostanza. Questo, grazie alle qualità di un orchestra eccellente in tutte le sezioni strumentali. La Terza è stata composta dal grande musicista e direttore viennese tra il 1895 e il 1896, e venne eseguita nella completezza di tutti i movimenti solo nel 1902. È un evidente banco di prova per tutte le sezioni orchestrali , da quelle dei fiati, agli archi, a tutte le percussioni e anche per molti solisti che spesso sono invitati ad intervenire. Non dimentichiamo poi il Coro femminile e di Voci bianche e la voce di contralto, ieri sera sostenuta splendidamente da Daniela Sindram, caratterizzata da uno spessore timbrico caldo, misurato e particolarmente espressivo. Ho avuto il privilegio di vedere dall'alto l'Orchestra scaligera ed il Coro, in tutta la distribuzione sviluppata in profondità sul palcoscenico completo, a causa del distanziamento necessario per i motivi che sappiamo. La qualità timbrica, in questa distribuzione "allungata", mi è parsa eccellente. Grazie a Mehta e alla compagine strumentale e corale - un plauso a Bruno Casoni- ogni minimo dettaglio si rivelava anche nei momenti di "pianissimo". Un'interpretazione di straordinaria resa espressiva quindi, in un contesto di perfetto equilibrio dinamico. Archi strepitosi nel Secondo tempo Menuetto e nell'Adagio del finale , e un plauso al fondamentale primo violino e nel terzo movimento, alla cornetta da postiglione localizzata fuori sala e perfettamente riverberata in teatro. Questa sera, alle ore 20.00, ultima replica. Da ricordare a lungo.

17 ottobre 2020    Cesare Guzzardella

Federico Nicoletta e i Solisti della Scala in Conservatorio

La Società dei Concerti ha incominciato l'attività concertistica in Conservatorio con un'anticipazione della Stagione ufficiale che inizierà a metà novembre. Ieri sera- in replica del medesimo concerto pomeridiano- il primo di tre concerti denominati "Anteprima" ha visto nel palcoscenico il pianista Federico Nicoletta e I Solisti della Scala, una formazione quest'ultima, di eccellenti strumentisti, prime parti dell'Orchestra del Teatro alla Scala. Il primo brano in programma ha trovato solo Nicoletta di fronte alla tastiera per la Sinfonia n.4 in si bem. Maggiore op.60 di L.W.Beethoven nella felice trascrizione pianistica di Franz Liszt. Di straordinario impatto espressivo la fedele trascrizione che il grande compositore e pianista ungherese completò intorno al 1863. Efficace la resa musicale nella trasposizione pianistica delle timbriche orchestrali. Nicoletta è riuscito ha trovare il giusto equilibrio delle parti trovando un ottimo dosaggio delle dinamiche, in tutti i quattro movimenti, senza mai eccedere. La precisa perfezione formale ha ben enfatizzato ogni dettaglio delle timbriche che ricordano autenticamente i colori orchestrali. Perfetto ed incisivo l'energico movimento Finale, un autentico capolavoro che ha strappato, al termine del brano, meritati applausi da parte del numeroso pubblico intervenuto (nei limiti imposti dalla pandemia). Nicoletta ha avuto un ruolo centrale anche nel Quintetto per pianoforte e fiati in mi bem. Maggiore op.16 - sempre di Beethoven- eseguito subito dopo la Sinfonia. Gli eccellenti solisti, nei nomi di Fabrizio Meloni al clarinetto, Gabriele Screpis al fagotto, Francesco di Rosa all'oboe e Guglielmo Pellarin al corno (quest'ultimo Primo corno dell'Orchestra dell'Accademia di Santa Cecilia), hanno ottimamente interagito con il pianoforte per un lavoro vario che alterna momenti di pacatezza ad altri di felice irruenza timbrica. Di sicura qualità l'interpretazione complessiva . Valido il bis concesso con un movimento dal Quintetto per pianoforte e fiati di Mozart. Successo di pubblico. Da ricordare. Prossima "Anteprima" il 28 ottobre, ore 17.00 ed ore 20.45,con il pianista Saleem Ashkar. Da non perdere.

 

15 ottobre 2020 Cesare Guzzardella

IL NUOVO TRIO ITALIANO D’ARCHI e Andrea Bacchetti per Serate Musicali

Il violinista ALESSANDRO MILANI, il violista LUCA RANIERI e il violoncellista PIERPAOLO TOSO formano il Nuovo Trio Italiano d'Archi, formazione cameristica di raffinate qualità musicali, già prime parti dell'Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai. Nel concerto di ieri in Conservatorio, organizzato da Serate Musicali, si è aggiunto nel primo brano il noto pianista ligure Andrea Bacchetti per il Quartetto con pianoforte n. 1 in sol minore K 478 di W.A.Mozart. Il bellissimo quartetto del salisburghese trova nella parte pianistica il centro di riferimento sul quale ruotano i tre movimenti Allegro, Andante e Rondò. Bacchetti ha sostenuto benissimo il suo ruolo pianistico - eccellente le sonorità del pianoforte utilizzato- attraverso una sicura e luminosa interpretazione, coadiuvato dalle ottime timbriche dei tre archi, in un percorso di omogenea integrazione dell'impasto sonoro. Il brano, composto da Mozart negli ultimi anni della sua vita, precisamente nel 1785, rivela momenti di profonda espressività, resa ottimamente dai quattro strumentisti. Il bellissimo Rondò finale conclude con felice ed immediata comunicativa questa splendida opera cameristica. Il secondo lavoro proposto prevedeva il Trio d'archi in mi bem. maggiore op.3 di L.v.Beethoven, un lavoro particolarmente articolato, in ben sei movimenti, che ha evidenziato ancor più le qualità della formazione cameristica. Il brano giovanile del grande tedesco ha trovato momenti di intensa espressività, resa ottimamente dai tre strumentisti con un amalgama timbrico ben esternato. Di qualità l'esecuzione. Di avvincente fluidità il breve bis concesso con un Andantino dal quarto Trio d''Archi di Luigi Boccherini. Bravissimi. Applausi sostenuti. Da ricordare.

13 ottobre 2020 Cesare Guzzardella

Nove compositori per "Il canto della rinascita" alla Società del Quartetto

La Società del Quartetto ha inaugurato la nuova Stagione, la 156esima, commissionando nove composizioni a nove noti compositori italiani per "Il Canto della rinascita". Un'idea felice che si oppone al particolare e difficile momento che stiamo vivendo, dove specie nel settore culturale, musicale e teatrale, le penalizzazioni dovute alla pandemia sono state e sono enormi. Un'idea di rinnovamento, di slancio verso il futuro che anche simbolicamente, ha un importante significato. Le positive ed efficaci parole di Ilaria Borletti Buitoni hanno introdotto la splendida serata. Nel palcoscenico milanese di Sala Verdi, in Conservatorio, il gruppo cameristico Sentieri Selvaggi diretti da Carlo Boccadoro, le splendide voci del soprano Carmela Remigio e del mezzosoprano Monica Bacelli e la voce recitante di Elio De Capitani hanno interpretato i nove lavori di - in ordine di esecuzione- Carlo Galante, Ivan Fedele, Matteo D'Amico, Paolo Arcà, Carlo Boccadoro, Fabio Vacchi, Michele Dall'Ongaro, Marco Betta e Silvia Colasanti. Il tema della "Rinascita" accomunava i relativamente brevi lavori - non più di dieci minuti ma anche meno- che hanno rivelato la varietà espressiva del migliore panorama compositivo italiano. Validi tutti i brani. Li evidenzierei quasi tutti, quelli che al primo ascolto ho maggiormente apprezzato, considerando che nei linguaggi musicali moderni un solo ascolto spesso non è sufficiente. Certamente Aforismi di guarigione, piccola cantata per mezzosoprano e sei strumenti, di Carlo Galante, mi ha molto soddisfatto per l'immediatezza del linguaggio costruttivo utilizzato, legato alla tradizione novecentesca dell'espressionismo tedesco, con sapore cabarettistico "alla Kurt Weill". Il bellissimo timbro caldo di Monica Bacelli e l'ottima orchestrazione dei sei strumenti in gioco hanno ben reso l'intenzione compositiva dell'autore che ha alternato momenti di decisa e tagliente resa timbrica- di grande impatto l'incipit iniziale- ad altri di più melodica ispirazione, esaltati sia dalla bella voce del mezzosoprano che dai singoli strumenti. Eccellente l'esecuzione. Interessanti e scritti molto bene i 4 Haiku, per voce femminile clarinetto basso, violoncello e percussioni di Ivan Fedele. Sono quattro brevissimi momenti musicali costruiti attorno all'armoniosa voce di Carmela Remigio in un gioco timbrico di perfetta fusione con i suoni cupi del clarinetto basso e del violoncello e gli interventi riverberati e timbricamente più vicini alla voce delle percussioni. Bravissimi anchi gli strumentisti. Valido sotto ogni profilo Ecco mormorar l'onde, madrigale per voce e sei strumenti su testo di Tasso, composizione di Matteo D'Amico. L'evidente riferimento alla tradizione italiana del madrigale trova nella precisa e dettagliata voce, ancora dell'ottima Bacelli, il riferimento principale. Bravissimi gli interpreti. Di chiara e luminosa ispirazione Alleluia, una speranza, per soprano e sei strumenti di Paolo Arcà. L'espressiva voce della Remigio, centrale nel lavoro, viene sostenuta dagli strumenti in una situazione di discreta gioia collettiva. Dopo l'interessante brano di Boccadoro denominato per l'appunto Dopo, dove le lunghe e profonde note del flauto basso della bravissima interprete, vengono concluse con i rintocchi, molto orientali, di crotali e triangoli, siamo arrivati al brano Par les soirs bleus d’été, per voce ed ensemble su testo di A. Rimbaud di Fabio Vacchi. È un lavoro di complessa costruzione strumentale, costruito attorno alla pregnante voce di Carmela Remigio dove gli interventi dei singoli strumenti, spesso di vitale personale identità, rappresentano altrettante "voci" d'interazione. Ottima esecuzione in questa sorta di dialogo che sottolinea i coinvolgenti versi di Rimbaud. L'ultimo lavoro che evidenzio maggiormente è Nove marzo duemilaventi, per voce recitante e ensemble su testo di Mariangela Gualtieri, della compositrice Silvia Colasanti. L'ottima recitazione di Elio De Capitani, centrale nel lavoro, è stata potenziata dagli interventi dell'ensemble in una scrittura di eccellente fattura in tutte le sette indicazioni agogico-espressive: Nervoso, Adagio, Danzando, Immobile, Rituale, Luminoso e Perdendosi. Un lavoro di indubbia qualità. Di qualità anche il brano strumentale Win di Michele Dell'Ongaro e quello per voce e ensemble Abbraccio di Marco Betta. Bravissimi i Sentieri Selvaggi nell'ottima direzione di Boccadoro. Applausi scroscianti al termine per tutti, strumentisti e compositori, saliti sul palcoscenico in una sala al completo nei limiti di pubblico imposti dalla pandemia. Slendida serata certamente da ricordare.

7 ottobre 2020    Cesare Guzzardella

Roberto Cappello inaugura la nuova Stagione di Serate Musicali

Il pianista Roberto Cappello ha inaugurato la nuova stagione concertistica di Serate Musicali impaginando un programma impegnativo, interamente dedicato al grande musicista ungherese Franz Liszt. L'elevato virtuosismo dei brani scelti era elemento indispensabile per restituire sonorità di grande impatto sonoro riferite alla grande orchestra sinfonica. Prima la trascrizione della Quinta Sinfonia di Beethoven, poi il Coro dei pellegrini dal Tannhäuser di Wagner, ed infine la versione pianistica del Poema sinfonico "Les Préludes", dello stesso Liszt, hanno messo in risalto le solide qualità pianistiche di Roberto Cappello. Qualità che non rivelano solo il necessario virtuosismo digitale, ma soprattutto una chiara idea interpretativa. La forza prorompente delle prime note della celebre sinfonia beethoveniana ha da subito messo in risalto la cifra interpretativa di Cappello, cifra di intensa profondità espressiva che ha trovato momenti di importante resa tecnico-esecutiva in tutti i quattro movimenti della notevole trascrizione. Nell'Allegro finale - di incredibile difficoltà tecnica- Cappello ha rivelato imprecisioni comunque secondarie rispetto all'efficace resa estetica. Valida interpretazione del breve ed intenso Wagner e ancor più significativo il difficilissimo Poema Sinfonico di Liszt esaltato con profondità artistica dal pianista pugliese che coraggiosamente ha saputo calarsi nel complesso mondo lisztiano. Tutti rilevanti quindi i sei movimenti che compongono "Les Préludes" per un impaginato complessivo di rarissimo ascolto. Lunghi applausi al termine del concerto da parte del numeroso pubblico intervenuto, malgrado i limiti di spettatori imposti dalla pandemia. Da ricordare!

6 ottobre 2020 Cesare Guzzardella

Zubin Mehta dirige Richard Strauss alla Scala

L'ottimo concerto ascoltato ieri al Teatro alla Scala ha visto la Filamonica della Scala diretta dall'ottantaquatrenne Zubin Mehta in due noti lavori di Richard Strauss: i Quattro ultimi Lieder ed il Poema Sinfonico Vita d'eroe Op.40. I noti quattro canti concepiti da Strauss alla fine degli anni '40 del Novecento, su versi di Hermann Hess, per i primi tre lieder, e di Eichendorff, per l'ultimo, sono stati cantati dal soprano Camilla Nylund. Il poema Hein Heldenleben, composto nel 1898 è l'ultimo del genere di Strauss ed è anche questo concepito secondo uno stile legato ai precedenti poemi sinfonici di Liszt e al mondo sonoro wagneriano. Nei lieder il clima di pacata esternazione poetica è stato ben rilevato dalla stupenda timbrica della finlandese Camilla Nylund, una voce perfettamente intonata e ben evidenziata ed integrata dalle tenui ed intense sonorità dei filarmonici scaligeri diretti con garbo, precisione ed espressività dal direttore indiano. Rilevanti ed appariscenti gli interventi solistici della bravissima primo violino Laura Marzadori in Beim Schlafengehen, interventi che poi ritroviamo, con uguale maestria e ancor più intensa pregnanza, nel poema Vita d'eroe, trasposizione strumentale del mondo poetico tardo-romantico. Valida sotto ogni profilo l'interpretazione di Mehta e dei Filarmonici in tutti i circa cinquanta minuti del grande lavoro sinfonico. Applausi fragorosi dal pubblico presente in Teatro. Questa sera alle ore 20.00 l'ultima replica.

1 ottobre 2020 Cesare Guzzardella
SETTEMBRE 2020

A Varallo Sesia la 40esima edizione di Musica a Villa Durio

Dopo due decenni di attività concertistica, di ospiti prestigiosi e di proposte sempre nuove, l’autunno 2020 di Città di Varallo si appresta ad inaugurare la 40esima edizione di Musica a Villa Durio, stagione musicale diretta da Massimo Giuseppe Bianchi. Un anniversario importante che giunge dopo il successo del Secondo Festival Beethoven, organizzato in collaborazione con AssociazioneCulturale Musica con le Ali, che nel mese di Agosto ha arricchito la proposta culturale cittadina con quattro giornate di musica in piena sicurezza. Il Festival Beethoven è stato una prova generale di questa 40esima edizione, inaugurando la collaborazione con il Palazzo dei Musei di Varallo, che dal 4 Ottobre 2020 accoglierà i Concerti di Musica a Villa Durio nello splendido “Salone dell’Incoraggiamento”. Quattro gli appuntamenti previsti per Ottobre 2020, come di consueto alle ore 17,30.Il 4 Ottobre 2020 il Concerto di Apertura della 40esima edizione, si esibirà il trio formato dai viennesi Christophe Pantillon e Uta Korff, violoncello, e Massimo Giuseppe Bianchi, pianoforte, con un programma dedicato a musiche di Ludwig van Beethoven, Dmitrij Šostakovič, Olivier Greif, Gian Carlo Menotti.

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28 settembre 2020 dalla redazione

Inaugurata alla Scala la nuova Stagione della Sinfonica Verdi

Si è aperta ufficialmente la nuova stagione dell'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi" con il primo concerto, come di consuetudine tenuto al Teatro alla Scala. Claus Peter Flor, direttore musicale della compagine milanese, ha scelto un programma avvincente con musiche di Mahler e Janáček. I Rückert Lieder per soprano ed orchestra del viennese e la rapsodia orchestrale Taras Bulba del compositore ceco, hanno riempito di sonorità il teatro scaligero, al completo nei limiti consentiti dalla pandemia. Nei cinque noti lieder di Mahler il soprano Petra Lang ha rivelato le luminose qualità della sua voce nella perfetta sincronizzazione di timbriche con gli strumentisti della Sinfonica Verdi ottimamente diretti da Flor. Il direttore ha evidenziato i tenui e intonatissimi colori della Lang con altrettanti timbri sottili, ben differenziati in ogni sezione orchestrale. La distribuzione in ampio spazio degli orchestrali nel profondo palco scaligero, per le ragioni che sappiamo, ha creato un effetto di più ampio respiro sonoro, reso ancor più interessante nelle espressività di questi cinque capolavori lirici composti da Mahler nei primissimi anni del '900. Ottima l'interpretazione del celebre Taras Bulba di Leoš Janáček, capolavoro di ricerca ritmica e timbrica. I contrastati tre movimenti di questo lavoro composto da Janáček tra il 1915 e il 1918, sono stati rilevati anche dalle glaciali timbriche dei bravissimi ottoni. Le mirabili sovrapposizioni dei piani sonori rendono questa rapsodia orchestrale unica nel suo originale linguaggio musicale. Direzione accurata, dettagliata e particolarmente espressiva quella di Flor per una splendida resa della Sinfonica Verdi. Di grande impatto il bis concesso con un'appassionante Ouverture di Glinka.

21 settembre 2020 Cesare Guzzardella

Ottavio Dantone dirige Bach al Dal Verme per il Festival MiTo

L'Orchestra dell'Accademia di Santo Spirito di Torino, diretta per l'occasione dal cembalista e direttore Ottavio Dantone, ha eseguito ieri pomeriggio al Dal Verme musiche interamente di J.S.Bach. Nell'ultima giornata del Festival MiTo abbiamo ascoltato prima il Concerto in fa minore per clavicembalo ed archi BWV 1056,celebre soprattutto per il breve ma intenso Largo centrale e poi Tilge, Hochster, meine Sunden, mottetto per soprano, contralto,archi e continuo BWV 1083. Questu'ultimo corposo lavoro è una rielaborazione che il musicista tedesco fece del noto Stabat Mater di Giovanni Battista Pergolesi negli ultimi anni della sua vita. Le ottime timbriche orchestrali dal sapore antico hanno accompagnato ed integrato le splendide voci femminile affidate al soprano Marina Bartoli Compostella ed al contralto Lucia Napoli. Le pregnanti melodie, tipicamente italiane, sono integrate perfettamente col contrappunto bachiano sia nelle restituzioni vocali singole che di coppia. Di qualità la direzione di Dantone, esperto strumentista e direttore, da anni in carriera soprattutto nel repertorio di musica barocca. Successo e fragorosi applausi in una sala con moltissimo pubblico pur nelle restrizioni imposte dalla pandemia. Da ricordare.

20 settembre 2020 Cesare Guzzardella

Andrea Lucchesini in Chopin e le chitarre di Elena Càsoli al Dal Verme

Il concerto di ieri sera al Teatro Dal Verme per il Festival Mito ha visto la partecipazione del pianista toscano Andrea Lucchesini insieme agli Archi dell'Orchestra Filarmonica di Torino - concertati da Sergio Lamberto- in un programma interamente dedicato a Chopin. Dopo il brano introduttivo, eseguito in solitaria dal pianista con il celebre Notturno in mi bem. maggiore Op.9 n.2, l' Op.22 e l' Op.21 hanno trovato supporto dalla riorchestrazione per soli archi effettuata rispettivamente, per la Grande Polonaise Brillante da Federico Gon e per il Concerto n.2 in fa minore da Giorgio Spriano. Di rilievo le componenti per archi che in entrambi i brani modificano sostanzialmente i lavori chopiniani, favorendo maggiormente le caratteristiche intimistiche in una relazione, inusuale ma interessante, decisamente "cameristica". Lucchesini, in tutte le celebri opere, si è dimostrato un valido interprete, favorito da una leggerezza discorsiva di pregnante espressività che riesce a sottolineare i particolari più nascosti con rilevante chiarezza timbrica. Un pubblico numeroso, nei limiti imposti dall'ordinanza per il covid- ha decisamente apprezzato il concerto e Lucchesini ha concesso due bis: prima il movimento centrale del Concerto n.4 di Beethoven, un capolavoro di sintesi nella pregnante ed intensa discorsività; quindi il movimento centrale Largo dal Concerto n.5 in Fa minore BWV 1056 di J.S.Bach. Ancora valido il supporto dell'ottima Orchestra d'Archi torinese.

Nel pomeriggio, nella medesima sala, abbiamo ascoltato la bravissima Elena Càsoli che utilizzando ben quattro chitarre, in rispettivi brani, ha dato sfoggio di abilità strumentali in un impaginato di grande varietà. Dai sapori del passato con la bellissima Ciaccona dalla Suite X per liuto - trascritta per chitarra- di Sylvius Leopold Weiss (1687 - 1750), ai 43 Ghiribizzi per chitarra di Niccolò Paganini ( 1782-1840), dai quali la virtuosa ha estrapolato sei brani tra cui anche il celebre Là ci darem la mano. Brani più vicini ai nostri tempi e legati ad un folclore popolare di suggestiva presa sono stati quelli di Lou Harrison (1917- 2003) e di Ralph Towner (1940). Nella parte centrale del concerto abbiamo anche assistito ad una breve ma efficace rappresentazione teatrale-musicale con un lavoro di Maurizio Pisati - presente ed applaudito in sala- e la Prima Esecuzione Assoluta del suo Spiriti Sospesi - Teatro spiritoso su sei corde. Un brano questo che oltre alla mimica della chitarrista in maschera, utilizza una parte elettronica ricca di effetti pre-registrati che si combinano alla parte di chitarra live dove anche la percussività dello strumento nella sua gestualità hanno una componente rilevante. Ottima performance. Da ricordare entrambi i concerti.

19 settembre 2020 Cesare Guzzardella

Filippo Gorini al Teatro Dal Verme per il Festival MiTo

Un impaginato in parte di raro ascolto quello scelto dal giovane pianista Filippo Gorini, interprete ascoltato nel pomeriggio di ieri al Teatro Dal Verme per il Festival MiTo, rassegna musicale incentrata quest'anno sul tema degli Spiriti. Le "Geistervariationen" o Variazioni degli spiriti sono del 1854 e rappresentano l'ultimo prodotto musicale di Robert Schumann prima del suo internamento in manicomio. Un tema iniziale "visionario" ma estremamente luminoso e pacato, viene rielaborato con maestria dal grande tedesco in brevi variazioni per circa dieci minuti. Raramente questo significativo lavoro viene portato in sala da concerto e Gorini l'ha voluto come introduzione ad un brano ben più conosciuto e corposo quale la Sonata in sol maggiore op.78 "Fantasia" D. 894 di Franz Schubert. il brano introduttivo scelto da Filippo ci è apparso di lucida fattura, ma forse mancante di quella "sicurezza e immediatezza esecutiva" tipica di Schumann, pur essendo comunque di buon livello. Di maggiore qualità la lunga Sonata schubertiana che ha trovato un'esecuzione luminosa e dettagliata. Ottimo l'equilibrio nella scelta degli andamenti dei quattro movimenti giocati su una riflessiva esposizione, lucido rigore estetico e chiarezza espressiva. Gli insegnamenti di Alfred Brendel certamente si intravedono nella caratterizzazione di questo brano, molto amato anche dal grande interprete viennese. Il meraviglioso Allegretto, che conclude questo capolavoro di grande ricchezza costruttiva, ha trovato in Gorini un pianista di qualità certa, che dimostra di volere crescere nell'arte interpretativa attraverso repertori tradizionali, ma inequivocabilmente genuini. Ricordiamo che Gorini, già vincitore di numerosi premi internazionali, ha ottenuto importanti riconoscimenti nelle interpretazioni beethoveniane. Il bellissimo concerto ha avuto anche un'importante "coda" nei due bis bachiani scelti da Gorini. Dall'insuperata Arte della Fuga del genio di Eisenach, il Contrappunto n.1 e quello finale con la Fuga a 3 soggetti che si interrompe improvvisamente alla battuta 239, ci hanno portato in un altro mondo musicale fatto di assoluta perfezione costruttiva. Eccellente l'interpretazione bachiana del ventiquatrenne pianista. Fragorosi applausi al termine. Da ricordare.

16 settembre 2020 Cesare Guzzardella

Enrico Dindo al Teatro Dal Verme per il Festival MiTo

Un altro noto violoncellista, Enrico Dindo, dopo la serata dedicata al cellista Giovanni Sollima, ha portato ottima musica al Teatro Dal Verme per il Festival MiTo. Dindo nel diversificato impaginato ha accostato classici di repertorio di Bach ed Isaýe a brani di raro ascolto come la Sonata n.1 op.72 di Weinberg o addirittura contemporanei con brani di recente realizzazione come Dalla memoria (2019) di Carlo Boccadoro e Sonatina III (2019) di Fabio Vacchi. Certo Bach, del quale Dindo ha eseguito a metà concerto la Suite n.1 in sol maggiore, rimane di riferimento per tutti i compositori che si sono dedicati a questo intenso e voluminoso strumento ad arco, ma la tecnica musicale nella produzione per violoncello ha subito un'evoluzione nel corso dei secoli e questa si è ampiamente riscontrata nella Sonata op.28 (1924) di Eugène Isaýe e in quella N.1 op.72 del russo - di origine polacche- Mieczyslaw Weinberg. I recenti lavori di Boccadoro e Vacchi non aggiungono novità dal punto di vista dell'evoluzione della ricerca tecnica dello strumento, ma ci sono comunque sembrate ottime realizzazioni. Dalla memoria, il brano di Boccadoro, compositore presente in teatro e applaudito poi in palcoscenico al termine dall'ottima esecuzione, ci è apparso di una lineare e pacata melodicità, nella chiara linea musicale sostenuta soprattutto nei registri bassi delle corde. Una sorta di suggestiva riflessione sul mondo passato. Più intrigante e di complessa realizzazione la Sonatina III di Fabio Vacchi. Un unico movimento definito da una non lineare voce melodica che interviene in modo marcato e netto coprendo più registri della cordiera. Tagliente e ricca di accenti l'intensa espressività di Enrico Dindo. Il violoncellista ha rivelato ancora una volta le sue importanti qualità musicali eseguendo molto bene e con sintesi discorsiva la Suite n.1 di Bach e la Sonata di Isaýe, quest'ultima in tutte le sue articolazioni virtuosistiche. Particolarnente toccante il raro brano in tre movimenti di Weinberg, musicista russo che quì risente molto l'influenza di Šostakovich. Ricordiamo che questa Sonata n.1 per violoncello venne eseguita per la prima volta nel 1960 da Mstislav Rostropovic. Ottima l'interpretazione di Dindo. Fragorosi applausi al termine da parte del numeroso pubblico intervenuto e due bis concessi dal cellista con un pregnante movimento dalla Sonata di Paul Hindemith e una luminosa Allemanda dalla Suite n.6 di J.S. Bach. Da ricirdare.

Cesare Guzzardella 14 settembre 2020

ACE TO FACE CON LA MUSICA A VERCELLI GRAZIE ALLA CAMERATA DUCALE

Anche in tempi difficili per gli spettacoli dal vivo, creatività e intraprendenza permettono di ottenere risultati sorprendenti. E’ questo il caso di Face to Face, l’appuntamento di sabato 19 settembre, dalle 15 alle 21, che rappresenta la risposta del Viotti Day and Night alle esigenze anticontagio. Face To Face, formula già apparsa e molto apprezzata nelle scorse edizioni del Viotti day and Night, diventa quest’anno il cuore della manifestazione. Non solo, ma si moltiplica: invece di una sola ambientazione, quest’anno gli spettatori ne avranno a disposizione ben 5. E non si tratta di luoghi qualunque, al contrario: Palazzo Tizzoni, Sala Capitolare dell’Abbazia di S. Andrea, Sala d’Ercole del Museo Leone, Arca e, dulcis in fundo, la spettacolare e normalmente chiusa al pubblico Torre dell’Angelo. Insomma, un concentrato emozionante dell’immenso patrimonio architettonico e storico di Vercelli. Qui, a partire dalle 15, il pubblico avrà l’opportunità più unica che rara di assistere a un concerto Face To Face, ovvero per uno spettatore solo (al massimo due se congiunti). Una sensazione irripetibile che, insieme al fascino del luogo, renderà i 10 minuti del concerto assolutamente indimenticabili.Per di più, il programma sarà “on demand”: lo spettatore potrà infatti scegliere il suo brano preferito in un “menu” di varie proposte che spazieranno dal Barocco al Novecento.Nel complesso, le esibizioni saranno 150, con organici che andranno dal violino solo, al duo, al trio di fiati, al quartetto d’archi, tutto naturalmente “Made in Camerata Ducale”, a partire dalla sicura presenza di Guido Rimonda, solista e direttore musicale del Viotti Festival.Dato il grande numero di richieste previsto, è indispensabile la prenotazione, che si può effettuare scrivendo a a biglietteria@viottifestival.it o chiamando 011 755 792 o cell. 329 126 07 32. Face To Face è un’iniziativa resa possibile da un grande sforzo organizzativo e dal sostegno della Città di Vercelli, senza dimenticare la disponibilità del Museo Leone.

12 settembre 2020 dalla redazione

Emanuele Arciuli per MiTo al Teatro Dal Verme

Emanuele Arciuli, rinomato interprete di musica pianistica statunitense, ha portato uno splendido impaginato al Teatro Dal Verme per il Festival MITO. È sempre alla ricerca di novità il pianista pugliese, e spesso, nei diversificati ed interessanti programmi da lui composti, salta fuori almeno un brano mai ascoltato. Ieri pomeriggio, davanti un pubblico poco numerose - ma sappiamo che spesso la musica contemporanea in Italia non porta pubblico- ha posizionato tra Corigliano, Debussy e Rzewski, anche il compositore newyorkese Martin Bresnick (1946) con Isch's Song, lavoro composto appositamente per il pianista. Un brano apparentemente semplice, con una melodia di tre note, falsamente ripetitiva, che invece gioca il suo essere di ottima qualità compositiva attraverso gli accenti, la ritmica e la dinamica, continuamente variati, in una serie di combinazioni infinite che, in quella sorta di minimalismo ipnotico dal sapore orientale, inebria l'ascoltatore con timbriche luminose e ricche di fantasia musicale. Arciuli, attraverso il suo perfezionismo, evidente anche nella sua gestualità, ha fornito una grande prova. Era partito benissimo con la Fantasia on an Ostinato di John Corigliano (1938) , dove nella complessità del corposo brano minimalista si arrivava anche alla sovrapposizione delle note di Beethoven tratte dall'Allegretto della Settima sinfonia. Bene l'esecuzione di quattro Préludes dal Libro Primo di Claude Debussy con Voiles e Des pas sur la neige e, dopo Bresnick, con Ce qu'a vu le vent d'Ouest e La Cathédrale engloutie. È interessante osservare la modernità di Debussy nella sua ricerca coloristica se confrontata alla musica del secondo Novecento o in periodi ancor più recenti. Il percussivo ed avvincente brano di Frederic Rzewski, Piece n.4 dai Four Pieces for Piano, ha concluso il programma ufficiale. Un lavoro questo di grande impatto sonoro nel quale anche la componente gestuale trova una esaustiva resa estetica. Una sorpresa il bis concesso al termine, con il bellissimo Exit music dei Radiohead nella trascrizione di Christopher O’ Riley. Ancor più melodico nel contrasto col resto. Ottimo concerto che merita di essere ricordato nel tempo.

10 settembre 2020 Cesare Guzzardella

Gamba e Sollima: due grandi solisti per il Festival Mito

Due eccellenti solisti hanno occupato il palcoscenico del Teatro Dal Verme per i concerti del Mito, la fortunata rassegna musicale di Milano e Torino iniziata da alcuni giorni ed in corso sino al 19 settembre. Ieri pomeriggio il pianista veronese Filippo Gamba ha dedicato al genio di Beethoven quasi tutto il programma con le tre ultime sonate - l'Op.109, l'Op.110 e l'Op.111, monumenti musicali finali del grande musicista che rappresentano un punto d'arrivo per ogni interprete di qualità. Gamba, affermato pianista cinquantenne, ha ancora una volta dimostrato di avere ogni requisito per affrontare questi insuperati splendori musicali. Con profondità di pensiero ha fornito una lettura precisa, dettagliata e soprattutto meditata, sottolineando, con chiarezza espressiva e nitore coloristico, anche i frangenti più impervi. La rilevante cifra espressiva del finale dell'opera 111 ha concluso splendidamente la sua performance. Ottime timbriche anche per i due brevi brani dedicati ad Haydn che hanno anticipato l'ultima Sonata: prima Menuet sur le nom d'Haydn di Maurice Ravel e quindi un bellissimo Meditation on Haydn's name del contemporaneo George Benjamin(1960). Meritati e fragorosi gli applausi. Il concerto serale davanti ad un numeroso e più giovane pubblico, pur nei vincoli numerici del Covid, prevedeva sul palcoscenico il violoncellista e compositore siciliano Giovanni Sollima. Ben noto al pubblico milanese per la sue qualità e la sua versatilità, ancora una volta il simpatico cellista ha proposto un programma tra l'antico e il contemporaneo che ha esaltato la sua cifra estetica sia d'interprete che di autore. In un periodo di tre secoli di storia musicale ascoltata siamo passati da un profondo Bach iniziale con la Sonata per cello n.3 in do magg. BWV 1009, ad un breve Trattenimento musicale di Domenico Galli ( 1649- 1697). La straordinaria Suite n.3 in la minore di Ernest Bloch (1880-1959) ha continuato il concerto e dopo un breve lavoro di C.F. Abel (1723-1787), Sollima è arrivato al suo nuovo brano in prima esecuzione assoluta: Song da Acquaprofonda. Nel corposo lavoro il musicista utilizza, unitamente al violoncello, una preregistazione pilotata dal suo smartphone, una sorte di tappeto sonoro particolarmente significante al quale il cellista unisce il suo splendido solismo con il suo stile inconfondibile, ricco di virtuosismo espresso con stravagante gestualità, produttiva nella qualità. I riferimenti alla musica antica, al folclore mediterraneo, ai sapori orientali, sono sempre presenti in questo singolare musicista che appare sempre in simbiosi col suo affascinante strumento ad arco. Valida ed afficace la successiva trascrizione dall'originale per clarinetto di Igor Stravinsky con I tre pezzi per clarinetto solo e alla fine del programma ufficiale un ritorno al passato con alcuni Capricci dagli 11 Capricci per violoncello di Giuseppe Dall'Abaco (1709-1805). Tutti splendidi. Alcuni bis al termine con suoi brani ancora decisamente personali e di qualità. Grande successo e ripetuti applausi.

9 settembre 2020 Cesare Guzzardella

LUGLIO 2020

Al via la seconda edizione del Festival Beethoven a Varallo Sesia

Dal 31 luglio al 2 agosto si svolgerà a Varallo, in provincia di Vercelli, la seconda edizione del Festival Beethoven. Artefice la rassegna musicale l'infaticabile pianista ed organizzatore Massimo Giuseppe Bianchi. Saranno presenti i giovani talenti di "Musica con le Ali" . Il Cortile di Palazzo dei Musei sarà la sede principale degli eventi. Il 2° Festival Beethoven, realizzato in collaborazione con l’Associazione Musica con le Ali presieduta da Carlo Hruby, cittadino onorario di Varallo, viene ad arricchire, nel cuore dell’estate, la già notevole offerta culturale che la città dispensa abitualmente ai suoi visitatori. Con questa seconda edizione Varallo diviene sempre più meta ideale di un turismo di qualità, che vuole coniugare arte, benessere, bellezza e - naturalmente - musica. Un omaggio al genio visionario di Ludwig van Beethoven, alla sua musica senza tempo, pensato dal Direttore Artistico Massimo Giuseppe Bianchi per dare risalto alle opere cameristiche del grande compositore, inquadrate in un dinamico dialogo coi giovani, che di tale patrimonio sono simbolicamente gli eredi. “Il 2° FesIval Beethoven – dichiara Massimo Giuseppe Bianchi, a Villa Durio - si propone come un omaggio al genio di Bonn, nell’anno del duecentocinquantesimo anniversario della nascita. Dall’altra come una breve stagione, intensa e monografica, in linea con analoghe esperienze di successo sperimentate in Europa. Dopo il successo della 1a edizione del 2019, saranno eseguite le opere camerisIche di Beethoven con pianoforte, violino, violoncello e clarinetto. Il programma prevede:

Venerdì 31 luglio, ore 21

Cortile di Palazzo dei Musei (ingresso via Boccioloni)

Fabiola Tedesco violino

Ludovica Rana violoncello

Massimo Giuseppe Bianchi pianoforte

Variazioni in sol maggiore op. 121a “Kakadu”

3 Duetti per violino e violoncello

Trio in re maggiore op. 70 n. 1 “Degli Spettri”

Sabato 1 Agosto, ore 18

Piazza Calderini

Gaia Gaibazzi clarinetto

Ludovica Rana violoncello

Massimo Giuseppe Bianchi pianoforte

Musiche di Ludwig van Beethoven

 

 

 

 

 

 

 

 

Sabato 1 Agosto ore 21

Cortile di Palazzo dei Musei (ingresso via Boccioloni)

Gaia Gaibazzi clarinetto

Ludovica Rana violoncello

Massimo Giuseppe Bianchi pianoforte

Trio in si bemolle maggiore op.11

Trio in mi bemolle maggiore op. 38

Domenica 2 Agosto ore 18

Piazza Calderini

Fabiola Tedesco violino

Massimo Giuseppe Bianchi pianoforte

Musiche di Ludwig van Beethoven

Domenica 2 Agosto ore 21

Fabiola Tedesco violino

Massimo Giuseppe Bianchi pianoforte

Sonata in la minore op. 23

Sonata n. 5 in fa magg. op. 24 “La Primavera”

Sonata n. 10 in sol magg. op. 96

Il concerto conclusivo di domenica 2 agosto alle ore 21 sarà presentato da Nicola Cattò, direttore della rivista “Musica”.

I biglietti per il Festival Beethoven saranno omaggiati al gentile pubblico dagli sponsor di Alpàa 2020. E’ consigliata la prenotazione telefonando al numero 346.3124386 o tramite mail all’indirizzo info@musicavilladurio.com.

23 luglio 2020 dalla redazione

 

Benedetto Lupo diretto da Claus Peter Flor e la "Sinfonica Verdi"

Il ritorno dell'Orchestra Sinfonica Verdi di Milano all'Auditorium di L.go Mahler ha trovato un pubblico ridotto a causa delle misure di sicurezza di questi mesi, ma certamente soddisfatto all'ascolto della musica di Beethoven grazie alle ottime interpretazioni ascoltate. La rassegna denominata Beethoven Summer è dedicata al genio di Bonn e si sta svolgendo finalmente live e con pubblico da alcuni giorni. Ieri sera sul podio c'era il direttore Claus Peter Flor. Oltre alla Sinfonia n. 1 in do maggiore Op. 21 abbiamo ascoltato il Concerto per Pianoforte ed Orchestra op.37 n.3 in do minore. Flor ha mostrato affinità con la musica beethoveniana fornendo un'equilibrata e corretta lettura della Prima Sinfonia. La Sinfonica Verdi, in perfetta forma, ha infatti trovato i giusti tempi e gli equilibri dinamici corretti per una valida esecuzione caratterizzata da una pacata coralità espressiva che è entrata pienamente nello spirito beethoveniano. La salita in palcoscenico del noto pianista Benedetto Lupo per il Terzo Concerto ha reso la serata ancor più interessante. Lupo, pianista ascoltato lo scorso anno in Conservatorio in recital è anche un affermato didatta. La sua cifra interpretativa, ricca di grinta e sensibilità, ha trovato un ottimo appoggio nella direzione di Flor ed è stata espressa con precisa sintesi discorsiva. Dalla ricca incisività dell'Allegro con brio iniziale, alla pacatezza del Largo centrale, siamo arrivati al risoluto e ben definito Rondò finale. Lupo, è riuscito a rendere in modo disinvolto ma anche dettagliato ogno frangente di questo capolavoro. Di qualità il bis offerto dal solista con un ottimo Schumann. Fragorosi applausi agli interpreti. Questa sera replica e prossimamente, il 22 e 23 luglio, ancora la Sinfonica Verdi diretta da Flor per la Sinfonia "Eroica" . Da non perdere.

16 luglio 2020  Cesare Guzzardella

Successo meritato al Teatro alla Scala per le Nuove voci

Quattro concerti per rincominciare, la rassegna di luglio che ha riaperto al pubblico il Teatro alla Scala, dopo il lungo periodo di sosta dovuta al coronavirus, è arrivata ieri sera al terzo appuntamento. Nello splendido teatro milanese alcune centinaia di spettatori - nel limite imposto dal covid- erano presenti alla rassegna canora denominata Nuovi voci alla Scala. Ex allievi della scuola di canto scaligera, da anni cantanti di fama internazionale, quali il soprano Irina Lungu, il baritono Fabio Capitanucci e il basso Jongmin Park, si sono alternati a giovani cantanti che si stanno attualmente affermando e che hanno dimostrato attraverso la loro riuscita esibizione di avere le carte in regola per un futuro di riconoscimenti importanti. Il valido pianista Michele Gamba ha accompagnato molto bene i solisti in brani noti di Verdi, Mozart, Massenet, Rossini, Cilea, Puccini, Gounod. Un'ora e trenta di musica dove Gamba ha dimostrato di passare da uno stile compositivo ad un altro in modo disinvolto e con resa di qualità e di attenzione alla voce di ogni brano. Ricordiamo almeno le ottime interpretazioni di Irina Lungu da Manon di Massenet con Je marche sur tous les chemins o da Boheme con Mi chiamano mimì; le sicure rese vocali di Capitanucci in Mozart - Non più andrai...- e in Rossini da La cenerentola; la valida prestazione di Park in Verdi - Ella giammai m'amò- e Rossini -La calunnia-. Dei nuovi interpreti ricordiamo l'eccellente Caterina Maria Sala in Mozart da Zaide con Ruhe sanft, mein holdes Leben e in Puccini con O mio babbino caro; chiara ed incisiva la voce tenorile di Raffaele Abete in Verdi dal Macbeth con Oh figli...e in Puccini - Che gelida manina; di spessore Federica Guida in Mozart - Der Holle Rache- e in Gounod con Je veux vivre; notevole Szilvia Vörös in Verdi con O Don fatale dal Don Carlo e nello splendido Cilea da Adriana Lecouvreur con Acerba voluttà. Ancora Puccini nel bis con il quartetto da Bohème. Successo meritato!!! Domani ultimo concerto con gruppi cameristici scaligeri. Da non perdere!

14 luglio 2020 Cesare Guzzardella

 

Il duo Acciarino-Petrella in Conservatorio per Musica Maestri!

Il pomeriggio musicale organizzato in Conservatorio per la quinta rassegna di MUSICA MAESTRI! ha visto sul palcoscenico di Sala Verdi due giovanissimi quali il clarinettista Riccardo Acciarino ed il pianista Diego Petrella, entrambi vincitori del Premio Conservatorio 2019 nei rispettivi strumenti. Conoscevo Diego, avendolo ascoltato più volte e sapevo delle sue indubbie qualità interpretative. Non conoscevo ancora Acciarino e sono rimasto particolarmente sorpreso per le sue splendide e sicure qualità solistiche con i rispettivi clarinetti. Il programma prevedeva musiche di Bach, Poulenc, Gershwin, Lowenstern e Kapustin. Un impaginato vario, trasversale, che incrocia bene il genere classico con il jazz ed il contemporaneo. Una Sarabanda dalla Suite per violoncello in si minore trascritta per clarinetto basso e un brano jazz di Eric Dolphy denominato God Bless The Child hanno introdotto il tardo pomeriggio. Acciarino ha ottimamente eseguito i due lavori, introducendo poi il terzo brano con Petrella al pianoforte. La celebre e geniale Sonata per clarinetto e pianoforte di Francis Poulenc è stata eseguita splendidamente con efficace espressività ed ottime sinergie timbriche. Con i Tre preludi di George Gershwin, nella valida trascrizione per duo, l'intento trasversale, ben delineato nella presentazione dei brani da Iacciarino, è emerso con maggiore efficacia. L'ottima resa interpretativa, dovuta ad una chiara discorsività di entrambi gli strumentisti, ha trovato anche in Gerswin un punto di forza. Riccardo è tornato in solitaria con il brano contemporaneo per Clarinetto basso e nastro magnetico denominato Drift di Michail Lowenstern. Un lavoro dove il tema presentato dal solista viene memorizzato e ripetuto elettronicamente in un tutt'uno col clarinetto basso che esegue poi varianti in un ambito melodico-ritmico di facile resa espressiva. L'ultimo lavoro in programma, dell'ucraino Nikolay Kapustin, era una trascrizione per duo di un celebre studio pianistico del compositire-jazzista, Jazz Etude n.1 op.40. Esecuzione sorprendente per qualità e versatilità espressiva. Peccato che i due giovani strumentisti non abbiano ricordato l'82enne compositore deceduto all'improvviso tre giorni fa, il 2 luglio 2020. Vogliamo noi ricordare il compositore-pianista per l'originale impronta compositiva che ha unito il mondo della musica contemporanea al migliore jazz occidentale. Valido il bis concesso dal duo con un breve ma efficace brano Klezmer. Applausi calorosi dalla sala con i posti numericamente limitati dalle misure-covid. Da ricordare a lungo.

5 luglio 2020 Cesare Guzzardella

Il duo Dressler-Fliter per la Società dei Concerti

Un duo speciale quello formato da Anton Dressler e da Ingrid Fliter. Il programma vario e anche divertente visto ieri sera in Sala Verdi, in Conservatorio per il secondo dei concerti "Daccapo", organizzati dalla Società dei concerti, prevedeva musiche di Debussy, di Poulenc e di Milhaud eseguite in duo, di Stravinskij e Piazzolla per solo clarinetto e di Chopin per pianoforte solo. La nota ed elegante Sonata per clarinetto e pianoforte del francese Francis Poulenc è stata anticipata da un breve ma pregnante fuori programma, il Preludio di Debussy La fille aux cheveux de lin trascritto per duo ed eseguito senza soluzione di continuita con la sonata. Questi primi brani hanno rivelato le eccellenti qualità del clarinettista russo che ha mostrato chiare sonorità in perfetta sinergia con i colori luminosi dell'ottima pianista argentina Fliter. Gli impasti timbrici, perfettamente amalgamati dei due strumenti, hanno trovato ancora un frangente di alto spessore interpretativo nel noto Scaramouche di Darius Milhaud, un brano ricco d'ironia che si accosta perfettamente, per modalità estetica di linguaggio, al precedente Poulenc ed anche  al bellissimo Stravinskij dei Tre pezzi per clarinetto, sostenuto con virtuosismo e leggerezza da Dessler. Valido anche il Tango Etude n.3 di Astor Piazzolla per clarinetto solo. La Fliter, oltre ad avere sostenuto splendidamente i brani in coppia, ha elargito il suo riconosciuto amore per il polacco con il noto e più eseguito Nottuno postumo in do diesis minore e con alcuni tra i più celebri Valzer (Minute, Grande Valzer Brillante, ecc.). Il suo Chopin, di indubbia classe e raffinatezza, era stato premiato a Varsavia nel prestigioso Concorso nel 2000 con la medaglia d'argento. Elegante e raffinato Summertime di George Gershwin eseguito dal duo come bis! Bravissimi! Un concerto di alta qualità quello ascoltato, che insieme a quello di mercoledì scorso, con il duo Tifu-Andaloro, ci ha di nuovo riportato alla migliore musica live espressa finalmente in sala da concerto dopo mesi d'attesa. Speriamo ad un celere ritorno con le sale al 100% di pubblico. Fragorosi applausi al termine dai duecento spettatori presenti in Sala come previsto dalle ordinanze ministeriali. Da ricordare a lungo.

2 luglio 2020 Cesare Guzzardella

 

AL NASTRO DI PARTENZA LA SESTA EDIZIONE DEL Ducale.LAb di VERCELLI

Riparte il Ducale.Lab, il concorso che premia i giovani solisti più talentuosi e promettenti, con una serie di concerti pomeridiani in uno dei luoghi storici più suggestivi della città: il Museo Leone. Il progetto ideato e voluto dalla Camerata Ducale con il supporto della città di Vercelli è parte integrante del cartellone del Viotti Festival di Vercelli. Giunto tra grandi consensi alla sesta edizione, il Ducale.LAb di quest'anno assume un valore particolare: i concerti al Museo Leone saranno infatti i primi eventi musicali vercellesi del post-lockdown, circostanza che simboleggia la volontà di Vercelli di uscire dall'emergenza proprio nel segno dei giovani, da sempre al centro dell'attenzione e fiore all'occhiello del Festival. Il primo concerto si terrà Venerdì 3 luglio alle h.18,30 con il seguente programma:Alberto Navarra flauto , Alessandro Boeri pianoforte. J. S. Bach Sonata in mi maggiore BWV 1035; C. Reinecke Sonata Undine per flauto e pianoforte, op. 167; F. Poulenc Sonata per flauto e pianoforte FP 164. VENERDI’ 10 LUGLIO 2020 ore 18.30 Stefano Beltrami violoncello e Sawa Kuninobu violino J.S. Bach Suite n. 2 in re minore BWV 1008; C.A. Piatti Capriccio n.7 in do maggiore, op. 25; N. Paganini Capriccio n.13 op.1; F. Kreisler Recitativo e Scherzo Caprice op. 6; E. Ysaye Sonata n. 1 in sol minore per violino solo, op. 27 . I concerti sono la naturale conclusione del Concorso omonimo che seleziona e premia i migliori giovani neodiplomati dei conservatori piemontesi offrendo loro l'opportunità di presentarsi al pubblico nella veste di solisti, valorizzando degnamente così il loro talento. Ai premiati del concorso, oltre al concerto della presente rassegna, verranno assegnati il Premio Maria Cerruti Vercellotti al miglior solista e al miglior ensemble (due borse di studio, ciascuna di 1.000,00 €)., è doveroso ricordare la figura della Professoressa Maria Cerruti Vercellotti a cui sono dedicati i due premi - miglior solista e miglior ensemble - proprio con le parole affettuose del marito

1 luglio 2020 dalla redazione

Ritorna la musica live in Conservatorio a Novara con il concerto cameristico en plein air per 'ripartire'

Martedì 7 luglio 2020 ore 21,00 nel Cortile del Conservatorio "G Cantelli" di Novara Musiche di W.A. Mozart, F. Mendelssohn, G.S. Mayr, F. Farkas, G. F. Haendel

Primo appuntamento musicale live, dopo il lungo periodo di chiusura, per il Conservatorio "G. Cantelli" di Novara che promuove un articolato e accattivante concerto en plein air.L'appuntamento è per la serata di martedì 7 luglio, alle 21 entro la suggestiva cornice del cortile interno del Cantelli: un luogo magico e fascinoso, immerso nel silenzio, dacché lontano dal traffico, che già più volte si è rivelato location ideale per la musica dal vivo.L'ingresso è gratuito limitato a soli 50 posti (dovendosi rispettare le vigenti norme circa il distanziamento personale a salvaguardia della sicurezza del pubblico stesso e degli interpreti), con prenotazione obbligatoria (apposito link sul sito del Conservatorio consno.it: chi si prenota riceverà una mail di conferma dell'accettazione).Sarà possibile inoltre seguire la diretta streaming del concerto sulla pagina facebook e sul canale YT del Conservatorio per seguirci su FB

https://www.facebook.com/conservatorionovara/

1 luglio 2020 dalla redazione

 

GIUGNO 2020

VI Ducale.LAB: la musica a Vercelli riparte dai giovani

Un concorso che premia i giovani solisti più talentuosi e promettenti, e il pubblico premiato da una serie di concerti pomeridiani in uno dei luoghi storici più suggestivi della città: questo è Ducale.LAb, il progetto ideato e voluto dalla Camerata Ducale con il supporto della città di Vercelli e parte integrante del cartellone del Viotti Festival di Vercelli. Giunto tra grandi consensi alla sesta edizione, il Ducale.LAb di quest'anno assume un valore particolare: i concerti saranno infatti i primi eventi musicali vercellesi del post-lockdown, circostanza che simboleggia la volontà di Vercelli di uscire dall'emergenza proprio nel segno dei giovani, da sempre al centro dell'attenzione e fiore all'occhiello del Festival.

Il Concorso è ormai prossimo al traguardo: le audizioni e la scelta dei vincitori si terranno venerdì 26 giugno al Teatro Civico, e i nomi dei premiati verranno comunicati sabato 27 giugno. I giovani musicisti, la cui età media è di 22 anni, verranno giudicati da una Commissione composta, oltre che da Cristina Canziani e Guido Rimonda (rispettivamente Direttore artistico e Direttore musicale del Viotti Festival), da Enrica Ciccarelli (pianista e Direttore artistico della Società dei Concerti di Milano), Maria Luisa Pacciani (pianista e didatta, già Direttore del Conservatorio Verdi di Torino) e Massimo Viazzo (pianista, didatta e musicologo vercellese).

I partecipanti a questa edizione sono 16, si esibiscono in trio d'archi, in duo (violino e pianoforte, violoncello e pianoforte, flauto e pianoforte, violoncello e contrabbasso) o come solisti (violoncello, violino, pianoforte) e provengono dai Conservatori di Torino, Cuneo e Alessandria. Da sottolineare l'altissimo livello di preparazione dei concorrenti, tutti diplomati con il massimo dei voti (10/10 o 110/110).

I quattro vincitori saranno premiati da altrettanti concerti, naturalmente retribuiti, che si terranno al Museo Leone (via Verdi 30) il 3,10,17 e 24 luglio prossimi, sempre alle ore 18,30. Inoltre, verranno assegnati anche il Premio Maria Cerruti Vercellotti donato dalla famiglia Vercellotti (1000 euro sia al miglior solista che al miglior ensemble) e il Premio speciale del pubblico: sul sito www.viottifestival.it gli spettatori potranno votare il concorrente che avrà suscitato più emozioni e simpatia, e questi si vedrà assegnare una carta Feltrinelli da 500 euro.

Il biglietto d'ingresso ai concerti ha un costo di 5 euro e la prenotazione, assolutamente obbligatoria nel rispetto delle norme vigenti, si può effettuare via mail scrivendo a biglietteria@viottifestival.it oppure telefonando al numero 011 755791. Il ritiro dei biglietti inizierà al Museo Leone un'ora prima dell'inizio dei concerti.

25 giugno dalla redazione

 

Anna Tifu e Giuseppe Andaloro tornano in Conservatorio per la Società dei Concerti

Finalmente sono tornati i concerti in Sala Verdi. Il primo del Conservatorio milanese dopo oltre tre mesi di sosta e con il limite di solo duecento posti, limite prescritto per rispettare le norme ancora vigenti in epoca di coronavirus. La Società dei Concerti, nota Fondazione concertistica milanese, ha voluto per questo ritorno due virtuosi ben conosciuti quali la violinista cagliaritana Anna Tifu ed il pianista siciliano Giuseppe Andaloro: un duo collaudatissimo che ben conosciamo e che è riuscito ad essere particolarmente convincente nell'ora a disposizione, dovendo ripetere l'impaginato due volte, prima nel tardo pomeriggio e poi in serata. Un programma splendido che prevedeva la Sonata in fa maggiore n.5 "La primavera" di Beethoven, Tzigane, Rhapsodie de concert di Maurice Ravel e la Fantasia sulla Carmen di P. de Sarasate cui sono seguiti tre bis. Sono particolarmente sinergici in coppia la Tifu e Andaloro. Lei ha espresso il meglio nei due brani pregnanti e virtuosistici di Ravel e De Sarasate. Lui, molto attento alle sonorità della compagna musicale, ha mostrato scioltezza e spessore timbrico con precise e robuste dinamiche, anche nella celeberrima sonata beethoveniana, dove la parte pianistica spesso è dominante. L'impaginato, ben collaudato dalla trentenne violinista, ha rivelato ancora una volta lo spessore virtuosistico ed espressivo di Anna, una solista che da parecchi anni domina le scene concertistiche mondiali. Ma anche Giuseppe non scherza per solidità tecnico-espressiva, come rivelato nelle efficaci invenzioni timbriche della bellissima pagina raveliana. Bravissimi entrambi! Anche nei bis proposti: prima lei con l'efficace ultimo movimento, Les Furies, dalla Sonata n.2 di E. Ysaýe, poi lui con un suo originale mix da noti brani di Bohemian Rhapsody dei Queen; poi ancora in duo per la nota Meditation dal Thais di Jules Massenet! Ricordiamo la dedica del concerto espressa da Anna Tifu al compianto compositore-pianista, recentemente scomparso, Ezio Bosso. Grandissimo successo! Da ricordare a lungo! Prossimo concerto della nota Società previsto per l'1 luglio con il duo per clarinetto e pianoforte di Dressler-Fliter. Brani diversificati di Poulenc, Piazzolla, Chopin, Stravinskij e Milhaud. Da non perdere!

24 giugno 2020 Cesare Guzzardella

Festa della musica ai Bagni Misteriosi di Milano

Una valida ripartenza musicale è avvenuta a Milano in questi tempi di covid, in un momento in cui si è tornati a rivedere la luce. La Società del Quartetto ha organizzato un'interessante maratona musicale ai Bagni Misteriosi annessi al Teatro Parenti, alla presenza di un limitato pubblico , circa duecento spettatori previsti come da tetto massimo consentito in questo delicato momento. Diverse formazioni musicali si sono succedute in un programma trasversale e diversificato che spaziava dal jazz, al contemporaneo e al classico. Numerosi ospiti si sono alternati nel centro tra le due piscine dei bagni con brani spesso di notevole spessore estetico. Le parole augurali di buon ritorno alla musica di Ilaria Borletti Buitoni, Presidente del "Quartetto" e la disinvolta presentazione di Valentina Cardinali, hanno introdotto i primi musicisti con il sassofonista Pietro Mirabassi ed il pianista Mauro Spanò insieme per tre classici brani jazz di Jones, Monk e Harrell, interpretati con eleganza ed intensa epressività. A seguire la violinista Anais Drago, accompagnata dal pianista Fabio Giachino, ha proposto due sue composizioni particolarmente significative quali Tutto in un punto e Manteia e quindi un brano di Chick Corea denominato Sicily. Di qualità i lavori della Drago, tra jazz e folclore "orientale" il primo brano, ben miscelato nei due strumenti in un equilibrio di precisa definizione musicale. Manteia, il secondo, con una suggestiva introduzione melodica solistica, viene poi riempito di sinergie musicale con l'intervento jazzistico dell'ottimo pianista Giachino, per un percorso di relazione continua e appassionata tra i due strumenti. Avvincente il terzo brano, Sicily, del noto jazzista statunitense. Certamente un valido duo. Musica decisamente classica invece per il ventunenne Federico Gad Crema, pianista che ben conosciamo e di cui abbiamo spesso scritto sul nostro giornale. Federico ha ottimamente interpretato il suo Chopin con le 4 Mazurche op. 17 e la Ballata n.3 op.47. Certo, il suono amplificato nell'ampio spazio all'aperto, non è stato d'aiuto con quelle metalliche timbriche sonore, ma molti elementi di evidente qualità sono comunque emersi, specie nelle inarrivabili Mazurche. Un pianista che aspettiamo al più presto in una sala da concerto milanese con degna acustica. La serata si è conclusa con il quartetto di trombonisti denominato Mascoulisse Quartet che ha proposto brani di musicisti italiani quali A. Rosa e il suo recente e valido Bossa Brevis, di Nino Rota da Romeo e Giulietta , di V. Monti con la nota Czardas e, per concludere con un mix di celebri melodie di Ennio Moricone. Ottime le sonorità dei quattro trombonisti questa volta ben delineate nei vasti Bagni e notevoli gli arrangiamenti di tutti i lavori. Una serata ottimamente organizzata, in una splendida cornice tra colori, acqua e musica che ricorderemo a lungo. Splendida iniziativa di ritorno alla MUSICA !!!

22 giugno 2020 Cesare Guzzardella

Ritornano i concerti in Sala Verdi al Conservatorio per la Società dei Concerti

Riprendere l'attività concertistica in Sala Verdi, al Conservatorio milanese , sebbene con restrizioni nel numero di spettatori e con tutte le cautele e predisposizioni di sicurezza per la nostra salute. La Fondazione La Società dei Concerti ha deciso che è il momento di ricominciare: per gli artisti (così duramente colpiti dall'emergenza sanitaria), per il pubblico e per dare un segnale importante di vitalità e desiderio di bellezza. Abbiamo vissuto un periodo difficile e drammatico e ci auguriamo che i momenti più critici e pericolosi siano alle spalle. Il silenzio assordante cui ci ha costretto il virus ci ha fatto ancor più amare la musica e sentirne il bisogno. Una comunità senza cultura, così come senza educazione, non può dirsi completa.Annunciamo due appuntamenti straordinari in Sala Verdi . Ogni concerto, senza intervallo, prevede un’ora di musica. Mercoledì 24 giugno 2020 ore 17.45 e in replica alle ore 20.45

ANNA TIFU, violinista e GIUSEPPE ANDALORO, pianista. In programma L. van Beethoven Sonata in fa maggiore op 24 “La Primavera” M. Ravel Tzigane, Rhapsodie de concert ; P. de Sarasate Fantasia sulla Carmen.

Mercoledì 1 luglio 2020 ore 17.45 e in replica alle ore 20.45

INGRID FLITER, pianista e ANTON DRESSLER, clarinettista. In programma F. Poulenc Sonata per clarinetto e pianoforte; F. Chopi Notturno in do diesis minore op. posth. per pianoforte; I. Stravinsky Tre pezzi per clarinetto solo; F. Chopin Due valzer op.64 n.1 e n.2 per pianoforte; A. Piazzolla Tango Etude n.3 (versione per clarinetto solo);D. Milhaud Scaramouche Suite per clarinetto e pianoforte.

Per partecipare ai concerti è necessaria la prenotazione obbligatoria (info@soconcerti.it – 02/66986956/66984134) e verrà preassegnato il posto numerato. Il costo del biglietto, simbolico, è di 5 euro.

16 giugno dalla redazione

Viotti Festival: la musica corre... in rete

Il distanziamento sociale ha cambiato anche la musica? Certamente sì, nel senso che tra musicisti e pubblico si è inserita la tecnologia: accanto al concerto dal vivo, che speriamo torni presto, ci sono oggi i video e i social. E da Vercelli arrivano due importanti conferme di questa tendenza, entrambe dal cuore del Viotti Festival. La prima, e già molto seguita, si chiama Note a piè di pagina e nasce da una brillante idea della neodiciottenne Giulia Rimonda. Costretta a sospendere la sua carriera violinistica e a mettere tra parentesi la sua amata Camerata Ducale Junior, Giulia non si è persa d'animo e si è reinventata giornalista. Con risultati eccellenti: intervista infatti on line, con cadenza settimanale, grandi protagonisti della musica italiana e mondiale, ad esempio Ramin Bahrami, Massimo Mercelli, Sonig Tchakerian, facendo emergere ogni volta da queste personalità d'eccezione episodi inediti, consigli preziosi, aspetti umani e quotidiani della vita ai tempi del virus. Il tutto in video di pochi minuti, pubblicati sul canale YouTube della Camerata Ducale Junior. Una vera miniera di sorprese, oltre che l'opportunità di incontrare personaggi spesso lontani dalla visibilità mediatica. La seconda novità è Chi ben comincia, rassegna video legata al Concorso Ducale.LAb, dedicato ai migliori giovani talenti dei Conservatori piemontesi. Dal 5 al 21 giugno Chi ben comincia vede i premiati nelle scorse edizioni mettersi alla prova on line, caricando sul canale YouTube Camerata Ducale video di 10 minuti nei quali i giovani concertisti “bucano” lo schermo parlando di sè e presentando un brano che subito dopo eseguono. E poi? Si vedrà chi è stato più bravo. Si può votare fino al 27 giugno sul sito del Viotti Festival, mentre al 60% conterà il voto di una giuria presieduta da Guido Rimonda, solista residente del Viotti Festival. In palio 3 abbonamenti alla rivista Suonare, 3 maglie Viotti Le Tricot, ma soprattutto 2 concerti da solisti, naturalmente retribuiti.Il VIOTTI FESTIVAL è realizzato dall'Associazione Camerata Ducale di Vercelli ed è sostenuto dal Ministero per i beni e le attività culturali e per il turismo, la Regione Piemonte, il Comune di Vercelli, la Fondazione Compagnia di San Paolo, la Fondazione CRT, la Fondazione Cassa di Risparmio di Vercelli, la COOP e in collaborazione con importanti media partner.

6 giugno 2020 dalla redazione

 

MAGGIO

A Novara: Parole e musica. Oltre tre mesi di video per celebrare il 250° di Beethoven

Il Conservatorio "G. Cantelli" di Novara celebra Beethoven, nel 250° della nascita con una serie di video a cura dei docenti del Conservatorio stesso (che di volta in volta porranno a frutto le proprie specifiche competenze sul fronte dei vari settori del vasto corpus compositivo): la domenica mattina, invariabilmente alle ore 11,30 a partire dal 24 maggio e sino a fine agosto. Un vero e proprio ciclo organico, volto a celebrare la figura di Beethoven nel 250°: più ancora, una serie di brevi, ma succulenti interventi, quasi aforismi in video, a cadenza settimanale. Di volta in volta si affronteranno i vari aspetti della produzione di Ludwig, ma con i modi di un amabile rendez-vous. Incontri tra amici e amanti della cultura, nel segno della piacevolezza della scoperta o della riscoperta, pur senza rinunciare al rigore dei contenuti. Emergeranno dettagli inediti, particolari inconsueti e altro ancora, come per magia, all’ora dell’aperitivo domenicale (oppure, in differita, dinanzi a una tazza di tè). Pillole musicali, passeggiando tra i pentagrammi, spaziando tra Sonate e Sinfonie, Quartetti Concerti e altro: un occhio alla biografia ed uno al mistero della creatività. Da non perdere, per chi ama la grande musica e desideri trasformare il divano di casa idealmente nella poltrona di una sala, dove sentir parlare di musica, scoprendo dettagli, curiosità e quant'altro. I singoli video verranno 'collocati' la domenica mattina a partire dalle 11,30 sulla pagina facebook del Conservatorio e sul canale YT del Conservatorio, dove saranno comunque disponibili anche per eventuali ascolti in differita.

https://www.facebook.com/conservatorionovara/

https://www.youtube.com/channel/UCHpyelnz6DyNcQAYQQ_OnLA

Questi i primi due appuntamenti in programma: domenica 24 maggio Titanismo, il destino che bussa, i pastori e la danza Le prime Otto Sinfonie, ognuna un macrocosmo a cura di Attilio Piovano. Domenica 31 maggio Trentadue ritratti in bianco e nero L’ex allievo di Haydn e le Sonate pianistiche (prima parte). A cura di Luca Schieppati.

21 maggio 2020 dalla redazione

 

APRILE

COMUNICAZIONI DALLA CAMERATA DUCALE DI VERCELLI

La Camerata Ducale rende noto che si svolgerà a Vercelli la Sesta edizione del concorso dedicato ai giovani diplomati, strumentisti e cantanti, presso i Conservatori del Piemonte. La selezione dei partecipanti avverrà mediante un’audizione che si svolgerà in data 1/06/2020 presso il Teatro Civico di Vercelli. In palio sono cinque concerti retribuiti, nell’ambito del ciclo Ducale Lab della Stagione Festival Viotti 2019/2020. Tali concerti avranno luogo nei giorni 12, 19, 26 giugno e 3 e 10 luglio 2020 nella sede del Museo Leone di Vercelli. L’ammontare della retribuzione è di 500€ per i solisti e 250€ per ogni componente di gruppo cameristico. Gli interessati dovranno essere in possesso dei seguenti requisiti: 1) max. 30 anni compiuti per gli strumentisti e max. 32 anni compiuti per i cantanti; 2) aver conseguito un diploma presso uno dei Conservatori del Piemonte con una votazione non inferiore ai 9/10 (ordinamento previgente) o a 100/110 ( nuovo ordinamento). Per la partecipazione al Concorso è richiesta la compilazione di un modulo sul sito www.viottifestival.it , da effettuare entro le h. 24.00 del 24 maggio 2020. Nel caso nuove disposizioni in materia di coronavirus dovessero rendere impossibile effettuare le audizioni nel giorno sopra indicato, verrà comunicata una nuova data. Si segnala inoltre l’uscita del decimo CD Decca, sui quindici previsti del progetto dell’integrale dei Concerti per violino e orchestra di G.B. Viotti nell’interpretazione di Guido Rimonda (solista e direttore) e dell’Orchestra Camerata Ducale. Questo CD comprende i concerti n. 14 e 16: si segnala in particolare quest’ultimo, uno dei capolavori della vasta produzione del Maestro di Fontanetto Po, addirittura ripreso da Mozart che vi apportò modifiche all’orchestrazione. Si ricorda che attualmente il violinista Guido Rimonda è uno dei più autorevoli interpreti internazionali dell’opera di Viotti.

aprile 2020 dalla redazione

 

MARZO

All'Istituto Omnicomprensivo Musicale "G.Verdi" di Milano la scuola chiude, ma la didattica non si ferma. E nemmeno la musica!

Riceviamo e volentieri pubblichiamo un articolo dei docenti di strumento musicale dell'Istituto Omnicomprensivo Musicale di Milano. Da parecchi giorni stanno continuando, con modalità differenti ma con successo, l'attività didattica per i giovani studenti della scuola media, in questo delicato momento dove l'epidemia di coronavirus ha costretto alla chiusura di tutte le scuole italiane. (C.G.)

Al tempo del coronavirus c’è un gran fermento alla Scuola secondaria di I grado “G. Verdi”. O meglio, in quella che è diventata la scuola virtuale: computer, tablet e smartphone di docenti e studenti, che da ormai due settimane sono tra loro interconnessi tramite le più svariate ed efficienti piattaforme atte a mettere in campo la didattica digitale.

Ma la “Verdi” è anche una scuola ad indirizzo musicale: come si fa a rendere virtuale una lezione di strumento, momento che in gran parte si basa sul confronto ravvicinato tra il maestro e l’allievo, così importante per il controllo della respirazione o della postura, della micro-motricità e del peso dei singoli movimenti sullo strumento, momento fondante della crescita tecnica ed emotiva di un musicista in erba? Si dà inizio ad una nuova didattica, dove entra in gioco, oltre alla tecnologia, un nuovo senso di responsabilità, non solo da parte dei docenti, ma anche, e forse soprattutto, da parte degli studenti.

Innanzitutto, in virtù di una spontanea unanimità di intenti da parte dei docenti - che lo strumento sia il violino, il violoncello, la chitarra, il flauto, le percussioni, il clarinetto o il pianoforte - i ragazzi ricevono il compito di registrarsi e mandare il frutto del loro lavoro ai loro insegnanti, senza naturalmente la pretesa di un' incisione in stile Deutsche Grammophon. E invece quale abnegazione dimostrano i giovani studenti, improvvisamente posti sotto i riflettori della telecamera ed a confronto del microfono, formidabile mezzo di autocritica! “Prof, l’ho fatta già 30 volte ma le registrazioni non mi piacciono!” – ed anche dopo un riscontro positivo da parte dello stesso prof: “Grazie, ma io non sono contenta del mio lavoro!”. E così via, con video mandati e poi rimandati alla ricerca della perfezione, con gli alunni che a 12 o 13 anni si ritrovano a farsi prima di tutto insegnanti di se stessi.

E poi, giusto il tempo di coordinarsi con software da utilizzare e orari in cui fissare le lezioni (per non sovrapporsi ad inglese, italiano, geografia o matematica o storia della musica), e già dal 2 marzo via con le lezioni “live”!, “Prof, mi chiama lei o la chiamo io?”. E queste lezioni in diretta Skype, Facetime, Whatsapp o Google Duo (e chi più ne ha più ne metta, l’importante è riuscire a vedersi e sentirsi), mai nemmeno immaginate fino a dieci giorni fa, si rivelano da subito vivissime per l’attenzione, l’eccezionale concentrazione, l’impegno e di nuovo la straordinaria responsabilità che i ragazzi mettono in campo, finanche i soggetti più vivaci e talvolta distratti in classe. E mentre i docenti si ingegnano nel cercare di calibrare al meglio gli studi, i brani o gli esercizi da assegnare, in modo da compensare i limiti “sonori” della lezione online e di canalizzare il percorso di studi affinché le privazioni date dalla situazione attuale incidano meno, gli allievi sfoderano una serietà che li avvicina agli adulti.

E per i percussionisti come funziona, dal momento che gli strumenti su cui esercitarsi (la batteria, la marimba…) sono a scuola? Semplice: si reinventa lo strumentario con cuscini, pentole, padelle, coperchi…e così la lezione si tinge di un’irrefrenabile fantasia.

Per colmare le lacune dovute all’impossibilità di suonare insieme (a questo purtroppo le frontiere del digitale non sono ancora arrivate) ci si inventano brani per violino e chitarra (perché lo suona la cugina) o con accompagnamento di clarinetto (perché lo suona il nonno). Oppure ci si dà appuntamento in videochiamata “di classe” per scambiarsi idee, opinioni, stati d’animo relativi al periodo e al nuovo necessario metodo di lavoro. Ci si sostiene e motiva a vicenda. Ed infine ci sono i momenti che più che mai non ci si aspetta: due allievi di strumenti diversi, vicini di casa, si ritrovano a studiare e giocare insieme. Ad un certo punto si dividono per fare ciascuno la propria lezione online di strumento – e allora che bello, anche per i colleghi, scoprirsi d’un tratto ad insegnare uno nell’”aula” accanto all’altro!

E così si andrà avanti, continuando a dare il massimo, consapevoli che quest’esperienza avrà insegnato qualcosa di importante a tutti, grandi e piccoli; e che quando si tornerà alla routine “di prima” tutti, ma proprio tutti, accompagnati dalla musica, saremo un po’ cresciuti.

Emanuele Giarrusso, Roberta Ruffilli, Alessia Principi, Francesco Macrì, Giuseppe Pollinzi, Ileana De Santis, Francesca Torri, Gianfranco Messina, Mariateresa Amenduni, Alessandra Aitini, Matteo Staffini.

Docenti di strumento della Scuola Secondaria di I grado “G. Verdi”

9 marzo 2020

CONCERTI RINVIATI A VERCELLI

La Camerata Ducale di Vercelli comunica che che il concerto di domenica 8 marzo 2020, Sala Parlamentino per la serie Green Ties è rinviato al 31 maggio 2020 a causa delle comprensibili riserve espresse dalla famiglia della giovane artista e anche in considerazione dell'esiguo spazio disponibile, che non consentirebbe di mantenere le distanze di sicurezze previste dalle ultime normative. Anche il concerto con Anna Tifu e la Camerata Ducale Junior previsto per il 14.3.2019 è rinviato a data da destinarsi (probabilmente in autunno 2020) a causa delle difficoltà di molti musicisti negli spostamenti verso il Piemonte. In relazione al concerto cancellato del 29.2.2020 di Pavel Berman (inserito nel cartellone della stagione in abbonamento del XXII Viotti Festival), verrà individuata al più presto una data per il recupero.

8 marzo dalla redazione

FEBBRAIO 2020 

Spettacoli musicali fermi per Coronavirus

Si comunica che tutti gli spettacoli previsti (Milano,Vercelli, ecc.) causa Coronavirus non ci saranno sicuramente fino al 3 aprile . Si attendono comunicazioni ministeriali per il periodo successivo.

24 febbraio 2020 dalla redazione

Yonathan Avishai al Parenti per "I Pianisti di altri mondi"

La rassegna, curata da Gianni Morelenbaum Gualberto e denominata "Pianisti di altri mondi", è riuscita, per poco, ad esprimersi ieri mattina al Teatro Parenti. Dopo le ore 14.00, l'ordinanza derivante dalla diffusione del Coronavirus in Lombardia ha impedito ogni attività pubblica in cinema, teatri e da oggi anche nelle scuole di ogni ordine e grado. Ho fatto appena in tempo ad ascoltare il pianista israeliano Yonathan Avishai, personalità musicale nota al pubblico, piuttosto di nicchia, che ascolta una certa musica "ibrida" che intreccia il mondo classico con il jazz e il folclore sud-americano. Particolarmente interessante l'impaginato proposto da questo compositore-interprete che ha presentato brani di Scott Joplin (1868-1917), Ernesto Nazareth (1863-1934) ed Ernesto Lecuona ( 1895-1963). La personalità riservata, discreta e gentile di Avishai, così come è parso dalla sua presentazione dei brani, è simile al suo stile pianistico e alla sua "ricerca" musicale. Non conoscevo Avishai, pur sapendo delle sue collaborazioni con rilevanti suoi colleghi legati al jazz e alla scuderia discografica ECM. Il primo impatto pianistico, con il primo brano, non mi ha particolarmente colpito, mentre già dal secondo con un suo interessante arrangiamento del celebre Mape Leaf Rag di Scott Joplin e con Danza Lucumi di Lecuona, ho capito che Yonathan meritava un attento ascolto. Non è un pianista virtuoso Avishai, ma un musicista che utilizza la sua tecnica per una ricerca musicale interessante e profonda esprimendo sonorità che, al termine del concerto, mi sono sembrate di alta qualità espressiva e di raffinata eleganza. Le melodie più classiche del brasiliano Nazareth e la componente ritmica più marcata dei brani cubani di Lecuona sono stati evidenziati in modo chiaro e preciso da Avishai che, partendo da semplici note e da banali intrecci ritmici, ha trovato modo di riunire gli elementi musicali in armonie delicate, articolate e ricche di espressività. Gli elementi "ibridi", che rimandano al mondo classico occidentale, come certamente Chopin per Nazareth e il suo Confidencias o Batuque, o al mondo altrettanto ricco di folclore per Lecuona con la sua La Comparsa, e al primissimo jazz per Scott Joplin, con il citato Mape Leaf Rag e Elite Syncopations, sono emersi attraverso una sintesi discorsiva di raffinata restituzione nei bellissimi colori del pianoforte Fazioli utilizzato. La luminosa ricerca musicale del quarantatreenne pianista di Tel Aviv ha trovato un sua strada prestigiosa in questo ambito trasversale, ricco di qualità estetiche. Decisamente pieno di significato il suo originale Lya, ottimo esempio di variazioni ritmiche su una semplice e graziosa melodia, ed efficace uno dei bis con una trasformazione umoristica del celebre La via en rose. Da ricordare.

24 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

Andrea Lucchesini per l'integrale delle Sonate di Beethoven

Dopo il primo concerto di fine gennaio, è tornato a Villa Necchi-Campiglio il pianista Andrea Lucchesini. Aveva inaugurato nel gennaio scorso la rassegna organizzata dalla Società del Quartetto e dal Fai in occasione dei 250 anni dalla nascita di L.v.Beethoven, rassegna denominata BeethovenMania. Come già riferito, la novità di quest'anno è rappresentata anche dalla nuova valida disposizione del palcoscenico voluta dal direttore artistico M.tro Paolo Arcà: il pianoforte è stato sistemato nel centro del grande spazio ex-tennis, circondato nei quattro lati da più file di sedie, dando una maggiore e vicina visuale a tutti gli appassionati. Il pianista Andrea Lucchesini ha concluso la sua parte di sonate con una serie di altri cinque lavori tra i più noti: nell'ordine d'esecuzione le Sonate n.19-5-8-7 e 31. Indubbiamente di qualità le interpretazioni di tutti i brani ascoltati ad iniziare dalla breve Op.49 n.1 eseguita con grande fluidità discorsiva e dalla celebre "Patetica" Maggiore espressività anche nelle sonate in Re maggiore op.10 n.3 e nell'ultima, la n.31 in La bem. maggiore Op.110. L'Adagio e la Fuga finale di questo capolavoro hanno evidenziato la statura interpretativa del pianista toscano. Decisamente di qualità i due bis concessi con un profondo Corale Prelude BWV 639 di Bach e l' Improvviso op.90 n.2 di Schubert. Fragorosi applausi dal numeroso pubblico intervenuto. Prossimo concerto della rassegna per il 29 febbraio alle ore 17.00 con il pianista torinese Gabriele Carcano e altre 5 sonate. Da non perdere.

23 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

IL CLARINETTO DI GABRIELE MERCANDELLI DI NUOVO PROTAGONISTA AL CANTELLI DI NOVARA

Un programma interamente impaginato sul duo clarinetto-pianoforte quello proposto oggi, sabato 22/02 all’Auditorium Olivieri del Conservatorio G. Cantelli di Novara, per il nuovo appuntamento della stagione. Al clarinetto il giovane bravissimo allievo del Conservatorio novarese Gabriele Mercandelli, già alla ribalta nella seconda parte del concerto di sabato scorso; lo accompagnava al pianoforte Andrea Zanforlin, che dopo una formazione prevalentemente milanese, è approdato a Novara, ove si è distinto in questi anni per l’attiva partecipazione, con l’attività didattica e concertistica, alla vita musicale della città. Il programma prevedeva i Phantasiestucke per clarinetto e pianoforte op.73 di R. Schumann (da non confondere con la ben più celebre op. 12 dall’eguale titolo, per pianoforte solo), l’Abime des oiseaux, un lungo solo per clarinettto che costituisce il terzo tempo del Quatuor pour la fin du Temps di Messiaen, la poco nota Sonata in Re maggiore per clarinetto e pianoforte di N. Rota e infine la Sonata op.184 per clarinetto e pianoforte di F. Poulenc. Sul giovane Mercandelli non ripeteremo, ovviamente, il giudizio già espresso appena una settimana fa e che esce confermato pienamente dal concerto odierno. Diremo che, a nostro avviso, i momenti più alti del suo recital sono stati il pezzo solistico di Messiaen e la sonata di Poulenc. L’Abime des oiseaux suonato da Mercandelli è stato splendido nel dare voce, timbrica e dinamica, al contrasto su cui si impernia il brano, tra le parti lente, che Messiaen intepreta simbolicamente come il Tempo, con le sue tristezze e le sue stanchezze, e le parti veloci, sul registro acuto, simbolo degli uccelli, il contrario del tempo, in quanto rappresentano, con i loro voli liberi nel cielo e i loro canti felici, la gioia di una vita pienamente vissuta. Il clarinetto di Mercandelli ha sfruttato al meglio le brusche differenze dinamiche della partitura, con virtuosistica agilità e limpidezza di suono nei rapidi acuti e con un timbro velato e struggente nel lento registro grave; il tutto come avvolto in un’aura di mistero dalle lunghe note tenute in crescendo che separano le parti del brano, creando un clima di attonita sospensione. Davvero un’esecuzione già matura di un pezzo tutt’altro che semplice, sia tecnicamente, sia sotto il profilo interpretativo. Quanto alla sonata di Poulenc, in tre tempi, Mercandelli ne ha messo validamente in risalto la forte componente melodica, culminante nella Romanza centrale, ma anche il carattere estroso e talora ironico che, com’è tipico dello stile di questo autore, entra in singolare contrasto con la compostezza quasi classica delle forme. Nei Phantasiestucke schumanniani Mercandelli ha messo in luce una volta di più il pieno possesso delle risorse tecniche del clarinetto, ma ci è parso un po’ opaco in quella che è una delle componenti essenziali della musica schumanniana, quella romantica, elegiaca Sehnsucht, che qui è presente soprattutto nel primo pezzo Zart und mit Ausdruck, la cui ricchezza di sfumature e di sottili trasalimenti dell’anima non sempre hanno trovato voce adeguata nel suono e nel fraseggio del pur eccellente Mercandelli. Pienamente adeguata alle richieste poste all’esecutore, l’interpretazione della sonata di Rota, un pezzo gradevole all’ascolto, ma senza troppe pretese, com’è, generalmente, la musica di Rota. Nel suo compito di accompagnatore Zanforlin è stato efficace, grazie ad una ottima intesa con il clarinetto e alle sue doti tecniche ed espressive, che hanno nella precisione e limpidezza del fraseggio la loro risorsa migliore. Ancora un bel concerto offerto dal Cantelli e accolto, come sempre ,dagli scroscianti applausi di un pubblico appagato.

23 febbraio 2020 Bruno Busca

Louis Lortie ai Pomeriggi Musicali del Dal Verme

Il concerto visto in anteprima questa mattina, e in programma questa sera e sabato pomeriggio, vedeva il pianista canadese Louis Lortie direttore e solista dell'Orchestra I Pomeriggi Musicali. L'impaginato particolarmente ricco prevedeva musiche di Edvard Grieg e W.A Mozart. Prima la Suite in stile antico op.40, cui ha fatto seguito il celebre Concerto n.23 in la maggiore K.488 di Mozart. Dopo il breve intervallo, ancora Grieg con il Concerto in la minore op.16. La valida direzione di Lortie si è espressa alquanto bene nelle rare ma riuscite cinque parti che compongono "Dai tempi di Holberg" op.40 del composositore norvegese. Il valido pianoforte di Lortie ha trovato adeguato prestigio in Mozart, specie nei momenti laterali del concerto. A nostro avviso è riuscito ancor meglio, anche nella componente orchestrale, il Concerto op.16 di Grieg. Il movimento centrale ha trovato un'eccellente timbrica nella splendida componente orchestrale e la parte solistica, di ottima fattura, ha visto uno slancio energico nell'Allegro moderato e marcato, un capolavoro nel quale il tema principale , ricco di ritmico folclore era ottimamente inserito nel coinvolgenti sviluppi del noto movimento finale. Meritati gli applausi dal numeroso pubblico di abbonati del mattino e anche degli altri appassionati Da non perdere questa sera e sabato alle17.00!

20 febbraio 2020      Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli

Prossimamente a Vercelli  l'ENSEMBLE CAMERATA DUCALE JUNIOR

Venerdì 21 febbraio 2020 alle ore 21, presso il Salone Dugentesco Via Galileo Ferraris, 91-95 a Vercelli l'ENSEMBLE CAMERATA DUCALE JUNIOR con Giulia Maria Rimonda, Eva Ghelardi violini, Daniele Greco viola, Marco Mauro Moruzzi violoncello, Ilaria Cavalleri pianoforte, Enrica Ciccarelli, maestro preparatore. Il Programma prevede: S. Rachmaninov – Trio elegiaco n. 1 in sol minore per violino, violoncello e pianoforte F. Mendelssohn-Bartholdy – Allegro vivace assai dal Quartetto per archi n. 6 in fa minore, op. 80 R. Schumann – Quintetto in mi bemolle maggiore per pianoforte e archi, op. 44.

20 febbraio 2020 la redazione

Il Trovatore alla Scala

Non mi ha soddisfatto particolarmente la messinscena del Trovatore scaligero, opera verdiana vista ieri sera, ripresa da quella di Salisburgo del 2014. Lascia forti dubbi da subito, l'impatto con l'unica grande scena, ambientata all'interno di un museo dove, a parte lo spazio desueto che sa di anni '60, enormi riproduzioni di dipinti, che teoricamente dovrebbero rappresentare dei capolavori del '400/ '500, risultano stonate rispetto la magnificenza della musica verdiana. Non solo, i principali interpreti, a volte commessi del museo , a volte attori nel museo, hanno anche abiti di un rosso acceso, quasi accecante, che rende la scena uniforme e di grande freddezza. Non si capisce cosa abbia portato a questa scelta il regista Alvis Hermanis, - insieme a Gudrun Hartmann, precedentemente valido nei Soldaten di Zimmerman - gli scenografi, ancora Hermanis e Uta Gruber-Ballehr e la costumista Eva Dessecker. A parte la messinscena - il teatro musicale è anche questo! - non si può certo non valutare positivamente il cast-vocale, con voci protagoniste di rilievo a cominciare da Leonora, una personale ed avvincente Liudmyla Monastyrska, ( foto di  Brescia -Amisano- Archivio Scala) da Manrico, un' ottima timbrica per Francesco Meli, da Azucena, molto appropriata vocalmente e scenicamente. Di qualità anche Massimo Cavalletti, Conte di Luna, e Gianluca Buratto, Ferrando. Bravi gli altri. Avvincente, come sempre, il Coro preparato da Bruno Casoni. Siamo rimasti un po' perplessi della direzione orchestrale di Nicola Luisotti, che pur presentando sicurezza nell'energica direzione, con attacchi decisi e precisi, presenta una coloristica poco verdiana. Indubbiamente è mancata in quest'opera quella sinergia che nasce da un rapporto fondamentale tra le componenti principali di un'opera: la regia, la direzione musicale e il canto. Il numeroso pubblico presente alla quinta replica ha comunque apprezzato il complesso dell'opera, probabilmente grazie soprattutto alle valide voci protagoniste, voci al termine molto applaudite. Repliche prevviste per il 21-23-26-29 febbraio.

19 febbraio 2020 C.G.

Tre appuntamenti musicali prossimamente al Cantelli di Novara

venerdì 21 febbraio 2020 - ore 10 in Sala Musica - ingresso libero Festival Il mondo della chitarra. Una conferenza di Angelo Gilardino : Il repertorio della chitarra: forma musicale e idioma

Venerdì 21 febbraio 2020 - ore 21 all' Auditorium Fratelli Olivieri - ingresso libero Festival Il mondo della chitarra maratona chitarristica: Le magiche sei corde del Cantelli allievi delle classi di chitarra di Bruno Giuffredi e Luigi Biscaldi:Vito Daniele Fontana, Giovanni Martinelli, Andrea Galletto, Lorenzo Michele Pucci, Gabriele Sardo, Simone Cislaghi, Edoardo Tritto.

sabato 22 febbraio 2020 ore 17 all' Auditorium Fratelli Olivieri - ingresso libero La stagione dei Concerti del Cantelli 2019/2020 Quattordicesimo concerto protagonisti: Gabriele Mercandelli, clarinetto, Andrea Zanforlin, pianoforte Fantasticherie sonore: dal Romanticismo al '900. In programma di Schumann i fascinosi Phantasiestücke op. 73 seguiti da Abime des oiseaux per clarinetto solo di Messiaen (tratto dal superbo Quatuor pour la fin du temps), quindi - in seconda parte di serata - la divertente Sonata in re maggiore di Nino Rota e gran finale nel segno del gigione Poulenc (Sonata op. 184).

19 febbraio dalla redazione

Mikhail Pletnev ovvero l'Arte dell'interpretazione

Un concerto memorabile, che rimarrà nel ricordo di molti ascoltatori, quello ascolto ieri in Sala Verdi, nel Conservatorio milanese alle Serate Musicali. Mikhail Pletnev ha superato se stesso producendo una qualità musicale tale da ricordare a tutti noi cosa sia l'arte dell'interpretazione musicale. Un evento di tale livello estetico accade di rado, poche volte ogni decennio. Due sonate di Schubert, quella in la minore D 537 e quella in la maggiore D 664, e dopo l'intervallo Le Stagioni op.37a di Čaikovskij sono stati momenti di elergizione di profonda espressività. Non ha eseguito brani di grande virtuosismo tecnico, ma lavori dove anche semplici note, ben separate ed evidenziate, devono trovare chi le valorizza riempiendole di contenuto espressivo attraverso la "magia dei pesi e dei contrappesi dei suoni e delle pause". Bene, Pletnev sa come calibrare i valori musicali della mano destra e della mano sinistra e forgiare le note passando da suoni forti, ben scanditi, ad altri quasi impercettibili: un gioco di volumi che rappresenta l'arte dell'interpretazione. La bellezza dei colori, nel contesto di ogni armonia più o meno complessa, provengono da un pensiero musicale profondo, che si legge anche nella sua perfetta e discreta gestualità. Pletnev si ascolta, ascolta i suoni e le pause, ed è perfettamente consapevole di controllare il "miracolo musicale" che sta compiendo. L'Allegretto quasi Andantino, della Sonata D 537, l'Andante e l'Allegro della Sonata D 664, i più celebri mesi delle Stagioni di Čaikovskij, come Giugno-Barcarola e Ottobre-Canto d'autunno, ma anche molti altri frangenti, sono indimenticabili e fanno la differenza tra i pianisti definibili come ottimi - e sono centinaia- e i grandi interpreti: pochissimi al mondo - cinque, sei?- e Pletnev è nell'Olimpo. Applausi intensi e tre bis meravigliosi: l'Improvviso n.3 D 899 di Schubert, la Mazurca op.67 n.4 di Chopin ed il Rondò k.485 di Mozart. Applausi fragorosi. Indimenticabile.

18 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

Pianoforte, clarinetto e viola al Cantelli di Novara

Il quindicenne pianista Ryutaro Sugiyama, giapponese, ma da anni trasferitosi a Milano, ha inaugurato il concerto del Sabato pomeriggio del Conservatorio Cantelli, oggi, 15/02. Il suo programma era impaginato sulla sonata K310 di Mozart, sull’Improvviso op.29 n.1 di Chopin e infine sulla Toccata di Poulenc. Già rodato da almeno quattro anni di esibizioni concertistiche e vincitore di qualche premio in vari concorsi, il giovanissimo Ryutaro ha sfoderato una personalità già notevole: non è (per fortuna!) un enfant prodige, ma ha tutti le risorse per affermarsi in un futuro non lontano come un buon pianista. Ha un tocco sicuro, che tornisce bene la nota e rende limpidamente il fraseggio, gestisce già con sensibilità matura i chiaroscuri dinamici della partitura, dando peso espressivo al suono. Non ha ancora trovato un suono propriamente ”suo”, ma, come appare dalla sonata mozartiana, domina bene tutti i registri e dà voce emotivamente convincente ai passaggi più intensi, quali il tema centrale del terzo tempo, reso con suggestiva dolcezza. Da correggere, secondo chi scrive, la pessima abitudine di suonare i diversi tempi di una sonata tutti di seguito, senza una pausa, come Ryutaro ha fatto oggi a Novara Più convenzionalmente virata sul virtuosistico l’esecuzione dell’Improvviso di Chopin, ottima nel moto perpetuo del primo tema, un po’ scialba nel secondo tema intriso di un sottile lirismo, che non sempre le dita di Ryutaro hanno saputo esprimere. Notevoli le doti di virtuosismo che il giovane nippoitaliano sfoggia infine per la Toccata di Poulenc, altro esempio di moto perpetuo composto appositamente per Horowitz, che l’aveva tra i suoi ‘pezzi di baule’: le dita precise e ferree di Ryutaro Sugiyama hanno sgranato con precisione la ricchissima scrittura del pezzo, trascinando il pubblico ad un applauso convinto e prolungato. La seconda parte del concerto era dedicata al trio per clarinetto, viola e pianoforte, (formazione rarissima nella storia della musica) suonati rispettivamente da Gabriele Mercandelli, (uno dei fiori migliori di quella serra che è il Conservatorio novarese, allievo del Maestro Sandro Tognatti), Carmelo Patti e dalla giapponese Yuki Mihara. Tutti giovani che stanno sbocciando, la cui bravura e dedizione agli studi musicali merita loro i più fervidi auguri di successo e di una gratificante carriera. I tre presentavano anzitutto uno dei capolavori del genere, il Trio Kegelstatt K498 di Mozart, più noto come “trio dei birilli”, perché una leggenda tramanda sia stato composto durante una partita ai birilli nel giardino della dimora dell’amico massone Jacquin, ove il Salisburghese si trovava ospitato. Questo capolavoro assoluto di dolce intimità, di incantevole sonorità e di delicatissimi impasti sonori soffusi di indicibile malinconia non è una pagina facile da suonare, perché prima di suonarla la si deve ‘sentire’. E un ruolo primario nel guidare l’interpretazione l’ha proprio il clarinetto. Qui dobbiamo fare tanto di cappello a Mercandelli, che del suo clarinetto ha saputo valorizzare con eccellenti doti di già maturo interprete una cantabilità intensa, dalle tinte delicate e morbide, che si fanno limpidamente melodiche nell’affascinante ritornello del Rondò finale. Ma a tutti e tre gli interpreti va tributato un plauso convinto, per la perfetta calibratura nel dialogo tra gli strumenti, in cui, forse, si è talvolta sentita troppo poco la viola, dal suono un po’ esile, che la condannava ad essere coperta nelle parti d’insieme. A seguire, i tre giovani e bravissimi interpreti hanno proposto due degli Otto pezzi per clarinetto, viola e pianoforte, opera assai raramente ascoltabile di Max Bruch, il n. 3 e il n.7. Il primo è un pezzo introdotto da un cupo motivo affidato alla viola e al pianoforte, seguito da una sezione di più disteso lirismo suonato principalmente dal clarinetto. Il n.7 è invece un pezzo brillante e vivace, ricco di passaggi virtuosistici, soprattutto per lo strumento a fiato. Anche in questi due pezzi conclusivi i tre giovani interpreti se la sono cavata egregiamente, meritando pienamente lo scrosciante applauso di un pubblico per il quale i Pomeriggi del Cantelli sono ormai un appuntamento da non perdere.

16 febbraio 2020 Bruno Busca

Eliahu Inbal ha diretto la Filarmonica della Scala nella Quinta di Bruckner

Eccellente direzione quella di Eliahu Inbal nella replica di ieri sera al Teatro alla Scala. La Filarmonica della Scala ha eseguito la Quinta Sinfonia di Anton Bruckner. Settanta minuti di grande musica, ripartita nei classici quattro movimenti, che segnano una svolta stilistica nella produzione del compositore austriaco. Il linguaggio già evoluto e tipico di Bruckner, con la Quinta, composta tra il 1875 e il 1877, diventa ancor più interessante e profondo. La sua religiosità traspare in modo evidente nel bellissimo Adagio, secondo movimento della Sinfonia, ma i principali temi ritornano spesso in tutto il lavoro, sino al magnifico e tripartito movimento Finale. L'israeliano direttore Inbal è stato bravissimo nell'evidenziare gli incastri sonori delle varie sezioni strumentali. La chiarezza espositiva, il nitore delle timbriche - con una rilevante e brillante parte per gli splendidi ottoni- la visione coerente d'insieme dell'ampia composizione orchestrale, fanno di questa interpretazione un riferimento certo. Bravissimi tutti gli orchestrali della Filarmonica e i singoli nei numerosi interventi solistici. Applausi a tutti dal numeroso pubblico intervenuto alla seconda e ultima replica. Da ricordare!!

15 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

"DONNA DI VELENI” DI MARCO PODDA AL COCCIA DI NOVARA

Prosegue anche in questa stagione la lodevole iniziativa del Teatro Coccia di Novara di commissionare e rappresentare in prima assoluta un’opera di teatro musicale di un autore contemporaneo. Quest’anno la scelta è caduta su Marco Podda, singolare figura di compositore e direttore d’orchestra, con all’attivo già numerosi titoli, ma anche autore di teatro in prosa, nonché apprezzato medico otorinolaringoiatra e foniatra. Non siamo però di fronte ad un dilettante, un medico con l’hobby dell’opera: Podda ha compiuto rigorosi studi di composizione e direzione corale presso il Conservatorio di Trieste, ove si è diplomato controtenore: sia come musicista, sia come medico, la voce è al centro dei suoi interessi, che sviluppa anche con un’intensa attività didattica. L’opera di Podda proposta in prima assoluta ieri sera, venerdì 14/02 (verrà replicata domani, domenica 16/02), è “Donna di veleni”. In un unico atto, della breve durata di un’ora e mezza circa, narra di una vicenda fuori di un tempo storico preciso, benché il librettista, Emilio Jona, alluda alla “Sicilia del XVII sec.”, cui peraltro in scena non è dato cogliere il minimo riferimento e buona parte dei personaggi e il coro indossino abiti moderni: sullo sfondo di un villaggio in cui “girano dicerie e sospetti// e si dicono cose crudeli” Ruggero ha rapito, costringendola con la violenza al matrimonio, Maria, che soffre come una tortura questa sua condizione di ennesima vittima del potere maschile. D’altra parte, Ruggero, che a suo modo ama sinceramente Maria, soffre nel vedersi rifiutato e odiato. Entrambi, con scopi opposti, si rivolgono ad una maga, esperta di veleni, che vive immersa nella natura, in una grotta nel folto della foresta, appunto la Donna di veleni del titolo: Maria vuole da lei un veleno per vendicarsi di Ruggero, costui intende invece ottenere una pozione che faccia nascere nell’animo di Maria un sentimento d’amore per il marito; come canta la Donna di veleni “Nulla di per sé è veleno // ogni veleno porta il suo contrario // ora è il male ora è il bene”, sta agli uomini scegliere. La conclusione è avvolta da un velo di ambiguità: non riuscendo a conquistare Maria, Ruggero si fa dare la coppa del veleno e muore, ma alla vista del cadavere del marito, per la prima volta Maria sembra provare per lui un sentimento lontano dall’odio: pena, pietà, forse, come canta il coro, “L’odio, così come è nato // si è disciolto nel mare tempestoso // di un amore violento // e sfortunato”. La donna dei veleni si offre come madre, al cui grembo appoggiarsi, ad una prostrata Maria. A questi personaggi si aggiunge la figura di un Amante di Maria, che piange il proprio amore vano, dichiarando pateticamente il proprio destino di sconfitto dalla vita, travolto dalla violenza di un mondo crudele; un personaggio, ci permettiamo di esprimere il nostro modesto giudizio, di cui proprio non si avvertiva la necessità e del tutto superfluo. Come si vede, il tema, molto attuale, della violenza sulle donne è trattato ricorrendo ad un archetipo abbastanza logoro, quello della donna depositaria dei segreti ultimi della vita, datrice a un tempo di morte e di vita, la Grande Madre delle arcaiche religioni mediterranee, incarnata in figure inquietanti e misteriose di streghe e di maghe: la Grosse Mutter viene esplicitamente evocata dal coro dei bambini alla fine, chissà perché poi in tedesco: forse con reminiscenza faustiana? Può aver influito su questa scelta il grande interesse che Podda confessa per l’antica tragedia greca, che il compositore triestino conosce bene, anche perché collabora con musiche di scena alle rappresentazioni del Teatro Greco di Siracusa. Autore del libretto è Emilio Jona, che ricordiamo come librettista preferito di Giacomo Manzoni negli anni ’60-’70 (suo il pregevole libretto del capolavoro operistico di Manzoni, Atomtod). Per Podda , E. Jona compone un libretto singolare, stilisticamente assai eterogeneo, per la presenza di registri alti (forme chiuse con versi in rima, lessico aulico e perfino prezioso) e bassi (parti prosastiche, frasi banali del tipo: “M’hai piantato un chiodo nel cuore”, detto da Ruggero a Maria, in un clima che vagamente può richiamare il verismo dei Mascagni e Leoncavallo). Una parte molto rilevante ha il coro, proprio come nell’antico teatro greco. Veramente qui i cori sono due, uno di adulti, i paesani, a rappresentare la comunità del villaggio (Coro di S. Gregorio Magno di Trecate, diretto dal Maestro Mauro Rolfi) e un altro di voci bianche, bambini (Coro delle voci bianche del Teatro Coccia, diretti dai Maestri Beretta e Veggiotti) sorta di creature angelicate sospese arcanamente tra terra e cielo, di vago sapore mahleriano, che contribuiscono a esprimere una delle componenti di fondo dell’opera: un’atmosfera di inquietante mistero, che dalla tenebrosa figura della Donna di Veleni si propaga all’intera vicenda e che la regia di Alberto Jona (figlio di Emilio) e la scenografia di Alice Delorenzi rendono adeguatamente. La scena è essenziale, ridotta a pochissimi elementi che si avvicendano sul palcoscenico: il grande talamo nuziale in cui si risveglia, all’inizio della vicenda, una Maria stupefatta della sua nuova condizione coniugale, non voluta, la grotta della Donna dei veleni, una piattaforma drappeggiata di rosso su cui troneggia la maga, un’altra piattaforma, grigia, con una porta chiusa, la casa di Ruggero e Maria. Essenziale è l’efficace uso delle luci, che tende in realtà a creare una luminosità evanescente, sempre in penombra. A sottolineare l’aura di mistero, l’interessante e talora affascinante gioco di un teatro d’ombre, realizzato con incantevoli figurazioni da Cora De Maria e Jenaro Melendrez Chas, a evocare un mondo di illusorie, fugaci apparenze, sospese tra sogno, o incubo, e realtà, il mondo, insomma dei desideri umani. Com’è, musicalmente questa Donna di veleni? Podda è un compositore sostanzialmente legato alla tonalità, con qualche rara licenza in certi momenti di tensione e di mistero. La qualità migliore della sua musica è la ricerca timbrica, con uso sapiente in particolare dei fiati. In questa composizione prevale una timbrica scura, sostenuta da frequenti ritmi puntati, che crea un clima di suggestiva sospensione sonora. L’orchestra chiamata a eseguire questa partitura era la bresciana Dèdalo Ensemble, specializzata in musica contemporanea, sotto la guida del Maestro Vittorio Parisi, da un quarto di secolo suo direttore. Un ottimo complesso, diretto molto bene da un Parisi che ha saputo anche tenere efficacemente i rapporti tra buca e palcoscenico. La musica era una sorta di sfondo sonoro, di atmosfera, che accompagnava i cantanti e il coro: ai cantanti è sostanzialmente affidato un declamato, che nei momenti di più acuta tensione lirica si effonde in una sorta di arioso. Una linea più cantabile è quella dei cori. La parte più difficile spetta senz’altro alla Donna di veleni, un’ottima Paoletta Marrocu, chiamata a escursioni vocali impervie dal La grave al Si acuto, come precisa Podda in una preziosa nota del programma di sala. La vocalità sopranile della Marrocu si caratterizza per una linea di canto ferma e sicura, con ottimo fraseggio e duttilità nelle sfumature. A questo si uniscono eccellenti qualità drammatiche, sul tipo della ‘dark lady’: ci piacerebbe rivederla nel ruolo di lady Macbeth. Maria era interpretata dal soprano Julia Farrés-Longueras, chiamata ad affrontare anche lei una parte vocalmente e drammaturgicamente non semplice: a momenti di più lineare cantabilità, si alternano per il suo ruolo parti dalla tessitura complessa, con dinamiche in rapida alternanza. Ne consegue uno sforzo nella voce cui il soprano spagnolo ha saputo far fronte bravamente, mentre ci è sembrata meno efficace dal punto di vista drammaturgico. Se, come giustamente osserva Podda, la parte di Ruggero, coerentemente con il ‘carattere’ del personaggio, lo costringe ad essere ora tenore drammatico, ora lirico puro, diremmo che Danilo Formaggia, chiamato a dare voce a questo ruolo, ci abbia convinto di più nella prima delle due tipologie di canto: il tenore milanese non ci sembra possegga appieno quella voce rotonda, sfumata e ricca di colore, che è del vero tenore lirico, mentre ha una voce di intensa proiezione e di colorito scuro adatta alle parti drammatiche. Ha sbrigato la sua particina come doveva il tenore Matteo Mezzaro, l’Amante. Buona la prestazione di entrambi i cori, ben diretti e integrati coi cantanti. Uno spettacolo piacevole, gradito al numeroso pubblico che occupava quasi interamente platea e palchi ieri sera al Coccia: ne fanno fede i prolungati applausi e le numerose chiamate sul palcoscenico dei cantanti, dell’autore, e di tutti coloro che hanno contribuito a questa serata di successo.

15 febbraio 2020   Bruno Busca

Quattro pianisti -e non solo- a Milano tra il Dal Verme e la Bocconi

A Milano, ogni giorno, le proposte musicali sono sempre più presenti e spesso molto diversificate. Ieri ho avuto la possibilita di ascoltare due concerti con ben quattro pianisti di ottima qualità, alcuni di essi anche compositori, e un violinista altrettanto valido. Al mattino, al Dal Verme, l'anteprima dell' Orchestra "I Pomeriggi Musicali", diretta da John Neschling, interpretava il raro e splendido Concerto per pianoforte e orch. in sol minore Op.33 di A. Dvořák con la presenza di Davide Cabassi. Il pianista milanese, coadiuvato ottimamente dalla direzione di Neschling, ha fornito una notevole prestazione di questo straordinario ma poco eseguito concerto, giocato su una parte orchestrale rilevante e con caratteristiche molto "sinfoniche". Nell'Allegro agitato iniziale infatti, la parte orchestrale ha un ruolo molto evidente. La componente virtuosistica, affrontata con disinvoltura da Cabassi, svetta nell'Allegro con fuoco finale, esempio di grande costruzione formale di imponente qualità estetica. A completamento del concerto - ufficialmente presentato alla sera e con replica sabato alle ore 17.00- particolarmente interessanti le trascrizioni che fece Bruno Maderna (1920-1973) dei cinque lavori di Lodovico Grossi da Vadiana (1564-1627) nelle Sinfonie: La Napolitana, la Venexiana, La Veronese, la Romana e la Mantovana. Ottima la resa espressiva e la direzione di Neschling e a finire valida l'Op.52 di Schumann. Una serata inaspettata, scoperta su FB, mi ha portato poi nell'aula magna di via Gobbi all'Università Bocconi per un bellissimo concerto, soprattutto pianistico, dedicato a Roberto Furcht, storico distributore di splendidi pianoforti - soprattutto i Kawai- mancato nel novembre dello scorso anno. La serata è stata organizzata da Furcht pianoforti e da Suonare New. Oreste Sciortino, Giuseppe Gullotta - insieme al violinista Davide Alogna- , Giuseppe Andaloro ed Enrico Intra, si sono succeduti per quattro momenti musicali diversi e tutti particolarmente validi. Sciortino ha eseguito brani e sue trascrizioni, di Schuloff e Ravel con Tanghi, Slow, Fox-Trot e Danze improntati alle melodie di oltre oceano e di stampo jazzistico. Raffinata resa coloristica per il pianista-compositore. Il pianista siciliano Giuseppe Gullotta, che non conoscevo, è stato per me una rivelazione per qualità, interpretando, insieme all'affermato violinista Davide Alogna, uno splendido Piazzolla con Adios Nonino e poi il primo movimento della celebre Kreutzer di Beethoven. Bravissimi entrambi. Il noto virtuoso siciliano Giuseppe Andaloro ha interpretato prima l' Aria con variazioni detta Frescobalda del compositore Gerolamo Frescobaldi ( 1583-1643), quindi un suo ottimo arrangiamento di Bohemian Rhapsody dei mitici Queen. Esecuzione particolarmente grintosa, molto apprezzata dal numeroso pubblico presente. La bellissima serata si è conclusa con il jazz di un grande quale il pianista-compositore Enrico Intra. Quindici minuti musicali per tre brani di eccellente tocco e rilevante gestualità. Prima il suo Time tai chi, pochi minuti di nascosto e potente swing, poi un Improvvisazione splendida nella quale il gesto ha avuto rilevanza quanto e forse più delle note, e per finire una splendida Over the Rainbow suggellata dai sui saluti finali per Roberto Furcht. Una giornata intensa, ottimamente organizzata, assolutamente da ricordare.

 

14 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

Un concerto "dedicato a Martina" all'Omnicomprensivo Musicale "G.Verdi" di Milano

Un concerto "dedicato a Martina" si è svolto ieri nel tardo pomeriggio presso l'Auditorium dell'Istituto Omnicomprensivo Musicale Statale "G.Verdi". Martina aveva frequentato la Media Verdi con gioia ed entusiasmo, unendo il suo studio disciplinare alle sue passioni per il canto, il violoncello ed il teatro. Una ragazza solare e sensibile, che ho avuto il privilegio di avere come allieva e che, all'età di 17 anni, mentre frequentava il liceo classico Tito Livio, è mancata dopo una sofferta malattia. La nota scuola musicale milanese, che spesso collabora attivamente con il vicino Conservatorio di Milano, ha voluto dedicarle il primo di una serie di tre concerti denominati "VerdiInConcerto" che hanno come protagonisti sia i docenti-musicisti dello IOMS, che gli studenti di strumento, sia della Media che del Liceo. Ieri, alla presenza dei genitori di Martina, degli insegnanti, degli allievi con i rispettivi genitori, si è svolto il primo concerto nell'Auditorium dell'Istituto musicale. Dopo un discorso introduttivo, sia in ricordo di Martina che di presentazione dell'importante iniziativa, da parte della dott.ssa Graziella Bonello, dirigente dell'Omnicomprensivo, alcuni allievi della media hanno presentato i brani. I docenti dell'Istituto, Gianfranco Messina al pianoforte e alla viola, Matteo Staffini alla chitarra, Alessia Principi al violino, Roberta Ruffilli al violoncello, Emanuele Giarrusso al clarinetto, Alessandra Aitini al flauto e gli studenti Eleonora Marenzoni al pianoforte e Lorenzo Lombardo alla viola, hanno interpretato con espressività e con grande professionalità brani di Haydn, Beethoven e Mozart. Un' iniziativa importante, che dimostra la qualità di una scuola che da anni opera in modo trasversale, unendo lo studio delle discipline tradizionali a quelle della musica (prime due Foto di Federica Peressotti). Il 4 marzo ed il 25 marzo ci saranno i prossimi appuntamenti con la presenza in palcoscenico, questa volta, di molti studenti-musicisti.

13 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

ll Trio di Parma e Alessandro Carbonare per la Società del Quartetto

Il Trio di Parma ha iniziato l'integrale dei Trii con pianoforte di Johannes Brahms presentando ieri sera ai concerti del "Quartetto" il Trio n.2 per pianoforte, violino e violoncello op. 87 e il Trio n.3 per pianoforte, violino e violoncello op. 101. Dopo questi, a completamento del programma, è stato eseguito il Trio per pianoforte, clarinetto e violoncello op. 114 con l'ottimo Alessandro Carbonare allo strumento a fiato. L'eccellente gruppo cameristico, già venuto in passato ai concerti dell'antica Società del Quartetto per le integrali di Dvorak e di Schubert, ha rivelato ancora una volta le sue eccellenti qualità musicali che lo pongono tra i massimi interpreti italiani. Bravissimo Carbonare nella parte clarinettistica dell'op.114, ma anche nel bis concesso con l'inconsueto quartetto con pianoforte di Brahms, dove, nel pacato movimento centrale, il clarinetto ha sostituito egregiamente la parte violistica. Ricordiamo il Trio di Parma con i nomi di Alberto Miodini, pianoforte, Ivan Rabaglia, violino ed Enrico Bronzi, violoncello. Grande successo di pubblico.

 

12 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

 

Elisso Virsaladze alle Serate Musicali

Da anni Elisso Virsaladze viene in Conservatorio ospite di Serate Musicali, ottenendo sempre un meritato successo. La pianista georgiana, di Tblisi, classe 1943, rappresenta la classicità, la storia dell'interpretazione, quello che ci si aspetta da una pianista di grande classe. Il suo virtuosismo non stravolge le idee originarie dei grandi compositori ma ne rimane al servizio per una lettura legata alla tradizione della grande scuola russa, quella dei Richter, dei Gilels. Un virtuosismo reso semplice da una lunga esperienza artistico-interpretativa e soprattutto pieno di grande espressività. Ricordiamo che la grande pianista è certamente erede della migliore scuola pianistica, essendo stata allieva anche di Heinrich Neuhaus. Ieri sera ha eseguito Čaikovskij , Prokof'ev e Schumann, con tocco a volte delicato come nelle Stagioni op.37 b di Čaikovskij - i primi otto mesi - a volte duro ed incisivo, come in Sarcasmas op.17 e la Toccata op.1 - interpretati senza soluzione di continuità- ma sempre con pregnante e risoluta espressività . Ieri ha rivelato, ancora una volta, le sue affinità con la musica di Robert Schumann. Del tedesco ha eseguito prima, da Noveletten op.21 la n.8, Sehr lebhaft, quindi la celebre Fantasia in do maggiore op.17. Il carattere improvvisatorio della Fantasia, ricco di contrasti nei continui cambiamenti tematici e ritmici, ha ritrovato energica restituzione nelle sicure mani della Virsaladze, mani legate ad una gestualità dalla quale traspare un'esperienza molto collaudata dove risulta evidente l'interiorizzazione totale di ogni elemento sonoro, elementi utili ad un risultato come sempre di alto valore estetico. Splendidi i contrasti dinamici e le linee melodiche nei diversi piani sonori. Applausi fragorosi meritati e due i bis concessi: prima, di Schumann, L'uccello profeta, il n.7 delle Waldszenen, poi ancora Schumann, questa volta trascritto da Liszt, con Fruhlingsnacht, da Liederkreis op.39 n.12. Da ricordare a lungo!

11 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

PROSSIMI APPUNTAMENTI AL CANTELLI DI NOVARA

Terzo concerto per il Festival della chitarra edizione 2020: è previsto per venerdì 14 febbraio (alle ore 21 in Auditorium Olivieri, ingresso libero); a tenerlo sarà il chitarrista Massimo Traffano, genovese, classe 1978, una già vasta esperienza concertistica, didattica e di ricercatore. Non a caso il programma del suo recital si presenta curioso e intrigante, a partire dal titolo (Brahms-Harp guitar) in riferimento allo strumento inventato dal chitarrista scozzese contemporaneo Paul Galbraith, nonché in relazione alla figura di Pasquale Taraffo, virtuoso genovese dei primi del '900. Il programma ideato ad hoc spazia da Bach (Suite per violoncello BWV 1007 espressamente rielaborata) a pagine di Schubert (i pianistici Momenti Musicali D 780) sino a una prima esecuzione assoluta di un brano del vivente Cecconi (Studio da concerto, omaggio a Goya), includendo altresì una pagina (pianistica) del novecentesco Satie e quattro brani dai celeberrimi e tastieristici Pezzi lirici op. 12 del norvegese Grieg. Da non perdere.

Tredicesimo appuntamento con i Concerti della stagione del Cantelli sabato 15 febbraio 2020, alle ore 17, presso l'Auditorium Fratelli Olivieri, come sempre con ingresso libero, appuntamento dedicato alla musica da camera. Tutta pianistica la prima parte, con pagine di Mozart (la pre romantica Sonata K 310) Chopin e Poulenc (la divertente Toccata), affidate alle mani di Ryutaro Sugiyama. La seconda parte vede invece protagonista il trio nella formazione (relativamente inconsueta) di clarinetto, viola e pianoforte e allora pagine del sommo Mozart (del quale si ascolta il celeberrimo Trio K 498 detto 'dei birilli' concepito per siffatta formazione) e dell'ottcentesco Bruch, di cui saranno eseguiti i n.3 e 7 da Acht Stucke

10 FEBBRAIO DALLA REDAZIONE

La pianista Vanessa Wagner al Teatro Parenti per il Minimalismo

Secondo appuntamento questa mattina alle ore 11.00 per "Pianisti di altri mondi", serie di concerti organizzati da Gianni Morelenbaum Gualberto, nati da un importante incontro tra Teatro Parenti e Società del Quartetto. È stata la pianista francese Vanessa Wagner a salire sul palcoscenico della sala maggiore del teatro per un programma tutto incentrato sul Minimalismo. Un impaginato particolarmente interessante con autori noti come Philip Glass o Michael Nyman insieme ad altri poco conosciuti ai non addetti del settore, quali Mondoog, Levienaise-Farrouch, Dessner, Susman, Otte, Meredith Monk, Mulhy, Bryars e Mertens. Una specie di raggruppamento in unica Suite per oltre sessanta minuti di musica che ha rivelato le qualità di questa ottima pianista. La scelta ponderata nel selezionare i brani hanno mostrato una tipologia musicale dove le ripetizioni strutturali e formali caratterizzanti questo genere musicale, dominato da una tonalità ben evidenziata e rimarcata, rimanda a timbriche di grande impatto suggestivo e in alcuni frangenti anche ipnogeno. La Wagner, interprete affermata anche in repertori più "classici", con solida preparazione derivante da specializzazioni avute con grandi pianisti quali Weissenberg, Fleisher e Perahia, ha ottimamente reso il suo stile pianistico- mediato anche da una raffinata gestualità- con esecuzioni precise e di chiara luminosità. La scelta forse troppo uniforme dei molti brani, ben tredici, ha trasmesso un'omogeneità probabilmente troppo marcata, ma la qualità estetica di molti di questi lavori è comunque emersa, a cominciare da Etude n.9 e Dead Things di Glass o dal popolarissimo The Heart Asks Pleasure First di Nyman reso celebre dal film "The piano" di Jane Campion. Di indubbia qualità estetica Für Fritz -Chaccone in A minor o Elf Dance di Moondog, Railroad (Trave Song) di Meredith Monk, Ornament di Dessner o Ramble on Cortona di Gavin Bryars e altri presenti anche nel valido Cd firmato da Vanessa Wagner al termine del bel concerto e denominato Inland. Lunghi e meritati applausi alla Wagner che generosamente ha concesso due bis con ancora un noto Philip Glass con Metamorphosis Two e uno splendido Claude Debussy con il celebre Clair de Lune interpretato con intensa espressività. Da ricordare. Prossimo appuntamento per domenica 23 febbraio con la musica "trasversale" del pianista Jonathan Avishai tra improvvisazione, jazz e cultura europea. Da non perdere!

10 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

Pietro De Maria a Villa Necchi-Campiglio

Siamo arrivati al terzo appuntamento dei concerti pianistici organizzati dalla Società del Quartetto a Villa Necchi Campiglio per l'esecuzione delle 32 Sonate di Beethoven. Dopo Lucchesini e Carcano, è stata la volta di Pietro De Maria. Ha proposto ben cinque sonate ed esattamente la n.2,la n.10, la.n.24 la n.16 e la n.26. È notevole il pianismo del pianista veneziano. Classe 1967, De Maria, perfezionatosi anche con Maria Tipo, ha vinto importanti Concorsi internazionali tra i quali ricordiamo almeno il Dino Ciani a Milano nel 1990 e il Geza Anda di Zurigo nel 1994. Il suo Beethoven ci è apparso di grande impatto sonoro nella perfezione tecnica ben calibrata e scavata delle sonorità. I contrasti dinamici, tra impeto e delicatezza, hanno messo in luce le caratteristiche caratteriali e compositive del genio tedesco in modo chiaro e luminoso. Ricordiamo almeno le bellissime Sonate Op.31 n.1 e n.26 op.81a "Les Adieux", eseguite con calibrato equilibrio volumetrico e grande espressività. Insomma, un'ottimo Beethoven che merita il prossimo riascolto nella stessa sede. Il 22 febbraio ritornerà Andrea Lucchesini con altre cinque sonate tra cui la celebre "Patetica". Da non perdere.

8 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

 

Prossimamente due concerti a Vercelli

A Vercelli domani, domenica 9 febbraio alle ore 11 nella Sala Parlamentino dell’Ovest Sesia via Duomo 2, Vercelli si terrà il concerto con Giancarlo Palena alla fisarmonica denominato "I due volti della fisarmonica". verranno eseguite musiche di D. Scarlatti, J. S. Bach – E. Grieg ,A. Piazzolla, R. Galliano ed E. Elgar. Ingresso e aperitivo 5 euro. Da non perdere.

Sabato, 15 febbraio 2020 al Teatro Civico, via Monte di Pietà 15, di Vercelli alle ore 21 lo Spettacolo in abbonamento "Vivaldi in Paradiso".Scritto, diretto e interpretato da Giovanni Mongiano,Anna Mastino, Suor Griselda. Ci saranno Rimonda al violino e l' Orchestra Camerata Ducale. In programma "Le quattro stagioni" di Antonio Vivaldi

8 febbraio 2020 dalla redazione

Serata Van Manen-Petit alla Scala

Cinque balletti dei due noti coreografi Hans Van Manen e Roland Petit stanno intrattenendo da alcuni giorni un numeroso pubblico di appassionati al Teatro alla Scala. Ieri sera, alla nona rappresentazione, il successo è di nuovo arrivato ai numerosi ballerini che si sono alternati in questa serata speciale; speciale anche musicalmente per via del pianoforte, dell'organo e di un violoncello presenti nella buca che solitamente ospita una grande orchestra. Siamo abituati alla musica orchestrale di accompagnamento per le eleganti movenze coreutiche, ma anche senza orchestra lo spettacolo si dimostra valido e profondo. Le musiche scelte dai due coreografi erano importanti, con brani di Beethoven, Fauré, Karayev, Scarlatti, Cage, Prokofiev e Bach. Sono stati proposti tre balletti per Van Manen e due per Petit, in alternanza, cominciando da un capolavoro musicale e coreutico quale Adagio Hammerklavier, un balletto di Van Manen del 1973 che approdò a Milano, con ballerini scaligeri, al Teatro Nazionale nel 1985. È un capolavoro di introspezione ed eleganza costruito sullo note dell'Adagio dell'immensa Sonata n.29 op.106 di L.v.Beethoven.( Le tre coppie di ballerini - Di Clemente/Starace, Podini/Corrado, Arduino/Agostino- sono state bravissime nell'esternare con intensa eleganza il brano beethoveniano nei passi coreutici di Van Manen.(Foto di Brescia-Amisano-Archivio Scala) Di grande qualità l'interpretazione chiara, luminosa e ben scandita del pianista James Vaughan, presente anche nei successivi tre balletti. Le combat des anges è un breve Pas de deux estrapolato dal più ampio balletto di Roland Petit del 1974. È costruito sul brano Elégie op.24 di Gabriel Faurè per violoncello e pianoforte. Bravissimi sul palcoscenico Claudio Coviello e Marco Agostino nell'esprimere eleganza, forza e sensualità per la coppia di Marcel Proust nei personaggi di Saint-Loup e di Morel. Bravissimi anche gli strumentisti: James Vaughan al pianoforte e Alfredo Persichelli al violoncello. Il terzo balletto, Kammerballet di Van Manen, vede disposti a cerchio quattro coppie di ballerini in quattro colori diversi: nero, arancione, giallo e marrone. Le plendide interpretazioni pianistiche di Vaughan sulle musiche di Karayev, Scarlatti e Cage sono state danzate splendidamente dalle quattro coppie di ballerini, per colore: Vassallo/Messina, Podini/DiCristo, Fiandra/Corrado e Ballone/Starace . Rocordiamo che la coreografia di Van Manen per Kammerballet fu ispirata nel 1995 dall'ascolto del noto In a Landscape di John Cage, brano centrale e più rilevante del balletto. Nel quarto balletto, ancora di Van Manen, Sarcasmen, troviamo il pianoforte di James Vaughan questa volta sul palcoscenico per l'omonima opera di Prokofiev -Sarcasmes op.17- e una coppia di ballerini quali Martina Arduino e Gioacchino Starace che hanno con grande abilità interpretato il celebre lavoro del 1981. La serata è terminata con il noto Le Jeune homme e la Mort di Roland Petit, balletto del 1946 e per la prima volta alla scala nel 1955. Il profondo organo dell'ottimo Lorenzo Bonoldi ha trovato sul palcoscenico i bravissimi Claudio Coviello, il Giovane uomo e Martina Arduina, La morte. L'eccellente scenografia di Wakhevitch ed i costumi di Karinska hanno sottolineato l'espressività coreutica dei due splendidi protagonisti e la pregnante Passacaglia in do minore BWV 582 di J.S.Bach. Fragorosi applausi. Questa sera ultima replica. Da non perdere!!

8 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

Alessandro Cadario e Giuseppe Gibboni ai "Pomeriggi Musicali" del Dal Verme

Un'interessante impaginato quello ascoltato alla prova generale di ieri mattina al Dal Verme alla presenza di un numeroso pubblico, molti con abbonamento mattutino. Alessandro Cadario ha pensato un programma con quattro compositori quali Luciano Chailly, Niccolò Paganini, Maurice Ravel e Igo Stravinskij. Il primo di questi, padre del celebre direttore, era nato nel 1920 e morì nel 2002. Ha composto un numero significativo di composizioni, tra le quali ieri è stata presentata la Toccata per Orchestra d'archi, un lavoro tonale di circa sette minuti dal carattere suggestivo e ricco di tensione drammatica, quasi cinematografico nel modo di ricreare sensazioni visive. Si sviluppa in un'iteressante sovrapposizioni e alternanze di piani sonori molto incisivi ed espressivi. Valida l'interpretazione ascoltata, per un compositore che andrebbe maggiormente eseguito. Momento decisivo ed atteso è stato il celebre Concerto per violino e orchestra n.2 op.7 "La campanella" del genio genovese. La notorietà del lavoro è dovuta soprattutto al movimento finale "La campanella", anche per via della  celeberrima trascrizione pianistica lisztiana. Al violino solista il giovane Giuseppe Gibboni, virtuoso proveniente dall' importante scuola cremonese di Salvatore Accardo. Di decisa qualità la sua interpretazione, specie nel Rondò "La campanella" , dove una fluidità estrema , unita alle perfette intonazioni dei sopracuti più impervi, hanno valorizzato la resa esecutiva.. Non dimentichiamo l'ottima sinergia con la direzione di Cadario e i colori molto italiani dei bravissimi orchestrali. La mattina si è conclusa con una buona esecuzione della Pavane pour un enfant défunte di Ravel e con una eccellente resa coloristica della Suite da concerto Pulcinella di Stravinskij. In questo importante lavoro neo-classico del russo, Cadario ha centranto il segno per equilibrio formale e resa espressiva . Bravissimi I Pomeriggi in ogni sezione e nei numerosi interventi solistici che il brano impone. Sabato pomeriggio alle 17.00 la replica del concerto di ieri. Da non perdere.

 

7 febbraio Cesare Guzzardella

Memorabile Arcadi Volodos per la Società dei Concerti

Dopo lo splendido concerto dell'ottobre del 2018 nel quale avevamo ascoltato brani di Schubert, Rachmaninov e Scrjabin, ieri in una serata ancora una volta organizzata dalla Società dei Concerti, è tornato nella Sala Verdi del Conservatorio milanese il grande pianista russo Arcadi Volodos.( foto di Greta Pasqualato- Società dei Concerti, in una il Maestro Volodos con la pianista Valentina Kaufman) È stato un concerto che definirei unico per qualità espressa e che nella città di Milano, dove l'offerta musicale proposta è tra le massime al mondo, capita di sentire poche volte, forse meno di dieci all'anno. L'impaginato prevedeva brani di Liszt e Schumann, e soprattutto per Liszt, l'atmosfera voluta nell'ampia sala, con luci molto soffuse atte ad inquadrare solo il pianista, si adeguava perfettamente alla scelta dei brani proposti: il Sonetto 123 del Petrarca, La lugubre Gondola, la Légende n.1 de Francois d'Assise: la prédication aux oiseaux, e la Ballata n.2 in si minore. Volodos ha unito l'impaginato lisztiano come in un'unica grande suite eseguita quasi senza soluzione di continuità. È un Liszt profondo quello di Volodos, fatto di infiniti contrasti coloristici prodotti da una tecnica straordinaria in funzione solo del ruolo interpretativo. La chiarezza degli elementi melodici, che si avvicendano tra mano destra e sinistra, è racchiusa dalle complesse e uniche armonie del grande musicista ungherese. Sia nei momenti più dolci e di pacata riflessività, che nelle fragorose esternazioni, l'interprete ha dilineato un linguaggio personale dove l'equilibrio complessivo e il dettaglio di particolari sono di straordinaria efficacia. Il clima musicale differente - nella seconda parte del concerto- con tutto Schumann, è rimasto in linea, per qualità, con il suo immenso Liszt. Del secondo genio, quello tedesco, Volodos ha eseguito: da Bunte Blätter op.99: Marsch e Abendmusik e poi la celebre Humoreske in si bem. maggiore op.20. Uno Schumann dove la leggerezza timbrica non è disgiunta da un suono legato e scavato. Qui il riferimento ai grandi interpreti del passato, Horowitz prima di tutti, risultano evidenti anche se con scelte stilistiche nettamente personali. Applausi fragorosi al termine e ben sei i bis concessi dal generoso russo, nei quali ha espresso una chiarezza melodica assoluta in brani cari al grande pubblico, senza però tralasciare qualche rarità esecutiva particolarmente efficace. Tra i brani celebri uno splendido Traumerei di Schumann- tanto caro a Horowitz- e ancora di Schumann L'oiseau prophète. Di Schubert il noto Momento musicale n.3 in Fa minore ha preceduto un' assoluta rarità di Federico Mompou come El Lago da " Tres Paisajes", reso con effettistiche di padale ineguagliabili per bellezza e originalità; il quinto bis, ancora di raro ascolto, era il Lento e patetico dalla Sonata n.5 in fa diesis minore di Muzio Clementi reso con nitidezza sorprendente. A conclusione del "concerto nel concerto" - ricordando gli interminabili bis di Sokolov- un apperente semplice Minuetto D 600 di Schubert è stato reso con assoluta maestria negli scultorei contrasti tra lo staccato della mano sinistra e la centellinata melodia della destra. Applausi fragorosi in una serata memorabile! Da ricordare sempre!!

6 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

Un duo di qualità con Emmanuel Tjeknavorian e Aaron Pilsan

La Società del Quartetto ha portato in Conservatorio due ottimi strumentisti quali il violonista viennese di origine armena Emmanuel Tjeknavorian ed il pianista austriaco Aaron Pilsan. Entrambi venticinquenni, hanno mostrato, attraverso un impaginato classico, di possedere eccellenti qualità musicali, unite in ottima sinergia. Tjeknavorian era già stato a Milano per un concerto orchestrale scaligero ottenendo un valido successo. Ieri sera hanno proposto musiche di Beethoven, Schubert, Fauré e Kreisler. La celebre Sonata "La primavera" del grande tedesco ha introdotto la serata rivelando da subito la cifra stilistica del duo, giocata su una perfezione tecnica di primo livello unita ad un'eleganza espressiva molto austriaca. Un Beethoven delicato, ricco di sfumature, quello rimarcato dal chiaro tocco di Tjeknavorian e ben armonizzato da Pilsan. Maggior grinta espressiva quella ascoltata nel bellissimo Rondò brillante in si minore Op.70 D 895 di Schubert. Un brano di raro ascolto che ha rivelato ancor più le abilità solistiche dei due strumentisti. Nella seconda parte della serata siamo passati ad un altro clima musicale, più vicino alla fine dell'800, con la nota Sonata n.1 in la magg. Op.13 del francese Gabriel Fauré. Quattro movimenti particolarmente ricchi di pathos espressivo dove i due strumenti si rincorrono in un concertato d'intensa passione musicale. L'ottimo lavoro d'insieme, con un dosaggio raffinato delle timbriche, ha poi introdotto l'ultimo brano del diversificato programma. Una composizione di un grande violinista che ha attraversato la prima metà del '900 quale Fritz Kreisler. La sua Viennese Rhapsodic Fantasietta è dei primi anni '40 e, come la maggior parte dei lavori del viennese, trova caratteristiche di leggerezza musicale salottiera sugellata da un virtuosismo prezioso e raffinato. Qui i due strumentisti hanno trovato pane per i loro denti, con un'interpretazione ad hoc, ricca di eleganza discorsiva e nitida resa virtuosistica. La perfetta intonazione del violino di Tjeknavorian, anche nei più impervi sopracuti, e la capacità di Pilsan di sottolineare è rimarcare ogni dettaglio melodico, hanno portato ad una resa splendida in termini di equilibrio complessivo. Accorati applausi al termine e due i bis concessi: prima la deliziosa marcia Miniature viennese ancora di Kreisler e poi la celebre Ave Maria di Bach-Gounod. Da ricordare.

5 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

Alle Serate Musicali il pianista Diego Petrella

Ha sostituito il noto pianista canadese Louis Lortie perchè indisposto, il bolognese ventitreenne Diego Petrella. Diego ha recentemente vinto il Primo Premio assoluto 2019 quale migliore strumentista del Conservatorio "G. Verdi" di Milano. Ha qualità da vendere! Le ha rivelate nel bel concerto tenuto ieri sera in Sala Verdi, impaginando un programma di raro ascolto per la maggior parte dei brani proposti. Ha iniziato con i noti 6 Klavierstücke op.18 di Brahms, per procedere con i rari 24 Preludi op.102 di York Bowen, dai quali ha estrapolato sei numeri. Dopo l'intervello, il poco eseguito Gesänge der Frühe op 133 di Schumann ha portato alla più nota Sonata n.2 in si bem. magg. op.36 di Rachmaninov. Complessivamente Petrella mi è piaciuto molto. Ha un taglio interpretativo molto personale giocato sulla riflessività e la discrezione timbrica, discrezione non disgiunta da momenti di folgorante estroversione. Gli Intermezzi dell'amburghese in mano sua hanno tempi dilatati e vogliono mettere in risalto le voci nascoste dei brani. Probabilmente una sonorità leggermente più asciutta avrebbe migliorato la resa complessiva di questi sei capolavori, alcuni di eccellente resa. Decisamente validi i sei Preludi scelti ( n.ri 10,7,6,5,21,22) di Bowen (1884- 1961), compositore inglese poco noto che andrebbe rivalutato ed eseguito maggiormente nelle sale da concerto. Di ottima fattura il suo Schumman e ancor più il suo Rachmaninov: deciso, sicuro e chiaro nella complessa organizzazione strutturale. La Sonata Op.36 è un brano di alto virtuosismo, ricco di estroversa caratura coloristca, reso con maestria da Petrella nei frangenti di grande impatto sonoro. Due i bis concessi con un breve Schumann dalle Kinderszenen op.15 ( The poet speaks) e un Grieg dai Pezzi lirici ( n.1 Op.12), entrambi ottimamente interiorizzati. Un pianista con alti potenziali che va assolutamente riascoltato. Applausi fragorosi da un pubblico poco numeroso, ma fortunato ad essere presente. Bravo Diego!

4 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

Francesco Libetta inaugura Palazzo Marino in Musica

Di qualità la rassegna musicale organizzata a Palazzo Marino, in concomitanza con la vicina e splendida mostra delle Gallerie d'Italia dedicata a Canova e Thorvaldsen. Intelligente l'idea di unire musica ad arte figurativa in un percorso classico ideale, legato ad un periodo storico fodamentale di primo Ottocento. Nei concerti, strumentisti del calibro di Libetta o Carovani-Ligoratti, organizzano un percorso legato alla geniale figura di Canova, scultore contemporaneo di Mozart e di Beethoven, esempio massimo del periodo neoclassico. Ieri, domenica mattina alle 11.00, in Sala Alessi - splendido luogo preposto per i concerti- gremita di appassionati, il pianista pugliese Francesco Libetta ha costruito un percorso importante con brani di Beethoven, Rossini, Testoni, Delibes e Libetta da lui chiamato "Canova incontra Venere". Un percorso studiato a tavolino, decisamente originale ed unico nel suo genere. Ancora una volta Libetta ha rivelato le sue eccelse qualità d'interprete raffinato. Il dosaggio delle timbriche, la ricercata melodicità- molto italiana - che traspare nei brani di Beethoven con il rarissimo Die Geschöpfe des Prometheus op.43 dal balletto di Salvatore Viganò nella versione pianistica beethoveniana, ha evidenziato l'assoluto equilibrio dello stile pianistico di Libetta. Di rilevante qualità il breve ma intenso Un petit train de plaisir di Gioachino Rossini e Sylvia, il pizzicato dal noto balletto di Delibes di recente produzione scaligera. Valido il breve brano estratto da un lavoro di Giampaolo Testoni (1957) - musicista presente in sala- denominato Danze immaginarie, di cui Libetta- a quattro mani con il giovane pianista Simone Mao, ha voluto eseguire la Danza Quinta. Ottima l'esecuzione per leggerezza coloristica. Brano convincente. Il concerto mattutino è terminato con una selezione di brani dal balletto di Libetta denominato Venus de Miami. Il virtuoso ha rivelato una varietà stilistica notevole nel rappresentare situazioni "leggere" legate a momenti vissuti nella nota spiaggia statunitense. Interessante il suo stile che varia tra minimalismo americano e melodicità autenticamente italiana, in un percorso tonale "contro-corrente" di assoluto piacevole ascolto. Ottima l'interpretazione. Uno splendido mattino per una rilevante iniziativa organizzata con il sostegno di Intesa Sanpaolo e le Gallerie d'Italia. Ben curato ed elegante il libretto di sala con articoli  di presentazione di Libetta e di E. Napoli. Da non perdere i prossimi incontri.

3 febbraio 2020   Cesare Guzzardella

Jader Bignamini e Luca Buratto in Auditorium con la Sinfonica Verdi

Un pomeriggio musicale particolarmente interessante quello di ieri, in replica, all'Auditorium di L.go Mahler. L'Orchestra Sinfonica di Milano "G.Verdi", diretta da Jader Bignamini, ha organizzato un impaginato vario che comprendeva tre lavori. Ad introduzione un nuova composizione del ligure Alessandro Melchiorre (1951) denominata Dal Buio, commissionata per l'occasione dalla Sinfonica Verdi. Poi il Concerto per pianoforte e orchestra in Sol Maggiore di Maurice Ravel e quindi la Sinfonia Fantastica di Hector Berlioz. Dal Buio è un brano orchestrale, dalla durata di circa quindici minuti, che ha il pregio di una prima immediata comprensione, essendo scritto secondo modalità tonali e avendo lunghe note che partendo dalla sezione degli archi si incontrano poi con gli strumenti a fiato - prima i legni e poi gli ottoni- in un' atmosfera di pacata oscurità e di riflessiva contemplazione. Valida l'idea di iniziare e concludere il brano a luci abbassate, come a creare una situazione ambientale di ascolto meditativo. Le suggestioni evocative di questo interessante lavoro di Melchiorre ritrovano un gusto compositivo che vuole arrivare al pubblico in modo immediato e certamente il brano raggiunge questo scopo. Applausi del pubblico anche al compositore salito sul palcoscenico. Nel celebre Concerto in Sol di Ravel abbiamo trovato al pianoforte il milanese Luca Buratto, interprete oramai in carriera da anni grazie ad importanti vittorie in Concorsi internazionali, prima di tutti l'Honens International Piano Competition vinto nel 2015. Decisamente di rilievo l'interpretazione fornita da Buratto, per un lavoro di grande virtuosismo che, tra il classicismo ed i sapori jazz, rivela l'eccellente qualità d'orchestrazione di Ravel in un rapporto dialettico tra solista e orchestra di grande pregio estetico. L'abilità pianistica di Buratto, definita da chiarezza timbrica, da eloquente discorsività e da sciolta definizione dei rapporti meledico-ritmici - assai presenti nei movimenti laterali del concerto- ha portato ad una rilevante resa qualitativa complessiva. Tutti i tre movimenti, dal deciso Allegramente iniziale, al pacato e riflessivo Adagio assai centrale, sino al ritmico e virtuosistico Presto, sono stati resi splendidamente dal pianista, in perfetta sincronia con l'ottima orchestra e la direzione di Bignamini. Grande sussesso e fragorosi applausi. Di qualità il bis concesso da Buratto con la celebre Toccata di Ravel da "Le tombeau de Couperin" . Le eccellenti qualità direttoriali di Bignamini, già espresse nei primi due brani, hanno raggiunto il vertice nella nota Sinfonia Fantastica di Berlioz. Il brano del 1830 dà il via ad una nuova idea di orchestrazione, nella quale la componente virtuosistica risulta essere essenziale, unitamente ad un maggior intervento solistico degli strumenti. Bravissimi tutti gli orchestrali della Sinfonica Verdi a delineare ogni dettaglio coloristico nei cinque movimenti che compongono la sinfonia. Splendida la direzione di Bignamini che ricordiamo avere di recente avuto la direzione musicale dell'Orchestra Sinfonica di Detroit. Auguri al neo-direttore statunitense! Da ricordare.

3 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

András Schiff in Schubert per la Società del Quartetto

Il pianista ungherese András Schiff da molti anni frequenta Sala Verdi, nel Conservatorio milanese, per esibirsi in concerti spesso memorabili con autori privilegiati quali Bach, Mozart, Beethoven, Schubert, Schumann e Brahms senza trascurare classici del '900 quali Bartòk o Janaceck, ascoltati in tempi recenti. Ieri sera, in un concerto dedicato interamente a Franz Schubert, il pianista naturalizzato viennese, ha voluto presentare tre celebri Sonate anticipate da una breve lezione-concerto ricca di esempi musicali e di confronti tra i grandi della musica. Incipit di Mozart o Beethoven hanno mostrato relazioni con iniziali battute delle sonate in programma, precisamente la Sonata in la minore D 845, la Sonata in re maggiore D 850 e la Sonata in sol maggiore D 894 "Fantasie" . L'evoluzione interpretativa di Schiff di questi ultimi anni hanno visto il Maestro in un progressivo avvicinamento allo spirito dei compositori scelti, in termini di equilibrio complessivo delle timbriche e della calibrazione sonora ottenuta con dinamiche sottili e molto interiorizzate. La memoria prodigiosa di Schiff - due ore di musica senza spartito- è stata tradita da soli due brevissimi momenti di amnesia risolti brillantemente dalla sua intelligenza musicale. La nitidezza delle note, nell'intensa cantabilità evidenziata nei diversi piani sonori, ci ha trasmesso un percorso musicale di profonda espressività, fatto di sublime discrezione musicale che costringe l'ascoltatore ad avvicinarsi all'interprete. Non è un pianismo estroverso quello di Schiff ma, come ho detto, discreto ed interiorizzato. Il suo suono asciutto e preciso nel tocco, è riverberato dal pedale di risonanza solo nei pochi momenti necessari. La maestria di questo grande interprete nell'eseguire le tre lunghe sonate, tutte dalla durata di oltre trentacinque minuti, ha fatto trasparire l'enorme studio preparatorio svolto in questi decenni, studio che lo ha portato ad una resa personale di altissima qualità. Grandissimo il successo al termine del programma ufficiale con fragorosi lunghi applausi. Naturalmente non poteva mancare un bis con ancora Schubert e il suo Improvviso n.3 D 899. Da ricordare.

1 febbraio 2020 Cesare Guzzardella

GENNAIO 2020

Roméo et Juliette alla Scala

Ieri sera, alla quinta rappresentazione di Roméo et Juliette, opera del francese Charles Gounod del 1867, ancora grande entusiasmo da parte del pubblico che gremiva il teatro per  tutti i protagonisti. L'opera, cinque atti raggruppati in due lunghe parti, era già stata proposta al Teatro alla Scala nel 2011 in questa produzione del Metropolitan Opera di New York, per la regia di Bartlett Sher, le scene di Michael Yeargan e i costumi di Catherine Zuber. Una messinscena tradizionale, in un'unica ampia scena circondata da palazzi classici, movimentata dalla presenza dei numerosi personaggi che la condividono e la riempiono di contenuti. L'ottimo cast vocale complessivo, ha trovato un'esemplare regia musicale nelle braccia del giovane direttore Lorenzo Viotti. La sua pregnante e particolareggiata direzione è stata determinante per l'evidente successo di queste serate. Viotti ha esaltato i pregi delle bellissime musiche di Charles Gounod, giocati su una varietà timbrica e coloristica determinante anche per la resa della componente vocale, sia nelle singole voci che nella grandi esternazioni corali. Certamente i grandi nomi presenti, soprattutto Diana Damrau in Juliette e Vittorio Grigolo in Roméo, hanno contribuito in modo sostanziale al successo dell'opera. (  foto di Brescia-Amisano dall'archivio Scala) Diana Damrau ha trovato voce splendidamente intonata anche se non voluminosa, ma comunque adeguata alla tipologia di personaggio giovane e innamorato. Decisamente valida per colorature nelle più difficili articolazioni vocali. Vittorio Grigolo, ha rinnovato le qualità dell'edizione del 2011, esternando una voce intensa e voluminosa con ampia gamma vocale, chiara anche nelle mezzevoci. Ma ricordiamo anche tutte le altre valide voci presenti: Frédéric Caton, Capulet, Mattia Olivieri, Mercutio, Ruzil Gatin, Tybalt, Nicolas Testé, Frère Laurent, Edwin Fardini, Paris, Jean-Vincente Blot, Le Duc de Vérone, Sara Mingardo, Gertrude, Marina Viotti, Stéphano, Paolo Nevi, Benvolio e Paolo Grant, Grégorio. Un plauso, come sempre, a Bruno Casoni per la preparazione del Coro. Prossime repliche per il 2-13-16 febbraio. Da non perdere.

31 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

ll balletto Io, Don Chisciotte al Teatro Carcano

Io, Don Chisciotte, balletto in un unico atto di Fabrizio Monteverde è arrivato al Teatro Carcano e rimarrà in scena sino al 2 febbraio. Monteverde, coreografo, sceneggiatore e regista romano, ha pensato bene di trasformare il celebre balletto classico, lasciando le musiche di Ludwig Minkus, ma adattandolo ad una situazione più contemporanea dove il Cavaliere di Cervantes, nobile folle visionario, viene calato in una società attuale, una figura di vagabondo, un emarginato inserito in una società che non trova il tempo per considerarlo, lasciandolo nell'indifferenza più assoluta di un mondo troppo disattento. La scenografia, essenziale ma significativa, vede nella parte sinistra del palcoscenico una macchina abbandonata, una vecchissima Renault 4 che rappresenta il suo Ronzinante. Sancho Panza è trasformato in una donna incinta che ha un ruolo di accudimento e di protezione del protagonista, donna che è l'unica che comprende la diversità di Don Chisciotte. Il mondo che circonda Don Chisciotte è rappresentato dal numeroso corpo di ballo che, in un dialogo coreutico costante, si muove attraverso architetture di danza di grande impatto visivo e di geometrica qualità estetica. Il balletto di Monteverde ha il pregio di una certa raffinita classicità trasformata, nel dramma contemporaneo e attuale, in modernità. L'ottimo protagonista, Francesco Costa, Don Chisciotte, è in rapporto diretto con la bravissima Azzurra Schena, Sancho Panza e con l'altrettanto valente Roberta De Simone nel ruolo di Dulcinea. L'eccellente Corpo di ballo di Roma ha splendidamente tradotto l'idea coreografica di Monteverde in un percorso coreutico ricco di equilibrio, nel quale le straordinarie ed incisive musiche di Minkus, sapientemente selezionate, risultano raggruppate in modo perfetto per sottolineare i numerosi interventi scenici. Ottimi i costumi di Santi Rinciari, le luci di Emanuele De Maria, ed appropriata la voce recitante di Stefano Alessandroni. Uno spettacolo di evidente qualità che consigliamo a tutti. Da non perdere.

30 Gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Concerto dell'Orchestra da Camera 'Carlo Coccia' di Novara

Per la ventisettesima volta, sarà l'Orchestra Carlo Coccia a tenere venerdì 31 gennaio 2020, alle ore 21(con ingresso libero) presso la Basilica di San Gaudenzio il concerto di chiusura per le manifestazioni in onore del Santo Patrono novarese. Tutto sul côté barocco il programma, che annovera ben quattro dei complessivi Sei Concerti Brandeburghesi di Johann Sebastian Bach. Tra i protagonisti ricordiamo Gabriele Cassone, tromba, Andrea Chenna, oboe, Olivia Centurioni,violino, Gianni Biocotino, flauto e Fabio Bonizzoni, clavicembalo.

29 gennaio 2020 dalla redazione

Prossimo concerto della 22° stagione del Viotti Festival

Sabato 1° febbraio 2020 alle ore 21 presso il Teatro Civico di Vercelli si terrà il concerto IL TORMENTO E L'ESTASI con Emmanuel Tjeknavorian violino, Guido Rimonda direttore e l'Orchestra Camerata Ducale. In programma: F. J. Haydn – Sinfonia n.21; L. van Beethoven – Concerto per violino e orchestra in re maggiore op.61 e W. A. Mozart – Sinfonia n.40 in sol minore K 550.

dalla redazione 27-01-2020

Prossimamente al Conservatorio “G. Cantelli" di Novara

Sabato 1° febbraio 2020 ore 17 ad ingresso libero ci sarà un appuntamento dedicato a musiche da camera di Beethoven (nel 250° della nascita) e del poco noto Ferdinand Ries (1784-1838) che di Ludwig fu allievo. In programma il Trio op. 11 di Beethoven e il Grand trio pure le pianoforte, clarinette et violoncelle op. 28 di Ries. Sandro Tognatti,clarinetto, Gaetano Nasillo, violoncello e Alessandro Marangoni, pianoforte.

27 gennaio 2020 dalla redazione

I talenti dell'Accademia Stauffer di Cremona per Serate Musicali

Un interessante programma tutto mozartiano ha visto ieri la Nuova Orchestra "Ferruccio Busoni" diretta da Massimo Belli alle prese con tutti i Concerti per Violino e Orchestra. La giornata, divisa in due appuntamenti, il primo nel tardo pomeriggio e il secondo serale, ha trovato sei validi giovani violinisti, tutti provenienti dall'Accademia Stauffer di Cremona, alle prese con i cinque Concerti K.207, K.211, K.216, K.218 e K.219, oltre a due Rondò e un Adagio. I brani, eseguiti alla presenza nel pubblico di Salvatore Accardo -tra i fondatori dell'Accademia cremonese -, hanno messo in risalto le ottime doti dei sei solisti che ricordiamo essere: Giada Visentin, Ulisse Mazzon, Giuseppe Gibboni, Sara Zeneli, Dario Samarate e Sofia Manvati. Ho potuto assistere solamente al concerto serale, con gli ultimi tre citati solisti e devo dire di essere stato appagato dalle eccellenti sonorità ascoltate. L'ottima direzione di Belli e l'esemplare resa espressiva della compagine del Friuli Venezia Giulia , hanno messo in rilievo le specificità dei giovani violinisti, tutti aventi un'età compresa tra i venti e ventiquattro anni. Le timbriche- molto italiane nell' ottimo vibrato, nella precisione tecnica e con eccellenti intonazioni per Zeneli, Samarani e Manvati - i solisti ascoltati- hanno messo in rilievo lo splendore di una scuola violinista d'eccellenza, che pone l'Italia nel settore degli strumenti ad arco tra le nazioni migliori al mondo. Meritatissimo il successo ottenuto nei due concerti di Mozart, quello in Sol maggiore n.3 eseguito da una decisa Sara Zeneli, e quello in La maggiore n.5 eseguito ottimamente dalla bravissima Sofia Manvati. Questi erano i concerti più popolari del genio di Salisburgo ma sono risultati validi anche i due Rondò- K.373 e K.279- e l'Adagio K.261 nelle mani di Dario Samarani. Al termine della serata applausi e fotografie con tutti i protagonisti insieme al Maestro Salvatore Accardo. Una splendida iniziativa per Serate Musicali che va ricordata.

27 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

 

IL TRIO METAMORFOSI A VERCELLI PER IL VIOTTI FESTIVAL

Il 2020 è, come sanno fin troppo bene gli amanti della musica (senza aggettivi) un ‘anno beethoveniano’, ricorrendo il duecentocinquantesimo anniversario della nascita del geniale compositore. Vercelli partecipa da par suo alle celebrazioni di questo anniversario con il suo Viotti Festival n° 22, che ha già visto nei mesi passati una serata dedicata ai quartetti, cui purtroppo non abbiamo potuto assistere e un’altra che proponeva una bella scelta di sonate pianistiche. Ieri sera, sabato 25 gennaio, è stato proposto un concerto dedicato a un altro genere cameristico nel quale Beethoven ha lasciato capolavori che hanno segnato per sempre la storia della musica: il trio per archi e pianoforte. Il programma, introdotto dalle “Quattordici Variazioni in Mi bemolle maggiore sopra un tema originale op. 44”, proseguiva con il Trio in do minore op.1 n.3 e trovava la sua trionfale conclusione nel Trio cosiddetto “dell’Arciduca” in Si bemolle maggiore op.97. Dunque il Beethoven della giovinezza (anche se la data di composizione delle Variazioni è incertissima) e il Beethoven della piena maturità. A eseguire questo programma, prima tappa di un’esecuzione integrale dei trii per archi beethoveniani, una delle migliori formazioni italiane del momento, il Trio Metamorfosi, formato da Mauro Loguercio al violino, Francesco Pepicelli al violoncello, Angelo Pepicelli al pianoforte. L’identità interpretativa del Trio Metamorfosi consiste nella particolare forza espressiva che riesce ad infondere nelle proprie esecuzioni, frutto di una saldissima compattezza strumentale e di una intensità emotiva che permea tutti i livelli dell’esecuzione, dal controllo delle dinamiche, alla cura delle soluzioni timbriche. Soprattutto particolare, e accattivante è il suono di questa formazione, di nitida trasparenza e di elegante leggerezza, che sa raggiungere vertici di incantevole dolcezza nelle zone di più espressivo abbandono melodico della partitura. In generale, è un suono che offre di Beethoven una misura classica, ‘apollinea’, anche nei momenti di più tesa Stimmung romantica. Queste qualità emergono fin da subito nell’interpretazione del primo brano dell’impaginato, quelle Variazioni op. 44, che non rappresentano certo uno dei numeri migliori del catalogo beethoveniano, per il tema stranamente elementare e piuttosto rigido e la convenzionalità di alcune variazioni, accanto ad altre, peraltro, decisamente più libere e fantasiose. Ebbene, anche di quest’opera decisamente ‘minore’ il Trio Metamorfosi ha dato una lettura coinvolgente, ad esempio donando slancio fantastico alla VI variazione, e zampillante freschezza sonora al dialogo quasi operistico tra gli strumenti in variazioni come l’VIII o l’XI, con acuti morbidi e delicati e sottile finezza nelle numerose figurazioni ornamentali, caratteristiche di quest’op.44. E’ un suono, tuttavia, quello del Trio Metamorfosi, che sa anche addentrarsi nelle pieghe meno luminose della partitura: perfette, a nostro avviso, le battute d’apertura del Trio op. 1 n.3, che giungevano all’ascoltatore come avvolte da un sottile velo di mistero. Nell’insieme, l’interpretazione di questo primo autentico gioiello creato da Beethoven nel genere del trio per archi, ci è sembrata più concentrata sulla nitida resa delle architetture sonore della composizione, più che sull’esaltazione dei momenti di più concitato dinamismo: con splendida chiarezza risaltano in questa esecuzione i complessi passaggi modulanti, ‘rivoluzionari’ per l’epoca, dello sviluppo del primo tempo o le possibilità dialogiche e combinatorie offerte dalle Variazioni dell’Andante cantabile, splendidamente suonato. Nel finale, pur nell’energica perentorietà del tocco, si stemperava la sfrenata tensione agogica del Prestissimo in una sintesi di superiore equilibrio formale, assicurata dalla olimpica fluidità dell’accompagnamento pianistico che prepara il più sereno e cantabile secondo tema. Ovviamente il clou della serata era rappresentato dal Trio dell’Arciduca. Quale ‘lettura’ ce ne offre il Trio Metamorfosi? Risponderemmo che l’Arciduca ascoltato ieri sera a Vercelli ha incantato il pubblico per la raffinatezza dei dettagli e il lirismo, sempre classicamente misurato, mai ostentato: questo taglio interpretativo è già preannunciato dalla intima, teneramente esitante cantabilità con la quale il pianoforte di un eccellente Angelo Pepicelli ha introdotto il primo tema. E tocca ovviamente il suo culmine nel celestiale tema principale dell’Andante cantabile. Le indicazioni di partitura aggiungono: “ma però (sic!) con moto”. E’ una sottigliezza che non sfugge alla lettura del Metamorfosi: quella cantabilità suadente e dolcissima del movimento viene appena increspata ora da agitate terzine di accordi (terza variazione), ora da energici accordi ribattuti (la coda). Ammirevole la coesione con cui Loguercio e i fratelli Pepicelli rendono la voluminosa massa sonora, talora di ispirazione ‘sinfonica’ che contraddistingue questo sublime capolavoro. Applausi entusiastici e strameritati alla fine del concerto, ripagati da un bis di un pezzo piuttosto raro: un tempo di un trio giovanile di Leonard Bernstein, un simpaticissimo ‘esercizio’ di ironici pizzicati degli archi. Un concerto di quelli che non si dimenticano facilmente.

26 gennaio 2020 Bruno Busca

Federico Gad Crema e Gabriele Carcano: due pianisti in meno di 24 ore.

Beethoven, per la ricorrenza dei 250 anni dalla nascita, sta spopolando nelle sale da concerto milanesi. Ieri sera, in occasione di una serata dedicata alla giovane Orchestra Sinfonica del Conservatorio di Milano, ho ascoltato un ottimo concerto diretto da Roberto Abbado dedicato in parte a Beethoven e in parte a Brahms. Oggi invece, a Villa Necchi Campiglio, ho assistito ad un ottimo Beethoven con quattro sonate eseguite da Gabriele Carcano. In Conservatorio prima l'Ouverture Egmont op.84 e poi il Concerto n.3 in do minore op.37 hanno ben valorizzato il grande genio tedesco, grazie ad una limpida e penetrante direzione di Roberto Abbado, che ha valorizzato le qualità degli orchestrali, alcuni giovanissimi. Un Beethoven robusto ed energico per l'Egmont e più delicato ma decisamente valido quello del concerto. Ad impreziosire il celebre Concerto n.3 op.37 si è esibito al pianoforte il ventenne Federico Gad Crema, pianista che ha ottenuto recentemente successi in importanti concorsi internazionali per via delle sue evidenti qualità. Nel Terzo di Beethoven ha mostrato sicurezza, tensione emotiva e anche delicata discorsività. Ottima la sua interpretazione complessiva con un Rondò. Allegro finale di splendida e leggera scorrevolezza ben delineata dalle chiare timbriche nei diversi piani sonori. Eccellente la sinergia con la direzione di Abbado, visibilmente soddisfatto al termine. Profondo e ricco di significato il bis concesso da Crema con un brano di Federico Mompou, dalle Canćiones y Danzas, la n.6. Dopo l'intervallo di spessore la Sinfonia n.1 in do minore op.68 di J. Brahms. Qui Abbado, considerando l'età giovane della compagine orchestrale, ha fatto miracoli, producendo un'interpretazione degna delle orchestre di grande esperienza. Bravissimi tutti gli orchestrali e applausi interminabili dal numerosissimo pubblico che riempiva Sala Verdi. Ancora Beethoven oggi a Villa Necchi Campiglio per i concerti organizzati dalla Società del Quartetto. Dopo il bel Beethoven di Lucchesini dello scorso sabato, oggi abbiamo trovato al pianoforte Fazioli il più giovane interprete torinese Gabriele Carcano. Le Sonate n.3, 28, 12 e 23 hanno rivelato una notevole vicinanza di Carcano allo spirito beethoveniano. Ottimo l'equilibrio dinamico nei quattro brani scelti, con adeguata scelta dei tempi. L'interpretazione ascoltata, in alcuni frangenti con caratteristiche improvvisatorie, ha rivelato una decisa disponibilità di Carcano a proporsi come musicista di formazione molto classica che vuole trovare una propria linea interpretativa. Ricca di energia e piena di contrasti la celebre Sonata in fa minore op.57 "Appassionata", probabilmente la più interessante delle quattro. Successo di pubblico. Prossimo appuntamento per l'integrale delle sonate di Beethoven previsto per l'8 febbraio alle ore 17.00 con il pianista Pietro De Maria. Da non perdere.

25 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Sergej Krylov direttore e violinista

Il violinista moscovita Sergej Krylov è approdato al Dal Verme per il Concerto per violino e orchestra n.1 in sol minore di Max Bruch, il più noto concerto del compositore tedesco, caratterizzato da un felice impatto melodico romantico. Per l'occasione Krylov si è anche cimentato alla direzione dell'Orchestra de I Pomeriggi Musicali anche con altri due celebri brani quali la Sinfonia n.1 "Classica" di S.Prokof'ev e la Sinfonia n.3 "Eroica" di Beethoven. Ieri mattina ho ascoltato la prova generale del concerto alla presenza di un numeroso pubblico, moltissimi con l'abbonamento del mattino. Il Concerto di Bruch, opera del 1866, ha trovato un'esecuzione completa e definitiva. Krylov ha ancora una volta rivelato le sue eccellenti qualità virtuosistiche. Le splendide timbriche, leggere e nello stesso tempo incisive e ricche di colori, hanno esaltato la bellezza di questo capolavoro, importante anche per la robusta componente strumentale ben delineata dai bravissimi orchestrali de I Pomeriggi. Di qualità la neoclassica Sinfonia n.1 del russo eseguita integralmente e più che valida la resa stilistica - alla prova dei primi due movimenti tra i quattro che la compongono- della celebre Eroica beethoveniana, esternata con pacata risoluzione temporale. Sabato alle ore 17.00 la replica del concerto avvenuto ufficialmente  ieri sera. Da non perdere.

24 gennaio C.G.

Rudolf Buchbinder per La Società dei Concerti

È da moltissimi anni che il pianista austriaco Rudolf Buchbinder torna puntualmente in Sala Verdi per le serate organizzate dalla Società dei Concerti. Buchbinder è diventato un riferimento sicuro per tutti gli amanti della scuola classica pianistica che ha in Beethoven e in Schubert i compositori preferenziali. L'omaggio che il grande interprete ha fatto ieri sera al genio di Bonn, in occasione dei 250 anni dalla nascita, si è tradotto in ben cinque sonate. Precisamente la Sonata in do minore op.10 n.1, la Sonata in la bem. maggiore op.26, la Sonata in fa maggiore op.54, la Sonata in re minore op.31 n.2 "Tempesta" e la Sonata in mi bem. maggiore op.31 n.3. Il viennese ha quindi un rapporto privilegiato con Beethoven avendo eseguito tutte e trentadue le sonate parecchie volte in questi decenni di carriera. Le interpreta con infinita disinvoltura. Queste evidenti complete interiorizzazioni delle timbriche beethoveniane hanno trovato ieri sera una restituzione in alcuni frangenti esemplare, in altri, soprattutto nelle prime sonate, frettolosa. Chiariamo: il livello interpretativo di Buchbinder rimane sempre molto alto per quanto concerne la bellezza delle sonorità, il tocco magico, leggero ed elegante. Fortunatamente il livello complessivo delle esecuzioni è andato via via migliorando nel corso della serata con la seconda parte del concerto che comprendeva le ultime due Sonate, l'Op.31 n.2 "Tempesta" e l'Op. 31 n.3, di ritrovata assoluta bellezza. Alcuni movimenti erano di una discorsività e di una leggerezza timbrica ineguagliabile, ricchi di naturalezza e bellezza coloristica. Qui ci siamo ricordati cosa siano le grandi interpretazioni. Da manuale il bis concesso con il movimento finale della Sonata op.10 n.2. Fragorosi applausi in una Sala Verdi del Conservatorio colma di fedeli appassionati e, fortunatamente, con molti giovani. Da ricordare.

23 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli Beethoven riletto dal TRIO METAMORPHOSI

IL Trio Metamorphosi formato da Mauro Loguercio al violino, Francesco Pepicelli al violoncello e Angelo Pepicelli al pianoforte eseguiranno alcuni Trii di L.v Beethoven tra cui il noto "L'Arciduca". Il concerto avverrà il 25 gennaio alle ore 21.00 presso il Teatro Civico di Vercelli. Sicuramente, una rassegna come il Viotti Festival di Vercelli deve rispondere alle attese e alle esigenze del pubblico, tanto più quando si tratta di spettatori fedeli e affezionati come quelli dell'attuale XXII edizione. Ma deve anche, ed è altrettanto importante, portare l'ascoltatore sempre un po' più in là, più avanti di quanto si sarebbe aspettato, attingendo all'inesauribile incanto del repertorio classico. È proprio questo il compito dei numerosi cicli monografici presenti nel cartellone del Festival. E siccome nel 2020 si celebra il 250esimo anno dalla nascita di Ludwig van Beethoven, come non pensare a un modo per onorare degnamente questa ricorrenza, facendo allo stesso tempo un regalo al pubblico vercellese? Beethoven come tanti altri: lo garantiscono sia il programma, interamente dedicato ai Trii, esempi perfetti dell'arte beethoveniana e ricchi di squarci di suprema bellezza, sia gli interpreti, ossia il Trio Metamorphosi, tra le formazioni cameristiche di spicco nel panorama internazionale e già più volte acclamati al Viotti Festival.

21- 01- 2020 dalla redazione

Il duo Kavakos - Pace alle Serate Musicali

Ieri in Conservatorio ho assistito ancora ad un concerto dedicato interamente a Beethoven, per i 250 anni dalla nascita. Questa volta un eccellente duo per violino e pianoforte, quello formato da Leonidas Kavakos e da Enrico Pace, ha eseguito ben quattro sonate: la Sonata n.2 op.12 n.2, la N.3 op.12 n.3, la N.6 op.30 n. 1 e la N. 7 op.30 n.2. Quattro lavori scelti tra i dieci del grande musicista, dedicati ai due strumenti. Conosciamo bene le qualità di Kavakos, celebrità internazionale di primo livello, qualità tali da non avere probabilmente bisogno d'ulteriore critica. Mi soffermerei maggiormente sulle abilità del pianista riminese Enrico Pace, da anni sulla breccia musicale, con moltissimi concerti in attivo in duo e pochi da solista. Pace, oltre ad essere, a mio avviso, l'accompagnatore ideale per Kavakos, presenta qualità d'interprete tali da meritare una valutazione individuale. È bene ricordare che soprattutto nelle sonate per violino e pianoforte di Beethoven , la parte pianistica risulta fondamentale e spesso primeggia. È in primo piano per via anche delle corpose variazioni presenti in alcuni movimenti, variazioni sostenute dal pianoforte. Pace ha il dono del perfetto dosaggio del suono, prodotto in una gamma numerosa di timbriche, sottili e molto chiare, pur mantenendo volumi sonori complessivamente di discreta forza. Questa qualità, presente allo stesso livello nello splendido violino del greco, determina un rapporto ideale e sinergico nella coppia. Entrambi controllano le timbriche perfettamente, senza mai eccedere, ascoltandosi reciprocamente con profondo rispetto nella reciproca esternazione musicale, senza quindi mai prevaricare. Ad una perfezione tecnica di primissimo livello per entrambi, si aggiunge un profondo senso espressivo, calato nelle Sonate beethoveniane in modo mirabile. Le quattro sonate sono state eseguite tutte con pari livello interpretativo, esaltando ogni dettaglio con espressività molto interiorizzata. Solo l'ascoltatore più attento ha potuto cogliere alcune raffinatezze esternate dalla coppia con infinita discrezione. Il numerosissimo pubblico presente in Sala Verdi, al termine del concerto ha esternato l'entusiasmo elargendo fragorosi e lunghi applausi. Due i bis concessi: prima un brano popolare ucraino variato da Beethoven - op.107 n.7, e poi l'estroverso e voluminoso Scherzo di Brahms dalla Sonata FAE. Concerto memorabile per qualità. Da ricordare sempre.

21 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

ANDREA LUCCHESINI per la Società del Quartetto nella Beethoven-Mania

Sono passati 250 anni dalla nascita di L.v.Beethoven. Per l'importante anniversario molte iniziative si stanno svolgendo a Milano. Tra queste è di rilevante importanza quella organizzata dalla Società del Quartetto nella splendida cornice di Villa Necchi Campiglio, dove da alcuni anni, è stata allestita nell'ex spazio-tennis una funzionale struttura in vetro all'interno della quale vengono organizzati i concerti. Ieri pomeriggio è iniziata la rassegna denominata "BeethovenMania", dedicata alle trentadue sonate del genio tedesco. Quest'anno la novità è rappresentata anche dalla nuova valida disposizione del palcoscenico voluta dal direttore artistico M.tro Paolo Arcà: il pianoforte è stato sistemato nel centro del grande salone, circondato nei quattro lati da più file di sedie, dando una maggiore e vicina visuale a tutti gli appassionati. Il pianista Andrea Lucchesini ha iniziato la serie di sonate con ben cinque lavori tra i più noti: le Sonate n.1-27-14-17 e 30. Indubbiamente di qualità le interpretazioni di tutti i brani con una maggiore esternazione nelle Sonate più importanti come la celebre Sonata n.14 op.27 n.2 "Al chiaro di luna" eseguita splendidamente da Lucchesini con profonda espressività nei contrastati tre movimenti. Dalle centellinate note dell'Adagio sostenuto iniziale, espresse con pregnante riflessività, sino al compatto ed energico Presto agitato nel finale, interpretato con energia nel dinamico equilibrio. Decisamente di spessore anche la Sonata denominata La tempesta, la n.17 op.31 n.2 con un discorsivo Allegretto conclusivo interpretato con delicata leggerezza. Ottime tutte le altre sonate e fragorosi applausi dal numeroso pubblico che ha occupato tutti i posti disponibili. Valido il bis concesso con una breve Bagatella beethveniana. Da ricordare.

20 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

VIJAY IYER inaugura al Teatro Parenti la rassegna musicale "Pianisti di altri mondi"

Il pianista-compositore VIJAY IYER ha inaugurato la rassegna mattutina "PIANISTI DI ALTRI MONDI", iniziativa musicale promossa dalla Società del Quartetto, pensata e diretta da Gianni Morelenbaum Gualberto. Sede degli otto incontri previsti è il Teatro Franco Parenti di Milano. Questa mattina alle ore 11.00 una numerosa presenza di pubblico ha accolto il compositore-interprete statunitense, di origine indiana, per un impaginato complessivo di cinque brani dove l'elemento improvvisatorio era peculiare. Stiamo parlando di un musicista particolarmente noto agli esperti del settore, in un genere musicale che ha nel jazz la più appariscente appartenenza, ma che incontra in uno stile personale la musica "colta" europea e anche quella orientale. È proprio questo mix inter-culturale che rende interessante e probabilmente "unico" il linguaggio musicale di Vijay Iyer. I quattro lavori proposti -più un quinto eseguito come bis - hanno rivelato un interprete estemporaneo - abile anche come pianista- che fa ricerca di timbriche semplici e/o complesse, tenendo ben presente le sonorità dello strumento. L'eccellente pianoforte Fazioli utilizzato e l'ottima acustica riscontrata - perlomeno dalle primissime file dove ero seduto- sono sembrati ideali per lo stile pianistico-compositivo di Vijay Iyer. Il suono non amplificato- cosa inconsueta per il genere, ha certamente favorito l'ottima prestazione. Le sue improvvisazioni sono giocate su un eccellente uso delle dinamiche, mai eccessive nei volumi e sovente delicate ed interiori. Nel primo lavoro, l'influenza dello stile jazz "storicizzato" dei grandi - da Monk a Jarret, da Cecil Taylor a Corea, e anche altri. - è risultato evidente, ma le qualità di Iyer sono rintracciabili nelle variegate cifre stilistiche presenti in ogni brano, con riferimenti musicali diversificati. L'impronta jazz del primo corposo lavoro, costruito su una suggestiva iniziale ripetizione armonica di tre accordi nei toni bassi, ha poi uno sviluppo interessante nelle rapida successione di note nella parte alta della tastiera. Di maggiore intimità il brano successivo e di grande impatto emotivo il terzo. Qui Iyer partendo da suggestive riverberazione timbriche delle note basse, crea lentamente uno sviluppio effettistico che sfocerà in una serie di note a grappolo, rapide ed articolate che ricorda molto le ineguagliabili improvvisazioni di Cecil Taylor degli anni '60 -'70. In questo lavoro, la gestualità risulta una componente fondamentale per la comprensione delle intenzioni. In un contesto molto free, le sonorità sono state comunque molto controllate e sono giunte poi a definire atmosfere pacate e minimali, non disgiunte da modi eleganti ed evocativi. Il quarto brano presentato, in uno stile tra Satie e l'Oriente, evoca situazione lontane, ricche di suggestive emozioni. Anche nel bis concesso, una pacata esternazione ha portato alla conclusione del bellissimo mattino musicale. Fragorosi gli applausi nella Sala grande del Teatro Parenti. Da ricordare. Prossimo concerto previsto per il 9 febbraio alle ore 11.00 con la pianista Vanessa Wagner per un programma di musica contemporanea variegato, dove verranno eseguiti brani di Nyman, Vasks, Otte, Meredith Monk, Mondoog e Dessner. Da non perdere!

19 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Largo ai giovani al Cantelli di Novara

Bello il concerto cameristico offerto oggi pomeriggio, 18 gennaio, dal Conservatorio G. Cantelli di Novara al suo affezionato e sempre più numeroso pubblico. Bello anzitutto e ovviamente per il programma proposto, incardinato su una delle più belle sonate per violino e pianoforte di Beethoven, l’ Op.30 n.2 in do minore, la settima delle dieci composizioni del Sommo di Bonn per questo genere cameristico, e sul Trio per pianoforte violino e violoncello, Op. 1 n.3 in do minore anch’esso, una delle opere giovanili con cui Beethoven si presentò al pubblico di Vienna, e su cui è celebre lo strano giudizio negativo di Haydn. Ma bello, il concerto odierno al Cantelli, perché suonato da giovani, ricchi di talento e di entusiasmo, ottimamente preparati sul piano tecnico, a dimostrazione che la musica c.d. “classica”, non è polverosa anticaglia per residuali cultori dalle malinconiche canizie, ma suscita ancora interesse e passione nelle generazioni più giovani, che infondono tutta la freschezza delle loro energie nel custodire questa, che è una delle più nobili eredità dello spirito creatore dell’uomo. Infine bello perché questi giovani sono allievi del Cantelli, un conservatorio che sta da anni coltivando una lodevole e intelligente didattica, che mira a formare i suoi allievi, almeno i migliori, non solo attraverso lo studio individuale, ma anche con una pratica concertistica, soprattutto cameristica, che porta molto presto questi ragazzi a misurarsi con la sala da concerto e con il pubblico, tappa fondamentale per il loro processo di maturazione. A eseguire la Sonata Op.30 n.2 erano Eva Ghelardi, allieva di Francesca Monego, componente fissa della Camerata Ducale Junior (per ora: la formazione “maggiore” l’aspetta) e spalla dell’orchestra del Festival di Verbier. Al pianoforte una delle promesse del Cantelli, Davide Rausi. Ottima l’intesa tra i due strumentisti, in possesso di una tecnica già solida, che ha loro consentito di affrontare con precisione e tocco sicuro i passaggi più impervi di questa non facile partitura, come la serie di tremoli, arpeggi, scale e ottave spezzate riservate al pianoforte nel primo tempo o la capricciosa condotta ritmica del violino che in generale domina questo capolavoro beethoveniano, con un che di sulfureo e demoniaco, che sembra far capolino qua e là. Se c’è una riserva che ci sentiamo di esprimere su questa esecuzione è una certa piattezza nel gioco vario e nervoso delle dinamiche, proprio di questa composizione e più in generale un’energia e potenza di suono, soprattutto da parte del pianoforte, che in alcuni momenti importanti del pezzo ha lasciato un po’ a desiderare: ad esempio la coda del primo tempo ci è giunta alle orecchie spoglia di quella potenza delle ottave al pianoforte e di quella violenza da raffica di impetuoso vento sonoro che dovrebbe uscire dalle corde del violino. Molto ben riuscita, in compenso, l’esecuzione dell’Adagio cantabile, soprattutto nella delicatezza sfumata degli arpeggi staccati di entrambi gli strumenti. Cambia il pezzo, cambiano gli interpreti: il Trio n.1 op.3 era affidato a Ludovica De Bernardo (pianoforte), Stefano Raccagni (violino) e Christiana Coppola (violoncello). Si è trattato di un’ esecuzione decisamente ottima, salutata meritatamente da un lungo applauso del folto pubblico. La climax di questa interpretazione è stata quel gioiello del giovane Beethoven che è l’Andante cantabile con variazioni, in cui i tre strumentisti hanno sfruttato con già matura sapienza tutte le possibilità dialogiche offerte da questa incantevole partitura, con un controllo giudizioso delle dinamiche, dell’agogica e soprattutto della timbrica. Un plauso particolare va alla pianista De Bernardo, per la fluidità del fraseggio e la pulizia del disegno, unita a una intensità e potenza di suono, davvero coinvolgenti. Niente bis, ma come detto, tanti applausi, per un bel pomeriggio di musica, ancora una volta offerto dal Conservatorio Cantelli e dai suoi bravi allievi e neo-diplomati.

18 gennaio 2020 Bruno Busca

Riccardo Chailly dirige Beethoven alla Scala

Continua la rassegna dedicata a Beethoven con Riccardo Chailly sul podio della Filarmonica della Scala alle prese con le Sinfonie. Questa volta dopo l' Ouverture in fa minore op.84 Egmont, abbiamo ascoltato la Sinfonia n.8 in fa maggiore op.93 e la celebre Sinfonia n.5 in do minore op.67. È un Beethoven di spessore quello del direttore milanese, che ha nei momenti più concitati e drammatici un punto di forza. L'attacco della bellissima Ouverture Egmont, composta dal genio di Bonn nel 1811 e quello della Quinta- capolavoro terminato nel 1807- testimoniano l'energia propulsiva che Chailly sa infondere agli splendidi filarmonici scaligeri. La scultorea Egmont ha trovato simile resa nei più energici tempi della cosiddetta "sinfonia del destino", l'Allegro con brio iniziale e l'Allegro finale, probabilmente il movimento più entusiasmante nella resa complessiva. Meno appariscente la minore Sinfonia n.8, datata intorno al 1813. Questo lavoro, tra i meno popolari ed eseguiti, vuole rappresentare un momento di pausa cordiale ed umoristica, in un contesto di capolavori che hanno portato in eterno il grande genio tedesco. Chailly ha il grande merito di volersi confrontare con coraggio con lavori entrati nella storia delle interpretazioni. Non è facile aggiungere qualcosa di più a quello che è stato prodotto dai grandissimi. Attendiamo con passione e grande curiosità le prossime interpretazioni per una valutazione complessiva. Bravissimi gli orchestrali scaligeri, con perfezione in tutte le sezioni e con i legni e gli ottoni spesso in primo piano. Applausi scroscianti da parte del numerosissimo pubblico. Da ricordare.

18 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Alexander Kobrin al Dal Verme per il Quarto di Beethoven

Avevo ascoltato il moscovita Alexander Kobrin il 9 dicembre 2004 all'Auditorium milanese nel Concerto n.3 di Rachmaninov. Allora aveva 24 anni e mi piacque molto per la sicurezza e la scioltezza nel superare ogni difficoltà di quel difficile concerto. Da cinque- era il 1999- era riuscito a vincere il prestigioso Concorso Internazionale Busoni, bissando il successo nel 2005 con l'altrettanto importante "Van Cliburn". Ieri, dopo 15 anni l'ho riascoltato al Dal Verme con l'Orchestra de "I Pomeriggi Musicali" diretta da George Petrou nel Quarto Concerto di Beethoven: un lavoro altrettanto noto ed importante come il Rack 3. Kobrin è il classico esempio di pianista russo proveniente da una scuola musicale prestigiosa che oltre a valorizzare la tecnica nella virtuosistica, va più in profondità, nella ricerca dell'interpretazione corretta e profonda legata al compositore. Il bellissimo Concerto in Sol maggiore op.58 è stato affrontato con grande padronanza tecnica ed evidente espressività da Kobrin. La sua immobilità del volto, che ricorda nella gestualità complessiva Pletnev, ha trovato una buona sinergia con l'Orchestra e con la direzione di Petrou. I momenti migliori della valida esecuzione li ho sentiti nella bellissima cadenza dell'Allegro moderato e nel profondo ed elegante Andante con moto, movimento "transitorio" verso il ritmico Rondò finale, di una bellezza sconvolgente. L'Andante è definito inizialmente da poche note che Kobrin ha riempito di pregnante valore estetico, coadiuvato qui benissimo dall'orchestra. Applausi fragorosi al termine e molto valido il bis concesso con il Prelude op.32 n.12 di S. Rachmaninov. Dopo l'intervallo, di qualità l'esecuzione della Sinfonia n.2 D 125 di Franz Schubert. Sabato 18 gennaio alle ore 17.00 si replica!! Da non perdere.

17 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Guy Braunstein per la Società dei Concerti

Non conoscevo il violinista israeliano Guy Braunstein e devo ammettere che sono rimasto molto soddisfatto delle sue interpretazioni riferite ad un impaginato articolato come quello composto dai brani ascoltati ieri sera in Sala Verdi. Al pianoforte, l'israeliano Ohad Ben-Ari ha mostrato di essere il compagno ideale del violinista per unità d'intenti e risultati ottenuti. Brani articolati e lunghi come quelli iniziali di Dvořak, Beethoven e Chausson, hanno avuto come coda pezzi più brevi di Čaikovskij, Waxman-Bizet e numerosi brevi ma significativi bis. La Rusalka Rhapsody del compositore ceco Dvořak e il Poème op.25 del parigino Chausson, entrambi vissuti nella seconda metà dell'800, hanno rivelato modalità estemporanee tardo romantiche dell'ottimo violinista che oltre avere doti virtuosistiche sorprendenti, riesce attraverso una discorsività fluida e precisa nei dettagli, a raggiungere profondità espressive evidenti. Notevole poi il più classico Beethoven con la Sonata n.7 in do min. op.30 n.2 eseguita in perfetta sinergia con l'ottimo pianista e ancor più meritevole d'attenzione per scelta stilistica di chiara restituzioni e rimarchevole espressività. Il programma ha avuto un maggior apprezzamento di pubblico probabilmente negli ultimi brani proposti, per l'alta melodicità presente, con tre lavori di Čaikovskij dal Lago dei cigni e da Evgeny Onegin trascritti benissimo da Braunstein e con la conclusiva entusiasmante Carmen fantasy nella rielaborazione di Fran Waxman. Qui Braunstein ha dato sfoggio di alto virtuosismo, mostrando ancor più le qualità del suo violino, strumento dalle timbriche dolci e nascoste, un Francesco Roggeri del 1679. La sua perfetta intonazione, anche nei più ardui sopracuti e la bellezza antica della timbrica, lo pongono tra i migliori violinista della sua generazione. Splendidi i bis con un omaggio ad autori italiani e un finale stratosferico di Gershwin. Prima la rara Canzonetta di D'Ambrosio, poi la celebre melodia napoletana Torna a Surriento e per finire un brano da Porgy end Bess nell'ineguagliabile trascrizione di Jascha Heifetz. Pubblico entusiasta e fragorosi applausi. Da ricordare.

16 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Raffaele Pe e La Lira di Orfeo per la Società del Quartetto

Un concerto di straordinario interesse quello ascoltato ieri sera in Conservatorio per la rassegna organizzata dalla Società del Quartetto. Il gruppo cameristico barocco "La Lira di Orfeo", nato da un'idea del fondatore, il controtenore Raffaele Pe, ha presentato un programma variegato con molti brani incentrati sulla figura di Giulio Cesare. Sinfonie ed Arie dall'opera Giulio Cesare in Egitto di G.F Händel sono state implementate da altre Sinfonie ed Arie di compositori meno noti ma importanti quali Giacomelli, Pollarolo, Bianchi e Piccinni. L'alternanza tra brani solo Strumentali- diverse Sinfonie- , e Arie vocali, ha diversificato una serata dedicata interamente alla musica barocca di fine Seicento e Settecento. La presenza del protagonista maschile nella splendida voce di Raffaele Pe, ha visto sul palcoscenico nel noto brano händeliano Son nato a lagrimar anche la profonda voce del mezzosoprano Raffaella Lupinacci. Un duetto di rilevante qualità ripetuto poi al termine del concerto. L'ensemble barocco La Lira di Orfeo, per la prima volta ospite della Società del Quartetto, è capeggiato dal violino concertatore Luca Giardini. Nel corso della serata il gruppo strumentale ha espresso con maestria e raffinata eleganza timbrica uno stile orientato al recupero delle sonorità "antiche", utilizzando anche strumenti d'epoca. Di G.F Händel oltre al brano già citato, sono stati eseguiti Va tacito e nascosto e All'ampo dell'armi. Tra i numerosi brani, oltre alle Sinfonie di Geminiano Giacomelli, G.F. Händel e Francesco Bianchi, eseguite con pregnante espressività, segnaliamo le arie Il Cor che sdegnato di Giacomelli, Sdegnoso turbine di Carlo Francesco Pollarolo, Spargi ormai di dolce oblio di Piccinni e Saprò d'ogn'alma audace di Bianchi. Di qualità espressiva la voce di Raffaele Pe giocata sulla grande naturalezza dei momenti più pacati e la potenza d'emissione nei frangenti più concitati. Bellissimo il duetto händeliano dove anche la voce del mezzo-soprano Lupinacci ha rivelato qualità espressive rilevanti con chiare emissioni vocali e ottima presenza attoriale. Di eccellente qualità il secondo bis con la celebre aria di Händel Lascia ch'io pianga da Rinaldo. Da ricordare a lungo.

15 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Juana Zayas alle Serate Musicali del Conservatorio milanese

Ho ascoltato molte volte la pianista cubana, naturalizzata statunitense, Juana Zayas, sempre rimanendo soddisfatto per le sue interpretazioni. Mai l'avevo sentita in un programma tutto francese imperniato su due grandi musicisti vissuti a cavallo tra due secoli - '800 e '900- quali Maurice Ravel e Claude Debussy. Un'impaginato ottimamente costruito, con un'ampia serie di brani che hanno rivelato le attitudini della Zayas ad un repertorio dove gli elementi coloristici ed il peso del suono risultano determinanti. Partendo da Ravel con la deliziosa Sonatine, attraversando il trasparente Jeux d'eau dedicato a Gabriel Fauré, l'interprete ha concluso la prima parte della serata con Gaspard de la nuit nei tre celebri Ondine, Le Gibet e Sgarbo. L'approccio pianistico della Zayas ha rivelato, già dalle prime note, una chiarezza timbrica evidente, che nasce da uno studio accurato e profondo dei particolari, contestualizzati in un'unità formale precisa e ben definita. Spesso risultano rilevanti incursioni virtuosustiche - con colori nella parte alta della tastiera strabilianti per nitore- rese con semplicità discorsiva tipica del pianismo di alta qualità. Anche nel Debussy della seconda parte del concerto la settantanovenne pianista - portati splendidamente - ha mostrato un eccellente equilibrio dinamico-coloristico. Iniziando con la prima serie di Images, poi con cinque brani del primo libro di Préludes ( n.3-5-7-8-9) seguiti da Feux d'artifice, ultimo della seconda serie di Preludi. La nota L'isle Joyeuse, eseguita ancora con trasparente espressività, ha concluso il programma ufficiale. Quattro i bis concessi, sempre di Debussy, con Sarabande e Toccata da Pour le piano, lo Studio n.1 denominato Etude 1 pour le cinq doigts d'apres Momsieur Czerny e per finire La soirée dans Grenade da Estampes. Peccato la presenza di un pubblico poco numeroso in una Sala Verdi che meritava imvece di essere al completo. Da ricordare a lungo!

14 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Il balletto Sylvia al Teatro alla Scala

È un balletto di grande qualità Sylvia. Ha nella splendida musica, composta da Lèo Delibes per la prima parigina del 14 giugno1876, l'ossatura portante. La messinscena classica di Manuel Legris - da quella originaria di Louis Mérante- risulta essere perfetta e adattata ad ogni dettaglio musicale con situazioni di soli e di gruppo che si specchiano con le parti sonore, in un insieme unitario di grande classe e di sublime espressività. Valido l'inserimento coreutico di Legris nel Prologo iniziale, in genere solo musicale, con la presenza scenica di Diana ed Endimione. Protagonista del balletto in tre atti- visto ieri in replica- è Martina Arduino, Sylvia.(Foto Brescia e Amisano,Archivio Scala) L'eccellente prima ballerina è un esempio massimo di leggerezza, elasticità e presenza costante. Ma tutto il corpo di ballo del Teatro alla Scala ha mostrato qualità di primo livello: da Claudio Coviello , Aminta, Christian Fagetti, Orione, Nicola De Freo, Eros, Maria Celeste Losa, Diana, Gabriele Corrado, Endimione e gli altri Fauni, Contadini, Pastori e Cacciatori. La precisa ed espressiva direzione di Kevin Rhodes con la splendida Orchestra del Teatro alla Scala ha reso ancor più di qualità il tutto, esaltando musicalmente le riuscite scene e i colorati costumi di Luisa Spinelli, costumi ben illuminati dalle luci di Jacques Giovanangeli. Sylvia è uno splendido balletto che dopo essere stato per molto tempo trascurato è arrivato da Vienna finalmente alla Scala. Sta ottenendo un successo meritatissimo come dimostrato dal pienone di ieri sera all'ottava replica e dagli interminabili applausi finali, con continue uscite dei protagonisti, direttore compreso. Da non perdere le ultime due repliche previste per il 14 gennaio, pomeriggio e sera.

12 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Gianandrea Noseda e La Filarmonica della Scala

Un concerto di grande qualità quello ascoltato ieri sera al Teatro alla Scala. Sul podio il direttore Gianandrea Noseda ha esternato un gesto essenziale, preciso ed incisivo per tre lavori importanti di Fauré, Stravinskij e Saint-Saëns. La leggerezza e l'eleganza francese è emersa in Pallèas et Mélisande suite op.80 di Gabriel Fauré. L'essenzialità delle tenui timbriche delle quattro parti che compongono la breve suite da concerto ha trovato dolci espressività tra le mani dei filarmonici, elargenti sensibili contrasti dinamici. Altrettanto valida e perfetta nell'accostamento col lavoro del francese è Le baiser de la fée - Il bacio della fata-, il balletto che Igor Stravinskij compose negli anni '20 partendo dalle musiche di Čaikovskij. In questo divertimento tratto dal balletto, lo stile neoclassico tipico del russo ha trasformato le note dell'altro grande russo, trovando momenti di gentile e raffinata discorsività, con un punto d'arrivo nell'esemplare Pa de deux finale. Cambio di registro nella seconda parte della serata con un brano di grande esternazione e suggestione quale la Sinfonia n.3 in do minore op.78 "con Organo" di Camille Saint-Saëns. Composta nel 1886, questa Sinfonia del prodigio francese rappresenta insieme alla Sinfonia in re di Cèsar Franck, composta negli stessi anni, uno dei lavori più importanti della fine dell'800. L'esemplarità della costruzione orchestrale è stata delineata con grande rigore espressivo da Noseda che, con un lavoro dettagliato, perfettamente dosato e particolarmente fluido, ha messo in risalto le splendide qualità dei Filarmonici della Scala, in ogni sezione orchestrale. Splendidi tutti gli orchestrali e rilevanti anche i fiati, sia legni che ottoni e la ridotta ma fondamentale parte del valente organista. Un concerto splendido per un grande direttore. Da ricordare a lungo.

10 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Stefan Milenkovich diretto da Yves Abel per Henri Vieuxtemps

L'interessante programma ascoltato questa mattina al Dal Verme in una prova generale eseguita in modo completo e senza interruzioni, prevedeva brani di Ravel, Vieuxtemps, Fauré e Schubert. L'esecuzione ci ha permesso di confermare l'ottima espressività dell'Orchestra de I Pomeriggi quando è guidata da validi direttori quali Yves Abel. Un valore aggiunto è stato quello del violinista serbo Stefan Milenkovic nel Concerto per violino e orchestra n.5 in la minore op.37 "Grétry" di Vieuxtemps. Nei brani orchestrali, abbiamo trovato un livello interpretativo di qualità. Le Tombeaux de Couperin di M. Ravel testimonia una raffinata orchestrazione del francese ben resa da Abel e dagli orchestrali in ogni sezione. Anche la breve e celebre Pavane in re Maggiore op.50 di G. Fauré ha trovato una corretta interpretazione con risalto degli strumenti a fiato in questo lavoro particolarmente rilevanti. L'ultimo brano solo orchestrale, la giovanile Sinfonia n.3 in re magg. D 200, di F. Schubert ci ha trasmesso circa 25 minuti di leggera ma raffinata discorsività nei quattro movimenti che la compongono. Momento di grande novità, anche per la scarsità di esecuzioni che trascurano questo breve capolavoro di Henri Vieuxtemps, è stato il Concerto per volino e orchestra n.5 in la minore op.37 "Gréty". Le qualità interpretative di Milenkovick sono note. Il suo prezioso violino Guadagnini ha un timbro dolce e delicato ma anche deciso e particolarmente voluminoso. L'esecuzione ascoltata- impeccabile- era sorretta da una parte orchestrale in perfetta sinergia con la parte violionistica. Le qualità interpretative del violinista serbo sono emerse anche nella splendida Cadenza dell'Allegro ma non troppo , scritta dallo stesso Vieuxtemps, cadenza migliore e più completa di un'altra scritta dallo stesso compositore per il medesimo concerto. Applausi sinceri e fragorosi da parte del numeroso pubblico intervenuto. Questa sera alle 20.30 ci sarà l'esecuzione ufficiale con replica sabato alle ore 17.00. Da non perdere.

9 gennaio 2020 Cesare Guzzardella