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MARZO 2023

La tromba di Markus Stockhausen al Museo del Novecento

Un tardo pomeriggio di musica contemporanea al Museo del Novecento, organizzato da NoMus e dalla Società del Quartetto, ci ha permesso di ascoltare due brani di piacevole comprensione . Il primo, in ordine di esecuzione , era di Karlheinz Stockhausen, con il suo Tierkreis, in una versione per pianoforte, flauto, due clarinetti e fagotto. Il secondo, di Damiano Santini, era Zodiaco, 12 brani in quattro parti, Fuoco, Acqua,Terra e Aria, per tromba e pianoforte, con la straordinaria partecipazione di Marcus Stockhausen alle trombe. In Tierkreis (Zodiaco, 1974) la presenza come interpreti di studenti del Conservatorio "Giuseppe Nicolini" di Piacenza ci ha rivelato le ottime qualità dei protagonisti nel definire l'ottimo lavoro del grande musicista ed innovatore tedesco, legato alla città di Colonia e scomparso nel 2007. Tierkreis, musica originariamente per carillons, utilizzata anche in un'azione teatrale, ebbe in seguito trascrizioni per diverse realizzazioni e strumentazioni. Quella ascoltata ieri era di ottima fattura ed ha messo in relazione i cinque strumentisti nel definire armoniose e semplici sonorità con un linguaggio di facile comprensione nella sua estrema e piacevolissima originalità. Alcuni dei bravissimi strumentisti - nei nomi di Gabriele La Venia, ottavino e flauto, Alessandra Tamborlani e Sara Manzoni, clarinetti, Enrico Bertoli, fagotto e Ginevra Paniati, pianoforte- hanno anche mimato le situazioni musicali con una incisiva e piacevole gestualità. Ottima l'interpretazione fornita, ed evidente l'apprezzamento del numerosissimo pubblico intervenuto nella luminosa e panoramicissima Sala Fontana. Le trombe di Markus Stokhausen ed il pianoforte di Alessandra Garosi hanno poi definito in modo mirabile l'originale lavoro di Damiano Santini che viene espletato secondo un procedimento dove anche gli interpreti hanno voce in capitolo nella creativa costruzione del brano. Mentre la parte pianistica è fondamentalmente scritta in partitura, quella della tromba è stata completamente improvvisata dal grande trombettista. Le ottime sinergie dei due interpreti hanno portato ad una splendida resa coloristica di Zodiaco, un brano d' immediata comprensione grazie anche ai colori profondi e voluminosi delle tre trombe utilizzate da Stockhausen. In una sequenza, il figlio del celebre compositore, girava per la sala dando spazialità alla musica con il profondo timbro dello strumento. L'ottima musica si sviluppava in un linguaggio tonale suggestivo e di evidente riflessiva meditazione. Di ottima qualità anche la componente pianistica e virtuosistica di Alessandra Garosi , interprete sicura e attenta agli interventi del trombettista. Il pubblico ha decisamente apprezzato l'ottimo lavoro, elargendo al termine fragorosi applausi . Il duo ha concesso un bis con ancora una sequenza improvvisata ispirata al brano di Santini. Bravissimi.

29 marzo 2023 Cesare Guzzardella

A NOVARA IL FESTIVAL CANTELLI CONCLUDE LA SUA 42ESIMA STAGIONE CON IL “PICCOLO SPAZZACAMINO” DI B. BRITTEN

Già progettato dall’Associazione Amici della Musica di Novara fin dal 2020, “Il piccolo spazzacamino” (“The little sweep” il titolo originale inglese) di Britten, dopo un lungo rinvio dovuto alla pandemia, è stato finalmente rappresentato ieri sera, martedì 28 marzo, sul palcoscenico del Teatro Faraggiana, come spettacolo conclusivo della 42esima stagione del Festival Cantelli.. Perché “Il piccolo spazzacamino”? La risposta la dà il Maestro Ettore Borri, Presidente dell’Associazione Amici della musica: quest’opera di Britten, composta nel 1949, è oggi più che mai attuale con la sua denuncia del tragico fenomeno dello sfruttamento minorile, dolorosamente diffuso in Italia e nel mondo. Un’opera dunque, di alto impegno civile, nonostante sia definita nel catalogo delle opere del compositore inglese “Opera per bambini”, la cui tematica la rende di drammatica attualità. In effetti, l’immagine del bambino, simbolo di indifesa innocenza e di libertà schiacciata da un mondo adulto violento e brutale, ricorre abbastanza spesso nell’opera musicale di Britten: basti pensare soltanto a quell’inquietante capolavoro del teatro musicale che è il “Peter Grimes”, di pochi anni precedente “Il piccolo spazzacamino”. Britten e il suo collaboratore Eric Crozier scrissero il libretto ispirandosi a due celebri poesie del grande poeta romantico inglese William Blake, entrambe intitolate “The chimney sweeper” (1789 e 1794) appunto “Lo spazzacamino”, non senza ovvie influenze dei romanzi dickensiani alla “Oliver Twist”. Strutturalmente, si tratta di un’opera in un atto, diviso in tre scene, in cui le parti cantate da solisti si alternano a parti corali, a sezioni declamate e a dialoghi recitati. Un po’ alla lontana (manca l’elemento della danza), l’autore sembra rifarsi al modello della ‘Masque’, la prima forma assunta dal melodramma su suolo inglese. La vicenda, che si immagina svolgersi nel 1810, è quella del piccolo Sem (Sam nell’originale) venduto dal padre, caduto in miseria per un infortunio sul lavoro, al brutale spazzacamino Nerone (Black Bob) e al suo assistente Clementino (Clem), che sfruttano crudelmente il fanciullo, costringendolo a salire negli stretti camini per pulirli. Il piccolo, terrorizzato dai bui e stretti cunicoli in cui si sente soffocare, è salvato dai bimbi che abitano una casa di cui deve pulire il camino, Iken Hall, i tre fratelli Brook e i loro tre cugini Croome, che con l’aiuto della bambinaia Rosa (Rowen, l’unico personaggio positivo del mondo adulto), riescono astutamente a nasconderlo e a sottrarlo alla ricerca di Nerone e della signorina Bracco, la malvagia governante (Miss Baggott), regalandogli la libertà e la felicità. L’organico orchestrale chiamato a sostenere la parte vocale nelle sezioni cantate e in generale ad accompagnare lo svolgersi della vicenda, l’Ensemble”Amici musica Cocito”, diretto dal Maestro Sergio Castroreale, è costituito da un pianoforte suonato a quattro mani (Anna Doria e Silvia Giliberto), da un quartetto d’archi ( Rebecca Bove e Ilaria Salsa violini, Silvia Rossi viola, Isabella Maria Veggiotti violoncello, quattro giovani formatisi al Conservatorio Cantelli di Novara) e percussioni, affidate a Matteo Savio, neodiplomato al Conservatorio G. Verdi di Milano. Ma il carattere che più distingue “Il piccolo spazzacamino” nella lunga e vasta storia del teatro musicale è che si tratta di un’opera per bambini, nel senso che ad essa i bambini partecipano, cantando, come voci bianche soliste e in coro, parlando, recitando, accanto agli adulti, cantanti di professione. Con questa particolarità Britten ha voluto avvicinare i bambini al mondo del teatro musicale, che pare cosi distante dagli interessi e dai gusti dell’infanzia. Ma forse il genio di Britten ha intuito che non si tratta di una distanza così incolmabile: in una sua recente pubblicazione Alberto Mattioli sostiene acutamente che alcuni aspetti dell’opera per musica ( dall’assoluta mancanza di realismo e di verosimiglianza così frequenti in tanti episodi, alla tipologia di molti personaggi) avvicinano il teatro musicale proprio al genere, tipicamente infantile, della fiaba. Non solo, ma ne “Il piccolo spazzacamino” ha un suo ruolo anche il pubblico in sala, chiamato, per così dire, a ‘entrare’ nello spettacolo, cantando quattro canzoni e partecipando così anch’esso a quel viaggio verso la libertà e la felicità di cui è protagonista il piccolo Sem. Le quattro canzoni in questione sono state saggiamente affidate in questa occasione a un coro di allievi del Liceo musicale-coreutico F. Casorati di Novara, che hanno preso posto in platea, come ‘rappresentanti’ del pubblico. L’allestimento dell’operina’, (poco meno di un’ora di durata) per cause di forza maggiore, ha costretto la regia di Paolo Bignamini e la direzione artistica di Ettore Borri a scelte indubbiamente necessarie, ma che hanno alterato profondamente la natura dello spettacolo. Non essendo il Faraggiana dotato di buca per l’orchestra, si è dovuto fare di necessità virtù e collocare tutti quanti, cantanti, coro di voci bianche, ensemble strumentale, nell’unico spazio del palcoscenico. Rendendo questo affollamento impensabile qualsiasi significativo movimento sul palcoscenico e quindi qualsiasi recitazione, la parte dialogata del libretto è stata trasformata in un testo letto da una voce narrante (Mario Cei) collocata in un palco, mentre i cantanti, professionisti e voci bianche, seduti sul palcoscenico, si alzavano e nel proscenio cantavano la loro parte. Si è perso così, purtroppo quel movimento continuo, quell’intreccio di voci che vede protagonisti i bambini e che costituisce uno degli aspetti più coinvolgenti del “Piccolo spazzacamino”. La parte musicale di questo allestimento è stata comunque apprezzabile: i cantanti, a cominciare dalle voci bianche, dell’Accademia Langhi e dei Pueri Cantores dell’Istituto Immacolata di Novara, hanno interpretato correttamente e con partecipazione il loro ruolo. L’elenco sarebbe molto lungo, ci limitiamo al nome di Sofia Capozza, un Sem en travesti, che ha dato al suo canto la giusta nota di dolore e paura. Più che dignitose le prestazioni dei cantanti professionisti: il basso Oliviero Pari e il tenore Damiano Colombo, nei ruoli rispettivamente di Nerone e di Clementino, entrambi dotati di una linea vocale pulita e ben timbrata nella tessitura propria a ciascuno dei due; il mezzosoprano Elena Caccamo, un’ottima signorina Bracco, sia sul piano musicale, con un fraseggio abile nel salire dai registri più bassi a quelli acuti, sia su quello attoriale, recitando bene la parte della sgradevole e ottusa ‘nemica’ dei bambini; il soprano Barbara Massaro, una Rosa efficace nella vocalità virata sul patetico e agile negli acuti, e il soprano Maria Grazia Aschei, una Giulietta dotata di voce limpida e di buon volume, considerata anche la giovane età. Validi i cori, sia quello delle voci bianche, in palcoscenico, diretto dal Maestro Alberto Veggiotti sia quello del ‘pubblico’ in platea, cui perdoneremo volentieri qualche sbavatura con l’ensemble orchestrale nella ‘Canzone del bagno di Sem’, ampiamente compensata da una brillante esecuzione del successivo ‘Canto Notturno’. Ci è piaciuto l’Ensemble strumentale, diretto con leggerezza e cura del dettaglio timbrico dal Maestro Castroreale, che ha valorizzato quella vena di musicalità indefinibile, fatta a un tempo di malinconia e di sottile ironia, che è propria di molto Britten e in particolare del “Piccolo spazzacamino”. Un plauso particolare al primo violino di Rebecca Bove, per l’intensità espressiva di certi suoi interventi e alle percussioni di Matteo Savio, suonate con delicatezza e raffinatezza. Lo spettacolo ha avuto successo, testimoniato sia dal folto pubblico, che riempiva la platea, sia dagli applausi prolungati e convinti tributati alla conclusione. E’ stata giustamente premiata la fatica di chi, nonostante i limiti imposti dalla struttura del teatro e dalle risorse disponibili, ha saputo confezionare uno spettacolo intelligente e capace di avvicinare i giovani e giovanissimi alla musica. Proprio come voleva Britten. (Foto dall'ufficio stampa di Novara)

29 marzo 2023 Bruno Busca

Mao Fujita, un pianista autenticamente mozartiano alle Serate Musicali

Il ventiquattrenne pianista giapponese Mao Fujita era già venuto a Milano lo scorso anno per un concerto tenuto insieme alla Filarmonica della Scala. Giovanissimo, a soli 17 anni, vinse l'importante Concorso Internazionale Clara Haskil in Svizzera e due anni dopo in Russia ottenne il secondo premio al Concorso Čajkovskij. Ieri sera in Sala Verdi, ai concerti organizzati da Serate Musicali, l'abbiamo ascoltato in un recital pianistico per un impaginato dedicato interamente a Wolfgang Amadeus Mozart. Quattro Sonate che il poco più che ventenne genio salisburghese compose tra il 1777 e il 1778, durante i suoi viaggi europei. Sono state eseguite in questo ordine la Sonata n.7 in do maggiore K 309, la Sonata n.8 in la minore K310, la Sonata n.13 in si bem.maggiore K 333 e la Sonata n.9 in re maggiore K311. Interpretazioni di alto livello quelle di Fujita, che certamente in Mozart trova un'affinita musicale sorprendente per perfezione tecnica, ricchezza di colori e di contrasti dinamici, mediati da una gestualità naturale consapevole di quello che produce. La personalizzazione delle Sonate, con frangenti in molti movimenti di eccellenza, ha trovato anche spontanei abbellimenti particolarmente centrati che hanno reso ancor più varia l'esecuzione. Pubblico entusiasta e ottimo il bis concesso, l'Allegro della Sonata n.16 K545 , quella in apparenza più facile, ma che, come accade nella musica tecnicamente più semplice, quella che deve essere maggiormente interpretata con espressività, cosa non difficile per un pianista autenticamente mozartiano come Fujita.( Foto in alto di Alberto Panzani-Ufficio stampa Serate Musicali)

28 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Antonio Alessandri e le Variazioni Goldberg di Bach per Musica Maestri in Conservatorio

Per Musica Maestri!, la rassegna organizzata nella Sala Puccini del Conservatorio milanese, abbiamo ascoltato il vincitore del Premio del Conservatorio 2022 per la categoria Giovani talenti , il pianista Antonio Alessandri. A diciassette anni appena compiuti, il giovanissimo interprete ha voluto portare un brano fondamentale della letteratura barocca -prima clavicembalistica, poi pianistica - di J.S.Bach. Le Variazioni Goldberg BWV 988, rese celebri da Glenn Gould dalle sue due storiche incisioni discografiche, sono oggi un punto d'arrivo di moltissimi pianisti affermati. Per Alessandri, certamente prodigioso nella sua attuale progressione interpretativa, le Goldberg vorrebbero essere un punto di partenza, cosa probabilmente eccessiva per via della giovane età dell'interprete. In realtà, se dimentichiamo le interpretazioni entrate nella storia di questo capolavoro arhitettonico-musicale, dobbiamo ammettere di aver trovato la restituzione di Alessandri complessivamente di ottima fattura, con frangenti di elevata qualità. Eseguita tutta a memoria, per una scelta esecutiva piuttosto dilatata in alcuni tempi -ottanta minuti la durata complessiva- l'esecuzione del giovanissimo pianista ha trovato solo pochi attimi di lievi incertezze, ma la fluidità discorsiva, specie nelle variazioni più virtuosistiche, è stata all'altezza della situazione. Una scelta coraggiosa quella del giovane pianista milanese, che ha dato i suoi frutti. Gli applausi sostenuti dal numeroso pubblico intervenuto ne sono la dimostrazione tangibile. Bravissimo!

26 marzo 2023 Cesare Guzzardella

AL VIOTTIFESTIVAL DI VERCELLI IL VIOLINISTA MARC BOUCHKOV

A un mese esatto dal recital di Kerson Leong, il Teatro Civico di Vercelli ha visto protagonista del concerto del Viotti Festival di ieri sera, sabato 25/03, un altro giovane talento del violino, il belga, ma di chiare origini russo-ucraine, Marc Bouchkov. C’è da sospettare che abbia ragione l’autore della presentazione del programma, quando scrive che stiamo vivendo una ‘età dell’oro dei solisti’: limitando tale affermazione ai violinisti, quanto abbiamo ascoltato negli ultimi tempi a Vercelli parrebbe confermarla pienamente. Il programma della serata ha visto Bouchkov nella duplice veste di solista e di direttore d’orchestra della Camerata Ducale, come Konzertmeister; dunque, niente podio e niente bacchetta: il suo posto, nei brani sinfonici, era quello del primo violino. La disposizione degli orchestrali, solo archi per tutte e tre le composizioni in programma, piuttosto singolare, vedeva in piedi i violinisti e i violisti (oltre, ovviamente, ai contrabbassisti, dietro i violoncelli): dal posto di platea da noi occupato veniva dal palcoscenico la strana impressione ottica di un confuso assembramento di violini e viole, separati dai violoncelli compostamente seduti. Non sapremmo dire se si tratti di una del tutto errata sensazione del nostro udito o di una effettiva realtà acustica, ma ci è parso che, questa disposizione degli archi producesse un volume sonoro più massiccio del solito, da orchestra sinfonica, più che cameristica. Il programma della serata si apriva con la Sinfonia per archi n.2 in Re maggiore MWV N2 di Mendelssohn, una delle dodici sinfonie, quasi tutte, salvo eccezioni, per soli archi, e quasi tutte in tre tempi, che un Mendelssohn ancor fanciullo venne componendo tra il 1821 e il 1823. La n.2 presenta il carattere che è comune alle altre undici sinfonie, e, più in generale, a tutta la musica di Mendelssohn: una limpidezza ed eleganza assolute, cui aderisce perfettamente l’esecuzione della Camerata Ducale, con la scelta dei tempi, la cura dei dettagli e la gestione delle dinamiche, particolarmente efficaci in momenti come il breve sviluppo dell’Allegro iniziale, dall’andamento nervoso, fatto di brevi incisi motivici spezzati o come l’ispirazione meditativa dell’Andante centrale. Lo stile interpretativo che Guido Rimonda ha plasmato negli anni con la “sua” orchestra, fatto di lucida eleganza e squisita finezza di sapore cameristico, trova in brani come questo il suo terreno d’elezione e Bouchkov non ha fatto che assecondarlo, affidandosi ad una compagine che ormai certe partiture potrebbe anche suonarle senza direttore. In generale l’interpretazione di questo gioiellino giovanile di Mendelssohn si è caratterizzata per la leggerezza aerea delle linee contrappuntistiche, soprattutto nell’Allegro finale, ove essa fa da sfondo al ritmo incalzante che percorre tutto il movimento. A seguire, una composizione appartenente allo stesso periodo fanciullesco dell’opera di Mendelssohn, il Concerto per violino e archi in re minore MWV O3, scritto nel 1822. Si tratta di un concerto caduto per lungo tempo nel quasi completo oblio, da cui lo trasse solo alla metà del secolo scorso il grande violinista Yehudi Menuhin, che lo inserì stabilmente nel proprio repertorio. Non si può dire oggi, tuttavia, che si tratti di un concerto di frequente esecuzione, inevitabilmente sovrastato da quel capolavoro assoluto che è il concerto in Mi minore. Tuttavia si tratta pur sempre di un’opera che, al di là delle riconoscibili influenze di modelli cui non poteva non guardare un enfant prodige del tempo, da Viotti a R. Kreutzer, è già piena manifestazione del talento di Mendelssohn. Bene ha fatto dunque Bouchkov a proporre questo pezzo, che tra l’altro presenta il pregio di non caratterizzarsi per un eccessivo virtuosismo, mantenendo i passaggi di agilità in perfetto equilibrio con le esigenze espressive, quasi a voler (apprezzabilmente, da parte nostra) evitare il ‘concerto-spettacolo’ per una prova più orientata sui valori interpretativi dell’esecuzione. Fin dall’Allegro d’apertura emergono alcune delle qualità più spiccate dello stile di Bouchkov: anzitutto il giovane solista belga sa far ‘cantare’ come pochi le quattro corde: il suo è un canto di purezza cristallina e di leggerezza incantevole, perfettamente adeguata a dare voce a quella insopprimibile componente ‘mozartiana’ che è di tutta l’arte di Mendelssohn, e in questa opera persino troppo evidente nella coda dell’esposizione. Un canto, quello del violino di Bouchkov, che sa farsi dolce e struggente, di una intensità quasi avvolgente, come nelle battute conclusive del movimento e nel mutevole trascolorare dei temi dell’Andante centrale. Ma questa cristallina purezza e morbidezza di suono è poi accompagnata da una vigorosa energia, che spicca in particolare nell’Allegro finale, dai ritmi incalzanti e funambolici. Il tutto, quasi inutile precisarlo, sostenuto da una tecnica solidissima, che emerge in particolare nei momenti virtuosistici del brano, soprattutto in alcuni episodi del primo tempo, con le loro cascate spumeggianti di arpeggi, brevi scale ascendenti e discendenti etc. etc.. Ma quello che l’ascoltatore ricorderà di Bouchkov, almeno per quel che riguarda questo concerto, non è il virtuoso, ma il grande solista, capace di donare ad un pezzo forse troppo misconosciuto, un’espressività coinvolgente sino all’emozione. L’ottima intesa tra il solista/direttore e la Camerata ducale ha permesso quella cura precisa del dettaglio timbrico e delle dinamiche, che è stato un altro merito di questa bellissima esecuzione del concerto giovanile di Mendelssohn.. Quel virtuosismo limitato nel pezzo in programma, si è preso poi la sua rivincita nel bis concesso da Bouchkov, una composizione di Ysaye, ci è sembrato di capire, ma potremmo aver inteso male, la Danse rustique ( che sarebbe poi un tempo della Sonata n.5 in Sol maggiore): un continuo sciorinare delle più ardue figurazioni violinistiche: l’ascoltatore ne resta ammirato, ma francamente non è una musica che ci scalda il cuore…A chiudere la serata la Serenata per archi in Mi maggiore op.22 di Dvorak.. La Serenata in cinque movimenti di Dvorak, ove il termine ‘Serenata’ va inteso nel significato già settecentesco-mozartiano di ‘composizione orchestrale libera, meno vincolata agli schemi della sinfonia’, unisce armoniosa eleganza della scrittura, ispirata a momenti di abbandonato lirismo, e una più robusta vena melodica ispirata al folklore boemo. Un brano che impone all’orchestra e a chi la dirige una attenzione particolare ai dettagli timbrici delle diverse sezioni degli archi, nonché ai giochi chiaroscurali delle dinamiche; aspetti entrambi curati con eccellenti risultati dalla Camerata ducale, specialmente in quelli che, almeno a nostro avviso, sono i due tempi più belli della Serenata: l’iniziale Moderato, di cui l’interpretazione ascoltata ieri sera aderisce con precisione di colori e di tempi all’andamento musicale, impostato su un intreccio a imitazioni, nel vario gioco espressivo, tra primi e secondi violini e violoncelli, che sostiene la mirabile idea lirica della prima sezione; e l’affascinante quarto movimento, un Larghetto, in cui tutte le linee degli archi vengono chiamate a cantare con una sensibilità poetica di trascinante suggestione. Neppure lo sfortunato incidente di uno strombazzante falso allarme antincendio, messosi a suonare all’improvviso per qualche minuto, ha interrotto l’incanto di questa musica. Un’ altra serata di ottima musica, donata al pubblico, come sempre accorso numeroso, dalla Camerata Ducale e dal suo ormai irrinunciabile ViottiFestival.

26 marzo 2023 Bruno Busca

Le nuove "Prove aperte della Filarmonica" al Teatro alla Scala

È iniziata al Teatro alla Scala la dodicesima edizione della rassegna "Prove aperte della Filarmonica", una serie di concerti sinfonici che precedono il concerto della Stagione ufficiale. Il concerto di ieri mattina ha visto come protagonista la pianista portoghese Maria Jõsao Pires e il direttore milanese Gianfranco Noseda per brani di Mozart, Rachmaninov e Stravinskij. Ricordiamo che gli sponsor di quest'anno oltre che lo stesso Teatro alla Scala e il Comune di Milano, sono anche Unicredit ed Esselunga . Anche i prezzi calmierati dei biglietti permetteranno di finanziare il progetto “La Scuola della Seconda Opportunità - Sicomoro I CARE”, un percorso scolastico rivolto a ragazzi e ragazze tra i 14 e i 16 anni iscritti alle scuole secondarie di primo grado e non frequentanti o a rischio di abbandono. Ieri abbiamo assistito prima al celebre Concerto per pianoforte n. 9 in mi bemolle maggiore "Jeunehomme" K 271 di Mozart, quindi a L’oiseau de feu (suite dal balletto op. 20, 1942) di Stravinskij e a conclusione alla Fantasia per orchestra op. 7 " La Roccia" di Rachmaninov. Sono tutti lavori giovanili di compositori prodigiosi che sono stati proposti interamente dalla Filarmonica di fronte ad un pubblico che riempiva il Teatro. Il brano d'inizio mozartiano, "Jeunehomme" ha visto la pianista Maria Jõsao Pires, una delle massime interpreti del prodigioso musicista salisburghese, coadivata dalla precisa direzione di Noseda. Nel successivo lavoro stravinskijano, Noseda ha rivelato ancora una voltà le sue eccellenti qualità direttoriali nei repertori più vicini ai nostri giorni e la restituzione, pur in prova generale, è stata pressochè perfetta. Il brano che in programma era centrale, è stato invece eseguito al termina della mattinata e ci ha permesso di conoscere le qualità di un  Rachmaninov ventenne, già con doti d'orchestrazione di splendida fattura. Ancora ottima la resa espressiva nei gesti essenziali e precisi di Noseda e nella restituzione dei bravissimi Filarmonici. Un successo evidente, per un'iniziativa culturale meritevole, che ha portato anche molti giovani per la prima volta alla Scala. Chi volesse sostenere l'Associazione Sicomoro è pregato di entrare nel link: https://www.fondazionesicomoro.it/come-sostenerci.html. Si ricorda che il concerto ufficiale sarà domani, lunedì 27 marzo. Da non perdere.

26 marzo 2023     Cesare Guzzardella

Giuseppe Grazioli dirige la Sinfonica di Milano nella "Vienna Sinfonica"

Particolare il concerto ascoltato ieri sera in Auditorium con l'Orchestra Sinfonica di Milano diretta da Giuseppe Grazioli. Quattro compositori in programma quali Korngold, Suppé, Lehár e J.Strauss hanno permesso una netta suddivisione di emozioni tra la prima e la seconda parte della serata. La corposa Sinfonia in fa diesis maggiore op.40 (1949-1952) di Erich Wolgang Korngold è un'assoluta rarità esecutiva. Il precoce compositore, nato in Moravia, vissuto a Vienna e naturalizzato negli Stati Uniti, conquistò una significativa notorietà internazionale grazie alle numerose colonne sonore che gli permisero importanti premi e ad alcuni lavori sinfonici come il delizioso Concerto per violino. Alcune opere vengono spesso eseguite, altre, come questa sinfonia, anche per la sua poca immediatezza, non trovano grande interesse nelle sale da concerto. In realtà l'interessante lavoro è di ottima fattura e meriterebbe maggiore diffusione. L'Op.40 ha un linguaggio decisamente personale, definito da una splendida orchestrazione, elogiata in passato anche da Gustav Mahler. Grazioli ne ha elargita un' ottima interpretazione, minuziosa e attenta ai dettagli, e la restituzione orchestrale ha trovato la giusta sintesi discorsiva nell'impegnativo lavoro -suggestivo e ricco di tensioni emotive- che si sviluppa nei classici quattro movimenti. Il clima musicale ha visto un deciso cambiamento dopo l'intervallo, con lo spirito più leggero legato al mondo dei valzer viennesi. La Straussiana (1953) di Korngolg trova un deciso riferimento con il mondo dei tre quarti , così come l'Ouverture da Il poeta e il contadino (1846) di Franz von Suppé, l'Ouverture da La Vedova allegra (1905) di Franz Lehár e l'Ouverture da Il Pipistrello (1874) di Johann Strauss. Sono tutti lavori che legano tra di loro arie spesso celebri in una sintesi musicale che è piaciuta molto ai presenti in sala. Un mondo musicale di grande leggerezza ma anche di raffinate sonorità, ben colte e restituite con passione da Giuseppe Grazioli. Applausi dal numeroso pubblico presente in Auditorium. Domenica, alle ore 16.00, si replica. Da non perdere.

25 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Julian Rachlin violinista e direttore per I Pomeriggi Musicali

Da alcuni anni il violinista lituano Julian Rachlin è alla ribalta internazionale per le sue qualità d'interprete. Negli ultimi anni si è anche affermato come direttore d'orchestra. L'impaginato scelto per l'Orchestra de I Pomeriggi Musicali prevedeva due lavori celebri quali il Concerto per violino e orchestra n.2 in mi minore op.64 di Mendelssohn e la Sinfonia n.7 in la maggiore op.92 di Beethoven. Il ruolo di violinista e direttore nel primo brano ha rivelato soprattutto le qualità solistiche del virtuoso, che ricordiamo si è formato a Vienna, città dove vive da molti anni. La melodicità del concerto, nei classici tre movimenti legati tra loro senza soluzione di continuità, ha nel violino il polo dominante d'attenzione, pur essendo il concerto - composto da Mendelssohn nel 1844- dotato di un'orchestrazione particolarmente pregnante con valenza certamente sinfonica. L'ottima interpretazione ascoltata ha evidenziato un solista raffinato ed elegante, non voluminoso, ma con coerenti modi di controllare il timbro ricco dello strumento, con dinamiche varie e precise in ogni dettaglio. Ottima l'integrazione con tutte le sezioni orchestrali per una miscelazione timbrica di eccellente resa. Applausi fragorosi dal pubblico presente al Dal Verme e un ottimo bis -malgrado l'improvvisa disturbante forte tosse di una spettatrice- con la nota Sarabanda dalla Partita n.2 in re minore di Bach eseguita in modo interiorizzato e luminoso. Dopo il breve intervallo, Rachlin si è dimostrato un ottimo direttore d'orchestra nell'estroversa Settima Sinfonia beethoveniana, composizione che ebbe la prima esecuzione nel dicembre 1813. Il clima musicale, completamente in contrasto con la raffinata leggerezza del concerto mendelssohniano, ha mostrato una direzione intensamente partecipe, dove Rachlin, con gestualità risoluta, ha messo in risalto le timbriche anche fragorose dei movimenti più estroversi. Pregnante di espressività il geniale celebre Allegretto, movimento di una bellezza scultorea ben calibrata da Rachlin per l'ottima restituzione dell'Orchestra de I Pomeriggi. Calorosi applausi dal pubblico con ripetute uscite del violinista-direttore in palcoscenico. Sabato alle ore 17.00 la replica. Da non perdere!

24-03-23 Cesare Guzzardella

Mariangela Vacatello e il Quartetto Prometeo per la "Società dei Concerti"

Il programma previsto per il concerto di ieri sera, per l'organizzazione della Società dei Concerti, ha dovuto subire un improvviso cambiamento per l'indisposizione del secondo violino del Quartetto Prometeo, il violinista Aldo Campagnari, sostituito con poco preavviso da Daniele Orlando. È rimasto nell'impaginato il Quintetto in la maggiore op.81 di Dvořák, mentre come primo lavoro il più celebre Quintetto in mi bem. maggiore op.44 di Schumann ha sostituito il meno eseguito Quartetto in re minore di Wolf. Un programma certamente interessantissimo, con due lavori importanti che hanno trovato al pianoforte la nota pianista campana Mariangela Vacatello. É ovvio citare anche gli altri tre membri del Prometeo: il violinista Giulio Rovighi, la violista Danusha Easkiewicz e il violoncellista Francesco Dillon i quali hanno trovato in Daniele Orlando un violinista di ottima resa interpretativa e perfettamente inserito. Il Quartetto Prometeo, noto anche nel repertorio contemporaneo di cui sono assidui frequentatori, ha trovato una splendida sinergia con Mariangela Vacatello per due interpretazioni di eccellente qualità complessiva. La fluida discorsività, rilevata in entrambi i lavori, era intrisa di una leggerezza d'insieme evidente, pur nell'evidenzazione dei sottoli contrasti dinamici. Gli andamenti, spesso rapidi, hanno trovato una chiarezza espressiva di alto livello. I due capolavori cameristici sono stati riletti da una modernità interpretativa che li rende nuovi nella loro bellezza. Applausi fragorosi dal pubblico presente nella Sala Verdi del Conservatorio milanese e come bis è stato riproposto lo splendido Scherzo-Furiant Molto Vivace del Quintetto di Dvořák. Splendida serata.

23-03-23 Cesare Guzzardella

Il Festival 5 Giornate al Museo del Novecento

Il valido concerto organizzato ieri pomeriggio al Museo del Novecento era inserito nel contesto del "Festival 5 giornate" che si sta svolgendo in questi giorni a Milano. Concerti, incontri e dibattiti dedicati alla musica nuova avvengono in varie parti della città. Nella Sala Fontana del Museo di Piazza Duomo, la pianista e compositrice Rossella Spinosa e il soprano Ilaria Torciani, esponenti del New Made Ensemble, hanno eseguito due brani: il primo era un omaggio ad Azio Corghi, musicista recentemente scomparso, con Le Viòire per soprano e pianoforte, quindi di Sylvano Bussotti il duo ha proposto Un poema del Tasso. Entrambe ottime le interpretazioni, con una valida resa coloristica della voce femminile in entrambi i lavori. Quindi è stata la volta del pluri-sassofonista Mario Marzi in un programma nel quale ha rivelato ancora una volta le sue notevoli qualità virtuosistiche alternando i sassofoni soprano, tenore e baritono. Partendo da Luis de Pablo-Bach con Solo kunste fugue , si è passati all'interessante Piangere la pietra costruito sulla lettura di un testo di Edoardo Sanguineti (lettura registrata con voce del poeta) "Laborintus n.14" e musica per sax baritono di Fernando Mencherini. Una progressione ritmica di note varie e pregnanti ha sottolineato l'originale ermetico testo. A seguire abbiamo ascoltato un lavoro per sassofono soprano composto da Rossella Spinosa e dedicato a Mario Marzi, in Prima esecuzione assoluta, denominato Novità. È un brano di ampio respiro con cambiamenti melodici e ritmici eseguiti in modo scorrevole ed espressivo. Il successivo cupo, melodioso, pregnante, Notturno è una composizione giovanile del noto compositore Luca Francesconi di ottima qualità. Quindi l'interessantissimo brano di Marzi-Notaro, Fratelli d'Italia, costruito sull'Inno di Mameli, ci ha rivelato i potenziali espressivi e tecnici del sassofono tenore mediati da un virtuosismo superlativo dell'interprete. Un brano che vuole essere una denuncia alle incoerenze esistenti nel nostro Paese rese benissimo dalle sonorità, anche stridenti, del voluminoso strumento. A conclusione un'ottima profusione ritmica ricca di accenti con Maceo di Ned Rothenberg, ha concluso l'ottimo pomeriggio. Applausi sostenuti nella Sala al completo.

22 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Piotr Anderszewski alle Serate Musicali

Torna tutti gli anni il pianista polacco Piotr Anderszewski ai concerti organizzati da Serate Musicali. La scelta dell'impaginato è sempre diversificata con autori che vanno dal barocco al '900 storico. Anche ieri sera, in Sala Verdi nel Conservatorio milanese, Piotr Anderszewski ha voluto inquadrare il programma in un periodo compreso tra il '700 e il 1950. Iniziando con la Partita n.6 in mi minore BVW 830 (1730) di J.S.Bach (1685-1750) interpretata con equilibrio e coerenza con uno stile personale ben interiorizzato, è passato poi al suo connazionale Karol Szymanowski (1882-1937) interpretando cinque Mazurche (n.ri 3-7-8-5-4) dall'Op.50. Sono brani tonali particolarmente profondi concepiti alla fine degli anni '20 che partendo dal folclore polacco, vicino a quello ceco e ungherese, ritrovano un linguaggio personale definito da toni poetici cupi che l'interprete ha ben rimarcato nella valida restituzione. Il brano più recente, del 1936-37, le Variazioni op.27 di Anton Webern(1883-1945) usano una seria dodecafonica che stravolge completamente il linguaggio tonale e pone l'attenzione su altri parametri. Anderszewski ha interpretato in modo eccellente le Tre variazioniche formano l' Op.27, utilizzando una gamma infinita di colori, con sostenuti sottili cambiamenti dinamici e mettendo in evidenza anche le note più isolate. Senza soluzione di continuità ha poi legato l'Op.27 all'ultimo brano in programma, la Sonata n.31 in la bem.maggiore op.110 (1821-22) di L.v. Beethoven (1770-1827). L'ottima interpretazione complessiva della celebre sonata, nel personale corretto equilibrio, ha trovato la miglior resa nella parte più bachiana del lavoro la Fuga.Allegro, ma non troppo conclusivo, nel quale è emersa un'energia espressiva particolarmente intensa. Applausi sostenuti dai presenti e tre bis concessi: un efficace Bartòk con il Folk Song Ungherese n.3, il Preludio BWV 881 dal primo libro del Clavicembalo ben temperato di Bach e la Bagatella n.1 op.126 di Beethoven. Applausi fragorosi dal pubblico presente in Sala Verdi.

21 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Anna Netrebko e Elena Bashkirova al Teatro alla Scala per Rimskij-Korsakov, Rachmaninov e Čajkovskij

Il ritorno di Anna Netrebko al Teatro alla Scala è stato accolto con entusiasmo da una sala al completo. Ad armonizzare le splendide melodie dell'impaginato scelto - tutto russo- l'eccellente pianista moscovita Elena Bashkirova ha sottolineato mirabilmente il canto del celebre soprano lirico, per un' integrazione musicale di rara bellezza e raffinatezza. Il programma, molto corposo, prevedeva brani di Rimskij-Korsakov, Rachmaninov e Čajkovskij. Del primo russo sono state selezionate dodici liriche indicative della musica di Rimskij, tra cui Chi nel silenzio della notte, brano introduttivo, l'Inno al sole dal Gallo d'oro e, a conclusione, Sogno di una notte d'estate. La Netrebko oltre che ad interpretare con timbrica ricca di colori le melodie del primo russo, molte di esse di raro ascolto, ha voluto esternarle con gestualità attoriale particolarmente marcata, muovendosi per il palco in ogni sua parte e dimostrando una padronanza e sicurezza espressiva che ha pochi uguali. Anche le pagine dedicate a Rachmaninov con sette brani, tra cui la nota Oh non piangere, Paolo mio e le numerose romanze da camera di Čajkovskij, ben otto, con la conclusiva Den’ li tsarit -Che sia di giorno - hanno messo in rilievo le integre qualità vocali della cinquantaduenne cantante. Il suo personale modo interpretativo, con i suoi evidenti modi teatrali, sostenuti dalla sua trentennale esperienza nei maggiori teatri del mondi, ha conquistato il pubblico scaligero che con immenso entusiasmo ha elargito applausi interminabili. La Netrebko e l'eccellente Bashkirova visibilmente soddisfatte, hanno concesso due ottimi bis: il primo di Sergej Rachmaninov da Francesca da Rimini e quindi di Franz Lehár "Mein Lippen" da Giuditta. Memorabile.

20 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Lucas & Arthur Jussen al Teatro Gerolamo

Oggi, prima della replica del concerto in Auditorium , i fratelli Jussen hanno intrattenuto il pubblico del Teatro Gerolamo per una mattinata musicale di eccellente qualità. Insieme a loro anche alcuni strumentisti della Sinfonica di Milano quali Luca Santaniello al violino e Giovanni Marziliano al violoncelli, insieme a Sandro Ceccarelli al corno e al serbo Nemanja Stanković al violoncello, sono intervenuti in alcuni brani. Lucas & Arthur Jussen hanno ancora una volta rivelato le loro formidabili qualità pianistiche nella Sonata per due pianoforti in Re maggiore K448 di W. A. Mozart e nell' Andante e Allegro brillante per pianoforte a quattro mani op.92 di Felix Mendelssohn. Esecuzioni di estrema sintesi e precisione formale definite da una espressività di primo livello con una sincronia d'intervento formidabile. Di ottima qualità anche il Notturno dal Trio per pianoforte D897 di Franz Schubert eseguito con Lucas Jussen al pianoforte, Luca Santaniello al violino e Nemanja Stanković al violoncello e anche l'Andante e variazioni e op.46 di Robert Schumann con la originale e particolare formazione che vedeva i fratelli Jussen ai pianoforti, i violoncelli di Stanković e di Marziliano e il corno di Stefano Ceccarelli. Una rarità esecutiva quella di Schumann che ha la parte pianistica dei Jussen sempre in primo piano nell'alternanza delle rispettive variazioni con il sostegno dei violoncelli e del sonoro corno nel rinforzo melodico in alcune di esse. Applausi sostenuti al termine del programma ufficiale e uno straordinario bis per due pianoforti con un pot-pourri di Strauss-Roma di brani novecenteschi. Pubblico entusiasta.

19 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Alfonso Alberti e Dado Moroni in confronto all'Atelier Musicale all'Auditorio G.Di Vittorio della Camera del Lavoro

Si è conclusa la XXVIII° Stagione di "Atelier Musicale" con un concerto particolarmente riuscito tenuto all'Auditorium "G. Di Vittorio", in Porta Vittoria, denominato "IL Pianoforte tra il Novecento europeo e il Jazz americano" . Due specialisti dei rispettivi settori quali Alfonso Alberti e Dado Moroni si sono alternati nell'intenso programma proposto, mostrando ai numerosissimi intervenuti due diverse angolazioni musicali dell'interpretazione pianistica del Novecento. Come sottolineato da Maurizio Franco, che ha introdotto il concerto, la musica colta contemporanea ha come elementi imprescindibili - quasi sempre- le partiture e l'aderenza al testo scritto, mentre nel jazz la parte più preponderante è l'elemento improvvisatorio che di volta in volta cambia e modifica il brano. I compositori scelti dai due ottimi interpreti sono stati Debussy, Stravinskij, Schönberg, Stockhausen, Ligeti, Sugiyama per Alfonsi Alberti e Waller, Ellington, Strayhorn, Monk, Powell, Evans e McCoy Tyner per Dado Moroni. Alberti, dopo il brano introduttivo ricco d'atmosfera con La cathedrale engloutie di Debussy, ha scelto brani spesso vicini alle ritmiche e alle percussive sonorità del jazz come Cirkus Polka di Stravinskij o Allegro Barbaro di Bartók, arrivando poi ai nuovi linguaggi di Schönberg con l'Op.19, di Stokhausen con il Klavierstüke VIII, a Ligetì con L'escalier du diable o il Canone. Al termine del suo percorso ha interpretato l'interessante e recente brano di Y. Sugiyama, presente in sala, con il suo Intermezzo VI. Un lavoro quest'ultimo particolarmente valido. Dado Moroni nella sua carellata di compositori Jazz, tutti anche importanti storici pianisti, ha proposto alcuni brani nel quale la componente improvvisatoria ha rimarcato il suo raffinato stile interpretativo, noto internazionalmente, ricco di creatività. Tutti validi i brani eseguiti da Moroni, estrapolando nei brani finale temi ben personalizzati da Monk, Bil Evans e il conclusivo McCoy Tyner. Un tardo pomeriggio molto interessante per il raffronto tra modi interpretativi diversi ma di ottima qualità. Applausi calorosi in una sala al completo e come bis breve improvvisazione a quattro mani dei due pianisti.

Cesare Guzzardella     19 marzo 2023

Lucas & Arthur Jussen in un brano di Fazil Say in Auditorium

Sono tornati in Auditorium i fratelli olandesi Lucas & Arthur Jussen per eseguire un recente brano dal musicista e pianista turco Fazil Say. Say, nato ad Ankara nel 1970, è un compositore e interprete assai noto che da anni viene a Milano per interpretare brani classici e i suoi lavori. Nel 2020 ha scritto Anka Kuşu (la Fenice) per pianoforte a quattro mani e orchestra. È dedicato ai fratelli Jussen, pianisti di talento sia nelle esecuzioni classiche che in brani contemporanei, spesso scritti appositamente per loro. L'Orchestra Sinfonica di Milano era diretta dall'italiano Vincenzo Milletarì, impegnato successivamente nella celebre Sinfonia n.9 in mi minore op.95 "Dal nuovo mondo" di Antonin Dvorak. Il brano introduttivo di Say, dalla durata di sedici minuti, è nel tipico linguaggio del compositore. È una scrittura che unisce gli stilemi culturali occidentali a quelli orientali, in una sintesi discorsiva originale e personale. Anka Kuşu op.97 è un lavoro di grande effetto, anche per l'impatto volumetrico espresso sia dal pianoforte a quattro mani che dalla sostenuta componente orchestrale. I due giovani interpreti hanno restituito con viscerale energia un lavoro giocato su una ritmica irregolare e su una percussività che utilizza il pianoforte in modo completo. Entrambi i pianisti spesso pizzicano o percuotono le corde nella cassa armonica, secondo una procedura tipica di molti brani di Say. Alcuni elementi melodici, dal timbro orientale, specie nelle battute intoduttive, si alternano ad operazioni percussive, anche operate dagli archi oltre che dalle percussioni, in un brano che in alcuni frangenti può ricordare il Sacre stravinskijano. L'originalità della composizione, ricca di tensione, ha trovato un'eccellente restituzione da parte dai solisti e degli orchestrali ottimamente diretti da Milletarì e il numeroso pubblico presente alla replica di ieri sera ha appludito con convinzione gli interpreti. I due fratelli hanno poi concesso due eccellenti bis: prima lo straordinario brano della compositrice polacca Hanna Kulenty (1961) denominato VAN, e poi Le Jardin féerique da Ma mère l'oye di Maurice Ravel nella sua splendida trascrizione a quattro mani. Dopo il breve intervallo siamo passati da ponte Oriente-Occidente di Say a quello dell'Occidente europeo con gli Stati Uniti della celebre Nona Sinfonia "Dal nuovo mondo" (1893) di Dvorak. Milletarì ha proposto un'interpretazione ricca di energia, di grande effetto soprattutto nei movimenti laterali, Allegro e Allegro con fuoco. Applausi fragorosi dal pubblico. Domani, alle ore 16.00, l'ultima replica. Da non perdere.

18 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Una rassegna di successo: "Il Pianoforte in Ateneo" dell'Università Cattolica inizia con la pianista Leonora Armellini

Grande successo all'inaugurazione della rassegna musicale "Il Pianoforte in Ateneo". Nella prestigiosa Aula Magna dell'Università Cattolica di Milano anche quest'anno è iniziata la serie d'incontri pianistici organizzati da Davide Cabassi, concertista e docente di pianoforte al Conservatorio milanese e dal prof. Enrico Reggiani, Ordinario alla Cattolica, con la collaborazione di Kawai Italia, la nota casa produttrice di pianoforti che ha messo a disposizione per le occasioni un eccellente Shigeru Kawai. Sei i concerti in programma, tutti preceduti da una serie d'incontri a cura dello Studium Musicale d'Ateneo dell'università, tenuti dallo stesso Reggiani. Ospite della prima serata la bravissima Leonora Armellini, nel 2021 premiata al prestigioso "Concorso Internazionale Chopin di Varsavia" con una meritata quinta posizione. L'impaginato scelto prevedeva musiche di Bach, di Prokof'ev e di Chopin. I brani, nell'inconsueto ma corretto ordine scelto dalla pianista, sono stati preceduti da un intervento di Cabassi e di Reggiani e quindi da un'ottima introduzione all'ascolto da parte dello stesso Reggiani che ha messo in rilievo efficacemente alcune peculiarità dei brani in programna: la Fantasia cromatica e Fuga di J.S.Bach, la Sonata n.2 op.14 di S. Prokof'ev e la Sonata n.3 op.58 di F.Chopin. La Armellini ha quindi eseguito con incredibile disinvoltura i tre virtuosistici lavori dimostrando qualità di primo livello in tutte le differenti interpretazioni. Partendo dalla creativa e improvvisatoria Fantasia cromatica (1720) bachiana, con il suo architettonico sviluppo nella relativa Fuga, l'interprete è passata alle geometrie della neoclassica, cubista e moderna Sonata del grande russo. È un lavoro del 1912 che ha un legame stretto con le architetture musicali del genio tedesco, per quel evidente senso costruttivo che unisce i quattro movimenti rendendo la Sonata unitaria. La Armellini, con grinta ed energica gestualità, ha eseguito e superato con facilità ogni situazione virtuosustica, dimostrando un'eccellente attitudine alla musica di Prokof'ev. La nota Sonata n.3 in si minore (1844) di Chopin, ultima del genere, ci ha portato in un clima musicale caro alla trentenne pianista padovana. L'affinità dell'Armellini con la musica del genio polacco è assai nota. L'ottima interpretazione del corposo lavoro ha avuto poi un seguito con due bis ancora di Chopin: prima lo Studio n.1 op.25 e poi probabilmente il più celebre valzer del grande compositore e pianista: il Grande Valzer brillante in Re bem.maggiore elargito con una discorsività e una leggerezza al top. Applausi fragorosi dal pubblico entusiasta in un'aula al completo. Il prossimo appuntamento sarà il 27 aprile, alle ore 20.45, con il pianista Nicolas Giacomelli, vincitore del Concorso Shigeru Kawai. Musiche di Schumann e di Medtner. Da non perdere!

17 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Un nuovo brano di Filippo Del Corno e la Sinfonia "Pastorale" di Beethoven ai Pomeriggi Musicali

L'anteprima ascoltata in mattinata al Dal Verme, cui farà seguito il concerto di questa sera e la replica di sabato pomeriggio, vedeva il direttore James Feddeck alla guida dell'Orchestra "I Pomeriggi Musicali" per una Prima esecuzione assoluta di un nuovo lavoro orchestrale di Filippo Del Corno. Dopo l'esperienza impegnativa di Assessore alla cultura di Milano degli scorsi anni, il musicista milanese è tornato alla sua professione originaria di compositore producendo un interessante brano titolato A coda di rondine, una nuova commissione de I Pomeriggi Musicali. Il brano ha anticipato la celebre Sinfonia n.6 "Pastorale" di L.v. Beethoven, un accostamento lecito, viste le caratteristiche del brano di Del Corno. Quindici minuti di musica che ha notevoli riferimenti con lo spazio, gli ambienti aperti in un dialogo continuo tra le diverse sezioni orchestrali e i singoli strumenti che alternativamente entrano in gioco. L'inizio del brano, piuttosto cupo, con gli ottoni cui si oppongono le timbriche più gravi degli archi, fanno entrare poi in gioco tutta l'orchestra per un introduzione movimentata, piuttosto fragorosa e priva di baricentro, pur nel contesto tonale. L' arrivo di un tema di sole due note ripetute molte volte ci porta in un sorte di ambiente timbrico minimale ma ben costruito e di maggiore distensione. La sovrapposizione di più linee melodiche dei successivi legni rendono ancora l'ascolto di piacevole comprensione. Non mancano poi momenti più concitati nei quali le sezioni orchestrali creano situazioni anche visive dal carattere piuttosto cinematografico, con tensioni emotive spiccate. Un brano ricco di idee, dai colori nordici, che andrebbe chiaramente riascoltato per una maggiore interiorizzazione , ma che anche dal primo ascolto offre piacevoli sensazioni. Applausi ai protagonisti e anche al compositore salito in palcoscenico. La successiva Sinfonia "Pastorale" beethoveniana non ha certo bisogno di presentazioni. Feddeck e gli orchestrali hanno proposto una valida esecuzione dei quattro straordinari movimenti che compongono il celebre lavoro. Ottime tutte le sezioni dell'orchestra e bravi i solisti nei celebri riconoscibili interventi. Ancora applausi convinti dal numeroso pubblico intervenuto.

16 marzo 2023  Cesare Guzzardella

Paul Lewis in Conservatorio per la Società dei Concerti

Da anni il pianista inglese Paul Lewis si dedica ai classici, con una prevalente attenzione per le composizioni di Beethoven e Schubert. Ieri sera, nella valida serata organizzata dalla Società dei Concerti milanese, ha proposto tre sonate del viennese Franz Schubert (1797-1828) e precisamente, in ordine d'esecuzione, la Sonata n.15 D840, la Sonata n.13 D664 e la Sonata n.16 D845. Mentre la n.15 in do maggiore rimase incompiuta, con solo i primi due ampi movimenti completati, la n.16 in la minore, composta nello stesso anno 1825, è di ampie dimensioni e trovò il giusto completamento. Lewis, classe 1972 di Liverpool, ebbe tra i suoi insegnanti anche il grande Alfred Brendel, dal quale ha ereditato alcune modalità interpretative oltre che a certa gestualità. Il suo è certamente uno Schubert di spessore. Tra le tre sonate eseguite, ci è sembrata di più pregnante qualità e formalmente perfetta quella eseguita dopo il breve intervallo, la D845. Qui Lewis ha rivelato la migliore concentrazione per definire al meglio ed in modo eccellente i quattro movimenti tra cui, a completamento della grande sonata, il Rondò.Allegro vivace espresso in modo mirabile per discorsività, leggerezza ed equilibrio delle parti. Applausi fragorosi dal pubblico presente, purtroppo non numerosissimo, e molto bello il bis concesso, il Momento musicale n.6 "Allegretto" D780 donatoci con evidente meditata espressività.

16 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Ancora successo alla Scala per Bohème

Dal 1963 c'è al Teatro alla Scala la Bohème per la regia di Zeffirelli e dal 2000 quella con i costumi di Piero Tosi. Nel centenario dalla nascita di Franco Zeffirelli la Scala ha voluto tornare sull'opera pucciniana riproponendo una messinscena celebre, che nella sua forma tradizionale continua a riempire i teatri di tutto il mondo. Il pienone era annunciato anche alla quarta rappresentazione vista ieri sera, sempre con grande interesse. Il successo meritato di queste rappresentazioni ha visto oltre alla collaudita regia - ripresa da Marco Gandini- e scenografia di Zeffirelli, i costumi di Tosi ripresi da Anna Biagiotti, con luci di Marco Filibeck, un ottimo cast vocale che ha visto Marina Rebeka in Mimì. Il soprano si è imposto con un timbro elegante nella semplicità del personaggio, ottimo in ogni registro; disinvolto ed efficace Freddie De Tommaso in Rodolfo, con voce chiara ed intensamente espressiva. Luca Micheletti, annunciato con problemi di salute e di voce , ha comunque assolto bene il ruolo di Marcello e di valore anche il baritono Alessio Arduini in Schaunard e il basso Jongming Park in Colline. Decisamente all'altezza del ruolo Irina Lungu, una Musetta brillante e timbricamente incisiva. La Lungu dalla prossima recita prenderà il ruolo di Mimì. Ottimi le altre voci e sempre di grande rilievo il coro preparato da Alberto Malazzi. Si rimane perplessi dalla concertazione della direttrice Eun Sun Kim che ha espresso volumetrie incisive ma poco calibrate nei differenti momenti che l'opera impone riducendo al minimo i lievi e i diversificati contrasti dinamici. Poco pucciniana la sua resa complessiva. Nel complesso una serata riuscita che è stata molto applaudita dal teatro completo. Le prossime recite sono previste per il 16, 19, 22 e 26 marzo. Questa sera invece la prima delle sei rappresentazioni d Les Contes D'Hoffmann di Jacques Offenbach. Da non perdere! (Foto di Brescia e Amisano dall'Archivio della Scala)

15 marzo 2023 Cesare Guzzardella

ll duo Hakhnazaryan-Tchaidze alle Serate Musicali del Conservatorio

È un duo di notevoli qualità quello formato dal violoncellista armeno Narek Hakhnazaryan e dal pianista russo Georgy Tchaidze. Erano già venuti ospiti di Serate Musicali negli anni scorsi. Ieri sera hanno impaginato un programma importante che prevedeva l'Adagio e Allegro in la bem.maggiore op.70 di Robert Schumann - nella versione con violoncello- la Sonata n.1 in mi minore per violoncello e pianoforte op.38 di Johanbes Brahms e la Sonata in sol minore op.19 di Sergej Rachmaninov. Certamente è una coppia affiatata e in piena sinergia musicale. Le complesse armonizzazioni dei tre lavori hanno trovato la voce dolce, pacata ed espressiva dell'ottimo violoncello di Narek. Nell'op.70 di Schumann, l'eccellente equilibrio del duo ha trovato il corretto dosaggio coloristico per un'interpretazione trasparente e di pacata espressività. La celebre sonata di Brahms ha visto il tempo un po' dilatato dell'Allegro non troppo eseguito in modo chiaro, formalmente ineccepibile, ma mancante di quella componente estemporanea che spesso si ritrova in Brahms. Di eccellente qualità la Sonata op.19 di Rachmaninov. Un lavoro di ampio respiro composto nel 1901 dopo il celebre Rack 2, da un compositore che aveva trovato un grande successo sia come interprete pianista che come creatore di note, dopo il primo periodo incerto d'attività. Il carattere concertante, dominato dalle armonizzazioni del pianoforte, ha trovato nella coppia d'interpreti un resa chiara, precisa con situazioni di grande esternazione espressiva. Applausi calorosi ed ottimi i bis concessi: prima con la Romanza di A. Scriabin e poi con un'eccellente brano armeno di grande impatto folcloristico: l'Impromptu del compositore Alexander Arutiunian. Ancora applausi intensi.

14 marzo 2023 Cesare Guzzardella

L'Orchestra Sinfonica del Conservatorio di Milano diretta da Vitaly Alekseenk interpreta Damiani, Rachmaninov e Čajkovskij

Un valido impaginato è stato ottimamente sostenuto dalla Sinfonica del Conservatorio milanese. La prima esecuzione assoluta di un brano di Leonardo Damiani (1991), compositore vincitore nel 2022 del Primo premio di Composizione al Conservatorio milanese, ha introdotto la serata. Il suo Del saper stare nell'attesa per pianoforte e orchestra ci è apparso di ottima fattura. La sua composizione ha trovato come protagonista il pianoforte. La componente orchestrale ha ben sottolineato gli interventi virtuosistici sostenuti con grinta ed efficacia da Simone Zorini, studente del Conservatorio milanese. Zorini, pianista estroso, si è trovato particolarmente a suo agio in questo lavoro non facile, ricco di contrasti, nel quale lunghe note si oppongono a repentine successioni di scale rese con energico nitore dal pianista. Simone ha poi concesso un applaudito bis con lo Studio da concerto n.1 op.40 del russo Nicolai Kapustin. Dopo il brano introduttivo l'atteso Concerto per pianoforte e orchestra n.2 in do minore di Sergej Rachmanoniv ha trovato un'ottima esecuzione nella direzione di Alekseenok e dal protagonista al pianoforte.. Diego Petrella ha interpretato con eccellente sintesi discorsiva il celebre Rack 2, concerto tra i più eseguiti al mondo per la quantità di melodie romantiche presenti nei tre movimenti e per l'organizzazione virtuosistica melodico-armonica del grande musicista russo. L'interiorizzazione completa di ogni dettaglio ha permesso una restituzione di qualità da parte del giovane pianista, vincitore in passato del premio del Conservatorio milanese. Eccellente il bis concesso da Petrella con il semplice e geniale Mignon dall'Album della gioventù op.68 di Robert Schumann. Applausi fragorosi. Dopo l'intervallo ottima la resa orchestrale della Suite da Lo Schiaccianoci di Čajkovskij. Ricordiamo che il concerta era a sostegno del progetto di AVSI -HELP SIRIA, per immediati aiuti umanitari alle popolazioni che hanno subito il terremoto in Siria e in Turchia. Chi volesse fare una donazione può entrare in rete: https://www.avsi.org/cosa-puoi-fare-tu/dona-ora?amount=25&donation_type=one-off

13 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Maria Perrotta allo Spazio Teatro 89

In via Fratelli Zoia 89, nel grazioso ed elegante Spazio Teatro 89, la pianista Maria Perrotta, affermata interprete internazionale, ha eseguito il suo J.S. Bach con la monumentale Arte della Fuga BWV 1080. È un lavoro conclusivo del Sommo compositore tedesco che riassume il suo mondo architettonico-musicale. Ripensata nel 1749 da una precedente elaborazione, L'Arte della fuga rimase incompleta, pur nella sua lunga parte conclusa, ed è stata concepita come composizione astratta, pensata per qualsiasi organico strumentale. La splendida resa pianistica, che ha oramai numerosi eccellenti interpreti di riferimento, ha trovato anche nella pianista cosentina che vive a Parigi, un sicuro riferimento interpretativo. La Perrotta, premiata in importanti concorsi internazionali come il prestigioso "Rina Sala Gallo", aveva già avuto grandi soddisfazioni con le bachiane Variazioni Goldberg, variazioni premiate anche in un' eccellente incisione discografica. Ieri, nel tardo pomeriggio, con uno splendido pianoforte Shigeru Kawai, ha fornito un'esecuzione di primo livello alternando i venti numeri che compongono il capolavoro bachiano con tocco leggero, meditato ed intenso. Contrappunti, Canoni e una Fuga a 3 soggetti finale, sono stati elargiti con eccellente equilibrio formale, caricati da scorrevole espressività, mediata da uno studio approfondito e completo. L'intreccio delle parti, nell'apparente facile resa, è in realtà una complessa costruzione di trasformazione tematica dovuta all'immensa creatività del genio di Eisenach. Grande successo per la toccante interpretazione, esternato con lunghi applausi nel teatro affollato da un pubblico molto attento e competente.

13 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Il pianista Antonio Alessandri ai Pomeriggi Musicali per Mendelssohn

Avevo ascoltato esattamente nel marzo del 2022 l'allora sedicenne Antonio Alessandri al Dal Verme nel Concerto K415 di Mozart rimanendo sorpreso per la grande musicalità del giovane interprete. Ieri, nella replica del sabato del Dal Verme, sempre con la valida Orchestra de I Pomeriggi Musicali, questa volta diretta da George Pehlivanian, il diciasettenne Alessandri, da poco compiuti,i ha rivelato una maggiore maturità interpretativa in un concerto pianistico più virtuosistico quale il n.1 in Dol minore op.25 di Felix Mendelssohn. La brevità del lavoro, meno di venti minuti la durata, non esclude la notevole ricchezza d'idee del musicista amburghese per un brano, nei classici tre movimenti, brillanti e di grande impatto sonoro. Il giovane Antonio ci ha stupito per la sua capacità di penetrazione del non facile materiale musicale, espresso con grinta e rapidità nei movimenti laterali: Molto allegro con fuoco e Presto. Allegro vivace. Profondo e riflessivo l'Andante centrale, che dimostra un deciso progresso nelle qualità espressive del pianista. Sorprendenti poi i due bis concessi con un efficace Studio di Chopin, il n.5 Op10 e l'Allegro da Petruska di Igor Stravinskij, entrambi di eccelso virtuosismo reso con facilità discorsiva e pregnanza espressiva dal giovanissimo prodigio. Applausi calorosi dal numerosissimo pubblico intervenuto. Il pomeriggio musicale prevedeva anche un'introduzione con la Sinfonia dal Barbiere di Siviglia di Rossini, resa molto bene dell'orchestra nella valida direzione di Pehlivanian. Dopo l'intervallo, valida la resa complessiva della Serenata in re maggiore Haffner k.250, otto movimenti eseguiti con tutti i ritornelli per un lavoro in stile galante di raffinato intrattenimento. Nel secondo, terzo e quarto movimento, l' Andante, il Minuetto e il Rondò, abbiamo apprezzato il fine intervento solistico del primo violino de I Pomeriggi: Alessandro Braga. Applausi sostenuti dal pubblico a tutti i protagonisti.

12 marzo 2023     Cesare Guzzardella

 

Il War Requiem di Britten diretto da Vasily Petrenko in Auditorium

Una grande scenografia formata dall'Orchestra Sinfonica di Milano, dal Coro Sinfonico e dal Coro di voci bianche di Milano ha dato spessore ad una delle opere più grandiose di Benjamin Britten. Il War Requiem Op.66 venne composto dal compositore inglese nel 1961 e diretto da Britten stesso per la prima volta nel maggio del '62. L'organico prevede la presenza anche di tre voci soliste di soprano, tenore e baritono. Ieri sera la raffinata direzione del russo Vasily Petrenko è stata completata dalla direzione del Coro di voci bianche di Maria Teresa Tramontin -Coro localizzato nella parte bassa della galleria- a da quella del Coro sinfonico con Massimo Fiocchi Malaspina. L'eccellenti voci soliste ascoltate erano quelle del soprano Heather Engebretson, del tenore Gwilym Bowen e del baritono-basso Robert Bork. L'eccellente resa complessiva ha trovato la precisa e dettagliata direzione di Petrenko che ha esaltato le ottime qualità degli orchestrali e in generale di tutte le voci. Il monumentale lavoro di Britten, nato per commemorare la ricostruzione della cattedrale di Coventry in Inghilterra, distrutta dai bombardamenti tedeschi nel 1940, intreccia caratteri non solo religiosi ma anche profondamente laici mettendo in risalto i valori universali dell'uomo. L'Op.66 riassume tutto il linguaggio tipico di Britten, con quelle sonorità personalissime e quella bellezza coloristica che ritroviamo anche nelle sue opere liriche e nella sua musica sinfonica e cameristica. I momenti di grande coralità si alternano a quelli sia intimi che estroversi delle voci soliste,spesso sottolineate dagli interventi solistici dei singoli o di piccoli gruppi di strumenti. L'interpretazione di alto livello della Sinfonica di Milano, dei Cori e delle voci soliste hanno lasciato un segno agli spettatori intervenuti in Auditorium che hanno tributato al termine lunghi e fragorosi applausi. Domani, domenica alle ore 16.00, la replica. Da non perdere!

11 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Musiche di Gustav Mahler e di Carlo Galante dirette da Dario Garegnani in Conservatorio per Serate Musicali

Una serata di particolare interesse quella organizzata da Serate Musicali in Sala Puccini, nel Conservatorio milanese. "Il lied della vita celeste"- Concerto per la pace, prevedeva l'esecuzione della Sinfonia n.4 in sol maggiore di Gustav Mahler nella versione per orchestra da camera e voce di Erwin Stein (1885-1958). Una trascrizione fedele all'originale che venne eseguita negli anni '20 in casa di Arnold Schönberg, maestro di Stein, il quale propose all'allievo la versione da camera della celebre sinfonia. L'opera di Mahler è stata preceduta da un brano del compositore milanese Carlo Galante (1959) denominato Delirius Charter, due canzoni e un intermezzo per soprano e orchestra da camera su testi di Emily Dickinson. Entrambi i lavori hanno trovato l'interpretazione della Società Filarmonica Raudense "Giulio Rusconi" diretta da Dario Garegnani, con l'apporto solistico del soprano Beatrice Binda. La valida interpretazione della Quarta di Mahler ci ha rivelato le interessanti timbriche emerse nella versione da camera. Una Quarta ancor più popolare, edulcorata da una certa raffinatezza orchestrale, e immersa in un contesto quasi "da strada" o da piccolo ambiente, che fa emergere contrasti più netti mediante i dodici strumenti che eseguono il lavoro. Rimane indubbiamente la fedeltà alla partitura originale con cambiamenti volumetrici e dei colori. L'ottima direzione di Garegnani, interprete specializzato nella musica contemporanea, ha sottoliniato l'avvincente voce del soprano Beatrice Binda, presente nel quarto e ultimo movimento, La vita celeste, il momento complessivamente più fedele timbricamente all'originale orchestrale. La stessa formazione e la pregnante voce della Binda sono stati partecipi del valido lavoro di Carlo Galante. Delirius Charter si sviluppa su due testi della poetessa statunitense Emily Dickinson (1830-1886): Fra le mie dita tenevo un gioiello e Delirante atto ( Delirius Charter), collegati da un breve Intermezzo strumentale. La musica di Galante, tra la "sospensione onirica e l'entusiasmo delirante" si specchia con i testi della Dickinson e si rivela ricca di espressività. La componente strumentale, nelle timbriche dal taglio espressionista, ben sottilinea la decisa, chiara e incisiva voce di Beatrice Binda. Applausi a tutti i protagonisti in entrambi i lavori dal numeroso pubblico intervenuto in Sala Puccini. Ottima serata.

10 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Lorenzo Viotti dirige la Filarmonica della Scala in Haydn, Korngold e R.Strauss

Abbiamo più volte visto Lorenzo Viotti alla direzione della Filarmonica della Scala. Ieri, nella prima replica, l'ascolto di un programma sinfonico diversificato e di efficace impatto sonoro prevedeva, come brano introduttivo, il classicismo di Joseph Haydn con la sua Sinfonia n.104 "London" in Re maggiore, una alle sue 12 Sinfonie londinesi. L'energica e, nello stesso tempo, elegante direzione di Viotti ha fatto emergere lo spessore coloristico degli scaligeri per un'esecuzione di rilievo che ha esaltato il carattere brillante del lavoro composto da Haydn nel 1795. L'allargamento della compagine orchestrale, dopo il breve intervallo, per due lavori più virtuosistici quali il Concerto per violino e orchestra in Re maggiore op.35 di Erich Korngold e il poema sinfonico Tod und Verklärung op. 24 d Richard Strauss, ci ha permesso di ascoltare un'orchestra più completa e allargata, certamente di ottima qualità. Il violinista Marc Bouchkov, belga di origini russo-ucraine, ha rivelato le sue ottime qualità virtuosistiche ed espressive ben sottolineate dalla direzione di Viotti. L'Op.35 del compositore nato in Moravia e naturalizzato statunitense e affermato nel mondo delle colonne sonore, è un brano del 1945 molto eseguito dai virtuosi di violino, un brano che ha una componente orchestrale importante per uno stile complessivo tardo romantico, con riconoscibili momenti folcloristici, tipici americani, presenti nel movimento finale Allegro assai vivace. La scorrevolezza della parte solistica di Bouchkov e la sua incisività nell'esporre le pregnanti melodie, hanno mostrato un interprete di primo livello. Eccellente anche il bis solistico concesso da Bouchkov con un brano di Ernst, The last rose of summer. L'ultimo brano in programma, il poema per grande orchestra Morte e trasfigurazione di Richard Strauss è del 1888-89, ed è stato eseguito ottimamente da ogni sezione orchestrale, per un complessivo timbrico di evidente qualità. Applausi meritatissimi a tutti i protagonisti. Sabato, 10 marzo, l'ultima replica. Da non perdere.

9 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Il Quartetto David Oistrakh e Elisso Virsaladze alle Serate Musicali

Lo straordinario concerto di ieri sera in Conservatorio, organizzato da Serate Musicali, ha visto una formazione cameristica di primo livello affrontare due pagine importanti quali - in ordine di esecuzione- il Quintetto in sol minore per pianoforte ed archi op.57 di Dmitri Šostakovič e il Quintetto in mi bem. maggiore per pianoforte ed archi op.44 di Robert Schumann. Il Quartetto David Oistrakh, formato da quattro solisti russi nei nomi di Andrey Baranov, violino, Rodion Petrov, secondo violino, Fedor Belugin, viola e Alexej Zhilin, violoncello, ha avuto l'approvazione del grande virtuoso russo Oistrakh per dare il proprio nome all'eccellente Quartetto d'archi. Ai quattro archisti si è aggiunta una pianista fuoriclasse quale la georgiana Elisso Virsaladze, da decenni presente ai concerti di Serate Musicali. Il primo brano, l'op.57 del grande musicista russo è del 1940 e rappresenta un ritorno di Šostakovič alla chiarezza della forma di stampo neoclassico, ma in uno stile inconfondibile tipico del grande sinfonista e camerista. L'interpretazione esemplare fornita dai cinque strumentisti è di quelle memorabili per discorsività, trasparenza timbrica ed equilibrio delle parti. Raramente si ascolta una cifra interpretativa di pari livello. Dopo il breve intervallo è stato eseguito il Quintetto op.44 di Schumann, opera dedicata alla moglie Clara. Composto nel 1841, appartiene ad un periodo felice e ricco di lavori del musicista tedesco. La vivacità del quintetto e il riferimento continuo a melodie folcloristiche dal carattere brillante ed estroverso, come nello Scherzo. Molto vivace o nell'Allegro ma no troppo finale, si ritrova prima nella fondamentale parte pianistica, resa con chiara espressività dalla Virsaladze, sostenuta poi dagli archi in modo da creare un concertato in cui si alternano, con grande ricchezza di idee, le parti musicali. Un' interpretazione rapida, energica e ritmicamente ricca, ha ancora esaltato le qualità della sorprendente formazione. Applausi fragorosi dal pubblico entusiata. Da ricordare a lungo.

7 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Al Teatro Dal Verme meritato successo per Il Telefono e La Medium di Gian Carlo Menotti

Una valida iniziativa quella di portare in scena due lavori un po' dimenticati di Gian Carlo Menotti: Il Telefono & La Medium. In tre date distinte, al Teatro Nuovo di Varese, al Teatro Dal Verme di Milano e,il 9 marzo, al Teatro Politeama di Pavia, sono state e verranno (a Pavia) interpretati i lavori che il grande compositore italiano, autore anche del libretto, ideò rispettivamente nel 1947 e nel 1946. Noi le abbiamo viste ed ascoltate ieri pomeriggio a Milano. Musicalmente hanno caratteristiche comuni, con una maggiore leggerezza e brillantezza nel breve "Il telefono" e con più impegno nel più corposo "La Medium", due atti ,quest'ultimo, da circa trenta minuti ciascuno. Le grandi qualità del compositore di Cadegliano (Varese) le conosciamo. Menotti (1911- 2007), fondatore nel 1958 del celebre Festival dei Due Mondi di Spoleto e poi della versione statunitense del medesimo Festival, è notevole nella musica lirica. Anche in queste due opere, dai contenuti attualissimi, si coglie l'unità stilistica perfetta tra testo, canto e musica orchestrale, musica espressa in modalità prevalentemente cameristiche ma di grande impatto melodico e ritmico. Menotti prese il meglio dal neoclassicismo stravinskjano, ma anche da certa atonalità dei viennesi, trovando poi una sintesi personale nella quale la melodicità, molto italiana, trova largo spazio. La valente Orchestra Canova diretta con precisione ed energia da Enrico Saverio Pagano, ha in modo eccellente proposto le musiche delle due piece teatrali, eseguite senza soluzione di continuità, coadiuvati da un cast vocale di ottima qualità nel quale certamente spiccava la voce del mezzo-soprano Manuela Custer, accellente anche attorialmente nel ruolo di Madame Flora, la Medium. Ma bisogna segnalare le ottime voci degli altri protagonisti, emerse anche grazie alla valida regia teatrale di Serena Nardi, che è riuscita nel medesimo ristretto spazio a proporre due ottime messinscene, la prima particolarmente colorata, con il rosso dominante. La precisa e corposa voce da soprano di Sabrina Cortese è risultata chiarissima ne Il telefono, nel ruolo di Lucy/ Mrs.Gobineu; altrettanto di valore la voce del baritono Giacomo Nanni in Ben/Gobineau. Ne La Medium segnaliamo l'ottima voce del soprano Maria Eleonora Caminada in Monica, pregnante anche nel celebre Valzer di Monica; di ottima qualità, anche attorialmente, il mezzo-soprano Ilaria Molinari, una perfetta Mrs. Nolan e bravissimo l'attore-mimo Samuele Satta in Toby. Bravi anche tutti gli altri presenti in scena. Un successo meritatissimo per tutti i protagonisti, subissati, al termine, dai fragorosi applausi del numeroso pubblico pervenuto in teatro. Due lavori che per l'ottima qualità proposta meriterebbero ulteriori date.(Foto Alberto Panzani)

6 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Alondra de la Parra e Felix Klieser per la Sinfonica di Milano

Due valide ragioni per assistere ancora al concerto proposto dall'Orchestra Sinfonica di Milano ieri sera, e in replica domenica alle ore 16.00: la presenza della direttrice messicana Alondra de la Parra e quella dello straordinario cornista Felix Klieser, dedicatario del primo brano in programma di Rolf Martinsson. Il compositore svedese Martinsson, classe 1956, è in Italia pressochè sconusciuto, ma è autore di un'invidiabile quantità di ottimi brani, soprattutto orchestrali, tra cui il Concerto per Corno e Orchestra Soundscape- A Walk in Colours (2022), recentissima composizione, ieri in Prima Esecuzione Italiana. Il dedicatario Klieser, è un virtuoso musicista tedesco di 32 anni che suona il corno francese aiutandosi con i piedi, perché nato senza braccia, ed è riconosciuto come uno tra i maggiori interpreti di corno francese. Il Concerto Soundscape di Martinsson è caratterizzato da una rilevante orchestrazione, voluminosa e tagliente nelle timbriche,interrotta da numerosi interventi del corno attraverso una scansione di note chiare e luminose, rese splendidamente da Klieser. È proprio in questo contrasto tra la volumetrica coralità orchestrale, ottimamente diretta da Alondra de la Parra, e i colori intensi delle note del corno messe in risalto con sorprendente chiarezza espressiva da Klieser, che il concerto, scritto molto bene dallo svedese, risulta avvincente. Applausi meritatissimi e un ottimo bis solistico per Klieser con un brano da Caccia di Rossini. Dopo il breve intervallo i fragori del Sacre du printemps di Igor Stravinskij hanno esaltato le qualità della Sinfonica di Milano, diretta in modo energico e tagliente dalla bravissima direttrice messicana. Un'interpretazione, la sua, che ha messo in risalto i contrasti ritmici e timbrici del capolovoro del grande russo. Al termine applausi fragorosi dal pubblico presente in Auditorium e numerose uscite in palcoscenico della direttrice d'orchestra. Replica domenicale da non perdere!

4 marzo 2023 Cesare Guzzardella

Ai Pomeriggi Musicali Alessandro Cadario con la pianista Viviana Lasaracina

Un impaginato diversificato con brani di Gabriel Fauré (1845-1924), di César Franck ( 1822-1899) e di Felix Mendelsshon (1809-1847) è quello in programma ed ascoltato ieri sera al Dal Verme, al concerto diretto da Alessandro Cadario con l'orchestra de I Pomeriggi Musicali. Il clima melanconico dei primi due lavori, la celebre Pavane op.50 di Fauré e le rare Variazioni sinfoniche per pianoforte e orchestra di Franck, unitamente al primo movimento della celebre Sinfonia n.3 "Scozzese" di Mendelsson, si è interrotto con l'arrivo dell'estroverso Vivace non troppo del medesimo brano sinfonico. L'ottima direzione di Cadario in tutti i brani, espressa con gesto elegante ed indicazioni discrete e precise hanno portato a valide interpretazioni e tonica resa in ogni sezione dell'orchestra. I tenui e spesso cupi colori della Pavana in fa diesis minore, un Andante molto moderato, hanno trovato poi un clima simile nelle successive Variazioni Sinfoniche, brano che ha avuto come protagonista la pianista pugliese Viviana Lasaracina. Allieva di quella scuola pianistica del sud italia che sta dando molti frutti in termini interpretativi, la pianista di Monopoli ha trovato un ottimo dosaggio coloristico definito da una tecnica precisa e composta. In valida sinergia con l'orchestra ha espresso in modo nitido ed efficace le non facili Variazioni Sinfoniche del musicista belga, vissuto però quasi sempre in Francia. Di ottima resa il bis solistico concesso con un brano di Rachmaninov, il n.2 dei Moments musicaux op.16, ricco di una energia virtuosistica che hanno rivelato ancor più le eccellenti doti dell'interprete. Dopo l'intervallo, ottima la resa interpretativa della Scozzese mendelssohniana, tra le sinfonie più eseguite ultimamente a Milano. Applausi particolarmente vivaci e ripetuti dal pubblico presente al Teatro Dal Verme. Sabato, alle ore 17.00, la replica. Da non perdere.

3 marzo 2023 Cesare Guzzardella

INAUGURATO A NOVARA IL FESTIVAL FIATI 2023

Oggi, 2 marzo, nella sala concerti Olivieri del Conservatorio G. Cantelli di Novara, si è inaugurata l’annuale stagione del Festival Fiati, una delle più significative iniziative della vita musicale della città piemontese. Istituito e organizzato dal locale Conservatorio (di cui ricorrono i 40 anni dalla fondazione), giunto ormai alla sua XX stagione, il Festival Fiati novarese per circa due mesi chiama a raccolta Maestri italiani ed internazionali di alto livello per un fiorire di masterclass per i vari strumenti a fiato, aperti anche a studenti o neodiplomati di tutta Italia, non solo del Conservatorio novarese. Questa intensa attività didattica è accompagnata da una nutrita serie di concerti serali, naturalmente aperti al pubblico, solistici o cameristici, che vedono protagonisti i Maestri impegnati nell’attività didattica. Il concerto inaugurale di questa sera vedeva protagonista il clarinettista Calogero Palermo: primo clarinetto presso una delle più prestigiose orchestre europee, la Royal Concertgebouw di Amsterdam, il Maestro Palermo vanta una brillante serie di riconoscimenti in vari concorsi internazionali, nonché un’intensa attività concertistica di livello internazionale in formazioni da camera e come solista, accompagnata da un altrettanto intensa attività didattica. Nel concerto di ieri sera il Maestro Palermo era accompagnato dal quartetto d’archi Eos, costituito nel 2016 da neodiplomati del Conservatorio romano di S. Cecilia: Elia Chiesa e Giacomo Del Papa violini, Alessandro Acqui viola, Silvia Ancarani violoncello. Anche questa formazione giovanile ha alle spalle una ricca attività concertistica in Italia e in Europa, accompagnata da importanti riconoscimenti in numerosi concorsi, su tutti il premio Farulli 2018. Il programma presentava due capolavori assoluti e assai celebri fra i quintetti per clarinetto e archi: il Quintetto in LA Magg. KV581 di W.A. Mozart e il Quintetto in Si min. op.115 di J. Brahms. E’ stato un concerto di ottimo livello, in cui Palermo ha interpretato al meglio il ruolo che entrambi i compositori attribuiscono al clarinetto, sia pur con le ovvie differenze di stile: valorizzando al massimo il timbro sfumato e morbido dello strumento, realizzare una tessitura espressiva di introspettiva delicatezza. Ma queste due gemme della musica di tutti i tempi non vivono del solo suono del clarinetto: sia Mozart, sia Brahms concedono notevole indipendenza agli archi, in un dialogo alla pari con lo strumento a fiato, creando impasti timbrici sempre vari e mutevoli. Dunque un elogio, per la buona riuscita del concerto, va tributato anche ai giovani quartettisti dell’Eos, sempre puntuali e rigorosi nelle entrate e nel rispetto dei tempi e delle dinamiche, e, soprattutto, molto bravi nel creare quella tessitura timbrica particolare che interagisce mirabilmente col clarinetto. I momenti più alti del concerto sono stati a nostro avviso i primi due movimenti del Quintetto di Mozart e, ancora, i primi due movimenti di quello di Brahms. L’Allegro iniziale del KV 581 è stato eseguito con incantevole grazia e dolcezza e morbidezza di respiro, le qualità più caratteristiche del clarinetto nell’impiego che ne fa Mozart: in particolare, nell’esposizione del secondo tema, dopo l’introduzione del primo violino, il suono del clarinetto del Maestro Palermo, in tonalità minore, si fa stupendamente chiaroscurato, creando, sopra il tappeto armonico-timbrico degli archi, un’‘atmosfera’ quasi incantata. L’intensa cantabilità dell’Andante diventa, nell’esecuzione di Palermo e degli archi dell’Eos, lirismo purissimo e profondo, soprattutto nelle due sezioni esterne del movimento, ove domina il clarinetto, suonato dal Maestro Palermo con trasognata dolcezza, sostenuto dal delicatissimo fraseggio degli archi in sordina. Per quanto riguarda Brahms, a quanto si è detto a proposito delle peculiarità timbriche del clarinetto ‘mozartiano’, va aggiunta quella nota che è invece tipicamente brahmsiana, quella vena di tenera e sfumata malinconia, che nel quintetto per clarinetto ed archi tocca il suo apice appunto nei due primi movimenti. Bravissimo Palermo nello sfruttare le potenzialità dello strumento, per creare questo mondo sonoro tipicamente brahmsiano, prima incidendo con raffinata delicatezza il motivo della breve introduzione, che poi diventa il motivo conduttore dell’Allegro iniziale, poi esponendo con timbrica densa e coinvolgente espressività il secondo tema. Le qualità del Maestro Palermo e degli archi dell’Eos, in particolare il primo violino di Andrea Chiesa e il violoncello di Silvia Ancorani, si mostrano nella loro pienezza nell’Adagio seguente, in cui, nella prima sezione, è ancora il clarinetto, ma in un dialogo delicatissimo col primo violino, a realizzare un clima di abbandono sereno ad un non so che di dolcemente malinconico, che avvolge i momenti più alti di questo monumento musicale. Abbiamo indicato pochi esempi a nostro parere particolarmente indicativi di un modo di suonare che ci è piaciuto molto e che non ha mai conosciuto incertezze o sbavature, ma si è sempre mantenuto ad un ottimo livello esecutivo, diremmo perfetto nella cura del dettaglio timbrico e nel controllo dei vari e sempre cangianti registri dinamici di entrambe le partiture. Al termine del concerto, gli applausi scroscianti e prolungati del folto pubblico presente, formato prevalentemente da studenti e docenti del Conservatorio, ha sottolineato il pieno successo della serata e ha ottenuto un bis: una breve composizione di Fauré per clarinetto e archi, che un commosso Maestro Palermo ha voluto dedicare al collega Sandro Tognatti, apprezzatissimo docente di clarinetto al Cantelli, prematuramente scomparso nel 2021, vittima di una reazione mortale al vaccino anticovid Astra Zeneca (allora ne parlarono i giornali di tutt’Italia). Un bellissimo pezzo, sfumato dai cromatismi e intriso di malinconia. Un’ottima serata inaugurale, che conferma una volta di più la validità e l’importanza di una manifestazione come il Festival Fiati in una città, come Novara, in cui la vita musicale “pubblica”, quella dei concerti, langue un po’ troppo…

2 marzo 2023 Bruno Busca

La SWD Philharmonie al Conservatorio milanese

Il variegato concerto proposto dalla Fondazione La Società dei Concerti in Conservatorio ha visto la partecipazione della Südwestdeutsche Philharmonie Kostanz diretta da Gabriel Venzago per un impaginato diversificato che prevedeva ad introduzione un brano di Matteo de Soldà commissionato dalla Società concertistica milanese costruito su musiche di Ennio Morricone. La Suite "Omaggio a Ennio Morricone" è un' ottima orchestrazione dei più celebri brani del grande Maestro romano organizzata in uno stile concertante utilizzando tre strumenti solisti quali il violino, il flauto e il pianoforte. I celebri temi, eseguiti senza soluzione di continuità per oltre dieci minuti, sono stai interpretati molto bene dalla compagine orchestrale e dai tre solisti: il primo violino e il primo flauto dell'orchestra ed il pianista cinese Antonio Chen Guang. Il brano successivo di Joseph Haydn era la nota Sinfonia n.102 in si bem.maggiore appartenente alla serie delle "12 Sinfonie londinesi". È nel tipico stile classico del musicista e trova nell'ultimo movimento, Finale.Presto, il momento più alto e di grande impatto timbrico. Ottima l'esecuzione ascoltata. Dopo il breve intervallo il brano più atteso dal mumeroso pubblico presente in Sala Verdi era certamente il Concerto n.5 in mi bem. maggiore op.73 "Imperatore" di L.v. Beethoven, avente come solista al pianoforte ancora Antonio Chen Guang. L'ottima direzione di Gabriel Venzago e la valida resa della SWD Philharmonie ha trovato il preparatissimo Chen Guang- classe 1994- in grande forma per un'interpretazione tecnicamente ineccepibile, giocata su una sicurezza d'esternazione di alto livello, ricca di tensioni discorsive efficaci, dove l'elargizione musicale trovava eccellenti contrasti dinamici certamente d'intensa espressività. I momenti più concitati dell'Allegro iniziale e del Rondò finale hanno visto una raffinata melodicità nello splendido Adagio un poco mosso centrale. Le poche note, centellinate benissimo dal bravissimo interprete in questo Adagio, hanno sottolineato la genialità di Beethoven, capace di creare il sublime anche con pochi mezzi. Di valore l'interpretazione complessiva. Due i bis solistici concessi dal pianista: un'efficace e dettagliata Corrente bachiana dalla Partita n.6 in Mi minore BWV 830 resa con sottile raffinatezza timbrica e il celebre Gretchen am Spinnrade di Schubert-Liszt ben interiorizzato dall'ottimo interprete e restituita con valida resa interpretativa. Applausi fragorosi a tutti i protagonisti.

2 marzo 2023 Cesare Guzzardella

FEBBRAIO 2023

Diego Petrella interpreta La Monte Young al Museo del Novecento

Tra i molteplici concerti organizzati nella Sala Fontana del Museo del Novecento milanese in collaborazione con NoMus e la Società del Quartetto, oggi abbiamo assistito ad una vera e propria performance, soprattutto visiva oltre che musicale. Il pomeriggio denomito Fluxus e legato alla relativa mostra d'arte contemporanea "Fluxus arte per tutti" presente al museo e organizzata dalla Fondazione Bonotto, ha avuto come protagonista il pianista Diego Petrella, interprete già affermato per le sue qualità performative nei repertori classici e contemporanei. Pietrella ha proposto un lavoro del musicista statunitense La Monte Young datato 1960 e legato alle esperienze di quel periodo storico che trova in John Cage e nella scuola di Darmstadt i riferimenti più significativi. Composition 1960 è un lavoro concettuale dove la parte visiva, l'azione dell'interprete, la recitazione e una certa scenografia hanno preponderanza sull'elemento sonoro, inteso come suono o rumore. All'interno del brano, che secondo le indicazioni del compositore-regista, deve durare esattamente 45 minuti, avvengono situazioni sonore e gestuali in cui è invatato a partecipare anche il pubblico. Negli spazi luminosissimi di Sala Fontana, con la splendida vista del Duomo e della piazza, il numerosissimo pubblico intervenuto ha preferito assistere alla perfomance, anche se qualche fotografo o pochi spettatori hanno intralciato, come comunque previsto, gli spazi di movimento del giovane interprete, per l'accasione anche lettore-attore e mimo. All'interno del brano erano inserite brevi sequenze di brani di Cage e di Bussotty e Pietrella ha inserito anche due minuti di uno splendido Schumann. Applausi sostenuti dal numeroso pubblico presente per un lavoro figlio di un periodo storico che ci sembra molto lontano nel tempo. Bravissimo Petrella!

28 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Kolja Blacher e amici per Chausson e Brahms ai concerti di "Serate Musicali"

Avevo visto Kolja Blacher a metà gennaio dirigere la Sinfonica di Milano in un bellissimo concerto dove venivano eseguiti una Serenata di Leonard Bernstein e la Sinfonia Scozzese di Mendelssohn. Ieri sera invece, in qualità di violinista, lo abbiamo ritrovato accanto a cinque colleghi nel raro Concerto in re maggiore per violino, pianoforte e quartetto d'archi di Ernest Chausson (1855-1899). Il brano del compositore francese è del 1889-91 e risente molto del tardo romanticismo francese e tedesco con spunti che ricordano musicisti come Franck, Brahms ma anche Wagner. Un lavoro particolarmente riuscito in tutti i quattro movimenti che lo compongono, interpretato con impeto ed espressività dai sei strumentisti, con Blacher nel ruolo di violino solista. Di rara raffinatezza il secondo movimento: Sicilienne. Pas Vite. Il concerto organizzato da Serate Musicali prevedeva nella seconda parte della serata uno tra i Quintetti più celebri e frequentati quale il Quintetto in fa minore op.34 di Johannes Brahms. Nella formazione era presente ancora Kolja Blacher al primo violino, quindi Christph Von Der Nahmer, secondo violino, Kyoungmin Park, viola, Claudio Bohórquez, violoncello e Suwook Kim al panoforte. Interpretazione di ottima resa in un equilibrio delle parti di alto livello. Nel primo brano era anche presente l'ottimo violinista Christoph Streuli. Un concerto che per qualità interpretativa meritava una Sala Verdi al completo, ma...le cose belle spesso sono una prerogativa di pochi. Splendida serata. Ricordiamo il concerto del prossimo lunedì 6 marzo, con il Quartetto David Oistrakh e la straordinaria pianista georgiana Elisso Virsaladze nei quintetti di Šostakovič e di Schumann. Da non perdere! ( Foto di Alberto Panzani- Ufficio stampa Serate Musicali)

28 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Grande successo al recital di Vittorio Grigolo alla Scala

Un recital tutto romantico per il tenore Vittorio Grigolo quello di ieri sera al Teatro alla Scala. Nella prima parte della serata solo compositori italiani con introduzioni ed arie d'opera di Donizetti e Verdi, nella seconda i francesi con Gounod, Massenet e Bizet. L'aretino quarantacinquenne Grigolo, accanto ad una valida pianista quale la geogiana Mzia Bachtouridze, ha entusiasmato il pubblico scaligero controllando la voce ma anche il palcoscenico. È un uomo di spettacolo il tenore toscano: gli piace muoversi sul palcoscenico da una parte all'altra per incontrare maggiormente gli occhi del pubblico di platea e guadagnarsi i meritati applausi. Mia Bachtouridze, oltre ad accompagnare il celebre cantante, ha avuto intimi momenti solistici eseguendo Puccini con un Foglio d'album e poi l'Intermezzo dalla Manon Lescaut, quindi la celebre Meditation da Thais di Massenet e l'Entr'acte da Carmen. Ottima la resa espressiva della solista che ha trovato insieme al tenore un'esemplare sinergia. Grigolo ci ha donato il suo consolidato ed apprezzato stile vocale in arie celebri non facili, tra le quali citiamo Spirito gentil. ne' sogni miei da la Favorita di Donizetti, Quando le sere al placido, da Luisa Miller, Ma se m'è forza perderti da Ballo in Maschera, Amor sublime amor...Ah sì, ben mio da Trovatore, tutte verdiane; quindi Salut, demeure chaste er pure dal Faust di Gounod, En fermant les yeux e Je suis seul!...da Manon di Massenet, Le fleur que tu m'avais jetée da Carmen di Bizet e a conclusione Tuote mon âme est lá..pourquoi me réveiller da Werther di Massenet. Applausi ripetuti da un pubblico entusiasta e come bis un classico di Ernesto De Curtis sul testo di Domenico Furnò , Non ti scordar di me (1935) cantato, nella parte centrale, insieme ai numerosi spettatori intervenuti. Serata di successo.

27 febbraio 2023     Cesare Guzzardella

Yulia Berinskaya e Alessandra Ammara alla rassegna "Lieti Calici"

Si rivela sempre più un grande successo la rassegna musicale organizzata da Mario Marcarini agli Amici del Loggione di via Silvio Pellico 6. L'affollamento di pubblico della tarda mattinata di oggi sono la riprova della validità di questi incontri che oltre a farci ascoltare ottima musica permettono un eccellente aperitivo finale di saluto. Due valide interpreti quali la violinista Yulia Berinskaja e la pianista Alessandra Ammara cia hanno datto l'assaggio di un prossimo loro Cd in uscita, interpretando due note Sonate per violino e pianoforte di Johannes Brahms, rispettivamente la n.2 in la maggiore op.100 e la n.3 in re minore op.108. Due esecuzioni di qualità eseguite con grinta dal voluminoso violino della Berinskaya e con timbro sicuro, asciutto e ben delineato dalla Ammara. Eccellente l'intesa tra le due protagoniste. Applausi fragorosi e ben due ottimi bis con due tra la più celebri Danze ungheresi del genio amburghese, rispettivamente la n.2 e la n.5. Consigliamo vivamente l'iscrizione agli Amici del Loggione del Teatro alla Scala. Prossimamente importanti novità di calendario.

26-02-23 Cesare Guzzardella

A VERCELLI IL VIOLINO STELLARE DI KERSON LEONG

Ieri sera, 25 febbraio, nuovo appuntamento al Teatro Civico di Vercelli col XXV Viotti Festival: un appuntamento d’obbligo, per ascoltare dal vivo un violinista che ha ormai acquistato vasta risonanza internazionale, anche se, stranamente, sinora è stato poco presente nelle sale da concerto italiane: parliamo del venticinquenne canadese Kerson Leong, il cui concerto vercellese di ieri sera è l’unico recital previsto per quest’anno nel nostro Paese, il che spiega, tra l’altro, l’affluenza di numerosi ascoltatori da fuori Vercelli. Il programma della serata era impaginato in modo piuttosto singolare, in quanto diviso in due parti nettamente distinte: la prima di esse era costituita da due sinfonie, la celeberrima Sinfonia n.40 in sol min. KV 550 di Mozart e la meno celebre, eppur bellissima, Sinfonia in Re minore op.12 n.4 G506 (1771) di L. Boccherini. Protagonista di questa prima parte del concerto è ovviamente l’orchestra Camerata Ducale guidata da Guido Rimonda. La seconda parte della serata è stata dominata dal Guarneri del Gesù di Kerson Leong, chiamato a mostrare cosa sa fare il suo violino con tre pezzi tra i più impegnativi mai scritti per questo strumento: Zigeunerweisen (Zingaresca) op.20 di P. de Sarasate, l’Invierno Porteño, uno dei neotanghi più celebri di Astor Piazzolla, nell’arrangiamento per violino e orchestra, e infine i“ Palpiti” in LA magg. op.13 di Paganini, variazioni sul tema della cabaletta “Di tanti palpiti” del Tancredi di Rossini. Più che apprezzabile l’esecuzione della sinfonia mozartiana ascoltata ieri. La direzione di Rimonda si è distinta anzitutto per l’ energia incisiva del suono, che ha disegnato con nettezza e vigore la plasticità dei temi che caratterizza questo mirabile capolavoro, in particolare l’inconfondibile primo tema dell’Allegro iniziale e quello dell’Allegro assai finale, e più in generale per l’efficace adesione alla tensione drammatica che percorre tutta la sinfonia. In secondo luogo per lo stacco dei tempi, che non solo disegna nettamente l’architettura contrappuntistica e la densità armonica che impronta la partitura di questa sinfonia mozartiana, soprattutto nelle sezioni di sviluppo dei tre movimenti in forma-sonata (cioè tutti, salvo il Minuetto). Infine, da sottolineare la cura raffinata dei dettagli timbrici e dinamici, per cui basterà qui citare il delizioso dialogo proposta/risposta, tra archi, clarinetti e fagotti del secondo tema dell’Allegro molto iniziale e in generale, il vario gioco della linea dei fiati – di particolare rilievo in questa partitura- diretto con sicurezza dalla bacchetta di Rimonda. Nel complesso una sinfonia 40, questa propostaci da Rimonda, che stempera l’ispirazione ‘tragica’ con quella raffinata eleganza cameristica, che è la cifra ormai consolidata dello stile esecutivo della Camerata Ducale. Molto interessante e intelligente la scelta di accostare questo monumento del sinfonismo mozartiano ad un gioiello del sinfonismo italiano del ‘700, la Sinfonia , di Boccherini nota come “La casa del diavolo”, dal tema contenuto nell’ultimo dei tre tempi in cui la sinfonia è suddivisa, che Boccherini riprende dall’ultimo numero della musica per il balletto “Don Giovanni” di Gluck ( e Gluck stesso sfruttò anche per la “Danza delle Furie” nell’Orfeo). E’ questa, una splendida sinfonia, che non sfigura nel paragone con il capolavoro di Mozart e suscita qualche rimpianto nell’ascoltatore all’idea di cosa avrebbe potuto creare il nostro Boccherini, se avesse coltivato più a fondo le sue indubitabili qualità di sinfonista. .Non esitiamo a definire splendida l’esecuzione della Camerata Ducale, capace di interpretare al meglio l’altissima tensione drammatica che ispira questa composizione, soprattutto nei due tempi estremi. Rimonda si attiene coerentemente a questa linea interpretativa, con l’incisività e il vigore con i quali fa disegnare all’orchestra il vibrante primo tema e lo sviluppo dell’ Allegro, densamente elaborato in un fitto dialogo tra le linee strumentali, che la limpidezza di suono dell’orchestra vercellese restituisce in modo perfetto soprattutto negli archi, tra i quali in questa partitura hanno un ruolo di primo piano i violoncelli, subito in scena col tema dell’Andante sostenuto introduttivo, esposto in piano dai violoncelli divisi, un piano, che sotto la bacchetta di Rimonda, diviene un mesto sussurro carico di suggestione.. Dopo un Andantino con moto in cui si esaltano le qualità interpretative della Camerata Ducale nel delicato, raffinatissimo gioco del ritmo puntato dei soli archi, di pretta natura cameristica, è nel Finale Allegro assai che Rimonda e la sua orchestra toccano l’acme della loro esecuzione: lo stacco impetuoso ed energico dei tempi, l’incisività dei continui contrasti agogici e dinamici, hanno dato a questa pagina un pathos drammatico ineguagliabile, facendone un capolavoro: gli applausi sfrenati e prolungati del pubblico hanno sottolineato l’emozione e il coinvolgimento con cui questa “Casa del diavolo” è stata ascoltata. Con la seconda parte del concerto, come detto, tutto cambia: dal sinfonismo del ‘700, veniamo sbalzati bruscamente all’8-900 violinistico dei grandi virtuosi e al centro dell’orchestra e del palcoscenico è Kerson Leong, che nel continente americano, secondo quanto si apprende dal programma di sala, è considerato “uno dei più grandi violinisti del nostro tempo”, come lo definisce la stampa di laggiù; figura carismatica, grazie non solo alle sue prodigiose abilità virtuosistiche, ma anche ad una marcata presenza sui vari ‘social’, che lo avvicina anche ad un pubblico giovanile, tra il quale conta numerosi fans, evidentemente anche da noi, se in una sala da concerto come quella del Civico, che pure può contare su una significativa e costante presenza di giovani, tanti giovani come ieri sera non li avevamo ancora visti. Detto questo, come è apparso a noi Kerson Leong? Intanto, non ci troviamo affatto di fronte ad un mero ‘prodotto mediatico’ ad un solista da concerto-spettacolo: il venticinquenne canadese è davvero un grandissimo violinista, che non comunica solo abilità nella tecnica del suo strumento, ma ha un suo inconfondibile suono, il che significa che non si limita a eseguire, ma interpreta. Il suono particolare di Kerson Leong è anzitutto un suono di meravigliosa fluidità, anche nei colpi d’arco ‘di rimbalzo’ in primo luogo i vari tipi di ‘spiccato’, compreso quello assai arduo detto ‘volante’ o il ribattuto in ricochet, di cui è doviziosa di esempi la Zingaresca di Sarasate. Questa fluidità è poi naturalmente il risultato di una fluidità del polso e delle dita nella gestione di arco e strumento che ha davvero del portentoso. Un’altra qualità del suono di Leong è il colore: il Guarneri del Gesù, si sa, è un violino che offre di suo un suono denso e piuttosto scuro, potente. Ebbene, la scelta da parte di Leong di suonare un Guarneri del Gesù è già un’indicazione, potremmo dire, di scelta di un suono: il violinista canadese sfrutta al massimo delle possibilità le caratteristiche del ‘suo’ strumento: dunque il suono di Kerson Leong è un magnifico suono brunito, che permette tra l’altro forti contrasti timbrici nel passaggio dalle zone più scure a quelle più acute delle quattro corde, un suono di energia vigorosa e potente, d’intensa proiezione, ma che Leong sa, al caso, ammorbidire con delicatezza, raggiungendo esiti di un melodismo intenso e coinvolgente, di struggente malinconia, come nella terza sezione ‘Un poco più lento’ della Zigeunerweisen, dove la sordina rende ancora più suggestivo il mondo sonoro creato da Kerson Leong. Insomma, un suono di forte carica espressiva. Ed ecco allora che un pezzo, pur ricco di parti di vertiginoso virtuosismo, come Invierno porteño, interpretato dal violinista canadese, si incide nella nostra memoria per la struggente nostalgia che avvolge le sezioni agogicamente più lente, tanto più suggestive quanto più si contrappongono alle sezioni più rapinosamente ‘danzanti’ di questo neotango di Piazzolla. Anche “I palpiti” di Paganini, se certo sono un brano di cui la più acrobatica fioritura virtuosistica è la ragion d’essere, è però anche vero che l’ascoltatore appena attento non si sarà lasciato sfuggire le raffinatezze timbriche che Kerson Leong ha saputo cavare dal suo Guarneri del Gesù nella Variazione seconda. Tre pezzi, quelli che il programma del recital affidava al giovane violinista venuto dal Canada, eseguiti splendidamente, sempre accompagnato esemplarmente dalla Camerata Ducale. Applaudito dal pubblico stipato in platea e nei palchi con un livello di applausi degno di una rockstar, Leong ha concesso ben cinque bis. Dello spagnolo Francisco Tàrrega (1852-1909) “Recuerdos de l’Alhambra”, due composizioni di Ysaye (autore ‘di baule’ per Leong, che lo ha anche inciso), un Andante di Bach e un ultimo brano di cui ci (ma non solo a noi) è sfuggito il nome dell’autore. Dire che sono state tutte esecuzioni bellissime sarebbe dire un’ovvietà: quella che ci ha colpito di più è la prima, una sorta di ‘motus perpetuus’, una melodia indefinita e suonata in spiccato, dal ritmo lento, da cui si sprigionava un’espressività enigmatica, vagamente ipnotica, come l’abbandono a un ricordo o a un sogno (talvolta sono la stessa cosa), remoto e indicibile con altro mezzo che non sia la musica, specie se suonata da solisti come Kerson Leong. (Foto dall'Uff.Stampa di Vercelli)

26-02-23 Bruno Busca

Un nuovo lavoro di Silvia Colasanti, tra i brani di Strauss e Prokof'ev diretti da Jaume Santonja

Un impaginato importante quello di ieri sera ascoltato in Auditorium, che ha visto alla guida dell'Orchestra Sinfonica di Milano il "Direttore Principale Ospite" Jaume Santonja. Sta percorrendo una veloce strada il direttore spagnolo, alla guida in questi anni di molte orchestre della sua terra e di molte altre europee. La vastità del suo repertorio lo ha portato ieri a dirigere due noti lavori di Richard Strauss e di Sergej Prokof'ev, lasciando in una posizione centrale il nuovo lavoro della compositrice romana Silvia Colasanti. Time's Criel Hand, tre sonetti in musica per controtenore e orchestra è una commissione della Sinfonica milanese interpretato ieri in Prima esecuzione assoluta. La Colasanti è tra le più affermate ed eseguite compositrici italiane e nel lavoro presentato, ispirato e costruito su tre sonetti di W. Shakespeare, ha utilizzato una voce da controtenore per delineare una pregnante musicalità melodica in un tessuto orchestrale ardito, ma di non difficile comprensione. La limpida voce del controtenore Alex Potter ha con efficacia cantato i testi del grande poeta inglese, rivelando una timbrica chiara e ricca di sfumature, mentre l'eccellente orchestrazione, definita benissimo da Santonja e dagli orchestrali, ha ben sottolineato le inflessioni vocali e il testo in inglese del poeta. Di grande espressività emotiva, nell'ampia componente tonale di una ricca partitura, il brano della Colasanti, che al termine dei diciotto minuti di musica ha avuto un deciso apprezzamento dal numeroso pubblico presente in Auditorium. Al termine della bella e raffinata esecuzione, fragorosi gli applausi anche alla compositrice, salita sul palcoscenico. Temi legati a Shakespeare erano presenti anche nel primo lavoro ascoltato di Richard Strauss, con il suo Macbeth op.23 e nell'ultimo di Sergej Prokof'ev con la celebre Suite dal Romeo e Giulietta. Ottime le interpretazioni, con un fragore di sonorità della corposa orchestra nel noto poema sinfonico straussiano e con le trasparenze neoclassiche, delicate o voluminose, nello splendido Romeo e Giulietta del compositore russo. Di ottima qualità la direzione e la resa musicale dell'Orchestra Sinfonica di Milano. Domenica, alle ore 16.00 si replica. Assolutamente da non perdere.

25 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Musica di Beethoven, di Schönberg e di Sonia Bo per I Pomeriggi Musicali

Un programma coraggioso quello offerto ieri sera al Dal Verme dall'Orchestra "I Pomeriggi Musicali". Un brano contemporaneo e uno del Novecento storico hanno avuto come momento centrale il noto Concerto n.3 in Do minore op.37 di L. v. Beethoven. La direzione dell'orchestra era affidata a Marco Angius, direttore specializzato nella musica del Novecento e Contemporanea. Il primo interessante brano eseguito, della compositrice Sonia Bo - docente del Conservatorio milanese ed ex direttrice di quella importante Istituzione- ha introdotto la serata. La prima esecuzione assoluta di Variazioni di Luce, lavoro commissionatole da I Pomeriggi Musicali, ha rivelato le qualità estetiche della Bo. È una composizione dalla durata di una decina di minuti a tinte scure, spesso illuminate dal riconoscibile noto tema iniziale mozartiano tratto dalla celebre Sinfonia n. 40. Questo "oggetto musicale" improvvisamente viene introdotto all'interno di una situazione ricca di contrasti, tornando in modo variato e parcellizzato come luce di riferimento. Un lavoro di ottima fattura, orchestrato molto bene dalla Bo, che ricorda certe scelte fatte in passato da Luciano Berio. Applausi calorosi dal numeroso pubblico presente in sala anche alla compositrice salita sul palcoscenico. Il celebre Concerto n.3 di Beethoven ha visto come solista al pianoforte il sud-coreano Joe Hong Park, un interprete importante, vincitore nel 2021 dell'ultimo prestigioso Concorso Internazionale "Ferruccio Busoni". L'ottima interpretazione ha trovato un solista decisamente orientato al molto classico, che ha definito ogni situazione del celebre concerto, elargendo sicurezza e, a bisogno, anche raffinata leggerezza discorsiva. Rilevante la lunga Cadenza pianistica dell' Allegro con brio iniziale. Valide le sinergie con l'orchestra e la precisa direzione di Angius. Di ottima resa il bis pianistico concesso da Park con il celebre Preludio in si minore di Bach-Siloti. Dopo il breve intervallo intensa e significativa la resa della Kammersymphonie n.2 op.18 di Arnold Schönberg, brano importante in due movimenti, Adagio e Con fuoco, che iniziato dal compositore austriaco nel 1906 nella sua innovativa costruzione architettonica tra passato e moderno, segna le novità di scrittura musicale del primo Novecento, anche se il lavoro venne ripreso e completato solo nel '39 da Fritz Stiedry, eseguendolo negli Stati Uniti l'anno successivo. Esemplare la direzione di Angius e la resa complessiva degli ottimi "I Pomeriggi Musicali" che hanno anche messo in rilievo validi interventi solistici previsti in partitura. Sabato, alle ore 17.00, la replica del concerto. Da non perdere.

24 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

A VERCELLI AL VIOTTI CLUB ALL’ORA DEL TE’ RECITAL DI GIULIA VENTURA

Tra le sempre più numerose e interessanti attività organizzate a Vercelli dalla Camerata Ducale, dall’agosto dello scorso anno è compreso anche il Viotti Tea. Di che si tratta? Lasciamo la parola alla brochure del programma della stagione della stessa Camerata Ducale: “Al Viotti club la tradizionale ora del tè diventa l’ora della musica: una volta alla settimana, di solito al Giovedì pomeriggio, la sala ospita un concerto che vede protagonisti giovani solisti di grande talento.”: quello di oggi era il concerto n.78. Un’altra di quelle intelligenti e generose iniziative con cui la Camerata Ducale, con una passione che non teme confronti in Italia, si sforza di promuovere l’attività e la carriera dei giovani musicisti di valore, in questo Paese troppo spesso abbandonati a se stessi. Per lo più si tratta di diplomandi o diplomati del Conservatorio G. Verdi di Torino, ma ospite del Viotti Club, all’ora del tè di oggi pomeriggio, 23 febbraio, era la pianista novarese Giulia Ventura, che ha compiuto i suoi studi presso il Conservatorio G. Cantelli di Novara, dove ha avuto, tra i suoi Maestri L. Schieppati e M. Coppola. Tra Piemonte e Lombardia, Giulia Ventura, grazie ad un già nutrito carnet di concerti, solistici e con orchestra, in questi ultimissimi anni sta cominciando a ‘farsi un nome’ , a creare intorno a sé un certo interesse. Nel recital di oggi, la giovane pianista presentava un programma che comprendeva la Sonata in Mi bem. maggiore op.31 n.3, nota come “La caccia”, di L. van Beethoven, tre composizioni di F. Liszt (uno degli autori più presenti nel repertorio attuale di Ventura e che lei ha confessato essere al momento il suo preferito, in una conversazione con gli spettatori successiva al concerto), vale a dire la “Vallée d’Obermann” dagli Années de Pèlerinage, vol.1, e due Rapsodie Ungheresi, la n. 5 in mi minore e la n.6 in Re bem. maggiore, per concludere con Feux d’artifice, ultimo brano del secondo libro dei Préludes di C.Debussy. Come si vede a colpo d’occhio, soprattutto per gli ultimi quattro pezzi, un programma di intenso impegno tecnico-esecutivo, che richiede al solista notevoli capacità virtuosistiche. Diciamolo subito: Giulia Ventura ha confermato appieno le doti di brillante virtuosa che da lei si aspettavano gli ascoltatori , per la sua fama e per i pezzi in programma, ma questa sua abilità non si esaurisce nella pura esibizione esteriore fine a se stessa, ma sa dare voce a più profonde intenzioni espressive. Il tocco della pianista novarese aderisce alle sfumature timbriche e alla varietà dei registri dinamici della partitura con sensibilità di interprete, intesa a penetrare il mondo sonoro evocato dalla tastiera. Al netto di qualche episodica e lieve imprecisione, le sue esecuzioni sono state valide e convincenti. La fresca vitalità e il ritmo gioioso che pulsano quasi incessanti attraverso tutta la sonata beethoveniana op 31 n.3, insolitamente priva di un tempo lento, trovano adeguata espressione nell’interpretazione della Ventura, che giustamente, peraltro, accentua il lirismo cui è improntato il Minuetto, quasi come momentanea pausa di respiro, prima di riprendere quella sorta di corsa senza fine che culmina nel ‘Presto con fuoco’ finale, la parte tecnicamente più impegnativa di tutto il pezzo, suonata dall’interprete con vigorosa energia, cavando dal mezzacoda un volume di suono quasi orchestrale, come vuole il pianismo del Beethoven del c.d. ‘secondo stile’. Brava è la pianista novarese a condurre l’ascoltatore in quella sorta di romanticissimo ‘viaggio dell’anima’, di Wanderung di un’interiorità anelante all’infinito, che è la Vallèe d’Obermann lisztiana: come in tutta la musica di Liszt, qui, al posto dell’elaborazione tematica, centrale in Beethoven, subentra un diverso principio costruttivo del mondo musicale, quello della metamorfosi timbrica e coloristica di un tema-base, in questo caso il sobrio e delicato tema affidato nell’incipit alla mano sinistra. Giulia Ventura è brava a esplorare tutta la varietà di colori, di chiaroscuri, di ritmi e dinamiche di cui questa mirabile partitura fa sfoggio, con le sue libere avventure tonali e armoniche, senza mai cadere, anche nelle sezioni agogicamente più mosse del lungo pezzo, nella pura ostentazione di bravura. La Rapsodia n. 5 di Liszt, è un po’ un’eccezione tra i diciannove pezzi della raccolta, perché sviluppa solo la sezione lenta (lassan) della Csarda, la danza ungherese che fornisce lo schema base di queste composizioni. Giulia Ventura la suona con un tocco che ammorbidisce un poco la scura tessitura timbrica che domina il pezzo, quasi a volerne attenuare il senso di desolazione da cui è ispirata questa vera e propria marcia funebre. Se nella Rapsodia n.6 di Liszt la Ventura sfoggia al meglio le sue doti di agilità e virtuosismo, è a nostro avviso nei debussyani Feux d’artifice che la pianista novarese fornisce una delle sue migliori interpretazioni nel concerto odierno. E’, questo, un Debussy, che porta a conclusione la sua ricerca musicale, che fin dall’inizio, estremizzando le suggestioni lisztiane, fa del timbro l’esclusivo principio costruttivo del discorso musicale: ma qui non è più il Debussy delle vaporose volute sonore, dei delicati arabeschi, è un Debussy di cui l’interpretazione della Ventura mette giustamente in risalto la forza, la tensione con cui i timbri sono quasi strappati agli ottantotto tasti del pianoforte, ricorrendo a ogni virtuosismo, che mette a dura prova l’agilità della diteggiatura e in generale le capacità tecniche dell’interprete. Una prova che la Ventura supera alla grande, confermandosi pianista di ottimo livello. L’apprezzamento del pubblico convenuto nel delizioso ‘salotto’ del Club Viotti, espresso da un lungo applauso, ha ottenuto un bis; come ci ha informato la stessa Giulia dopo la conclusione del concerto, si è trattato di un pezzo di alquanto rara esecuzione: una delle c.d. “Opere postume” di R. Schumann, cioè uno dei cinque pezzi originariamente composti per gli Studi sinfonici op.13, poi scartati e lasciati nel cassetto, per essere pubblicati, appunto postumi, molti anni dopo, da Brahms. Un’esecuzione decisamente bella, pienamente aderente al mutevole fluire, ricco di sfumature, del suono di un pezzo, che, sotto il profilo formale, è una variazione su un tema. Un bel pomeriggio di musica, meritevole di essere ricordato. (Foto dall'Uff.Stampa di Vercelli).

24 febbraio 2023 Bruno Busca

Un memorabile Arcadi Volodos in Conservatorio per la "Società dei Concerti"

Un programma di straordinario interesse e di non facile ascolto quello di ieri sera in Conservatorio a Milano per la Società dei Concerti. Il cinquantenne Arcadi Volodos, da alcuni anni ospite dell'importante organizzazione concertistica, ha voluto accostare nell'impaginato due importanti compositori: il poco eseguito barcellonese Federico Mompou (1893-1987) e il più noto moscovita Aleksandr Skrjabin (1872-1915). I numerosi brani eseguiti di Mompou e di Skrjabin hanno in comune molti aspetti musicali legati ai colori e alla ricerca di timbriche nuove, nella più semplice ma efficace declinazione dello spagnolo e nella più complessa e virtuosistica modalità di scrittura del russo. La prima parte del concerto prevedeva tutto Mompou con le Scènes d'enfants e una selezione da Música callada, eseguiti senza interruzione. Rispettivamente cinque e dodici brani, spesso brevi o ridotti all'osso, che rivelano l'originalità e la genialità dell'autore mediata da un'interpretazione di altissimo livello dove Volodos ha colto con un'intimità sbalorditiva la poetica del compositore. Le straordinarie qualità del celebre pianista russo sono ancor più emerse nei tredici brani di Skrjabin eseguiti senza interruzione: da quelli di minore durata quali lo Studio n.2 op.8 e lo Studio n.11 op.8, ad una serie di cinque Preludi  dalle op. 11-16-22-37, ai Poème n.1-2-3. Passando per la visionaria Danse n.2 "Flamme Sombres" Op.73, si è arrivati poi  ai lavori più corposi ed impegnativi: la difficilissima Sonata n.10 op.70 e l'altrettanto virtuosistica Vers la flamme op.72. Le capacità di restituzione di Volodos in Skrjabin trovano pochi rivali per qualità timbrica, unità costruttiva e valenza virtuosistica ed espressiva. La sconvolgente Sonata n.10, giocata su una serie di trilli ripetuti all'infinito, all'interno di un mondo di timbriche visionarie e suggestive, ha trovato nel pianista un interprete ideale, capace di penetrare in modo viscerale le intenzioni del grande musicista russo, impressionante anticipatore di tutta la musica del Novecento. Quattro i brevi ed intensi bis concessi. In ordine d'esecuzione: di Skrjabin la Mazurka op.25 n.3, di Mompou Secreto, la n.8 delle Impresiones Intima; di Rachmaninov, Oriental Sketch e ancora di Skrjabin il Preludio op.2 n.3. Interpretazioni mirabili. Pubblico in Sala Verdi entusiasta con Volodos visibilmente soddisfatto! Serata memorabile!

23-02-2023 Cesare Guzzardella

Successo all'ultima replica de I Vespri Siciliani

Grande successo di pubblico, con lunghi e fragorosi applausi al termine dell'ultima replica de I Vespri Siciliani alla Scala. Le parziali critiche negative lette su alcuni giornali dopo la prima rappresentazione sono oramai andate nel dimenticatoio e il meritato entusiasmo verificato ieri sera nel teatro al completo trovano una decisa approvazione. I Vespri Siciliani, musicati da Verdi su libretto di Eugène Scribe e Charles Duveyrier, mancavano alla Scala dal 1989-90 e dopo oltre trent'anni questa nuova produzione ha trovato una resa complessiva valida a partire dalla ottima concertazione di Fabio Luisi e dall'importante ed eccellente componente corale preparata da Alberto Malazzi. Un'attenzione ai dettagli, una chiarezza timbrica e un rispetto delle voci che segnano l'alto livello interpretativo. La regia, le scene e i costumi di Hugo de Ana hanno mostrato una certa debolezza in alcuni frangenti, non nei momenti di grande coralità, ma in quelli nei quali pochi protagonisti si muovevano in scena. Se la regia ci è apparsa debole, la scenografia anche nell'attualizzazione e nei suoi toni grigi è comunque apprezzabile. Bene le luci di Vinicio Cheli e la coreografia di Leda Lojodice. Il cast vocale dell'ultima recita ha subito all'ultimo momento alcuni cambiamenti con Angela Meide, indisposta, sostituita da Marina Rebeka e Piero Pretti, indisposto, sistituito da Matteo Lippi. Ottima la resa complessiva dei cantanti: la Duchessa Elena della Rebeka ha assolto pienamente al suo ruolo con frangenti di eccellente espressività, anche se in alcuni momenti la mancanza di volumetrie hanno impedito un'ancor più alta resa. L'Arrigo di Matteo Lippi si è dimostrato una rivelazione per qualità e bellezza timbrica, molto chiara in tutti i registri anche se non di grande volumetria. Ottimi il Guido di Monforte di Roman Burdenko e il Giovanni da Procida Simon Lim, entrambi di chiara e potente espressivitá. Bravi tutti gli altri. Ricordiamo la prossima opera, La Bohème, in scena dal 4 al 26 marzo con ben otto recite complessive e un cast vocale importante. Da non perdere! (Foto in alto di Brescia e Amisano dall'Archivio del Teatro alla Scala)

22 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Giovanni Sollima e Mario Brunello ai concerti di Serate Musicali

Una serata speciale quella ascoltata ieri sera in Conservatorio ai concerti organizzati da Serate Musicali. Due noti violoncellisti quali il siciliano Giovanni Sollima e il veneto Mario Brunello hanno costruito un impaginato a loro misura, con particolari trascrizioni di brani di Verdi, Stravinskij, Bertali, Bach, ai quali si aggiunge un lavoro di Sollima stesso, noto anche come compositore, e un'altro dei Queen, celebre gruppo di rock melodico della metà degli anni '70. Il concerto è inizialmente stato presentato in modo scherzoso dai due protagonisti che hanno raccontato il programma e hanno messo in risalto i numeroso strumenti presenti sul palcoscenico tra cui due strumenti, un violino e un violoncello costruito nel laboratorio di liuteria e falegnameria del carcere di Opera, realizzati dai detenuti utilizzando il legno dei barconi dei migranti arrivati a Lampedusa. La serata iniziava con un'anticipazione musicale usando proprio il recente violoncello da poco costruito, ricco di colori, per un brano improvvisato molto mediterraneo e dal sapore orientale. In questa riuscita originalissima operazione musicale un ruolo importante è stato dato dall'uso del violoncello piccolo, a volte suonato con il "fratello maggiore" , a volte in coppia con un altro medesimo. L'introduzione verdiana prevedeva alcuni brani del sommo operista di Roncole di Busseto trascritti per i due strumenti ad arco da Antonio Melchiori: dalla Traviata una sorta di suite con prima il celebre Preludio poi “Dell’invito trascorsa è già l’ora…” quindi “Libiamo ne’ lieti calici”. La splendida voce dei due strumenti ha ben delineato la musicalità verdiana restituendo un valida resa timbrica. Il brano successivo di Igor Stravinskij, con la neoclassica Suite Italienne in sei parti, in una trascrizione dei grandi virtuosi Grigory Piatigorsky e Jascha Heifetz, qui eseguita con il violoncello piccolo al posto del violino, ha ancora mostrato l'eccellenza dei due interpreti. Due Ciaccone hanno continuato la serata, prima quella rara di Antonio Bertali (1605 – 1669), musicista italiano seicentesco e poi la celeberrima Ciaccona in re minore dalla Partita n.2 per violino solo di I.S. Bach. Entrambe erano trascritte per due violoncelli piccoli. La prima ha rivelato le incredibili capacità virtuosistiche dei protagonisti che con un flusso di continue variazioni su un tema, hanno dato vita ad un brano folclorico ricco di creatività. Nella nota Ciaccona di Bach -per la trascrizipne di Victor Derevianko del 1937- sono stati restituiti molto bene i timbri delle originali armonie con una corretta divisione delle parti tra i due cellisti. Raro anche il brano successivo di Giovan Battista Costanzi ( (1704 – 1778), la sua Sonata in fa maggiore "Ad uso corni da caccia" trascritta per due violoncelli da Sollima e con un finale arrangiato e modificato dal compositore nel suo tipico stile melodico. Di valore il brano piuttosto recente composto da Giovanni Sollima, The Hunting Sonata per due violoncelli, dai colori tipici del cellista, con inflessioni mediterranee ed estetiche medio orientali. Eseguito con un violoncello di cartone da Sollima e dall' altro colorato, ha trovato una situazione improvvisatoria di valido gusto estetico e di notevole espressività. Conclusione eccellente con una ottima interpretazione del celebre brano dei Queen, Bohemian Rhapsody, nel quale ancora una volta sono emerse le straordinarie qualità dei due cellisti. Applausi fragorosi ripetuti, in una Sala Verdi con numerosissimo pubblico e , cosa rara, con molti giovani. (foto di Alberto Panzani dall'uff.Stampa Serate Musicali)

21 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Carlo Boccadoro direttore e compositore per l'Orchestra de "I Pomeriggi Musicali"

Carlo Boccadoro, compositore, direttore d'orchestra, pianista e organizzatore musicale, ha diretto l'Orchestra "I pomeriggi Musicali" al Dal Verme, proponendo due brani classici di Mozart e di Prokofiev e due composizioni contemporanee di Michael Nyman (1944) e dello stesso Boccadoro (1963). Una scelta intelligente quella del musicista marchigiano, che oltre a privilegiare repertori di più immediata fruizione, cerca di proporre stili musicali dei nostri tempi che portino l'ascoltatore all'abitudine di nuove sonorità. Le qualità direttoriali di Boccadoro sono apparse evidenti nella Sinfonia n.31 in re maggiore K.297 "Parigi" e nel bellissimo brano neoclassico di Sergej Prokofiev, con la Sinfonia n.1 in re maggiore op.25 "Classica". In entrambi i brani l'esternazione timbrica, ricca di positività, ha trovato un'energica ed estroversa interpretazione del direttore, per una restituzione efficace, ricca di luminosità da parte dei bravissimi orchestrali. Di particolare rilievo i due lavori contemporanei centrali. Il primo di Nyman, Strong on Oaks, Strong on the Causes of Oaks, è un lavoro del 1997 eseguito per la prima volta in Italia. Il compositore inglese, che ha trovato fama grazie alle sue colonne sonore, specie nei film di Peter Greenaway, è da anni uno dei più importanti compositori europei provenienti da quel genere musicale denominato Minimalismo, che ha trovato poi un linguaggio molto personale di non difficile presa emotiva per via delle timbriche chiare, decise e ricche di accenti che trovano anche riferimenti al mondo dei compositori inglesi del passato e del Novecento ( Britten, Williams ecc). Il brano, in cinque brevi parti, ha visto una chiarissima interpretazione da parte di Boccadoro, che ha evidenziato la poliritmia di sequenze sonore ricche di contrasti tra le sezioni orchestrali e con riferimenti ad elementi folclorici, specie scozzesi. Un lavoro estroverso e anche festoso. La composizione di Carlo Boccadoro, in prima escuzione assoluta per la commissione de "I Pomeriggi Musicali", era in netto contrasto - come spiegato dal direttore stesso- con il resto del programma. Afternoon Variations è definito da un'atmosfera complessiva cupa di poche note, che coinvolge i colori orchestrali, un passaggio d'interessanti "variazioni timbriche" che ben delineano la scelta compositiva, molto raffinata, del musicista e che trovano, a mio avviso, riferimenti con le timbriche di un Charles Ives e di certo Stravinskij. Un brano efficace che meriterebbe di essere presto riproposto. Grande successo di pubblico alla replica ascoltata ieri pomeriggo, con al termine il direttore visibilmente soddisfatto.

19 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

SERATA SCHUBERTIANA A VERCELLI CON LA CAMERATA DUCALE JUNIOR

Ieri sera, sabato 18 febbraio, il suggestivo Salone Dugentesco di Vercelli ha ospitato un recital di quattro giovani musicisti dell’orchestra Camerata Ducale Junior (CDJ), una formazione di archi, nata nel 2017 come futura erede dell’attuale Camerata Ducale e costituita da strumentisti di età non superiore ai venticinque anni, selezionati tra gli allievi più talentuosi dei vari Conservatori italiani o, se già diplomati, impegnati in percorsi di studio con prestigiosi Maestri in Italia e all’estero. Il concerto di ieri sera rientra nell’ambito di una vera e propria stagione della Camerata Ducale Junior, che da sei anni accompagna quella della ‘sorella maggiore’ e vede alternarsi sul palcoscenico i vari giovani e giovanissimi musicisti in concerti di musica da camera. In questa attività i giovani della CDJ sono affidati, per la preparazione dei concerti, a Maestri famosi, di grande esperienza, che poi partecipano al concerto stesso, insieme coi loro allievi. Così, ieri sera, due ‘fanciulle in fiore’, Giulia Rimonda (primo violino) e Alice Tomada (secondo violino) e due virgulti della ‘meglio gioventù’ musicale italiana, Lorenzo Lombardo (viola) ed Ettore Pagano (violoncello), sotto la vigile guida del loro Maestro-preparatore, il violoncellista Giovanni Gnocchi (solidissima carriera internazionale, con tanto di premi in vari concorsi alle spalle, e attuale titolare di una classe di violoncello al Mozarteum di Salisburgo) hanno eseguito uno dei capolavori assoluti della musica cameristica, il Quintetto per archi in Do maggiore op.163 D. 956 di Franz Schubert.  Era questo l’unico pezzo in programma: a parte la sua ampiezza (quasi un’ora di durata), la sua prodigiosa bellezza è tale, da rendere consigliabili, quasi necessari, un’esecuzione e un ascolto consacrati esclusivamente ad esso. Una chiave interpretativa per chi esegua questo monumento della musica è proprio la formazione del Quintetto, prescelta da Schubert, piuttosto inconsueta nel terzo decennio dell’800, quando esso venne composto. Allora nel Quintetto per archi si era affermato l’ensemble impiegato da Mozart qualche decennio prima per i suoi sei quintetti per archi, vale a dire due violini, due viole e un violoncello, sostituendo la formazione della trentina di Quintetti per archi di Boccherini che, nella maggior parte dei casi, prevedeva invece una sola viola e raddoppiava i violoncelli, esattamente la formazione prescelta da Schubert. Perché questa scelta di Schubert? Appare chiaro che, raddoppiando i violoncelli, Schubert cerca un tono più caldo, una tessitura d’insieme più morbida e più variegata timbricamente, adatta ad un’opera di carattere profondamente lirico e intimistico come questa e contemporaneamente, aumentando il volume sonoro degli archi gravi, offre la possibilità di drammatizzare i momenti di contrasto, di conflitto tra il registro dei violini e quello, appunto dei violoncelli, tra i momenti di più dolce distensione lirica e quelli di più intensa inquietudine. Il taglio interpretativo prescelto dal quintetto CDJ e dal suo impareggiabile mentore G. Gnocchi è ispirato precisamente dalla volontà di portare in primo piano le linee di tensione e contrasto che corrono, come faglie sismiche sempre pronte ad affiorare, anche nei momenti più calmi e contemplativi, della partitura e conferendo ai momenti più mossi un’energia dinamico-agogica, che, se magari sacrifica qualcosa della vellutata morbidezza dei violoncelli, guadagna in forza drammatica e in pathos. Grazie anche ad una perfetta intesa tra i cinque componenti dell’ensemble e ad una cura meticolosa dei dettagli timbrici e dinamici, frutto di uno strenuo lavoro di preparazione durato poco meno di una settimana (secondo quanto dichiarato dallo stesso Gnocchi in un breve, quanto lucido e illuminante discorso di presentazione del concerto), ne è scaturita un’interpretazione di altissimo livello, che , tenuto conto anche della giovanissima età (la media è di ventun anni!) di quattro dei cinque strumentisti, ha dello stupefacente. Fin da subito le intenzioni interpretative sono chiarite all’ascoltatore dall’esposizione del primo gruppo tematico dell’Allegro ma non troppo, ove, dopo una decina di battute di calma serena, irrompe, sostenuta da un cambiamento timbrico nel segno di un suono costruito su un registro assai cupo e lacerante, una serie di tre, quattro battute, che dissolvono l’elisio incantesimo dell’esordio, sorta di ‘irruzione’ mahleriana ante litteram. Bravissimi i cinque nel valorizzare in tutte le sue sfumature la palette timbrica in cui si ripresenta più volte il magico secondo tema, e in cui il dialogo/conflitto tra il primo violoncello di Gnocchi e il primo violino di Giulia Rimonda ha momenti di rara intensità emotiva. Ma è nello sviluppo di questo primo tempo, che la scelta interpretativa di Gnocchi e del suo gruppo di prodigiosi giovani dispiega tutte le sue potenzialità, eseguendo con un’intensità ‘beethoveniana’ una sezione ricca di contrasti, singhiozzante di sincopi sul ritmo dominante di una marcetta un po’ enigmatica, su cui si era chiusa l’esposizione. Nel meraviglioso secondo movimento (Adagio), rispetto alla sognante staticità della prima sezione, nell’esecuzione ascoltata ieri, la sezione centrale sembra letteralmente esplodere in un dinamismo sovreccitato, sostenuto da tutto il peso di una timbrica del primo violoncello esaltata in ciò che ha di più cupo, coinvolgendo anche il tremito ostinato del secondo violoncello, e da un colore dei violini e della viola che, abbandonando ogni morbidezza, si fa stridente e quasi ‘metallico’. In perfetta coerenza con questa linea interpretativa si pone anche il sorprendente Presto, in cui il tema della ‘caccia’, lungi dall’essere presentato, come suole, come momento di abbandono a un gioioso vitalismo, in una sorta di inebriante slancio panico con la natura, grazie ad una timbrica virata su registri piuttosto aspri e a un gioco efficacissimo dei chiaroscuri dinamici, si carica di una tensione vagamente allucinatoria, assumendo talora le cadenze di una danza quasi demoniaca, rendendo inquietante quella che in altre interpretazioni appare come una pagina di ‘assoluta innocenza’. Infine, persino il Rondò-sonata dell’Allegretto finale, specie nella sezione dello sviluppo, nell’esecuzione del quintetto CDJ, perde ogni residuo di cordiale gioiosità, che è proprio, in genere del tempo in rondò, per venarsi di fratture, contrasti, tensioni, che non sembrano acquietarsi neppure nelle battute finali, avvolte da una tinta scura, presaga di inquietanti misteri. Insomma, uno Schubert, questo propostoci ieri sera dal Quintetto CDJ, che più che il magico Schubert di una wanderung romantica sognante e dolcemente malinconica, appare sospeso tra echi beethoveniani e future atmosfere mahleriane (e che il debito di Mahler con Schubert sia cospicuo è dato ormai assodato dalla musicologia contemporanea). Un concerto di grandissimo valore, cui ciascuno dei cinque protagonisti ha recato il suo contributo di eccellenza. Il lunghissimo applauso del pubblico, in formato sold out, ha attestato il pieno successo della serata, e ha ottenuto un bis, la prima sezione del Presto. Una serata da ricordare! ( foto in alto (Giovanni Gnocchi) photo © Cristian Chiodelli dall'Uff.Stampa)

19-02-23 Bruno Busca

Andrey Boreyko dirige l'Orchestra Sinfonica di Milano nella " Leningrado" di Šostakovič

L'Orchestra Sinfonica di Milano ha interpretato in questi anni decine di volte numerose Sinfonie di Šostakovič avendo come guida ottimi direttori d'orchestra. Nella celebre Sinfonia n.7 in do maggiore op.60 "Leningrado" - ascoltata nella prima replica- ieri sera è stata la volta di Andrey Boreyko. Russo, con primi studi di canto a San Pietroburgo, Boreyko ha interessi poliedrici e nella musica ha trovato passioni che spaziano dalla musica antica, al rock progressivo, al mondo classico e contemporaneo. Il lavoro scelto con la monumentale Sinfonia Leningrado, composta da Dmirtri Šostakovič nel 1941-42, dedicata alla resistenza all'assedio nazista, è certamente di grande impatto volumetrico, con momenti di tregua anche poetici dalle timbriche anche cameristiche. L'interpretazione ascoltata ha ancora una volta messo in rilievo le eccellenti qualità della compagine orchestrale in ogni sezione strumentale e anche nei numerosi interventi solistici. Boreyko ha diretto con precisa gestualità gli orchestrali, entrando con intensa identificazione nel mondo musicale del grande russo e trovando una restituzione dai sinfonici milanesi convincente sotto ogni profilo, probabilmente dovuta anche all'esperienza maturata in questi anni dagli strumentisti in relazione a quel mondo timbrico russo. Un'esecuzione di alta qualità quindi, molto apprezzata dal numeroso pubblico dell'Auditorium. Domenica 19 febbraio, alle ore 16.00, l'ultima replica. Da non perdere.

18 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Il ritorno di Daniel Barenboim alla Scala per le tre ultime sinfonie di Mozart

Un sorprendente successo per Daniel Barenboim al Teatro alla Scala, ritornato dopo un lungo periodo di convalescenza, avendo avuto seri motivi di salute. Il celebre direttore è arrivato inaspettatamente in sostituzione di Daniel Harding indisposto. L'impaginato invariato, prevedeva le ultime tre Sinfonie di W. A. Mozart, lavori composti dal salisburghese nel 1788, nell'arco di circa due mesi. La Sinfonia n.39 K 543 in mi bem. maggiore, la più celebre N.40 in sol minore K 550, per via del Molto allegro iniziale e forse la più importante N.41 K 551 in do maggiore "Jupiter", con quel travolgente Finale. Molto allegro, ci hanno rivelato la riflessiva, analitica ed equilibrata interpretazione del direttore argentino. Barenboim, beniamino del pubblico milanese essendo stato alla guida dell'Orchestra della Scala per numerosissimi anni, è stato accolto con fragorosi applausi ed ha concluso il concerto con un lunghissimo tripudio di applausi, con il pubblico in piedi, mostrando tutta la sua emozione. L'efficace resa espressiva dei tre lavori, legati da un equilibrio costruttivo molto simile, ha visto il direttore interpretarli con gesti misurati, ma di massimo controllo delle timbriche e delle dinamiche. Sonorità ben articolate e pesate nei rispettivi piani sonori, sempre limpidi nei colori e negli impasti dei diversi timbri delle sezioni orchestrali. Una certa dilatazione dei movimenti, elargiti con grande coerenza d'intenzione, ha dato un carattere riflessivo segnato da colori bruni. La forza espressiva della Sinfonia "Jupiter" con quel finale da carattere conclusivo, ha portato ad un successo memorabile che rimarrà nella memoria del Teatro alla Scala. L'ultima replica è prevista per sabato 18 febbraio, alle ore 20.00 . Da non perdere. ( Foto Amisano- Brescia - Archivio Scala)

17 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Seong-Jin Cho per la Società dei Concerti in Conservatorio

È la terza volta che torna in Sala Verdi, nel Conservatorio milanese, il pianista sud-coreano Seong-Jin Cho, questa volta, come la prima, in un concerto organizzato dalla Fondazione La Società dei Concerti. Anche ieri sera un nutrito gruppo di appassionati sud-coreani (o altri orientali) è venuto ad ascoltore il proprio begnamino, celebrità nella loro nazione, ma anche molto affermato internazionalmente dopo la vittoria nel 2015 del prestigioso Concorso Internazionale Chopin di Varsavia. Delle sue ottime qualità interpretative avevamo già scritto gli anni scorsi (2017-2019) e dopo l'ascolto di ieri sera possiamo affermare che i miglioramenti qualitativi di questo ventottenne pianista lo pongono tra i massimi interpreti della sua generazione e non solo. Il programma, interessantissimo e variegato, era incentrato soprattutto sul genere delle Variazioni e prevedeva lavori di Händel, Gubaidulina, Brahms e Schumann. Iniziando con la rara Suite n.5 in mi maggiore di G.F Händel (1685-1759), Seong-Jin Cho ha da subito espresso la sua alta cifra interpretativa con un'esecuzione raffinatissima, dalle timbriche clavicembalistiche, culminate nell'ultimo movimento Aria con variazioni "The harmonious blacksmith" rese con una maestria esemplare nel variare l' Aria con ardita, luminosa e scorrevole maestria. Il contrastante brano di Sofia Gubajdulina (1931), compositrice vivente russa, con la Ciaccona per pianoforte (1962) ha rivelato le sbalorditive qualità del pianista nel repertorio contemporaneo. Un'esecuzione di alto livello per un brano virtuosistico di rara potenza espressiva, ricco di contrasti resi con chiarezza nelle timbriche con elegante gestualità. Il brano successivo, che concludeva la prima parte della lunga serata, era di Johannes Brahms con le arcinote Variazioni e fuga in si bem.magg. op.24 su un tema di Händel. Sono 25 variazioni più la Fuga conclusiva di una breve aria settecentesca del compositore inglese. Un'esecuzione mirabile quella del sud-coreano, giocata su contrasti dinamici di chiarissima resa timbrica, perfetta scansione ritmica ed efficace modo di melodiare nei differenti piani sonori. La seconda parte della serata si apriva con una selezione dai Klavierstücke op.76 ( n.1-2-4-5), ancora di Brahms, cui si aggiungevano, senza soluzione di continuità, i celebri Studi Sinfonici op.13 di Robert Schumann. Validi i quattro brani dell'amburghese, tre Capricci e un Intermezzo di pregnante armonizzazione. Ancor più interessante gli straordinari Studi Sinfonici schumanniani: un Tema, Andante iniziale cui fanno seguito 12 Variazioni (Studi) resi con qualità crescente dalle perfette mani di Seong-Jin Cho, con alcuni numeri di profonda riflessione in un' esecuzione complessivamente meditata e ricca di colori resi con sicura esternazione. Applausi calorosissimi al termine del programma ufficiale e splendido il delicato bis di Händel nell'arrangiamento di W. Kempff nella sublime aria del Minuetto in sol minore. Grande interprete.

16 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Sergey e Luisine Khachatryan alle Serate Musicali

Da alcuni anni il violinista armeno Sergey Khachatryan è ospite del Conservatorio milanese, spesso insieme alla sorella pianista Luisine. Ieri sera ai concerti organizzati da Serate Musicali la scelta di un impaginato diversificato ha messo in risalto le qualità di entrambi gli interpreti. In programma musiche di Bach, Schubert, Debussy e Respighi. Il brano per solo violino iniziale ha fatto subito emergere le splendide qualità di Sergey Khachatryan, un solista che giovanissimo, nel 2000, vinse il prestigioso Primo Premio al "Concorso Internazionale Jean Sibelius" di Helsinki. La celebre Ciaccona di J.S. Bach, dalla Partita n.2 in re minore (1717), ha infatti introdotto la serata. Il virtuoso ha interpretato il corposo lavoro non solo con perfetto equilibrio formale, ma soprattutto con energica espressività, giocando sulle dinamiche e l'agogica nelle sue perfette intonazioni. Esecuzione esemplare la sua, che ha favorito un netto contrasto con il secondo brano in programma, la Sonata n.4 in la maggiore per violino e pianoforte D.574 composta da F. Schubert esattamente cent'anni dopo il brano di Bach, nel 1817. Un lavoro dal carattere d'intrattenimento interpretato dal duo in perfetto equilibrio strumentale. Altri cento anni separano questo lavoro dai due successivi, eseguiti dopo il breve intervallo. Prima la Sonata n.3 in sol minore L148 di Claude Debussy e poi la Sonata in si minore P.110 di Ottorino Respighi, entrambe del 1917. La sonata di Debussy, largamente eseguita nelle sale da concerto, è un lavoro maturo del compositore, particolarmente evoluto rispetto ai modi compositivi tipici del grande francese. Ottima la restituzione del duo con una rilevante componente pianistica eseguita benissimo dal pianoforte. Le ottime qualità della pianista sono emerse anche nel brano finale di Respighi, un lavoro di rarissima esecuzione che esce dallo stile più noto del compositore italiano e che ci porta in un'articolazione armonico-timbrica di straordinario interesse e di grande virtuosismo, mediante uno stile evoluto legato al mondo compositivo franco-tedesco. L'eccellente interpretazione resa da Sergey e Luisine Khachatryan, con una parte difficile pianistica espressa con precisione e apparente facilità da Luisine, e una raffinata restituzione di Sergey, ha rivelato ancora le alte qualità dei due interpreti. Applausi calorosi dal pubblico presente in Sala Verdi e ottimo il bis con un brano di Gabriel Fauré, il celebre Après un Rêve.

14 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Alberto Malazzi al pianoforte per la rassegna "Lieti Calici"

Doveva concludersi oggi la prima parte della Stagione di Lieti Calici, ma probabilmente ci sara una coda a fine febbraio con un altro evento musicale. Oggi nella capiente sala degli Amici del Loggione del Teatro alla Scala di via Silvio Pellico 6, un programma quasi improvvisato da Alberto Malazzi, illustre direttore del Coro del Teatro alla Scala, e per l'occasione pianista, ha sostituito quello con il soprano Margherita Tomasi, indisposta. Malazzi non potendo accompagnare la cantante - anche compagna nella vita- ha trovato modo di esprimersi molto bene con brani classici incentrati in Schubert, Schumann e Chopin, ma con agganci al mondo dell'opera di Bellini e, nel bis, di Mascagni, ottenendo un meritatissimo consenso dal pubblico presente. Partendo da un Improvviso di Schubert, il n.2 op.142, attraversando Schumann con i deliziosi brevi brani quali Mignon op.68.n.35 dall' Album della gioventù e Träumerei dalle Kinderszenen op.15, è approdato ad uno Chopin di splendida fattura iniziando con un'assoluta rarità: una variazione da un tema di Marcia dai Puritani di Bellini resa quasi da sembrare un Notturno. Il brano commissionato da Liszt, era stato scritto da Chopin per commemorare Bellini a un anno dalla sua dipartita. Splendida l'interpretazione di Malazzi. Gli altri brani chopiniani, tutti celebri, hanno esaltato il mondo melodico del polacco. In ordine sono stati eseguite due Mazurche, l'op.67 n.2 e l'op 67 n.4, il Preludio n.15 "la Goccia", il Valzer in la minore op.postuma, il Notturno n.2 in mi bem.maggiore. Valido il bis con il celebre Intermezzo dalla Cavalleria Rusticana di Mascagni. Applausi calorosi e brindisi con eccellenti vini e prodotti di ottima qualità.(foto di Alberto Panzani)

12 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

GIULIA RIMONDA E LORENZO NGUYEN AL VIOTTIFESTIVAL DI VERCELLI

Ieri sera, 11 febbraio, al Teatro Civico di Vercelli il ViottiFestival ha visto protagonisti due giovani interpreti ( poco più di quarant’anni in due) ormai ben più che ‘promesse’, ma entrambi affermatisi nelle sale da concerto italiane, in questi ultimi anni, fra i più validi esponenti della loro generazione, riscuotendo consensi unanimi del pubblico e della critica in numerosi recital solistici, cameristici o con orchestra. Parliamo della violinista Giulia Rimonda, figlia d’arte-cioè del celebre violinista e direttore dell’Orchestra Camerata Ducale, Guido Rimonda e della pianista Cristina Canziani-e del pianista Lorenzo Nguyen, ieri sera in duo per eseguire un programma impaginato su quattro tra le perle più preziose per questa formazione strumentale: i Quattro pezzi romantici op. 75 di A. Dvorak, la Sonata n.2 in La maggiore op.100 di J. Brahms, la Sonata in do minore op. 45 di E. Grieg, per concludere con il Ravel della famosa Tzigane. Un programma, dunque, che dopo avere attraversato il melodismo tardo-romantico ottocentesco nelle sue più suggestive sfumature, esplode alla fine nella scoppiettante girandola di una travolgente musicalità, tipica di un certo gusto primonovecentesco. Alla fine del suo splendido recital, Giulia Rimonda si è dichiarata ‘emozionata’, per avere suonato in un teatro che, non molti anni fa, la vedeva ancora bambina accompagnare i genitori. Ma ‘emozionato’ era anche il pubblico, come sempre assai numeroso e, per l’occasione, con una ancor più marcata presenza di giovani e giovanissimi: il Maestro Accardo ha definito ‘emozionante’ il suono che Giulia Rimonda sa cavare, con la sua tecnica strepitosa e la sua sensibilità, dalle quattro corde del suo strumento. Che cosa rende ‘emozionante, un concerto di Giulia Rimonda? Ovviamente, il suo stile interpretativo, che è già così maturo, da far talvolta dubitare l’ascoltatore che quella ragazza che sta suonando abbia solo vent’anni. Quando si parla di emozioni e di esecuzioni musicali emozionanti, è poi difficile, spesso, analizzare da un punto di vista puramente ’tecnico’ il modo in cui chi suona produce tale emozione, perché questa ha sempre qualcosa di segreto, di non completamente accessibile all’analisi razionale. Possiamo solo dire ciò che a noi ha procurato momenti di forte intensità emotiva. Il suono che Giulia Rimonda sa cavare dalle quattro corde del suo violino è un suono che, ad un timbro caldo e avvolgente, sa unire una delicatezza senza pari, unita ad un trattamento dell’agogica e della dinamica di rara sapienza: sa sfruttare al meglio le pause, probabilmente anche allungandole leggermente, rispetto alle più tradizionali esecuzioni, ottenendone un effetto di trepida sospensione, come di un’attesa o di un’eco misteriosa di un mondo sonoro che si dilegua, come accade in particolare (ma non solo in questo pezzo) nella sonata di Grieg, in cui il secondo movimento, un Allegretto espressivo, già di per sé intriso di lirismo, librandosi dal violino di Giulia Rimonda, si fa pagina di toccante poesia. Inoltre, la capacità di valorizzare al meglio i registri dinamici dona al suono di questa ‘emozionante’ violinista una capacità di produrre un fraseggio ombreggiato di un chiaroscuro tutto particolare, specialmente adatto allo scavo interiore del suono: un esempio potrebbe esserne proprio il pezzo iniziale del concerto, l’Allegro moderato dei Quattro pezzi romantici di Dvorak, una melodia delicatissima affidata al violino, che la Rimonda eseguiva sfuggendo alle insidie del ’rugiadoso,’ che spesso si nascondono in questi incantevoli esempi di ‘canto romantico’, ma avvolgendo lo sviluppo melodico di un velo di nostalgia, e conferendo al pezzo una dimensione introspettiva sottile, quanto affascinante. Infine, per quello che le nostre orecchie hanno percepito e la nostra memoria conserva come un ricordo prezioso, c’è, nell’arte di Giulia Rimonda, un suono che sa stagliarsi con una nitida purezza, donando ad ogni nota un ‘alone armonico’ cristallino, che la fa vibrare non solo nelle orecchie, ma anche nell’animo di chi l’ascolta. Questo avviene persino quando le sue dita danzano sulla quarta corda, come nel cupo inciso ritmico con cui si apre la sonata di Grieg, che in alcune esecuzioni, anche di solisti di chiara fama da noi ascoltate prima di questo recital vercellese, suonano come un poco annebbiate e confuse. Questo ritratto di Giulia Rimonda non sarebbe completo se non ne citassimo l’aspetto, a questo punto, forse più scontato: l’agilità ed energia stupefacenti con cui sa superare le difficoltà più ardue di un pezzo. In questo caso, il banco di prova nel programma della serata è stato naturalmente l’ultimo pezzo, la Tzigane di Ravel, in particolare la stretta finale, vero e proprio show pièce di tutte le più audaci sfide che un violinista è chiamato ad affrontare, dai pizzicati ai trilli, ai mordenti ai glissando… e che le dita di Giulia Rimonda hanno superato con olimpica disinvoltura e sfoderando un’energia quasi aggressiva Sarebbe somma ingiustizia non elogiare Lorenzo Nguyen, il cui contributo all’alta qualità di questo concerto è stato tutt’altro che secondario. I brani scelti per il programma del recital e in particolare le due grandi sonate di Brahms e di Grieg, concedono infatti al pianoforte un notevole margine di autonomia, spesso addirittura un ruolo di protagonista: non a caso, come giustamente si sottolinea nel programma di sala, il titolo originario della sonata n.2 di Brahms era, inusualmente, Sonata per pianoforte e violino. Nguyen sfoggia un suono sempre preciso, di grande duttilità: dal sommesso fruscio della mano destra con cui crea un sapiente sfondo sonoro per la melodia del violino nel primo Pezzo romantico di Dvorak, alla limpidezza incantevole del secondo tema , introdotto proprio dal pianoforte nell’Allegro amabile della sonata di Brahms, all’ampio assolo con cui, nell’Allegretto espressivo della sonata di Grieg, prepara, con un suono di delicato lirismo, l’ingresso del violino, per concludere con la brillante cadenza arpeggiata e armonicamente assai mobile, con cui il pianoforte, nella Tzigane di Ravel, dà il via alle evoluzioni virtuosistiche del violino, con un suono molto particolare, che cercava di riprodurre quello, un po’ metallico, di un tipico strumento della musica tzigana, il cymbalon. Anche Lorenzo Nguyen, insomma, è un musicista già maturo, completo , in pieno possesso di una tecnica sopraffina e di una capacità interpretativa ed espressiva di notevole spessore. Tutto il programma proponeva pezzi di alto interesse e di grande bellezza, ma il vertice era rappresentato dalla sonata n.2 di Brahms, una prova di grande impegno interpretativo per qualsiasi duo violino-pianoforte. L’esecuzione di Giulia Rimonda e Nguyen si distingue per la cura e la finezza dei dettagli timbrici e dinamici, che dà il meglio di sé nei due movimenti estremi: l’Allegro amabile iniziale evoca un mondo sonoro illuminato, dall’inizio alla fine dalla limpidezza di un La maggiore, che si risolve in un flusso di melodie suonate con leggerezza e soave eleganza da entrambi gli interpreti. L’Allegretto grazioso finale, nell’interpretazione di G. Rimonda e L. Nguyen, esalta le tinte morbide e piuttosto brunite, specie al violino, che sono l’inimitabile cifra dello stile brahmsiano. Splendido concerto, che ha entusiasmato il pubblico, cui sono stati offerti due bis: un pezzo di Brahms ( non abbiamo inteso bene quale, ma azzardiamo lo Scherzo per la F.A.E. sonata) e di nuovo il primo Pezzo romantico di Dvorak. Riteniamo doveroso segnalare che per i primi cinque minuti circa, il concerto si è svolto con tutte le luci spente, comprese quelle del palcoscenico, come testimonianza di partecipazione all’imminente Giornata degli ipovedenti: un’altra manifestazione della grande sensibilità umana e sociale di un gruppo, la Camerata Ducale, che sa aprirsi, con grande sensibilità, ai problemi e ai drammi del mondo e della comunità di cui è parte. ( foto Ivano Buat- Ufficio Stampa Vercelli)

12 febbraio 2023 Bruno Busca

Alessio Bidoli e Bruno Canino alla Società del Giardino

Un "Omaggio a Nathan Milstein" di ottima qualità, quello ascoltato nell'elegante cornice del Salone d'oro della Società del Giardino per l'organizzazione di Serate Musicali. Il trentaseienne violinista milanese Alessio Bidoli e il noto pianista napoletano Bruno Canino, hanno rivelato una splendida intesa in un programma di brani classici e celebri, eseguiti in ordine cronologico di composizione. Da Giuseppe Tartini (1692-1770) con la nota Sonata per violino e basso continuo in sol minore "Il trillo del diavolo" nella trascrizione di Fritz Kreisler, all'ancor più celebre Sonata n.9 in la maggiore op.47 " Kreutzer" di Ludwig v. Beethoven (1770-1827). Dopo il breve intervallo, prima la Sonata n.2 in la maggiore op.100 di Johannes Brahms ( 1833-1897) e, a conclusione , la virtuosistica Tzigane, Rapsodia da concerto di Maurice Ravel (1875-1937). I brani di Tartini e di Ravel, prettamente violinistici, hanno esaltato le qualità virtuosistiche di Alessio Bidoli, un solista dotato di perfetta intonazione, con timbriche energiche, sicure e gamma di colori adeguati. Soprattutto in questi due brani, dove la componente virtuosistica risulta dominante, abbiamo rilevato un eccellente approccio con lo strumento ad arco giocato su una perfezione tecnica con ottimo vibrato nella evidente espressività complessiva. Le qualità pianistiche ben note di Bruno Canino, si sono ancor più rivelate nella splendida Sonata Kreutzer, probabilmente la più celebre tra le dieci sonate dedicate dal genio di Bonn a questa formazione cameristica. Segnaliamo il primo movimento, Adagio sostenuto.Presto, eseguito in perfetta sincronia ed equilibrio formale dal duo, con una sintesi discorsiva dal carattere improvvisatorio di eccellente restituzione sonora che ha pienamente meritato gli applausi anticipati dal numerosissimo pubblico intervenuto.Valida anche la Sonata op.100, seconda delle tre del compositore amburghese. Ancora ricca di estemporaneità il bis concesso con la nota Ridda dei folletti di Antonio Bazzini eseguita con rapida e suggestiva esternazione. Ricordiama che il duo Bidoli-Canino ha all'attivo numerose recenti incisioni discografiche che meritano un attento ascolto.

10 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Davide Alogna ed Enrico Pace alle Serate Musicali del Conservatorio

Un'impaginato particolarmente valido quello predispisto dal violinista palermitano Davide Alogna e dal pianista riminese Enrico Pace. Alogna da alcuni anni è alla ricerca di rarità compositive di autori italiani come Margola, Fano, Wolf-Ferrari, Castelnuovo Tedesco, Pizzetti, ecc., che inserisce in concerti cameristici insieme a brani celebri di repertorio. Ieri sera, nel concerto di Sala Verdi organizzato da Serate Musicali, la serata è stata introdotta da un lavoro di Franco Margola ( 1908-1992) , musicista bresciano - di Orzinuovi- autore di una copiosa produzione musicale che andrebbe riconsiderata. La sua Sonata n.1 per violino e pianoforte del 1931, è in prima esecuzione a Milano, ha tre movimenti - Sostenuto/ andante, Lento e Vivace- , e un eccellente equilibrio formale che riprende lo stile, soprattutto francese, di fine Ottocento tradotto in un clima neoclassico. Ottima la resa interpretativa del duo Alogna-Pace, giocata su un'intesa perfetta nella distribuzione delle parti e nella resa timbrica sicura e dettagliata. I tre deliziosi brevi brani successivi, Pagine d'album n.2, del padovano Guido Alberto Fano (1875-1961) sono stati interpretati ancora con perfetta sincronia e corretto equilibrio dinamico. Le rilevanti qualità interpretative del duo sono emerse poi nei brani successivi di Schumann e Franck. Prima la nota Sonata in la minore op.105 del tedesco e poi, dopo l'intervallo, la straordinaria Sonata in la maggiore di Cesar Franck, preceduta dal suo Andantino quietoso op.6, hanno rivelato le alte qualità espressive sia di Alogna che di Pace, pianista quest'ultimo tra i più prestigiosi internazionalmente, ascoltato molte volte in Conservatorio con il celebre violinista greco Leonidas Kavakos. La minuziosa esternazione melodico-armonica di Pace, rivelata in ogni dettaglio con precisione ed espressività, ha trovato l'inserimento delle intense linee melodiche del bravissimo violinista, dotatato di perfetta intonazione e luminosa timbrica dai colori mediterranei. Applausi calorosi dal pubblico intervenuto in Conservatorio e molto bello il bis concesso con il raro Franck di Mélacolie, un brano dolcissimo ricco d'espressività. Bravissimi!

7 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

RIPRENDE A NOVARA LA STAGIONE DEL FESTIVAL CANTELLI

Dopo una pausa di circa un mese e mezzo, è ripresa oggi, 5 febbraio, a Novara la quarantaduesima stagione del Festival Cantelli, promosso dall’Associazione Amici della musica Vittorio Cocito, con un recital del ventenne pianista Paolo Ehrenheim all’auditorium Olivieri, la sala concerti del Conservatorio cittadino. Allievo del Maestro Luca Schieppati presso il Conservatorio di Milano, Ehrenheim, nonostante la giovane età, ha già collezionato una lunga serie di affermazioni in numerosi concorsi nazionali e internazionali, tra i quali è d’obbligo segnalare il primo premio assoluto all’edizione 2021 del Premio Internazionale Martucci, concorso pianistico indetto annualmente, dal 2015, a Novara, dall’Associazione Amici della Musica. Nel concerto di ieri sera Ehrenheim presentava cinque composizioni, che abbracciavano tre secoli di storia della musica, dal ‘700 di J.S. Bach ad oggi. L’impaginato proponeva dunque una trascrizione per pianoforte solo del Concerto BWV 974 di Bach ( a sua volta trascrizione per clavicembalo del Concerto per oboe e archi di Alessandro Marcello), la Fantasia quasi sonata Après une lecture du Dante, dagli Annees de pelerinage di Liszt, Finlandia, Poema sinfonico per pianoforte solo di J. Sibelius ( anche in questo caso una trascrizione, dello stesso Sibelius, della celebre opera omonima da lui composta in una versione originaria per orchestra) le Blanca variations di Th. Adès (2016), per concludere con lo Shostakovic del Preludio e Fuga op.87 n. 24. Si tratta, come si vede, di composizioni che, nella maggior parte dei casi, presentano un livello notevolmente alto di difficoltà esecutiva. Va detto anche che proprio con due dei brani in programma, la Fantasia quasi sonata di Liszt e il Preludio e Fuga n.24 di Shostakovic, Ehrenheim si era aggiudicato due anni fa il Premio Martucci. Questa ampia carrellata di opere musicali così stilisticamente diverse, presuppone in primo luogo un interprete assai duttile, dotato di una non comune capacità di adattarsi a stili e linguaggi musicali lontani tra loro. A tale categoria di interpreti appartiene decisamente Ehrenheim il cui talento si esprime in una già superba padronanza tecnica della tastiera, unita ad un tocco che gli consente di fraseggiare il delicato contrappunto bachiano del Concerto BWV 974 con un suono limpido ed elegantemente tornito, avvolto da una dolce vena di malinconia, mai enfatizzata, nel sin troppo famoso Adagio, sfruttato dal cinema come colonna sonora a cominciare dal film “Anonimo veneziano”, che lo rese noto al cosiddetto ‘grande pubblico’. Ma è un tocco capace anche di un vigore e di un’energia trascinante che permettono al giovane pianista di dare un’ottima esecuzione dell’arduo “Après une lecture du Dante”, facendo risuonare con potenza persino inquietante, con una percussività metallica che ne accentuava la tragica cupezza, l’ossessivo motivo accordale in tritoni discendenti che domina la prima parte del pezzo, per poi stemperarsi, nella rarefatta e opalescente dolcezza, sublimata in un incantevole registro acuto, nella sezione ‘paradisiaca’, dove decisiva è la sensibilità dell’esecutore per la sottile variazione delle dinamiche, di cui il suono s’illumina, liberandosi dalle brumose caligini infernali della prima sezione tematica. Convincente davvero, questa interpretazione dell’opera lisztiana, fornita da Ehrenheim, in cui le parti più virtuosistiche non apparivano fini a se stesse, ma parte integrante di un disegno interpretativo che il pianista riusciva a comunicare al pubblico. Mentre l’esecuzione di Finlandia di Sibelius non va oltre un impeccabile rigore accademico (sia chiaro: è un complimento; per chi scrive l’aggettivo “accademico” non ha affatto significato negativo, tutt’altro!), Ehrenheim ci è piaciuto moltissimo nelle due composizioni conclusive., L’interpretazione del Preludio e Fuga n.24 in re minore (la stessa tonalità del brano iniziale: una coincidenza?) si è avvalsa di una tessitura sonora di estrema raffinatezza, in particolare nel Preludio, in cui il suono, come avvolto da una sottile aura di mistero, grazie a un portentoso controllo dell’agogica, si è librato lentamente in una progressiva tensione, intorno a un disegno motivico intriso di delicata tenerezza, nel quale l’interprete, in una breve presentazione al pubblico ha identificato la rivolta dell’individuo nei confronti del brutale collettivismo burocratico del regime sovietico. Ammirevole la disinvoltura con la quale Ehrenheim ha dominato i più complessi passaggi della fuga a quattro voci, conservando sempre quel suono evocativo ed emotivamente coinvolgente del Preludio. Quanto alle Blanca Variations di Adès, il cui titolo gioca sul doppio senso di “blanca”, che allude al tema della canzone latinoamericana “Lavaba la blanca nina”, quanto al nome della pianista Blanca Delgado, si tratta di una composizione che si caratterizza per estrema varietà di soluzioni ritmiche, agogiche e dinamiche, che trasformano il tema, talora rendendolo irriconoscibile, in vortici, che spesso prendono vita sulla tastiera, di scale e trilli, non allontanandosi troppo dalla tonalismo, com’è nell’abituale stile compositivo di Adès. Anche in questo caso l’esecuzione di Ehrenheim ha espresso, una volta di più, la sua eccellente varietà di tocco e capacità di adesione piena al mondo sonoro del brano, offrendo al pubblico un pezzo di raffinata sapienza architettonica nello sviluppo delle variazioni. Sollecitato dagli scroscianti applausi del pubblico, il giovane pianista ha concesso come bis una Sonata di Scarlatti, eseguita con delicata dolcezza timbrica. Un’altra bella serata di musica, questa offerta oggi dagli Amici della musica, che ha anche il merito di far conoscere un giovane , cui non è difficile profetizzare un brillante futuro. (Foto Borri - Novara)

6 febbraio 2023 Bruno Busca

Ludovico Troncanetti al Teatro Gerolamo per Anton Rubinštejn

Un impaginato particolarmente interessante quello del pianista Ludovico Troncanetti nel concerto di tarda mattinata ascoltato al Teatro Gerolamo. L'interprete senese ha eseguto brani di Franz Liszt (1811-1886) , Camille Sain-Seans ( 1835-1921) e Anton Rubinštejn (1829-1894), mettendo in risalto sia gli elementi melodici che quelli virtuosistici delle rispettive composizioni, alcune più note come Les adieux - dal Romeo e Giulietta di Gounod- del grande virtuoso ungherese, o come Souvenir d'Italie op.80 del compositore francese, e un brano, quale la Sonata n.4 in la minore op.100, autentica rarità mai eseguita a Milano, del grande virtuoso e compositore russo. Un lavoro quest'ultimo che per dimensione ha occupato la parte maggiore della mattinata musicale denominata "Omaggio a Rubinštejn" . Troncanetti ha dimostrato di avere tutti i requisiti per una solida e valida restituzione musicale in lavori di non facile esecuzione per le impervie difficoltà tecniche che i brani impongono. L'ottima capacità di passare dai volumi sobri e riflessivi presenti in tutti i lavori, alle sonorità più voluminose, specie nel brano del russo, con numerose progressioni dinamiche e chiarezze di dettaglio, lo rendono un valente interprete. Particolarmente interessante e ben restituita la Sonata n.4 di Rubinštejn, musicista molto dimenticato in Italia, pur avendo una copiosa produzione sia cameristica che sinfonica. Ottimo l'equilibrio tra i movimenti più intimi e delicati e quelli più estroversi e voluminosi. Valido il bis con l'Andante dalla Sonata n.1 ancora di Anton Rubinštejn

6 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Oleg Caetani e l'Orchestra Sinfonica di Milano per Chopin e Liszt

Da molti anni ascoltiamo Oleg Caetani dirigere l'Orchestra Sinfonica milanese e ammiriamo le sue note qualità direttoriali che hanno esaltato soprattutto e non solo i musicisti russi, Šostakovič prima di tutti. Ieri sera l'impaginato prevedeva due compositori molto vicini nel tempo ma con brani definiti da catatteristiche differenti. Fryderyk Chopin (1810-1849) con il suo Concerto per pianoforte e orchestra n.1 in mi minore op.11, uno dei più eseguiti al mondo, e Franz Liszt (1811- 1886) con la sua Dante Sinfonia S.109, lavoro di raro ascolto ispirato naturalmente dalla Divina Commedia. Nel celebre concerto del polacco un giovane solista e promessa del concertismo internazionale quale il trevigiano Elia Cecino ha avuto ruolo di protagonista al pianoforte. Cecino, vincitore di importanti concorsi internazionali e di un Premio Venezia riservato ai migliori studenti di Conservatorio, ha rivelato qualità certe nell'esprimere l'importante parte solistica di un concerto dove lo strumento a tastiera ha ruolo prioritario. Coadiuvato molto bene dall'orchestra e dalla direzione di Caetani, il ventunenne ha rivelato scorrevolezza, sicurezza e un tocco delicato ma intensamente espressivo nei tre movimenti del concerto. Un suono vellutato e dolce è emerso nel Larghetto centrale e una naturale risoluzione di ogni difficoltà virtuosistica è stata rilevata nei momenti più impervi del concerto come nel pregnante Rondò.Vivace finale. Una complessiva ottima interpretazione. Tre i bis solistici concessi con due note Mazurche di Chopin quali l'Op.24.n.4 e l'Op.24 n.2 interpretate con sentimento, inframezzate da un delizioso Preludio e Fuga di Dmitri Šostakovič, il N.21 in Si bem.maggiore,eseguito con grinta, in modo energico ed espressivo. Dopo l'intervallo la Dante-Sinfonia di Liszt, brano per Orchestra e Coro femminile e di Voci bianche, ha rivelato ancora una volta le qualità del direttore. La Sinfonia in tre parti, Inferno, Purgatorio e Magnificat, ha caratteristiche virtuosistiche tipiche lisztiane con frangenti concitati soprattutto nella prima parte ed altri di soave resa espressiva, mediata anche dalla sensibile esternazione corale. Un plauso oltre al Direttore Caetani anche al Maestro del Coro di voci bianche Maria Teresa Tramontin e naturalmente ai bravissimi orchestrali. Applausi fragorosi al termine.

4 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Davide Cabassi alla Società dei concerti per Schumann, Musorgskij, Adés e Taccani

È tornato il pianista milanese Davide Cabassi alle serate organizzate dalla Società dei Concerti per un recital ben impaginato che prevedeva oltre a due corpose composizioni di Schumann e Musorgskij, rispettivamente Kreisleriana op.16 e Quadri di un'esposizione, anche due brevi brani di musicisti contemporanei inseriti come "introduzione" ai celebri lavori del tedesco e del russo. Erano Berceuse dall' opera lirica "The exterminating angel" del londinese Tomas Adés (1971) e Klare Lebende Steine del milanese Giorgio Colombo Taccani (1961). Il primo, di Adés ad introduzione di Schumann, ci è apparso di notevole scrittura. Una sorta di iniziale ninna nanna che trova poi momenti più concitati nel linguaggio personale del compositore inglese ispirato da molti musicisti, con evidenti riferimenti ai colori di Debussy nella parte iniziale. Cabassi ha ben colto la leggerezza iniziale del lavoro, elargendo espressività ed esternando bene le timbriche più cupe della parte centrale e gli intensi e pregnati accordi finali. Anche il brano di Colombo Taccani, introduttivo ai Quadri, ha trovato un'ottima interiorizzazione da parte del pianista. Klare Lebende Steine è un breve ed intenso brano di poche note, ben armonizzate con effetti di riverbero suggestivo ed andamento meditato che trova nella bellezza tonda delle timbriche la sua valenza estetica. Ottima la riflessiva restituzione di Cabassi. La celebre Kreisleriana op.16, un brano in otto parti spesso in contrasto tra loro ma ben inseriti nel complessivo della composizione, ha trovato una valida restituzione nel pianismo dell'interprete. Cabassi ha colto in toto la coerenza del brano con una linea esecutiva ricca di contrasti ben plasmati nei distinti piani sonori dai quali emergevano sovente sottili preziosità. Alcuni frangenti di eccellente resa, hanno trovato altri, specie nel finale, con una sintesi discorsiva a volte affrettata e non sempre chiara nei dettagli. Di valore comunque la resa complessiva. L'interpretazione dei celebri Quadri di un'esposizione ci è sembrata in ottima sintonia con le caratteristiche del corposo brano. Un pianismo quello del milanese, che sa essere all'occorrenza pregnante nelle grandi volumetrie ma anche sottile nei momenti più interiori. Ottima la restituzione complessiva dei Quadri e meritatissimi i fragorosi applausi al termine del programma ufficiale. Due i bis concessi. Prima una rarità di Emanuele Delucchi, pianista e compositore, quale Lullaby for Chiara, brano particolarmente riuscito, ricco di elaborazioni sulle poche note del tema iniziale. Poi di Schumann, dal Carnaval op.9, i brevi e deliziosi Chiarina e Chopin. Ottime le restituzioni.

2 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

Il Duo Alterno al Museo del Novecento

Il Museo del Novecento nella scenografica Sala Fontana ha ospitato, in collaborazione con NoMus e la Società del Quartetto, un interessante spettacolo musicale denominato “Lachrimae”. Un concerto del Duo Alterno, coppia di noti musicisti formata dal soprano Tiziana Scandaletti e dal pianista Riccardo Piacentini. Il duo è considerato un importante riferimento nel repertorio vocale-pianistico del Novecento e soprattutto contemporaneo. La voce recitante di Guido Barbieri, in alternanza ai brani musicali, ha sostenuto una valida parte di lettura di alcuni testi poetici e anche un suo pregnante testo denominato Sei metri quadrati: un racconto sconvolgente sulla sofferenza di vita di un detenuto di Guantanamo. L'impaginato, differenziato ma unitario nello stile estroso e personale dei protagonisti, prevedeva come introduzione un significativo lavoro di Sylvano Bussotti del 1978, Lachrimae, eseguito in questi decenni in più versioni cameristiche. È un lavoro nato come balletto rivisitato dal Duo Alterno per voce , pianoforte, recitazione e movenze coreografiche, in una versione autorizzata dall’Autore con frammenti in lingua francese antica, inglese, tedesca e italiana. Quasi un quadro teatrale, oltre che musicale, anche ben recitato e ottimamente cantato dal soprano, con interventi attoriali anche del bravissimo pianista. Il brano sucessivo della compositrice Elisabetta Capurso…veniva il vento d’estate… (2005) per pianoforte sulla cordiera e sulla tastiera ci ha portato in un frangente solo pianistico, con un lavoro non facile, ricco di timbriche irregolari lontane dalla scrittura tonale, con salti di altezze sapientemente espresse da Piacentini. Dopo l'ottima lettura di tre testi di Giuseppe Rosato da parte di Barbieri denominati "E dapò?”, tre commiati in dialetto abruzzese, il duo ha interpretato con disinvoltura la musica omonimo di Paolo Rosato su questi testi, per un brano del 2020. Interessante il brano successivo composto da Piacentini per pianoforte e voci registrate e denominato Jazz motetus X (Como un caballito de mar) del 2019. Un lavoro su un verso di Federico Garcia Lorca, ricco e diversificato, dove le timbriche pianistiche e la voce di Piacentini si intersecano con gli effetti sonori preregistrati in un tutto musicale energico. La lettura del toccante testo di Barbieri Sei metri quadrati ha introdotto l'omonimo brano per voce e pianoforte di Luigi Esposito, scritto nel 2010 e dedicato al Duo Alterno. Un'interpretazione che ha voluto ancor più potenziare la devastante narrazione sulla prigionia del campo americano di Guantànamo sull'isola di Cuba. Applausi fragorosi nella Sala Fontana stracolma, con molti spettatori in piedi. Ottimo il bis di Astor Piazzolla reso con passione dall'ottimo Duo.

1 febbraio 2023 Cesare Guzzardella

GENNAIO 2023

Il pianista Lukas Geniušas per le Serate Musicali

È tornato in Sala Verdi per le Serate Musicali del Conservatorio il pianista russo-lituano -nato a Mosca- Lukas Geniušas, per un concerto di particolare interesse che prevedeva musiche di Schubert e di Rachmaninov. Già nel 2013 e nel 2017, in questa sala, il virtuoso trentaduenne aveva rivelato un alto livello interpretativo, giocato su un approccio pianistico personale e ricco di creatività. Nel concerto di ieri sera, Geniušas ha rinnovato le qualità d'allora attraverso interpretazioni rilevanti. I Quattro Improvvisi D.899 (1827) di Schubert eseguiti nella prima parte della serata, seguiti poi dal Minuetto in do diesis minore D 600, sempre del viennese, hanno trovato un'esternazione lontana dalle interpretazioni entrate nella storia e mediate da un bisogno di personalizzazione, a mio avviso, a volte riuscito, altre volte meno. Mentre l'Improvviso n.1 in do minore iniziale risultava un po' frammentario e poco interiorizzato, il n.2 in mi bem.maggiore e soprattutto il n.4 in la bem.maggiore rivelavano una personale compattezza e un' ottima definizione. Valido il n.3 in sol bem .maggiore. Ottimo il Minuetto, brano di rara esecuzione . La seconda parte della serata ha decisamente segnato una svolta al concerto con un meritevole e particolare Rachmaninov nella Sonata n.1 in re minore op.38. Geniušas è riuscito ad eseguire in prima esecuzione la versione originale (1906-1907) dalla prima stesura della sonata, avendo recentemente ritrovato il manoscritto in una biblioteca di Mosca. Una Sonata particolarmente corposa, con momenti di grande virtuosismo, che il pianista ha affrontato in modo mirabile, elargendo una complessiva esternazione di altissimo livello, che dimostra un'affinità evidente con il grande compositore russo. Il pubblico presente in sala ha assai apprezzato questo lavoro elargendo ripetuti e fragorosi applausi. Eccellenti i bis: prima lo Studio n.11 op.10 di Chopin elargito mirabilmente, con perfetto equilibrio formale e precisa ed intensa espressione nell'ottima personalizzazione; quindi uno degli ultimi tra i 24 Preludi del compositore ucraino Leonid Desyatnikov (1955), autore particolarmente gradito all'eccellente pianista. Un brano ricco di ritmica percussiva, dal sapore bartokiano, con anche riferimenti al folclore ucraino. Ancora applausi convinti.

31 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

Musica Maestri! in Conservatorio con Chiara e Valentina Kaufman

La rassegna musicale legata al Conservatorio milanese denominata Musica Maestri!, prevedeva oggi in Sala Puccini, nel tardo pomeriggio, un concerto di grande interesse con la vincitrice del concorso del Conservatorio "G.Verdi" per la Categoria c, quella degli strumenti ad arco e a corda. La giovane violoncellista Chiara Kaufman, classe 2004, è risultata meritatamente la vincitrice. Accompagnata da Valentina Kaufman, sorella pianista, Chiara ha rivelato le sue qualità interpretative in un impaginato che prevedeva mesiche di Beethoven con 7 Variazioniin mi bem. maggiore sul tema mozartiano Bei Männen, welche Liebe fùhlen, quindi di Schumann con la Phantasiestücke op.73 e a conclusione di Prokofiev con la corposa Sonata in do magg. op.119. Di qualitè le interpretazioni ascoltate grazie al tocco incisivo, preciso e coinvolgente della cellista, in piena sinergia con l'avvincente componente pianistica, resa con classicità, perfezione tecnica e coinvolgimento interiore da Valentina. Applausi fragorosi dal numerosissimo pubblico intervenuto e ottimo il bis concesso con il Largo dalla Sonata per violoncello e pianoforte  op.65 di Chopin.  Bravissime!

29 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

Valeriy Sokolov e Stanislav Kochanovsky con la Filarmonica Toscanini per l'Unione Camere Minorili

Di ottima qualità il concerto promosso dalla Fondazione Arturo Toscanini e dall'Unione Camere Minorili, associazione rappresentativa degli avvocati minorili italiani, svoltosi ieri pomeriggio in Conservatorio. La neonata collaborazione tra la Filarmonica Toscanini e l'UNCM ha l'intento di promuovere attraverso la musica un'azione formativa per i giovani, che possa coniugare culture diverse, inserendo "Pillole di legalità" in spettacoli musicali destinati soprattutto ad adolescenti ed educatori. La Filarmonica Toscanini, diretta dal russo- di San Pietroburgo- Stanislav Kochanovsky, ha presentato un programma importante, con il Concerto in re maggiore per violino e orchestra op.35 di Čaikovskij e le Danze Sinfoniche op.45 di Rachmaninov. I due noti lavori sinfonici sono stati preceduti da un breve ma interessante brano che vedeva la partecipazione del rapper El Simba e della cantante Joseena, in un lavoro dello stesso rapper dal titolo "Una speranza, mille sentimenti". L'arrangiamento di Andrea Coruzzi per voci, violino e percussioni, ha visto impegnati due musicisti della Filarmonica, ossia il primo violino Mihaela Costea e il timpanista Francesco Migliarini. L'ottima esecuzione del brano ha evidenziato le doti delle due voci e le qualità della violinista, che con una felice scrittura ha delineato in modo classico e preciso un lavoro particolare, dove anche la componente improvvisatoria ha un ruolo importante. Un' ottima iniziativa trasversale di "ibridazione" musicale, in linea con gli scopi della partnership sopra descritta, che andrebbe ripetuta spesso. Di seguito, il celebre Concerto Op.35 del primo grande russo ha trovato come solista Valeriy Sokolov, violinista di fama internazionale che ha ottimamente interpretato il concerto mediante timbriche morbide e all'occorrenza decise e ben delineate. Di eccellente qualità il movimento centrale, un Andante particolarmente interiorizzato da Sokolov. Ottima la sinergia con il direttore Kochanovsky, dotato di gesto elegante e producente, e molto valida la restituzione orchestrale. Dopo il breve intervallo, le corpose ed energiche Danze Sinfoniche op.45 del secondo compositore russo hanno rivelato ancor più le qualità degli orchestrali e il segno preciso della direzione di Kochanovsky per un' interpretazione di eccellente livello espressivo. Ottimo il bis concesso al termine, con il noto Vocalise ancora di Rachmaninov. Applausi fragorosi dal numeroso pubblico intervenuto.

29 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

MAURIZIO BAGLINI E LA CAMERATA DUCALE A VERCELLI PER IL VIOTTIFESTIVAL

Il programma del concerto proposto dal ViottiFestival ieri sera, sabato 28 gennaio, al Teatro Civico di Vercelli, era impaginato sulla Sinfonia per archi n.10 in si minore di F. Mendelssohn-Bartholdy, sul concerto per pianoforte in La maggiore n.12 K 414 di Mozart, sull’Elegia in memoria di Ivan V. Samarin per orchestra d’archi in Sol maggiore di P.I. Ciajkovskij, per entrare infine con fragorosi squilli di tromba nel ‘900 con il concerto per pianoforte, tromba e orchestra d’archi in do minore n.1 op.35 di D. Schostakovic. Un programma meravigliosamente ‘provocatorio’, che potremmo definire ispirato dalla volontà di produrre un ‘effetto-choc’: dopo le dolci, limpide melodie di Mendelssohn, Mozart e Ciajkovskij, ecco esplodere la meravigliosa, sgangherata, sguaiata sonorità del concerto di Schostakovic: dalla più pura tradizione classico-romantica l’ascoltatore è improvvisamente trascinato nel mondo dello sperimentalismo musicale del pieno ‘900, nella sua versione ironico- burlesca. Il tutto affidato alla sapiente bacchetta del violinista e direttore Guido Rimonda e alla sua Camerata Ducale, sempre più ringiovanita (segno indubbio di vitalità e di una ‘politica’ intelligente di apertura ai giovani, preparati e pieni di entusiasmo) mentre, per i due concerti, alla tastiera il pubblico vercellese ha avuto il piacere di ascoltare una sua vecchia conoscenza, uno dei migliori pianisti italiani d’oggi, Maurizio Baglini. La Sinfonia in si minore n.10, con cui ha avuto inizio la serata, è una delle dodici sinfonie per archi, scritte da un Mendelssohn adolescente e che l’autore stesso, considerandole puro esercizio di apprendistato, non ritenne neanche degne di un numero d’opus. Si tratta invece di opere che gli storici della musica e i direttori d’orchestra in tempi recenti hanno rivalutato, giustamente, riconoscendo nella maggior parte di esse una consapevolezza compositiva ed espressiva già mature, nonostante la giovanissima età dell’autore. In un unico movimento (a differenza delle altre), un Allegro di sonata, preceduto da un breve Adagio con funzione puramente introduttiva - alla maniera di Haydn- nell’interpretazione di Rimonda, come di consueto molto curata e precisa nei rapporti sonori e nei piani dinamici, la sinfonia mendelssohniana ha espresso al meglio la sua caratteristica essenziale: quella luminosa chiarezza melodica e quella serenità spirituale che traspaiono sia dal tono più meditativo e cantabile dell’Adagio, sia dallo spigliato profilo ritmico e dal brillante ‘finale’ dell’Allegro. Un’ottima esecuzione, che giustifica appieno, se mai ce ne fosse bisogno, il recupero di questo esordio fanciullesco del grande compositore amburghese; aggiungiamo che si tratta di un’opera particolarmente adatta al particolare ‘suono’ che con gli anni e il succedersi delle generazioni la Camerata Ducale ha maturato, un suono trasparente ed elegante, raffinatamente cameristico, e sottilmente espressivo, che le permette di raggiungere l’eccellenza in composizioni come questa, in cui classicismo e romanticismo si fondono in una ideale simbiosi. Decisamente valida anche l’interpretazione dell’Elegia di Ciajkovskij, uno dei gioielli del suo catalogo, che forse non riceve nelle sale da concerto italiane tutta l’attenzione che merita. Guidata da Rimonda, la Camerata Ducale ha realizzato un registro espressivo di incantevole morbidezza, reso elegante da una netta pulizia di suono, dovuta anche ai frequenti raddoppi d’ottava in partitura .Un merito di questa interpretazione ci è parsa l’intensa carica espressiva nella gestione dell’agogica e delle dinamiche, nel passare dalla misteriosa nostalgia dell’indimenticabile tema “interrogativo” che ritorna ossessivamente nel breve brano, al tono inquieto, fitto di sincopi, della sezione centrale, non facile per i frequenti passaggi in imitazione tra le varie sezioni degli archi. Il tutto suonato in una dimensione di intimo raccoglimento, resa possibile dalla dimensione cameristica dell’ orchestra torinese-vercellese, che aggiungeva una nota di più segreta dolcezza alla partitura. Questa bellissima serata musicale ha toccato il suo culmine con i due concerti pianistici che hanno visto protagonista Maurizio Baglini. Il Maestro pisano era chiamato a confrontarsi con due’ mondi sonori’ che più distanti di così sarebbe difficile immaginare: la fluidità melodica di ispirazione galante, alla Johann Christian Bach, del concerto K 414 di Mozart e quell’ incredibile pastiche musicale, da Beethoven alla musica da music hall e da circo che è invece il concerto n.1 di Schostakovic. Per affrontare credibilmente, su un piano non meramente esecutivo, ma anche interpretativo ed espressivo due partiture così diverse ci vuole un pianista che alla perfetta padronanza ‘tecnica’ della tastiera sappia accompagnare le qualità di un vero interprete, capace di ‘vedere’ al di là del suono prodotto, il mondo che esso evoca. Un pianista di questa pasta è senz’altro Baglini. La scrittura pianistica del K414 mozartiano non pone ardue difficoltà esecutive e non richiede certo tour de force virtuosistici, però impone un particolare lavoro espressivo sul suono, che Baglini ha realizzato alla perfezione, col suo Fazioli gran coda. E’, quello che Baglini ha creato per questo concerto, un suono di purissima freschezza, accompagnata da un gioco di timbri e di melodie di rara raffinatezza, una sorta di variegata e sfumata iride sonora che avvolge l’intera composizione. L’ascoltatore ne è colpito già dall’Allegro iniziale, dalla levità e delicatezza con cui è fraseggiato il primo tema e in generale dalla limpida fluidità, dal sereno abbandono al gioco vario delle divagazioni e degli incisi melodici che accompagnano tutto il primo tempo, in cui la ricchezza dei piani dinamici, esaltata dal tocco del pianista, crea suggestive ombreggiature. Questa qualità del suono di Baglini, che si avvale anche di un uso preciso dei pedali, si conferma naturalmente anche nei due successivi movimenti, toccando il suo apice nello sviluppo dell’Andante, ove, grazie anche all’interazione con l’orchestra, lo svolgimento melodico è avvolto in un succedersi di chiaroscuri di rara suggestività. Par quasi da non credere che questo pianista sia lo stesso capace di dare voce al complesso mondo sonoro del concerto di Schostakovic, in cui il dominante tono clownesco improntato a un’ironia sarcastica quanto amara, non esclude momenti di abbandono lirico, venato da un’indefinita ombra di malinconia. Baglini riesce a bilanciare con sapiente equilibrio queste due componenti, anche grazie ad un dialogo perfetto con la tromba, affidata alla giovane quanto brava Serena Basandella, che interagisce col pianoforte nei momenti-chiave del concerto. Dunque Baglini dà vita ad un suono percussivo, martellato con potente vigore e ad un fraseggio sostenuto da una linea ritmica di violenza quasi allucinata, nel primo tempo e nell’Allegro con brio finale, ove il suono, in prevalenza tenuto sui registri acuti, e con accordi massicci, acquista un ulteriore accento di vitalità chiassosa e farsesca. Di contro, di forte suggestione è l’esecuzione delle parti pianistiche del Lento, con il suo inimitabile ritmo di valzer triste in apertura, che si fa vero e proprio graffio sull’anima dell’ascoltatore, quando Baglini, nel finale del movimento sale a registri più acuti, creando un’atmosfera sonora così penetrante da rendersi indimenticabile. Nel presentare questo capolavoro al pubblico, Baglini ne indicava una delle possibili chiavi di lettura, soprattutto per il quarto tempo, nella parodia delle musiche che, al pianoforte, accompagnavano il cinema muto e che lo stesso Schostakovic compose, per vivere, in discreta quantità: è possibile, ma quando sentiamo il suono della tromba in sordina nella terza sezione del Lento (bravissima in questo passaggio la Basandella) nella nostra mente l’idea di un Divertissement cede bruscamente il posto a quella di una carnevalesca e perciò ancora più orribile Apocalisse: non dimentichiamo che questo concerto è del 1933, l’anno dell’ascesa al potere di Hitler e dei primi episodi del terrore staliniano, che sfiorò in almeno un paio di occasioni lo stesso Schostakovic. Due splendide esecuzioni, cui naturalmente la Camerata Ducale non ha mancato di dare il suo contributo, dialogando con grande efficacia con il solista, con sicuro stacco dei tempi ed entrate degli strumenti sempre regolate con precisione dalla bacchetta di Rimonda, che realizza al meglio il tono clownesco dominante in gran parte della partitura di Schostakovic. Travolgente il successo della serata, e in particolare del concerto di Schostakovic, presso il pubblico che stipava la platea del Civico: le ovazioni hanno strappato due bis, entrambi dal Concerto per pianoforte e tromba: il finale e tutto il primo tempo. Un concerto, quello di ieri, che annoveriamo tra i più belli tra gli ormai numerosi ascoltati qui a Vercelli. ( Foto dall'Ufficio Stampa di Vercelli)

29-01 2023 Bruno Busca

Applausi fragorosi alla Scala per la Salome di R.Strauss-Michieletto

Ancora un meritato successo alla quinta e penultima rappresentazione di Salome al Teatro alla Scala. L'atto unico che Richard Strauss compose nei primissimi anni del Novecento è ispirato dal celebre poema di Oscar Wilde nella riduzione letteraria di Hedwig Lachmann. La riuscita sintesi artistica ha trovato la valida regia di Damiano Michieletto nel contesto delle geometriche e prospettiche scene di Paolo Fantin, ben illuminate da Alessandro Carletti. L'importanza dell'elemento scenico nell'inquadrare i protagonisti, sottolineandone le qualità attoriali oltre che a quelle vocali, risulta essenziale in questo adattamento già introdotto alla Scala nel febbraio del 2021 per una diffusione solo in streaming. Con qualche variante, adesso Salome ha accolto un pubblico numerosissimo in tutte le rappresentazioni. Ieri sera alla direzione dell'Orchestra del Teatro alla Scala c'era Michael Güttler ( in alternanza con Axel Kober), il quale ha sostenuto con efficace resa la non facile partitura. Una musica quella del compositore tedesco terminata nel 1905, che deve seguire costantemente i ritmi serrati, ricchi di contrasti, che il rapido dialogo dei protagonisti impone. Protagonista principale del corposo lavoro è stato il soprano lituano Vida Miknevičiutè, una Salome di eccellente livello che si disvela sia per voce che attorialmente in un ruolo complesso di amore e odio per il profeta Jochanaan. La non facile lettura, in chiave psicoanalitica operata da Michieletto, ha trovato complessivamente una solida resa drammaturgica grazie alla valida incisività di tutti i protagonisti. Dopo la già citata Micnevičiutè, segnaliamo almeno le ottime prestazioni sia vocali che attoriali del tenore Wolfgang Ablinger-Sperrhacke, in Herodes e del mezzo-soprano Linda Watson in Herodias. Validi anche il corposo baritono Michael Volle nel profeta Jochanaan e l'incisiva vove tenorile di Sebastian Kohlhepp in Narraboth. Bravi tutti gli altri. Adeguati nel contesto scenografico i costumi di Carla Teti e la coreografia di Thomas Wilhelm ripresa da Erika Rombaldoni. Pubblico entusiasta al termine con applausi a tutti i protagonisti, fragorosi per la principale protagonista. L'ultima replica è il 31 gennaio. Da non perdere. ( foto di Brescia ed Amisano dall'Archivio della Scala)

28 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

Successo strepitoso per Renée Fleming e Evgeny Kissin al Teatro alla Scala

Un recital particolarmente interessante nell'impaginato e memorabile nella riuscita, quello ascoltato ieri sera al Teatro alla Scala dove il celebre soprano statunitense Renée Fleming ha trovato al pianoforte il grande pianista russo Evgeny Kissin che naturalmente oltre ad avere il ruolo, non certo secondario, di sostenere la voce in lieder di Schubert, Liszt, Rachmaninov e Duparc, ha avuto importanti momenti d'interventi solistici, interpretando alcuni brani dell'ungherese e del russo. Una sorta quindi di doppio recital con la parte più preponderante dedicata ai colori intensi ed espressivi della Fleming. Il riflessivo e pregnante pianismo di Kissin è l'evidente dimostrazione che, specie in compositori come quelli sopracitati, non esiste un ruolo secondario del pianoforte ma le composizioni per canto e pianoforte, quando definite da una componente armonica fondamentale, soprattutto in Liszt e Rachmaninov - ma anche in Schubert- hanno un insieme unitario tra i due elementi timbrici. I quattro lieder di Schubert che hanno introdotto l' impaginato, studiato alla perfezione dagli interpreti in modo da non creare contrasti inadeguati, hanno rivelato le ottime timbriche della Fleming, voce intonatissima, mai forzata, e ricca di tenue sfumature coloristiche. Abbiamo ascoltato del compositore viennese prima Suleika 1 poi Die Vögel, Lied de Mignon ed infine Rastlose Liebe, apprezzando l'interpretazione. Il Liszt successivo ha impegnato nei primi due lavori solo il pianista con Sposalizio da Année de pèlerinage - Italie, in un'esecuzione interiorizzata, scavata, riflessiva e ricca di espressività nelle note centellinate, quindi il più estroverso, scorrevole e delizioso Valse n.1 dai Quatre Valses oubliées. È ritornata poi la Fleming, accompagnata dal pianista in palcoscenico, per tre rare ma efficaci romanze di Liszt che tradotte nella nostra lingua titolano: Al colmo della gioia e del dolore, Su tutte le vette è pace e Nel Reno, nel bel fiume. Intesa ottima tra i due interpreti in questi brani di raro ascolto, con sonorità virtuosistiche al pianoforte tipiche del musicista ungherese e una voce ben delineata che rivela le ancora integre doti della cantante americana nel mettere in rilievo le capacità compositive del genio ungherese, in un settore musicale meno conosciuto. Dopo il breve intervallo, è stato il turno di Rachmaninov prima vocale, poi per solo pianoforte. Due canti, Siren' (Lillà) e Son (Il sonno), quindi il solo pianoforte con il meditato Mélodie e la spagnoleggiante Sérénade, entrambi dai Morceaux de fantasie op.3. Fragorosi applausi e ancora quattro brani: due di Liszt con il breve Se c'è un grazioso praticello e il corposo e splendido Oh! Quando dormo; quindi due canti di rara esecuzione del parigino Henri Duparc, Extase e Le manoir de Rosemonde, che hanno concluso il programma ufficiale. Questi ultimi due lavori, di rarissimo ascolto, erano molto in sintonia con i precedenti e ancora interpretati con evidente espressività. Applausi lunghi e calorosi al termine del programma ufficiale in un teatro al completo e ben tre i bis concessi : prima una meditata e luminosa Ave Maria di Schubert, poi ancora un lied di Rachmaninov e, a conclusione, di Richard Strauss un'intensissima Morgen. Pubblico in delirio, in piedi, e numerose uscite dei due grandi protagonisti visibilmente soddisfatti.

27 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

Un omaggio al cinema di Guido Rimonda e la Camerata Ducale

L'omaggio alla musica per il cinema dell'ottima serata ascoltata ieri sera in Conservatorio per la Società dei Concerti e denominata "SMILE: uno Stradivari al Cinema", vedeva il violino di Guido Rimonda acompagnato dalla sua Camerata Ducale. Una miscellanea di brani, quasi tutti notissimi, che ci hanno portato al mondo delle immagini, pur essendo alcuni di questi temi di una bellezza autonoma indiscutibile. Stiamo parlando del tema da Schinder's list di John Williams, del tema dal Postino di Luis Bacalov, del Tema di Deborah da C'era una volta in America di Ennio Morricone e ancora di Morricone il Tema d'amore da Nuovo cinema paradiso, solo per citare quelli che tutti conoscono. Ma ben quindici erano i brani in programma con anche il celebre Adagio di Albinoni utilizzato nel film Il processo o il brano She cantato da Charles Aznavour nel film Notting Hill. La mirabile interpretazione di Rimonda, nel felice contesto dell'ottima Orchestra d'Archi, ha nobilitato musiche che trovano nella valore melodico, romanticamente espresso, la ragione del successo di un concerto che non può non piacere. Il timbro elegante e profondo dello Stradivari utilizzato dal solista-direttore è apparso di evidente bellezza. Applausi fragorosi dal pubblico presente in Sala Verdi e un fuori programma con un bis di Giovanni Battista Viotti, il musicista al quale Rimonda deve moltissimo nella sua brillante carriera violinistica e direttoriale. Di Viotti è stata eseguita una delicata e profonda Meditazione in preghiera (1793). Splendida!

26 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

Il giovane direttore Peltokoski per Poulenc e Čajkovskij

Il ventiduenne direttore d'orchestra finlandese Tarmo Peltokoski in questi giorni è stato alla guida dell'Orchestra Sinfonica di Milano in un programma particolare che prevedeva il Concert champêtre per clavicembalo e orchestra del parigino Francis Poulenc (1899-1963), seguito della più celebre Sinfonia n.6 in si minore op.74 "Patetica" del russo P.I. Čajkovskij. Due lavori con caratteristiche differenti, il primo del 1927-28 a metà strada nella vita del francese, il secondo terminato nel 1893, anno della morte del grande musicista russo.Un contrasto netto tra il neoclassicismo ricco di creatività di Poulenc e il romanticismo di Čajkovskij che con questo lavoro e il profondo ed ispirato Adagio lamentoso conclusivo termina la sua cospicua produzione musicale. L'interessante, piacevole e ricco di varietà timbriche, concerto campestre di Poulenc, fa parte di quel genere molto personale che ha dato notorietà al compositore francese, unitamente agli altri concerti come quello per pianoforte o quello, più celebre, per due pianoforti ed orchestra. Protagonista della replica domenicale- ascoltata ieri pomeriggio- era il clavicembalista francese Jean Rondeau. Il cembalista ha sostenuto con sicurezza e disinvoltura la parte solistica, parte ben inserita nel contesto orchestrale che trova anche numerosi momenti solistici. L'importante componente dell'orchestra, ricca di timbriche contrastanti, è stata ben delineata dall'ottimo direttore Peltokoski, a suo agio nei repentini cambiamenti ritmici e dinamici che l'originalissimo lavoro impone. Applausi calorosi ai protagonisti. Espressivo il breve ma intenso bis clavicembalistico bachiano concesso da Rondeau. L'impegnativa e corposa Sinfonia "Patetica", eseguita dopo il breve intervallo, ha trovato un direttore adeguato per il lavoro di grande impegno del celebre compositore russo. L'ottima interpretazione complessiva ha avuto i frangenti migliori nell'estroverso Allegro molto vivace e nelle interiori sonorità dell' Adagio lamentoso.Andante, finale che trova, con le ultimissime lunghe note, quel momento di silenzio sconvolgente. Pur con la sua giovane età, Peltokoski ha dimostrato di possedere potenziali molto alti per una futura importante carriera musicale. Applausi calorosi dal numeroso pubblico intervenuto in Auditorium nella seconda e ultima replica.

23 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

AL COCCIA DI NOVARA LA STAGIONE LIRICA ESORDISCE COL TROVATORE

A inaugurare la stagione lirica novarese 2023 torna al Teatro Coccia dopo più di diciassette anni uno dei capolavori più popolari di Verdi: il Trovatore. Risale infatti al 2005 l’ultima rappresentazione di quest’opera a Novara: mentre non si contano i Rigoletti e Le Traviate andate in scena al Coccia in questi diciassette anni, di Leonora e Manrico, di Azucena e del Conte di Luna si erano perse, piuttosto inspiegabilmente, le tracce. Siamo grati di cuore all’attuale direzione del Coccia, affidata alla brava Corinne Baroni, per averci regalato la possibilità di ascoltare a Novara questo gioiello del catalogo verdiano e, in generale, del teatro musicale italiano. Quella di ieri sera è stata una sorta di nuova inaugurazione del più importante teatro della città, dopo tre anni di pandemia e il pubblico degli appassionati dell’opera, molto numeroso a Novara, anche tra i giovani, ha risposto come meglio non si poteva: con uno straripante tutto esaurito, annunciato con comprensibile soddisfazione dalla stessa Baroni nel breve discorso di saluto al pubblico prima dello spettacolo. Il Trovatore andato in scena ieri sera, venerdì 20 gennaio (repliche, con cast leggermente modificati oggi sabato 21 alle h. 20,30 e domani, domenica 22 alle h. 16) è una nuova coproduzione del Teatro Coccia, secondo il libretto di sala con i Teatri di Lubecca, di Kiel, col Regio di Parma, col Comunale di Modena e con la Fondazione dei Teatri di Reggio Emilia: articoli di giornale che presentavano nei giorni scorsi lo spettacolo riferivano teatri completamente diversi: circostanza un po’ strana, ma noi ci atteniamo alle informazioni ‘ufficiali’. La regia dello spettacolo porta la firma di Deda Cristina Colonna, firma di prestigio nel melodramma barocco e nell’opera contemporanea, ma qui al suo ‘primo Verdi’. Per l’occasione propone una scena ‘essenziale’ (per usare le sue stesse parole), in cui non si dà una netta separazione tra interno ed esterno, ma la dimensione spaziale è come allusa, evocata da un’atmosfera notturna, molto suggestiva, che, grazie alle luci soffuse e quasi evanescenti del light designer (oggi si dice così) Fabrizio Gobbi, avvolge quanto avviene sul palcoscenico in un’atmosfera impalpabile e sottilmente inquietante, gravida “delle superstizioni, dei desideri di vendetta tramandati da generazioni, da sentimenti d’amore non controllati” (sempre per citare le parole di Deda C. Colonna). La scena deve appena alludere all’epoca storica in cui il libretto di Cammarano e, prima ancora, il dramma dello spagnolo Garcìa Gutierrez che ne è la fonte, collocano la cupa vicenda, cioè il Quattrocento, ovviamente in Spagna: ecco quindi elementi architettonici appena abbozzati, quasi astratti che evocano un palazzo quattrocentesco: colonne, una scalinata, accanto a cui compare, all’inizio del secondo atto un grosso tronco d’albero, che, adagiato sul palcoscenico, completamente secco e col suo colore bianchiccio, sembra evocare un grande osso, possibile simbolo di quella morte che, in questo fosco dramma, aleggia sulla vicenda dall’inizio alla fine. Il tutto creazione dello scenografo Domenico Franchi, cui si devono anche i costumi, che giocano in particolare su due colori dall’evidente significato simbolico: il blu per il Conte di Luna (la notte della vendetta e della morte inflitta), e il rosso per gli zingari e in particolare per Azucena (il sangue delle vittime, dei perseguitati). Questa rarefazione estrema, ai limiti dell’astrazione, della regia e della scenografia coglie uno degli aspetti essenziali del Trovatore, il suo essere un’opera in cui l’azione è ridotta a pochi eventi, mentre prevale la dimensione del ricordo, che allontana il presente nella notte interiore di una atroce violenza patita, di una lunga catena di odi. Più che di “ultima notte del Medio Evo”, come dice la regista, preferiremmo parlare di una ‘notte dell’anima’, quella che stende il suo velo sul Trovatore. E avvolta dall’oscurità è la stessa relazione tra i personaggi di Manrico e del Conte di Luna, che ignorano di essere fratelli e l’identità stessa di Manrico, che ignora la propria origine. Buona la direzione dell’Orchestra Filarmonica Italiana, da parte del Maestro Antonello Allemandi, con una lunga carriera di direttore d’opera di tutto rispetto, anche a livello internazionale: ben curato l’equilibrio tra orchestra, solisti e, ove presente, coro, il Coro As.Li.Co. ben diretto dal Maestro Massimo Fiocchi Malaspina (molto bello il Miserere del quarto atto) e valida la gestione delle dinamiche e della timbrica orchestrale nel dare risalto ai momenti lirico-sentimentali o a quelli più visceralmente emotivi dell’opera. Con un adeguato e sapiente stacco dei tempi, Allemandi è stato un costante riferimento per i cantanti, non solo nelle arie, ma anche nelle scene d’insieme. Veniamo ai cantanti. Il personaggio di Manrico ha trovato nel tenore uruguaiano-americano Gaston Rivero un interprete che ne ha fatto prevalere nettamente il carattere eroico su quello sentimentale: esemplare a tal riguardo la bella aria del finale del terzo atto “Ah sì ben mio” dove il ritmo perentorio del tema conclusivo in maggiore, colla sua ispirazione eroica, prevale nettamente, nell’interpretazione di Rivero, sul malinconico tono di romanza della prima parte, in minore, per poi esplodere nell’ardore guerriero della celeberrima cabaletta “ Di quella pira…col vostro sangue la spegnerò…” Voce di buon timbro, sia nei centri, sia nell’acuto, scolpisce un efficace fraseggio, con ottima gestione del fiato, il che lo aiuta anche nella resa ‘attoriale’ del personaggio e gli consente di essere protagonista in quelle parti d’assieme che ne vedono la presenza.. Nel ruolo del Conte di Luna il giovane baritono cubano Jorge Nelson Martinez Gonzalez, fresco di studi all’Accademia di perfezionamento della Scala, ha dato buona prova di sé, per il bel timbro, una valida estensione vocale, con solidi centri e un buon acuto e una scioltezza di fraseggio già matura. Meno convincente la sua interpretazione scenica: troppo spesso è sembrato ‘frenato’ e poco disinvolto nei movimenti e in generale il suo Conte di Luna ci è parso piuttosto scialbo nell’espressione dell’aspetto essenziale del personaggio, la sua sete di vendetta cieca e spietata, che ne fa uno dei ‘cattivi’ più feroci del teatro verdiano. L’unica italiana fra i quattro ruoli principali, il giovane soprano Sara Cortolezzis, vincitrice lo scorso anno a Busseto dell’importante Concorso Internazionale Voci Verdiane, proprio con la celeberrima aria del Trovatore “”Siam giunti…d’amor sull’ali rosee”, merita un voto sufficiente, ma nel complesso non ci ha entusiasmato. La sua tessitura vocale presenta un più che discreto acuto, morbido e dolce, mai forzato, ma registri medio bassi piuttosto fragili, che nel primo atto, forse anche perché condizionata dall’emozione, le impediscono di cantare adeguatamente l’aria “Tacea la notte placida”, una delle perle del Trovatore, e la stessa euforica cabaletta successiva, tutta trilli e saltelli, le riesce piuttosto insipida. Nel terzetto che chiude l’atto la sua voce si perde quasi completamente nel concertato. Dobbiamo però dire che, dopo questo inizio deludente, la Cortolezzis viene gradualmente migliorando sia sul piano vocale, sia per presenza scenica, sino a dare una interpretazione convincente nel quarto atto, che la vede protagonista, fin da subito con l’aria “Siam giunti…”, il cui cantabile è eseguito con suggestiva dolcezza e delicato fraseggio, ma anche le ampie campate melodiche di “Mira, di acerbe lacrime’ sono ben interpretate e danno voce adeguata al tono implorante che le ispira. La Cortolezzis conclude degnamente la sua prova nel terzetto finale, che la vede spegnersi sotto l’effetto del veleno, con un canto di misurato, ma toccante pathos. In generale, nonostante il premio al concorso bussetano, ci pare che la Cortolezzis, come soprano lirico verdiano debba ancora maturare un po’, irrobustendo la tessitura vocale, per ora alquanto leggera. Il mezzosoprano romeno Carmen Topciu, ieri sera nel ruolo di Azucena, è un volto famigliare agli amanti novaresi dell’opera: al Coccia aveva già cantato la parte di Isabella ne “L’Italiana in Algeri” una decina di anni fa. Rispetto a quella prova l’abbiamo trovata decisamente migliorata rispetto a quello che allora ci parve il suo limite, gli acuti, troppo forzati. La Topciu ascoltata ieri ha invece dato prova di un buon dominio complessivo della tessitura vocale, unendo a ottimi centri e bassi, acuti raggiunti senza sforzo, e in generale un’emissione potente e intensa, sorretta da un bel timbro brunito e accompagnata da una valida postura scenica, nella quale sui tratti più ‘allucinati’ e stravolti del personaggio, prevalgono quelli sofferenti di madre colpita da atroce sventura e desiderosa di affetto filiale. Lo si vede bene nell’aria “Stride la vampa”, ove la Topciu riduce la convulsione e il ritmo saettante della linea melodica, per portare in primo piano l’angosciosa ossessione di quella nota, un Si minore, che esprime in canto lo strazio che ne lacera l’anima senza tregua. Bellissima, nella sua mestizia, la successiva aria narrativa “Condotta ell’era in ceppi”. In generale, la Azucena della Topciu è stata, come doveva essere, la protagonista, intorno a cui è ruotata la vicenda complessiva del fosco dramma verdiano. Il bilancio della sua performance è dunque decisamente positivo. Generalmente adeguate le ‘parti di fianco’ Deyan Vatchkov (Ferrando),un valido basso, efficace nel racconto degli antefatti che apre l’opera, il tenore Francesco Marsiglia (Ruiz),il soprano Yo Otahara (Ines). Un buon inizio stagione, questo Trovatore, per il Teatro Coccia, molto applaudito dal pubblico e che segna – incrociamo le dita- il ritorno alla normalità dopo il periodo da incubo della pandemia.( Foto dall'Ufficio Stampa di Novara)

21 gennaio 2023 Bruno Busca

CHOPIN E SKRJABIN ALLO SPECCHIO AL VIOTTIFESTIVAL DI VERCELLI

Dopo la pausa natalizia, il vercellese Viottifestival apre il nuovo anno della sua XXV stagione con il recital del trentenne pianista pescarese Leonardo Pierdomenico, segnalatosi in numerosi concorsi nazionali ed internazionali di prestigio, tra cui il Van Cliburn del 2017, ove ottenne uno dei premi in palio, il R. E. Buck Award. Ieri sera, sabato 14 gennaio, sul palcoscenico del Teatro Civico, Pierdomenico presentava un programma intelligentemente studiato e di notevole spessore ‘musicologico’, incentrato sulle due figure di Chopin e di Skrjabin, ovvero su due momenti-chiave nella storia della musica, non solo pianistica, dell’8-‘900. L’impaginato era impostato secondo il criterio di un rigoroso confronto tra i due compositori, giustificato dall’evidente influenza che il modello del grande polacco ebbe sulla formazione del linguaggio musicale di Skrjabin, che peraltro intraprese ad un certo punto un percorso tutto suo, riplasmando in modo profondamente originale le conquiste del pianismo chopiniano e aprendosi, con soluzioni armoniche atonali e la dissoluzione delle forme tradizionali, a un mondo musicale ormai partecipe del ‘900. Questo ‘specchio’(secondo l’azzeccato titolo del programma di sala) tra Chopin e Skrjabin è ottenuto con l’alternarsi di opere dei due autori appartenenti al medesimo genere musicale: Mazurke, le due op.40 di Skrjabin e le tre op.50 di Chopin, Valzer, l’op. 38 di Skrjabin e il Grande Valzer op. 43 di Chopin, Improvvisi, col n.1 di Chopin e l’op.14 n.1 del compositore russo, Sonate, la n.5 in fa diesis minore op.53 di Skrjabin e la chopiniana n.3 in si min. op.58, a chiudere il concerto Nell’affrontare questo impegnativo programma, Pierdomenico si rivela pianista di notevoli qualità: al completo dominio tecnico della tastiera, che gli permette di superare con disinvoltura le più impervie difficoltà nella diteggiatura, proprie sia di Chopin, sia, e soprattutto, di Skrjabin (le cui leggendarie ‘piccole mani’ gli imposero soluzioni di diteggiatura che sfiorano l’acrobazia) si aggiungono già mature capacità interpretative ed espressive. In generale il pianista abruzzese vanta un ottimo legato, che gli consente un fraseggio fluido e avvolgente, anche nelle sezioni agogicamente più travolgenti, accompagnato dalla dote di conferire alla frase, all’esposizione di motivi e temi, quel giusto ‘respiro’ che asseconda le varie e cangianti sfumature della melodia, sostenuta anche da un sapiente uso dei pedali. Queste qualità emergono in particolare nell’interpretazione delle composizioni di Chopin, in particolare nei frequenti passaggi di fitta ornamentazione, ove Pierdomenico, sfruttando al meglio la veloce e incessante ripetizione di una figura ritmico-melodica, crea un continuum sonoro di coinvolgente intensità espressiva, aliena da ogni esibizione di banale virtuosismo, come nel Grande Valzer op.42. Il tocco del giovane pianista pescarese si caratterizza per luminosità e precisione, trasparente pulizia, capace di plasmare con nettezza ogni singola nota, anche nei passaggi più rapidi, e con perfetto equilibrio sonoro delle due mani, il che consente all’ascoltatore una limpida percezione anche dei sostegni armonici delle parti melodiche della partitura: anche dai palchi era ben udibile la particolarità del Valzer op.38 di Skrjabin, in cui la mano sinistra non segue il ritmo tipico della danza, ma realizza la misura dei tre quarti con serie di quartine o quintine. Soprattutto, il suono di Pierdomenico ha una particolare duttilità dinamica, che conferisce al fraseggio un continuo gioco chiaroscurale, che ne potenzia l’intensità espressiva. Per questo motivo il brano che più ci è piaciuto del recital di Pierdomenico è la Sonata op.5 in Fa diesis min. op.53 di Skrjabin: opera capitale nel catalogo del grande musicista russo, punto di svolta della sua concezione della musica, in cui allo sfaldamento del tonalismo tradizionale s’accompagna la dissoluzione degli schemi cari alla forma-sonata ottocentesca. In un unico movimento, che riprende formalmente il primo tempo di sonata, per trasformarlo profondamente (tanto che riesce davvero difficile al primo ascolto distinguerne le diverse partizioni), la sonata n.5 di Skrjabin per ‘contenuto’ musicale si caratterizza per l’alternarsi, presente fin dall’Introduzione di momenti di impetuosa esaltazione e momenti in cui il suono, ridotto quasi alla sordina, si rarefà, in un clima di estatica sospensione (‘Languido’, è indicato nella partitura), creando un insieme musicale imprevedibile, affascinante nella rottura di ogni legame di logica razionale tra i diversi frammenti in cui è spezzato. Pierdomenico è bravissimo a sottolineare espressivamente la suggestione di questo capolavoro, dando l’impressione, nei momenti più estatici, quasi di sfiorare più le corde che i tasti del pianoforte, per poi subito dopo rituffarsi nel magma convulso dell’Imperioso o del Tumultuoso esaltato. Un’esecuzione, questa di Pierdomenico, che colloca la sua quinta sonata di Skrjabin, tra le migliori da noi ascoltate negli ultimi anni, pianisti russi compresi ( si dice che solo i russi sappiano suonare Skrjabin come si deve…). Se qualcosa quest’ ottimo pianista deve ancora affinare è forse quella sfumatura di delicata e perlacea dolcezza necessaria ad uno chopiniano completo: quello che sarebbe dovuto essere uno dei momenti ‘clou’ della serata, la lunga elegia della sezione centrale del Largo della Sonata n.3, uno squarcio di luminosa e inafferrabile, eterea dolcezza che ha pochi eguali nella storia della musica, nell’esecuzione di Pierdomenico non ci ha comunicato quell’emozione che altri interpreti ci hanno dato. Non ci soffermiamo naturalmente su altri singoli brani in programma, in cui il pianista pescarese ha messo in mostra il meglio delle sue risorse tecniche ed interpretative. Applauditissimo dal pubblico, che riempiva la platea del Civico, Pierdomenico ha concesso due bis: il primo, ci pare, da Skrjabin, il secondo il celebre Studio op. 25 n.1 di Chopin, eseguito alla perfezione nella sua travolgente melodia figurata. L’anno 2023 per la Camerata ducale e il ViottiFestival, si apre dunque sotto i migliori auspici, e con l’augurio di riascoltare prossimamente il bravo Pierdomenico. (Foto Ufficio stampa Vercelli)

15 gennaio 2023 Bruno Busca

Kolja Blacher e Javier Comesaña per Bernstein e Mendelssohn all'Auditorium

L'interessante impaginato sinfonico ascoltato ieri sera in Auditorium dall'Orchestra Sinfonica di Milano prevedeva due brani importanti: il primo di Leonard Bernstein con la Serenata per violino solista, archi e percussioni, lavoro del 1954 ispirato dal Simposio di Platone e, dopo l'intervallo, di Felix Mendelssohn la nota Sinfonia n.3 in la minore op.56 "La Scozzese". Il primo lavoro è stato preceduto da un'incisiva lettura di estratti del Simposio operata da Massimiliano Finazzer Flory. Ricordiamo che proprio il grande direttore e compositore americano, nel realizzare la Serenata, aveva stabilito una sorta di programma legato all'opera del grande filosofo, suddividendo il lavoro in cinque parti, in relazione al dialogo degli intellettuali, poeti e filosofi, citati nel Simposio: Fedro, Pausania, Aristofane, Erissimaco, Agatone, Socrate e Alcibiade. La direzione dell'orchestra milanese era affidata a Kolja Blacher, mentre la Serenata trovava nel ruolo di protagonista il giovane violinista spagnolo Javier Comesaña, un solista emergente nel panorama internazionale, vincitore del Concorso Internazionale J.Heifetz di Vilnius e dei quello dedicato a J.Joachim. Un brano particolarmente coinvolgente quello di Bernstein, restituito con profonda espressività dall'orchestra e dalle eccellenti sonorità del violino di Comesaña. La sua cavata morbida e all'occorrenza incisiva, ha esternato sonorità perfettamente adeguate al complesso lavoro che rivelano un Bernstein con il suo tipico linguaggio diversificato, che sa essere solenne, ritmico e spesso estroverso. Ottima l'interpretazione complessiva. Bravissimo Comesaña nel bis solistico concesso con l'Andante dolce dalla Sonata per violino solo di S.Prokofiev eseguito con intensa espressività. La Sinfonia n.3 op. 53 "Scozzese" del musicista tedesco ha quindi rivelato ancor più le qualità direttoriali di Blacher, interprete noto anche come violinista. La valida interpretazione della Sinfonica era esplicitata da un corretto dosaggio timbrico nei quattro movimenti che formano il celebre lavoro composto da Mendelsshon nel 1842. Precisa e dettagliata la direzione di Blacher. Applausi fragorosi al termine dei brani eseguiti. Domenica 15 gennaio alle ore 16.00 si replica. Da non perdere.

14 gennaio Cesare Guzzardella

La musica barocca di Vivaldi e di Bach per l'ensemble Concerto De' Cavalieri diretto da Marcello Di Lisa

Una serata all'insegna della musica barocca, quella organizzata dalla Società dei Concerti in Conservatorio, con una compagine cameristica di primo livello quale "Concerto de' Cavalieri". Un ensemble fondato e diretto da Marcello Di Lisa, specializzato in musica antica. Ieri sera il programma di Sala Verdi prevedeva musiche di Antonio Vivaldi e di J.S. Bach. Aseguiti in alternanza, abbiamo ascoltato tre concerti del veneziano ( op.3 n.9- op.3 n.5 e RV 739) e tre Brandeburghesi del grande tedesco ( n.5, n.3 e n.4). La resa strumentale di questa eccellente orchestra d'archi, con clavicembalo e in alcuni brani uno o più flauti, è stata caratterizzata da timbriche dal sapore antico, delineate in modo fluido e virtuosistico sia nei fondamentali interventi solistici che nell'insieme strumentale. Il virtuosismo strumentale, tipico della musica di primo Settecento, sia vivaldiano che bachiano, ha trovato gli ottimi interventi del violino solista nelle mani di Federico Guglielmo, del bravissimo flautista Tommaso Rossi e dell'efficace cembalista Salvatore Carchiolo, tastierista con importante intervento solistico nel Concerto Brandeburghese n.5 in re maggiore. Guglielmo era presente come solista nella maggior parte dei brani e la sue splendida resa espressiva si è rivelata disinvolta, sicura e con caratteristiche "improvvisatorie" tipiche del migliore barocco. Nel brano finale, il Concerto Brandeburghese n.4 in sol maggiore, oltre al violino solista di Guglielmo e il flauto di Tommaso Rossi di eccellente resa, era presente un secondo flauto con la bravissima Rebeca Ferri, violoncellista negli altri brani. Successo meritatissimo per tutti i protagonisti ad iniziare da Marcello Di Lisa e fragorosi applausi. Come bis ripetizione di un movimento vivaldiano. Splendida serata.

12 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

Marco Albonetti e l'Orchestra Filarmonica Italiana alle Serate Musicali di Sala Verdi

"Around Astor" è il titolo pensato dal sassofonista romagnolo, di Faenza, Marco Albonetti per il concerto di ieri sera alle Serate Musicali del Conservatorio milanese. È un omaggio al grande compositore e virtuoso di bandoneón Astor Piazzola, nel trentennale della sua scomparsa. Un impaginato che prevedeva anche brani di altri autori, vicini a quel mondo musicale legato ai ritmi del tango argentino. Cinque brani di Piazzolla (1921-1992) si sono alternati ad altri di Carlos Gardel (1890-1935), Nadia Boulanger (1887-1979), Pablo Ziegler (1944) e Richard Galliano (1950), per una serie di arrangiamenti-adattamenti dello stesso Albonetti che nei profondi timbri dei sassofoni soprano, contralto e baritono, hanno trovato ottime trascrizioni per l'Orchestra Filarmonica Italiana, una compagine di strumenti ad arco con l'aggiunta di un pianoforte. Il risultato complessivo, molto apprezzato dal numeroso pubblico presente in Sala Verdi, è stato certamente valido, con sinceri applausi al termine, pienamente meritati, dovuti ai colori precisi e profondi delle timbriche espresse dall'ottimo sassofonista e anche ai calibrati, precisi e tenui colori della valida compagine strumentale. Alcuni brani celebri di Piazzolla, come Oblivion, reso con eccellente espressività dal sax soprano di Albonetti e anticipato da una breve introduzione/improvvisazione del sassofonista o Otoño Porteño, intensamente espressivo, e anche Fuga y Misterio che trova riferimento al fugato bachiano, hanno trovato alternanza con altri meno celebri come Triunfal o Años de soledad, un brano, quest'ultimo, che nel lontano 1974 venne interpreto da Piazzolla insieme al grande sassofonista-baritono Gerry Mulligan. Mentre gli altri lavori, ad iniziare da una sorta d'improvvisazione introduttiva dal brano Volver del noto cantante franco-argentino Carlos Gardel o dal melodico, quasi una preghiera, Lux Aeterna, della celebre didatta compositrice francese Nadia Boulanger, non erano certo molto conosciuti. Interessanti i due brani di Ziegler -collaboratore e pianista di Piazzolla - prima con RojoTango e poi con il profondo e armonicamente più complesso Milongueta. A conclusione due classici brani del grande fisarmonicista francese Richard Galliano, un compositore molto legato a Piazzolla, prima con La Valse a Margaux, eseguita molto bene dalla sola Orchestra d'archi - per problemi inaspettati al sax di Albonetti- e poi il Tango pour Claude, nella trascrizione per sax soprano e orchestra, questa volta con il sassofono risistemato, ma a detta di Albonetti, solo parzialmente funzionante. Una serata diversa dal consueto, presentata in modo divertente dallo stesso Albonetti, e certamente di ottima qualità, con un bis nella ripetizione di Años de soledad.

10 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

Markus Werba e Michele Gamba per Winterreise di Franz Schubert

Meritato successo al Teatro alla Scala per il baritono austriaco Markus Werba che insieme al pianista e direttore d'orchestra milanese Michele Gamba hanno affrontato il più grande capolavoro vocale di Franz Schubert, il ciclo di 24 lieder per voce e pianoforte, Winterreise D911- Viaggio d''nverno, su liriche di Wilhelm Müller, terminato nell'ottobre del 1827. Il viaggio iniziato con il celebre lied Gute Nacht- Buona notte, e concluso con Der Leiermann, L'uomo dell'organetto, segna l'ultima tappa completa , probabilmente la più importante, insieme a Die Schöne Müllerin - ciclo di qualche anno prima- del grande compositore viennese, anche se l'anno successivo al Viaggio d'inverno, Schubert concludeva un ciclo più breve in quattordici canti, con testi di più autori, Schwanengesang, Il canto del cigno. Il lied conclusivo di Winterreise, Der Leiermann, che abbisogna al termine di una lunga pausa di silenzio, purtroppo ieri sera interrotta dai precoci applausi del pubblico, segna un momento di riflessione importante nella produzione vocale e strumentale di Schubert. Sono poche e fondamentali note del pianoforte che si pongono in relazione con la calda voce del baritono, che esprime parole che fanno riflettere sul valore e sull'utilità della vita umana. Il celebre baritono, ottimanente inquadrato armonicamente dalla note di Gamba, pianista molto rispettoso della vocalità, ha intonato con calore ed espressività tutti i ventiquattro canti, rivelando una timbrica chiara e ricca di colori. Il pubblico, al termine, ha mostrato entusiasmo per la splendida serata canora e i protagonisti sono usciti soddisfatti più volte in palcoscenico senza però concedere  bis, ma probabilmente, dopo quel conclusivo Der Leiermann, non era proprio necessario. (foto di Brescia e Amisano dall'Archivio della Scala)

9 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

Ancora successo per Lo Schiaccianoci di Rudolf Nureyev al Teatro alla Scala

Sono riprese le repliche de “Lo Schiaccianoci” al Teatro alla Scala. Siamo giunti alla nona rappresentazione del celebre balletto che Rudolf Nureyev portò per la prima volta nella sala del Piermarini nel 1968 e che da allora è tornato per decine di repliche sino al 2006. Ieri sera, ancora in un teatro al completo, nel ruolo del signor Drosselmeyer/il Principe, c'era l'eccellente Jacopo Tissi, prestigioso primo ballerino del Teatro Bol'śoj, attualmente Artista Ospite del Teatro alla Scala. Nel ruolo di Clara, la splendida Martina Arduino ha ancora una volta rivelato una leggerezza ed un'eleganza di primissimo livello. I due principali protagonisti hanno quindi espresso eccelse qualità in questa favola fantastica, ricca di simbologia, nel quale risulta evidente il riferimento psicoanalitico legato alla visione onirica di Clara. La regia e la coreografia di Nureyev, ottimamente ripresa da Aleth Francillon e da Manuel Legris, sono oramai da considerarsi espressioni classiche entrate nella storia del balletto, unitamente alle incantevoli musiche di Pëtr Il’ič Čajkovskij, per l'occasione dirette con garbo e precisione da Valery Ovstyanikov. Di rilevanza, oltre ai due protagonisti, ricordiamo Gabriele Corrado , il dottore Stahlbaum, Francesca Podoni, la signora Stahlbaum, Rinaldo Venuti, Fritz, Alessandra Vassallo, Luisa, Serena Sarnataro, la Nonna, Massimo Dalla Mora, il Nonno, Alessandro Paoloni, lo Schiaccianoci e Gioacchino Starace, il Re Topo. Eccellente tutto il Corpo di ballo del Teatro alla Scale e bravissimo il Coro di voci bianche preparato da Marco De Gaspari, tutti inseriti magistralmente nelle scene di Nicholas Georgiadis, autore anche dei costumi. Rilevanti le luci di Andrea Giretti. Prossime repliche previste per questa sera, poi per il 7 e l'11 gennaio. Da non perdere. (foto di Brescia-Amisamo- Archivio della Scala)

5 gennaio 2023 Cesare Guzzardella

Eccellente Thomas Guggeis per la Nona Sinfonia di Beethoven

Solo all' ultimo momento sono fortunatamente riuscito ad assistere oggi in Auditorium, all'ultima replica pomeridiana della Sinfonia n.9 in Re minore per soli, coro e orchestra op.125 di L. v. Beethoven. Il capolavoro era diretto dal ventinovenne tedesco Thomas Guggeis, una giovane bacchetta insignita a soli venticinque anni del ruolo di Staatskapellmeister alla Staatskapelle di Berlino e già assistente di Daniel Barenboim. L'Orchestra Sinfonica di Milano, con il suo Coro Sinfonico preparato da Massimo Fiocchi Malaspina e quattro eccellenti solisti quali Heather Engebretson, soprano, Lucia Cirillo, mezzosoprano, Moritz Kallenberg, tenore, e Christian Senn, baritono, hanno espresso un'interpretazione di alta qualità, ben proporzionata alla splendida visione scenografica complessiva dove emergevano i pregnanti ed eleganti vestiti rossi delle bravissime orchestrali. Una direzione, quella di Guggeis, giocata su una mirabile sintesi discorsiva, con tempi piuttosto rapidi- l'esecuzione è durata 62 minuti- , ricchi di energia, definiti da un perfetto equilibrio delle parti. Il momento clou, quello tanto atteso del gran finale, con l'Inno alla gioia nell'ultimo movimento, quando il Coro si alza in piedi e iniziano gli interventi dei quattri solisti, ha ancor più impreziosito l'interpretazione di un capolavoro che per tradizione rappresenta la fine di ogni anno musicale dell'Orchestra Sinfonica di Milano ( ex LaVerdi). Un successo strepitoso meritatissimo quello ottenuto il primo giorno dell'Anno 2023 nella sala al completo, con applausi calorosissimi ed interminabili a tutti i protagonisti, visibilmente soddisfatti. Splendido inizio d'anno, con il genio di Beethoven e gli eccellenti protagonisti interpreti.

1 gennaio 2023 Cesare Guzzardella