www.uessearte.it 

www.studioesseci.net 

www.civita.it 

www.exibart.com 

www.clponline.it 

MUSEI

www.museoegizio.it 

www.maotorino.it 

www.brera.beniculturali.it 

SITI D'ARTE

www.storiadellarte.com 

www.artonline.it 

www.ilgiornaledellarte.com 

CARAVAGGIO, LOTTO, RIBERA. Quattro secoli di capolavori dalla Fondazione Longhi a Padova.

Una delle cornici più belle del panorama espositivo italiano, i Musei Civici degli Eremitani a Padova, ospita una selezione di capolavori rappresentanti quattro secoli di storia dell’arte pittorica italiana, provenienti dalla Fondazione Longhi di Firenze. Roberto Longhi (1890-1970), illuminato storico dell’arte e collezionista, è stato protagonista della storiografia artistica italiana e, nel corso delle sue ricerche, ha raccolto diverse opere d’arte ora conservate nella Fondazione che porta il suo nome. Seguendo un criterio di confronto con le collezioni venete del Museo degli Eremitani, giungono a Padova cinquanta opere per questo evento organizzato dal Comune di Padova Assessorato alla Cultura, i Musei Civici e 24 Ore Motta Cultura, che ha curato lo splendido catalogo. Il percorso espositivo si snoda seguendo un periodo storico che si avvia dalle tavole del ‘200 e ‘300, attraverso la pittura bolognese, per arrivare alla magnificenza del ‘400 e ‘500 testimoniata da maestri quali Dosso Dossi, Lorenzo Lotto e Lambert Sustris. Caravaggio, con il celebre “Fanciullo morso dal ramarro” del 1594, apre la maestosa serie di opere del ‘600. A suggellare un periodo tra i più floridi dell’arte pittorica italiana, possiamo ammirare tele del Saraceni, di Borgianni, Ribera, Valentini e Mattia Prati. Splendido cameo, tra questi capolavori, la “Negazione di Pietro” di Valentin de Boulogne. La mostra rimarrà aperta fino al 28 marzo 2010 e sarà possibile abbinare la visita alla Cappella degli Scrovegni con gli splendidi affreschi di Giotto realizzati tra il 1303 e il 1305, recentemente restaurati.  

18/11/2009      Armando Melocchi  

I grandi protagonisti della pittura internazionale Spagnola del Museo dell' Ermitage in mostra a Pavia

I grandi protagonisti della pittura internazionale Spagnola del Museo dell’Ermitage in mostra a Pavia Inaugurata il 16 Ottobre scorso terminerà il 17 Gennaio 2010 la notevole esposizione dei quadri provenienti dall’.Ermitage di San Pietroburgo al Castello Visconteo di Pavia. Ci sono tutti i maggiori esponenti del così detto secolo d’oro della pittura spagnola ,da Velazquez a Murillo, per non parlare del grande Ribeira, di Zurbaran e di Pereda e Alonso Cano ,Juan Valdes Leal,Juan Carrero de la Miranda e tant ‘altri. Sono quadri che emozioneranno il visitatore, l’intenso naturalismo dello Spagnoletto , il manierismo di Francisco Ribalta . la libertà anticipatrice di tanta arte del Velazquez ecc. Voglio qui segnalare: “La preparazione dei dolci “ ritenuta per molto tempo lavoro di un’artista fiammingo e solo di recente attribuita a un giovane Bartolomè Esteban Murillo, la bellissima testa maschile di profilo di Diego Velazquez e le grandiose opere del Ribeira: “Pentimento di San Pietro “ e “Filosofo”, e la bellissima “Deposizione “ del Pereda . Una mostra da non perdere. 

Milano, 15 novembre 2009       achille guzzardella 

Gentilini alla Permanente

Altra mostra da segnalarvi è quella di Franco Gentilini nel centenario della sua nascita alla Permanente di Milano . Inaugurata l’undici Novembre sarà visibile fino al 10 Gennaio 2010. E’ una panoramica dei periodi più interessanti della sua intensa attività pittorica; dai suoi esordi faentini alle opere degli anni trenta riconducibili alle opere della Scuola Romana, al periodo a cavallo della guerra di matrice essenzialmente espressionista come “La camera incantata” del 1945, per arrivare al periodo della ricerca della pittura materica con superfici sabbiate senza mai abbandonare l’impostazione figurativa con riferimenti alle avanguardie storiche e a elementi richiamanti affreschi e mosaici bizantini e medievali della terra d’origine. Compaiono ora gli elementi fondamentali della sua pittura: Cattedrali ,Banchetti,Nature morte, Nudi femminili. L’ultimo decennio dell’arte di Gentilini vede ritornare un modo di dipingere più libero ,un cromatismo più acceso. Un linguaggio ispirato a forme più naturalistiche. Una mostra da non perdere, un ritorno alla Permanente della Figurazione ,cosa sempre molto gradita ai veri appassionati e cultori d’Arte. 

Milano, 15 novembre 2009       achille guzzardella

MINT: DIALOGO D’ARTE TRA PASSATO E PRESENTE  

Si è inaugurata, nella nuova sede dei Giardini Indro Montanelli, nel cuore di Milano, MINT, mostra mercato che coniuga antico e moderno, oggetti d’epoca e design contemporanea, ponendo lavori di grandi maestri dell’arte classica ed antica, opere ed oggetti di squisita fattura accanto alle creazioni di artisti del ‘900 e contemporanea, Gli allestimenti, ideati da Peter Bottazzi e curati da Carlo Alberto de Laugier, connotano l’esposizione con un taglio esclusivo e sorprendente a conferma del carattere innovativo del progetto MINT.

Le opere esposte riguardano: Arazzi, Archeologia. Argenti, Armi e Armature, Arte moderna, Arte orientale e asiatica, Arte primitiva e precolombiana, Arti decorative del IXX secolo, Bronzi, Ceramiche, Dipinti, Disegni, Fotografie, Gioielli, Icone, Libri, Manoscritti, Mappe, Mobili, Monete, Oggetti d’arte Orologi, Pizzi, Porcellane, Sculture, Stampe, Tappeti, Tessuti, Vetri.

Da non perdere i nuovi gioielli di Scavia e un insolito paesaggio del 1933 di Picasso, proposto da FarsettiArte. Un prestigioso Comitato d’onore con Alessia Bormioli, Cristina Ferruzzi, Luca Marzotto, Beppe Modenese, Martina Mondadori, Valentina Monti, Francesca Moratti, Warly Tomei, Beatrice Trussardi e Stefano Zorzi, sostiene questa affascinante iniziativa.

MINT è una parola che racchiude in sè molteplici significati — simbolo di ospitalità nell’antichità, di freschezza nel mondo anglosassone. di perfezione nel linguaggio specialistico — e che diviene acronimo per Milano Internazionale, ad evidenziare la scelta, come sede, di una città ricca di solidissime tradizi oni e capitale riconosciuta di stile e creatività, e di grande richiamo internazionale per presenza di gallerie e di collezionisti.

I visitatori potranno fruire anche di un efficiente servizio di ristoro posto all’interno della struttura e curato da Convivium Banqueting.  

Per Info: www.mintexhibition.it  

Novembre 2009                                        AMont*  

MARZIA MIGLIORA VINCE IL 10° PREMIO CAIRO  

È Marzia Migliora, 37 anni, di Alessandria, la vincitrice della 10° edizione del Premio Cairo, la manifestazione legata al mensile Arte, promossa dall’editore Urbano Cairo a sostegno della giovane arte.

La scelta di Marzia Migliora è stata decisa all’unanimità da una giuria così composta: Daniela Clerici (direttore di Arte), Cristiana Collu (Direttrice MAN di Nuoro), Gianfranco Maraniello (direttore di MAMbo Museo d'Arte Moderna di Bologna), Marco Meneguzzo (curatore e docente all’Accademia di Brera di Milano), Patrizia Sandretto Re Rebaudengo (presidente Fondazione Sandretto di Torino) e Stefano Zecchi (scrittore e consigliere d'amministrazione del Maxxi).

Questa decima edizione è stata curata da Marco Pierini, direttore di SMS contemporanea di Siena. In totale gli artisti selezionati da dieci protagonisti del mondo dell'arte coordinati dalla redazione di Arte erano 20: Alterazioni Video, Mattia Barbieri, Marco Bongiorni, Rossana Buremi, Valerio Carrubba, Antonio Cataldo e Mariagiovanna Nuzzi, Paolo Cirio, Raffaella Crispino, Tamara Ferioli, Maddalena Fragnito De Giorgio, Alice Guareschi, Sara Magni, Annalisa Pirovano, Gianni Politi, Luca Pozzi, Pietro Ruffo, Francesco Simeti, Federico Spadoni, Lamberto Teotino.

A premiare la vincitrice, durante la serata inaugurale Palazzo della Permanente a Milano, è stato l'editore Urbano Cairo, Presidente della Cairo Editore. Marzia Migliora sarà la protagonista del numero di gennaio del mensile Arte, con un servizio di copertina. Le opere finaliste sono esposte fino al 1 novembre a Palazzo della Permanente, insieme a quelle che hanno vinto nei nove anni precedenti, con un allestimento speciale che occupa l’intera sede.

In contemporanea, al piano superiore del Palazzo della Permanente si svolge la mostra con le opere dei finalisti del Premio Arte, iniziativa promossa dalla rivista e destinata ad artisti che non hanno mai esposto in mostre personali di rilievo in musei o gallerie private.  

Ottobre 2009                                                  AMont*  

BORTOLONI PIAZZETTA TIEPOLO: IL ‘700 VENETO  

Una grande mostra “svelerà”, finalmente, Mattia Bortoloni ponendolo a confronto con Piazzetta, Tiepolo, Balestra, Ricci e gli altri grandi del Settecento Veneto alla Pinacoteca di Palazzo Roverella a Rovigo dal  30 Gennaio al 13 Giugno 2010.

Alcuni lo conoscono solamente per un’opera da Guiness: il più esteso affresco unitario di tutti i tempi e luoghi: 5500 metri quadri di finissima pittura per l’enorme cupola ellittica (anch’essa da primato, essendo la più grande al mondo) del Santuario di Vicoforte, in Piemonte.

Mattia Bortoloni (Canda di Rovigo, 1696 — Bergamo, 1750), famoso, e molto richiesto in vita, è passato poi nel dimenticatoio, considerato “solo” come uno dei migliori aiuti di Giovan Battista Tiepolo, al punto che in non pochi capolavori del grande maestro è ancora oggi difficile distinguere ciò che si deve ai pennello dell’uno o dell’altro.

Negli ultimi 20 anni, studi più approfonditi hanno gradualmente portato a riscoprire la grandezza del tutto autonoma di Bortoloni.

La grande esposizione proporrà una selezione di capolavori del Bortoloni vis à vis con una trentina e più di opere straordinarie del Pellegrini, del Piazzetta, del Ricci, dei Tiepolo, i “titani” del Settecento Veneto.

La mostra, curata da Alessia Vedova, è promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, dall’Accademia dei Concordi, e dal Comune di Rovigo, in collaborazione con la Soprintendenza per i Beni Storici Artistici ed Etnoantropologici per le Province di Verona, Rovigo e Vicenza, con il patrocinio e la collaborazione della Regione del Veneto e della Provincia di Rovigo.  

Per info: www.palazzoroverella.com

 Ottobre 2009                                       AMont*  

Telemaco Signorini  a Padova   

Talemaco Sognorini e la pittura in Europa , questa la grande mostra aperta a Padova il 19 Settembre  e visibile fino al 31 Gennaio 2010 a Palazzo Zabella . Mostra di un interesse straordinario per tutti gli amatori del grande ottocentista italiano di importanza Europea e riconosciuto internazionalmente, accostabile a ragion veduta ai grandi maestri Francesi. Personalità complessa quella del Signorini, fine intellettuale, incontenibile tombeur des femmes, gradito ai salotti di mezza Europa ,ma anche personaggio critico ,difficile,scontroso certe volte. La mostra di Padova fa in un certo senso giustizia dell’ottocento italiano   dove la pittura del Signorini viene accostata  ai   capolavori di artisti europei come Degas,Tissot,Courbet,Corot,Sisley, Stevens,Rousseau, Bazille e tanti altri. Una mostra insomma da vedere  e allestita molto bene ,e presentata in un bel catalogo.  

 Milano, 7 ottobre 2010                              achille guzzardella

ALLA TRIENNALE “MILANOGALLERIE”  

Con l’autorevole sostegno della Camera di Commercio di Milano, l’Associazione Nazionale Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea (ANGAMC) ha deciso di presentare ad un vasto pubblico ben 47 gallerie milanesi in uno dei luoghi più prestigiosi ed idonei per ospitare grandi esposizioni internazionali, quale è il Palazzo della Triennale di Milano.

Questa iniziativa, che vede come protagonisti la Camera di Commercio di Milano, attraverso la sua azienda speciale Promos, e l’Associazione Nazionale Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea (in particolare la Delegazione lombarda e milanese), suggella anche una forma di collaborazione fra Enti privati ed Istituzioni pubbliche che e’ augurabile possa continuare in futuro, poiché solo una vera sinergia fra questi ambiti può divenire una forza di rilevanza primaria per la promozione dell’attività artistica di una città importante come Milano. L’iniziativa, nello specifico, è finalizzata alla valorizzazione dell’Arte Contemporanea milanese documentando l’attivita’ delle Gallerie d’Arte presenti sul territorio, grazie all’Associazione di categoria che le rappresenta.

La scelta delle opere è stata effettuata dal noto critico d’arte Giorgio Verzotti, che ha anche seguito l’allestimento dell’esposizione. Il percorso segue un ordine cronologico e si basa su nuclei che ricostruiscono il clima creativo delle diverse epoche: da Balla a Prampolini, da Sironi a Martini a Campigli, prosegue poi con Lucio Fontana, i Nucleari, Azimuth, per concludere con i lavori di Salvo, Clemente, De Maria. Un ampio spazio è dedicato alle esperienze più recenti e ai giovani artisti di oggi.  

Ottobre 2009                                         AMont*  

PERUGIA:  “PARLARE CON DIO”    (13 giugno – 21 settembre 2009)

Sabato 13 giugno 2009 con la mostra PARLARE CON DIO, curata da Rob Smeets ,  è stato inaugurato a Perugia il nuovo centro espositivo e culturale LE GALLERIE DEI GEROSOLIMITANI, collocato all’interno dello splendido complesso – chiesa, ospedale e oratorio -  della Casa della Commenda dei Cavalieri di Malta Laus Deo. La mostra di dipinti antichi vede esposte oltre trenta opere, alcune delle quali di grandi dimensioni, di autori come il Maestro di Alkmaar, Abraham Bloemaert, Pietre Binoit, Abraham Bosschaert, Jacob Gerritsz Cuyp, Orazio de Ferrari, Giusto Fiammingo, Jan Fris, Georg  Flegel, Ambrosius Bosschaert, Fedele Galizia, Niccolò Gerini, Luis de Morales, Bernard van Orley, Marco Palmezzano, Giulio Cesare Procaccini, Alessandro Tiarini, Claude Vignon e Juan Ximenez. Attraverso l’iconografia, la forza espressiva e l’intimità delle opere in mostra si vuole cercare di trasmettere il senso originario di misticismo, rigore ed estasi religiosa cosi come veniva comunicato nel passato. La magica intimità dei fondi oro italiani e dei primitivi fiamminghi, i criptici messaggi moralistici dei dipinti olandesi del ‘600 e ‘700 e la travolgente forza del credo della pittura barocca italiana sono esempi iconici di sorgenti quali i Vangeli, le predicazioni, la catechesi e la liturgia cristiane.  

Il nuovo spazio espositivo Le Gallerie dei Gerosolimitani è composto dall’ingresso posteriore delle Gallerie, con ampia terrazza esterna che si apre su Via della Sposa e sulla facciata medioevale della chiesa di San Luca costruita a metà del XII secolo. Dal 1460 al 1471 Francesco della Rovere, Cardinale titolare di San Pietro in Vincola, successivamente Papa Sisto IV, ebbe l’arcipriorato proprio della Chiesa di San Luca, che fu per quattro secoli Collegiata dei Canonici Regolari del San Sepolcro, con annessa la loro residenza e l’oratorio dopo il loro distaccamento da Gerusalemme. L’ingresso anteriore delle Gallerie  si trova invece su Via San Francesco, nella parte dell’oratorio della Casa della Commenda ristrutturata nel 1484 da Cataneo dei Traversagni, come si legge sul fregio dell’architrave del portone d’entrata, incastonato nella facciata dalle bellissime finestre quadripartite quattrocentesche in travertino. Nel 1560 il complesso fu affidato ai Cavalieri del Sovrano Militare Ordine di Malta.  

La mostra è accompagnata da un catalogo curato da Paul Smeets dedicato interamente a uno dei quadri in mostra,  La fuga del giovane nudo durante la cattura di Cristo dipinto della collezione Giustiniani realizzato da Giusto Fiammingo,  pittore caravaggesco che operò a Roma tra gli anni 1615-1625. Il volume analizza il quadro da quattro differenti angolazioni: Cristina Terzaghi ha curato il saggio biografico, Armando Torno il saggio iconografico, Loredana Lorizzo il saggio di contesto (la descrizione della collezione Giustiniani in cui il dipinto venne più volte inventariato dal 1638 al 1812-24)) e Barbara Ferriani il saggio sulla conservazione.        

Per maggiori informazioni:   tel. 075 5735481 | 335  207335    www.legalleriedeigerosolimitani.org

EFFEARTE: L’ARTE AMOROSA DI DENISE PRINCE  

La Galleria Effearte di Milano ha inaugurato in questi giorni la prima mostra personale in Italia di Denise Prince, artista texana che è intervenuta personalmente con una singolare performance subito “fuori” dallo spazio della Galleria, coinvolgendo così nella fruizione non solo il pubblico dell’arte presente ma anche il pubblico estraneo, ovvero comuni cittadini a passeggio.

La mostra ha suscitato interesse e curiosità artistica anche per la novità del linguaggio utilizzato dall’artista che coinvolge nelle proiezioni esterne un pubblico più ampio del consueto. “Beyond This Thing Between Us”, è il titolo di questo specifico progetto che si articola in tre momenti: nella proiezione di un video, una narrazione—monologo sincera sull’amore e sul sentimento che più lo denota: la solitudine; in una selezionata galleria di immagini fotografiche, foto che ritraggono in modo netto, anche attraverso l’uso tagliente della luce immersi in una sempre manifestata natura, i soggetti coinvolti negli stati d’animo indagati. Oltre all’omonima ed inedita performance che della mostra rappresenta sia l’overture, che il sigillo.

Intimo e filmico sono le principali categorie che possono delineare il complesso profilo di Denise Prince. Ogni immagine sembra essere didascalica ai personaggi di Raymond Carver (“Voi non sapete cos’è l’amore”), mentre la compassione e la comprensione sembrano inevitabili e non pare possibile nessuna forma di sottrazione. L’artista si autorappresenta continuamente in una donna avventurosa e coraggiosa, una donna che, predilige l’azione; ponendosi davanti ad un pubblico che diviene un inevitabile ed imprevedibile specchio esterno.  

Maggio 2009                                                      AMont*

“NICOLÒ DELL’ABATE ALLA CORTE DEI BOIARDO. IL PARADISO RITROVATO”  

Dal 10 maggio all’11 ottobre, la Rocca dei Boiardo di Scandiano (RE) sarà teatro di un’iniziativa di grande valore storico, artistico e culturale. A conclusione dei lavori di restauro del Castello, la cui costruzione è databile al XIII secolo, si terrà una mostra dal titolo Nicolò dell’Abate alla corte dei Boiardo. Il Paradiso ritrovato, promossa dal Comune di Scandiano e dal Comitato Nazionale Storie Dipinte. Nicolò dell’Abate e la pittura del Cinquecento tra l’Italia e Parigi, con la collaborazione della Soprintendenza al Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico di Modena e Reggio Emilia, e curata da Angelo Mazza e Massimo Mussini, che presenterà, attraverso 80 opere - di cui 53 di Nicolò dell’Abate e della sua bottega - tutte le testimonianze pittoriche e decorative provenienti da quello storico edificio e nel contempo darà conto degli interventi recentemente effettuati sui brani di pittura superstiti. Il recupero della Rocca ha infatti riportato alla luce, nella saletta che la cri tica ha correttamente individuato come il Camerino del Paradiso, delle tracce pittoriche decorate da Nicolò dell'Abate attorno al 1540-43 con la raffigurazione delle Nozze di Psiche nella volta e con figure di musicanti nei peducci di sostegno. Contrariamente a quanto è stato affermato dagli inizi dell'Ottocento fino a oggi, il saccheggio operato verso la fine del XVIII secolo dal duca di Modena non ha spogliato completamente la rocca di Scandiano delle pitture dell’artista modenese. Le tracce di colore individuate nelle lunette hanno sollecitato una campagna di restauri che, promossa dalla Soprintendenza per i beni storici, artistici ed etnoantropologici di Modena e Reggio Emilia e avviata dagli operatori dell’Opificio delle Pietre Dure di Firenze con la scopertura di diverse lunette e con l'elaborazione dell'idonea metodologia di intervento, ha restituito nell’arco di tre anni, grazie al lavoro del laboratorio Faberestauro di Sesto Fiorentino, le immagini di paesaggi aperti con edifici, città in lontananza e vestigia di antichità, che rivelano la mano esperta del celebre artista modenese prediletto dagli ultimi signori rinascimentali dell'area padana, in un momento che precede di alcuni anni il trasferimento a Bologna e infine il passaggio in Francia. Attivo a Soragna, Busseto, Sassuolo, Reggio Emilia e Modena su incarico di committenze signorili e delle Comunità, Nicolò dell'Abate si applicò alla decorazione della Rocca di Scandiano raffigurando inoltre, in altro ambiente poi in parte demolito, sempre al piano nobile, soggetti tratti dai libri dell'Eneide con scene disposte sulle quattro pareti, accompagnate, in basso, da un fregio monocromo con battaglie e sormontate da lunette con vedute di paese. L'intera decorazione di questa stanza, incluso l'ottagono della volta con una famosa scena di concerto, fu staccata dalle pareti insieme all'intonaco e trasferita nel 1772 nel Palazzo Ducale di Modena dove è stata conservata, se pure non integralmente a causa di un incendio sviluppatosi nel 1815, fino al passaggio nel Palazzo dei Musei con l'allestimento della nuova Galleria Estense, verso la fine dell'Ottocento. Analoga sorte hanno subito i numerosi masselli nei quali è stata scompartita la decorazione del "Camerino del Paradiso", le cui lunette, al contrario, non furono staccate, verosimilmente perché le pitture erano già allora occultate da strati di scialbo. Dopo oltre duecento anni di illustre storia collezionistica e museografica entro il sistema della Galleria Estense, i frammenti superstiti dei due camerini e altri brani di decorazione di analoga provenienza saranno esposti nella sede originaria a documentare uno dei momenti più alti della storia artistica, letteraria e culturale della città di Scandiano e dello stesso ducato estense, quello promosso dalla sensibilità umanistica della famiglia Boiardo tramite le figure di Matteo Maria Boiardo, autore dell'Orlando innamorato, e di Giulio Boiardo, committente delle pitture murali di Nicolò dell'Abate, che circa dieci anni dopo assumerà ruolo di protagonista, al fianco di Primaticcio, nella decorazione del castello di Fontainebleau, residenza della corte di Enrico II re di Francia. A dar conto della centralità di quei brani di pittura nell'ambito dell'esposizione interverranno altre sezioni, come quella sulla storia letteraria ispirata ai temi epici dell'Eneide e sulla fortuna cinquecentesca del poema, la sezione musicale con l'esposizione di strumenti musicali antichi in rapporto alla centralità delle raffigurazioni musicali nella pittura di Nicolò dell'Abate, la sezione sugli interventi di trasformazione architettonica dell'edificio, la cui visualizzazione è affidata all'esposizione di piante, mappe e progetti, e infine la sezione sulla fortuna ottocentesca delle pitture murali scandianesi di Nicolò dell'Abate, ben documentata dagli scritti di Giambattista Venturi e dalle loro traduzioni incisorie. Grazie al supporto dell'Opificio delle Pietre Dure, notevole risalto assumerà la documentazione dell'intervento di restauro, con particolare attenzione alle tecniche impiegate e alle indagini scientifiche che hanno preceduto e accompagnato ogni fase del delicato intervento. L’origine della Rocca di Scandiano è databile al XIII secolo, costruita dai Da Fogliano per funzioni di difesa militare. Con l’avvento della famiglia Boiardo al governo del paese (1423) l’antico fortilizio cominciò a trasformarsi in dimora signorile. I Thiene succeduti ai Boiardo nel 1565, continuarono l’opera d’abbellimento della Rocca, continuata nei secoli XVII e XVIII con i Bentivoglio prima e i Duchi d’Este, che la trasformarono in palazzo monumentale.  Accompagna la mostra un catalogo Silvana Editoriale.

Milano, 11 maggio 2009 

MiArt ArtNow! Il meglio dell’arte contemporanea a Milano.  

Con la conferenza di apertura alla presenza del direttore Alessandro Cappello, dei curatori Donatella Volontè e Giacinto Di Pietranonio, del fotografo Gabriele Basilico e degli artisti Getulio Alviani, Alessandro Mendini e Mario Airò, ha preso avvio l’edizione 2009 di MiArt. La quattordicesima edizione della Fiera d’Arte Moderna e Contemporanea che si svolgerà dal 17 al 20 Aprile nei padiglioni di Fieramilanocity, ha il compito di far dialogare passato, contemporaneità e futuro dell’arte in questo delicato momento di crisi internazionale economica e sociale. Per questo, e con la prospettiva di migliorare in vista dell’obiettivo Expo2015, il rinnovato staff organizzativo guidato da Alessandro Cappello ha dato spazio alle migliori Gallerie ma, anche, ha posto le basi per creare spazi per lo sviluppo artistico della città, al fine di riportare Milano ai vertici culturali che gli competono. “Milano ha tutte le potenzialità per tornare ad essere capitale della cultura, ma lo può fare solo all’interno di un sistema a cui MiArt collabora insieme a tutte le istituzioni pubbliche e private, con l’obiettivo di favorire la crescita e la diffusione dell’arte contemporanea nella nostra città. Un sistema che collabora e interagisce per una programmazione distribuita nell’intero anno in modo da offrire al pubblico la più ampia e ricca offerta possibile di iniziative”, ha detto il Direttore di MiArt all’inaugurazione; Gabriele Basilico ha ribadito: “Nel corso del mio lavoro ho sempre pensato alla città come a un grande corpo… da curare con l’agopuntura della fotografia”.  “Fotografare la città per me vuol dire mettere sullo stesso piano architettura colta e architettura ordinaria; spero che questo possa essere un buon punto di partenza per costruire insieme una città migliore”. Ha fatto eco all’argomento città l’artista Airò: ”L’arte, tramite la collaborazione tra artisti e istituzioni, entra nel tessuto connettivo della città…Nel mio lavoro vi sono riferimenti a Milano attraverso suggestioni provenienti da altri artisti come Lucio Fontana…La progettualità in arte è una confluenza di pensieri". A conclusione le parole di Getulio Alviani che sintetizzano il concetto di città d’arte: ”L’immagine di Milano è fatta da ingenieri, architetti, designer, artisti; l’arte è servita e deve servire a questo”. La mostra è un’occasione unica per ammirare opere dei migliori artisti dell’ultimo secolo e contemporanei, quali Picasso, Fontana, De Chirico, Morandi, Sironi, Burri, Severini, Ernst, Campigli, De Pisis, Warhol, Boetti, Chagall, Depero, Balla, Carrà, Kounellis, Baj, Vermi, Savinio, Marini, Mirò, Schneider, Dorazio, Vedova, Rotella, Schifano, Pistoletto, Paladino,  Alviani, Basilico e molti altri ancora (958 gli artisti italiani e internazionali presenti in fiera). Tanti gli eventi collaterali che investiranno tutta Milano a cominciare dalle opere esposte a cielo aperto nell’iniziativa MIRAGGI, ideata dall’Assessorato all’Arredo Decoro Urbano e Verde del Comune di Milano. La mostra a è stata allestita grazie agli sponsor Diners Club, IULM, Corriere della Sera, con il patronato della Regione Lombardia. Per il dettaglio degli eventi www.miart.it.

Milano, 16-04-2009           Armando Melocchi  

FERRARA: MORANDI. L'ARTE DELL'INCISIONE    (5 aprile - 2 giugno)

Palazzo dei Diamanti dedica la sua mostra di primavera alla presentazione dell’intera straordinaria opera calcografica di Giorgio Morandi. Si tratta delle 138 acqueforti e dell’unica xilografia che l’artista ha considerato rappresentative della sua arte, dopo averne eliminato un numero probabilmente assai più ampio che con assoluto rigore ha giudicato non meritevole di essere conservato e divulgato.
Da Dürer a Parmigianino, da Rembrandt a Piranesi, da Goya a Picasso, la storia dell’incisione è un capitolo fondamentale dell’intera storia dell’arte. È stato così ancheper Morandi che trattò l’incisione come ricerca artistica autonoma affrontandola con impegno pari a quello dedicato alla pittura, in un’epoca, il secolo scorso, in cui spesso la stampa era considerata un genere minore.
Iniziò a dedicarsi all’incisione attorno al 1910-11, quasi contemporaneamente alla pittura, e continuò a farlo fino a qualche anno prima della sua morte, avvenuta nel 1964. Fu un autodidatta che saggiò, con pazienti tentativi e ricerche, i vari procedimenti tecnici fino a quando non si impadronì appieno del mezzo incisorio e delle sue possibilità di restituzione dei volumi, delle forme e della luce. Dopo un periodo di intensa sperimentazione, che caratterizza soprattutto i primi anni Venti, l’acquaforte finì per divenire la sua tecnica prediletta.
Riferendosi a illustri precedenti della storia di questo linguaggio espressivo, quali Parmigianino, Federico Barocci e Rembrandt, maestri per altro lontanissimi dai suoi interessi pittorici, Morandi ne indagò a fondo le caratteristiche giungendo ad anticipare, nella bicromia del bianco e nero dell’opera grafica, effetti di costruzione formale e di vibrazione chiaroscurale che diventarono elementi fondamentali di specifiche fasi della sua creazione artistica. In certi momenti fu, anzi, l’acquaforte a risultare determinante per la sua ricerca pittorica.
Dopo decenni di studi che hanno chiarito il contributo originale dell’artista nel contesto internazionale dell’arte contemporanea, o ne hanno approfondito la poetica in una luce più strettamente individuale ed umana o, infine, ne hanno indagato la peculiarità linguistica nell’incisione, risulta oggi necessario procedere ad una sintesi che presenti Morandi incisore nella semplicità della sua grandezza.
Lo scopo della mostra – a cura di Luigi Ficacci e organizzata da Ferrara Arte in collaborazione con il MAMbo - Museo d’Arte Moderna di Bologna – è, pertanto, dimostrare quanto l’incisione sia per lui determinante nel giungere alla trasfigurazione del soggetto in valori di chiaroscuro, eliminando ogni interesse per una rappresentazione realistica, ma conservandosi aderente al visibile ed evitando l’arbitrarietà dell’astrazione. Le nature morte con barattoli e bottiglie, i mazzi di fiori disegnati in punta di penna con una finezza senza pari, le plastiche conchiglie posate sui tavoli, i paesaggi di aspetto intimo e familiare divenivano, attraverso variazioni di frequenze di segno, immagini ad un tempo riconoscibili nel loro riferirsi ad una realtà dell’esistenza e della percezione, ma anche motivi assoluti dell’espressione, le cui ragioni emergono e si concludono esclusivamente quali ragioni della forma. Lo svolgimento della sua intera produzione calcografica rivelerà al pubblico che l’acquaforte è per Morandi la tecnica propria della meditazione, quella che meglio gli consente di cogliere il sentimento dell’esistere.
Le opere saranno esposte secondo il loro ordine cronologico di esecuzione. Ma, poiché Morandi iniziò a rendere note le sue incisioni in tempi differenti, spesso in ritardo rispetto alle date di effettiva realizzazione, dopo radicali revisioni e secondo logiche rivelatrici della sua volontà di intervento nella dinamica dell’arte contemporanea, nel catalogo verrà ricostruita una cronologia delle influenze e delle reazioni del contesto artistico e critico conseguente alla diffusione pubblica delle sue opere. Oltre a due saggi di Giovanni Romano e Luigi Ficacci, il catalogo sarà corredato da schede che per ogni incisione proporranno gli estremi di una filologia essenziale e l’analisi dell’evoluzione dello stile.

BASSANO DEL GRAPPA: DÜRER,TIZIANO,REMBRANDT,TIEPOLO       I grandi incisori ospiti dei Remondini       (4 aprile - 4 ottobre)

Gli antichi armadi-espositori della Sala del Tesoro del Museo Remondini ospitano, esattamente per sei mesi, uno spettacolare squarcio della Collezione di famiglia messa insieme, generazione dopo generazione, dalla celebre dinastia di stampatori bassanesi.
Sono pezzi d’eccezione che i Remondini hanno acquistato in tutta Europa, un po’ per farne modello della loro produzione volutamente “popolare”, molto per passione.
Sono opere di Durer, Schongauer, Sadeler (tratte dai Bassano), Carpioni, Rembrandt, Tiepolo, Ricci, Canaletto…
Accanto ai capolavori dei grandi maestri, l’esposizione propone, ed è elemento di ulteriore interesse, altri tesori del Patrimonio Remondiano custodito nelle raccolte non esposte dei Musei Civici di Bassano.
Va detto che tutto ciò che viene proposto in questo nuovo allestimento è patrimonio del Museo Remondini che, per evidenti ragioni di conservazione, propone i suoi tesori con nuove presentazioni a cadenza semestrale.
Alcuni dei capolavori che i Remondini hanno collezionato sono affiancati, nella magnifica esposizione ordinata nella Sala del Tesoro, da riprese remondiniane degli originali, stampe che hanno contribuito a diffondere nei cinque continenti quelle immagini. In taluni casi, alle opere a stampa vengono affiancate le matrici, in legno o in rame, utilizzate per realizzarle. Tra le rarità proposte in questa mostra vi sono anche matrici superstiti di incisioni di cui si è invece perduta memoria. 
Oppure matrici di capi d’opera della Stamperia come quelle (ad essere esposta è la serie completa di 12) de “I miracoli di Sant’Antonio da Padova”. E ancora matrici lignee e stampe originali di altre incisioni che grazie ai Remondini divennero oggetto di culto in molte famiglie: la “Pentecoste” di Tiziano incisa da John Baptist Jackson o “La resurrezione di Lazzaro” del fiammingo Abram Blomaert incisa da Sebastiano Lovison o ancora “La Crocefissione” di Charles le Brun incisa da Giuseppe Bortignoni.
La mostra non si limita a proporre incisioni celebri e già ben note ma si sofferma anche su delle rarità come “La Fontana dell'amore”, proposta e studiata per l’occasione.

PALLADIOCARD

10 euro per godere di alcune delle più belle creazioni di Andrea Palladio.
I 10 euro sono quelli necessari all'acquisto della PalladioCard, strumento atteso da anni e che finalmente trova la luce, pronubi il successo della recente mostra su Palladio e il movimento turistico che essa ha messo in moto in tutto il Veneto.
La grande mostra PALLADIO 500 ANNI, che lo scorso autunno ha portato a Vicenza centomila visitatori, sta scatenando quasi una "palladiomania" anche all'estero: in questi mesi la mostra palladiana sta infatti sbancando il botteghino alla Royal Academy di Londra. Il 21 maggio si trasferirà a Barcellona (e il 10 ottobre a Madrid) nell'attesissima prima occasione espositiva mai dedicata in terra spagnola al grande architetto veneto.
"La Card non offre naturalmente il "tutto Palladio", cosa oggettivamente impossibile - afferma Amalia Sartori, presidente del Centro Internazionale Studi Andrea Palladio e dei Comitati nazionale e regionale per le Celebrazioni Palladiane - ma un insieme assolutamente importante di edifici palladiani che un turista ha realisticamente la possibilità di visitare nel periodo di durata della Card, ovvero 10 giorni dal momento del primo strappo, equivalente allo spazio di due successivi fine settimana. Con la PALLADIOCARD si possono visitare 5 ville e un palazzo con biglietto unico e altre 3 ville, 2 palazzi, un teatro con accesso a costo ridotto".
Lo strumento è stato pensato, infatti, per la tipologia del "turista medio", che è principalmente il turista da week-end, magari da "fine settimana lungo", persona, ma più spesso gruppo familiare, che dedica un tempo adeguato ad entrare "dentro Palladio".
La Card sarà disponibile dal 10 aprile, pronta per il week-end pasquale, e la sua vendita (ed utilizzo) proseguirà sino al primo novembre. Per quest'anno avrà carattere sperimentale: saranno infatti verificate sul campo la funzionalità, gli eventuali punti deboli, le modifiche o integrazioni da mettere in atto. Ancora: la Card è da considerarsi "realizzazione in divenire", nel senso che, dopo la verifica tecnica e di gradimento, che sarà compiuta a fine novembre, potrà essere estesa a nuove realtà che vorranno entrare nella proposta.
Ma vediamo cosa il turista può visitare, senza alcun ulteriore esborso, con la PALLADIOCard costatagli 10 euro: in primis Palazzo Barbaran, fulcro dell'itinerario. Qui, oltre ad ammirare una delle più singolari creazioni dell'architetto, compresi i fastosi interni, si potrà usufruire di un punto informativo e di un bookshop specializzato, a disposizione di chi voglia approfondire la grandezza di Palladio e le meraviglie offerte dai territori su cui insistono le sue creazioni.
Si è parlato di fulcro "ideale" perché, così come la PALLADIOCard può essere acquistata in qualsivoglia luogo che la proponga (ville ed edifici compresi nell'itinerario, strutture turistiche, alberghi, on line), altrettanto il possessore può iniziare - e continuare - il suo tour nel modo e nei luoghi che più gli interessano. Ha a disposizione, per ciascun luogo, una sintetica cartina geografico-stradale dov'è indicato il "come raggiungerlo", oltre agli orarti e a un piccolo blocco di informazioni. Molto di più, in termini di informazioni sugli edifici e sul territorio, potrà trovare nelle singole sedi visitate.
Vediamo le altre tappe proposte dalla PALLADIOCard. Nel vicentino, a Lonedo di Lugo di Vicenza, la Card da libero accesso a Villa Godi Maliverni che consente di arricchire la visita alla straordinaria dimora con una sosta, usufruendo di agevolazioni, al ristorante e alle cantine ospitate nelle barchesse.
Ancora nel vicentino, ma stavolta a Poiana Maggiore, la Card spalanca le porte di Villa Poiana, l'invenzione palladiana più amata dagli architetti per l'astrazione quasi metafisica delle sue forme, con all'interno allestito un museo interattivo dedicato alle ville palladiane.
Sempre con la card, e quindi senza alcun ulteriore esborso, nel padovano, si visita Villa Contarini a Piazzola sul Brenta, la celeberrima "Reggia del Veneto". La grande dimora barocca rientra a pieno titolo in un itinerario palladiano dato che il nucleo più antico è del grande architetto. Più a sud, nel rodigino ed esattamente a Fratta Polesine, porte spalancate ai possessori della Card a Villa Badoer, ispirata ai templi romani antichi su terrazze digradanti e arricchita dai singolari affreschi di Giallo Fiorentino.
Dal rodigino al trevigiano dove la Card offre Villa Emo a Fanzolo di Vedelago, la "villa palladiana ideale", dove l'architetto unifica in una sintesi estrema la casa dominicale, le barchesse e le colombare in un unico edificio rettilineo.
Sin qui gli edifici in cui il possessore della PALLADIOCARD entra senza dover mettere mano al portafoglio.
Vi sono poi altri edifici "firmati" dal Palladio che entrano nel circuito ma con formula diversa: presentando la PALLADIOCARD gli ingressi avvengono a prezzo scontato. In questa seconda fascia rientrano per ora, a due passi da Vicenza, Villa Caldogno a Caldogno, con i preziosi affreschi di Fasolo che ritraggono i committenti della villa; ancora in territorio vicentino c'è Villa Pisani Bonetti a Bagnolo di Lonigo, splendida opera giovanile del Palladio celebre per ospitare, ogni estate, importanti artisti contemporanei che creaRedazione@corrierebit.comno opere in dialogo con Palladio (quest'anno: Alan Charlton e Riccardo De Marchi). La PALLADIOCARD dà diritto ad un ingresso scontato ad un altro dei "santuari" del Palladio, la celeberrima Villa Barbaro a Maser, con gli affreschi di Paolo Veronese, adagiata sullo scenario dei Colli Asolani. A Vicenza si entra a prezzo scontato a Palazzo Valmarana Braga, dimora cittadina tra le più elegantemente imponenti tra quelle ideate dal Palladio.
Altre convenzioni sono in via di approntamento per cui la PALLADIOCARD diverrà sempre più ricca, sino a porsi come uno strumento imprescindibile per il turista che voglia scoprire Palladio e il Veneto. 
La PALLADIOCARD, per il turista interessato alla città di Vicenza, entra in rete con un altro strumento specificamente studiato per la città berica: il Biglietto Unico dei Musei "Vicenza città bellissima" promosso dal Comune di Vicenza. Il possessore della Palladio Card potrà usufruire della tariffa ridotta sull'acquisto di tale biglietto che gli consentirà di entrare al Teatro Olimpico, simbolo universale del Palladio e Palazzo Chiericati, sede della Pinacoteca Civica, ma anche al Museo Archeologico, al Museo del Risorgimento, alle Gallerie di palazzo Leoni Montanari e al Museo Diocesano.
Caratteristica comune alle ville e palazzi inseriti nella Palladio Card è la garanzia di apertura secondo orari predeterminati e garantiti, oltre che sufficientemente ampi nel corso della settimana. Il che porta purtroppo alla esclusione di ville straordinarie come la Rotonda e villa Malcontenta, che per ragioni proprie non sono in grado di rientrare in questa modalità di gestione.
La PALLADIOCard è una iniziativa del Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio di Vicenza, con sede in Palazzo Barbaran, realizzata d'intesa con gli enti proprietari dei siti presentati nella Card. 
L'iniziativa è realizzata grazie al sostegno della Regione del Veneto e di Veneto Sviluppo Spa, che intende sostenere in tal modo il "Museo Palladiano diffuso" al fine di consolidare la conoscenza e la fruizione del patrimonio culturale veneto. L'iniziativa si avvale della collaborazione con il Consorzio Vicenzaè    Il sito della Palladio Card è: www.palladiocard.it 
Milano,30 marzo 2009

KEITH HARING  INAUGURA  "VECCHIATO ART GALLERY

Keith Haring apre ufficialmente la nuova sede della galleria Vecchiato Art Galleries a Milano, nel cuore della città a pochi passi dal Duomo. La mostra, curata da Luca Beatrice, illustra i principali passi della creatività dell’artista attraverso una accurata selezione di opere, tra cui alcune sculture molto significative, dal 1981 al 1988.                    Le opere esposte ben rappresentano l’universo visuale di Keith Haring, coloratissimo, primitivo e simbolico, infatti tutti i lavori sono realizzati con materiali e supporti diversi: dall’inchiostro all’acrilico, dall’acquaforte allo smalto, dalla carta al cartone, dall’acciaio all’alluminio al legno intagliato, Luca Beatrice commenta: “la sua arte “per tutti”, come lui stesso amava precisare, si è andata definendo universalmente in segni che hanno trovato nelle più svariate forme - da un mini supporto in legno o metallo alla parete di una chiesa - lo spazio per una espressività senza eguali. Che si trattasse di cartone, polistirolo o alluminio, o che il suo strumento fosse un enorme pennello, un’incisione, o una pittura acrilica, gli omini stilizzati di Haring vivono nell’immaginario collettivo come ironico e giocoso messaggio di derisione al perbenismo imperante della società occidentale”.  Tale libertà espressiva prende efficacemente forma nell’esposizione alla Vecchiato Art Galleries in cui si ammirano, tra gli altri: Untitled del 1986, acquaforte su carta rappresentante una testa di Medusa moderna che accosta così mito e contemporaneità; la splendida scultura King and Queen del 1987/88 in smalto su acciaio; Untitled (Wood Relief), opera del 1983 in legno intagliato e dipinto dalle forme e dai colori primordiali; Untitled (Masque), maschera in alluminio del 1987 che ancora una volta riporta ad un’estetica ancestrale.  Oltre che artista dal linguaggio popolare ed accessibile, come ci ricorda Untitled del 1984, grande cuore in acrilico su styrofoam di ispirazione pop, anch’esso in mostra, Keith Haring è stato “la star” di una controcultura che ha buttato le basi dell’odierna public art, dichiaratamente politica, mischiando, inoltre, graffitismo e art brut in uno stile che è diventato icona, contraddicendo chi vedeva nella sua chiassosità popolare la scia di una meteora destinata ad esaurirsi. La sua attività, durata poco più di un decennio, fino al 1990, anno della sua morte, non è certo stata un fenomeno stagionale. A conferma della sua espressività lontana da ogni schema, citiamo l’ironico Untitled del 1982, realizzato con inchiostro Sumi rosso e nero su carta, Best Buddy del 1986 in legno intagliato e il particolare e divertente Untitled (Happy Face), opera del 1987 eseguita su due ante di legno dipinte con acrilico. Afferma Haring nel 1984: “L’Arte vive attraverso l’immaginazione delle persone che la guardano. Senza questo contatto, l’arte non esiste. Ho dato a me stesso il lavoro di essere un produttore di immagini del ventesimo secolo e ogni giorno cerco di capire le responsabilità e le implicazioni che questa scelta comporta. E’ diventato chiaro per me che l’arte non è un’attività elitaria riservata all’apprezzamento di pochi, ma essa esiste per tutti noi, ed è questo che continuerò a perseguire”. Per raccontare Keith Haring bisognerebbe chiamare in vita tutti quei personaggi che hanno fatto la storia della New York tra la fine degli anni Settanta e gli Ottanta e che con lui hanno simboleggiato quell’incredibile decennio, da Leo Castelli a Jean Michel Basquiat, da Andy Warhol a Madonna. Haring è stato promotore di campagne contro l’Aids, le droghe (il “crack” tanto in voga nelle feste statunitensi di quegli anni), la discriminazione omosessuale: il suo lavoro era aperto a tutti, un incessante dare e avere. Lo conferma anche il suo impegno in difesa dell’infanzia, causa per la quale si è sempre battuto e dalla quale non si è mai separato.   L’esposizione si svolge in concomitanza con la rassegna che il museo BAM di Mons in Belgio riserva al grande maestro statunitense. 

Accompagna la mostra un esaustivo catalogo edito da Vecchiato Art Galleries con testo critico di Luca Beatrice.    

Vecchiato Art Gallery Via Santa Marta 3, Milano Dal 9 aprile al 30 giugno 2009

Milano, 23 marzo 2009     c.stampa

Riportare l’attenzione sul valore fondamentale del disegno, disciplina e strumento indispensabile del fare arte, anche e soprattutto nel contesto dell’arte contemporanea. E’ questo l’obiettivo della mostra che la Fondazione Bevilacqua La Masa ha deciso di portare dal 4 aprile al 3 maggio 2009 all’interno dello “Spazio elastico”, il contenitore ideale che l’Istituzione dedica alla giovane sperimentazione. Sarà una mostra in “punta di matita”, che collegherà gli studenti e i giovani artisti dell’Accademia di Belle Arti di Venezia con gli studenti della Facoltà di Design e Arti e della Facoltà di Architettura dell’Università IUAV di Venezia, che studiano, lavorano e operano nel territorio veneziano.            Il progetto a cura di Annalisa Tornabene, che avrà la sua realizzazione nella sede BLM di Palazzetto Tito, è partito da un’idea maturata alcuni mesi fa con l’intento di riproporre l’attenzione sul disegno come segno essenziale e come espressione primaria del processo ideativo e germinativo dell’opera che unisce le varie discipline dell’arte visiva: dalla pittura alla scultura, dalla scenografia all’architettura.  E’ su queste linee guida che nasce il progetto “Nudisegni”.  L’esposizione prevede una selezione delle più rilevanti opere grafiche realizzate dagli iscritti ai corsi tenuti da Annalisa Tornabene (ABBA di Venezia), da Marcela Cernadas (Facoltà di Design e Arti, Università IUAV di Venezia) e da Fiorenzo Bertan (Facoltà di Architettura, Università IUAV di Venezia). Per l’occasione verrà pubblicato un catalogo con un testo di Saverio Simi de Burgis, dove verranno riprodotte alcune opere dei giovani artisti partecipanti alla rassegna, accompagnate da una nota introduttiva dei docenti di riferimento esplicative sul valore e il senso oggi ancora prioritario di tale ricerca. Quasi per sottolineare l’affinità implicita tra la parola e il segno, pur appartenendo a codici linguistici basati su criteri espressivi differenti, in catalogo verranno riportate anche alcune riflessioni degli stessi autori maturate nella realizzazione dei loro disegni che, nel contesto attuale, soprattutto da un punto di vista minimalista, assumono piena rilevanza di opere d’arte in sé autonome.

VB65 – L’ULTIMA CENA – Performance di Vanessa Beecroft al PAC

La rappresentazione, sessantacinquesima della serie di Vanessa Beecroft, alla quale abbiamo assistito al PAC di Milano lunedì 16 marzo 2009, segna una svolta importante nel percorso artistico dell’autrice. L’Ultima Cena realizzata con una tavolata di venti extracomunitari di colore, scalzi, vestiti in smoking neri impolverati e dimessi, atti a consumare arrosti succulenti e prelibati, serviti senza piatti e posate da camerieri bianchi, è stato un modo surreale di evidenziare il dramma degli immigrati.  L’originalità della “performance”, evidenziata dalla contrapposizione del pubblico passivo, in ossequio alla scena degli astanti di colore, intenti ad abbuffarsi all’insolito desco, ha lasciato sgomenti. L’argomento trattato, l’immigrazione e il confronto ricco-povero, è una novità nel panorama artistico contemporaneo e nella produzione dell’artista genovese. La performance, appositamente ideata per questa occasione, ha inaugurato la mostra permanente di 16 video di passate rappresentazioni della Beecroft, che, proiettate su grandi schermi, saranno in visione sino al 5 aprile 2009. Un’occasione unica per comprendere l’originale espressione artistica di Vanessa Beecroft, nata a Genova nel 1969 da padre inglese e madre italiana, formatasi all’accademia di Brera a Milano e ora, dopo aver raggiunto fama e successo, residente a Los Angeles.

P.A.C. Padiglione d’Arte Contemporanea – Via Palestro 10 – Milano

MIART 2009: QUALITA’ IN PRIMO PIANO  

Si terrà dal 17 al 20 aprile 2009 la quattordicesima edizione di MiArt, Fiera Internazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Milano nei padiglioni cittadini di fieramilanocity. Un’edizione particolarmente importante quella a cui sta lavorando il nuovo team organizzativo, nell’ambito di un momento delicato in cui la crisi mondiale ha leggere ripercussioni anche nel mercato dell’arte, mercato che premia, mai come ora, la qualità quale investimento sicuro. “Per questo, in un momento in cui la crisi economica sta inducendo molti operatori a contrarre le spese - dichiara Paolo Galassi, Presidente di Fiera Milano International, società che organizza MiArt — FMI ha deciso coraggiosamente di fare investimenti proprio sulla nostra fiera d’arte. Una scelta in controtendenza, che dice della consapevolezza del gruppo di poter costituire a Milano un volano importante intorno a cui tutte le realtà che operano per la promozione dell’arte possono fare sistema”. Per questo e per la politica perseguita in modo scrupoloso già dallo scorso anno, MiArt punta ancora di più a un livello qualitativo elevato attraverso una selezione severa e rigorosa delle gallerie partecipanti di provata professionalità, delicata funzione svolta da quest’anno dal nuovo curatore del settore Contemporaneo, Giacinto Di Pietrantonio, da Donatella Volontè che cura la già prestigiosa sezione del Moderno, e dal comitato consultivo quasi completamente rinnovato, I componenti sono i galleristi Emi Fontana, Giangi Fonti, Epicarmo Invernizzi, Federico Luger, Francesca Minini, Mauro Nicoletti, Mimmo Scognamiglio, Giulio Tega, che insieme sono riusciti ad incidere significativamente nella selezione delle gallerie, come dimostrano nuove e importanti adesioni da parte di soggetti italiani e internazionali. Project Manager è Alessandro Cappello mentre Laura Garbarino è la referente per i collezionisti italiani e internazionali e per i programmi speciali loro dedicati. Da questa edizione, MiArt ha anche un Comitato d’Onore composto da figure che, con strumenti e modalità diverse, sostengono e promuovono le arti: Daniel Bosser - Paolo Consolandi - Lieven Declerk — Ernesto Esposito - Alessandro Mendini - Giovanni Puglisi.

Hanno partecipato all’incontro con la stampa Massimo Zanello, Massimiliano Finazzer Flory, Paolo Galassi, Alessandro Cappello, Maurizio Cadeo, Giacinto Di Pietrantonio.  

Febbraio 2009                                                   AMont*

TRE MOSTRE INTERESSANTI A MILANO:  Capogrossi-Borra-Funi  

Tre mostre da vedere in città,alla Galleria Il Castello dei fratelli Conte , una retrospettiva di Capogrossi  , ben allestita e che, presenta oli ,carte molto gradevoli e ben selezionate.  Alla Permanente due retrospettive dei Novecentisti Funi e Borra.. Mostre ben curate che presentano vari periodi degli artisti che hanno insegnato tanti anni a Brera divenendo in un certo senso capiscuola dell’antica istituzione milanese. Ricchezza tonale sia per Borra sia per Funi soprattutto nei primi quadri degli anni giovanili , i bei paesaggi di Borra ricchi di case, le belle figure pienotte di Funi. Vedendo la mostra di questi due artisti  mi sembra di rivedere i lunghi e i  cupi corridoi  dell’Accademia, riassaporare quella atmosfera scura  misteriosa, ma invitante e seriosa. Tornando in via Brera alla galleria Il Castello ,Capogrossi , tutt’altro, colori vivaci pregnanti di quell’astrattismo che ha fatto scuola negli anni cinquanta. Insomma non mi dilungo di più,bisogna vederle.

Milano, 2 febbraio 2009                                         achille guzzardella

DECO. ARTE IN ITALIA 1919 - 1939  (Rovigo 31 gennaio/28 giugno)

Dal 31 gennaio 2009, Palazzo Roverella riproporrà il suo annuale appuntamento con le grandi esposizioni d’arte. Il filone sarà, ancora una volta, quello dell’arte in Italia tra fine Ottocento e primi decenni del Novecento.
Dopo aver, con successo, indagato gli anni della Belle Epoque (1880 – 1915), è la volta del Déco, un termine che indica uno stile, un gusto che segnò nelle diverse arti il periodo compreso tra i due conflitti mondiali. Déco esprime la ricerca di una modernità che intendeva superare la mera funzionalità delle forme aggiungendo ad esse eleganza e persuasività. 
La mostra, promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo con Accademia dei Concordi e Comune, è curata da Dario Matteoni e Francesca Cagianelli. Direzione della mostra: Alessia Vedova. Resterà aperta sino al 28 giugno 2009.
Il termine Art Déco o più brevemente Déco fu coniato negli anni ’60 come ricapitolazione critica condotta dagli storici di uno stile o, più correttamente possiamo dire di un gusto che aveva segnato nelle diverse arti il periodo compreso tra i due conflitti mondiali. Come sovente accade per la storia dell’arte fu il riconoscimento a-posteriori di temi e di formule figurative riconducibili ad un comune denominatore. E’ possibile definire il Déco come manifestazione di un gusto non fondato su precise teorizzazioni - in questo si è voluto vedere la discontinuità con l’Art Nouveau - ma assai diffuso in tutte le manifestazioni artistiche rivolte, come si diceva, alla ricerca di una modernità che intendeva superare la mera funzionalità delle forme aggiungendo ad esse eleganza e persuasività. Possiamo quindi accettare il termine Déco come sinonimo di un’idea di moderno, non di modernista. L’Art Déco, affermatasi negli anni Venti e Trenta e caratterizzata da numerose sfaccettature, si ispira alle geometrie dell’universo della macchina, alle forme prismatiche delle costruzioni metropolitane e a modelli di una classicità altrettanto persuasiva nei propri canoni di eleganza. Il termine Art Déco era facilmente passato dal ristretto mondo degli specialisti al largo pubblico che rapidamente si è impadronito di questa etichetta evocativa di una moda.
La mostra si articola in 11 sezioni così intitolate: Inflessioni decorative del Déco; Verso nuove sintesi; Orizzonti esotici; Vittorio Zecchin e Murano: Déco tra vetri e dipinti; Divagazioni futuriste; Geometrie del Futurismo; La severità del Déco; Il sogno dell’antico; Giò Ponti: intorno alla Richard-Ginori; Déco scolpito; Il Déco nella grafica.

Catalogo della Collezione Civica di Palazzo Vittone 

Di recente pubblicazione il rinnovato e aggiornato Catalogo Generale della Collezione Civica d’Arte di Palazzo Vittone di Pinerolo. La bella pubblicazione si deve all’associazione “Amarte”, ma in particolar modo alla maestria del conservatore del Museo e curatore del bel e ricco catalogo a colori: Mario Marchiando Pacchiola che si dedica da oltre trent’ anni allo sviluppo della raccolta d’Arte. Quello che fa piacere consultando il nuovo catalogo è la ricca veste editoriale e la coordinata e logica successione delle opere catalogate , e degli esempi maggiori di artisti anche di fama internazionale. Viene ben documentata attraverso delle immagini di buona qualità la pittura e la scultura di artisti Pinerolesi e Piemontesi,e quella di artisti che hanno operato nelle altre regioni italiane. Traspare bene dalla pubblicazione rinnovata come il Museo Di Pinerolo si inserisca nella panoramica dei Musei delle grandi città nel migliore dei modi. Anzi debbo dire che per molti aspetti sia di finezza editoriale,sia dei contenuti, la sopraindicata opera editoriale può essere additata ad esempio. Vasta è infatti la panoramica degli artisti della collezione. Questo lo si deve anche a tante esposizioni curate in questi trent’anni dall’amico Marchiano Pacchiola : dalle biennali a livello nazionale de “L’arte e il Mistero Cristiano”, alle esposizioni che hanno portato alla pubblicazione della collana “Incontri”. Mostre, avvenimenti, presentazioni che hanno fatto si che la collezione Pinerolese si arricchisse di donazioni da parte di artisti e collezionisti . Il catalogo è diviso in due sezioni ,la prima documenta in ordine alfabetico gli artisti con una scheda per opera, e riporta per molti anche delle immagini;la seconda è divisa in quattro percorsi di immagini : pittura , grafica, scultura, e medaglistica; il tutto preceduto dagli scritti di: Francesco Poli,Claudio Bertolotto e Mario Marchiando Pacchiola.Le belle immagini ci fanno gustare e venire il desiderio di vedere o rivedere le opere della collezione che annovera artisti del secondo ottocento e primi novecento come: Lorenzo Delleani , Leonardo Bistolfi, Ernesto Bertea, Beppe Ciardi, Andrea Tavernier, Giuseppe Augusto Levis, Memo Vagaggini, Cesare Biscarra, Edoardo Calosso, Giovanni Fattori,Francesco Paolo Michetti , Enrico Reycend, Alessandro Lupo,Renato Natali, Curt Witte, Giacomo Grosso, Alfredo Beisone, Giuseppe Vignetta, Marco Calderini, Giovanni Rava, Matteo Olivero, Cesare Maggi, Angelo Barabino, Vincenzo Volpe, Carlo Follini, Luciano Achille Mauzan, Felice Carena, Metello Merlo, Giovanni Colmo, Giovan Battista Carpanetto, Pietro Morando, Domenico Valinotti, Francesco Gonin, Felice Casorati, Davide Calandra, Luigi Aghemo, Luigi Spazzapan, Pietro Gianpaoli , e artisti del novecento come: Ettore Giovanni May, Mario Caffaro Rore , Michele Beretta, Roberto Terracini, Ugo Librè, Cristoforo De Amicis, Trento Longaretti, Ernesto Treccani, Franesco Messina, Giacomo Manzù, Emilio Greco, Pericle Fazzini, Luciano Minguzzi, Lello Scorzelli, Piero Brolis, Umberto Mastroianni, Pietro Annigoni, Augusto Murer, Virginio Ciminaghi, Ettore Calvelli, Sandro Cherchi, Enrico Manfrini, Floriano Bodini, Achille Guzzardella, Mario Rudelli, Franco Garelli, Enrico Colombotto Rosso, Ugo Nespolo, Pietro Favaro, Angelo Cappelli, Alessandro Nastasio, Michel Ciry, Nani Tedeschi, Renzo Igne, Sergio Unia .

 Milano, 2 Gennaio 2009                   achille guzzardella

La vena creativa di Mondino alla galleria Poleschi  

Aldo Mondino era nato a Torino, il 4 ottobre 1938. E' stato collezionista di autografi di scrittori, musicisti e pittori. Da qui nasce l'idea dei ritratti (Delacroix, Ingres, Satie, Mozart), esposti a Roma. Nel 1959 all'età di 21 anni si trasferisce a Parigi, per poi ritornare nel 1972, rimanendovi fino al 1980. Nel frattempo nel 1977 espone i suoi lavori  al Musèe d'Arte Moderne di Parigi intitolata Mythologies quotidiennes. Gli anni successivi sono caratterizzati da lunghi viaggi: in Oriente comincia dal Marocco e prosegue in Palestina. Seguono altri viaggi accompagnate da mostre: Chicago, Ginevra, Parigi, Vienna, Londra. Ora  a distanza di tre anni dalla scomparsa, avvenuta a Torino il 10 marzo 2005, la  prestigiosa galleria Poleschi Arte di Milano, in Foro Buonaparte 68, tel. 02.86997098 - info@poleschiarte.com) dedica all'artista Mondino, sino al 21 febbraio 2009, un  doveroso omaggio. Mondino and Friends, a cura di Vittoria Coen, in mostra anche tre ex allievi: Roberto Coda Zabetta, Federico Guida, Davide Nido. L'artista torinese sfugge a qualsiasi catalogazione. Il motivo? Basta leggere la sua biografia. Neppure il surrealismo, nonostante il periodo giovanile, quando frequenta maestri come Matta e Lam. Nel 1993, espone alla Biennale di Venezia in una sala personale, con una serie di quadri di grandi dimensioni che raffigurano i dervisci nell'atto di danzare: accanto opere eseguite con zollette di zucchero, tappeti e un grande lampadario realizzato in ferro battuto e penne biro dal titolo Jugen Stilo. Catalogo (euro 30,00. pag.116 - foto colori e b/n.), a cura di Andrea Poleschi (in copertina, Mondino "Gange" 2000, cioccolatini su tavola, cm 240x140). L'ultima sua mostra in vita si tenne a Bologna nel gennaio 2005 presso la galleria De Foscherari.                                  

Milano, 20 dicembre 2008                                    Giuseppe Lippoli

LECCE: I TESORI D'ARTE DI CRACOVIA    (18 dicembre / 22 marzo 2009)

Unica tappa in Italia dei Tesori d’arte di Cracovia. Inaugurata il 18 dicembre nel Museo provinciale Sigismondo Castromediano di Lecce una mostra, che, organizzata dall’Assessorato alle Attività culturali della Provincia di Lecce con il patrocinio di Regione Puglia, Ministero per i Beni culturali, Istituto di Culture Mediterranee e Salento Negroamaro, è stata finanziata con risorse dell’Unione europea, nell’ambito dei Por 2000-2006. Le opere d’arte provengono dal Museo del Castello reale di Wawel, la collina che domina Cracovia e che attrae fino a un milione di visitatori l’anno.  Si tratta di arazzi, orologi e sculture in argento, bardature finissime che hanno segnato l’incontro artistico e culturale tra Oriente e Occidente. Una degustazione d’arte raffinata che racconta l’elegante vita dei reali nella corte di Cracovia, ma anche il loro amore per l’arte italiana e l’espressione del barocco in Polonia, come ha ribadito il direttore del museo provinciale, Antonio Cassiano. Soddisfatto l’assessore alle Attività culturali della Provincia di Lecce, Aurelio Gianfreda: “In attesa di valorizzare e potenziare al massimo i beni culturali della nostra terra come il sistema delle cripte bizantine, uniche al mondo, puntiamo sui grandi eventi per attrarre sempre più turisti nel nostro territorio. E’ felice infatti il connubio tra turismo e cultura. La mostra dei Tesori di Cracovia è l’unica tappa in Italia, è un evento di rilievo internazionale che ci pone in stretto contatto con l’Europa”.   “Siamo felici di essere qui a Lecce”, dice il direttore del Museo polacco, Jan K. Ostrowski. “Non è nostra consuetudine “esportare” le opere d’arte per mostre. Abbiamo fatto un’eccezione qui a Lecce per valorizzare gli stretti contatti che il nostro Paese ha avuto con l’arte e la cultura  italiana. Lo stesso castello di Wawel nel periodo del suo massimo splendore, vale a dire nel ‘500 venne ampliato da due architetti fiorentini tant’è vero che nel cortile del castello sembra di stare nella piazza di Urbino”. Dietro le quinte ha lavorato per raggiungere questo  prestigioso obiettivo  lo scultore salentino,  Enrico Muscetra, che, operando ormai da tempo a Cracovia, ha caldeggiato la realizzazione dell’iniziativa ed è stato per questo ringraziato dall’assessore Gianfreda. La mostra con accesso gratuito sarà visitabile tutti i giorni fino al 22 marzo 2009, quando i tesori rientreranno a Cracovia perché si apre la stagione del turismo nella città di Papa Wojtila.  Questo evento segna l’inizio di Salento Negroamaro, la rassegna delle culture migranti che apre le porte del Salento al resto del mondo. Dopo i Paesi Latino Americani, l’evento sarà dedicato al Mondoex: al mondo ex comunista in concomitanza con il ventennale della caduta del Muro di Berlino. Forte sarà quindi lo scambio culturale e il dialogo tra il Salento e il mondo dell’Est. Lo ha annunciato il fautore di Salento Negroamaro Gigi De Luca, che ha presentato tra l’altro in anteprima il nuovo logo-manifesto della rassegna realizzato a titolo gratuito dal maestro Ennio Calabria.

Cavallino, 18 dicembre 2008                            Carmen Mancarella  

VAN TAME: PENNELLATE DI LUCE TRA MILANO E NEW YORK  

E’ stata inaugurata in questi giorni presso la Galleria d’Arte Santa Marta, di via Santa Marta,  la prima personale a Milano dell’artista Van Tame. Nell’esposizione sono presenti quindici opere recenti, 2007-2008, tutte eseguite a olio su tela, e tra queste, dieci raffiguranti angoli della metropoli americana New York, quattro della nostra Milano: uno scorcio del Castello Sforzesco e di piazza Cardusio, il Duomo con la sua imponenza e piazza Cadorna. “Artista grafico di professione e pittore per passione, Van Tame dipinge vivacemente e con gioia sia le scene urbane, sia i paesaggi rurali con pennellate veloci e luminose che sembrano fuochi artificiali a comporre il paesaggio. Per via dell’energia e dei colori, i lavori dell’autore riflettono la vita in tutte le sue forme, dalla natura alle creazioni dell’essere umano...”: con queste parole il critico Louise Nicollet descrive le opere dell'artista. Nato nel 1959 a Laos, nei pressi del Mekong Delta a sud-ovest del Vietnam, Van Tame vive e lavora a Lione dove si stabilisce nel 1980 e attualmente le sue opere sono esposte anche in alcune Gallerie d’Arte di Parigi. La mostra, accolta con grande interesse dal pubblico milanese, proseguirà fino al 30 Gennaio 2009.  

Dicembre 2008                                       AMont*  

MINT AL PIAZZALE CANNONE DEL CASTELLO SFORZESCO  

MINT ritorna a Milano, dal 19 al 23 Novembre 2008, in uno degli scorci più suggestivi della città, nel Piazzale Cannone del Castello Sforzesco, all’interno di una moderna tensostruttura in acciaio e vetro che la scorsa edizione ha saputo offrire al pubblico un inedito e suggestivo punto di vista sulla città. Milano International Antiques and Modem Art Fair, la mostra mercato d’arte antica, moderna e contemporanea giunta alla sua terza edizione e già diventata un appuntamento irrinunciabile, in Italia e non solo. Evento particolarmente atteso da appassionati e collezionisti per l’importante offerta di opere di altissima qualità; a conferma che anche in questi periodi di incertezza l’arte più affermata rappresenta una delle forme di investimento alternative più affidabili. MINT è un elegante rassegna “boutique” che ha saputo felicemente accostare alle opere d’arte antica capolavori d’arte moderna e contemporanea rispondendo così alla tendenza sempre più diffusa tra le nuove generazioni di appassionati d’arte di ricercare un raffinato connubio di linguaggi, epoche e stili. E per ribadire ancora una volta che l’essenza di MINT è nel confronto tra antico e moderno gli Organizzatori dedicheranno a Milano una mostra i cui protagonisti saranno Bernardo Bellotto ed un gruppo di fotografi contemporanei. La manifestazione nasce per iniziativa della Fondazione MINT, Milano, che ha come obiettivo la promozione e lo sviluppo internazionale dell’antiquariato e dell’arte moderna nel territorio. L’organizzazione è curata da Revolution srl, Torino, società specializzata nell’ideazione e realizzazione di grandi mostre e significativi eventi d’arte.  

Novembre 2008                                    AMont*

Disegni inediti di Fellini e la sua musa Betti al T. Filodrammatici 

Uno dei film più amati di Federico Fellini La dolce vita sta per compiere cinquant'anni, a Rimini la Fondazione a lui intitolata gli dedica due giorni di convegno e una mostra: I libri di casa mia - la biblioteca di Fellini in mostra, con gli oltre duemila volumi appartenenti al maestro e conservati nell'archivio del Museo Fellini, che ha deciso di esporli al pubblico (fino al 13 aprile 2009). La mostra sarà suddivisa in percorsi, per consentire ai visitatori di orientarsi tra i libri che l'artista custodiva nella casa romana di via Margutta e nel suo atelier di corso Italia. Adesso dopo la prima edizione della mostra "Fellini e la sua musa. Disegni inediti della collezione Liliana Betti" con il patrocinio del Comune di Milano e della Fondazione Federico Fellini, ospitata con grande successo nelle Sale Municipali di Palazzo Bargnani Dandolo ad Adro in provincia di Brescia. Grazie al contributo del Sindaco Danilo Oscar Lancini per sua concessione e promotore della mostra, arriva  al Teatro Filodrammatici 1 (ingresso Piazzetta Paolo Ferrari 6), situato nel cuore di Milano, di fianco alla Scala. Ma senza nulla togliere alla bella mostra e al regista cinematografico, il vero evento in questa occasione è un altro: per la prima volta il Teatro Filodrammatici apre le porte mettendo a disposizione gli spazi alti dal palco, che proseguirà anche nei mesi successivi allestendo mostre con l'obbiettivo di connotare il Teatro Filodrammatici come luogo di sostegno e promozione dell'Arte. Quindi la rassegna è il primo atto del Progetto Atelier, curato da Fabrizio Visconti - dice: partendo da "Fellini e la sua musa", l'intero percorso di mostre e installazioni che avranno luogo in  Teatro e che faranno parte del progetto, le mostre avranno tutte accesso gratuito, in modo tale da stimolare la partecipazione popolare al percorso proposto. In esposizione una selezione dei cento disegni realizzati da Fellini, appartenenti alla collezione Liliana Betti (1937 - 1998), scrittrice adrense, una fra le  più importanti figure del cinema italiano del Novecento, legata al grande regista Fellini da un lungo sodalizio professionale e umano per vent'anni. (Fino al 14 dicembre - ore 16.30 - 19.30, domenica 10.00 - 14.30, chiuso lunedì, ingresso libero). La Betti, collaborò con Fellini affiancandolo sul set nelle vesti prima di segretaria di produzione, poi di assistente alla regia, in occasione della lavorazione di alcuni dei film più importanti, partendo da Giulietta degli spiriti (1965), Fellini Satyricon  (1969), Amarcord (1973), Casanova  (1976), infine La città delle donne (1980). In visione disegni in bianco e nero e a colori, bozzetti e schizzi autografati da Fellini, opere realizzate durante le pause di lavoro, la maggior parte dedicate alla Betti. Curata da Enrico Ghezzi e da Domenico Montalto: Fellini ritrasse Liliana molte volte, nelle scene e nelle fogge più divertenti. L'esposizione prevede anche una scultura realizzata da Carlo Previtali "Omaggio a Federico Fellini" intitolata Gradisca, anno di esecuzione 2005, ceramica raku colorata. Nato a Bergamo il 1947, vive e lavora a Grumello del Monte (Bg). Per tutta la durata della mostra si proietta il documentario Diario segreto di Amarcord, un divertente backstage di uno dei film più importanti e apprezzati del regista riminese, tra l'altro premiato con l'Oscar come miglior film straniero. Scritto dalla Betti e diretto da Maurizio Mein, svela il provino umoristico e divertente di alcune sequenze, episodi non montati, come il provino di Sandra Milo, un inedito Fellini mentre scherza sul set e disegna personaggi previsti e non montati. Catalogo Skira, euro 30.00. Per informazioni: Ufficio stampa - Francesca Bianucci - mobile: 3356178582 - email: francescabianucci@alice.it                                                                  

 Milano, 27 novembre 2008                  Giuseppe Lippoli

PALAZZO REALE:  "DA CANALETTO A TIEPOLO"   (Collezione Terruzzi) 

La collezione Terruzzi si è formata negli ultimi cinquant’anni sull’onda di una grande passione per l’arte in tutte le sue forme ed espressioni.
Quello che più colpisce visitandola è la complessità delle scelte che non si polarizzano essenzialmente su tematiche e generi particolari. Al di là infatti di taluni nuclei fondamentali – la pittura veneziana del Settecento, in primis – la raccolta si compone di un florilegio di testimonianze artistiche che spazia dalle tavole a fondo oro e dai fronti di cassone rinascimentali alle tormentate espressioni paesaggistiche di Magnasco, a quelle trionfali di Giovanni Paolo Panini, via via fino alla produzione moderna di Guttuso, De Chirico o Severini. Il nucleo pittorico si integra poi con una delle più consistenti – per qualità e quantità – raccolte di mobili sette/ottocenteschi in mano privata, la grande maggioranza dei quali di qualità assolutamente museale. Porcellane, argenti ed arazzi completano l’insieme della collezione, che nella sua globalità comprende più di 5000 pezzi.
Il volume focalizza l’attenzione su un settore particolare, su una delle grandi passioni di questi collezionisti, la pittura veneziana del Settecento. Vedute e paesaggi di Carlevarijs, Canaletto, Marieschi e Guardi, come di Marco Ricci, Richter e Cimaroli dialogano con le storie mitologiche ed eroiche del Ricci, di Pellegrini e Pittoni, come con il chiacchiericcio di Longhi o con le favolette di Jacopo Amigoni. Le ultime due sale sono un omaggio a Tiepolo, padre e figlio: di Giambattista viene esposto il ciclo realizzato per Palazzo Sandi a Venezia, di Gian Domenico parte degli affreschi provenienti da Palazzo Valmarana a Vicenza. Due cicli di superba qualità artistica: di grande forza plastica e cromatica il primo, di una sublime, asettica eleganza quasi neoclassica il secondo. Due sezioni a parte mostrano l’altra faccia del collezionismo dei Terruzzi, la predilezione per gli arredi e le arti decorative: sono esposti alcuni dei mobili più preziosi della raccolta, come anche alcune delle più eleganti porcellane, sia occidentali, che orientali. Una campionatura numericamente contenuta, ma qualitativamente altissima che ancor più testimonia il pregevole livello di questa raccolta.  

Milano - Palazzo Reale - 3 ottobre 2008 

GIANFRANCO PARDI

Mostra di Gianfranco Pardi allo studio Marconi di Milano e alla Galleria Fumagalli di Bergamo Inaugurate il 19 Settembre, allo studio Marconi di via Tadino a Milano, e il 20 Settembre 2008, alla Galleria Fumagalli di Bergamo, le mostre del’Gianfranco Pardi. Le esposizioni hanno come titolo “1970-77 più opere recenti”. In occasione delle due mostre sono stati editi due bellissimi volumi disponibili nelle due gallerie. All’inaugurazione, nello studio Giò Marconi sembrava di essere tornati alle mostre di un tempo, molti i visitatori, bello l’allestimento, ricca l’esposizione. Alla mostra erano presenti i maggiori artisti italiani che operano a Milano amici dello scultore e pittore milanese nato nel 1933. Le due esposizioni rimarranno aperte, la prima fino all’8 novembre 2008, la seconda fino al 31 ottobre. Degli anni ’70 è in mostra tutta la serie di opere in acrilico su tela e cavi d’acciaio dal titolo “Architettura…”. Delle opere recenti in mostra citiamo: “Go” del 2007 in acciaio verniciato, “Danza” del 2006 in ferro verniciato e “Topos” del 2006. (Nella foto i maestri scultori Pietro Coletta, Arnaldo Pomodoro, Giuseppe Maraniello e Achille Guzzardella  all'inaugurazione della mostra.)

Milano, 21 settembre 2008           achille guzzardella

IL CAPOLAVORO LA GIUDITTA DI BOTTICELLI AL DIOCESANO  

Giunta alla sesta edizione di “Un capolavoro per Milano”, dopo l’esposizione del 2002 con L’Ecce Homo di Antonello da Messina, proveniente dal Collegio Alberini di Piacenza; il 2003 con L’Annunciazione di Domenico Beccafumi; il 2004 La cattura di Cristo del Caravaggio, proveniente dalla National Gallery of Ireland di Dublino; il 2006  La Sacra Famiglia con Sant’Elisabetta e San Giovannino di Andrea Mantegna ed infine nel 2007 L’Annunciata di Antonello da Messina, proveniente dalla Galleria Regionale della Sicilia di Palazzo Abatellis a Palermo. Dal 1 ottobre il Museo Diocesano ospita il capolavoro “Giuditta” del maestro fiorentino Sandro Botticelli, l’opera è databile  al 1470 circa ed è composta da due piccoli dipinti (tempera su tavoletta, cm 31x25). L’iniziativa culturale parte da un progetto promossa da Bipiemme Gestioni e il Gruppo Banca Popolare di Milano e dal Museo Diocesano – Fondazione Sant’Ambrogio. L’opera dapprima proveniente dalle collezioni Medicee e successivamente a partire dal 1632 collocata alla Galleria degli Uffizi di Firenze. Ora per la prima volta un’opera di un maestro assoluto della pittura rinascimentale italiana sarà ammirato a Milano fino al 14 dicembre 2008, tutti i giorni, dalle 10.00 alle 18.00, escluso i lunedì (Museo Diocesano, corso di Porta Ticinese 95). Alessandro Filipepi detto Botticelli (Firenze 1445 – 1510), con queste due opere pittoriche affronta il tema della Giuditta, di straordinaria bellezza, a sinistra Il ritorno di Giuditta a Betulia, raffigura Giuditta che, scortata da un’ancella, ritorna da Betulia dopo aver decapitato Oloferne, il generale assiro che minacciava la sua castità e la libertà del popolo ebraico, nell’occasione l’altra tavoletta intitolata La scoperta del cadavere di Oloferne, posta a destra, raffigura l’interno della tenda del condottiero il cui corpo robusto giace senza testa davanti alle espressioni raccapriccianti dei suoi uomini. Le due tavolette, che il formato suggerisce dovessero destinate a una devozione privata e create per essere ammirate da una distanza molto ravvicinata, sono ricordate dalle fonti e dai documenti solo a partire dal Cinquecento. Si narra che dal Seicento vengano descritte come unite in una sorta di dittico, racchiuse in un’unica cornice, ma nulla lascia trapelare che questa fosse la collocazione originaria, purtroppo, non si conosce nulla di certo. La mostra  è accompagnata da un Catalogo Silvana Editrice, Milano, 2008 – euro 12,00. A cura di Paolo Biscottini, con testi di Ernesto Borghi, Giovanni Ferrario e Nadia Righi. Per informazioni: telefono 02.89420019.

Milano, 25 settembre                        Giuseppe Lippoli

MUSEO DIOCESANO:  UN CAPOLAVORO PER MILANO  (dal 1° ottobre)

Ormai alla sesta edizione, anche quest’anno il Capolavoro per Milano, frutto della collaborazione tra il Museo Diocesano e Bipiemme gestioni, propone ai visitatori un’opera di un maestro assoluto della pittura rinascimentale italiana: Sandro Botticelli. Le due tavolette, provenienti dalle collezioni Medicee e oggi agli Uffizi, si datano al 1470, in quella fase in cui Botticelli elimina progressivamente il chiaroscuro, proponendo una particolare interpretazione delle leggi prospettiche rinascimentali e cercando la definizione del movimento delle figure tramite eleganti evoluzioni dei panneggi. Così le figure, grazie alla particolare e raffinata incidenza della luce e alla ricercatezza ornamentale, appaiono come eleganti silhouette più che corpi tridimensionali, aprendo a quella svolta stilistica che caratterizzerà l’arte del maestro fiorentino nei suoi anni maturi.
Il tema di Giuditta è presente nell’arte italiana sin dal Medioevo, con una forte valenza simbolica. Botticelli propone una lettura fedele del testo biblico, scegliendo uno schema compositivo del tutto nuovo e articolando la narrazione in due scene distinte nelle quali cambia tono e registro linguistico: il Ritorno di Giuditta a Betulia mostra colori chiari e toni luminosi ed è attraversato da un’aria leggera e quasi leziosa al contrario dei toni bui e drammatici della Scoperta del cadavere di Oloferne.
Di straordinaria bellezza e intensità è il volto di Giuditta, con quella pensosa malinconia che caratterizza le opere del maestro fiorentino.

ARTESANTERASMO -      MAURIZIO ZACCARDI           (dal 2 ottobre)

Dal museo omonimo di Fontanelle in provincia di Parma, inaugurato a maggio in occasione delle celebrazioni per il padre di Don Camillo e Peppone, arriva a Milano la mostra di Maurizio Zaccardi. Un omaggio al “mondo piccolo” di Giovannino Guareschi con una ventina di sculture in bronzo che si ispirano ai disegni umoristici che il giornalista e scrittore pubblicava sul “Candido” (da lui fondato), da cui attaccava i comunisti ma anche il governo democristiano. accardi, nel riprenderne le caricature, dà abilmente vita a personaggi nuovi, fantasiosi e grotteschi. Tra gli altri ci sono don Camillo e Peppone su una cinquecento Fiat e su un’Alfa Romeo storica, libere interpretazioni di sequenze del film; c’è il crociato con una forchetta al posto della spada (sull’arrembaggio della burocrazia romana alla navicella della fiera di Milano) e c’è l’accaparratrice di poltrone. La mostra sarà corredata di foto e documenti storici gentilmente messi a disposizione dalla famiglia Guareschi. Scrive Vittorio Sgarbi nella presentazione al catalogo pubblicato dal Monte Università Parma: Guareschi sarebbe potuto essere uno scultore e Zaccardi ha provato a dimostrarlo. Figure o piccoli gruppi, derivati dai disegni umoristici di Guareschi, ma non fino al punto da esserne una semplice trasposizione tridimensionale. Il corrispettivo plastico dei disegni satirici di Guareschi è il bozzetto, la scultura anti-monumentale per antonomasia, da ‘mondo piccolo’ […]. In questa accezione volutamente ‘piccola’, anche quando manifestata attraverso la resistenza del bronzo, Zaccardi innesta invenzioni ricche e mutevoli, talora con toni grotteschi che ricordano Daumier, padre storico del genere. Zaccardi, però, è capace anche di slanci di divertito, rustico Surrealismo […]. Bambolotti arguti e deliziosi, aerei, come nel caso dell’ottimo cavaliere ‘forchettato’, controparte figurata delle posate ‘parlanti’ di Bruno Munari, nel quale Zaccardi è abilissimo a controllare l’eleganza dei volumi tondeggiati, fra Maillol, Bueno e Botero. Una fantasia pura, senza altri fini che la propria soddisfazione creativa…”   c.stampa   

CORREGGIO a PARMA                        (dal 20 settembre)

Alla Galleria Nazionale in Pilotta e all’interno del Teatro Farnese sarà concentrato, con il coordinamento di Lucia Fornari Schianchi un insieme strepitoso delle opere più significative del Correggio oggi “trasportabile” esistente nei diversi musei di tutto il mondo .  Una mostra superba che diventa parte di un percorso davvero emozionante che porterà ad ammirare - tutti concentrati in un raggio di poche centinaia di metri intorno alla mostra - i tre capolavori assoluti del Correggio: i sontuosi cicli affrescati nella Cupola della Cattedrale, quelli nelle due Cupole del Monastero di San Giovanni Evangelista e il sublime insieme rappresentato dalla Camera della Badessa in San Paolo. Da sottolineare che sarà possibile salire sino alla cupola della Cattedrale e a quella di San Giovanni, grazie a speciali impalcature che saranno allestite per l’occasione e offriranno l’opportunità di apprezzare da vicino questi due straordinari capolavori. Per apprezzare meglio il contesto storico in cui operò il Correggio, verrà anche proposto un itinerario alla scoperta di superbe opere di vari Maestri del Rinascimento: in primis, la meravigliosa Camera d’Oro del Castello di Torrechiara e la Camera di Diana nel castelli di Fontanellato. Insomma, un concentrato di emozioni per far emergere nel panorama dell’arte italiana il, grande, seducente “Pittore della luce”, che stupirà per quel continuo passaggio di registro dal sacro al profano e che condizionerà molti artisti fino all’epoca barocca.

19 settembre 2008          achille guzzardella

LA FILOSOFIA E L'ARTE DI SHINJO ITO A MILANO 

E' stata presentata in questi giorni a Palazzo Crivelli di Milano, con grande interesse di pubblico, la Mostra "In Arte, Buddha. La Filosofia e l'Arte di Shinjo Ito" con l'eccezionale presenza di Sua Santità Shinso Ito, figlia di Shinjo Ito e leader spirituale della corrente buddhista Shinnjo-en.Le opere, esposte per la prima volta in Italia e firmate da Shinjo Ito, uno dei più importanti artisti buddhisti giapponesi del XX Secolo, sono state suddivise in cinque parti: Statuaria Buddhista, Rilievi, Busti e altre Statue, Calligrafia, Incisioni e Disegni, Fotografia.Dopo Tokyo, Osaka, Nagoya, Fukuoca, Sapporo, New York, Chicago e Los Angeles la Mostra, che è stata ospitata a Milano, proseguirà per Firenze al Museo Nazionale Alinari della Fotografia dal 30 Ottobre al 30 Novembre.La Mostra è stata organizzata in collaborazione con Fratelli Alinari, Fondazione per la Storia della Fotografia e con il patrocinio del Comune di Milano.Le visite alla Mostra che sono gratuite, consentendo la partecipazione di un numero limitato di persone necessitano di prenotazione. Per info: www.shinjoito.com/it  

Settembre 2008                                    AMont*  

CANOVA ALLA CORTE DEGLI ZAR  

E’ ancora visibile la mostra inaugurata a Palazzo Reale di Milano il 23 Febbraio scorso sulle sculture Neoclassiche italiane collocate  all’Ermitage di San Pietroburgo. La mostra prorogata per il grande successo di pubblico è unica nel suo genere. Certamente l’opera caratterizzante l’esposizione è: “Danzatrice con le mani sui fianchi “ di Antonio Canova, marmo del 1812 che si erge in tutto il suo splendore compiacente di essere ammirato. E poi c’è una delle repliche della famosa “Testa ideale di Elena” di mano Canoviana come pure “Testa di Paride” e “Testa del Genio della Morte”, e pure “Le Grazie” e “Maddalena penitente” e “Amorino Alato”. Completano la mostra diversi marmi dei più bravi scultori che seguirono l’esempio del grande Maestro di Possagno. Voglio menzionare: Lorenzo Bartolini, scultore che con “La Fiducia In Dio” (La prima esguita è al Poldi Pezzoli di  Milano) raggiunge un posto rilevante nella Storia della scultura Italiana e lo fa considerare lo scultore più interessane dopo il Canova del primo Ottocento Italiano (in mostra anche: “Ninfa dello scorpione” e “L’ammostatore-Bacco fanciullo”); e poi ci sono opere di Pietro Tenerani (in mostra: “Flora” e “Psiche svenuta” e i bei busti: “Busto del principe Michail Voroncov”, “Busto della granduchessa Marija Nikolaevna”), di Pompeo Marchesi (in mostra: “Busto del granduca Aleksandr Nikolaevič”), di Giovanni Antonio Cybei (in mostra: “Stagioni”), di Luigi Bienaimè (in mostra il bel marmo: “Busto di Nicola I” e “Amore che abbevera le colombe di Venere” e “Pastorella” e “Zefiro” e “Baccante danzante”) , di Carlo Albacini (in mostra: “Flora” e “Iside”), di Carlo Finelli (in mosra : “Le Ore danzanti” e “Venere che sorge da una conchiglia”), di Emil Wolff (in mostra: “Amore con gli attributi di Ercole” e “Psiche con l’urna di Proserpina” e “Ninfa in riposo dopo la caccia”), e di John Gibson (in mostra: “Amore pastore”) di Rinaldo Rinaldi (in mostra: “La Pace”), e di Bertel Thorvaldsen (in mostra un bel “Ganimede”), e di Giovanni Duprè (in mostra: “ Pescatore” e “Bacchino” della crittogama). Fanno da cornice alla bella mostra una serie di splendidi vasi di marmi pregati, i vasi delle manifatture imperiali.   Una mostra unica, da non perdere. 

Corrente e Sassu a Palazzo Reale            (fino al 7 settembre)

Con piacere ho visto alcuni giorni fa le due mostre, inaugurate a Palazzo Reale di Milano il 10 giugno scorso e visibili fino al 7 settembre 2008, relative, la prima agli oli  e acquarelli di Aligi Sassu, la seconda, dal titolo Corrente-Le Parole della Vita-Opere 1930-1945, esposizione  di  quel periodo fortunato dell’Arte Italiana di tanti artisti che ho in gran parte conosciuto e ritratto in scultura. Menziono gli artisti in mostra, tutti maestri dell’Arte Italiana del secolo scorso: Badodi, Birolli, Broggini, Cassinari, Cherchi, Fontana, Gauli, Genni, Guttuso,  Lanaro, Mafai, Manzù, Migneco, Morlotti, Mucchi, Paganin, Pirandello, Santomaso, Sassu, Scipione, Tomea, Treccani, Valenti, Vedova. Il mio invito a vedere le mostre in questione è per tutti ma, è rivolto soprattutto ai giovani, ai giovani dei licei e delle accademie, per potere carpire gli aspetti di una felice stagione dell’Arte Italiana dove i valori erano quelli di sempre, quelli della pittura e della scultura, delle arti figurative.     

Milano - 14 Luglio 2008                                                      achille guzzardella

L’Autoritratto di Yan Pei-Ming al GAMeC  di Bergamo      

Inaugurata il 19 marzo 2008 la mostra personale dell’artista Yan Pei-Ming alla GAMec - galleria d’arte Moderna e Contemporanea di Bergamo, via San Tomaso, 53. Prima personale in un museo italiano dedicata a questo artista di origini cinesi, uno dei maggiori protagonisti dell’arte  internazionale contemporanea. In visione venti opere di grande formato, tra cui molti acquarelli, per la maggior parte esposte per la prima volta al pubblico. Da citare International Landscape, 2006; Pape Jean-Paul II, 2005; Selfportrait af Four Ages, 2006; la serie di acquarelli New Born, New Life, 2007. La mostra è articolata in quattro sezioni tematiche: Autoritratto con paesaggio, Autoritratto con religione, Autoritratto con parenti, ed infine Autoritratto con vita e morte. La pittura di Yan Pei-Ming è caratterizzata da un impianto materico mediante l’applicazione di pennellate violente. I primi dipinti sono quasi monocromatici, nero, bianco, rosso. Fino al 27 luglio, la GAMeC di Bergamo (insieme alla mostra di Luca Vitone, di Victor Man e della rinnovata collezione permanente). Orari: martedì-domenica: 10-19; giovedì 10-22 – lunedì chiuso – Ingresso intero 4,00 euro; ridotto 2,50 euro (il biglietto dà diritto all’accesso a tutte le mostre). In rassegna  Papa Giovanni XXIII, eseguito nel 2005, olio su tela (commissionato a Yan Pei-Ming dalla Banca Popolare di Bergamo che l’ha concesso in deposito alla GAMeC), Mao del 2005, Paesaggio internazionale, 2006, (olio su tela, 200x400 cm), L’ultimo imperatore, 2007, Autoritratto, 2007. Le opere eseguite ad olio sono state realizzate nello studio di Digione, invece per quanto riguarda gli acquarelli a Shanghai (dove è nato nel 1960), usando carta e colori inglesi, ma acqua e pennelli cinesi. Accompagna la mostra un catalogo bilingue, edito da Electa, Milano,2008, con un testo di Giacinto di Pietrantonio, formato cm 28x28 – pagine 144, prezzo 55 euro. Yan Pei-Ming emigra nel 1981 in Francia, dove studia prima all’Ecole nazionale des Beaux-Arts di Dijon  poi all’Institut des Hautès Etudes en Art Plastique di Parigi. Fin dall’inizio l’artista si distingue per i temi della figura umana e soprattutto per il ritratto. Ha partecipato alla Biennale di Venezia (1953, 2003), alla Biennale di Lione  (1997), alla Biennale di Siviglia (2006) e dopo alla Biennale di Istanbul (2007). Per informazioni GAMeC tel. 035.270272 – fax: 035.236962 – www.gamec.it. – Servizi educativi: tel. 035.399529 – e.mail: giovanna.brambilla@gamec.it   

 Milano - 12 luglio 2008 -                               Giuseppe Lippoli  

GRANDI MOSTRE SUI LIGARI                        (fino al 19 luglio)

La mostra “ I Ligari – Pittori del ‘700 Lombardo”, nelle due sedi milanesi Galleria  Gruppo Credito Valtellinese e Museo Diocesano, rimarrà aperta fino al 19 luglio 2008. Le due esposizioni hanno riscosso notevole successo di pubblico. Voglio qui segnalare alcune delle tele più interessanti:  di Pietro Ligari  “L’Immacolata con Gesù bambino e l’Eterno” , “La decollazione di San Giovanni Battista” , la “Confutazione dell’eresia” e i bei ritratti di Gervasio Ligari e di Giovanni Andrea Ligari, parroco di Colorina e di Cesare Ligari la bella tela, interessante per il girotondo quasi ascensionale dei santi fraticelli attorno al crocifisso dal titolo “I l crocefisisso con Sant’ Antonio di Padova, San Giuseppe di Leonessa, San Fedele da Sigmaringen e i due santi francescani” e l’olio su tela “Cena di Emmaus” custodito a Torino nel Convento della Congregazione di San Filippo. Di Vittoria Ligari segnalo “Mosè fanciullo spregiatore del faraone” della Banca Popolare di Sondrio”.

Milano - 10 luglio 2008 -                             Achille Guzzardella

Mostra delle opere acquisite dal Museo della Permanente dagli anni '70 ai nostri giorni

Museo della Permanente – mostra delle opere acquisite dal 1970 ad oggi Aperta al pubblico al palazzo della Permanente di Milano la bella rassegna sulle opere del museo della insigne istituzione ottocentesca. La prima parte della rassegna era stata esposta un anno fa. Sono presenti le opere donate dagli anni settanta ad oggi. Mostra che meriterebbe un bel successo di pubblico, curata e ben allestita dal direttore del museo Alberto Ghinzani e dal critico Alberto Veca. La rassegna sarà visibile fino al 31 Agosto, un occasione per i visitatori di conoscere l’operato nelle differenti tendenze artistiche ma sempre ben riconducibili alla realtà pittorica, scultorea o grafica dei maggiori e più importanti artisti che hanno operato e operano tutt’ora nel territorio Lombardo. Sono presenti opere di Giuliano Vangi, Tino Vaglieri, Attiglio Steffanoni, Attiglio Rossi, Franco Rognoni, Giuseppe Novello, Alfredo Mazzotta, Giovanni Mattio, Trento Longaretti, Piero Leddi, Achille Guzzardella, Piero Giunni, Alberto Gianquinto, Renato Galbusera, Renato Ferrari, Guido Di Fidio, Giancarlo Colli, Giovanni Cerri, Carlo Cattaneo, Giovanni Cappelli, Giovanni Blandino, Enzo Vicentini, Emilio Tadini, Anna Santiniello, Alfredo Pizzo Greco, Mimmo Paladino, Armando Marrocco, Agenore Fabbri, Lucio Del Pezzo, Otello Brocca, Grazia Varisco, Walter Walentini, Mauro Staccioli, Giancarlo Sangregorio, Mauro Reggiani, Lorenzo Piemonti, Gianfranco Pardi, Elena Mezzadra, Vittorio Matino, Luigi Fulvi, Michele Festa, Bruno Di Bello, Enrico Della Torre, Alex Corno, Pietro Coletta, Nino Cassani, Giovanni Campus, Agostino Bonalumi, Rodolfo Aricò, Togo(Enzo Migneco), Gianriccardo Piccoli, Giancarlo Ossola, Gino Meloni, Attilio Forgioli, Franco Daleffe, Giuliano Collina, Nado Canuti, Franco Zazzeri, Giulio Turcato, Luigi Stradella, Amilcare Rambelli, Mario Raciti, Cristiano Plicato, Aldo Pancheri, Gottardo Ortelli, Claudio Olivieri, Giancarlo Marchese, Paolo Iachetti, Costantino Guenzi, Giorgio Griffa, Alberto Ghinzani, Libero Ferretti, Enzo Esposito, Sergio D’Angelo, Alfredo Chighine, Giancarlo Cerri, Alik Cavaliere-Emilio Scanavino. 

Milano - 9 Luglio 2008 -                 achille guzzardella

LIGABUE  -  250 opere  a  Palazzo Reale      (fino al 26 ottobre)

Ligabue torna a Milano, dopo quasi trent’anni dalla prima mostra, per una consacrazione vera e propria che restituisce a questo grande artista il ruolo che gli spetta a pieno titolo nella pittura italiana del ‘900. L’esposizione presso Palazzo Reale, curata da Augusto Agosta Tota con catalogo edito da Franco Maria Ricci, può essere definita la più grande mostra mai realizzata su Ligabue: oltre 250 opere di cui ben 215 dipinti a olio - quindici dei quali inediti - oltre ad oggetti che gli appartenevano e una ricca filmografia d’epoca (di Raffaele Andreassi) che ci racconta la sua vicenda umana con una poetica struggente. La mostra si svolge sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica ed è promossa dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Milano. Si avvale inoltre del patrocinio di: Senato della Repubblica; Presidenza del Consiglio dei Ministri; Ministero per i Beni e le Attività Culturali; Ministero della Pubblica Istruzione; Regione Lombardia; Provincia di Milano. Un genio, quello di Ligabue - spiega Vittorio Sgarbi nel suo testo in catalogo - che nella sua assoluta istintività, nella sua arcaica complicità con la natura, era in grado di inserirsi a pieno titolo nell’arte contemporanea, proponendo un linguaggio figurativo che parla di cose semplici a persone altrettanto semplici. Ligabue identificava il perfetto artista popolare, il “poeta contadino” che non poteva non raccogliere i favori di Zavattini e di coloro che trovavano in lui un sicuro punto di riferimento nella cultura italiana del Dopoguerra. A qualcuno - scrive il critico Luigi Cavallo nel suo contributo in catalogo - la mostra potrà sembrare il seguito di quel “Miracolo a Milano” di Cesare Zavattini, tra i primi sostenitori del pittore, in cui non era facile distinguere tra realtà e fantasia, tenerezza e amarezza se non attraverso argomenti oggi in disuso, come la nostalgia, la malinconia. E così è davanti ai quadri di Ligabue: scene di vita vista con gli occhi di chi, per dramma o per fortuna, è rimasto imprigionato nel fanciullo primordiale. Senza per questo (semmai proprio per questo) non diventare pittore maturo, consapevole, come spiega nel suo testo in catalogo un altro grande artista del ‘900, Marino Mazzacurati, o come sottolineano i numerosi autoritratti. In mostra ne è presente un’intera sezione. L’iconografia sempre intensa, eccitata, goffa e grandiosa degli autoritratti è quella che ciascuno di noi si porta dentro: terribile o grottesca, struggente nella confessione delle proprie interiori paure, infantile nell’impaccio, aggressiva nell’eccitazione di un’inquietudine segreta e instabile, sfrontata con sguardo di sfida, in una galleria di situazioni ed emozioni che trascorre attraverso tutti i sentimenti dell’esistenza. Un diario intimo che Ligabue è venuto annotando con ostinazione maniacale, emozione fatta pittura, attraverso colore e forma che aderiscono al sentire, si impastano con esso. Si intreccia inevitabilmente con l’altro grande filone degli animali, ritratti con una drammaticità che ci lascia sorpresi ogni volta.  Provava per loro un amore fortissimo – dice Mazzacurati – e nell’aia di casa bastava che facesse strani gesti con le mani ed emettesse un leggero sibilo, perchè tutti gli animali come impazziti gli corressero intorno. È il mito di Orfeo o del Flauto Magico, questo del mettersi in rapporto con le forme più elementari di animalità, per giungere a possedere nella sua interezza sè stesso e per questa via, attraverso le prove dell’acqua e del fuoco, poter salire alle stelle. E noi con lui, con Ligabue: o perlomeno questa è l’emozione che regala la mostra, l’evento artistico di Milano che dà il benvenuto a un grande pittore e riesce a restituirci tutto il suo dramma della vicenda umana, con rigore ma anche poesia, senza inquinare, anzi, arricchendola, la straordinaria qualità pittorica di uno dei più grandi artisti italiani del ‘900.  

Milano - Palazzo Reale -

MOSTRE DEGLI ARTISTI DELLA PERMANENTE  IN TRE SEDI

La Permanente con l’impegno della Commissione Artistica 2007-2008 è riuscita a realizzare ben tre esposizioni dei soci artisti. La prima si è tenuta dal 12 aprile al 12 maggio nella città di Garbagnate Milanese nello  spazio comunale Corte Valenti, mostra dedicata a ben 51 scultori che operano per lo più nella capitale lombarda, sculture sia astratte che figurative e concettuali. La seconda mostra si è tenuta nella  Villa Tittoni di Desio dal 6 a 25 maggio. Mostra realizzata da ben 166 artisti, pittori, scultori e grafici; una panoramica sulla produzione lombarda contemporanea, accanto all' esposizione permanente museale del caro scultore Giuseppe Scalvini che fu per tanti anni animatore della vita artistica ed espositiva della storica istituzione milanese. La terza mostra che documenta l’opera di ben 157 artisti, inaugurata nel Palazzo Gallio a Gravedona sul lago di Como nell’alto Lario occidentale è di sicuro impatto visivo. Si è inaugurata il 28 giugno e rimarrà aperta fino al 27 luglio. Sono bene esposte opere di amici scultori, pittori e grafici. Artisti noti operanti nel territorio lombardo ma anche giovani promesse. La mostra è ben allestita e curata nel suo percorso. Cito alcuni nomi presenti oltre il sottoscritto: Alberto Ghinzani, Franco Zazzeri, Alfredo Mazzotta, Pino Di Gennaro, Luciano Bocchioli, Nino Cassani, Giancarlo Colli, Francesca Magro, Elvino Motti, Giulio Crisanti, Harry Rosenthal, Giorgio Scaini, Giorgio Scano, Togo  e Franco Vasconi.

Milano, 7 luglio 2008 -                     Achille Guzzardella

La Fondazione Aligi Sassu e Helenita Olivares di Lugano, e lo Studio-Archivio Sassu di Milano, hanno realizzato la mostra Aligi Sassu: dal mito alla realtà. Dipinti degli Anni Trenta permette di scoprire la stagione più ricca nella lunga ricerca artistica di Sassu, dal punto di vista sia della sperimentazione linguistica sia della messa a fuoco dei soggetti. Sassu è stato un artista precoce. Fu scoperto da Martinetti e fatto esporre a soli sedici anni alla Biennale di Venezia, nella sala riservata ai Futuristi. La scelta di circoscrivere l’esposizione alla pittura, Sassu fu anche scultore, autore di numerose opere monumentali, ceramista, illustratore, scenografo, risponde alla volontà di esplorare proprio l’evoluzione del linguaggio dell’artista, dalle forme del mito a quelle della realtà. Evoluzione che trova nella pittura le sue pagine più indicative. La mostra è curata da Giuseppe Bonini. Gli apparati scientifici sono a cura di Giuseppe Bonini e Barbara Oteri. 

Milano, 15 giugno 2008            achille guzzardella

GIANNI DOVA  alla galleria "Il Castello"

Tra le varie mostre viste a Milano in questi mesi del 2008 finalmente una esposizione degna di nota, quella su Gianni Dova. Inaugurata l’8 Maggio  alla galleria “il Castello” dai due fratelli Conte, figli di quel  guido Conte. gallerista della Brera di anni fa. L’esposizione riesce a coinvolgere anche il più profano dei visitatori se non altro per la varietà e la bellezza dei colori dei molti oli appesi. Dova è sempre Dova, con le sue atmosfere magiche fatte di spazi, di forme, di equilibri quasi scultorei messi in luce a mio giudizio proprio in questa mostra. Chi è attento rimane coinvolto e si compiace di queste forme, di questi colori turchini. È il Dova degli anni ’50-60, il Gianni migliore, quello chiaro, netto e misterioso. Ogni artista, ogni artista vero, ha dei momenti e periodi felici e questo è quello di grazia, anche se tutta l’opera dell’artista Romano, ma di crescita e vita  d’artista Milanese, è interessante e felice. Anche l’ultimo periodo della sua arte, quello che io conobbi più direttamente e vidi fare in alcune realizzazioni quando andai a ritrarre l’artista (in seguito, poi, presi l’abitudine di andarlo trovare e diventammo amici) è magico per i colori e si presta ancor più per indovinate combinazioni estetiche. Il quadro di Dova non perde la funzione d’un tempo, allieta e abbellisce l’ambiente. Non voglio entrare nel merito delle singole opere in mostra ma vi invito ad andare a vedere l’indovinata e  bella esposizione, messa in opera dai due giovani galleristi milanesi, che ben ricorda l’amico e maestro del  secolo passato. 

A MILANO SCRITTURA DI LUCE E COLORI FRA RUSSIA E ITALIA 

In posizione strategica e privilegiata, nel cuore della metropoli lombarda, la "Casa del Pane" di Porta Venezia ospiterà in questi giorni un'interessante mostra d'arte contemporanea dal suggestivo titolo "Visioni D’Autore – Beyond The Views", e patrocinata dal Comune di Milano, con tre Artisti a confronto: due fotografi russi e un pittore italiano, lontani nella tecnica ma vicini nelle tematiche: Lev Melikhov, importante esponente della fotografia internazionale; Sergey Yastrzhembskiy, noto fotografo russo, nonchè, Consigliere Speciale di V. Putin per i rapporti con l'Unione Europea; Giuseppe Viola, pittore, scultore a livello internazionale e fondatore della corrente Imagismo. Delle oltre 100 opere selezionate per questa esposizione, sono stati attentamente valutati lavori che, se pure differenti tra loro per tecnica e impatto visivo, confermano una stretta relazione per quanto riguarda il soggetto, conferendo alla totalità della mostra un percorso omogeneo sicuramente interessante per il visitatore attento che di fatto potrà ammirare gli stessi soggetti, stessi luoghi e stessi personaggi osservati ed interpretati in maniera differente dai tre artisti, stimolandone curiosità e critica. Una precisa linea nell'allestimento ed una logica e studiata disposizione delle opere conferiscono alla mostra una visione lineare ed avvincente. L'esposizione, riproponendo il dialogo tra fotografia e pittura da cui è nata la modernità con le ricerche degli impressionisti, si propone come atto culturale, esponendo per la prima volta al pubblico italiano le opere di due artisti russi dall'obiettivo magico e rileggendo - alla luce del confronto - l'opera pittorica di un artista italiano conclamato quale è Giusppe Viola. Ne emerge un risultato suggestivo, che ripropone l'attualità di tale confronto. La mostra aprirà al pubblico dal 30 Maggio al 22 Giugno 2008; il catalogo edito da Nava Milano è stato curato dal Critico d'Arte Domenico Montalto mentre l'organizzazione della mostra è stata affidata al Centro Diffusione Arte.

La mostra si sposterà a Mosca nel Maggio 2009. Per info: Tel.+39 02 90721422 

Maggio 2008                                                           AMont*.  

VILLA NECCHI - CASA MUSEO

Si è tenuta oggi l'inaugurazione di Villa Necchi Campiglio, che da domani sarà ufficialmente aperta al pubblico nella sua nuova veste di "casa museo" milanese dopo oltre tre anni di lavori di restauro e 6 milioni circa di euro di costi. Donata nel 2001 dalle ultime proprietarie al Fondo per l'Ambiente Italiano (Fai), Villa Necchi Campiglio è una della rarissime case rubane del centro di Milano ed è stata recuperata grazie a un Accordo di programma (da 4,6 milioni di euro) promosso nel 2004 dalla Regione e siglato nel 2005 con il Fai, il Ministero per i Beni e le Attività Culturali, la Provincia e il Comune di Milano. "Sono emozionato e orgoglioso di essere qui oggi - ha dichiarato il presidente lombardo, Roberto Formigoni, nel corso della cerimonia di inaugurazione - alla presentazione di un gioiello architettonico come questo che rappresenta uno straordinario esempio della nostra cultura, del nostro lavoro e del rapporto tra il nostro territorio e la sua gente. Villa Necchi Campiglio è una bellezza che parla a noi e ai visitatori che vogliono conoscerci fino in fondo". Formigoni ha sottolineato quindi "l'importanza del contributo dei privati nel restauro della villa e della capacità delle istituzioni pubbliche di coinvolgerli in progetti di alto valore culturale". "La prospettiva dell'Expo 2015 - ha aggiunto Formigoni - accentua ancor di più la possibilità che abbiamo di rendere accessibili al pubblico altri tesori della nostra Regioni semi sconosciuti al grande pubblico. Da alcuni anni la Regione ha deciso di seguire la strada dell'Accordo di Programma come quello che ha portato al recupero di questa villa: ad oggi ne sono stati sottoscritti 21 per 185 milioni di euro, e sempre 21 sono i cantieri culturali aperti. Molti di questi Accordi sono stati con il Fai, come Villa Panza a Varese e il mulino di Baresi a Roncobello, in provincia di Bergamo". "Oggi uno dei tesori di Milano - ha spiegato l'assessore alle Culture, Identità e Autonomie della Lombardia, Massimo Zanello, anch'egli presente all'inaugurazione - torna a rivivere grazie alla collaborazione tra pubblico e privato che ha reso possibile donare alla fruizione di tutti non solo questo splendido gioiello architettonico ma anche le collezioni in esso contenute, come quella di Claudia Gian Ferrari".   

Milano, 28 maggio 2008                     achille guzzardella

DISEGNI DI WALTER LAZZARO  

Note d'infanzia del 1921 è il primo disegno realizzato dal maestro Walter Lazzaro (1914-1989), tecnica mistra su cartoncino, all'età di sette anni, con dedica al padre riportato sul retro del dipinto. L'opera pubblicata sul catalogo monografico Walter Lazzaro. Raccolta dei disegni. A cura di Wanna Allievi, testi di Felice Bonalumi e Simone Ferrari, edito da Giorgio Mondadori, Milano, 2008, foto in bianco e nero, pagine 184. In copertina Autocamaldolese, conosciuto ache con il titolo Autoritratto, 1944, disegno a matita su carta. Il volume presentato in occasione della mostra  personale dell'artista romano nella galleria d'arte Lazzaro by Corsi, via Broletto, 39 - Milano. In esposizione disegni tra i più significativi che Lazzaro  ha eseguito, alcuni di essi inediti, altri ancora in visione al pubblico per la prima volta. Disegnare per Lazzaro non è mai stato un esercizio minore bensì  parallela a quella pittorica. Una delle caratteristiche primordiale dell'artista è stata quella di sperimentare diverse tecniche usando molti materiali con risultati notevoli, matita, penna, pastello, carboncino, tempera, sia su carta, cartone, cartoncino,  tecniche miste e sanguigna su carta. Lazzaro disegnava ovunque si trovasse e su qualsiasi supporto  e senza uno stile univoco, spesso quelli che aveva a portata di mano (interni di buste, biglietti di treno, cartoline postali, e persino la copertina di un elettrocardiogramma). Esempio lampante è il titolo Sul treno del 1972, un bellissimo disegno,  matita su carta eseguito su cartolina postale. Altri ancora Europa unita, 1960, penna su carta; Attesa, 1970; In treno, 1970; Ricordo di settembre, 1971, tecnica mista su carta; Cavallo, 1981, tecnica mista su carta. Per questo motivo sia la monografia  che la mostra sono suddivise per argomenti; figure, ritratti, autoritratti, nudi, paesaggi, animali, opere sacre, rispettandone però l'ordine cronologico. In rassegna anche diversi omaggi a grandi della nostra pittura e della nostra letteratura: Al grande Morandi del 1953, dello stesso periodo Carrà, due omaggio a Ungaretti, rispettivamente del 1961 e del 1969, e poi ancora omaggio a De Chirico (del 1961 e del 1975). Alcuni lavori della fase iniziale: Giovinetta (da Leonardo), disegno, matita su carta, 1931, Battistero, 1933, matita colorata su carta.  Da citare altri due lavori del periodo giovanile intitolati Pensionato,  entrambi del 1935. Segue una serie di Volti sia maschile che femminile, Maternità del 1968. Per concludere, la strada per storicizzare anche questo aspetto continua. Catalogo disponibile in galleria - telefono e Fax: 02.8052021 - www.gallerialazzaro.it 

 Milano -29 maggio 2008 -       Giuseppe Lippoli

CORREGGIO                             (a Parma dal 20 settembre)

E' destinata a bissare il clamoroso successo della mostra del Parmigianino e resterà nella storia come la più ampia ed organica mostra che mai sia stata dedicata ad Antonio Allegri più noto come Correggio.
Per organizzare questo grande evento di rilievo internazionale, atteso da anni, è stato da poco istituito un Comitato, frutto di un importante sforzo congiunto delle istituzioni di Parma: Comune, Provincia, Soprintendenza, Università, Diocesi, Monastero di San Giovanni Evangelista, con il sostegno della Fondazione Cariparma. Tutto per rendere omaggio a colui che rappresenta uno dei più grandi artisti dell'epoca rinascimentale: il Correggio, appunto.
Dal 20 settembre 2008 al 25 gennaio 2009, nelle sale della Galleria Nazionale in Pilotta e all'interno del Teatro Farnese sarà concentrato un insieme strepitoso delle opere più significative del Correggio oggi "trasportabile" esistente nei diversi musei di tutto il mondo. Una mostra superba, quella curata da Lucia Fornari Schianchi e organizzata da Luca Sommi, che diventa parte di un percorso davvero emozionante che porterà ad ammirare - tutti concentrati in un raggio di poche centinaia di metri intorno alla mostra - i tre capolavori assoluti del Correggio: i sontuosi cicli affrescati nella Cupola della Cattedrale, quelli nelle due Cupole del Monastero di San Giovanni Evangelista e il sublime insieme rappresentato dalla Camera della Badessa in San Paolo. Da sottolineare che sarà possibile salire sino alla cupola della Cattedrale e a quella di San Giovanni, grazie a speciali impalcature che saranno allestite per l'occasione e offriranno l'opportunità di apprezzare da vicino questi due straordinari capolavori. Per apprezzare meglio il contesto storico in cui operò il Correggio, verrà anche proposto un itinerario alla scoperta di superbe opere di vari Maestri del Rinascimento: in primis, la meravigliosa Camera d'Oro del Castello di Torrechiara e la Camera di Diana nel castelli di Fontanellato. Insomma, un concentrato di emozioni per far emergere nel panorama dell'arte italiana il, grande, seducente "Pittore della luce", che stupirà per quel continuo passaggio di registro dal sacro al profano e che condizionerà molti artisti fino all'epoca barocca.      

15 aprile 2008                       achille guzzardella

ALLA SOCIETA' UMANITARIA LA PRIMA ESPOSIZIONE MONOGRAFICA DI GIANNI VILLA 

Si è inaugurata in questi giorni presso gli spazi espositivi della Società Umanitaria di Milano una personale del Maestro Gianni Villa, curata da Rolando Bellini e Monica Triguna. Gianni Villa, sessant'anni suonati, figura salda e piena, ciuffo da ragazzino e occhiali da presbite, un sorriso aperto che non ha età è un uomo singolare anche nel vestire oltre che nel dire spiccio. La mostra, prima esposizione monografica dell'artista, milanese di nascita, presenta un'ampia selezione delle opere del Maestro ripercorrendo tutto il suo percorso artistico dagli anni '70 ad oggi. L'esposizione svolge attraverso la lettura dei curatori, il linguaggio segnico dell'artista. Gianni Villa è un creativo affascinato dalla ricerca artistica, sinonimo, per lo meno per lui, di armonia anarchica, un ossimoro desueto. Teatri di legno e di terra, di pietra e di plastica, questa galassia in costante espansione propone alfine un ventaglio inaspettato, imprevedibile "di valori tattili". Proprio attraverso questo suo modo di operare si manifesta l'eccentricità e tutta l'originalità del vedere sognante, fantasmatico e tuttavia profondo e originale dell'artista. Il Maestro mette in gioco i legami (tutti i possibili) fra scienza e tecnica da un lato e, dall'altro, morale e religione. La spiritualità e la materialità, l'etica, ma anche il nocciolo duro della scienza dei suoi molti domini sono posti su un unico piano.Una metafora, quella di Gianni Villa, ora drammatica - quella dei suoi cavalieri - ed ora allegra e scanzonata - quella degli "straballazz" - dell'incredibile mondo oggidiano.  Una mostra che affranca positivamente la curiosità artistica di ogni visitatore. 

MIART 2008: UN SUCCESSO DI VENDITE E DI PUBBLICO

MiArt 2008: un successo di presenze, vendite e critica. Migliaia di visitatori hanno affollato i tre padiglioni di fieramilanocity. La Fiera Internazionale d'Arte Moderna e Contemporanea si afferma così evento di richiamo per Milano, oltre a confermarsi punto di riferimento per collezionisti importanti, numerosi in questa edizione della manifestazione. MiArt 2008 si è aperta con un grande evento inaugurale a cui hanno partecipato oltre 17 mila visitatori per un totale di oltre 38mila presenze. Circa 900 i giornalisti accreditati fra italiani e stranieri, 200 le gallerie presenti, di cui un terzo estere, un ulteriore dato significativo dell'espansione internazionale e dell'attenzione di cui la fiera gode da parte delle gallerie straniere.Un parterre importante di appassionati e collezionisti internazionali. Centinaia di iniziative sparse per la città grazie alla sinergia sviluppata con le istituzioni che collaborano con MiArt a cominciare dagli enti patrocinatori, Comune e Provincia di Milano, Regione Lombardia e alle altre importanti istituzioni pubbliche e private come Università Iulm, NABA, Fondazione Stelline, Fondazione Pomodoro, ICE, l'Associazione ACACIA, Artegiovane Milano, Contemporanea.'L'edizione numero tredici di MiArt ha rappresentato un'importante progetto per tutta la città - ha dichiarato Paolo Galassi, Presidente di Fiera Milano International - poichè è riuscita a fare sistema dando vita non solo a un grande evento fieristico, ma anche a una festa dell'arte che ha coinvolto Milano a 360 gradi"."Questa edizione si chiude con ottimi risultati di vendite e grande soddisfazione da parte dei galleristi, sia in termini di numero e qualità dei visitatori, sia per le trattative avviate in fiera" afferma Sandro Bicocchi, Amministratore Delegato di Fiera Milano International.Proprio i risultati positivi delle vendite, i dati sull'affluenza di pubblico qualificato e l'interesse manifestato da tutti i media per la manifestazione e i suoi eventi collaterali, confermano la tenuta del mercato dell'arte e rendono Milano meta privilegiata del collezionismo e "capitale" italiana del mercato e della cultura.  

I GRANDI CAPOLAVORI DEL LOUVRE AL PALAZZO DELLA GRAN GUARDIA DI VERONA 

Sarà "La Bella Ferronière", capolavoro di Leonardo da Vinci, il testimonial della grande mostra "IL LOUVRE, Capolavori a Verona. Leonardo, Raffaello, Rembrandt e gli altri. Ritratti e figure" che aprirà i battenti il prossimo 19 Settembre alla Gran Guardia della città scaligera e sarà aperta al pubblico sino al 15 Febbraio 2009. Con "La Bella Ferronière" giungeranno a Verona altri 140 capolavori del museo parigino, tutte opere regolarmente esposte nelle sale del Louvre e non provenienti dai depositi. Nel mondo si tratta del maggior prestito mai concesso dal Louvre. La mostra ideata da Brigitte Gallini, Marco Goldin e Vincent Pomaréde è la prima di un progetto quariennale che dal prossimo Autunno al 2011 intende portare a Verona, con cadenza annuale, capolavori mai visti provenientii da alcuni dei principali musei del mondo. Nel progetto sono infatti direttamente coinvolti il Louvre, il Museum of Fine Arts di Boston, il Musée Rodin di Parigi, il Van Gogh Museum di Amsterdam ed il Kroller-Muller Museum di Otterlo, ovvero i due "santuari" delle opere di Van Gogh. Cinque secoli di grande pittura, ma anche di sculture e disegno, raccontati in modo trasversale in un rimando continuo di temi, soggetti e sensazioni. Le cinque sezioni della mostra - afferma Marco Goldin - attraverso circa 140 opere totali con una larga maggioranza di dipinti, tracciano una strada che descrive la messa in scena di una classe sociale tra realismo e allegoria. Ma poi abbandonano questo tono sfarzoso, o talvolta dolente nella rappresentazione del popolo, per concentrarsi su quel percorso che va dall'intimo al sacro.Idea della rappresentazione privata, e quasi silenziosa, che occupa tutta la parte conclusiva della mostra, se si eccettuano i quadri dedicati al ritratto mitologico. Perchè il ritratto dell'anima prima, e la rappresentazione della morte poi, sono il sigillo sull'idea del volto e del corpo. Uno specchio, una voce, una cenere che si spinge sul mondo. Il fascino della figura umana e il fascino del pensiero. Come sogno e memoria.La mostra è promossa dal Comune di Verona, dal Museo du Louvre e da Linea d'Ombra per l'organizzazione mentre l'edizione del catalogo è stata curata da Linea d'Ombra Libri.  Per informazioni: www.lineadombra.it 

Milano, Aprile 2008                                             AMont*

FRANCIS BACON         (dal 5 marzo al 29 giugno a Palazzo Reale)

Lo straordinario percorso artistico di Francis Bacon (Dublino, 1909 – Madrid, 1992) si può ammirare a Palazzo Reale di Milano in una mostra antologica promossa dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Milano, organizzata e prodotta da Palazzo Reale, Skira e Arthemisia. La mostra punta a sottolineare l’importanza di uno dei massimi artisti della seconda metà del XX secolo, nelle cui opere trova espressione il sentimento interiore e individuale dell’uomo moderno, con immagini forti e violentemente tragiche. Dai piccoli intensissimi ritratti ai monumentali trittici, i suoi quadri risultano contraddistinti da una profonda partecipazione emozionale e da valenze simboliche del tutto personali, ricche di allusioni cinematografiche, letterarie e religiose: un corpus senza eguali nella storia dell’arte degli ultimi cinquant’anni. 

Milano, 2 marzo 2008                   achille guzzardella

CESARE TALLONE

Cesare Tallone, pittore assai noto nella seconda metà dell’800, ma oggi confinato ai margini di una storia dell’arte che pure per lungo tempo lo ha considerato fra i più significativi esponenti di un’epoca. Il Museo, fra l’altro, nel 1989 aveva proposto un omaggio all’opera del figlio Guido. Dobbiamo risalire di oltre cinquant’anni, al 1953, per ritrovare una mostra monografica importante che faceva seguito a quella tenutasi nel lontano 1921 a due anni dalla sua morte. Certo le sue opere sono comparse in numerose mostre collettive sulla pittura dell’Ottocento, in particolare a Milano e a Bergamo, le due città nelle quali il pittore visse a lungo insegnando all’Accademia di Brera e all’Accademia Carrara: a Milano nel 1988 la mostra “Il secondo ottocento italiano, le poetiche del vero” e nel 1994 “Pittura lombarda del secondo ‘800, lo sguardo sulla realtà”, mentre a Bergamo tra il 1995 e il 1996 sono state allestite due mostre che presentavano opere di Tallone, quella per il “Centenario del circolo artistico” e quella sui “200 anni dell’Accademia Carrara”. L’unica mostra monografica che è stata realizzata recentemente è quella svoltasi a Lovere sul lago d’Iseo, dedicata soprattutto a quadri di paesaggio. Ed è proprio quale figura di insegnante eccellente – fra gli allievi ricordiamo Giuseppe Pellizza da Volpedo e Carlo Carrà – che l’artista viene più spesso ricordato, dimenticando invece la sua apprezzata attività come ritrattista. La mostra di Villa dei Cedri, prevede l’esposizione delle opere più significative del pittore, che illustrino lo svolgersi della sua carriera di maestro e di artista, con uno speciale riguardo alla produzione del ritratto, senza tralasciare i soggetti di genere ed il paesaggio, attraverso un confronto con opere di artisti a lui contemporanei come Giovanni Boldini, Antonio Mancini, Luigi Rossi, Adolfo Feragutti Visconti. Significativa è anche la presenza di opere di suoi allievi come Pellizza da Volpedo, di cui il museo possiede un quadro realizzato nel periodo in cui il pittore seguiva le lezioni di Tallone all’Accademia Carrara. Uno spazio è dedicato anche ad alcuni paesaggi e ritratti del figlio, Guido Tallone. Coinvolti per i prestiti musei italiani e svizzeri, oltre a prestigiose collezioni private.  La mostra è accompagnata da un catalogo introdotto dai saggi dei due curatori, Matteo Bianchi e Cristina Palma, e da apparati storico critici di sicuro interesse per la ricostruzione e la rivalutazione dell’attività dell’artista.

Milano, 10 febbraio 2008          achille guzzardella

PRESENTATA ALLA FONDAZIONE ARNALDO POMODORO MiArt 08 

E' stata presentata presso la Fondazione Arnaldo Pomodoro la prossima edizione di MiArt 08 con la presenza e gli interventi di autorità e rappresentanti della cultura milanese che hanno illustrato a giornalisti e critici le nuove peculiarità di questa prossima edizione. Questa Fiera Internazionale d'Arte Moderna e Contemporanea è da sempre un osservatorio attento e sensibile ad ogni evoluzione artistica e si conferma luogo culturalmente privilegiato per l'attenzione dedicata alle continue novità del mercato. I tre settori di MiArt, elemento distintivo della manifestazione, rappresentano l'arte italiana ed internazionale dalle avanguardie storiche alla sperimentazione più recente, attirando collezionisti con interessi ed esperienze differenti. Il Settore Moderno propone eccellenze della produzione Italiana ed internazionale dal Futurismo alla Metafisica, dal Cubismo all'Informale. Il Settore Contemporaneo presenta opere di artisti ormai storicizzati a partire dagli anni Settanta, mentre la sezione Anteprima è dedicata alle gallerie connotate dal carattere sperimentale delle proposte. Hanno animato il dibattito, con interventi personali: Sandro Bicocchi, Presidente Fiera Milano International, Paolo Taverna, Direttore Generale di Fiera Milano International, Massimo Zanello, Assessore alla Cultura della Regione Lombardia, Vittorio Sgarbi, Assessore alla Cultura del Comune di Milano, Giovanni Puglisi, Rettore dell'Università IULM, Milovan Farronato, curatore e consulente di MiArt 2008 per le gallerie di sperimentazione, Davide Rampello Presidente Triennale ed il grande Maestro Arnaldo Pomodoro.La tredicesima edizione di MiArt avrà luogo dal 4 al 7 Aprile 2008, con inaugurazione su invito Giovedì 3 Aprile, all'interno di "Fieramilanocity" nei padiglioni 1, 2 e 4 del Portello. Per informazioni: miart@fmi.it  www.miart.it  

Milano - 8 febbraio 2008  -                                    AMont*.

Vado Ligure (SV), Museo di Villa Groppallo  6 dicembre 2007 - 8 marzo 2008 

A sessant’anni dalla sua scomparsa questa mostra rappresenta il tributo di Vado al grande maestro trevigiano che trovò nella cittadina ligure il conforto degli affetti e l’ambiente dove conobbe i suoi più felici momenti creativi.

Sono le vicende del primo conflitto mondiale a portare nel 1916 Arturo Martini in Liguria, prima a Genova, impegnato nell’industria bellica come tornitore e fonditore di proiettili e quindi a Vado Ligure come operaio specializzato presso l’officina Senigaglia. A Vado lo scultore si trasferisce dal 1920, anno del suo matrimonio con Brigida Pessano, dalla quale avrà due figli, Maria (Nena) e Antonio. Nonostante la sua permanenza nella cittadina ligure, dopo i primi anni, sia saltuaria, Martini non interrompe mai i contatti con Vado, cui lo legano la famiglia e la casa scelta come ricovero alle sue opere, che resterà un punto fermo nella sua vita irrequieta.  Nel periodo ligure il linguaggio plastico di Martini giunge a piena maturazione, l’esempio antiaulico e anticlassico della sua scultura depurata d’ogni particolare esornativo dal linguaggio della stilizzazione popolare, è destinato a lasciare implicazioni sulle successive vicende artistiche italiane. La mostra, promossa dal Comune di Vado e curata da Cecilia Chilosi presenta un significativo nucleo di opere, che ben testimoniano delle diverse tappe del suo percorso creativo e dei differenti materiali da lui interpretati: gesso, bronzo, terracotta e marmo. Verrà allestita nel Museo di Villa Groppallo le cui sale conservano in permanenza alcune opere di Arturo Martini tra cui i quattro magnifici gessi preparatori per il Monumento ai Caduti (inaugurato nel 1924), la prima commissione pubblica che Martini riceve nel 1923, e il Benefattore, monumento funebre in terracotta di don Cesare Queirolo eseguito tra il 1932 e il 1933.  A Vado Martini, in uno dei suoi più felici momenti creativi, da lui stesso definito del "canto",  porta a maturazione nella sperimentazione della terra il suo linguaggio. E' con le opere realizzate in questo periodo che egli ottiene il massimo riconoscimento che gli sarà tributato in vita: il primo premio alla Quadriennale di Roma del 1931.

CENTO - LA MADONNA DEL PRESEPE

“La Madonna del Presepe da Donatello a Guercino” è il titolo di una preziosa e sorprendente mostra in programma alla Pinacoteca Civica di Cento (FE) dal 2 dicembre al 13 aprile 2008, che rievoca e rende omaggio alla storia misconosciuta di una immagine mariana di intensa devozione e di straordinaria importanza per la città di Cento, divenuta nei secoli fonte di ispirazione per artisti dal talento geniale come Donatello e Guercino.
Curata da Giuseppe Adani, Giancarlo Gentilini, Fausto Gozzi e Cristina Grimaldi Fava, la mostra è promossa dal Comune di Cento e dall’Associazione Amici della Pinacoteca Civica di Cento, con il patrocinio del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e le Arcidiocesi di Bologna e Ferrara – Comacchio, e il sostegno di Cassa di Risparmio di Cento (main sponsor), Fondazione Cassa di Risparmio di Cento, Associazione Imprenditori Centesi per la Cultura, Borghi International Spa.“La Madonna del Presepe” è un magnifico bassorilievo in stucco policromo dipinto, recentemente riscoperto nella chiesa dei SS. Sebastiano e Rocco a Cento, che giunse nella cittadina ferrarese nel lontano 1516 come dono di una munifica famiglia locale al Convento di Santa Caterina.
Il bassorilievo si presenta come una composizione singolare, ardita e davvero magistrale, sia nella virtuosa modellazione a “stiacciato” prospettico, nell’intensità espressa delle figure e nella loro calibrata disposizione, sia nella originale invenzione iconografica, dove l’umanità sapida di un tema particolarmente caro alla devozione popolare si coniuga con colte allusioni antiquarie.
ll’inizio del XVII secolo Guercino rese omaggio a questo soggetto sacro fissandolo per sempre in un disegno di eccezionale modernità e scioltezza di tocco, aggiungendo al tema iconografico originario due splendidi angeli che porgono alla devozione dei fedeli l’immagine della Madonna.
Dal piccolo capolavoro grafico del Guercino, ritenuto irrimediabilmente perduto ma da poco rinvenuto e nuovamente visibile in questa occasione, derivarono nei secoli XVII e XVIII incisioni, cartapeste, terrecotte, stampe e una cospicua produzione di canzonette spirituali; testimonianze preziose espresse attraverso i diversi linguaggi dell’arte, della poesia e della musica che sono ampiamente documentate in mostra, unitamente a documenti di archivio.
Dopo la soppressione del Convento di Santa Caterina all’inizio del XIX secolo, lo stucco venne relegato nella piccola Chiesa dei SS. Rocco e Sebastiano, dove a poco a poco la devozione e la fama di prodigiosi miracoli si spensero.
Nel 1987 un intervento di restauro riportò a nuovo splendore la qualità artistica originale dello stucco, pesantemente ridipinto nel corso dei secoli, consentendo agli studiosi nuove indagini stilistiche storiche e documentarie che hanno portato ad attribuirne la realizzazione a Bartolomeo Bellano, il discepolo prediletto di Donatello a Padova e suo collaboratore nel completamento dei pulpiti di San Lorenzo a Firenze. Il Bellano avrebbe quindi tratto ispirazione dal genio donatelliano, elaborando una composizione di commovente tenerezza materna, unita ad una grande forza espressiva.
La mostra rappresenta dunque un’occasione unica e rara per ripercorrere la suggestiva storia di questa immagine dal fascino immutato, approfondendo con rigore scientifico la genesi e l’importanza artistica dell’opera attraverso una accurata analisi comparativa con gli altri esemplari superstiti di questa medesima tipologia, tra cui due importanti rilievi che si devono alla mano di Donatello stesso, con opere provenenti da collezioni private, chiese e importanti musei italiani ed esteri, come il Museo Bardini di Firenze e il Victoria and Albert Museum di Londra.
A conclusione della mostra, “La Madonna del Presepe” verrà traslata nella Chiesa parrocchiale di San Pietro a Cento, dove potrà rinnovarsi l’antica devozione di fedeli e pellegrini.
Catalogo Minerva Edizioni, con testi di Card. Carlo Caffarra, Antonio Paolucci, Giuseppe Adani, Cristina Grimaldi Fava, Don Pietro Mazzanti, Salvatore Baviera,
Marco Cecchelli, Rodolfo Papa, Renza Bolognesi, Giancarlo Gentilini, Alessandra Sarchi, Luigi Samoggia, Anna Valentini

NUOVO MUSEO DEL DUOMO DI MONZA

L’incontro con un restauratore milanese, negli anni della prima giovinezza, segna in modo determinante la passione di Mario Scaglia per il mondo dell’arte, e in particolare per le opere d’arte antica. Negli anni Sessanta l’imprenditore milanese inizia a formare la sua raccolta di cui oggi, a quarant’anni di distanza, una raffinata selezione è esposta al Museo Poldi Pezzoli, dal 30 ottobre 2007 al 30 marzo 2008, nella mostra L’ARTE DEL COLLEZIONARE. La raccolta Mario Scaglia. Dipinti e sculture, medaglie e placchette da Pisanello a Ceruti.La mostra costituisce la quinta tappa di un percorso che, dopo le rassegne dedicate alle opere del Museo Jacquemart-André di Parigi, del Principe del Liechtenstein, della famiglia Borromeo Arese e dei dipinti ottocenteschi scelti da Gian Giacomo Poldi Pezzoli, indaga le diverse sfaccettature del  collezionismo privato. Un progetto che esprime, ancora una volta, l’identità del Museo Poldi Pezzoli. La  passione per l’arte, la ricerca dell’eccellenza e l’impegno civico verso il patrimonio artistico sono gli elementi che hanno ispirato le scelte di Poldi Pezzoli e che oggi guidano il nuovo corso espositivo della  casa-museo. Un progetto che si traduce nell’esposizione di raccolte rivelatrici di un modello virtuoso di collezionismo, realizzate da coloro che accanto alla qualità delle opere hanno scelto l’impegno in favore del patrimonio artistico della collettività. Brillante imprenditore nel settore metalmeccanico, Mario Scaglia, già Presidente dell’Accademia Carrara dal 1982 al 1993, è attualmente Presidente dell’Associazione per la Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea (GAMEC) di Bergamo.La sua raccolta si propone all’attenzione del pubblico con una mostra varia, imprevedibile e preziosa. La conoscenza ravvicinata dell’artefice del progetto collezionistico e della sua personalità haconsentito di portare alla luce una raccolta molto originale, in cui spiccano prevalentemente due filoni: l’amore per l’arte lombarda e la predilezione per il manufatto di piccole dimensioni ma di squisita fattura