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FEBBRAIO 2019  

Le Nozze di Figaro al Coccia di Novara

Il Teatro Coccia di Novara, nel pieno di una crisi senza precedenti, tra problemi finanziari e beghe insolubili in seno al C.d A., che lo stanno portando verso un commissariamento richiesto dal sindaco, risponde a questa tempestosa situazione confermando di disporre ancora di tutte le risorse per programmare una stagione operistica di più che dignitoso livello. E risponde con un allestimento delle mozartiane Nozze di Figaro, coprodotto della Fondazione Teatro Coccia e della Fondazione Ravenna Festival, e la partecipazione del Festival dei due mondi di Spoleto. Abbiamo assistito alla ‘prima’ andata in scena ieri sera, venerdì 15 febbraio, cui seguirà una seconda rappresentazione, domani, domenica 17 alle h.16. La regia di queste Nozze era quella di Giorgio Ferrara, ripresa per l’occasione da Patrizia Frini. Si tratta di una regia che aderisce senza strane invenzioni al testo e alla musica di questo capolavoro, suggerendone un’interpretazione sospesa fra teatralità e sogno, ben realizzata dalla scenografia di Dante Ferretti e Francesca Lo Schiavo: il palcoscenico, dietro il sipario ‘vero’ esibiva un vistoso e sontuoso sipario ‘finto’ a sottolineare che quello cui gli spettatori/ascoltatori stavano assistendo era recita, teatro, rappresentazione di uno spettacolo che è anche sogno, forse il sogno più bello che l’uomo posa concepire, fatto di luci, ombre, passioni destino, il tutto detto in musica. Questo carattere onirico affiorava dalla scenografia: elegante e sobria a un tempo ,che riproduceva, nei primi tre atti, interni settecenteschi come avvolti in un’aura di sogno, rafforzata nel quarto atto, un ‘notturno’ in cui i personaggi si muovevano come avvolti da un’atmosfera magica e fantastica: insomma l’arte, come la vita che vuole portare sulla scena, è sogno. A eseguire la musica di queste Nozze era chiamata la migliore orchestra giovanile italiana del momento, la Cherubini di Ravenna, mentre sul podio saliva, per la prima volta a Novara, la giovane direttrice tedesca di nascita Erina Yashima, ancora poco nota in Italia, ma con una carriera in fulgida ascesa nel suo Paese natale. Ha diretto bene, guidando con sapienza i cantanti e ricavando dall’orchestra un suono ‘leggero’, limpido, con grande attenzione ai registri timbrici e alle dinamiche, staccando tempi spesso abbastanza lenti, traducendo bene in musica quel clima di sospensione sognante che avvolgeva queste Nozze. Il cast dei cantanti è stato in generale all’altezza di uno spettacolo di buon livello. Simone Del Savio, il giovane baritono interprete del ruolo di Figaro, dispone di buona vocalità, capace di ricordare Nucci, nell’intensità e tornitura del fraseggio. Brillante nell’area medio-bassa, sostiene bene messe di voce e fiati lunghi anche nelle zone acute. Può (e deve) migliorare il cantabile delle arie, che non spiccano per intensità ‘lirica’. Applauditissimo dal pubblico da tutto esaurito di ieri sera, il soprano milanese Lucrezia Drei, un’eccellente Susanna. Già ascoltata recentemente a Novara, è un ottimo soprano lirico-leggero di agilità, di eccellenti colorature, davvero pregevoli nel vibrato, con un bel fraseggio limpido e battagliero che la fa emergere piacevolmente nei numeri d’insieme. A queste virtù musicali, la Drei aggiunge capacità attoriali non comuni, di gaia e trascinante spavalderia, che te la rende simpatica dal suo primo apparire sulla scena, di cui è stata la vera instancabile animatrice. Buone capacità attoriali ha esibito anche il giovane baritono Vittorio Prato,un Almaviva dal timbro chiaro e con un’emissione di voce di buona proiezione e sempre ben controllata, resa fluida dai limitati appoggi di petto, il che gli consente un fraseggio sempre ben tornito ed efficace. Non si può dire che bene anche di Francesca Sassu, perfettamente a suo agio nel ruolo della Contessa, soprano di ottima vocalità, eccellente dizione, ricca nei timbri e di rara sicurezza nei begli acuti, emessi con una tecnica del filato sempre controllatissima : il suo “ Porgi amor” è stato tra i migliori da noi ascoltati di recente. Meno riuscita la prestazione di Aurora Faggioli, un Cherubino con qualche difficoltà di troppo nelle agilità e talora stridulo negli acuti, dando l’impressione di essere un mezzosoprano poco adatto alla grazia della musica mozartiana. Valide, in generale, le numerose parti di fianco, dalla Marcellina di Isabel De Paoli, mezzosoprano tecnicamente sicuro e di vocalità fresca e limpida, al Bartolo di Ion Stancu, al Basilio Di Jorge J. Morata, al Don Curzio di Riccardo Benlodi, per finire con la Barbarina di Leonora Tess, già buona Frasquita nella Carmen della passata stagione del Coccia, dalla voce sopranile bella squillante e di forte proiezione. In generale, dunque, appaganti le Nozze “celebrate” ieri sera al Coccia, un auspicio per una rapida ed intelligente soluzione dei problemi che affliggono questo teatro, che merita di continuare a vivere e a dare alla vita musicale piemontese, e non solo, il suo apprezzabile contributo.

16 febbraio 2016 Bruno Busca

Aleksandar Madzar per la Società dei Concerti

Il pianista serbo Aleksandar Madzar viene da molti anni in Conservatorio. Mi viene subito in mente un eccellente " tutto Bach" di oltre due ore ascoltato qualche anno fa nel quale Madzar rivelava tutta la sua classicità espressiva. Ora con Mozart, Chopin e Ravel ha mostrato un'altra angolazione del suo modo d'intendere la musica. Quello che risalta immediatamente all'ascolto è la chiarezza timbrica evidenziata in ogni compositore eseguito. Il Mozart che ha introdotto il concerto con l'Adagio in si minore k.540, ci è apparso particolarmente meditato e riflessivo e dilatato nella ripetizione del tema, giocato su modalità interpretative probabilmente lontane dal periodo storico di riferimento ma comunque interessanti. Siamo quindi arrivati all'esecuzione delle celebri Quattro Ballate di Chopin. Come detto in passato, Madzar in Chopin mette in rilievo una personale modalità interpretativa giocata sulla bellezza del timbro calibrato e preciso atto a sottolineare l'aspetto analitico, elegante e raffinato della musica del polacco, certamente differente dalle interpretazioni entrate nella storia dove caratteristiche di maggior sintesi discorsiva spesso sono elemento essenziale. La seconda parte del concerto ci è piaciuta maggiormente. Ravel con le deliziose Miroirs e poi con La Valse, è stato perfetto sotto ogni profilo. L'estremo equilibrio dinamico di Madzar e i bellissimi colori esternati hanno elevato questi impareggiabili brani ad un livello decisamente alto. L'equilibrio delle parti ha avuto un ruolo determinante nella straordinaria resa interpretativa. Lunghi applausi e stupendo il bis concesso con una formidabile trascrizione di Mikail Pletnev dell'Andante maestoso dallo Schiaccianoci di Čaikovskij interpretato mirabilmente. Fragorosi applausi al pianista apparso molto soddisfatto. Da ricordare

14 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Il duo Kavakos-Pace per la Società del Quartetto

Da alcuni anni il violinista greco Leonidas Kavakos ed il pianista riminese Enrico Pace formano un duo di affermato successo. Ieri sera in Conservarorio, un impaginato particolarmente interessante ha messo insieme un brano celebre come la Sonata n.3 in Re minore op.108 di J. Brahms ad altri tre di raro ascolto come la Petite suite n.1 e n.2 del greco Nikos Skalkottas (1904-1949) e la Sonata n.3 in la minore op.25 del rumeno George Enescu (1881-1955). Tutti lavori legati ad elementi folcloristici di evidente influenza stilistica. Dei due interpreti abbiamo sempre apprezzato l'esemplare equilibrio di coppia nel gestire questo genere cameristico. Ieri, ancora di più, il preciso tocco del celebre violinista, mai esagerato nei volumi sonori sempre tenuti sotto controllo in un medio livello di forza, era perfettamente in sintonia con lo stile composto, chiaro e dettagliato di Pace, interprete altrettanto vario nelle dinamiche. I brani scelti, sia Brahms che soprattutto quelli meno conosciuti, erano perfetti per evidenziare l'equilibrio di due strumenti utilizzati con pari importanza. Non avevamo certo un violino accompagnato, ma un apporto equilibrato con differenti timbriche in un tutt'uno musicale. La celebre ultima sonata brahmsiana ci è apparsa perfetta nei dettagli e nell' equilibrio dei quattro movimenti che la compone. Anche il celebre Presto agitato finale molto dettagliato ed espressivo. Le due Petite suite del greco Skalkottas - nato a Calcide nell'isola di Eubea- ,eseguite in ordine inverso, sono in realtà brevi avvincenti Sonate che con modalità atonali e dodecafoniche riflettono l'influenza del principale suo maestro di composizione: Arnold Schönberg. Traspare nell'equilibrio delle parti una perfezione formale raffinata ed espressivamente di alto valore. Certamente l'influenza della Seconda Scuola di Vienna è mediata da elementi folclorici di luoghi mediterranei e questi rendono più immediata la comprensione dei due capolavori. Splendido l'ultimo brano del programma ufficiale: un brano di Enescu, compositore, virtuoso di violino ma anche del pianoforte trattato qui con raffinata maestria. La sonata è costruita con momenti timbrici, discreti e nascosti, di memorabile rilievo espressivo. I due splendidi virtuosi hanno raggiunto in questa esecuzione un alto traguardo interpretativo ed il pubblico, con molti giovani in sala, ha risposto tributando al termine interminabili applausi. Due i bis concessi: prima, rimanendo in tema, un bellissimo Bartok dalla Rapsodia n.1 e poi - fuori dal contesto ma splendido- un grande Beethoven con l'Adagio molto espressivo dalla Sonata n.5 op.24. Splendido concerto! Da ricordare a lungo.

13 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Roman Lopatynskyi allo Spazio Teatro 89

Lo Spazio Teatro 89 è luogo di conoscenza di nuovi validi interpreti. Ieri abbiamo avuto l'occasione di ascoltare il pianista ucraino Roman Lopatynskyi, classe 1993, con alle spalle la vittoria di numerosi concorsi internazionali, un ottimo piazzamento al celebre Concorso F. Busoni nel 2015 (Terzo classificato) e il recente Primo premio al Concorso Internazionale Luciano Luciani di Cosenza. Ha veramente impressionato la tecnica completa espressa nell'interessante impaginato proposto nel tardo pomeriggio di ieri in un programma denominato Da Weimar a Parigi, via Mosca e San Pietroburgo. Brani della prima metà del Novecento con Stravinskij e i celebri Tre Movimenti da Petruska (1912), Prokof'ev con i cinque brani di Sarcasmi op.17 (1912-1914), Paul Hindemith con la rara Suite 1922 (1922) e la poco nota ma importante compositrice sovietica Galina Ustvolskaya (1919-2006) e la sua Sonata n.2 (1949). Questo rilevante arco temporale è stato anche inquadrato storicamente nel prezioso intervento del sociologo-storico Giorgio Uberti che in due brevi ma intensi momenti ha stimolato il pubblico presente nel piccolo ed elegante auditorium di via F.lli Zoia 89 con un escursus storico-geografico di avvincente interesse. Lopatynskyi ha mostrato una straordinaria penetrazione musicale nel bellissimo e purtroppo quasi mai eseguito Hindemith proposto come primo brano. Le articolate dinamiche del complesso ritmico della Suite 1922, in pratica una sonata in cinque parti, sono emerse in modo preciso ed estremamente chiaro dalle mani sicure del giovane pianista. Anche nel lavoro successivo, Sarcasmi di Prokof'ev il clima particolarmente dinamico ed irrequieto ha trovato un ottimo interprete che ha scavato con intensa espressività il grande russo. La sintonia con quel circoscritto periodo musicale è continuato con la lettura della Sonata della Ustvolskaya, compositrice allieva di Šostakovic e degna erede di simili cifre compositive. Con un salto indietro nel tempo, il 1912 e con un grande e vario Stravinskij tra neoclassicismo e nuovo secolo, Lopatynskyi ha concluso degnamente il programma ufficiale nella sua precisa sintesi discorsiva degli infiniti momenti della suite. Dopo intensi applausi del pubblico, purtroppo non numeroso ma entusiasta, un brano distensivo come il noto Preludio in Si minore di Bach-Siloti ha concluso l'eccellente tardo pomeriggio musicale. Da ricordare a lungo.

11 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Guido e Giulia Rimonda in concerto a Vercelli

Un vecchio adagio sostiene che “il genio salta una generazione”: da padri “grandi” nascono “piccoli” figli. Per fortuna anche questa regola ammette le sue eccezioni e una di queste è la famiglia Rimonda: Giulia, la figlia di Guido, eccellente violinista nonché fondatore e direttore dell’Orchestra Camerata Ducale e della pianista e straordinaria animatrice dell’Orchestra medesima Cristina Canziani, a soli sedici anni non è più solo‘figlia d’arte’, ma è artista del violino e un’ artista che, se manterrà le promesse, diverrà una delle migliori violiniste italiane della sua generazione. Con un curriculum di studi di prim’ordine (è allieva di suo padre e di Pavel Berman), Giulia Rimonda è stata l’ammirata protagonista, ieri sera, 9/02, al Teatro Civico di Vercelli, della terza serata della stagione della Camerata Ducale: non è stato certo questo il suo primo recital (ha cominciato a suonare in pubblico a cinque anni!), ma quello di ieri sera, e per la difficoltà del pezzo eseguito e per l’”ufficialità” della serata, ha segnato una sorta di consacrazione definitiva di fronte al grande pubblico. Il programma affidava a Giulia Rimonda uno dei più celebri concerti per violino e orchestra della storia della musica: quello di Ciajkovskij. Celeberrimo, ma anche irto di difficoltà tecniche, per la presenza di numerosi passaggi di alto e temibile virtuosismo, che, com’è noto, lo fecero giudicare ‘ineseguibile’ a più di in solista dell’epoca. Il fatto che una sedicenne decida di affrontare il pubblico con un’opera simile è già prova di una virtù indispensabile per la carriera che Giulia Rimonda sta intraprendendo: il coraggio. Il titolo della serata, ispirato a quello di uno dei capolavori della narrativa russa, era “Padre e figlia”: il padre-maestro sul podio, la figlia nel ruolo di solista e si comincia subito benissimo, coi tempi e le dinamiche giuste: delicato e molto espressivo l’attacco orchestrale, fremente il crescendo e infine s’impone il violino. Fin da queste prime note si riconoscono le qualità della giovanissima interprete, che non si limita a eseguire la partitura, ma cerca una ‘voce’, un ‘suono’ personale, che emerge chiaro all’apparire del primo tema: un fraseggio incisivo, tornito con una cavata non esteriormente brillante, ma robusta e limpidamente disegnata, e al tempo stesso, come del resto vuole la migliore tradizione interpretativa, unita, in queste prime battute, a un che di riservato e quasi timoroso di dispiegarsi nel pieno canto trionfale del Re maggiore. Già da un esordio simile comprendiamo di trovarci di fronte a una violinista che sa il fatto suo. Senza scendere in una minuziosa analisi dei dettagli diremo di altre due qualità dello stile interpretativo di Giulia Rimonda che ci hanno sorpreso per la loro precoce maturità in un’adolescente. Anzitutto la sapiente gestione delle dinamiche, particolarmente importante in un’opera come il concerto per violino di Ciajkovskij, che è tutto un saliscendi di fortissimi e di brusche smorzature virate sul piano e il pianissimo, con effetti chiaroscurali di potente suggestione: banco di prova ne è soprattutto la sezione di sviluppo del primo tempo, dove il Verné 1983 della Rimonda ha disegnato in modo diremmo perfetto quelle sottili trame di luce e di ombra che ne sono il motivo essenziale. La seconda osservazione riguarda il possesso, anche in questo caso davvero sorprendente, di una già notevole intensità espressiva: ascoltando il canto dolente del violino, che si leva al suo ingresso nella Canzonetta centrale, si stentava a credere che a eseguirlo fosse una giovane allieva di conservatorio, per quella venatura di pathos sottilmente malinconico che l’archetto dell’interprete riusciva ad infondervi con delicata sensibilità. Insomma, un’interpretazione più che convincente e degna di sincera ammirazione, sorretta da un possesso già completo della tecnica violinistica, che ha consentito a Giulia di superare le più impervie pagine della partitura, con una disinvoltura che traspariva dalla serenità concentrata e imperturbabile del suo volto angelico; doppie corde, armonici, colpi d’arco martellati e picchettati in ritmi travolgenti, strappate violente e rapinosi salti d’ottava, nulla turbava la giovanissima interprete. Impeccabile l’accompagnamento orchestrale con perfetti sincronismi tra strumento solista e le varie sezioni dell’orchestra (ove però ci è parso talora un po’ debole il flauto). Alla fine del concerto, uno tsunami di applausi del gran pubblico presente in sala ha tributato il giusto omaggio a Giulia Rimonda, che ha risposto con un bis, la Sarabanda dalla Partita n. 2 per violino solo di J. S. Bach. In vera serata di grazia, la Camerata Ducale ha eseguito nella seconda parte del concerto, un'altra composizione di Ciajkovskij, La Suite dello Schiaccianoci: Si è trattato di una bellissima esecuzione, guidata da Rimonda (Guido) con leggerezza e grazia mozartiane, capaci di ricreare quell’atmosfera incantevole di favola che è la cifra della meravigliosa musica per balletto del sommo compositore russo. Raramente abbiamo ascoltato numeri come la Danse de la Fée Dragée o la Danse Arabe, suonate con così dolce leggerezza e lo stesso fin troppo celebre Valzer dei fiori è risuonato come trasfigurato da un’aerea levità, in cui l’aspetto puramente “ballabile” che rischia di renderlo volgarotto se prende il sopravvento, si dissolveva nei lievi arabeschi disegnati da una timbrica stupenda, con tutta la sezione fiati in gran spolvero. I due bis concessi dall’orchestra, il Pas de deux, sempre dallo Schiaccianoci e la ripetizione del Trepak-danza russa hanno coronato degnamente una serata di musica destinata ad abitare a lungo la casa dei nostri ricordi.

10 febbraio 2019 Bruno Busca

 

Il nuovo Concerto per violino di Fabio Vacchi in Auditorium con Nordio e Boccadoro

Il concerto ascoltato ieri sera in Auditorium prevedeva oltre a due noti lavori di Mendelssohn quali l'Ouverture da Le Ebridi Op.26 e la Sinfonia n.3 Op.56 "Scozzese", il recente Concerto per violino del compositore bolognese Fabio Vacchi. Il brano, da alcuni mesi revisionato e ribattezzato col titolo Natura naturans, era in prima esecuzione italiana ma già eseguito negli ultimi mesi del 2018 a Budapest ed a New York. Tre classici tempi hanno definito un lavoro dove la componente solistica, sostenuta in modo esemplare da Domenico Nordio, era particolarmente presente e molto pregnante nel marcato segno musicale. Il riferimento al Concerto per violino di Berg, segnalato dallo stesso Vacchi nelle note di sala, risulta evidente in tutta l'atmosfera tardo-romantica ed espressionista di cui il complesso brano è impregnato. A mio avviso l'ottimo concerto di Vacchi trasuda di un linguaggio personale che riflette tutta l'evoluzione del genere concertistico del secolo scorso, con una componente melodica ampliamente rimarcata ed evidenziata dalle scultoree note di Nordio e dalle armonie perfettamente sincronizzate degli ottimi orchestrali della Sinfonica Verdi. Ottima la direzione di Carlo Boccadoro che ha trovato pane per i suoi denti nel contrastato brano dove la componente più intensamente melodica dell' Allegro moderato iniziale e soprattutto dell' Andantino centrale, ha nel terzo ed ultimo movimento, Presto brillante, motivi di contrasto ritmico e dinamico. Il virtuosismo iniziale, sia orchestrale che solistico, nella perfetta integrazione delle componenti musicali, ha avuto timbriche chiare ed espressive nel voluminoso violino di Nordio. Nelle note finali il ritorno all'origine, con una dilatazione musicale di maggior respiro melodico, ha portato il lavoro in linea con le prime battute. I riferimenti a certa musica americana, con ritmiche particolarmente coinvolgenti, sono risultati evidenti nel movimento finale, in contrapposizione al mondo più europeo- soprattutto germanico- dei primi due. Grande successo al termine della riuscita interpretazione con Fabio Vacchi e tutti i protagonisti saliti più volte sul palcoscenico dell'Auditorium. Domenica alle ore 16.00 si replica. Da non perdere!

9 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Prossimo appuntamento a Vercelli

A Vercelli prossimamente il secondo appuntamento della rassegna GREEN TIES 2019 avrà luogo domenica 10 febbraio 2019 alle ore 11 presso la Sala Parlamentino, Palazzo dell'Ovest Sesia a Vercelli. Cristian Lombardi al flauto e Claudio Longobardi alla chitarra. In programma musiche di Carulli, Piazzolla ecc.

8 febbraio 2019 dalla redazione

Marianne Crebassa e Fazil Say alla Scala

Dopo aver ascoltato il pianista turco Fazil Say in Conservatorio qualche sera prima, l'averlo potuto riascoltare presso il Teatro alla Scala nel doppio ruolo di accompagnatore del mezzosoprano Marianne Crebassa e in brani solistici suoi e di autori francesi ha reso ancor più importante la conoscenza di questo compositore-interprete. Domenica scorsa, (scusate il ritardo ma l'influenza mi ha schiantato a letto) un programma soprattutto francese ha unito le ottime timbriche della celebre cantante di Montpellier alla sensibilità del pianista che ha interpretato anche due suoi lavori, il primo, in solitaria, la Sonata per pianoforte op.52 denominata Gezi Park 2, e il secondo con la rilevante e sostenuta voce di Marienne, Gezi Park 3. Nella prima parte della serata le Trois Mélodies di Claude Debussy avevano introdotto il recital mettendo in luce l'ottima timbrica della Crebassa in sinergia con il pianismo di Say molto adeguato al mondo francese di fine Ottocento e di primo Novecento come già recentemente detto. Bene la scelta di alternare brani vocali con brani solo pianistici e valido lo stacco col morbido e profondo Erik Satie del quale Say ha eseguito le celebri Trois Gnossiennes per poi incontrare sempre autonomamente ancora Debussy con due Preludi dal primo libro. Il rientro in scena della Crebassa ci portava sul versante di Ravel con la versione per voce e pianoforte di Shéhérezade e di Vocalise-étude. Esecuzioni di pregnante rilievo espressivo. Ancora vocali i brani che si sono susseguiti prima con Fauré tra cui Cygne sur l'eau e poi con il più raro Henri Duparc. La Sonata di Say, tre parti senza interruzioni, ci ha mostrato ancora una volta l'originale ed eclettico linguaggio di Say, che come detto recentemente, accosta momenti di melodicità tutti europei ad altri di intensa e spesso tagliente espressività utilizzando la tastiera in modo molto completo con effetti amplificanti che rimandano a timbriche dai sapori orchestrali. C'è una visione più ampia nella musica di Say che spesso esce dalla sola dimensione pianistica. Più intimo e decisamente più "orientale" il suo brano Gezi Park 3 eseguito in modo deciso ed espressivo dalla Crebassa. Questo lavoro uscendo dalle modalità più gentili tipiche francesi ha trovato nella strada mediterranea una ragione di rilevante espressività estetica. Bravissimi i due e fragorosi applausi con un bis di splendida classicità: dalle Nozze di Figaro di Mozart un sublime Voi che sapete. Da ricordare!

2 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Prossimamente Padre e figlia al Teatro Civico di Vercelli

Sabato 9 febbraio 2019 alle ore 21 presso il Teatro Civico di Vercelli ci sarà il concerto denominato PADRE E FIGLIA. Protagonisti: Giulia Rimonda, violino solista, l'Orchestra Camerata Ducale e il direttore Guido Rimonda. In programma di Pëtr Il’ič Čajkovskij Concerto per violino e orchestra op. 35 e Suite dallo Schiaccianoci op. 71a

2 febbraio 2019 dalla redazione

 

GENNAIO 2019

Al Teatro Coccia di Novara l' Orchestra del Conservatorio Cantelli

Ieri sera 30/01, sul palcoscenico del Teatro Coccia di Novara, si sono esibiti in concerto gli allievi del locale Conservatorio, intitolato a uno dei più grandi direttori d’orchestra italiani del ‘900, il novarese Guido Cantelli, prematuramente scomparso in un incidente aereo nell’ormai lontano 1956. I giovani concertisti erano guidati, di fronte al pubblico delle grandi occasioni, dal loro docente preparatore, il direttore orchestrale Nicola Paszkowski, che ha proposto un programma impaginato su composizioni di piacevole ascolto, ma tutt’altro che banali: l’Ouverture del mozartiano Idomeneo re di Creta, KV 366, il Concerto per violoncello e orchestra in Do maggiore n.1 Hob VIIb:1 di F. J. Haydn, Le creature di Prometeo op.43 di Beethoven e a chiudere trionfalmente uno dei più celebri poemi sinfonici lisztiani, Les Préludes. Graditissima “ospite” la ventenne violoncellista romana Erica Piccotti, solista nel concerto haydniano. Prima di commentare la serata, ci si consenta un plauso sincero al Cantelli e ai suoi dirigenti e docenti, per la lodevole iniziativa di educare i loro giovani allievi, fin dagli studi di Conservatorio, alla musica d’insieme, in particolare a quella orchestrale, consentendo loro un’esperienza di fondamentale importanza per la loro formazione professionale e dunque per il loro futuro. Dal concerto di ieri sera siamo usciti con due convinzioni. La prima è che questi giovani allievi del Cantelli sono ben preparati, sia sotto il profilo della tecnica individuale nel singolo specifico strumento, sia nell’affiatamento in una formazione orchestrale. Partita un po’ in sordina, con un Idomeneo dal suono piuttosto piatto, cui sfuggivano le complesse sfumature e la densità costruttiva di questa non semplice partitura, sospesa sin dall’inizio fra trionfale fanfara in Re maggiore e dolente profilo motivico gravitante sul Sol minore, la giovane orchestra, trascinata dalla bravissima Piccotti, si è ripresa nel concerto di Haydn, in cui i giovani del Cantelli hanno dato ottima prova di sé: in particolare i i fiati nel primo movimento, capaci di quelle sfumature espressive che la partitura richiede e gli archi nel terzo tempo, ove soprattutto i primi violini hanno sfoggiato suono brillante e ottime dinamiche, nel ritmo travolgente della scrittura. I giovani maestri, sotto l’attenta guida di un Paszkowsky dal gesto autorevole e preciso nello stacco dei tempi e molto attento all’evidenza timbrica dei piani sonori, hanno dato il meglio anche nella composizione beethoveniana e nel poema lisztiano, efficacemente interpretato sia nelle sezioni più solenni, sia in quelle di più disteso lirismo. Qui si sono ben destreggiati gli ottoni, in particolare i corni, dal bel suono romantico, evocativo di misteriose, remote lontananze. Certo, si tratta pur sempre di studenti, che debbono ancora maturare pienamente sul piano tecnico e interpretativo: qualche entrata non sempre puntuale, un suono non sempre pulito (specie tra gli ottoni gravi) si sono sentiti, ma nel complesso i giovani del Cantelli hanno offerto al pubblico una prova che definire dignitosa è forse troppo poco. La seconda convinzione, che è per noi anche una bella scoperta, è che Erica Piccotti è già più di una semplice promessa. Sotto le sue dita, le quattro corde del violoncello Francesco Ruggeri 1692 hanno fornito un’eccellente interpretazione del gioiello di Haydn: In possesso di una tecnica già agguerrita, con cui domina disinvoltamente passaggi difficili, come nei rapidissimi spiccati del finale o nei vari salti di ottava, brusche variazioni dinamiche e agogiche disseminate nella partitura, la Piccotti si distingue per un suono morbido e caldo, capace di un intenso e coinvolgente lirismo nello stupendo adagio centrale. Veramente brava, anche nel bis: un pezzo molto bello per violoncello solo del grande violoncellista e compositore spagnolo del ‘900 Gaspar Cassadò. Dopo il bis richiesto con insistenza da un pubblico tripudiante (il finale de Les Préludes), la giovane orchestra del Cantelli si è congedata, con un arrivederci alla prossima esibizione il 20 maggio prossimo.

31 gennaio 2019 Bruno Busca

Lutto per la Società del Quartetto

La storica Società del Quartetto di Milano è in lutto. L’avvocato Antonio Magnocavallo si è spento Sabato 26 gennaio 2019, dopo una lunga malattia combattuta con coraggio e tenacia. Avrebbe compiuto 82 anni l’11 aprile. Presidente della Società del Quartetto di Milano dal 2006, nei decenni precedenti ne aveva retto le sorti come vice presidente esecutivo. Ne era Socio fin dall’infanzia. Aveva fatto parte del Consiglio direttivo del Quartetto a partire dagli anni Ottanta, significativi per la trasformazione del Quartetto: Magnocavallo( foto di Vico Chamal) si era battuto con tenacia e generosità per riconquistare l’apertura della Società al pubblico, non più ai soli Associati, in continuità con i suoi originari scopi statutari della fondazione nel 1864. “Il Quartetto” amava sostenere “è un privilegio per tutti!” E’ del 2003 la fusione dei Concerti del Quartetto con la Società del Quartetto che da allora è aperta alla città. Il progetto di Antonio Magnocavallo si era attuato.

26 gennaio 2019 dalla redazione

Winterreise coreografato da Angelin Preljocaj alla Scala

È stata un'eccellente idea quella di Angelin Preljocaj di mettere in scena i lieder di Franz Schubert della celebre raccolta Winterreise in questa nuova produzione scaligera. Il "doppio spettacolo"', quello donato dal basso-baritono Thomas Tatzl e del pianista James Vaughan e quello del Corpo di ballo del Teatro alla Scala, ha rivelato un valore aggiunto dall'unione musicale con le movenze intimiste e discrete create ad hoc dal coreografo francese. L'atmosfera cupa, non appariscente e con colori uniformi molto vicini alla visione schubertiana dei 24 lieder ha rivelato l'aspetto più nascosto e sofferente della vita. Non per nulla l'ultimo canto del ciclo, Der Leiermann - L'uomo dell'organetto- con il lento schierarsi di tutti i bravissimi 12 ballerini ( prime due foto di Brescia-Amisano-Archivio Scala), riassume in modo perfetto il clima di profonda autenticità, con tutti i dubbi e le domande senza risposta che questo viaggio d'inverno vuole evidenziare. Valida l' idea di fare entrare in scena l'eccellente Thomas Tatzl passando per il palcoscenico con il primo celebre canto Gute Nacht sino a raggiungere la sua postazione laterale e di farlo tornare nel centro del palcoscenico insieme ai danzatori a circa metà ciclo per poi riprendere la sua posizione fissa. Quest'idea di unione tra due forme d'arte, il canto e la danza ha centrato l'obiettivo con uno spettacolo raffinato che ha però bisogno di un pubblico, come quello che ha assistito ieri sera in Scala, disposto ad intraprendere un percorso introspettivo. Un lavoro di straordinaria autenticità quello di Preljocaj, nato dall'ascolto delle impareggiabili note di Schubert e dai mirabili testi di Wilhelm Müller. Un plauso a tutti i ballerini: Albano, Vassallo, Ballone, Di Clemente, Fiandra, Lunardi, Montefiore, Agostino, Fagetti, Gavazzi, Messina, Lepera, Risso. Assolutamente da vedere.

26 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

Monica Bacelli e il Trio Metamorfosi prossimamente a Vercelli

Lunedì 28 gennaio 2019 alle ore 21 presso il TEATRO CIVICO di Vercelli si terrà un concerto protagonisti il Trio Metamorphosi e il mezzosoprano Monica Bacelli. Verranno eseguiti brani di Haydn e di Beethoven-

dalla redazione 25 gennaio 2019

 

Fazil Say per la Società dei Concerti

E' da molti anni che il pianista turco Fazil Say torna a Milano in Conservatorio impaginando programmi variegati nei quali la sua musica occupa uno spazio preponderante. Say, anche compositore di successo, è molto apprezzato nel suo paese d'origine per le sue sonorità al confine tra oriente ed occidente. Ieri, tra Debussy e Beethoven ha inserito nell'impaginato due suoi lavori, uno di questi, Black Earth, è oramai diventato un classico anche nelle sue serate in Sala Verdi. Ha fatto bene Fazil ha introdurre il concerto con sei Preludi di Claude Debussy, musicista a lui congeniale per sensibilità e per caratteristiche timbriche. L'esecuzione dei Preludi è stata di grande rilievo musicale. Say mostra di riflettere su quello che sta eseguendo e questo si riscontra anche osservando la sua gestualità particolarmente accentuata, significativa e mai gratuita. Le timbriche ottenute, da quelle più delicate, molto presenti nel compositore francese, a quelle più incisive, sono rilevate da un sapiente uso delle pause spesso evidenziate dal suo gesto a conclusione delle frasi. Dopo i Preludi, tutti eccellenti nei rapporti dinamici, l'inizio del suo primo brano ,Yürüen Kösk, ha portato i numerosi ascoltatori di Sala Verdi in un'atmosfera sonora simile, almeno nella parte iniziale del brano. Il recente lavoro di Fazil è un unico movimento articolato in più sequenze contrastanti. Dalle situazioni più melodiche ricche di riferimenti alla cultura classica occidentale di primo Novecento - tutti i francesi e anche gli chansonier- alla tradizione folcloristica dei Bartòk o a certo jazz per il ritmo e gli accenti che ad un certo punto risultano contrastare le linee musicali più intime. Ottimo lavoro! Il breve ma significativo Black Earth lo conosciamo bene, e sottolineamo l'intelligente uso delle note più gravi con effetto percussivo ottenuto toccando la tavola armonica per un risultato timbrico complessivo di grande suggestione che sottolinea la bella linea melodica caratterizzante l'originale lavoro. Dopo l'intervallo, Say ha affrontato con grande personalizzazione una delle pagine più "evolute" di L.v.Beethoven, l'Op.106. La Sonata in Si bem. Maggiore ha una serie innumerevole d'interpretazioni entrate nella storia e naturalmente nell'ascoltare la versione del pianista quarantottenne di Ankara non dobbiamo fare confronti impossibili, ma vedere la sua visione di Beethoven mediata dalla sua sensibilità di compositore. Quello che mi è maggiormente piaciuto nella sua originale reinvenzione è la coerenza legata al suo modo d'intendere la musica, un divenire sonoro trasformabile che è tipico dei pianisti-compositori, quelli più creativi e meno legati alla storia interpretativa. Due i bis concessi: un eccellente Chopin con il celebre Notturno in Do# minore postumo, splendido anche perché differente dal consueto, ed il finale Rondò.Allegro della Sonata Patetica di Beethoven eseguito con energia e passione tutta "alla Say". Grande musicalità per un grande artista!

24 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

Le percussioni di Simone Rubino per la Società del Quartetto

Un concerto inconsueto ma molto interessate quello di ieri sera in Conservatorio organizzato dalla Società del Quartetto. Sul palcoscenico di Sala Verdi il percussionista torinese Simone Rubino ha riempito il grande auditorio con ritmi frenetici ma anche con soffici armonie da quattro diverse postazioni di strumenti a percussione: rullante, set percussivi, vibrafono, marimba e un po' di elettronica si sono alternati per l'esecuzione di brani di sei diversi compositori tra i quali spiccano i più conosciuti Astor Piazzolla con i celebri Libertango, Oblivion e Verano Porteno eseguiti in lodevoli trascrizioni per marimba, e il greco-francese Iannis Xenakis, celebre compositore di musica elettronica e concreta della seconda metà del '900, con esperienze rilevanti nel mondo ritmico percussivo. Suo il brano Rebond B per set di percussioni magistralmente percosse dal giovane interprete. Del compositore torinese Roberto Bocca, abbiamo ascoltato due ottimi brani: Esegesi per vibrafono, sei minuti col quale si avvicina al mondo del jazz, genere che spesso utilizza il vibrafono sia per i potenziali melodici che per quelli ritmici. Rubino ne ha esaltato ogni potenzialità dinamica e ritmica. Nel secondo brano Sintesi per percussioni ed elettronica, il virtuosismo percussivo ha alternato il vibrafono e la marimba in un lavoro che ricorda certe sperimentazioni del rock progressivo anni '70 alla Mike Oldfield. Il concerto era iniziato con un brano particolarmente ridondante ed efficace del giapponese Maki Ishii con Thirteen drums per set percussivo e nel corso del concerto due interessanti lavori per solo rullante, il primo di Alexej Gerassimez, Asventuras, e di Wolfgang Reifeneder, Cross Over, hanno esaltato le qualità percussive di questo splendido percussionista che ha meritato al termine tutti i fragorosi applausi ottenuti da parte di un pubblico non numerosissimo ma certamente intenditore. Particolarmente efficace il bis gestuale concesso nell'ambiente oscurato dove il corpo fermo di Rubino e le sue mani muovevano lentamente e velocemente una bacchetta colorata, rossa fluorescente con movimenti sincroni alla musica concreta preregistrata nobilitata da voci particolarmente suggestive. Eccellente questa perfomance che ha unito in modo intelligente il gesto con il suono-rumore. Applausi sentiti e uscite ripetute di Rubino con volto particolarmente soddisfatto.

23 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

Chailly e la Sesta Sinfonia di Mahler alla Scala

L'ultima replica scaligera della Sesta Sinfonia di Gustav Mahler ascoltata ieri sera ha avuto ancora un meritato successo di pubblico. La Filarmonica della Scala e il suo direttore stabile Riccardo Chailly hanno trovato il giusto equilibrio espressivo in un lavoro, quello del compositore boemo-austriaco, che fortunatamente abbonda ancora di grandi direzioni ed esecuzioni in tutto il mondo. La durata dell'interpretazione , 88 minuti con le brevi pause - circa trenta secondi tra i quattro movimenti - è nella media delle durate più lunghe di questa monumentale Sinfonia in la minore, composta per un organico molto ampio, tipico delle grandi orchestrazioni di fine Ottocento e primo Novecento. Ci è piaciuto molto il taglio interpretativo del direttore milanese, specie nel celebre Allegro moderato finale ricco di contrasti e con momenti qualitativi stravolgenti. Le sezioni orchestrali - splendida quella delle percussioni in generale- hanno trovato una valida intesa anche se le timbriche emerse a volte un po' secche- ma questo dipende anche dal palcoscenico forse relativamente stretto per l'ampia compagine orchestrale- hanno isolato parzialmente i colori orchestrali delle sezioni meno voluminose (archi) con contrasti non sempre eccellenti. Qualche spigolatura del timbro - primo corno- si è notata. Certamente di valore l'interpretazione complessiva. Ricordiamo i prossimi concerti di questa serie sinfonica con una Nona di Bruckner prevista per il 13-14 e 17 febbraio per la direzione di Dohnányi e una Quinta di Mahler per il 28 febbraio e 1-2 marzo sempre col Maestro Chailly. Da ricordare.

20 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

A Vercelli entra nel vivo il 21° Viotti Festival

Dopo i sapidi aperitivi prenatalizi, ieri sera, sabato 19/01, nell’abituale sede del Teatro Civico ha avuto ufficialmente inizio a Vercelli la stagione 2019 del Viotti Festival. E migliore inizio non poteva esserci: a celebrare l’evento, dinanzi ad un Civico vicino al tutto esaurito, quella vera festa della Musica (sì: di quella con la maiuscola!) che sono le composizioni di J. S. Bach, a cominciare dai concerti, sintesi suprema di geometrica razionalità e squisito gioco di timbri, ritmi, linee melodiche: un mondo di ideale perfezione, calato nello stampo storico del concerto grosso barocco. Monograficamente bachiano, dunque, l’esordio del Festival vercellese, impaginato su tre perle dei quasi innumerevoli concerti di J. S. Bach: il BWV 1044 in la minore per flauto, violino, clavicembalo, archi e basso continuo, il BWV 1056 in fa minore per clavicembalo, archi e basso continuo e infine quel capolavoro originalissimo che è il quinto Concerto Brandeburghese, il BWV 1050 in Re maggiore per flauto, violino, clavicembalo, archi e basso continuo. A eseguire il programma gli archi della Camerata Ducale e tre solisti di grande qualità e solida fama: Guido Rimonda al violino, Massimo Mercelli al flauto e quel simpatico hobbit della tastiera che è Ramin Bahrami al pianoforte, in sostituzione del clavicembalo, secondo una prassi ormai generalmente ammessa (con qualche residuale resistenza). La trasparenza del suono, la leggerezza dello stile galante del miglior tardo-barocco, il fraseggio nitido e al tempo stesso come sospinto da una energia propulsiva incessante, l’eleganza affettuosa del dialogo tra ripieno e concertino e dei solisti fra loro; queste le qualità del mondo musicale evocato ieri sera a Vercelli, cui sia gli archi della Ducale (sempre di ottimo livello nel suono e nel fraseggio, nonostante i frequenti cambiamenti nell’organico orchestrale: ad ogni serata si vedono volti nuovi, in genere giovani), sia i tre solisti hanno dato il loro contributo: Rimonda con una cavata aggraziata e dal fraseggio sempre perfettamente tornito e limpido anche nei legati , Mercelli con il timbro cristallino del suo flauto, che spruzzava d’argento il fluido scorrere delle note, Bahrami con un’infaticabile presenza dovuta al doppio ruolo del clavicembalo/pianoforte nel BWV 1044 e nel BWV 1050: basso continuo, ma anche un rilievo strumentale inedito per i tempi, che ha il suo culmine nella straordinaria, lunga cadenza del primo tempo del BWV 1050. A questo punto, qualche osservazione sullo stile esecutivo di Bahrami s’impone: com’è noto il Bach del maestro italo-iraniano ha molti devoti cultori ( ed erano presenti in gran numero anche ieri sera) e molti aspri detrattori. A noi di Bahrami piace la cantabilità, il suono caldo e leggero, tuttavia siamo disposti ad ammettere che non tutto e sempre “funzioni” nelle interpretazioni di Bahrami: la cadenza del BWV 1050 ascoltata ieri non ci ha convinti troppo: il ritmo incalzante, unito ad un uso talora eccessivo del pedale, ha creato un flusso omogeneo e quasi indistinto, al limite della confusione. Così, almeno, a noi è parso. Comunque il pubblico è andato in visibilio, ottenendo due bis: in ordine, il secondo e il terzo tempo del BWV 1050. In generale un’altra di una serie ormai lunga di bellissime serate di musica che la Camerata Ducale ha donato al suo numeroso e affezionato pubblico.

20 gennaio 2019 Bruno Busca

Prossimamente all'Auditorium Fratelli Olivieri di Novara Fulvio Luciani e Massimiliano Motterle

Domenica 27 gennaio 2019 alle ore 17 all'Auditorium Fratelli Olivieri un Concerto insolitamente di domenica per la Giornata della Memoria per la stagione dei Concerti del Cantelli 2018/2019. Decimo concerto con l’esule Castelnuovo-Tedesco con protagonisti: Fulvio Luciani, violino e Massimiliano Motterle, pianoforte. Musiche di Castelnuovo-Tedesco (incluse rielaborazioni da Brahms e Chopin).

dalla redazione 20 gennaio 2019

Uto Ughi e I Filarmonici di Roma alle Serate Musicali

Da anni lontani il violinista bustocco Uto Ughi viene in Sala Verdi. Ieri sera, accompagnato da I Filarmonici di Roma ha impaginato un programma vario ma tipico del suo più frequentato repertorio. L'introduzione solo orchestrale de I Filarmonici, con Antiche Arie e Danze, terza suite di Ottorino Respighi ha evidenziato tutte le splendide qualità coloristiche di questa formazione cameristica, qualità che sono tipiche del modo più italiano d'espressione. Respighi, maestro d'orchestrazione, ha concepito i movimenti di questa Suite per un ritorno alla tradizione antica della musica, con sequenze melodiche mirabili per nitore espressivo. Col Concerto per violino e orchestra BWV 1041 in la min. di J.S.Bach è entrato in scena Ughi per un'esecuzione valida in cui la perfetta integrazione del violino con gli archi ha migliorato l'esecuzione. Con Gaetano Pugnani e il suo celebre Preludio e Allegro nella trascrizione di Fritz Kreisler il violinista ha giocato una delle sue carte vincenti. Il noto brano di Pugnani, musicista vissuto per tutta la seconda parte del '700, è altamente melodico ed acquista in bellezza in questa versione con orchestra d'archi. La seconda parte del concerto, in crescendo qualitativamente, ha visto inizialmente una rarità esecutiva come il Concerto per violino e archi in re minore di Mendelssohn. Il brano, in tre movimenti, è nettamente meno eseguito dalla celebre Op.64 ma certamente interessante e con momenti topici come il delizioso Allegro finale eseguito benissimo. Con Pablo De Sarasate il Maestro Ughi è tornato alla classica riduzione strumentale dalla Carmen di Bizet. De Sarasate con questa formidabile trascrizione delle celebri arie d'opera ha esaltato le qualità dello strumento ad arco e Ughi ha sapientemente sottolineato con speciale virtuosismo i dettagli del brano. Il suo suono, altamente espressivo, ha trovato momenti di lievi carenze d'intonazione che non hanno comunque disturbato la sua classe interpretativa resa tale dalla consolidata esperienza in questo repertorio. Classe riconfermata nei numerosi bis da lui concessi dopo i fragorosi applausi tributati alla fine del programma ufficiale. Prima uno splendido Astor Piazzolla con il meraviglioso Oblivion, quindi la classica e da lui stra-eseguita Ridda dei folletti di Bazzini ed infine, a luci completamente accese, la melodica e profonda Humoresque di Antonìn Dvoràk. Grande successo con fragorosi e meritati applausi e poi l'attesa nel foyer per gli autografi sui Cd. Da ricordare.

18 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

La musica russa di Olga Kern per la Società dei Concerti

Da molti anni la pianista russa, naturalizzata americana, Olga Kern è ospite della Società dei Concerti ed è come sempre attesa dal numeroso pubblico di abbonati e non. Ieri sera un programma interamente russo incentrato su Rachmaninov, ma con altri musicisti di contorno quali Čaikovskij, Skrjabin, e nel fuori programma, Liadov, Mussorgsky, Prokof'ev, Balakirev, Rimsky-Korsakov, ecc., ha messo in risalto il repertorio più riuscito di questa bravissima e bella pianista. La Kern cura molto sia l'estetica del linguaggio musicale, ricco di virtuosismi sottolineati da una solida e collaudata esperienza -specie nei russi-, sia la sua estetica a dimostrazione della quale il cambio dell'abito tra la prima e la seconda parte del concerto è diventata cosa attesa e gradita da tutti i fedeli ascoltatori. Abiti sgargianti ma raffinati e splendidamente indossati da un fisico alto e snello. Il primo, color panna con inserti floreali neri a contrasto, e il secondo: un bel rosso vermiglio che ben si addice alla sua carnagione chiara. I colori dei suoi abiti sono anche i colori della sua musica: timbri forti, a volte viscerali, che trasudano di intensità espressiva non disdegnando momenti di pacato lirismo e di grazia. Ieri nel vario programma dominato da Rachmaninov ma seguito da una decina di brani di altri russi, tra programma e bis, la bionda interprete ha rivelato ancora una volta il suo pianismo completamente interiorizzato, dalle caratteristiche in apparenza improvvisatorie ma legate in modo preciso alla notazione musicale. La Kern è una pianista tout-court: vuole divertirsi suonando e sente come il pubblico la segue quando restituisce in modo intelligente e funzionale la sua formidabile tecnica espressa dalle sue forti e composte mani. Tra i numerosi brani eseguiti segnaliamo certamente la Sonata n.2 op.36 di Rachmaninov di intensa espressività, i celebri Preludi Op.32 n. 5 e12 di estrema delicatezza, il Preludio Op.23.n.5 cavallo di battaglia di grandi pianisti ed eseguito con efficace grinta dalla Kern, validi Cajkovskij con Méditation op.72 n.5 e gli Studi di Scriabin con l'Op.42 n.4 e 5; di grande impatto sonoro Islamey, Fantasia orientale di Balakirev. Notevoli i quattro bis concessi con il delicato e incantevole Music Box op.32 di Anatoly Liadov, il galoppante Gopak di Mussorgsky-Rachmaninov, il celeberrimo e rapidissimo Volo del calabrone di Rimsky-Korsakov e lo Studio n.4 di Prokofiev. Un concertone da ricordare.

17 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

L'Ottavo Concerto per la Stagione dei Concerti del Cantelli a Novara

Sabato 19 gennaio 2019 alle ore 17 presso l' Auditorium Fratelli Olivieri per la stagione dei Concerti del Cantelli 2018/2019 si terrà l'Ottavo concerto con Preziosismi cameristici e l’amalgama delle percussioni. I protagonisti sono Benedetta Ballardini, flauto, Sonia Candellone, pianoforte e violoncello, Davide Broggini e Stefano Ricchiuti, percussioni, Tiziana Ravetti, soprano e Gigliola Granziera, pianoforte. Musiche di Casella, Debussy, Dutilleux, Friedman, Samuels, Knipple, Weill, Poulenc, Bernstein

17 gennaio dalla redazione.

Un quartetto musicale inconsueto ed eccellente

Un programma diversificato e valido quello offerto ieri sera in Conservatorio da Alexander Lonquich et family. Sottotitolato "Convivium", l'impaginato prevedeva brani di sei compositori differenti, con un occhio di riguardo per il '900 e una particolare attenzione per Igor Stravinskij di cui abbiamo ascoltato, in posizione centrale nel programma e con eccellente interpretazione, la celebre Sagra della primavera nella versione per pianoforte a quattro mani con, oltre Lonquich, Cristina Barbuti. Il noto brano, con la pianista nella parte sinistra/bassa della tastira, era stato preceduto da una rarità sempre del grande russo quale i Tre pezzi per Quartetto d'archi nella versione anche questa a quattro mani e ben eseguita dalla coppia -anche nella vita- di pianisti. Altri due strumenti erano in gioco nel concerto organizzato da Serate Musicali: il flauto di Irena Kavcic e il clarinetto di Tommaso Lonquich. Due i lavori proposti di Claude Debussy per clarinetto: il primo, Petite Pièce per clarinetto, ha introdotto la serata, quindi la Prima Rapsodia per clarinetto e pianoforte, con padre e figlio in perfetta sintonia, ha concluso le esecuzioni del celebre francese. Tommaso ha da subito espresso ottime qualità musicali con un dosaggio dinamico efficace e con colori timbrici delicati ed espressivi. Il flauto è entrato in gioco grazie a Camille Saint-Saëns e alla sua Tarantella op.6, brano dal sapore molto rossiniano, eseguito benissimo non solo dalla flautista ma anche dai due Lonquich. Irene Kavcic si è rilevata un'ottima interprete pure nei lavori di André Jolivet con la Sonatina per flauto e clarinetto, brano di mirabile virtuosismo, con Frank Martin e la sua Ballade per flauto e pianoforte e, a conclusione del programma ufficiale, con una rarità contemporanea di certo Guillaume Connesson (1970). Techno-Parade per flauto, clarinetto e pianoforte è un brano spettacolare nella diversificazione ritmica per poche note espressive e accentate in ogni combinazione, sottolineate splendidamente dal flauto, dal clarinetto e dal pianoforte di Lonquich padre. Grande regalo finale dei quattro interpreti con un bis: una rilevante trascrizione per piano a quattro mani, flauto e clarinetto del noto Prelude a l'apres midì d'un faune di Debussy. Bellissimo. Da ricordare a lungo!

15 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

Un violino e un pianoforte per una musica che sconfina

Transiti - Musica che sconfina, è il titolo scelto per il pomeriggio musicale domenicale dello Spazio Teatro89. L'accogliente auditorium di via Fratelli Zoia 89 ha ospitato ieri il duo formato dalla giovanissima violinista Francesca Bonaita e dal pianista Andrea Rebaudengo. Il programma, interessante e diversificato, è stato pensato dai due interpreti e da Luca Schieppati -organizzatore della fortunata rassegna pomeridiana - per essere trasversale ai generi musicali, almeno in quei frangenti dove si riconoscono elementi che hanno caratterizzato la musica popolare del mondo zigano, del blues americano e della musica rock. L'esecuzione di due brani di Maurice Ravel quali la Sonata per violino e pianoforte, dove il secondo movimento e titolato Blues e di Tzigane, celebre brano "zigano" del compositore francese, ci ricorda i primi due riferimenti, mentre per il rock, nella fattispecie del celebre gruppo dei Led Zeppelin e del loro brano Immigrant Song, il riferimento è stato dato da una nuova composizione di Giorgio Colombo Taccani, commissionata per l'occasione da Schieppati per la nuova stagione di concerti e titolato From the land of the ice and snow. Dopo un breve e non evidente riferimento alle celebri grida di Robert Plant, il brano del compositire milanese ha espresso un percorso ben diverso dal mondo rock. A conclusione, di Sergej Prokof'ev sono stati eseguiti Cinque melodie Op.35 bis e la Sonata n.2 Op.94 bis. Ma veniamo ai protagonisti: la milanese Francesca Bonaita, classe 1997, ha rivelato splendide qualità musicali attraverso una lettura intensa ed espressiva di tutti e tre i lavori proposti. L'impaginato, teoricamente di grande difficoltà tecnico-espressiva, si è rivelato non solo alla sua portata, ma ha trovato un'interprete precisa nel tocco, perfetta nell'intonazione con timbro scavato e netto, ed articolata e strutturata nell' organizzazione complessiva delle parti. Coadiuvata dal bravissimo Rebaudengo, pianista di robusta e precisa espressività, Francesca ha risposto al voluminoso pianoforte con altrettanta voluminosità timbrica, per un equilibrio corretto e vario nelle dinamiche e con ottima successione delle scansioni melodico- armoniche. Pregnante di espressività soprattutto nel Blues e in Tzigane di Ravel ed ancora di altrettanto valore nella celebre Sonata n.2 di Prokof'ev. Il brano del compositore milanese Giorgio Colombo Taccani è una sorta di dialogo tra il violino ed il pianoforte nel quale la breve componente tematica melodica del violino, sostenuta ottimamente dalla Bonaita, si ripete più volte nel corso dei circa sei minuti del lavoro. Brevi pause mettono in risalto maggiormente l'intervento solistico sostenuto con sicurezza e compattezza dal valido pianoforte di Rebaudendo. Un lavoro che rimanda, a mio avviso a certe modalità espressioniste alla Berg, con una forte incidenza espressiva personale del mondo compositivo di Giorgio Colombo Taccani. Applausi fragorosi al termine del concerto ai protagonisti e applausi anche al compositore salito sul palcoscenico. Da ricordare.

14 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

Alexandre Tharaud e la Sinfonica Verdi in Haydn, Mozart e Schmidt

Non avevo ancora ascoltato live il pianista francese Alexandre Tharaud e devo dire che insieme all'Orchestra Sinfonica di Milano diretta da Claus Peter Flor, in un programma che prevedeva i celebri Concerti n.11 di Haydn e il K.467 di Mozart, mi è piaciuto assai. Tharaud è un pianista molto conosciuto - spesso in Tv- ed apprezzato in Francia, soprattutto per le sue interpretazioni di Couperin, Rameau, Scarlatti, Bach e dei francesi Satie e Ravel. Ieri sera in un Auditorium con moltissimo pubblico - ma ci attendiamo il pienone per la replica di domenica - ha mostrato sensibilità e raffinatezza nei classicissimi Haydn e Mozart, mettendo in risalto ogni frangente delle due partiture. Il suo tocco deciso, asciutto e dinamicamente vario, con una mano destra sempre in risalto nel definire la linea melodica presente, ha evidenziato in modo magistrale il Poco adagio di Haydn e il celeberrimo Andante di Mozart nei movimenti centrali ed il noto Rondò all'ungherese che conclude il Concerto n.11 in re maggiore del maestro di Rohrau e l'altrettanto Allegro vivace assai del Concerto n.21 in do maggiore del genio di Salisburgo. Insomma un'interpretazione scavata, ricercata, ricca di accenti che ha avuto come corona un meraviglioso bis solistico: la nota Sonata K 141 scarlattiana eseguita con maestria e con sintesi discorsiva estrema. Tharaud stesso mi ha rivelato durante l'intervallo che Scarlatti è un necessario coronamento a Mozart. Applausi interminabili al grande interprete coadiuvato dall'eccellente direzione di Flor. Nella seconda parte della splendida serata, tutta orchestrale, abbiamo ascoltato una rarità del poco eseguito compositore austriaco - nativo però di Bratislava- Franz Schmidt (1874-1939). Vissuto a cavallo di due secoli, Schmidt fu allievo di Anton Bruckner. La personale Sinfonia n.4 in do maggiore, composta nel 1933, riassume le sue indubbie qualità compositive che stilisticamente rappresentano una mediazione tra tardo romanticismo particolarmente cromatico alla Berg e neo-classicismo. Il lavoro in quattro movimenti senza soluzione di continuità ha momenti d'importante lirismo a cominciare dalla tromba solista iniziale e terminale, sino al bellissimo solismo del violoncello e del violino. Ottima l'interpretazione di Claus Peter Flor che ha esaltato i dettagliati colori della bravissima Orchestra Sinfonica Verdi. Da ricordare. Replica, da non perdere, domenica alle ore 16.00.

12 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

Succede anche al Conservatorio...

...che si rompa una corda di violoncello mentre si sta suonando un brano di Shostakovich. E' capitato l'11 dicembre 2017 nella sala Verdi del Conservatorio milanese. La scena è stata ripresa e messa su youtube e sta diventando virale anche grazie alla segnalazione di un noto giornale di musica classica britannico, The Strad. Steven Isserlis (Londra, 1958), infatti, proviene proprio da quelle parti, e ha commentato divertito su Twitter "non sapevo di essere filmato e faccio fatica a ricordare l'episodio. La corda G tende a rompersi sempre quando si suona Shostakovich." https://youtu.be/VyGlkLVHYeo

5 gennaio 2019 Alberto Guzzardella

Ancora meritato successo per l'Attila del nuovo anno al Teatro alla Scala

Col nuovo anno al Teatro alla Scala ultime repliche dell' Attila verdiano. Anche ieri sera l'ottima direzione di Riccardo Chailly, la riuscita messinscena per la regia di Davide Livermore, le scene curate da "Giò Forma" con le luci di Antonio Castro, i video D-Wok e i costumi di Gianluca Falaschi, hanno entusiasmato il pubblico presente in un teatro al completo; pubblico che al termine della rappresentazione, per circa dieci minuti ha tributato ripetuti e fragorosi applausi a tutti i protagonisti, compreso naturalmente il Maestro Bruno Casoni e il suo splendido coro. Un successo quindi eccellente per la prima opera in cartellone nella Stagione 2018-19, dovuto soprattutto ad uno straordinario lavoro di gruppo e alle ottime voci soliste a cominciare da quella di Ildar Abdrazakov, Attila re degli Unni . Di questi era stato annunciato, prima dell'inizio, una forte costipazione con raffreddore che a nostro avviso non ha influito sulla sua straordinaria resa vocale. Ricordiamo naturalmente ( prime due foto di Brescia-Amisano-Archivio Scala) anche Saioa Hernández, Odabella, George Petean, Ezio, Fabio Sartori, Foresto, Francesco Pittari, Uldino e Gianluca Buratto, Leone, tutti bravi. Simpatici i corali Auguri tributati al pubblico dal Maestro Chailly e dai solisti. Un inizio d'anno ottimo che speriamo sia di buon auspicio per il prosieguo. Ultime repliche previste per il 5 e l'8 gennaio. Da non perdere. Buon Anno a tutti i lettori!

3 gennaio 2018 Cesare Guzzardella