Francesca Bonaita al Teatro Gerolamo

Il bel concerto di ieri sera al piccolo ed elegante Teatro Gerolamo ha messo in risalto le ottime qualità di Francesca Bonaita, accompagnata per l'occasione dal pianista Roberto Paruzzo. Il programma, replica della sera precedente, prevedeva anche due capisaldi della letteratura violinistica quali la Sonata a Kreutzer op.47 di L.v. Beethoven e la Sonata in la maggiore di C. Franck, lavori celebrati da tutti i grandi virtuosi. Le qualità degli interpreti sono state parzialmente offuscate da un certo disequilibrio tra le volumetrie dei due strumenti in un contesto generale di secchezza acustica: il pianoforte, importante come il violino o forse più nel celebre lavoro beethoveniano, non ha forse dato lo spazio dovuto allo strumento ad arco, anche per la corposità delle timbriche nette e stravolgenti del bravo pianista esasperate da un'acustica che tende ad amplificare il suono in un luogo con soli 200 posti a sedere. Ci è apparso di maggior pregio, nell'equilibrio delle parti, il Presto finale dove spesso la giovane violinista ha avuto una maggiore penetrazione nelle sonorità complessive. Di buona qualità la resa estetica della splendida sonata ciclica di Franck con frangenti di pregnante resa espressiva per Francesca. Il programma si è concluso con una splendida rarità esecutiva: Tre Capricci di Paganini per violino e pianoforte op.40 (1918) di Karol Szymanowski, rivisitazione del connazionale polacco di tre celebri capricci del grande genovese. I brani, di eccellente qualità musicale, esaltano tutta la tecnica e l'arte paganiniana in un contesto armonico nel quale emerge il genuino e personale linguaggio del secondo polacco. Qui la Bonaita, accompagnata ottimamente da Paruzzo, ha messo in risalto tutte le sue rilevanti qualità esaltate oltre che da una tecnica eccellente, da una evidente profondità di pensiero. Bravissima! Splendido il bis concesso con Valse sentimentale di Čaikovskij. Da ricordare.

31 maggio 2019 Cesare Guzzardella

Il pianista russo Mikhail Lidsky alle Serate Musicali per Skrjabin e Chopin

È tornato per Serate Musicali il pianista russo Mikhail Lidsky è ha intrattenuto per circa un'ora e trenta minuti il pubblico non numeroso di Sala Verdi al Conservatorio milanese. Dopo il bellissimo concerto tutto dedicato a Sergej Rachmaninov dello scorso anno, questa volta l'impaginato si articolava in grandi musicisti quali Skrjabin e Chopin. Anche questa volta i numerosi brani scelti, alcuni di raro ascolto, ci hanno rilevato lo spessore compositivo del grande russo e del grande polacco ma anche le qualità di indubbia rilevanza del pianista cinquantunenne venuto ieri da Mosca per sostituire la collega e grande pianista Elisso Virsaladze, assente per motivi di salute. Lidsky ha nelle sue corde sia la musica di Skrjabin che quella di Chopin. La lettura approfondita e calibrata nei colori di entrambi è emersa in modo chiaro. I numerosi brani del russo, e precisamente 2 Mazurche op.40, 4 Preludi op.48, la Sonata n.5 op.53 e la Sonata n.8 op.66, sono stati accorpati senza soluzione di continuità in un unicum da sembrare una lunga suite. La capacità di sintetizzare le timbriche, pur esaltando ogni particolare frangente melodico con colori nitidi nei diversi piani sonori, ha reso di valore la sua interpretazione. Bello e personale il suo Chopin, con la Polacca op.26 n.1, il raro e splendido Allegro da Concerto op.46, il Preludio op.45, tre Mazurche ( op.24 n.3, op.33 n.1 e op.67 n.2) ed infine la Ballata n.3 op.47. La chiarezza espressiva è stata declinata con modalità interpretative in questo caso riflessive, lontane da esecuzioni di celebri interpreti, specie polacchi, ma con un rigore formale coerente e timbricamente di alto livello musicale. Eccellenti le Mazurche, di mirabile rilevanza estetica. Applausi meritati al termine.

Eccellente Francesca Dego diretta da Jader Bignamini

Mi ricordo ancora nel lontano 2006 l'allora sedicenne violinista Francesca Dego in Conservatorio alle prese con un'ottima beethoveniana Sonata a Kreutzer accompagnata dall'amica Francesca Leonardi. Son passati ben tredici anni e Francesca ha percorso una strada sempre in salita divenendo presto un'eccellente interprete richiesta in ogni parte del mondo. Ieri sera all'Auditorium milanese di largo Mahler, insieme ad un ottimo mix di Orchestra Sinfonica Verdi e di Filarmonica Arturo Toscanini diretta da Jader Bignamini, Francesca ha eseguito mirabilmente il Concerto n.1 in La minore op.77 di Dmitri Šostakovič, uno dei capolavori della letteratura violinistica di ogni tempo. Il voluminoso e caldo violino della Dego è entrato subito all'opera con il Notturno.Moderato, primo movimento, dalle tinte scure e dall'andamento riflessivo, che introduce il lavoro composto dal grande russo negli anni '50. Rimane particolarmente impressa la struttura di questo concerto dalle caratteristiche molto sinfoniche per la complessa e articolata parte orchestrale. La parte solistica è comunque quasi sempre in primo piano con i timbri profondamente coinvolgenti del violino. Jader Begnamini ha condotto la "duplice" ottima orchestra in modo splendido esaltando ogni dettaglio del contrastato concerto. La melodicità della parte solistica ha trovato nella Dego ottime peculiarità nello scavare in profondità le timbriche del voluminoso strumento ad arco: note spesso isolate, dai colori scuri e ricche di calore. Anche nei momenti più concitati e virtuosistici come nello Scherzo del secondo movimento o nella Burlesca del quarto, la virtuosa ha esaltato con tecnica fluida e scintillante ogni fraseggio. Bellissima poi la lunga Coda che porta alla Burlesca nel finale. Successo caloroso tributato alla visibilmente soddisfatta interprete dal numeroso pubblico intervenuto e ben tre bis solistici concessi tra cui una fluida Obsession e una introspettiva Melanconia dalla Sonata n.2 per violino solo di Eugène Ysaye. Purtroppo non ho potuto assistere alla seconda parte del concerto che prevedeva la nota Sinfonia delle Alpi di R. Strauss, a detta di amici resa molto bene dalla Verdi. Si replica Domenica alle ore 16.00. Da non perdere.

25 maggio 2019 Cesare Guzzardella

Il pianista sud-coreano Seong-Jin Cho per la Società del Quartetto

Di significativo valore il ritorno in Sala Verdi del pianista sud-coreano Seong-Jin Cho. L'ho ascoltato nel 2017, sempre in Conservatorio, per un'altra società concertistica. Ieri sera è tornato nel recital organizzato dalla Società del Quartetto ottenendo un caloroso successo. Sala Verdi era al completo e oltre ai numerosi abbonati, anche alcune centinaia di appassionati sud-coreani - molti giovanissimi- hanno seguito le sicure timbriche del loro connazionale. L'impaginato variegato prevedeva brani di Schubert, Debussy e Musorgskij, tre musicisti decisamente diversi per modalità espressive. Siamo abituati oramai alla presenza di una scuola pianistica orientale cinese e sud-coreana che ha preparato star internazionali quali Lang Lang o Yuja Wang. Seong-Jin Cho ha in comune con i due più celebrati pianisti la tecnica super-virtuosistica che non concede errori di note o momenti d'insicurezza. Ma questa super-tecnica spesso potrebbe non risolvere problemi interpretativi che dipendono soprattutto da modalità espressive legate ad affinità culturali più ampie. Il venticinquenne Seong-Jin Cho venendo da importanti vittorie di concorsi internazionali - certamente il più importante Concorso Chopin di Varsavia nel 2015- ha tutte le carte in regola per cimentarsi in ogni grande autore. Ha incominciato la serata proponendo la nota Wanderer Fantasia D 760 di Franz Schubert, eseguendola certamente bene, con approccio sicuro, da virtuoso e con precisione tecnica. A mio avviso, nella valida resa estetica, l'uso eccessivo del pedale ha parzialmente omoegenizzato i contrasti sottili dei diversi piani sonori per un risultato non risolto completamente nelle dinamiche. Di più efficace resa i brani presentati di Claude Debussy: le tre Images dal Libro I e dei Preludes (libro I) il n.3, il n.8, il n.6 e il n. 7. Esecuzioni con frangenti di indubbio valore interpretativo. Originale e timbricamente molto contrastato, in un contesto tecnico superlativo, i celebri Quadri di un'esposizione di Modest Musorgskij. Due i bis concessi con brani dall'Op 118 di J. Brahms: la Romance in fa magg. op.118 n.5 e l'Intermezzo in la maggiore op.118 n.2. Applausi scroscianti e numerose salite sul palcoscenico. Da ricordare e riascoltare!

22 maggio 2019 Cesare Guzzardella

Prossimi concerti a Novara

Al Conservatorio "Cantelli" di Novara (Auditorium f.lli Olivieri) sabato 1° giugno 2019 ore 17 si terrà un Concerto Straordinario in occasione della cerimonia di consegna delle Borse di Studio "Clotilde Galli". In programma musiche di Liebermann, Arutunian, Bach, Schnittke, Liszt, Busoni, Prokof'ev eseguite da Benedetta Ballardini e Sonia Candellone (flauto e pianoforte) Erika Patrucco e Roberta Menegotto (tromba e pianoforte) Davide Agamennone, violino, Cecilia Apostolo, pianoforte , Ilaria Torricelli e Francesca Leonardi (flauto e pianoforte). Alla sera alle 21.00 a Bellinzago presso la Chiesa di Sant'Anna, il Concerto Orchestra Junior del Conservatorio "Cantelli" con Gianni Biocotino, direttore . In programma musiche di Charpentier, Vivaldi, Haendel, Morricone, Schuloff

22 maggio 2019 dalla Redazione

Steven Isserlis per Serate Musicali in Conservatorio

È tornato ieri sera in Sala Verdi per i concerti di Serate Musicali il violoncellista Steven Isserlis accompagnato dall' eccellente fortepianista Robert Levin, specialista di questo strumento e presente sul palcoscenico con ancora il fortepiano a coda Johann Schantz realizzato a Vienna nel 1810 e appartenente alla collezione di Fernanda Giuliani. Il programma prevedeva la seconda parte dell'integrale di un "tutto Beethoven" con le 7 Variazioni su Bei Männer , welcher Liebe fühlen op. 46 dal Flauto magico di Mozart e tre Sonate per violoncello e pianoforte e precisamente l'op.5 n.2, l'Op.102 n.1 e l'102 n.2. Come scritto recensendo il concerto dello scorso anno "ascoltare Beethoven con il fortepiano è un' esperienza interessante ed entusiasmante per quel sapore di antico che traspare dalle timbriche non voluminose ma nette e precise della tastiera che nel duo con violoncello esaltano maggiormente lo strumento ad arco pur mantenendo una specificità della componente fortepianistica che specie nelle sonate beethoveniane risulta essere determinante". Isserlis con il suo Stradivari del 1726 e Levin, con il raffinato fortepiano, hanno rivelato eccellenti qualità che raramente si ascoltano in questo particolare duo. Le modalità interpretative, con l'aspetto gestuale "improvvisatorio" di Isserlis e la perfetta tecnica di Levin, fanno trapelare una musicalità di altissimo livello estetico che emerge ancor più nei momenti di grande melodicità beethoveniana. La perfezione nell'integrarsi sui differenti piani sonori - pur nelle specificità delle timbriche- ha segnato in modo indelebile queste ottime interpretazioni. Fragorosi gli applausi tributati al termine ai due grandi interpreti e al termine del programma ufficiale ancora il luminoso bis eseguito nel novembre dello scorso anno con Ich ruf' su Dir, Herr Jesu Christ, BWV 639 di J.S.Bach. Da ricordare. Bravissimi!

21 maggio 2019 Cesare Guzzardella

Prossimamente Laura Marzadori e Olaf Laneri a Villa Litta

E' denominato “Sonate nel tempo, tempi di Sonate” il concerto che avrà luogo nella milanese Villa Litta di via Affori 21. La violinista scaligera Laura Marzadori ed il pianista Olaf Laneri terranno infatti un concerto il 27 maggio alle ore 20.45 con musiche di Beethoven, Grieg, Brahms e Messina. Il Concerto spazia dalla classica e celebre "Sonata a Kreutzer", culmine delle Sonate per violino e pianoforte di Beethoven, ai ritmi e alle melodie popolari norvegesi di Grieg, per rivolgersi poi a due tempi di Sonate: il celeberrimo Scherzo della triplice Sonata FAE, di Brahms, e un Tempo di Sonata di Gianfranco Messina, tecnicamente sperimentale ma basato su sequenze armoniche di Debussy. Laura Marzadori giovane trentenne Violino di Spalla dell'orchestra del Teatro alla Scala, riesce anche a tenere numerosi concerti in formazioni cameristiche eseguendo spesso brani di autori contemporanei come quello del promettente giovane compositore trentenne Gianfranco Messina, allievo, tra gli altri, dell'affermato Fabio Vacchi. Da non perdere.

20 maggio 2019 dalla redazione

Il Cuarteto Casals per la Società del Quartetto

Ieri sera il Cuarteto Casals ha continuato la serie dei concerti dedicati a Beethoven e a Bartók in Conservatorio interpretando prima il Quartetto n.1 op.7 SZ 40 dell'ungherese e poi il Quartetto n.14 op.131 del genio di Bonn. Per la terza volta ospiti della Società del Quartetto, la prestigiosa formazione formata da Vera Martinez Mehner al violino, Abel Tomàs al violino, Jobathan Brown alla viola e Arnau Tomàs al violoncello, hanno mostrato talento con esecuzioni di mirabile fattura. Il quartetto bartókiano composto quando l'autore aveva solo 26 anni nel 1907 è già decisamente evoluto e rappresenta un netto superamento della visione tardo romantica ancora presente in molti compositori contemporanei all'ungherese. Lo splendido equilibrio timbrico ottenuto dai quattro cameristi ha evidenziato una perfetta padronanza delle dinamiche rese benissimo anche nei volumi quasi impercettibili nei momenti più profondi. Il magnifico impasto timbrico degli interpreti ha rivelato una qualità esecutiva omogenea e di alto livello per ogni esecutore. Passando, nella seconda parte della serata, al Quartetto in do diesis minore di Beethoven, terz'ultimo del compositore, abbiamo riscontrato medesime qualità interpretative in tutti quattro i movimenti che compongono il celebre lavoro. Con maestria e sicurezza tecnica superlativa, i quattro hanno evidenziato ogni frangente della composizione eseguendo i movimenti senza soluzione di continuità. Applausi fragorosi al termine e splendido il bis concesso con un movimento da un quartetto di Mendelssohn. Da ricordare.

15 maggio 2019 Cesare Guzzardella

Carlo Levi Minzi per il Concerto n.2 di Brahms alle Serate Musicali

Dopo il valido concerto dell'11 marzo scorso è tornato sul palcoscenico di Sala Verdi il pianista Carlo Levi Minzi ancora diretto da Giorgio Rodolfi Marini ma questa volta con l'Orchestra del Teatro Carlo Coccia di Novara. Anche ieri sera per Serate Musicali ho potuto ascoltare solo la prima parte dell'impaginato che prevedeva il Concerto n.2 op.83 di Brahms. Devo in parte ripetere le impressioni avute con il Concerto brahmsiano n.1 del mese di marzo. "L'interpretazione particolare di Levi Minzi, affermato pianista e noto didatta milanese, ha trovato un andamento rilassato, con movimenti in cui la struttura melodico-armonica è definita in modo analitico con dettagli particolareggiati. Punto di forza nell'inusuale interpretazione di Levi Minzi è la chiarezza coloristica attenta e precisa, con frangenti di eccellente risalto estetico" . Chiaramente il volere intraprendere questa andatura analitica è oramai una scelta sicura di Levi Minzi e Marini per raggiungere obiettivi chiari, forse non apprezzabili da tutti, ma certamente coerenti e piacevoli per la chiarezza espressiva di molti frangenti. Anche il bis concesso da Levi Minzi con un Intermezzo brahmsiano ha raggiunto una vetta di ampia riflessione musicale. Nella seconda parte della serata la celebre Sinfonia dal Nuovo Mondo di Dvorak, a detta di amici, eseguita molto bene da un orchestra che certamente gode da parecchio tempo di ottimo prestigio.

14 maggio 2019 Cesare Guzzardella

Esiste un punto d'incontro naturale tra generi musicali apparentemente differenti quale il jazz e la musica classica. Alla fine degli anni 50' si definiva con Third Stream un modo per descrivere un genere musicale che era una sintesi fra la musica classica, precisa nella trascrizione in partitura, e il jazz, stile che ha nell'improvvisazione l'elemento più evidente. Nacquero allora formazioni jazz dalle timbriche classiche come il celebre Modern Jazz Quartet, che cercavano di unire modalità espressive nate in modi differenti per prodotti artistici che trovassero un nuovo e più allargato pubblico. Musicisti soprattutto classici come Gulda o jazz come Loussier, Gaslini, Corea, Jarrett, Cicero, Camilo, Caine, solo per citare i più noti, si dedicarono anche ad entrambi i generi e incontrarono spesso il classicismo del sommo J.S.Bach. Non dimentichiamo in passato le incursioni jazz di musicisti quali Stravinskij, Shostakovič o Ravel. In Italia, tra i più apprezzati pianisti di successo che cercano e trovano con valida sintesi una soluzione tra i due mondi musicali abbiamo Enrico Piranunzi: ottimo interprete classico ed eccellente jazzista. Questa mattina al Dal Verme, insieme all'orchestra de "I Pomeriggi" e al direttore, arrangiatore e compositore Paolo Silvestri, abbiamo ascoltato per la serie "I Matinée" un riuscito esempio di sovrapposizone di generi per un linguaggio unitario. Domenico Scarlatti, J.S. Bach, Ennio Morricone, Enrico Pieranunzi e Paolo Conte, sono i compositori trasformati dal pianista e dal direttore Silvestri - eccellente arrangiatore - per risultati a volte apprezzabili, a volte eccellenti. Ha iniziato da solo Pieranunzi con alcune Sonate di Domenico Scarlatti ( K9, K239, K206, K260) trasformate in corso d'opera in brani tra il classico e il jazz, con parti improvvisate, ritmate, accentuate ecc. per un risultato certamente di qualità. Entrando in scena l'ottima Orchestra de I Pomeriggi siamo passati ad una trascrizione-rielaborazione di Silvestri - con cadenze improvvisate di Pieranunzi- del Concerto n.5 in fa minore BWV 1056 di J.S.Bach. La fedeltà nella scrittura di alcune parti e la valida ri-orchestrazione, insieme all'ottima esecuzione di Pieranunzi, pianista dai colori morbidi e raffinati, hanno portato ad un nuovo Bach . Bellissimo il Largo centrale anche per le raffinate sonorità degli archi. Di valore l'orchestrazione operata da Silvestri anche nel brano successivo di Ennio Morricone tratto da Nuovo Cinema Paradiso. Gli impasti sonori tra le timbriche del pianoforte con i chiaro-scuri orchestrali mi sono sembrati di gran pregio. A seguire i due brani di Pieranunzi, Les amants e Una piccola chiave dorata, ancora arrangiati da Silvestri hanno trovato momenti certamente felici alternati ad altri meno convincenti nei quali gli impasti sonori tra pianoforte e orchestra sono risultati un po' disequilibrati con una prevalenza delle dinamiche orchestrali. Divertente il brano Azzurro di Paolo Conte trasformato in un ibrido jazz dalla coppia Sivestri- Pieranunzi. Ottimi i bis proposti da Pieranunzi. Per concludere: ottimo concerto che ha trovato momenti di felice riuscita artistica sia grazie alle indubbie qualità creative del raffinato pianista che dall'ottimo orchestratore-direttore. Bravissimi gli orchestrali! Da ricordare.

12 maggio 2019 Cesare Guzzardella

Presentata la Stagione 2019-2020 della Fondazione la Società dei Concerti

Non poteva andare meglio il concerto organizzato in occasione della presentazione della prossima Stagione della Società dei Concerti. La Presidente e Direttore artistico della nota organizzazione concertistica fondata da Antonio Mormone, Enrica Ciccarelli Mormone, ha introdotto la serata anticipando il programma della Stagione 2019-2020 che prevede la partecipazione di interpreti straordinari quali Kissin, Matsuev, Buchbinder, Wang, Volodos, Lewis, Accardo, Rana, Tifu ecc.,solo per citarne alcuni, ed introducendo quindi il concerto e i suoi giovani interpreti. Quattro artisti di cui tre validi strumentisti ed un compositore, hanno contribuito con la loro musica ha riempire di ottime sonorità la grande ed affollata Sala Verdi del Conservatorio milanese. Il pianista Antonino Fiumara, la violinista Emma Arizza e il saxofonista Jacopo Taddei, unitamente al compositore Vittorio Montalti che ha scritto un trio per l'occasione - tutti e quattro sono Artisti in Residence della società concertistica- hanno rivelato le loro qualità eseguendo numerosi brani. Fiumara ha introdotto la serata con una valida esecuzione della Polacca Fantasia op. 61 di Chopin, quindi con un cambio totale di registro siamo passati ad un brano per saxofono e pianoforte del giapponese Takashi Yoshimatsu denominato Fuzzy Bird Sonata , brano degli anni '50 che inizia ad avere una certa notorietà anche qui in Italia. Straordinaria l'interpretazione di Taddei in questo lavoro in tre parti che unisce stilemi occidentali a timbriche del migliore jazz. L'uso di ogni effettistica del sax contralto, quasi completamente scritta in partitura, è stata definita in modo efficace in tutta la voluminosa emissione dello strumento a fiato dall'eccellente ventitreenne musicista, coadiuvato dall'ottimo pianista che spesso unitamente al sax eseguiva parti solistiche all'unisono. Strepitosi gli applausi accordati al duo e ripetuti fragorosamente anche nel divertente e coinvolgente secondo brano di Jean Matitia denominato The Davil's Rag, un esempio di virtuosistico ragtime nel quale sia il sassofono che il pianoforte fanno cose strabilianti. Dopo il breve intervallo il violino della giovane Emma Arizza accompagnata da un impeccabile Fiumara ha introdotto il duo per violino e pianoforte di H. Wieniawski Variazioni su un tema originale op.15. Molto brava la violinista nel mettere in risalto ogni dettaglio virtuosistico con perfetta intonazione e giusto equilibrio. Salito sul palcoscenico, il compositore Montalti ha presentato il lavoro appositamente scritto per i tre interpreti ed intitolato The Image Maze: una sequenza di immagini timbriche, da quelle pregnanti intonate dal sax a quelle più tenui del violino, si sono succedute nel definire la sua valida composizione. Passando ad Astor Piazzolla con due noti lavori quali Primavera Portena e Otono Porteno nella trascrizione per sax, violino e pianoforte, siamo tornati a quelle immediate coloristiche che caratterizzano la sconfinata produzione del noto compositore argentino. Splendide le parti solistiche del sax ma anche i colori pregnanti e caldi del violino dell'Arizza. Applausi fragorosi ai protagonisti ed eccellenti i bis concessi e tra questi l'avvincente Humoresque di Antonin Dvorak e per finire il Tango pour Claude di Richard Galiano. Da ricordare.

RAFFINATI DIALOGHI TIMBRICI AL CONSERVATORIO "G.CANTELLI" DI NOVARA

Ogni volta di più apprezziamo le proposte musicali del Conservatorio di Novara, in particolare quelle dei concerti del Sabato pomeriggio: impaginati raffinati e intelligenti, musica spesso di raro ascolto, molto aperta al ‘900. Oggi, sabato 30/03, il programma era una vera chicca per melomani: sei composizioni che rappresentano il meglio (e quasi tutto) sia stato scritto per una formazione rarissima nella storia della musica, passata e recente: il duo viola-violoncello, rappresentato per l’occasione dai milanesi Maria (viola) e Matteo Ronchini (violoncello), entrambi con un corposo e significativo curriculum di esibizioni in Italia e all’estero e docenti dei rispettivi strumenti nei conservatori di Novara (lei) e di Milano (lui). Il concerto era inaugurato dal duo in do min. di Franz I. Danzi, compositore tedesco vissuto nell’età dell’oro della musica, tra Mozart e Beethoven. Il suo Duo, classicamente diviso in tre tempi, mostrava evidenti influenze mozartiane, nella dolce cantabilità del secondo tema dell’Allegro iniziale, ma anche robuste tracce del da lui ammiratissimo Beethoven, a cominciare dalla scelta della tonalità, oltre a certe particolari soluzioni armoniche e tensioni agogiche, proprie del Maestro di Bonn. Opera interessante, ovviamente di un minore, ma degna di essere ogni tanto riproposta nelle nostre sale da concerto. I due interpreti rivelano fin da questo primo brano la loro ottima capacità interpretativa, che punta giustamente sulla valorizzazione di tutte le potenzialità timbriche che il velluto della viola e il suono caldo e morbido del violoncello possono offrire. A questo va aggiunta, soprattutto a proposito di Maria Ronchini, una propensione alla cantabilità, che, ottimamente sostenuta da un violoncellista di eccellenti virtù nella gestione delle dinamiche e nella delicatezza e limpidezza del fraseggio, ha saputo affascinare un pubblico numeroso e concentrato (vogliamo dimenticare un cellulare lasciato ostinatamente acceso e ogni tanto squillante). Alle qualità interpretative sopra menzionate, la seconda composizione dell’impaginato, il duo del novecentesco americano Walter H. Piston, anch’esso in tre tempi, ha dato risalto alla notevole energia di suono che si sprigiona dagli archi del duo Ronchini. Composizione armonicamente improntata ad una tonalità allargata, lontana dai coevi sperimentalismi di un Ives o di un Varèse, presenta il meglio nel tempo centrale, un Andante sereno eseguito magnificamente, con delicatezza di suono e dinamiche e tempi perfetti, ma propone due tempi estremi di vorticosa energia sonora, espressa al meglio dai due interpreti, con una cavata robusta e brillante. Il terzo pezzo era il duo “Per due occhiali obbligati” WoO 32 di Beethoven: il titolo burlone si deve sia alla volontà parodistica di Beethoven, rivolta alla pratica barocca degli ‘strumenti obbligati’, sia alla forte miopia del compositore e del dedicatario dell’operina, il conte Zmeskall, entrambi costretti a inforcare gli occhiali quando suonavano…Non sintratta cero di una delle cose più significative di Beethoven, ma è una cosetta fresca e di scrittura abbastanza densa armonicamente, che il duo Ronchini ha interpretato con trasparente resa delle architetture sonore. Tutta novecentesca la seconda parte del concerto con Hindemith (Duett), vero trionfo del principio del Grundton caro al compositore tedesco, uno splendido Lutoslawsky (Bucolics, composizione lontana dalle avventure ‘seriali’ e ‘aleatorie’ del compositore polacco negli anni ’60-’70, e invece piuttosto legata ad un tonalismo appena screziato di dissonanze no risolte e soprattutto di lirica cantabilità)), e infine i bellissimi ventuno Duos di Bartòk -dai  44 duos per due violini-, rielaborazione, per una serie di brevi schegge musicali, di materiale folklorico dell’Europa centro-orientale, In realtà si tratta di una trascrizione per viola e violoncello di Peter Bartòk . Anche in queste non facili composizioni, ardue sotto il profilo della tecnica esecutiva per la rapidità dei tempi, i frequenti salti di ottave, gli armonici e quant’altro, il duo Ronchini ha espresso una capacità interpretativa davvero superba, salutata da un lungo e intenso applauso degli ascoltatori, ricompensato da due bis di brani già eseguiti in concerto: uno da Danzi, l’altro da Bartok.

30 marzo 2019 Bruno Busca

Ieri sera Kostantin Lifschitz è tornato in Sala Verdi nel nostro Conservatorio per un recital organizzato dalla Società dei Concerti. Era venuto per la prima volta a Milano per la medesima organizzazione concertistica nel lontano 1992, quando aveva solo quindici anni. Non avevo mai ascoltato live il pianista ucraino, classe 1976, mancando dalla nostra città da parecchio tempo. Mi è piaciuto assai! Nell'impaginato vario ed intelligente siamo passati da un'antologica di Bach con molti Preludi, Fantasie e spesso relativa Fughe- ben dieci brani complessivi!-, ad un raro ed autorevole Janáček con il Secondo libro di Sul sentiero di rovi, a Beethoven con la Sonata n.7 in re magg. op.10 n.3. Sono rimasto stupito dalla capacità di adattamento di Lifschitz ai diversi autori. Il suo Bach, corposo, incisivo e ben scandito, spesso col pedale ridotto al minimo, è senza dubbio coerente nella sua idea di rappresentazione essenziale ed austera. Un Bach personale ricavato da una cernita di brani più o meno celebri, terminati con una Fantasia e Fuga in re minore BWV 903 di raffinata bellezza. Con Janáček e i cinque movimenti che compongono il secondo libro di Po zarostlém chodničku, abbiamo trovato un interprete ricco di volumetrie che si esprime con dinamiche varie e timbriche dettagliate. Un lavoro suggestivo e profondo. Di grande impatto sonoro il suo Beethoven. Il Presto iniziale particolarmente sostenuto nell'andamento era dettagliato e luminoso. Il contrasto con il Largo e mesto del secondo movimento è stato sconvolgente, e notevole la profondità di pensiero espressa con ricche e riflessive pausa nella discorsività dilatata. I due movimenti finali Minuetto e Rondò sono stati affrontati con leggerezza discorsiva eccellente. Un equilibrio complessivo di elevato valore musicale per un pianista di alto livello. Tre i bis concessi con ancora un breve Preludio di Bach, Tango di Stravinskij e il Capriccio in si minore op.76 di Brahms. Da ricordare a lungo!

Capita raramente di assistere ad un concerto pianistico trovando un impaginato vario ma nello stesso tempo unitario come quello ascoltato ieri in Conservatorio. Alexander Lonquich ha infatti costruito un programma -nella prima parte del corposo recital- formato da ben 18 brani, alcuni molto brevi ed altri meno, di ben quindici differenti compositori. Un'attenta ricerca musicale di brani meno conosciuti entrano nel suo repertorio a dimostrazione dell' enorme varietà compositiva esistente e del bisogno di novità. La scelta e lo studio della successione dei brani deve avere impegnato molto l'interprete. Rarità assolute come l'Adagetto.Hommage a Bizet di T.W. Adorno, Erinnerung di A. Bruckner, Tango e Stehende Musik di Stefan Wolpe, Malostransky Palác e L'anello d'oro di Janáček, Humoresque di M. Reger erano mescolati insieme a brani di musicisti sommi come Beethoven con il raro suo Praeludium in fa minore o Schumann con il Präeludium o il più noto Albumblatt. A questi si aggiungono brani un po' più frequentati come Circus Polka e Studio op.7 n.4 di Stravinskij, Corcovado di D. Milhaud, Abschied von meinem Silbermannischen Claviere in einem Rondo di C.P.E.Bach, Valse op.72 n.16 di Čaikovskij, un Preludio di Rachmaninov (op.23 n.7), uno Studio di Skrjabin (op.42 n.5) e Suono di campane di E. Grieg. L'interpretazione precisa, profonda, raffinata e spesso molto virtuosistica di Lonquich è emersa in uno stile unitario se pur adattato alle differenti situazioni con frangenti di alta espressività uniti ad altri dove la dinamicità in esecuzioni rapide e fortemente incisive mettevano in risalto la sua tecnica esuberante, ma sempre molto controllata. Due secoli di musica messi al setaccio a dimostrazione della varietà compositiva di autori uniti da valori artistici diversi, profondi e senza tempo. Siamo rimasti sbalorditi per le splendide esecuzione dei due brani stravinskijani, per la luminosità dei brani di Bruckner, Grieg e del filosofo Adorno e anche di Janáček e per la funzionale e travolgente percussività del misconosciuto Stefan Wolpe. Dopo il breve intervallo un'ottima esecuzione delle beethoveniane Variazioni in do minore su un tema di Diabelli ha ancora rivelato il valore di un pianista di primo livello che cerca la perfezione mediando con la ragione e con la tecnica ogni elemento sonoro. Personale e ricercato il bis concesso con l'Improvviso n.2 di Chopin. Grande successo di pubblico alla presenza anche di importanti musicisti, interpreti ed amici. Numerose le uscite in palcoscenico del superlativo Lonquich.

Milano in questi ultimi decenni è stata sede di importanti concorsi o premi internazionali pianistici. Tra questi quelli dedicati a Dino Ciani e Umberto Micheli hanno segnato maggiormente il bisogno di ricerca di nuovi talenti del pianoforte. Dopo alcuni anni di pausa sta per nascere un nuovo importante premio internazionale pianistico, quello dedicato ad un personaggio di spicco nell'organizzazione concertistica milanese, mancato alcuni anni orsono, quale Antonio Mormone. Questa mattina infatti, a Palazzo Marino, in Sala Alessi, su iniziativa della pianista e presidente della Fondazione La Società dei Concerti, Enrica Ciccarelli Mormone e alla presenza anche del Sindaco di Milano Giuseppe Sala, dell'Assessore alla cultura Filippo del Corno, del pianista e direttore d'orchestra Matthieu Mantanus, del Sovrintendente alla Scala Alexander Pereira, è stato presentato il Premio Internazionale Antonio Mormone. Come ha esposto Enrica Ciccarelli di fronte al numeroso pubblico intervenuto, il Premio attraverserà una prima fase di selezione dove una prima giuria selezionerà dieci tra i presumibili numerosi pianisti partecipanti. Una seconda giuria, diversa e più numerosa, valuterà i dieci candidati ascoltandoli in performence pubbliche che avverranno in più luoghi e sale da concerto della città. Dopo la seconda fase di selezione rimarranno solo tre solisti, che dopo le esibizioni del 2 e 3 luglio 2020, tenute nella Sala Verdi del Conservatorio, verranno ascoltati e valutati dalla giuria finale presieduta dal celebre pianista russo Evgeny Kissin e da altri importanti musicisti quali Bruno Canino, Alexei Volodin, Olga Kern, Paul Lewis, Menahem Pressler, Ivan Fedele, solo per citarne alcuni. I tre finalisti parteciperanno poi alla serata conclusiva del 5 luglio al Teatro alla Scala. I premi saranno in denaro, in ingaggi per concerti in Italia e all'estero e una produzione discografica importante. Come ricordato dal sovraintendente alla Scala Pereira, alla serata finale i pianisti saranno accompagnati dall'Orchestra dell'Accademia della Scala diretta da un celebre direttore. Tra gli interventi anche quello del Maestro Bruno Canino, membro della giuria finale, e della direttrice del Conservatorio milanese Cristina Frosini. Da seguire con attenzione anche attraverso il sito www.antoniomormone.org

4 marzo 2019 Cesare Guzzardella

I prossimi due concerti al “Cantelli” di Novara

Venerdì 8 marzo (La chitarra) e sabato 9 marzo (I concerti del sabato) si terranno all'Auditorium Fratelli Olivieri alle ore 21.00 i concerti con Leonardo De Marchi, chitarra e chitarra decacorde e per La stagione dei Concerti del Cantelli 2018/2019 sabato alle ore 17.00 musiche di Mozart,Beethoven e Debussy con Alberto Miodini, pianoforte e Ivan Rabaglia, violino. Da non perdere.

3 marzo dalla redazione

Tre allievi del “Cantelli” di Novara vincitori di un prestigioso concorso internazionale

Non è certo la prima volta che accade: da decenni infatti svariati allievi del Conservatorio "G. Cantelli" di Novara si sono affermati in rilevanti e prestigiosi concorsi internazionali (pressoché in tutte le discipline previste dagli ordinamenti). Ora è la volta di ben tre chitarristi premiati in occasione del III Concorso di chitarra “Gaetano Marziali” indetto dall'Accademia musicale Marziali di Seveso (MB) e svoltosi lo scorso 23 febbraio 2019, un vero e proprio en plein, una vistosa tripletta come si direbbe in ambito sportivo ( e si sa che suonare uono strumento è anche una disciplina atletica) che inorgoglisce il Conservatorio stesso ed il suo corpo docente.Nella Categoria H dai 22 ai 25 anni (ovvero la massima categoria) ecco i risultati conseguiti dai 'nostri' tre allievi (appartenenti alle due cattedre di chitarra del Cantelli): Primo premio: FABIO BUSSOLA (triennio seconda annualità) Secondo premio MARCO CALZADUCCA (biennio prima annualità).Terzo premio: MARGHERITA CHIESA (biennio seconda annualità).

3 marzo dalla redazione

Tutto incentrato sul ‘900 “storico” l’impaginato proposto dall’odierno concerto pomeridiano del Conservatorio di Novara, in una stagione che vede ormai il ‘tutto esaurito’ della Sala Olivieri come regola, segno di un diffuso e crescente consenso di pubblico intorno ad una istituzione fondamentale della vita musicale della città. Come di consuetudine, il concerto era diviso in due parti nettamente distinte: la prima vedeva l’esecuzione della Sonata per violino e violoncello in la minore M.73 di M. Ravel, affidata ad un duo russo formato dalle due giovani sorelle Alfja e Alja Bakjeva. La seconda parte era interamente dedicata ad un quintetto di fiati, formato, crediamo (non è stato distribuito un programma di sala con notizie biografiche sugli esecutori e in giro per il web non c’è molto sul loro conto) da giovani promesse del Conservatorio novarese. Non ce ne vogliano i giovani, bravissimi del quintetto, ma il ‘pezzo forte’ del pomeriggio è stata senz’altro la Sonata di Ravel, tra le composizioni più singolari del grande compositore francese, ricca com’è di dissonanze, dovute soprattutto a bitonalità dei due strumenti, a settime maggiori con risoluzione armonica alla Webern, a modalismi che talora sconfinavano nell’atonalità. Il tutto espresso in un linguaggio asciutto, essenziale, che in certi momenti poteva persino richiamare alla mente certo Satie. Le due giovani interpreti russe hanno dato di questo complesso gioiello raveliano un’esecuzione davvero avvincente, a cominciare dalla scelta di un suono scabro, metallico, acidulo sugli acuti, con sfruttamento eccellente delle dinamiche, sbalzate con incisivo vigore chiaroscurale da entrambi gli archi, ma, saggiamente, con una voce più energica del violino e una più sommessa del violoncello: è infatti il violino a dominare gran parte di questa partitura, permettendo ad Alfja Bakjeva di mettere in mostra un possesso tecnico dello strumento di tutto rispetto: la sua parte, ricca di salti di ottava, di armonici, di strappate e accelerazioni improvvise era tutt’altro che semplice, ma Alfja se l’è cavata con una agilità di diteggiatura e una precisione di fraseggio degne di ammirazione. Ottima esecuzione, dunque ed entusiastica ovazione del pubblico, strameritata, per le due sorelle della lontana Novosibirsk. Il quintetto di fiati, con Ilaria Torricelli al flauto/ottavino, Kingsley Mandrino all’oboe, Gabriele Mercandelli clarinetto, Tommaso Ruspa corno e Marco Frigerio fagotto, esordiva con la celebre Kleine Kammermusik op. 24 di P. Hindemith, che coincidenza vuole composta nello stesso anno, il 1922, della sonata di Ravel. Nello stile tipico del maturo Hindemith, permette ai cinque fiati di dare voce ad una vasta gamma di soluzioni musicali assai varie, da certa grazia settecentesca a sonorità tardoromantiche, in stimolante contrasto con l’evidente influenza di Stravinsky e, soprattutto nel ‘Vivacissimo’ finale, col singhiozzante sincopato del jazz. Bravissimi i cinque che hanno mostrato un’intesa e un affiatamento di matura professionalità, a dare voce ai diversi registri espressivi della composizione, fornendone un’interpretazione degna di encomio. Una bravura confermata nei due successivi e ultimi pezzi in programma, i Trois pièces brèves di Ibert, dalle geometrie limpide d’impianto tonale e il meno interessante Divertimento op.51 di Willy Hess, incline a certi affettuosi toni bucolici, anch’esso agganciato ferreamente al sistema tonale. Un altro bel concerto di cui essere grati al Conservatorio di Novara, in continua crescita di qualità e intelligente fervore di attività.

2 marzo 2019 Bruno Busca

Sabato 9 marzo 2019 alle ore 21 presso la Basilica di Sant'Andrea di Vercelli la Camerata Ducale Junior e Sonig Tchakerian, maestro concertatore con Leonardo Taio, viola solista terranno un concerto ad Ingresso libero. Da non perdere

2 marzo dalla redazione

La Quinta di Mahler per Chailly con due altre novità alla Scala

 FEBBRAIO 2019

La giovane pianista Ludovica De Bernardo al Conservatorio Cantelli di Novara

Oggi, sabato 23 febbraio, abbiamo finalmente ascoltato dal vivo nella sala Olivieri del Conservatorio G. Cantelli di Novara,una giovane pianista napoletana, ma con studi al Bonporti di Trento, di cui si comincia a dire un gran bene, in particolare da quando ha vinto il Concorso internazionale Martucci, proprio qui a Novara: stiamo parlando di Ludovica De Bernardo, che, nella seconda parte del concerto, si è esibita nella Toccata in Sol Maggiore BWV 916 di J.S. Bach e nella Sonata per pianoforte n. 2 in sol minore op. 22 di R. Schumann. In effetti l’ascolto non ha smentito la fama: la De Bernardo è pianista di alta perizia tecnica e ormai maturo dominio della tastiera. Il suo suono unisce solida e lucida quadratura del fraseggio e morbidezza raffinata di tocco, di cui ha dato prova già nel primo tempo della sonata schumanniana, in cui ha ottimamente eseguito il vorticoso, febbrile So rasch wie moglich Iil più Presto possibile), non perdendosi una nota, con una energia che aveva del precipitoso (lo diciamo in senso positivo), ma ha anche dato il colore giusto ai due brevi momenti lirici del secondo tema, suonato con una vibrazione patetica appena soffusa e delicatamente fraseggiata. Ma il movimento più difficile, non tanto dal punto di vista tecnico, quanto interpretativo è il secondo, l’Andantino, in cui il pianista è chiamato al miracolo di una sintesi tra due opposti: la densità della strumentazione e la trasparenza del disegno melodico. Anche da questo banco di prova , la brava pianista napoletana esce in modo convincente, forse con tempi un po’ troppo veloci, ma con buon controllo delle dinamiche e degli snodi armonici della partitura. Della Toccata bachiana, che aveva preceduto il capolavoro schumanniano , la De Bernardo ci è piaciuta soprattutto nella fuga finale, meno nell’aggraziato Adagio centrale , la cui delicatezza in stile prettamente italiano ci è parsa un po’ oscurata dalla austera quadratura del fraseggio. Comunque siamo di fronte a una pianista che ha tutti numeri per raggiungere i più prestigiosi traguardi: glielo auguriamo di cuore. La prima parte del concerto vedeva protagonisti due promettenti virgulti del Conservatorio di Novara, il flautista Tommaso Carzaniga e in funzione di accompagnatrice la pianista Cecilia Apostolo, un altro bel frutto di quella fucina di talentuosi giovani che è la classe di Luca Schieppati, che abbiamo riconosciuto tra i presenti al concerto. Il pezzo più significativo dei tre proposti in questa parte del concerto era senz’altro la Sonata per Flauto e pianoforte di Ervin Schuloff, il più famoso tra i numerosi compositori di origine ebraica che caddero vittima della follia nazista: composta nel 1927, si caratterizza per uno stile che, non disdegnando la politonalità, mescola spunti jazzistici e di musica popolare: pezzo delizioso, che ha i suoi vertici nel secondo movimento, uno Scherzo dal ritmo simpaticamente sghembo, col pianoforte che sembra rincorrere, senza mai raggiungerlo, il flauto, e l’Adagio, un’aria che sembra evocare, con struggente malinconia un so che di remoto e misterioso. Un bravo deciso ai due interpreti: Carzaniga è flautista dotato, di ottima tecnica nella gestione del fiato, dal suono di bel colore, delicato e morbido. Ottima partner alla tastiera la Apostolo, che nel primo tempo ha un ruolo di quasi protagonista, con una sorta di moto perpetuo pianistico, eseguito con bel suono, sgranato da un tocco sempre preciso ed energico. Meno significativi, dal punto di vista estetico e storico-musicale, s’intende, non certo da quello ‘tecnico, gli altri due pezzi proposti: la Fantasia per flauto e pianoforte del compositore francese del primo ‘900 G. Hue, un libero alternarsi di passi di un melodismo tardo romantico e altri di più spigliato e scherzoso brio, e i Tre pezzi per flauto solo di un altro francese P. O. Ferroud , contemporaneo di Hue, anche lui legato a soluzioni riconducibili ad un linguaggio tardo ottocentesco. Un bel concerto, quello proposto dal Cantelli, che si conferma sempre più punto di riferimento importante per la Novara dei musicofili e, soprattutto, ottima scuola nella preparazione dei giovani desiderosi di percorrere quella che oggi è la strada assai impervia di una carriera musicale.

23 febbraio 2019 Bruno Busca

“Qui tocca anche a noi poveri la nostra parte di ricchezza”. Questo verso di Montale ci tornava alla mente uscendo ieri sera, 22/02 dal Teatro Civico di Vercelli, dopo aver ascoltato il concerto del pianista Filippo Gamba, impegnato da un paio di stagioni a eseguire quel monumento ‘aere perennius’ della musica di ogni tempo che sono le trentadue sonate per pianoforte di Beethoven. A noi “poveri” abitanti fra le risaie e i campi tra Vercelli e Novara, per ascoltare buona musica non è sempre necessario andare a Milano o Torino: il “qui” montaliano è per noi non la costa delle Cinque terre, ma Vercelli, da dove s’irradia, tra gennaio e maggio, due volte al mese, la luce di una musica di qualità, spesso altissima, proposta con intelligente programmazione, e scelte raffinate dal Festival Viotti, organizzato dalla Camerata Ducale di Guido. Rimonda e Cristina Canziani. Ieri era il turno della serata cameristica, con protagonista, appunto, il pianista veronese Filippo Gamba, giunto, se non facciamo male i conti, al suo terzo appuntamento con l’integrale delle sonate beethoveniane. Per l’occasione l’impaginato prevedeva un trittico di composizioni che si pongono al vertice del c.d. ‘secondo stile’ del grande di Bonn, tra 1803 e 1805: due celeberrime, la Waldstein-Aurora op.53 in Do maggiore e l?Appassionata op.57 in fa minore. La terza, l’op.54 in Fa maggiore è un gioiello che, stilisticamente lontano, almeno in apparenza, dalle due precedenti, decisamente ‘strana’, nella struttura, non gode della popolarità delle due sorelle maggiori, per quanto, ci assicura il come sempre impeccabile programma di sala a firma di Attilio Piovano, amata da grandi interpreti come Cortot. Intelligentemente, alterando l’ordine cronologico di composizione e la serie dei numeri d’opus, Gamba ha eseguito per prima la sonata op. 54, proprio, pensiamo, a sottolinearne l’enigmatica estraneità al clima musicale che domina le altre due composizioni. Di breve durata, in soli due tempi, si apre. del tutto inusualmente con un Minuetto di incomparabile grazia rococò e si chiude con un ‘moto perpetuum’ di impianto toccatistico. Particolarmente singolare è il Trio del minuetto, una specie di canone su ottave e seste, che giustamente Rattalino definisce ironico, quasi una parodia di un esercizio per lo studio del pianoforte. Ora, come interpretare questa composizione? Nella breve intervista concessa ad Attilio Piovano prima di sedersi al pianoforte, Gamba definisce questa sonata una sorta di sintesi tra l’op. 53 e l’op 57. Il suo tocco, asciutto e distillato con pensoso rigore, disegna l’amabile grazia del Minuetto con limpidezza, ‘asciugando’ l’ornamentazione, alla Carl Philipp Emanuel Bach, cioè l’essenza del rococò, con cui si ripropone il minuetto ad ogni sua ripetizione. Il secondo tempo, come ci ricorda Rosen, reca sulla partitura l’indicazione “dolce” per entrambe le mani: Gamba privilegia piuttosto una lettura di questo tempo come una sorta di anticipazione sperimentale del terzo tempo dell’op.57, pertanto l’espressività sentimentale richiesta dall’autore si avverte poco e ne risulta un pezzo un po’ algido. . In compenso, la precisione e lucidità di tocco dell’interprete puntano molto e con sicura efficacia sui contrasti dinamici e tematici che innervano sottilmente questo singolare tempo, soprattutto nello sviluppo, ricco di cromatismi dei due primi temi. Noi, come donna Prassede, siamo affezionati alle nostre idee e ci piace vedere in quest’op 54 una sorta di addio, un po’ affettuoso, un po’ ironico, di Beethoven a un mondo musicale. Quello del’700 rococò, da cui la sua musica si era congedata per sempre, aprendo strade rivoluzionarie. Gamba, e i più sono con lui, vede piuttosto in quest’opera una linea di continuità sperimentale con i capolavori del secondo stile e ne ha offerto un’interpretazione perfettamente coerente, cui non possiamo che inchinarci. Decisamente bella l’esecuzione della Waldstein, non solo per la perfezione con cui Gamba cesella le note anche nelle zone di più impervia scrittura virtuosistica, ma soprattutto per il suono che riesce a ottenere con un uso raffinato del pedale di risonanza, che forse mai prima Beethoven aveva scandagliato così a fondo nelle sue risorse timbriche.: la misteriosa sonorità dell’Adagio che introduce il Rondò finale, ,l’”impressionismo” ante litteram di alcune battute dello stesso rondò, soprattutto il meraviglioso finale, come un suono remoto di campane nella nebbia, sono state tra le cose più belle che Gamba abbia donato ieri sera al suo pubblico. Il suono asciutto fino all’austerità, proprio di Gamba, lo mette poi nelle condizioni ideali per interpretare al meglio l’attacco dell’Appassionata, che sotto le dita del pianista veronese si sente eseguito come sempre dovrebbe: una sonorità che si affaccia dal silenzio con discrezione, con un timbro quasi secco, insomma un pianissimo che deve rasentare i limiti della sobrietà assoluta e rendere ancora più sorprendente e tragico l’esplodere del seguente fortissimo. In generale, Gamba propone un’Appassionata in cui l’indubbia difficoltà tecnica non si fa mai gratuita esibizione virtuosistica, ma è al servizio della violenta passione che pervade questo capolavoro. Se poi vogliamo indicare i dettagli che più ci hanno colpito in questa esecuzione, per bellezza e finezza interpretativa, segnaleremmo il finale dell’Assai Allegro (Primo Tempo) con un calibratissimo gioco di dinamiche della mano sinistra sull’ottava bassa dal fortissimo al diminuendo, accompagnato da tocchi di pedale che lasciavano vibrare stupendamente il basso; e la prima variazione dell’Adagio centrale, ove la mano sinistra sul grave si scioglie in un cantabile delicatissimo, dal perfetto legato, mentre la destra suona note staccate, creando un contrasto che rapisce i sensi. Trascinato dagli applausi del numeroso pubblico presente, Gamba ha concesso un bis: un Notturno di Chopin in Si maggiore, eseguito con la consueta asciutta sobrietà, senza alcuna concessione a superficiali patetismi, di cui è troppo spesso vittima il poeta polacco del pianoforte.

Per la prima volta a Milano in Sala Verdi ma già recente interprete al Teatro alla Scala diretto da Gergiev, il pianista russo Alexander Malofeev, non ancora diciottenne, ha impaginato un concerto incredibilmente virtuosistico che in genere può essere frequentato da pianisti con molta esperienza alle spalle, cosa che a quell'età è raramente possibile. Ma il coraggio dell'interprete, unitamente alla sua fisicità di ragazzo, alto, robusto e con grandi e forti mani, hanno permesso d'affrontare prima un Beethoven maturo come quello della Sonata op.57 "Appassionata", poi un Ravel estremo come quello di Gaspar de la nuit, e, dopo il breve intervallo, un difficile Rachmaninov con la Sonata n.2 op.36 , un Čaikovskij con Dumka op.59 ed infine, di ancor maggiore virtuosismo e ridondanza, la Sonata n.7 Op.83 di Sergej Prokof'ev. Insomma, un programma dei Richter o Gilels in età matura. Siamo certamente rimasti meravigliati della disinvoltura di Alexander nel padroneggiare la tastiera senza un attimo di tentennamento. La forza che ha conferito al primo movimento dell'Appassionata, ha da subito rilevato la sorprendente cifra stilistica di un pianista con idee chiare, idee che hanno bisogno certamente di riflessione e maturazione, ma che nascondono ancora potenziali elevati. Più che Beethoven, ben articolato e chiaro nelle timbriche, che in Ravel, ricco di energia ed equilibrio nelle parti ma mancante forse di una più gentile sintesi discorsiva, ci sono piaciuti i russi: dal complesso Rachmaninov della Sonata n.2, passando per Dumka di Čaikovskij fino ad un musicista a mio avviso più congeniale a Malofeev quale Prokof'ev, e quale Prokof'ev!... quello dello stravolgente Precipitato finale affrontato dal giovane biondo con maestria e potenza . È facile intravedere come l'enorme apporto tecnico del pianista sia elemento determinante e strutturale delle sue esecuzioni. I meno volumetrici movimenti centrali delle Sonate, a cominciare dall'Andante con moto dell' Op.57 di Beethoven fino all'Andante caloroso dell' Op.83 di Prokov'ev abbisognano, a mio avviso, di maggiore maturazione in ambito riflessivo. Lo splendore dei bis concessi, quattro per oltre venti minuti di musica in più, di cui i primi tre  interiori e riflessivi, smentisce in parte quanto detto: sono stati eseguiti ottimamente, calibrando i pesi delle semplici note nei diversi piani in modo mirabile. Sia in Ottobre che in Novembre da Le stagioni op.37 di Čaikovskij ma anche nello strepitoso Andante maestoso dallo Schiaccianoci - bellissima la trascrizione di Pletnev- Malofeev ci ha convinto. Poi, nella percussiva celebre Toccata di Prokof'ev, eseguita come ultimo brano, ci ha fatto venir voglia di vederlo presto di nuovo sul palcoscenico. Applausi fragorosi ed abbondanti da un pubblico entusiasta. Da ricordare.