E’ stato questo, crediamo, un anno tra i più difficili della più che secolare storia del Teatro Coccia di Novara, tra debiti che sembrano diventare una voragine incolmabile, convulse e tragicomiche vicende del Consiglio di amministrazione, infine sciolto d’imperio, e sostituito, ma con scadenza del nuovo Consiglio al 26 di questo mese (poi nessuno è in grado di dire cosa accadrà: forse il commissariamento), strane e mai spiegate dimissioni della Direttrice della Fondazione e infine, finale mazzata di una sorte inclemente, l’imminente dichiarazione d’inagibilità, ai sensi delle norme UE sull’altezza delle balaustre dei palchi e della galleria con cui il Coccia rischia di vedere dimezzata per la prossima stagione la capienza di posti. Ebbene, nonostante queste traversie senza precedenti, il Coccia è riuscito a realizzare una delle sue stagioni più ricche degli ultimi anni per numero di opere in programma, e per qualità complessiva delle proposte. Chapeau allo staff che dirige la fragile navicella del teatro novarese, con la speranza che non si tratti di un canto del cigno, viste le dense nubi che avvolgono, con queste premesse, il futuro: confidiamo nella professionalità e nelle capacità di chi ha il delicato compito di garantire almeno una sopravvivenza dignitosa a un teatro che ha una sua non disprezzabile storia, per inaugurare la quale si mosse lo stesso Toscanini. Iniziata col Rigoletto, la stagione si chiude con la Traviata: il Coccia ha tenuto pienamente fede alla sua “mission” di ‘teatro di tradizione’, che però, crediamo, non impedirebbe di portare ogni tanto sul palcoscenico qualche titolo un po’ meno scontato, magari, osiamo fantasticare,, del ‘900, che per il teatro novarese finisce rigorosamente con Puccini…Ci spiace profondamente non poter celebrare la conclusione di questa stagione del Coccia con un elogio pieno e convinto di uno spettacolo prodotto dallo stesso teatro novarese: la Traviata vista ieri sera, Venerdì 3 maggio, nonostante il tripudiante successo di un pubblico straripante, ci è parsa uno spettacolo con molte ombre e poche luci. Anzitutto, la regia: affidata al novarese Renato Bonajuto, che tra l’altro nell’organigramma del Coccia ricopre il ruolo di segretario artistico/Casting Manager, riprendeva un allestimento già realizzato per il Goldoni di Livorno nel 2015. Con la scenografia di Sergio Seghettini (di per sé bella) e i bei costumi di Matteo Zambito, la scena della Traviata è collocata negli anni ’60 del ‘900, gli anni, viene spiegato nelle note di regia del programma di sala, della “liberazione sessuale”: non ci è ben chiaro che cosa abbia a che vedere la vicenda della Traviata con la liberazione sessuale del tardo ‘900 e più in generale come si possa immaginare una vicenda simile in quegli anni: giudichi da sé l’eventuale lettore. Ecco dunque che il primo atto si svolge in un ampio appartamento ammobiliato nello stile del tempo, con i cantanti ovviamente vestiti alla moda elegante di allora, il secondo atto si svolge su un bordo piscina, il terzo atto, nella prima parte, conduce lo spettatore ad un interno volgarotto, ove ha luogo un festino da felliniana “dolce vita” , con quasi-spogliarelli e altri numeri di contorno, con ampi pannelli pendenti dal soffitto vagamente allusivi, almeno così è parso a noi, alla pittura astratta anch’essa in piena affermazione a quell’epoca (in uno dei pannelli ci è sembrato di riconoscere una citazione di Capogrossi). La parte migliore dell’allestimento e della regia è senz’altro il finale dell’opera. Qui, venuto meno ogni riferimento più o meno realistico ad una determinata epoca, il palcoscenico è immerso nel buio più profondo, da cui affiora solo, illuminato da un efficace gioco di luci, il letto di morte su cui giace l’agonizzante Violetta, mentre le altre presenze (Annina, Grenvil, ovviamente Alfredo) si aggirano evanescenti nell’ombra, come fantasmi di un incubo o di un’allucinazione, accompagnati dalla musica fuoriscena del carnevale di Parigi. Ma non è tutto: perché la Parigi della vicenda non è Parigi, ma… Novara. Proprio così: tu senti i cantanti dire “Parigi”, ma nel primo e terzo atto vedi Novara: nel primo atto, la grande finestra del salotto si affaccia sul Teatro Coccia, alla fine, mentre Violetta muore, sullo sfondo tenebroso si staccano i profili architettonici ancora del Coccia e dei suoi immediati dintorni, , Piazza Martiri della libertà e il Castello (per i non novaresi: il cuore della città). Nell’originario allestimento livornese, ci siamo documentati, i riferimenti erano ovviamente alla città toscana. Perché questa scelta che sfiora il ridicolo? Ci spiega Bonajuto che si è trattato di “un omaggio al teatro, alle maestranze che ci lavorano etc etc.”. Ci auguriamo solo che questa balzana trovata di una scenografia come omaggio al teatro sede dello spettacolo resti un unicum, sennò in futuro ne vedremo delle belle…Ma la parte più discutibile della regia di Bonajuto è il finale: Violetta Valèry muore…e non muore. Bonajuto fa concludere il finale III sulle ultime parole di Violetta “Ah! Io ritorno a vivere!..Oh gioia” (per poi stramazzare a terra priva di vita) e taglia le ultime cinque battute, in cui si annuncia ufficialmente da parte del dottor Grenvil la morte della Traviata (“E’ Spenta”). Ancora una volta: perché? Cediamo la parola a Bonajuto stesso: “Alla fine il suo (ovviamente di Violetta) morire è un non morire: la vedremo tornare al Teatro Coccia, alla sua (?) città e quindi alla vita e all’arte, come in un gioco metateatrale dove tutto riparte da dove è iniziato, in maniera circolare”. Forse non riusciamo a capire, ma a noi queste sembrano parole in libertà allo stato puro, con la solita formuletta del metateatro che ricorre quando si è a corto di idee. Venendo alla parte musicale, anche i due protagonisti ci hanno suscitato più di una perplessità. Anzitutto Violetta: a interpretare la parte Klàra Kolonits, soprano ungherese che, a giudicare dalle note biografiche fornite dal programma di sala, cantava per la prima volta ieri sera fuori dei confini del suo Paese. Kolonits è presentata come un soprano lirico di coloratura e in effetti ha una bella voce calda e rotonda, un acuto energico, una buona morbidezza, non priva di sensualità nei registri più bassi dell’estensione, agilità nei salti di ottava. Quello che proprio non va nella Kolonits è il fraseggio nelle tessiture acute: qui, forse per problemi nel controllo del fiato, il fraseggio si fa incerto, prevale il puro volume sonoro a danno delle parole e dell’ espressione. Meno agilità sull’acuto le sono richieste, meglio canta: il suo momento migliore, dal punto di vista musicale, è stato il lungo duetto fatale con Germont padre nel secondo atto. Una dote possiede indubbiamente questo soprano ungherese: è un’ottima attrice: la scena della morte-non morte finale è stata interpretata superbamente. Alfredo, secondo il programma , doveva toccare a un giovane tenore peruviano di cui si dice un gran bene, già rodato da alcune delle migliori sale al mondo, a cominciare dalla Scala: Ivan Ayon Rivas. A conferma dell’annata no del Coccia , Ayon Rivas ha dato all’ultimo forfait ed è stato sostituito dal milanese Danilo Formaggia. Formaggia presenta virtù i difetti specularmente opposti a quelli della Kolonits: curato nel fraseggio, ha però una voce poco espressiva, povera di sfumature, cui tenta di supplire con un’enfasi non sempre appropriata, e, soprattutto fragile nelle zone acute, che risultano incolori e del tutto carenti di armonici. Oltretutto Formaggia è anche ‘vittima’ innocente di incomprensibili scelte della regia, come quella di una colluttazione col padre nel secondo atto, con finale sganassone che si abbatte sul povero Alfredo: scena cervellotica, in cui lo scatto da energumeno del vecchio Germont e’ in netto contrasto con le parole colme d’affetto, sia pur ipocrita, nei confronti del figlio: cantare “No, non udrai rimproveri;/...l’amor che m’ha guidato/sa tutto perdonar” e colpire intanto con un poderoso ceffone il destinatario di queste parole non pare molto logico. Si vede che a Bonajuto Alfredo sta particolarmente antipatico, visto che gli infligge un secondo e più violento sganassone ad opera del Barone Douphol nel terzo atto…Dei ruoli protagonistici, il migliore è risultato senz’altro il Germont padre, del baritono Alessandro Luongo: ha un suono un po’ asciutto e secco, del resto adatto alla parte, ma una linea di canto molto solida, con il pieno controllo di tutto l’arco dell’estensione e ottimi centri. Hanno sbrigato decorosamente la loro parte i ruoli secondari,, a cominciare dalla Annina del soprano Marta Calcaterra e dalla Flora del mezzosoprano Carlotta Vichi fino al bravo Gastone del tenore Blagoj Nacoski, voce calda e potente, e al dottor Grenvil, affidato al basso Rocco Cavalluzzi. Sul podio era Matteo Beltrami, attuale direttore musicale del Coccia, a dirigere l’Orchestra del Teatro Coccia, integrata da elementi dell’Orchestra del Conservatorio Cantelli di Novara. La sua è stata una direzione senza infamia e senza lode: ha fatto suonare al meglio l’orchestra, ha ben tenuto i rapporti palcoscenico-buca (salvo qualche episodio isolato di sfasatura nei tempi) ma non ricordiamo momenti di particolare intensità, quel guizzo particolare che t’incide nella memoria quelle battute, quell’episodio. Migliora di prestazione in prestazione il Coro San Gregorio Magno, sotto la direzione del Maestro Mauro Rolfi: molto ben cantato il celebre baccanale dell’atto III, tra euforia carnevalesca e sottile ironia. Si replica domani, domenica 5 Maggio, con cast parzialmente alternativo. Segnaliamo, in particolare, nella parte di Alfredo l’ottimo Angelo Fiore.

4 maggio 2019 Bruno Busca

PAVEL BERMAN AL FESTIVAL VIOTTI DI VERCELLI

Dopo lo stellare Kavakos un altro dei più celebri violinisti del nostro tempo, Pavel Berman, è stato protagonista della nuova serata di una delle stagioni più intense del Festival Viotti, ieri sera, sabato 27 aprile, al Teatro Civico di Vercelli. Già la passata stagione Berman si era fatto conoscere e apprezzare dal pubblico del Viotti per una splendida esecuzione dei Capricci di Paganini. Ieri le quattro corde del suo prezioso Stradivari ‘Conte de Fontana’ 1702, già appartenuto a D. Oistrakh, erano chiamate ad affrontare un altro monumento trascendentale della musica per violino solo, le Sonate e Partite di J. S. Bach. Per la precisione, l’impaginato proponeva le tre Partite BWV 1002,1004,1006, come primo tassello di un programma che prevede (immaginiamo nella prossima stagione) il suo completamento con le tre Sonate. Questo capolavoro bachiano pone l’esecutore di fronte ad un compito tra i più ardui della sua arte: le difficoltà tecniche talora immani della partitura non possono esaurirsi in sé, nell’acrobazia funambolica del puro gioco virtuosistico, come per i Capricci di Paganini, ma devono mettere in luce la sapiente architettura della composizione e al tempo stesso dare voce alle sottili sfumature espressive che i movimenti di danza delle Partite suggeriscono, dalla gaia leggiadria delle Correnti, alla gravità venata di malinconia delle Sarabande. Insomma, nelle Sonate e Partite bachiane occorre penetrare più in profondità rispetto all’agilità delle dita sulle corde. Il banco di prova di un solista che si misuri con questo corpus bachiano è ovviamente la grandiosa Ciaccona che chiude la Partita n. 2 in re minore. Qui, al di là degli infiniti dettagli tecnici in cui non possiamo entrare, Berman ha perfettamente centrato, ci pare, l’essenza di questa straordinaria cattedrale di suoni, accompagnando l’incantato ascoltatore, con un suono di olimpico nitore e di sublime eleganza, attraverso le diverse atmosfere tonali (e spirituali) di questa composizione senza eguali, che si snoda come un viaggio fascinoso dal re minore al re maggiore, per tornare alla tonalità d’impianto nella conclusione. Con raffinatissima tecnica, affidata in particolare agli arpeggi, ai legati e ai portati, il violinista russo ha fatto di questi stacchi tonali un magico viaggio dell’anima, dagli arpeggi rarefatti dell’inizio alla religiosità sublime del re maggiore, culminante in un corale, dove Berman riesce perfettamente, come voleva Bach, a far suonate uno strumento solo come un’intera orchestra. Ma il suono di Berman non conosce soltanto l’austera maestosità del sublime: sa anche aprirsi alla grazia inarrivabile della Gavotta della Partita n.3 in mi maggiore, come al sognante abbandono alle dolcezze armoniche della Loure, sempre della Partita n. 3. Una duttilità espressiva, quella di Berman, che, accompagnata da supremo controllo tecnico dello strumento, trova il denominatore comune delle sue variegate espressioni in una straordinaria eleganza di suono, anche fisicamente rappresentata dalla statuaria compostezza con cui questo maestro esegue i pezzi. Trionfale il successo, testimoniato dai lunghissimi applausi con cui il pubblico, come sempre numerosissimo, ha più volte richiamato Berman sul palcoscenico, ottenendo infine un bis, anch’esso da Bach. Prima di concludere il resoconto di quest’altra serata memorabile offerta dal Festival Viotti, ci sembra doveroso ricordare l’annuncio, fatto da Cristina Canziani e Guido Rimonda ad inizio di serata: il prossimo sabato, 4 maggio, si terrà un concerto fuori programma, che avrà per protagonista l’enfante prodige del violoncello, il giovanissimo francese Maxime Grizard, accompagnato al pianoforte dal maestro russo Roustem Saitkoulov (che, tra l’altro, è l’accompagnatore preferito del grande Vengerov): in programma musiche di Schumann, Kreisler, Rachmaninov, Cajkovskij, Schostakovic.

28 aprile 2019   Bruno Busca

Il Jas Art Ballet di Sabrina Brazzo e Andrea Volpintesta al Teatro Carcano

Un ottimo spettacolo quello visto ieri sera al Teatro Carcano con i noti ballerini scaligeri Sabrina Brazzo e Andrea Volpintesta, fondatori alcuni anni fa di una talentuosa compagnia danzante quale il Jas Art Ballet. La performance, di circa due ore, è volutamente diversificata, con momenti di danza moderna di altissimo livello in alternanza a sola musica, a canto e mimica. Ha introdotto lo spettacolo un bravo pianista quale Stefano Salvatori che da solo, o accompagnando la giovane e brava violinista Anastasiya Gonzalez e le voci liriche del tenore Ramtin Ghazavi, del soprano Rachael Birthisel e del mezzosoprano Marta Leung Kwing Chung, torna in continuazione in scena e cuce lo spettacolo alle splendide coreografie realizzate da Volpini, Ventriglia, Azzone, Di Stefano e Massignani. Spesso una coinvolgente musica orchestrale registrata è inserita in questo "collage" che, alternando Verdi a Puccini, Mozart a Bizet, Scarlatti a Saint-Saens, Vivaldi a Rossini, rende più variegato il tutto indirizzandolo ad un pubblico eterogeneo: da quello meno esigente a quello più pretenzioso. È forse proprio questo, a mio avviso, l'unico limite: la mancanza di un'unità artistica ed estetica. Le trovate di grande impatto musicale quali l'esecuzione di celebri arie verdiane dalla Traviata, o di brani pucciniani da Bohème, Butterfly e Turandot come ad esempio il Nessun dorma, convincono certo il pubblico meno esigente, non quello più pretenzioso. Indubbiamente, alcuni brani come quelli della giovane violinista Gonzales nell' esecuzione di Bach per violino solo, sono pienamente convincenti. Abbastanza valide le voci femminili, tra ottime intonazioni ma anche errori evidenti e non accettabili, come quelli sulle note più alte della mozartiana Aria della Regina della notte del Flauto magico, inserite in una scena mimata e grottesca che pare divertire molto il pubblico. L'alta qualità invece arriva costantemente con i ballerini in scena e con le raffinate movenze di Sabrina Brazzo e Andrea Volpintesta, e nelle rispettive coreografie quasi sempre di grande originalità. Tutto questo ha reso lo spettacolo assolutamente piacevole e interessante. Un'operazione, quella di Brazzo-Volpintesta, che va davvero elogiata e che ci fa uscire per una volta dal sacro tempio del balletto del Teatro alla Scala. Bravissimo tutto il corpo di ballo, anche i più giovani, talentuosi e spesso straordinari!.... e bravi gli altri. Fragorosi e meritati gli applausi.

19 aprile 2019     Cesare Guzzardella

Il Quartetto di Cremona per la Società del Quartetto

Ieri sera per la "Società del Quartetto" il Quartetto di Cremona ha eseguito un programma che nell'impaginato prevedeva due Quartetti di Beethoven ed uno di Bartòk. Come detto più volte è eccellente l'equilibrio dei quattro solisti che senza un momento di cedimento riescono a trovare un' interpretazione sempre di altissimo livello. Hanno introdotto la serata col Quartetto n.11 in fa minore op.95 "Serioso" di Beethoven per poi eseguire il Quartetto n.5 SZ 102 di Bartòk e allegerire la seconda parte del concerto col più solare e giovanile Quartetto n.2 in sol maggiore op.18 n.2. L'eccellenti esecuzioni sono opera di Cristiano Gualco e Paolo Andreoli ai violini, di Simone Gramaglia alla viola e di Giovanni Scaglione al violoncello. I quattro quartettisti, sempre più bravi nel corso degli anni, hanno deciso di cambiare postura d'esecuzione: tre di essi in piedi e naturalmente il violoncellista seduto. L'efficace equilibrio dinamico del gruppo, la sintesi discorsiva con ottima chiarezza delle esposizioni melodico-armoniche dei quattro archi hanno ancora una volta strappato lunghi applausi al termine in Sala Verdi . Splendido il bis concesso al con l' Adagio dal Quartetto K.499 "Hoffmeister" di Mozart. Da ricordare.

17 aprile 2019 C.G.

Pavel Berman prossimamente a Vercelli

Per la 21° stagione del Viotti Festival avrà luogo sabato 27 aprile 2019 alle ore 21 presso il Teatro Civico di Vercelli un concerto per violino solo di Pavel Berman. Da non perdere

17-04 2019 dalla redazione

Gli Strumentisti della Scala e Andrea Bacchetti alle Serate Musicali

Gli strumentisti del Teatro alla Scala insieme al pianista Andrea Bacchetti si sono esibiti in Sala Verdi per interpretare Mozart, Mayr, Rossini e Bottesini. Ha introdotto il concerto Bacchetti con la Sonata in re maggiore K 576 eseguita con scorrevole fluidità, leggerezza di tocco e marcata sensibilità dinamica. La perfezione formale, caricata di notevole espressività, si è rivelata anche negli altri due brani cui Bacchetti ha partecipato: prima l'inedito Concerto n.2 in do maggiore di Johann Simon Mayr (1763- 1845) e poi nel Concerto in do magg. K.503 di Mozart nella trascrizione cameristica di Lachner. In entrambi i concerti - anche nel primo che risente la notevole influenza del genio salisburghese- l'apporto dei cinque strumentisti scaligeri è stato di grande appoggio al solismo di Bacchetti. Siamo rimasti stupefatti della qualità musicale di questi "scaligeri" che ricordiamo essere: Agnese Ferraro, violino, Joel Imperial (in sostituzione dell'indisposta Elena Faccani), violino, Duccio Beluffi, viola, Gianluca Muzzolon, violoncello e Roberto Parretti al contrabbasso. Ottime entrambe le esecuzioni con un calibrato equilibrio tra il pianoforte e gli archi. Applausi ripetuti per i sei strumentisti al termine della prima parte. Nella seconda parte della serata abbiamo testato ancor più le notevoli qualità degli archi: prima con un inusuale quartetto per due violini, violoncello e contrabbasso nella Sonata a quattro n.1 in Sol maggiore di G. Rossini( 1792- 1868); poi in quel capolavoro di equilibrio strumentale rappresentato dal Grande Quintetto in do min. per due violini, viola, cello e contrabbasso op.99 di Giovanni Bottesini. L'estro melodico tipico rossiniano è stato evidenziato nel primo lavoro mentre la bellezza degli impasti timbrici e la perfezione formale assoluta è risultata nello stupendo lavoro di Bottesini (1821-1889). La bellissima voce violinistica di Agnese Ferraro e del violoncello di Muzzolon, unitamente agli ottimi altri tre strumentisti hanno definito in modo dettagliato e con alta espressività tutti i movimenti del Gran Quintetto del quale ricordiamo il sublime Adagio eseguito con vibrati eccellenti. Un concerto stupefacente! Da ricordare.

16 aprile 2019 Cesare Guzzardella

WOOLF WORKS ALLA SCALA CON ALESSANDRA FERRI

Pienamente meritato il successo per i balletti di Woolf Work che in questi giorni riempiono di pubblico il Teatro alla Scala. Sono tre, per la regia e la coreografia di Wayne McGregor e le musiche di Max Richter. La produzione londinese del Royal Ballet Coven Garden è del 2015 e allora aveva come protagonisti Alessandra Ferri e Federico Bonelli. La Ferri dopo un periodo di assenza italiana ha deciso di tornare nel nostro teatro e ha ripreso con questa splendida messinscena coreografica la frequentazione del Teatro alla Scala. Nati su testi di Virginia Woolf, i tre balletti dalla durata di circa trenta minuti ognuno, sono denominati: I Now, i Then; Becomings e per ultimo Tuesday. Nel primo e nel terzo eccellenti protagonisti sono appunto la Ferri e Bonelli. Nascono da tre composizioni scritte per l'occasione dal tedesco Max Richter, autore noto nella musica contemporanea per il suo legame con il minimalismo americano e la musica progressiva inglese. La fusione di stilemi differenti dove si fa uso di musica preregistrata, tastiere elettroniche e una grande orchestra, tutti coadiuvati da una console di regia musicale, ha prodotto tre validi lavori, adeguati e certamente ottimi per i balletti proposti. La valida direzione di Koen Kessels e la bravura degli strumentisti scaligeri ha influito non poco alla resa musicale dove anche l'elemento ambientale e suggestivo dei numerosi effetti sonori gioca ruolo importante. Le valide scene di Cigué, We Not I e dello stesso Mac Gregor, completate dai costumi di Moritz Junge, sono state esaltate dalle splendide luci di Lucy Carter, spesso fondamentali. Essenziali le scene: nella prima, quella di I Now, I Then, il posizionamento di tre grandi cornici lignee rettangolari movibili fanno da sfondo al movimento dei due protagonisti ( foto di Brescia e Amisano- Archivio Scala) e di altri sei principali ballerini. Nel secondo, Becomings, una nebbia diffusa sovrasta il palcoscenico e spazializza le movenze di ben dodici ballerini tra cui citiamo almeno Nicoletta Manni e Virginia Toppi. Qui ruolo fondamentale è dato dagli effetti luminosi sia con coni di luce che di volta in volta inquadrano i personaggi, sia con figure geometriche definite da raggi colorati proiettati in scena e pure nelle cornici dei palchi del teatro. Nel terzo, Tuesday, il ritorno in scena della Ferri e di Bonelli, coadiuvati dalla bravissima Virna Toppi, presenta anche il corpo di ballo al completo in una scena spoglia dove ancora una volta gli effetti di luce hanno ruolo importante. Sulle qualità coreutiche e anche mimiche della Ferri non si discute, è eccellente sotto ogni aspetto. Così pure eccellente è Federico Bonelli e ottimi tutti gli altri tra cui citiamo almeno Mick Zeni, Caterina Bianchi, Martina Arduino, Agnese Di Clemente, Gabriele Corrado, ecc, ecc. Uno spettacolo splendido e raffinato ancora in replica per il 20 aprile. Da non perdere.

15 aprile 2019 Cesare Guzzardella

Il Tirol Concerto di Philipp Glass con Arciuli, Boccadoro e l'Orchestra de I Pomeriggi Musicali

L'Orchestra de I Pomeriggi Musicali ha il grande merito d'inserire spesso nei suoi programmi brani di musica contemporanea in alternanza a quelli classici. Ieri, nella replica domenicale, sono riuscito per motivi personali ad ascoltare solo la prima parte dell'impaginato che prevedeva musiche di Stravinskij e Glass. Nella seconda parte era in programma la Sesta Sinfonia di Schubert. Alla direzione dell'orchestra Carlo Boccadoro- direttore e compositore ( a volte pianista) molto attivo in repertori recenti - ha ottimamente svolto il suo compito. L'originale brano introduttivo Dumbarton Oaks è un Concerto in mi bemolle maggiore per soli 15 orchestrali di Igor Stravinskij, genio eclettico del Novecento che ha contribuito alla realizzazione di tipologie musicali innovative e diversificate partendo dalla tradizione russa di fine Ottocento e modificando nel tempo la sua visione musicale. Il neo-classicismo di Dumbarton Oaks è in stile bachiano, appartiene infatti ad un altro versante musicale dopo il grande ciclo legato ai Balletti Russi di cui fa parte la rivoluzionaria Sagra della primavera. Composto alla fine degli anni '30 è stato con efficacia eseguito dagli orchestrali de I Pomeriggi, molto bravi anche nei numerosi interventi solistici. Grande apprezzamento anche dal numeroso pubblico presente al Dal Verme. Ottima la scelta d'inserire come secondo brano il raro Concerto per pianoforte e orchestra n.1 "Tirol Concerto" dell'americano Philip Glass, compositore "minimalista" vivente che, a mio avviso, deve molto anche al neo-classicismo stravinskijano. Composto nell'anno 2000, prevede oltre al pianoforte solista un' ampia orchestra di soli archi. Al pianoforte, uno dei maggiori interpreti specialisti del repertorio contemporaneo e soprattutto statunitense quale Emanuele Arciuli, ha reso in modo eccellente l'interessante lavoro di Glass (1937). Il brano è in tre parti, Movimento I-II e III, dalla durata complessiva di circa trenta minuti e trova un linguaggio tipico e riconoscibile del noto compositore. Semplici temi sono evidenziati con sottili ed efficaci varianti ritmiche, armoniche e timbriche. L'abilità dell'interprete, in un lavoro tonale apparentemente di facile ascolto, sta nel mantenere uno status anche fisico idoneo durante la trasformazione e la progressione del materiale sonoro. Di grande impatto musicale l'ultima parte, il Movimento III, nel quale la rilevante sequenza melodica, ben articolata e sviluppata anche dagli archi, è sostenuta dalla mano sinistra del pianoforte con un ritmo accentuato in stile boogie woogie. Questo rende ancor più fresco e divertente il piacevolissimo brano. Il pubblico ha apprezzato moltissimo l'ottima interpretazione di Arciuli, di Boccadoro e del'orchestra de I Pomeriggi esprimendo al termine fragorosi applausi. Molto bello il bis solistico concesso da Arciuli con il breve preludio di Claude Debussy denominato "Minstrels" . Da ricordare

14 aprile 2019 Cesare Guzzardella

Grandi interpretazioni per Vasily Petrenko e Kristine Opolais e i giovani europei della EUYO

Una direzione splendida quella di questa sera con Vasily Petrenko e la giovanissima EUYO-European Union Youth Orchestra. Dopo l'Ouverture da Russlan e Ludmilla di Glinka è salita sul palco di Sala Verdi in Conservatorio il soprano Kristine Opolais per la romanza Com'è bello questo pozzo di Rachmaninov. La sua voce ricca di volume, chiara ed espressiva riempiva la sala seguita ottimamente dai giovani della EUYO. Seguiva la Polacca e scena della lettera di Tatiana da Eugene Onegin di Caikovskij con una Opolais ancora eccellente. Notevole il bis concesso con O mio babbino caro dal Gianni Schicchi di Puccini. Applausi fragorosi e omaggi floreali. Dopo l'intervallo una chiarissima ed espressiva Sinfonia n.4 di Anton Bruckner concludeva una serata di grande classe che meritava il tutto esaurito invece dei circa tre-quattrocento spettatori presenti. Fragorosi applausi dai fortunati presenti.

12 aprile 2019 Cesare Guzzardella

Un trio di qualità alle Serate Musicali

Non è la prima volte che mi capita di assistere ad un concerto di alto valore musicale in una sala con poco pubblico. È accaduto ieri sera con il trio del violinista Pinchas Zukerman completato dalle eccellenti Amanda Forsyth al violoncello e Angela Cheng al pianoforte. Forse la pioggia milanese o la presenza nella nostra città di molte manifestazioni serali legate al Salone del Mobile - in svolgimenti in questi giorni- non hanno favorito la presenza di spettatori in Sala Verdi, una sala che a mio avviso doveva straripare di pubblico. Certamente il programma, cambiato all'ultimo momento ma decisamente interessante, non era tra quelli più idonei per riempire una capiente sala: prima Zoltàn Kodály con il Duo per violino e violoncello op.7, poi Anton Arenskij con il Trio n.1 in re min.op.32 e per finire il più noto Brahms con il Trio n.2 in do magg. Op.87. L'impatto iniziale con la rara Op.7 di Kodàly ci ha rivelato ancora una volta le qualità dei due strumentisti ad arco: sia Zukerman che la Forsyth hanno espresso incisività discorsiva in brani molto folcloristici ricchi di cambiamenti ritmici ed armonici. Il magnifico timbro dei due strumenti ha esaltato, nel perfetto e continuato cambio di ruolo, la bellissima composizione giovanile di Kodàly, musicista celebre insieme a Bartòk, per la sua vasta ricerca di melodie popolari. La bellezza timbrica del violoncello è stata evidenziata dalla sicura ed energica Forsyth. Sempre nella prima parte ho apprezzato molto un lavoro di raro ascolto come il Trio n.1 op.32 di Arenskij ( 1861- 1906), compositore russo ultimamente piuttosto eseguito nel repertorio concertistico e sinfonico. Di grande qualità tutti i quattro movimenti con un valore aggiunto per la sublime Elegia, breve capolavoro in un ottimo contesto di contrastati movimenti. Arenskij, musicista morto in giovane età, ha ereditato dai grandi romantici, Cajkovskij e Brahms prima di tutti, grandi capacità costruttive melodico-armoniche che hanno dato vigore e varietà a questo valido lavoro. Questo brano, efficace sotto ogni profilo, andrebbe eseguito spesso anche per l'immediatezza della sua comprensione. Ottima anche l'esecuzione finale del Trio Op.87 di Brahms brano che ha esaltato ancora la stupefacente integrazione dei tre grandi strumentisti. Fragorosi gli applausi da parte del fortunato pubblico presente. Nessun bis. Da ricordare.

12 aprile 2019   Cesare Guzzardella

La violinista giapponese Sayaka Shoji per la Società dei Concerti

Un gran bel concerto quello di ieri sera in Conservatorio per la Società dei Concerti. Per la prima volta in Sala Verdi la violinista giapponese Sayaka Shoji ed il pianista Iddo Bar-Shaï hanno tenuto un concerto alternando Mozart a Schumann e, dopo l'intervallo, Janáček a Brahms. L'equilibrio classico della Sonata in sol maggiore K 301 del salisburghese è stato sostenuto con perfetta forma ed alta espressività dal duo in un'integrazione delle parti ottimale e con particolare grazia nella componente violinistica. Maggiori le volumetrie e l'incisività nella successiva Sonata n.2 in re min. Op.121 di Robert Schumann. Qui la Shoji ha messo in risalto l'ottimo voluminoso Stradivari utilizzato attraverso un'interpretazione particolareggiata dove anche nei momenti più intimi ha rivelato una dettagliata e rigorosa chiarezza espressiva. Ricordiamo che la Shoji è stata la vincitrice del prestigioso Concorso Internazionale Paganini di Genova nel 1999 e da allora è iniziata la sua rilevante frequentazione delle più prestigiose sale da concerto di tutto il mondo. Con le raffinate escursioni dinamiche della poco eseguita ma splendida Sonata n. 3 di Janáček, il duo ha raggiunto una sicura vetta interpretativa. I continui sbalzi d'umore che pervadono la sonata, con cambiamenti repentini tra il canto e il declamato e con riferimenti alla migliore tradizione popolare slava, sono stati rilevati in modo eccellente dalla Shoji attraverso il suo tocco perfettamente intonato anche nelle note più alte. Importante e ben integrata e definita anche la parte pianistica dell'ottimo Bar-Shaï. L'ultimo brano del programma ufficiale, la Sonata n.2 in la maggiore op.100 di J. Brahms, ci ha ancora immerso nell'atmosfera romantica iniziata con Schumann. Ottima l'interpretazione di tutti i movimenti. Splendido il bis concesso a conclusione con una Romanza del grande pianista e anche compositore Alexis Weissenberg scritta quando la Shoji aveva tredici anni. Successo di pubblico con fragorosi applausi. Da ricordare a lungo.

11 aprile 2019 Cesare Guzzardella

Manon Lescaut al Teatro alla Scala

Un teatro al completo ha accolto ieri sera la quarta rappresentazione di Manon Lescaut di Puccini diretta da Riccardo Chailly per la regia di David Poutney e le scene di Leslie Travers. La scelta di Chailly di mettere in scena la prima versione torinese, quella che da parecchi decenni era stata accantonata, ci è sembrata un elemento di novità non inutile, anche perchè funzionale al recupero di alcune parti fondamentali nella più completa orchestrazione. Certamente quello che ha avuto il maggior ruolo di protagonista in questa messinscena è stato il direttore Chailly. La musica folgorante e dal sapore molto sinfonico ha messo in risalto le qualità d'orchestrazione di un Puccini proiettato nel mondo musicale del Novecento. L'ottima resa strumentale della proposta del direttore ha forse messo in seconda posizione la componente vocale a volte non in primo piano come la scintillante orchestra in tutte le sue sezioni. Le scenografie di Leslie Travers esaltate dalle luci di Fabrice Kebou e integrate dagli adeguati costumi di Marie-Jeanne Lecca ci sono piaciute anche per aver ben inquadrato i protagonisti in quel generale "contesto ferroviario" ben ricostruito. Ieri abbiamo trovato voci in crescendo nel corso degli atti. Di maggior pregio Manon, con Maria José Siri protagonista nell'allargato quarto atto, con voce determinata nella sua ricchezza volumetrica.(Foto di Brescia-Amisano Archivio Scala) Sempre decisamente all'altezza il Geronte di Carlo Lepore, corposo e preciso in ogni dettaglio vocale. Valido Massimo Cavalletti, un Lescaut efficace in ogni situazione, e in crescendo, anche per problemi vocali annunciati da Pereira prima dell'inizio, Roberto Aronica nel ruolo di Des Grieux. Ottimo come sempre il Coro di Bruno Casoni. Al termine lunghi applausi non fragorosi. Prossime repliche previste per il 13- 16- 19- 24 e 27 aprile. Da non perdere.

10 aprile 2019 C.G.

Angela Hewitt alle Serate Musicali

Torna spesso a Milano la pianista canadese Angela Hewitt. La ricordo molto bene nei suoi concerti tenuti in Sala Verdi dedicati a Bach, musicista di principale riferimento. Nel 2008 venne per il primo volume del Clavicembalo ben temperato, nel 2012 per le prime tre Suite francesi e le 15 Invenzioni a due voci, nel 2013 per l'Arte della fuga e nel 2017 per le celebri Variazioni Goldberg. L'affascinante pianista, anche ieri sera con un abito molto elegante, ha dedicato la maggior parte dei suoi studi alla conoscenza del grande tedesco di Eisenach approfondendo ogni aspetto inerente la tecnica d'esecuzione. Ieri abbiamo avuto ancora la fortuna di ascoltarla, questa volta nelle sette Toccate dalla BWV 910 alla BWV 916 e nella nota Fantasia cromatica e Fuga in re minore BWV 903. La Hewitt divenne nota al grande pubblico a metà degli anni '80 dopo un'importante vittoria ottenuta ad un concorso pianistico tenuto a Toronto nel 1985 e dedicato a Bach, e grazie anche all'uscita - per una prestigiosa casa discografica- di uno splendido CD dedicato al grande musicista tedesco. Come dicevo è nota soprattutto per le sue qualità bachiane anche se da parecchi anni si occupa di altri classici di fine '700 e '800. L'ottima affluenza di pubblico di ieri sera in Conservatorio testimonia la popolarità acquisita da un'interprete che comunque difficilmente esce dal repertorio classico. Le rilevanti qualità stilistiche sono dovute oltre che alla consolidata esperienza maturata negli anni, anche alla perfezione formale e alla bellezza del timbro. L'esecuzione è risultata elegante e coloristicamente molto bella con dinamiche ben equilibrate e variate e sonorità controllate ma ricche di raffinate sfumature evidenziate da un pianoforte Fazioli con timbri asciutti molto ben delineati nei toni bassi. Particolarmente attento il pubblico: non un colpo di tosse, fortunatamente non uno squillo di cellulare, applausi interminabili e al termine la protagonista visibilmente soddisfatta e sorridente. Da ricordare

9 aprile 2019 Cesare Guzzardella

Un duo per violoncello e pianoforte al M.A.C di Milano

Un duo giovane quello dei fratelli Guida. Lorenzo, vent'anni al violoncello e Gianluca, ventottenne al pianoforte. Di Torino, hanno raggjunto il M.A.C. milanese per i concerti cameristici organizzati dalla Sinfonica Verdi in questo elegante spazio di Piazza Tito Lucrezio Caro. Il programma del mattino domenicale prevedeva brani di Prokof'ev, Beethoven e Brahms, in ordine di esecuzione. La rara Sonata in do maggiore op.119 del russo ha messo subito a dura prova il duo per la sua tecnica complessa. Prokof'ev raramente si è cimentato in questa forma e lo ha fatto pensando al grande Rostropovic. Ottima la resa musicale complessiva anche se non favorita dall' acustica riverberata troppo accentuata del luogo. Urge provvedere! Più chiara e ancora ben eseguita la Sonata n.4 in do magg. op.102 n.1 del genio tedesco. Il bel timbro, luminoso ed espressivo, del cello ha dato una buona idea della qualità del più giovane strumentista. A conclusione un brano ottimamente studiato ed eseguito dai Guida: la Sonata n.2 in fa magg. op.99 del grande amburghese. Qui hanno con più sicurezza e virtuosismo dato prova delle loro ottime qualità interpretative. Molto bravo anche Gianluca alla tastiera con la quale ha un rapporto equilibrato nel suo tocco leggero, chiaro ed espressivo. Melodico e valido il bis con una trascrizione per duo del celebre brano Traumerei di Robert Schumann. Lunghi e fragorosi applausi.

8 aprile 2019 C. G.

Grande successo alla Scala per l'ultima replica della rossiniana La Cenerentola

È dal 2005 che non veniva rappresentata alla Scala La Cenerentola di Rossini. L'opera del compositore pesarese ha trovato fortuna con la regia di Jean-Pierre Ponnelle, anche scenografo e costumista ( ripresa di G. Asagaroff). Il rinnovato successo dell'ultima rappresentazione, quella vista ieri sera e l'undicesima da fabbraio, lo si deve al valore di tutte le componenti in gioco. Dopo la già citata regia, le scene e i costumi certamente di valido spessore, ottimo il cast vocale con due voci sopra di tutte, (foto di Brescia, Amisano, Archivio Scala) quella di Marianne Crebassa, Angelina/Cenerentola, dallo splendido timbro bruno, vellutato, intensamente chiaro ed espressivo e quello corposo ed esperto di Carlos Chausson, bravissimo anche attorialmente nel delineare Don Magnifico. Queste due eccellenze erano circondate dalle altre ottime valide voci: nel comparto maschile quella dell'elegante Maxim Mironov, Don Ramiro, quella più voluminosa e spontanea di Mattia Olivieri, Dandini, e quella chiara e precisa di Alessandro Spina, Alidoro, il filosofo; nel comparto femminile bravissime anche attorialmente Sara Rossini, Clorinda e Anna-Doris Capitelli,Tisbe. Se aggiungiamo anche il solito splendido Coro preparato da Bruno Casoni e l'eccellente direzione orchestrale di Ottavio Dantone, il gioco è fatto: alta la qualità della messinscena e meritati i fragorosi e continuati applausi al termine. Dantone ha diretto benissimo l'orchestra scaligera facendo risaltare la componente vocale in un contesto orchestrale dinamicamente perfetto e con raffinata resa per ogni sezione. Tutto splendido e da ricordare. Ricordiamo che è in corso Manon Lescaut di Puccini per la direzione di Riccardo Chailly. Nel mese di aprile ancora sette repliche dopo le prime due rappresentazioni già espletate. Da non perdere.

6 aprile 2019 Cesare Guzzardella

Il Divertimento Ensemble in Conservatorio omaggia Donatoni con Hot per saxofono e ensemble

L'avvincente serata di ieri sera in Sala Puccini e anticipata da un intervento della direttrice del Conservatorio milanese Cristina Frosini, ha visto la formazione cameristica di musica contemporanea Divertimento Ensemble e il suo fondatore-direttore Sandro Gorli in un programma incentrato sul brano Hot (1989) di Franco Donatoni. Donatoni, musicista fondamentale per la musica del Secondo Novecento, insegnò anche al Conservatorio milanese ed ebbe tra gli allievi oltre che Sandro Gorli, numerosi tra gli spettatori presenti in sala, molti dei quali noti musicisti, a testimonianza del valore di un compositore considerato un capo scuola e anche un rilevante didatta. La serata è incominciata con l'esecuzione di due brani in prima esecuzione assoluta. Dovevano essere tre quelli nuovi in programma, ma la parziale indisposizione del baritono Leoni non ha permesso l'esecuzione del lavoro Lebos lobos di Francesco Ciurlo. I tre brani selezionati vincitori degli Incontri internazionali per giovani compositori "Franco Donatoni" avevano come tema d'ispirazione la "migrazione". Dei due eseguiti, il primo era di Oren Boneh (1991) denominato Ritorno di lontano per soprano, baritono e ensemble, sul testo di Pier Paolo Pasolini "Canto delle campane". Ha un carattere particolarmente vivace, con timbriche suggestive ispirate dai rumori ambientali di vita all'aperto, tra il lavoro nei campi, i versi di animali e le campane. La componente "concreta", l'imitazione dei rumori presenti in natura, il gracidio delle rane o il frinire dei grilli, si sovrappongono a sonorità molto free degli strumenti con timbriche spesso voluminose, inframmezzate dal testo pasoliniano alle voci ben interpretate dal bravissimo soprano Laura Catrani e dell'altrettanto valido baritono Maurizio Leoni. Applausi meritati al compositore salito sul palco al termine dell'esecuzione. Il secondo brano, della giapponese Yu Kuvabara(1984) denominato A world under the world per baritono, voce recitante giapponese e sette strumenti, sempre su testi di Pasolini, è un lavoro altrettanto suggestivo, ricco di volumetrie sonore tra il discreto e l'intenso che si esplicano dopo gli interventi narrativi in giapponese - dall'originale italiano di Pasolini- , della compositrice, qui anche voce recitante. Valido il lavoro e applausi alla compositrice e ancora al baritono Leoni. Particolarmente intensa la parte finale della serata con Hot per saxofono e ensemble di Donatoni ripetuto due volte e inframmezzato da una convincente e chiara spiegazione di Gorli. Hot, brano organizzato in chiave molto jazz che ricorda esperienze free di gruppi come l'Art Ensemble of Chicago o Mike Westbrook solo per citarne alcuni, è invece scritto in modo millimetrico sino all'ultima nota. Gorli raccontando della celebre composizione ha anche fatto ascoltare i momenti salienti del brano mettendo in risalto le sue timbriche e la creatività eccelsa di Donatoni nel dare a fraseggi simili nella componente melodico-armonica, varietà, per mezzo dei colori e delle dinamiche degli strumenti. Un plauso al saxofonista Marzi per l'efficacia del suo intervento solistico. Gran bella serata da ricordare a lungo!

4 aprile 2019  Cesare Guzzardella

Bacchetti, Nova e Boffa in trio alle Serate Musicali del Conservatorio

È da un po' di tempo che non ascoltavo in concerto Andrea Bacchetti, pianista al quale ho dedicato numerosi articoli in passato. Ieri sera un "doppio concerto" mi ha dato la possibilità di riascoltarlo sia come solista che insieme ad altri eccellenti strumentisti: il flautista Giuseppe Nova ed il contrabbassista Giorgio Boffa. Nella prima parte Bacchetti ha affrontato il suo amatissimo Bach con l'Ouverture francese in si minore BWV 831, la Fantasia cromatica e Fuga in re minore BWV 903, e i Quattro Duetto BWV 802-805. Il noto pianista è da molto tempo uno dei migliori interpreti bachiani italiani e ieri ha confermato le sue eccellenti qualità con un'interpretazione che mi è sembrata diversa, e in meglio, da quelle cui ero abituato. Una maggiore creatività espressa da tocco ancora più sicuro, maggiore sintesi discorsiva e migliori contrasti dinamici hanno portato ad un' eccellente esecuzione anche nella più difficile Fantasia e Fuga. Cambio di registro nella seconda parte con un validissimo trio in cui la figura dell'esperto flautista Giuseppe Nova è stata centrale in esecuzioni dove anche gli strumentisti laterali, Bacchetti e Boffa, hanno avuto ruolo importante. Il primo corposo ed interessante brano è di Claude Bolling, classe 1930, con la Suite n.1 per flauto, pianoforte e contrabbasso. È un lavoro degli anni '70 dedicato al celebre flautista J.P. Rampal che unisce in modo classico, il jazz, il neo barocco di ascendenza bachiana e un modo di melodiare alla francese. È musica raffinata nella costruzione melodica ed armonica che rimanda a più generi pur avendo piena dignità musicale e freschezze d'idee. Eccellente l'interpretazione ascoltata, con Nova preciso, dettagliato e con timbrica chiara e luminosa, coadiuvato da un Bacchetti preciso al millimetro nella lettura della partitura molto jazz ma priva d'improvvisazione, ricca di contro-canti o unisono col flauto. Ottima, sotto ogni profilo, la parte sostenuta dal contrabbasso con timbriche piene e precise di Boffa che con i profondi toni bassi ha completato timbricamente le sonorità dei compagni. Valide le quattro canzoni tratte dal celebre West Side Story di Leonard Bernstein, con buone trascrizione per trio di Maria, Tonight, I feel pretty e America. Di qualità il bis concesso con un bel arrangiamento jazzistico di Rino Vernizzi del secondo movimento dal Concerto per cembalo e archi in fa minore di J.S.Bach. Fragorosi applausi. Da ricordare.

2 aprile 2019    Cesare Guzzardella

MARZO 2019

La violinista Liza Ferschtman in Auditorium ed il pianista Yekwon Sunwoo al Dal Verme

In questi ultimi giorni di una densa settimana musicale milanese abbiamo avuto l'opportunità di ascoltare due splendidi interpreti per la prima volta a Milano pur essendo affermati mondialmente: la violinista olandese Liza Ferschtman ed il pianista sud-coreano Yekwon Sunwood. La prima è in questi giorni in Auditorium con la Sinfonica Verdi per la direzione di Claus Peter Flor alle prese con il Concerto per violino e orchestra op.77 di J. Brahms, capolavoro della letteratura musicale della seconda metà dell'Ottocento. Liza Ferschtman ha sostenuto con determinazione la parte solistica in un lavoro in tre movimenti nel quale anche la componente orchestrale ha ruolo fondamentale per una restituzione unitaria particolarmente "sinfonica". L'ottima direzione di Flor e l'efficace resa coloristica della "Verdi" hanno esaltato le qualità della violinista che specie nei movimenti laterali ha mostrato arcate sicure, intonazioni precise anche nelle note più alte ed energica espressività. Valido il bis con un Andante di J.S. Bach ed applausi fragorosi al termine. Oggi, domenica alle ore 16.00 in l.go Mahler l'ultima replica da non perdere. Ieri invece, l' Orchestra de I Pomeriggi Musicali vedeva sul podio del Teatro Dal Verme il direttore milanese Daniele Callegari per il Concerto n.4 di L.v Beethoven. Nel celebre Concerto in sol maggiore op.58 , il pianista sud- coreano Yekwon Sunwoo ha rivelato le sue straordinarie qualità musicali esprimendosi con determinazione e leggera ma autorevole discorsività per un'interpretazione splendidamente articolata ed evidenziata e sostenuta benissimo dalla direzione di Callegari e dalle timbriche dell'orchestra de I Pomeriggi. La vittoria di Sunwood al noto Concorso pianistico Van Cliburn nel 2017 sta portando il giovane interprete in giro per il mondo e speriamo di poterlo ascoltare al più presto in un recital solistico per conoscerlo in un più ampio repertorio . Avvincente il bis solistico concesso dal pianista con il celebre Preludio op.23 n.5 di Rachmaninov eseguito con impeto e stravolgente musicalità. Citiamo almeno i brani conclusivi dei due concerti con la Quarta Sinfonia di Bruckner per Flor e la suite da Il Borghese gentiluomo di R. Strauss per Callegari. Ottime le direzioni. Da ricordare entrambi i concerti.

31 marzo 2019 Cesare Guzzardella