Il recital del baritono Simone Piazzola, ascoltato ieri sera alla Scala in un teatro con molti posti liberi, ha trovato un programma soprattutto incentrato nel compositore Francesco Paolo Tosti, autore di oltre 350 brani di cui alcuni molto noti ed eseguiti da cantanti entrati nella storia dell'interpretazione. Soprattutto, ma non solo, per gli italiani, Tosti rappresenta un cavallo di battaglia nei recital, in quanto ideatore di piacevoli e spesso luminose melodie che abbisognano di voci particolarmente duttili e orientate al bel canto. Cominciamo dall'ottimo pianista che ha supportato le numerose melodie previste nel programma della serata. L'irlandese James Vaughan ha mostrato eccellente equilibrio di fraseggio sottolineando con giusti accenti la decisa voce di Piazzola. Tra i dodici brani di Tosti, tutti ben interpretati e molti assai celebri, alcuni erano su testi di D'Annunzio a dimostrazione della notorietà del compositore: italianissimo anche artisticamente ma naturalizzato inglese nel 1906 e introdotto nel mondo aristocratico a tal punto da venire nominato baronetto. L'ottima emissione timbrica del baritono veronese ha messo in risalto brani come A Vucchella e O falce di luna calante di D'Annunzio e altrettanto noti lavori come Ideale, La promessa, Non t'amo più, L'ultima canzone, solo per citarne alcuni. Dopo Tosti due brani di Bellini e tre di Verdi hanno concluso il programma ufficiale. Ma è soprattutto con i bis concessi che il concerto ha avuto una svolta decisamente in crescendo: brani come Per me giunto e Io morrò dal verdiano Don Carlo e Dagli immortali vertici, dal verdiano Attila, hanno trovato un Piazzola di alto spessore interpretativo. Con una maggiore emissione vocale nei registri medio-bassi, il veronese acquista in potenza e in qualità e, nella fattispecie degli ultimi brani, anche in espressività attoriale. La soddisfazione del baritono, leggibile nel suo volto, e i fragorosi applausi del fortunato pubblico presente, hanno sancito una serata particolarmente positiva. Da ricordare.

3 dicembre 2018 Cesare Guzzardella

Se c'è un concerto che individua nel rapporto gesto e suono un risultato di qualità, questo è quello riferito alla splendida serata vista ed ascoltata ieri al Teatro alla Scala con l'istrionico direttore greco-russo Teodor Currentzis e la sua musicAeterna orchestra dell'Opera di Perm. In programma un "tutto Mahler" con Il corno magico del fanciullo e la Sinfonia n.4. L'ottima posizione da un palco sopra l'orchestra mi ha permesso di osservare con attenzione la produttiva gestualità del direttore e la corale partecipazione nei gesti e nelle timbriche dei giovani strumentisti, tutti eccellenti e sottolineanti, col gesto, i loro precisi interventi sonori, ancor più quando trattasi di fondamentali ruoli solistici, cosa che in Mahler capita in continuazione. Anche per questo, l'eccellente Currentzis al termine del concerto e durante la giustificata ovazione del fortunato pubblico presente, ha stretto personalmente la mano a moltissimi orchestrali come ad evidenziare la completa unità partecipativa direttore/orchestra che ha prodotto i capolavori eseguiti. Gestualità invece più "tradizionale" per le ottime voci intervenute quali quelle del mezzo soprano Paula Murrihy e del tenore Florian Boesch negli undici lieder che compongono Des Knaben Wunderhorm e del soprano Jeanine De Bique nell'ultimo movimento della Sinfonia Das himmlische Leben. La direzione senza bacchetta, accompagnata spesso da gesti quasi danzanti di Courrentzis e la presenza degli orchestrali in piedi nella Sinfonia, ad eccezione per ovvie ragioni dei violoncelli e dei controfagotti, sono elementi caratterizzanti le modalità gestuali. Nei volti dei singoli orchestrali si è notato spesso la partecipazione emotiva di gioia all'ascolto anche dei compagni dei diversi settori. In questo, il ruolo di ogni strumentista si avvicina maggiormente a quello dell'attore o della comparsa che in palcoscenico deve stare attento ad ogni movenza in quanto parte in causa del "tutto". Il risultato strettamente musicale di questa "messinscena" è stato eccellente con sonorità espresse di inarrivabile qualità nelle articolate dinamiche: tra i pianissimi quasi impercettibili ad orecchie non più giovani, e i fortissimi dei momenti più animati. Dopo la tradizione dei capolavori di Mahler, strepitoso è stato il bis offerto con un brano ritmico dal sapore africano del serbo Marko Nikodijević dove gestualmente nulla è cambiato per partecipazione gesto-musicale dei bravissimi e simpatici strumentisti. Questi , insieme al Maestro Currentzis, hanno reso magnifica una serata che difficilmente si potrà scordare. Tutto splendido!

NOVEMBRE 2018

Filippo Gorini al Teatro Civico di Vercelli

La serata di ieri, sabato 24 novembre, ha visto al Teatro civico di Vercelli l’atteso esordio della nuova stagione cameristica del Viotti Festival. Nell’opuscolo contenente il programma dell’intera stagione concertistica del festival vercellese c’è un titolo, o un motto, di sicura suggestione: “Musica chiama terra”. Non sappiamo se chi l’ha concepito abbia letto il commento dello scrittore tardo latino Macrobio al “Somnium Scipionis” ciceroniano, ma quel titolo ci ha richiamato alla mente proprio le pagine stupende in cui l’antico scrittore evoca un cosmo di pura musica che tende ad attrarre verso di sé, con i suoi modi e le sue armonie, il globo terrestre. Ebbene, il concerto di ieri sera, nei suoi momenti più alti, pareva proprio diffondere i suoi suoni dalle più suggestive lontananze cosmiche, per offrirsi ad un pubblico che avevamo visto di rado così concentrato e attirato dal palcoscenico, quasi attonito. Protagonista della serata il giovanissimo pianista Filippo Gorini, da un triennio, ormai, più che una promessa dell’ultima generazione di pianisti italiani, vincitore di numerosi concorsi prestigiosi e discepolo dell’immenso Brendel. Gorini presentava un programma a un tempo temerario (per il confronto che sollecitava inevitabilmente con i grandi nomi di interpreti del passato e del presente) e intelligente, già solo per l’idea di aprire l’impaginato con un pezzo di musica contemporanea, “Szàlkàk/Splinters (Schegge) op.6d di G. Kurtag, diremmo inevitabile omaggio al protagonista delle trionfali celebrazioni che Milano gli ha dedicato in queste ultime settimane. Secondo noi l’idea di inserire nei programmi concertistici una composizione di autore contemporaneo, accanto a quelli “storici”, dovrebbe diventare un’abitudine, per educare gradualmente il pubblico a capire che anche oggi si compone musica meravigliosa, in un linguaggio nuovo che non è meno affascinante e significativo (anzi!) di quello cui le orecchie del pubblico sono abituate: si eviterebbe magari di sentire i “noo!” bisbigliati da alcuni ascoltatori all’annuncio di Gorìni che il primo bis sarebbe stato un altro brano di Kurtag…A seguire, Gorini si misurava con due monumenti del pianismo romantico: la Kreisleriana op.16 di Schumann e la Sonata in Si bem. Maggiore D 960, l’estremo capolavoro di Schubert, che , nell’intervista rilasciata al musicologo A. Piovano, poco prima del concerto, Gorini ha dichiarato di avere studiato per due anni. Come ci è parso, dunque, questo giovane pianista? Fin dal primo numero, le Schegge di Kurtag, è emersa quella che alle nostre orecchie è apparsa una delle qualità migliori di Gorini: il raffinato e già maturo controllo dei piani sonori della partitura, con un fraseggio impostato su un suono ombreggiato dal vario gioco delle dinamiche, sfumato e alleggerito nei bassi, mai pesanti: splendidamente suonato l’ultimo dei quattro brevissimi tempi in cui è suddiviso il pezzo, il Mesto, tombeau per il violinista romeno Romascanu, sotto le dita di Gorini un delicato sussurro di note cupe che andavano, cariche di struggente malinconia, a perdersi in uno sgomento silenzio. Una delicatezza di fraseggio che riaffiorava in certi momenti di maggior incanto poetico della Kreisleriana, come nel primo intermezzo dell’ottavo pezzo, ove con rara sapienza il giovane maestro bergamasco, sul filo di un pianissimo ai limiti del silenzio, ha calato in sovrapposizione suoni tenuti nel registro grave e suoni staccati, quasi puntati, nel registro medio. Meno convincente ci è sembrata l’interpretazione di Gorini nelle zone della partitura più improntate al segno della follia, al vortice trascinante e violento di un’esaltazione febbrile e irrazionale: dove, insomma Florestano manda al diavolo Maestro Raro. Qui, forse, affiora un aspetto dell’interpretazione pianistica su cui Gorini può ancora migliorare: il suo tocco non è certo privo, quando occorre, di energia e intensità, ma non possiede ancora pienamente quella drammaticità e diremmo ‘violenza’, che composizioni come questa richiedono. Il miglior Gorini ritorna trionfalmente con l’ultima sonata di Schubert, ove, soprattutto nello stupendo primo tempo, esibisce altre qualità del suo profilo d’interprete, indispensabili per suonare Schubert: la cantabilità del colore, capace di espandersi con pieno dominio sulla ‘ forma lunga’ tipica del Maestro viennese. A Gorini riesce benissimo l’interpretazione ‘liederistica’ di Schubert, cioè quel suono che sfrutta con una sottigliezza senza eguali le zone centrali della tastiera, con un suono (quasi) mai molto intenso, e una variazione timbrica inesauribile: l’infinito nella semplicità. E’ grazie a queste qualità che Gorini ( e qui l’aver avuto come mentore un Brendel non è accidente, ma sostanza) valorizza al massimo la quintessenza del pianismo schubertiano: la funzione timbrica dell’intervallo. La nostra mente è leopardianamente naufragata all’attacco del secondo tempo, all’ascolto di un suono di una cantabilità venata di cupezza e di un pathos sussurrato, che Gorini ha reso sfruttando superbamente la valenza timbrica dell’intervallo di terza, sostenuto da un uso accorto del pedale di risonanza. Dei bis concessi, tre, il migliore è stato per noi ancora una volta un pezzo di Schubert: il celebre Impromptus op. 90 n.1 in do minore, eseguito con quel sottile velo di malinconia che fa parlare Rattalino di ‘cerimonia funebre’. Tra applausi scroscianti e lunghissimi, il pubblico assai numeroso del Civico ha salutato un'altra stella che si è accesa nel firmamento ormai abbondante del Festival Viotti.

Ultime repliche per Elektra al Teatro alla Scala

L’Elektra di Richard Strauss è tornata a Milano dopo le rappresentazioni del 2014, per la regia di Patrice Chéreau, le scene di Richard Peduzzi ed i costumi di Caroline de Vivaise. L’opera, un unico atto con libretto di Hugo von Hofmannsthal, è stata rappresentata per la prima volta nel 1909 e la si può considerare come una delle massime realizzazioni dell’espressionismo musicale tedesco. In essa Strauss porta ai livelli più alti il cromatismo orchestrale e in più momenti si riscontra anche la tendenza “atonale” che sarà tipica della Seconda Scuola viennese. Nella sesta rappresentazione, vista ieri sera, ancora una volta il direttore Markus Stenz ha sostituito Christoph von Dohnányi, presente alla prima rappresentazione. Stenz in questi giorni sta dirigendo anche Fin de Partie di Kurtág e in entrambi gli arditi lavori ci sembra svolgere con risolutezza e determinazione il non facile compito. Ricordiamo che Elektra, ultimo lavoro di Chéreau, aveva debuttato nell'estate del 2013 per il Festival di Aix--en Provence, nell'anno in cui è mancato il grande regista, ed è oggi ripreso da Peter McClintock. La rappresentazione si è conclusa con lunghi e fragorosi applausi alla presenza di un pubblico giovanile in una serata dedicata agli Under30. La più applaudita, Ricarda Merbeth, Elektra,(le prime due foto sono di Brescia ed Amisano Arch.Scala)  ha pienamente meritato il successo per la sua costante presenza scenica, sin dal primo monologo e fino alla nota scena finale. La Merbeth ha da subito rivelato una timbrica particolarmente efficace nei registri alti e centrali oltre ad ottime qualità attoriali. Molto bravi tutti gli altri protagonisti tra i quali segnaliamo almeno ed in ordine di preferenza, Regine Hangler, Chrysothemis, Michael Volle, Orest, Waltraud Meier, Klytämnestra, Roberto Saccà, Aegist. Il successo, pienamente meritato, certamente troverà riscontro anche nell'ultima replica prevista per il 29 novembre. Assolutamente da non perdere.

24 novembre 2018 C. G.

Fin de partie al Teatro alla Scala

Ieri sera alla Scala è andata in scena la quarta rappresentazione di Fin de Partie, l'opera in un atto di György Kurtág su testo di Samuel Beckett, commissionata dalla Scala ed in prima mondiale. Un'operazione non facile e di lunga gestazione portata avanti alcuni anni orsono dall' oggi novantaduenne compositore ungherese. Kurtág è riuscito a mettere in musica il testo di Beckett lavorando sulla parola e sulla recitazione. La sua musica diventa supporto unitario all'evento teatrale nel quale i protagonisti, quattro in tutto, sono attori che parlano seguendo le non facili intonazioni dettate dalla musica. Raramente la musica è autonoma. La forza di questo lavoro, non facile e non apprezzato da tutti, - anche ieri sera alcune decine di persone lasciavano la sala dopo meno di un'ora di rappresentazione- è certamente nel testo di Beckett potenziato dalle pregnanti e spesso taglienti timbriche di Kurtág. La bravura vocale ed attoriale dei protagonisti ( le prime due foto di Walz Ruth) non si discute, ad iniziare da quella di Frode Olsen, un energico Hamm, mobile in quella sedia a rotelle sempre presente in scena, continuando con Leigh Melrose un valido e sempre impiedi Clov, presente al fischio del padrone; di ottima levatura Leonardo Coltellazzi, Nagg e Hilary Summers, Nell, la prima dei due uscita di dalla scena per morte improvvisa ed entrambi costretti alla recita ed al canto all'interno di due contenitori metallici cilindrici. Valida la regia teatrale di Pierre Audi nel contesto scenografico e costumistico di Christof Hetzer. La scena è essenziale, discreta, riempita da una casa-contenitore che al cambio delle situazioni, nel veloce calare e risalire di sipario, si ritrova in differenti posizioni e risolve dignitosamente il problema della monotonia visiva per via delle azzeccate variazioni prospettiche. La scena, che ricorda i quadri di Sironi, ci è piaciuta assai, come anche le illuminazioni studiate da Urs Schönebaun. Non dimentichiamo un eccellente protagonista quale il direttore Markus Stenz che ha curato nei dettagli la difficile partitura di Kurtág, partitura intrisa di pause e di accenti sonori al limite del discorsivo. Le "parole musicali", a volte venivano sottolineate dalla gestualità visiva da Hamm a dimostrazione dell'unità d'intenti tra testo e suoni. Uno spettacolo non facile, molto originale che abbisogna di un pubblico competente. Altamente consigliabile.

23 novembre 2018 Cesare Guzzardella

La Stutgarter Philharmoniker e i violini di Nemanja Radulovič e di Tijiana Milosevič per la Società dei Concerti

Ieri sera in Conservatorio un "doppio concerto" ha reso di notevole interesse la serata organizzata dalla Fondazione Società dei Concerti. Infatti nella prima parte i concerti di Bach e Vivaldi hanno trovato la Stuttgarter Philharmoniker diretta da Dan Ettinger e due splendidi violinisti serbi quali Nemanja Radulovič e Tijiana Milosevič. Nella seconda parte, cambio di registro, con l'orchestra di Stoccarda ed il suo direttore che hanno trovato l'appoggio del Figure Humaine Chamber Choir diretto da Denis Rouger per il celebre brano sinfonico The Planets op.32 di Gustav Holst. La qualità interpretativa complessiva è emersa subito con l'inizio del Concerto in la min. RV522 per 2 violini e orch. di Antonio Vivaldi, sia per l'impronta esecutiva della sezione d'archi della Stuttgarter Philharmoniker che per il tocco grintoso di Radulovič e della Milosevič. Con il Concerto in la min. BWV1041 per violino e orchestra di Bach il solista Radulovič è stato il protagonista del palcoscenico di Sala Verdi. La sua evidente costruttiva gestualità nel dialogo con i bravissimi archi dell'orchestra e l'attenta direzione di Ettinger hanno esaltato ogni frangente di questo capolavoro. Ancora Bach con l'ultimo brano in programma nella prima parte della serata per il celebre Concerto in re minore BWV1043 per 2 violini e orchestra dove ancora una volta i due solisti si sono fronteggiati e hanno duettato insieme nei bellissimi tre movimenti del capolavoro. Il sublime canto del Largo ma non tanto centrale definito in alternanza dalle due voci soliste in un intreccio di tonalità pregnanti e sensuali ha portato all'energico Allegro del finale completato da un intreccio d'interventi solistici di pura energia sonora. Applausi fragorosi e un bellissimo e folcloristico bis per due violini che ha evidenziato la sorprendente musicalità sia di Radulovič che della Milosevič. Bravissimi. Dopo l'intervallo, come detto, cambio di sonorità con la Stuttgarter e Ettinger protagonisti nel celebre The Planets op.32. Questa Suite per grande orchestra in sette movimenti è stata composta dal compositore inglese Gustav Holst fra il 1914 e il 1916 ed eseguita per la prima volta a Londra nel 1916. Dopo oltre cento anni di esecuzioni il celebre lavoro ha mantenuto inalterata la sua evidente efficacia timbrica ad iniziare del primo movimento Marte, portatore della guerra, ispiratore per pregnanza e fragorosa potenza espressiva di innumerevoli future colonne sonore. Efficace e valida sotto ogni aspetto la resa espressiva orchestrale anche negli altri movimenti a partire dal secondo, Venere, portatore della pace, per concludere con Nettuno, il mistico, nel quale il giovane coro femminile del Figure Homain Chamber Choir diretto da Denis Rouger, nascosto in una sala attigua -per ottenere un effetto conclusivo di lontananza- ha evidenziato le ultime note in calare della splendida e celebre composizione. Fragorosi e lunghi applausi a tutti i validi strumentisti, ai coristi entrati in Sala Verdi per i meritati applausi e ai due validi direttori. Da ricordare a lungo.

22 novembre 2018 Cesare Guzzardella

Alessandro Taverna per la Società del Quartetto

Il pianista Alessandro Taverna ieri sera è stato ospite della Società dei Quartetto ed ha impaginato un programma con musiche di Chopin e Brahms. Non è facile accostarsi a due Sommi musicisti quando bisogna misurarsi con interpreti di alto valore che hanno reso immortali con le loro interpretazioni le musiche dei due grandi compositori. Taverna, presentandosi di fronte ad un numeroso pubblico quale quello venuto in Sala Verdi nel Conservatorio milanese, ha avuto certamente coraggio. Ha passato la prova esecutiva? La risposta a questa domanda non è facile e nel caso di un interprete personale e creativo come Taverna di non facile soluzione. A me è complessivamente piaciuto ed in alcuni frangenti anche molto. Le sue qualità vanno ricercate in una sua personale coerenza d'intendere la musica sia del polacco che dell'amburghese, lontana dai modi interpretativi che conosciamo. Il suo tocco non romantico ha una sua ragione d'essere nella sua personale ed interessante rivisitazione con sensibilità attuale della musica di Chopin. A volte modalità nuove interpretative superano di molto imitazioni di modalità entrate nella storia . Il suo Chopin, nella Barcarola op.60, nella serie di celebri Valzer con le opere 34 n.1, 64 n.2, 42, 64 n.1, nella Ballata n.4 op.52 e nello Scherzo n.3 op.39, lontano dai Pollini, da Zimerman, dai Blechacz, solo per citare noti eccellenti interpreti, è ben interiorizzato e restituito con timbriche dai colori scuri, in penombra e con piani sonori discreti e non troppo contrastati. Manca una certa estroversione e una certa brillantezza specie nei due Grandi Valzer Brillanti, ma ciò non toglie nulla alla resa comunque valida delle esecuzioni ascoltate. In Brahms, nella seconda parte del concerto, solo in parte vale lo stesso discorso specie nella selezione delle Danze ungheresi ascoltate con i numeri 1-4,5,6,7,8 eseguiti con sicurezza e ed energica risolutezza. Decisamente di qualità e rilevanza le note Variazioni su un tema di Paganini Op.35. Qui con sorprendente facilità esecutiva Taverna ha superato i passaggi più difficili che alcune variazioni impongono, ma è soprattutto la resa interpretativa complessiva che si è rivelata valida sotto ogni aspetto. Due i bis concessi con l' Intermezzo op.118 n.2 molto interiorizzato, ancora personale e valido nella resa, e una bellissima e rara Fuga dalle Variazioni su un tema di Telemann di Max Reger resa spettacolare col suo sorprendente virtuosismo. Bravo. Da riascoltare. Lunghi applausi al termine.

21 novembre 2018 Cesare Guzzardella

Milano Musica per György Kurtág al Teatro alla Scala

Continua la rassegna organizzata da Milano Musica e dedicata al compositore György Kurtág. Ieri sera il concerto previsto al Teatro alla Scala con l'Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai diretta per l'occasione da Heinz Holliger, prevedeva brani di Kurtág unitamente a lavori di Ligeti e Bartòk. Nella prima parte della serata la presenza del pianista francese Pierre-Laurent Aimard ha impreziosito il programma con il Concerto per pianoforte e orchestra di György Ligeti e poi con sette brevi e recenti brani di Kurtág, alcuni in Prima esecuzione assoluta e altri in Prima italiana. L'eccellente esecuzione del concerto di Ligeti, opera della fine degli anni '80, ha rivelato l'originale e complesso stile del compositore che in quel periodo risente soprattutto delle influenze etniche nelle quali la poliritmia ha un ruolo preponderante. Particolarmente efficace e accentuata la parte solistica di Aimard in perfetta sinergia con la direzione di Holliger e con i bravissimi orchestrali, tutti espressivi in ogni sezione strumentale. Interessanti i sette brevi brani pianistici di Kurtág ascoltati per la prima volta in Italia e composti tra il 2011 e il 201. Il primo, Sostenuto con slancio è un Omaggio a Scarlatti II dedicato a Margie, giocato su poche e contrastanti note ben evidenziate che si rincorrono lentamente tra suoni alti e bassi. Nel secondo , ..Für Heinz.. , l'elemento armonico dissonante è maggiormente pregnante in un andamento lento; il terzo "Per Marta il primo ottobre" , armonie vibrate attraversano i registri della tastiera per poi arrivare a note ripetute isolate particolarmente accentuate; il quarto, il Larghissimo " Lamento in memoriam Gábor Mózes accordi netti si interpongono a semplici note per poi unirsi in un clima di severa complicità intonando una semplice e tonale melodia facilmente riconoscibile; il quinto il Sostenuto "...che è nata oggi...Marta compie 90 anni.."(2017) gli accordi accentuati e grintosi si rincorrono in dissonanze particolarmente espressive; il sesto Passio sine nomine è un Molto agitato; nel settimo e ultimo brano, Dialogo, Balint Varga 70, l'andamento lento e lontano evidenzia alcune nitide note sottolineate da una austera melodia inquadrata in contrastati ma lievi accordi. Dopo l'intervallo il collaudato brano Stele op.33 per grande orchestra di Kurtág, lavoro del 1994 , ebbe la prima esecuzione in quell'anno con i Berliner Philharmoniker diretti da Claudio Abbado. Il suggestivo lavoro è ricco di tensione emotiva ed è giocato su timbriche di elevata pregnanza espressiva rese in modo eccellente dagli orchestrali della Rai. Probabilmente questo il lavoro più riuscito e profondo della serata. A conclusione un brano collaudato e sempre di grande efficacia come il Concerto per Orchestra di Béla Bartòk ha completato un programma che ha messo in risalto tutti e tre i grandi compositori ungheresi. Da ricordare. Prossimamente alla Scala le repliche (una questa sera) dell'opera di Kurtág Fin de partie. Da ricordare

20 novembre 2018 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Novara i Concerti del Cantelli 2018

Sabato 24 novembre 2018 alle ore 17 presso l'Auditorium Fratelli Olivieri per la stagione dei Concerti del Cantelli 2018/2019 si terrà un concerto cameristico per flauto e pianoforte con Musiche italiane del ‘900 e una première assoluta. i protagonisti sono: Gianni Biocotino, flauto e Gigliola Grassi, pianoforte. Verrano eseguite musiche di Pilati, Balliana, Casella, Rota.

dalla redazione 20 novembre 2018

Il Mosè in Egitto al Teatro Coccia di Novara

Con il Mosè in Egitto, andato in scena venerdì 16 e oggi, domenica 18 novembre, il Teatro Coccia di Novara ha reso il dovuto omaggio all’anno rossiniano, ormai vicino alla conclusione. E’ stata, diciamocelo, una scelta coraggiosa: del Rossini ‘serio’ il Mosè è opera tra le meno facili da rappresentare: richiede un buon numero di voci all’altezza di ruoli di non facile esecuzione, nonché, da parte di regista e scenografo, la soluzione di problemi di allestimento spettacolare, quale ad es. il passaggio del Mar Rosso, che siano credibili e non scadano, come talora pur succede, nell’assurdo e nel ridicolo. Per non parlare dell’orchestra e della direzione, che non possono scendere sotto un certo livello .Ma il Coccia, di questi tempi, con una politica intelligente di coproduzioni, sta decisamente migliorando la qualità della sua programmazione, e proprio questo Mosè ne è stata un’ulteriore prova. Coproduzione del Teatro Verdi di Pisa, della Fondazione Haydn di Bolzano e dell’Opéra Thèàtre di Metz e ovviamente dello stesso Coccia, questo capolavoro del Pesarese era affidato per la parte registica a Lorenzo Maria Mucci, affiancato per scene e costumi da José Yaque e Valentina Bressan. Sul podio Francesco Pasqualetti, a dirigere un’ottima compagine italiana, l’Orchestra regionale della Toscana (ORT). La regia di Mucci opta per una scena sostanzialmente fissa: un solo cambiamento, al terzo atto, quando le colonne sbrecciate e inclinate che inquadrano i primi due atti, simbolo abbastanza ovvio del potere del Faraone ormai sull’orlo della rovina, vengono sostituite da un telo o rete di colore azzurro, incombente sulla scena, a simboleggiare il mare. Questa sobria scenografia ha il suo punto di forza nelle luci di Michele Della Mea, gestite con interventi raffinati e molto varie, fin dalla memorabile tenebrosa scena iniziale. Il meglio della regia di Mucci è a nostro parere nei finali dei tre atti: nel primo, grazie anche a una perfetta intesa col podio, l’episodio della grandine riesce assai suggestivo; nel finale secondo la morte di Osiride, folgorato da Dio, è realizzata con potente efficacia, grazie anche all’ottima interpretazione teatrale di Elcìa e del Faraone che piangono tutto il loro strazio sul corpo senza vita del, rispettivamente, marito e figlio; nel finale terzo, intelligentemente, Mucci rinuncia a una qualsiasi soluzione ‘realistica’ dell’episodio del Mar Rosso, ricorrendo a una scelta che può sembrare fin troppo ‘povera’, ma che, all’atto pratico, si è rivelata più bella a vedersi che a dirsi: l’ampio telo o rete di cui sopra, si avvolge su se stessa per cedere il passo a Mosé e al suo seguito, per poi ricadere sull'esercito egiziano, mentre una videoproiezione (sembra che ormai le attuali regie proprio non possano farne a meno!) proietta sullo sfondo l’immagine del mare o delle dune del deserto (non abbiamo capito bene, l’immagine era in bianco e nero) comunque allusiva alla raggiunta salvezza del popolo d’Israele. Più debole appare la regia di Mucci nella ‘gestione’ dei movimenti di masse e solisti, che risulta alquanto statica e talvolta francamente poco originale e significativa; sorge la solita domanda: è un limite della regia o è piuttosto una soluzione imposta, quando vi sia un gran numero di cantanti e comparse, dalla non vastissima superficie del palcoscenico del teatro novarese? . Quanto alla parte musicale, Pasqualetti è direttore dall’appiombo rigoroso e preciso, dirige bene i cantanti, ma il suono che chiede all’orchestra ha talvolta qualcosa di freddo e pesante, che finisce con lo spegnere i momenti più intensi che sono anche del Rossini ‘serio’, checché ne dicano autorevolissimi critici, come Bortolotto, che giudicano “sontuosa, ma vuota” l’opera seria del Pesarese . Non si può che dire bene del coro Ars Lyrica diretto da Marco Bargagna, così come nel complesso valido è stato il livello tecnico e interpretativo espresso dal cast dei cantanti, in parte significativa provenienti dal fecondo vivaio dell’Accademia musicale di Pesaro, collegata al Rossini Opera Festival.. Tra tutti daremmo la palma del migliore al giovane tenore russo Ruzil Gatin, Osiride, dalla voce di bel timbro sonoro, ottima proiezione e omogeneità, perfetto controllo del fiato con centri robusti e acuti sciolti fino all’eleganza: un ottimo cantante rossiniano di cui siamo certi si parlerà in futuro.. Decisamente apprezzabile anche la prova di Silvia Dalla Benetta nel ruolo della regina Amaltea, parte sopranile non di primissimo piano, ma che, grazie a questa cantante, acquista un rilievo inconsueto. Le qualità vocali più spiccate di Dalla Benetta consistono in un perfetto controllo del fiato, nella morbidezza del timbro e nell’energia e potenza del volume di voce, che le consentono, tra l’altro, di spiccare nei numeri d’assieme.. Sorretto da una buona personalità, Alessandro Abis, nel ruolo di Faraone, tipico per basso.baritono, sembra trovarsi un po’ a disagio, avendo una tessitura vocale chiaramente da basso puro, che gli permette di raggiungere le zone acute della sua parte con una certa fatica, in parte compensata da un’agilità limpida e sicura nelle zone più centrali. Un grato encomio va all’altro basso Federico Sacchi, Mosé,, che, nonostante l’annunciata indisposizione, grazie al bel volume della voce, denso e grave, ha dato alla sua parte quella potente maestosità che le si confaceva, eseguendo con efficacia la memorabile aria del terzo atto “Dal tuo stellato soglio”. Buona anche l’Elcìa del soprano moldavo Natalia Gavrilian, che, oltre ad avere un ottimo acuto, padroneggia bene le dinamiche, ottenendo un fraseggio raffinato nelle messe di voce in piano e pianissimo, pur non esibendo un gran colore. Più che dignitose le parti di fianco, dal Mambre di Marco Mustaro, tenore di limitata proiezione, ma ben timbrata e corretta, all’Aronne di Matteo Roma per finire con Ilaria Ribezzi nella parte di Amenofi. Lunghi, meritati applausi alla fine, da un pubblico che, come sempre, ha quasi riempito platea e palchi del Coccia. Applausi strameritati per un Rossini degno delle celebrazioni di quest’anno.

18 novembre 2018 Bruno Busca

“IL pianoforte del’900 e il timbro dell’euphonio” al Conservatorio di Novara

“IL pianoforte del’900 e il timbro dell’euphonio”: questo il titolo del secondo concerto della nuova stagione del Conservatorio G. Cantelli di Novara, tenutosi oggi pomeriggio, Sabato 17 novembre. Il titolo indica con precisione le due parti, tra loro del tutto indipendenti, in cui era suddiviso l’impaginato. Nella prima parte il pianoforte di due giganti del ‘900, Debussy e Prokof’ev. Nella seconda, accompagnato dal pianoforte, uno strumento, della vasta famiglia degli ottoni, di raro impiego sia in insiemi orchestrali e cameristici, sia come strumento solista, appunto l’euphonio, o euphonium, che altro non è che un flicorno basso, accordato sul Sib: come in genere i flicorni, di impiego soprattutto bandistico. La prima parte vedeva protagonista la giovanissima pianista Giulia Ventura, allieva presso il Conservatorio novarese del maestro L. Schieppati. Di Debussy ha proposto i tre pezzi della seconda serie delle “Images”, dandone un’interpretazione decisamente valida: l’atmosfera ambiguamente vaporosa di questo Debussy è stata resa al meglio dal tocco della Ventura, già scaltrita nella gestione dei registri, come ne “Et la lune descend sur le temple qui fut” in cui i vari registri medio-acuti delle linee pentatoniche sono stati evocati dalle dita della giovane e promettente pianista con una sonorità ‘giavanese’, che penetra nell’essenza di questo magico mondo sonoro. Tecnicamente sicuro, ma da approfondire nell’interpretazione, il Prokof’ev della Ventura, che proponeva la Sonata n.2 in re op.14: degne di lode la chiarezza nitida del suono, e la precisione del tocco, anche nei passaggi più impervi, ma nel secondo tema del primo movimento non abbiamo sentito quel suono “dolorosamente sognante “, (per citare Rattalino) che lo contraddistingue e che è di certe memorabili pagine del grande Maestro russo, così come è apparso all’ascolto un po’ scolastico lo Scherzo, tra i più grotteschi e feroci composti da Prokof’ev. Si tratta comunque di rilievi che nulla tolgono ai meriti e alle virtù di una pianista dotata di qualità che, se ben coltivate, faranno certamente parlare di lei in futuro. Dobbiamo dichiarare apertamente che la seconda parte del concerto ci ha appagato molto meno. Non certo per demerito delle due interpreti, Marina Boselli, comasca, ma anche lei allieva del Cantelli, all’euphonium e Roberta Menegotto accompagnatrice al pianoforte. La Boselli è in questo momento, nonostante la giovanissima età, una delle migliori esecutrici di euphonium in Italia, vincitrice quest’anno del primo premio assoluto al concorso Premio Naziuonale delle Arti, in possesso di una tecnica che sconfina nel virtuosismo puro. Il problema è che il suono, il timbro di questo euphonium, cupo, scuro, metallicamente bandistico’, proprio non ci piace. Non sappiamo chi abbia avuto il coraggio di battezzarlo euphonium, cioè, con etimologia greca latinizzata “bel suono”. Deve trattarsi di una di quelle stravaganti etimologie ‘e negatione’ di cui erano bizzarri maestri i Latini, del tipo .”lucus a non lucendo” di varroniana memoria. Sia come sia abbiamo provato sinceri brividi di orrore a sentire la versione bandistica della Sonata n.3 per viola da gamba e clavicembalo in sol BWV 1029 di J. S. Bach, in cui la viola da gamba era appunto sostituita dall’euphonium. Il brano bachiano era preceduto dalla sonata per pianoforte ed euphonium di un John Reeman, di cui il programma di sala dà le date di nascita e morte nel 1873-1916, sul quale nelle nostre ricerche non abbiamo trovato alcuna notizia: al suo posto risulta un omonimo, nato nel 1946. Si tratta di una composizione piuttosto breve in più movimenti, tra i quali non ci è dispiaciuto il tempo lento, un’elegia malinconica e grave. Il concerto si è concluso con un brano piuttosto noto, Le Variazioni sul tema “Il Carnevale di Venezia” del compositore ottocentesco francese J. B. Arban, originariamente per tromba: è un brano dal tema di pretto sapore bandistico, da sagra paesana, in cui le variazioni mettono l’esecutore di fronte alle più ardue difficoltà dello strumento (la tromba, ma naturalmente anche l’euphonium). Senza bis il concerto si è concluso tra gli applausi del numeroso pubblico che affollava la Sala Olivieri del Conservatorio novarese.

18 novembre 2018 Bruno Busca

Prossimamente Filippo Gorini a Vercelli 

dalla redazione 17 novembre 2018 

L'inossidabile Andràs Schiff con Bach alle Serate Musicali milanesi

Siamo abituati alla costante presenza in Sala Verdi, nel Conservatorio milanese, del pianista ungherese Andràs Schiff. Ieri per Serate Musicali ha ancora una volta rimarcato la sua sorprendente musicalità con un tutto Bach che comprendeva nella prima parte il Concerto italiano BWV 971 e l' Ouverture in stile francese BWV 831 e nella seconda le stranote Variazioni Goldberg, monumento bachiano di architettura musicale e di equilibrio formale. Di grande qualità i primi due lavori. Avevamo ascoltato le Goldberg nel dicembre 2011 e anche questa volta siamo rimasti sorpresi dalla sorprendente musicalità di un pianista dalla memoria prodigiosa e dalla gestualità discreta tutta concentrata nell'interpretazione. Come scritto quell'anno, la celebre composizione data 1741 ed è un esempio grandioso di polifonia vocale. Le linee melodiche principali della composizione, prendendo spunto dalla semplice Aria iniziale, ritornano continuamente in tutte le trenta varianti del brano per circa settantacinque minuti di musica. Schiff in una non lontana intervista rimarcava l'essenziale riferimento della voce più bassa, quella sostenuta dalla mano sinistra, e raccomandava l'ascoltatore di concentrarsi soprattutto su questa. Il pianista ieri ha sostenuto ancora una volta un'eccellente interpretazione complessiva evidenziando, con chiarezza espositiva e luminosità, le voci in un contesto di moderati contrasti timbrici. La partenza leggermente incerta con qualche errore di tipo mnemonico nel finale della prima variazione, non ha certo inficiato il valore dell'esecuzione che è andata qualitativamente in crescendo con picchi eccelsi di raffinata espressività per alcune variazioni finali. Da notare che Schiff in questo brano non usa mai i pedali (eccezione per la sordina nella variazione n.26) e utilizza il pianoforte in modo quasi clavicembalistico anche se le sonorità dell'ottimo Steinway non nascondono una più evidente espressività classica evidenziata da un colore che solo la timbrica di quella tastiera puo' mettere in rilievo. Fragorosi applausi al termine.

12 novembre 2018 Cesare Guzzardella

Prossimamente un omaggio a Rossini al Conservatorio di Novara

Martedì 13 novembre 2018 alle ore ore 17.00 in Sala Musica presso il Conservatorio "Cantelli" di Novara si terrà Un tè con Rossini Omaggio al Compositore nel 150° anniversario della morte. Unn pomeriggio davvero singolare, ideato e curato da Simonetta Sargenti. Rossini, si sa, è passato alla storia per aver scritto una quantità incredibile di opere buffe, opere serie e semiserie, farse e quant'altro. «Egli si chiedeva spesso - rammenta Simonetta Sargenti - se sarebbe stato ricordato dopo la sua morte per la musica che aveva composto, temendo il contrario ed inseguendo un ideale capolavoro che ritenne di non avere mai scritto». Rossini è passato alla storia peraltro anche per la musica cameristica, pianistica e vocale (non teatrale) che compose lungo una vita intera operosa ed infaticabile. Rossini impenitente gourmet, la cui villa parigina costituiva un verio e proprio fulcro della vita musicale ed intellettuale dell'epoca. Ed è proprio l'intento di ricostruire una di quelle celebri soirées chèz Rossini che ha ispirato l'ideazione di detta giornata: non tanto una commemorazione vera e propria con prolusioni o conferenza, bensì grazie all'ascolto della sua stessa musica immortale. E dunque, in scaletta una nutrita schiera di pagine strumentali, cameristiche, vocali e in trascrizione, secondo il gusti e la moda di un'epoca tipica del XIX e di parte del XX secolo. Un pomeriggio godibilissimo e intenso al tenpo stesso, dove ci sarà spazio per alcune celie musicali (e non solo), compreso un breve intermezzo salottiero dialogato, a far da 'sorbetto', intervallando le delibazioni musicali vere e proprie. Interpreti e protagonisti allievi e docenti del "Cantelli"-

12 novembre dalla redazione

La chitarra di Eugenio Della Chiara ed il pianoforte di Alberto Chines per Scarlatti, Galante e Sciortino.

Il concerto visto ieri pomeriggio allo Spazio Teatro 89 era dedicato a tutti quei bambini e ragazzini che vengono sfruttati nel mondo attraverso attività lavorative spesso gravose e inadatte per la giovane età. L'associazione Forte?Fortissimo!, nata nel 2014 ha sponsorizzato lo splendido concerto attraverso la presenza in sala di alcuni rappresentanti tra cui Alessandro Marangoni. Questi hanno sensibilizzato il pubblico presente  al triste problema del lavoro minorile. Il chitarrista Eugenio Della Chiara ed il pianista Alberto Chines si sono quindi alternati in dodici Sonate di Domenico Scarlatti interrompendo la serie con un duo piano-chitarra per interpretare due brani contemporanei di Carlo Galante e di Orazio Sciortino, entrambi in prima esecuzione assoluta. Il concerto, particolarmente interessante ed inusuale, ha accostato due strumenti apparentemente diversi ma che trovano valida unione in un grande compositore del Settecento come Domenico Scarlatti. Le timbriche più precise e nette delle sonate eseguite al pianoforte K.209, K.9,K.125, K.149, in Sol maggiore (non catalogata) e K.159, hanno trovato più discrezione e più intimità nei volumi sonori più contenuti della chitarra di Della Chiara che ha eseguito le sonate K.208, K.175, K.380, K.32, K.391 e K.213. Entrambi molto bravi, i due validi strumentisti hanno avuto comunanza d'intenti prima nel brano Domenico 'S Fragments di Galante e poi nella Scarlattiana di Sciortino, entrambe naturalmente per chitarra e pianoforte. Molto valide le composizioni. Quella di Galante, circa dodici minuti di musica, è in cinque parti più una coda di ritorno alla prima. Un'introduzione dinamica e ritmica vede i due strumenti intrecciarsi rincorrendosi reciprocamente, mentre il secondo movimento più pacato ed incantato anticipa un terzo movimento dal sapore settecentesco molto aggraziato che si conclude con le corde pizzicate nella cordiera del pianoforte e nella chitarra, in un atmosfera magica da carillon. Il quarto movimento, dal carattere folcloristico e mediterraneo, ha ancora un valido intreccio dei due strumenti con momenti che ricordano la musica progressiva degli anni '70. Il quinto movimento alterna una melodia della chitarra dal sapore spagnoleggiante ad interferenze pianistiche aspre e nette per poi tornare ad una comunanza armonica e melodica. La coda finale (o sesta parte) riprende il movimento iniziale con un netto equilibrio delle parti tra i due strumenti. Un brano, quello di Galante, interessante e decisamente ascoltabile, cosa non sempre certa quando si ascoltano brani contemporanei. Il lavoro di Sciortino, altrettanto valido, è più breve, circa sei minuti di musica , molto dinamico e costruito su note ribattute sia del pianoforte che della chitarra per una costruzione ricca di energia e ben risolta armonicamente nell'alternanza e nella comunanza delle parti, con staccati grintosi e inesorabili che fanno presagire un dramma. Molto bello il bis con ancora Scarlatti questa volta in duo con una trascrizione da un originale brano per mandolino e continuo. Bravi tutti. Da ricordare.

12 novembre 2018 Cesare Guzzardella

Mikhail Pletnev alle Serate Musicali

È il terzo anno di fila che il pianista russo Mikhail Pletnev viene a Milano nella Sala Verdi del Conservatorio per un concerto all'insegna della classicità. Ieri, in una giornata diversa dalle consuetudini del lunedì di Serate Musicali, davanti un pubblico parzialmente numeroso, abbiamo assistito ad un eccellente concerto classico con Mozart e Beethoven. Brani notissimi e contrastanti con due sonate mozartiane, la K.282 in mi bem.maggiore e la K.330 in do maggiore in alternanza con due sonate del periodo più maturo di Beethoven con l'Op.110 in la bem.maggiore e l'Op.111 in do minore. I lavori, dal punto di vista del carattere nettamente in contrasto, ci hanno permesso di ascoltare Pletnev da diverse angolazioni. Come detto lo scorso anno, Pletnev ha rilevato dinamiche varie e differenziate con espressività che trasuda di caratteri introspettivi. Sia in Mozart che in Beethoven ha fornito una cifra stilistica riconoscibile e personale, identificabile da una assoluta precisione di scansione timbrica, accentuata da una tendenza alla dilatazione dell'evento sonoro che risulta sostenuto da chiara riflessione intellettuale. La compostezza delle posture, in sintonia con l'estetica dell'interprete si è mostrata in perfetta sintonia con gli ottimi risultati espressivi ottenuti. Le sonorità sono state precise e delicate in Mozart e corpose e spesso scultoree in Beethoven, specie nella Sonata Op.111 eseguita in modo superlativo da un Pletnev in crescendo nel corso della serata. Nell'op.111, capolavoro assoluto della letteratura pianistica, abbiamo maggiormente individuato le alte qualità del russo. Splendido il bis concesso con una sonata di Scarlatti eseguita elegantemente. Fragorosi applausi al termine di una serata certamente da ricordare.

9 novembre 2018 Cesare Guzzardella

Il violoncello di Sol Gabetta per la Società dei Concerti

La violoncellista argentina Sol Gabetta ed il pianista francese Bertrand Chamayou hanno suonato in duo per la Società dei Concerti interpretando Schumann, Britten e Rachmaninov. Un'intesa musicale di qualità per tre lavori diversi come Fünf Stücke im Volkston op.102 di R.Schumann, la Sonata in do magg. op. 65 di B. Britten e La Sonata in sol min. op.19 di S. Rachmaninov. I cinque brani del tedesco hanno messo in risalto la melodicità di Sol Gabetta e la splendida timbrica del raffinato violoncello Guadagnini del 1759. In questi brevi lavori in cui lo strumento a corda ha un ruolo dominante, bravissimo è stato anche Chamayou a sostenere le celebri melodie intonate in modo perfetto della cellista. La Sonata in sol minore dell'inglese Britten è una rarità esecutiva composta nel 1960-61 ed indicativa dello stile vario e personale del grande musicista inglese vissuto nello scorso secolo. La Sonata, di non facile immediatezza all'ascolto, è uno scrigno ricco di trovate timbriche particolari, spesso sottili e delicate, e nei suoi inconsueti cinque movimenti, evidenzia le infinite potenzialità dello strumento ad archetto. Emerge l' Allegretto del secondo movimento nel quale la Gabetta lascia l'archetto per uno scherzo-pizzicato energico nel quale le fa da eco il pianoforte con note ribattute che creano una suggestiva ed armoniosa atmosfera. Splendido l'equilibrio dinamico espresso dai due strumentisti per un brano che andrebbe eseguito spesso. La Sonata in sol minore  ha concluso il programma ufficiale ed appartiene al periodo più romantico del compositore russo. Essa rivela la complessità di un tessuto musicale nel quale le riconoscibili melodie del grande musicista si inseriscono in strutture armoniche complesse ed evolute. I due interpreti hanno mirabilmente centrato il bersaglio con un' esecuzione espressiva e ricca di dettagli che ha rivelato ancora una volta la perfezione nel tocco della Gabetta e anche le valide qualità interpretative del pianista francese. Lunghi applausi al termine del programma ufficiale e due bis di Manuel De Falla dalla Suite Populaire Espagnole: Nana e Polo. Da ricordare

8 novembre 2018 Cesare Guzzardella

Ho riascoltato ieri sera il pianista polacco Piotr Anderzewski da molti lustri ospite di Serate Musicali in Conservatorio e devo dire che sono rimasto ancor più soddisfatto degli anni scorsi avendolo trovato più maturo e personale. Il suo lavoro di cesellatore da alle sue esecuzioni una chiarezza espositiva evidente, chiarezza che certamente è dovuta ad un accurato studio dei dettagli. I sei Preludi e fughe dal Secondo libro del Clavicembalo ben temperato di J.S. Bach hanno introdotto la serata e hanno rivelato tutta la classicità di Anderzewski espressa con equilibrio perfetto sia nel dosaggio delle sonorità che nella varietà delle dinamiche. Più rilevante , devo ammettere sbalorditiva, l'interpretazione delle celebri Diabelli Variazioni Op.120 di L.V. Beethoven. L'incisività delle timbriche espressa sin dal Valzer iniziale, unitamente ad una luminosa coloristica ricca di contrasti ben controllati, rendono personale e decisamente di eccellente qualità questa esecuzione che segna una nuova svolta nel panorama delle interpretazioni. Peccato non abbia eseguito anche le Variazioni op.27 di Webern previste in programma. Pregnante di espressività la Bagatella - Andante con moto Op.126- beethoveniana elargita come bis. Da ricordare a lungo.

6 novembre 2018 Cesare Guzzardella

Lo Spazio Teatro 89 organizza molteplici attività tra le quali spicca quella musicale in collaborazione con Serate Musicali. Spesso interpreti di grande levatura giungono in questa elegante sala della periferia milanese , accogliente e con poco più di duecento posti disponibili. Ieri nel tardo pomeriggio un interprete di eccellenti qualità come Francesco Libetta è stato accolto da un numeroso pubblico tra cui riconoscibili critici del settore che ben conoscono le qualità del pianista pugliese. Libetta ha impaginato un programma diversificato ma legato ad un robusto filo conduttore sui temi del viaggio e degli incontri tra culture lontane. Brani di Joplin, Padova, Libetta, Liszt, Pixis, Godowsky, Ravel, Ricci, si sono succeduti nel corposo programma presentato sia da Luca Schieppati, organizzatore della rassegna, che da Libetta stesso. Rarità esecutive di Pixis, Godowsky e Ricci si sono alternati a lavori più noti di Liszt tratti da Années de pèlérinage, di Ravel tratti dalla Suite Ma mère l'Oye, di Joplin con gli introduttivi e celeberrimi Maple leaf rag e The Entertainer. A questi si aggiungono brani recenti di Andrea Padova (1962) con Rap del Quai d'Orsay e di Libetta stesso che si è rivelato anche ottimo compositore con tre brani da Prosthesis ( La coppia di anziani, Danza Cubana e Due) e il più articolato Frammenti di una Parafrasi immaginaria su La Saracena di Wagner. La diversificazione dei lavori ha messo in risalto la straordinaria duttilità dell'interprete nel passare a modalità esecutive differenti ma con un taglio stilistico personale che ha nella trasparenza coloristica, nel risalto melodico tra diversi piani sonori e nell' incisività del segno musicale i punti di forza. I due brani di Scott Joplin, nobilitati da Libetta al repertorio classico, sono stati eseguiti con modalità che ricordano gli stilemi del secolo scorso e che dimostrano le qualità del musicista americano considerato un tempo solo un grande intrattenitore. I tre lavori di Liszt, di straordinaria espressività ed eloquenza virtuosistica, hanno trovato in Libetta il grande interprete che conosciamo, forse il massimo italiano nell'ungherese. Gondoliera, Canzone e Tarantella si sono succedute senza soluzione di continuità nella nitidezza delle timbriche e nelle leggere e rapide soluzioni virtuosistiche. Il raro lavoro di Godowsky denominato Canto arabo esce dalle celebri peripezie virtuosistiche del grande pianista-compositore russo e ci presenta una semplice ma intensa melodia eseguita a quattro mani con il ballerino Giulio Galimberti, per l'occasione pianista in un ruolo  semplice ma fondamentale. Valida l'interpretazione complessiva. Galimberti ha anche sostenuto insieme a Libetta i brani di Ravel tratti da Ma mère l' Oye, l'opera conosciuta soprattutto nella versione orchestrale ma splendida anche in quella a quattro mani, con Libetta che esaltava, per bellezza coloristica, i registri alti della tastiera. Di grande caratura tecnica il lavoro di J.P.Pixis ( 1870-1938) denominato Scena popolare di Roma con l'ultimo dei tre brani, Saltarello, straordinariamente limpido nella successione di note ribattute. I brani contemporanei di Andrea Padova e dello stesso Libetta hanno dato un valore aggiunto al concerto in termini di novità. Rap del Quai d'Orsay di Padova parte da una nota ripetuta che rappresenta la tipica voce mono-nota del rap, per organizzare una struttura ritmico- percussiva di grande impatto sonoro reso benissimo da Libetta "schiaffeggiando" la tastiera in una sovrapposizione delle timbriche in tutti iregistri sino ad arrivare a quelli più alti e da ultimo a quelli gravi. Un ottimo lavoro e applausi anche al compositore salito sul palcoscenico. I tre brani da Prosthesis di Libetta - La coppia di anziani, Danza Cubana e Duo- sono particolarmente diversificati nell'approccio stilistico con riferimenti che spaziano da un certo jazz nelle armonie del primo brano , a un divertente sapore francese alla Poulenc o sud-americano alla Jobin, nella Danza Cubana. Più interessante compositivamente i Frammenti su la Saracena da Wagner che trovano nel finale prima una valida ed estroversa esternazione , poi una pacata e tenue soluzione. Avvincente il brano che ha concluso il programma ufficiale con Grida dei venditori di Napoli di Federico Ricci che ha visto l'impiego insieme a Libetta di ben quattro voci: tre validi professionisti come Kulli Tomingas, Silvia Susan Rosato Franchini e Gianluigi Palme e un non-professionista - per l'occasione- come Luca Schieppati. Divertenti e valide le dieci brevi canzoni popolari con titoli riferiti alle Ostriche, alle Castagne, ai Broccoli, ai Fichi, alle Mele, alle Fave,ai Frutti secchi ecc., benissimo interpretate da tutte le voci, Schieppati compreso. Eccellente il bis concesso  con la nota canzone di Franco Battiato La Cura rivisitata dal pianista con varianti melodiche e armoniche splendide. Fragorosi applausi. Da ricordare!

5 novembre 2018 Cesare Guzzardella

Il concerto inaugurale della 21° stagione del Viotti Festival avrà luogo sabato 10 novembre 2018 alle ore 21 presso il TEATRO CIVICO di Vercelli. Ci sarà TOUR DE DANSE À LA ROSSINI nel 150° della morte di Gioachino Rossini con la compagnia Egri Bianco Danza e L'Orchestra della Camerata Ducale e quindi IL CIOCCOLATO SPEZIE E AROMI con coreografie di Raphael Bianco.

4 novembre dalla redazione

Un impaginato corposo, ben organizzato e molto interessante quello ascoltato ieri sera nell'ultima replica del concerto scaligero della Filarmonica della Scala diretta per l'occasione da Lorenzo Viotti. Il ventottenne direttore,(Prima foto Archivio Scala di Brescia-Amisano) per la prima volta alla Scala con l'orchestra scaligera, rappresenta una sicura promessa della direzione internazionale e ieri ha certamente dimostrato di avere tutti i potenziali per continuare con successo una carriera già espletata attraverso numerose direzioni sia sinfoniche che liriche in prestigiosi teatri. Il programma prevedeva quattro brani orchestrali, due certamente tra i più eseguiti come il Siegfried Idyll di Richard Wagner e Prélude à l’après-midi d’un faune di Claude Debussy e due di più rara esecuzione come L'isola dei morti di Sergej Rachmaninoff e Le poème de l’extase di Skrjabin. I primi due composti negli ultimi trent'anni dell'Ottocento- rispettivamente 1870 e 1894- sono certamente anticipatori del nuovo secolo; i secondi, realizzati al termine del primo decennio del secolo scorso, hanno un evidente impatto virtuosistico. Originale la scelta inusitata ed intimista da parte del direttore di non usare la bacchetta nei primi due lavori e di usarla invece nei lavori più corposi e spesso fragorosi della grande orchestra. La resa direttoriale di Viotti, dalla gestualità composta ed elegante, ha raggiunto complessivamente ottimi risultati con, a mio avviso, una più che buona direzione per Wagner e Debussy ed eccellente resa per Rachmaninoff e Skrjabin. Il celebre lavoro wagneriano, scritto dal grande operista per tredici strumenti ed eseguito nella versione più allargata, ha trovato un buon compromesso tra l'esigenza più intima d'espressione dei pianissimi e la più estroversa esternazione del tutto orchestrale. Nella valida interpretazione del preludio debussyniano segnaliamo l'ottimo intervento del decisivo primo flauto. Grandi impatti timbrici ed esternazioni volumetriche nei due brani allargati dove l'orchestra scaligera ha mostrato tutte le sue qualità interpretative. Una segnalazione per la sezione degli ottoni - bravissima la prima tromba nel poema di Skrjabin- e delle percussioni sempre nel brano che ha concluso la bellissima serata. Grande successo e ripetute uscite sul palcoscenico del giovane Viotti. Questo concerto ha anticipato il ritorno di Viotti alla Scala previsto nel 2019 con il Romeo e Jiuliette di Gounod. Da ricordare.

1 novembre 2018 Cesare Guzzardella

Il componimento da camera Apollo in Cielo, cantata di Antonio Caldara (1670-1736) e in prima assoluta in epoca moderna inaugurerà Sabato 10 novembre 2018 alle ore 17, i Concerti del Cantelli 2018/2019. nel cast un pool di esperti barocchisti per una esecuzione di alto livello Angela Hyun Jung Oh, Apollo, Giulia Musuruane, Clizia, Maria Pahlman, Climene, Giorgia Sorichetti ,Mercurio, Luca Dellacasa, Cefiso, Marco Saccardin, Sterope e l' Ensemble Barocco del Conservatorio “Guido Cantelli” di Novara

1 novembre 2018 Dalla Redazione

OTTOBRE 2018 

E da alcuni anni ospite di Serate Musicali la pianista cinese Sa Chen. Ieri sera ha proposto un impaginato incentrato su due musicisti diversi quali Claude Debussy e Franz Schubert. Prima i rari 12 Studi del francese e, dopo il breve intervallo, i Quattro Improvvisi D 935 del viennese. Brani certamente diversi ma accomunati da un' interprete che ha nella perfezione tecnica assoluta e nelle qualità riflessive elementi per una convincente restituzione. I 12 Studi di Debussy, raccolti in due libri, sono nel tipico stile del francese, dedicati a Chopin soni stati composti nel 1915. Sa Chen ha fornito un'interpretazione coloristicamente di qualità con andamenti moderati e riflessivi. La sintonia tra lo spirito dei brani del francese e la sensibilità meditativa orientale è indubbia e la Chen si è trovata perfettamente a suo agio con la tavolozza dei colori di Debussy. La pianista, di Chongqing, inaspettatamente si è poi rilevata un'eccellente interprete di Schubert. I quattro celebri Improvvisi op.142 D.935 sono stati eseguiti in modo magistrale con dinamiche corrette e perfettamente equilibrate: tempi riflessivi e melodie luminose ben sottolineate nel contesto armonico.Non una sbavatura e soprattutto profondità di pensiero. Una rivelazione che dimostra la vicinanza oramai consolidata dell'Oriente alla cultura europea. Da ricordare.

17 aprile 2018 Cesare Guzzardella

Tra i numerosi concerti organizzati in Sala Verdi da Serate Musicali, in genere cameristici, troviamo a volte anche grandi orchestre sinfoniche. Quella ascoltata ieri sera era l'Orchestra della Svizzera Italiana -OSI- . È stata diretta da Markus Poschner in due importanti lavori del Secondo Ottocento musicale: il Concerto in Re maggiore Op.35 di P.I. Čaikovskij e la Sinfonia n.4 in Mi bem. magg. "Romantica" di Anton Bruckner. Nel primo lavoro del musicista russo, certamente più noto, c'era Patricia Kopatschinskaja, violinista quarantenne moldava riconoscibile per il suo estro e la sua evidente gestualità. Ha rilevanti qualità Patricia: appartiene alla categoria degli interpreti "creativi", quelli che pur rimanendo sostanzialmente fedeli alla partitura, cercano nuove soluzioni in termini dinamici e coloristici. L'Op.35, forse il concerto per violino più eseguito al mondo, trova decine di splendide interpretazioni fatte dai più grandi virtuosi di ogni tempo. Non è facile aggiungere qualcosa di nuovo. La violinista, a mio parere, in questo è riuscita. I suoi modi "irregolari" d'interpretare, con lievi cambiamenti dinamici e temporali, accelerazioni improvvise o timbriche appena percepibili, come nel delizioso Canzonetta.Andante centrale, hanno portato ad un modo originale e diverso d'interpretare Čaikovskij. Bravissima la compagine orchestrale e l'ottimo direttore Poschner a regolare perfettamente i volumi delle sezioni orchestrali in maniera da far rilevare ogni peculiarità dell'estrosa violinista. Patricia nei momenti interamente orchestrali seguiva soddisfatta l'orchestra, accennando con le labra alla melodia, con brevi movimenti a piedi nudi - come sua abitudine- sul palcoscenico. Ottima l'interpretazione complessiva e inaspettato l'interessante bis concesso dalla Kopatchinskaja: senza violino ma con un pianoforte verticale d'emergenza - se volete anche un po' scordato e in posizione defilata- per interpretare Hommage a Čaikovskij di György Kurtag. Un brevissimo brano di poco più di un minuto dove la gestualità, evidente e importante, si somma alla capacità dell'interprete di utilizzare cluster di note evidenziando dinamicamente i contrasti timbrici sulle differenti posizioni nella tastiera, quasi a voler dominare il pianoforte con effetti risolutori anche pregievoli. Applausi fragorosi alla simpatica, sempre sorridente artista. Dopo l'intervallo abbiamo apprezzato la direzione e le alte qualità della compagine orchestrale nella Sinfonia "Romantica" di Bruckner, forse il lavoro più celebre del compositore austriaco di Ansfelden. Brava tutta l'orchestra e un plauso alla scintillante sezione degli ottoni. Da ricordare.

14 aprile 2018 Cesare Guzzardella

Il concerto ascoltato in Auditorium ieri sera ha avuto come momento più rilevante una rarità esecutiva quale il Concerto n.2 in Sol minore Op.16 di S. Prokof'ev. Questo è stato anticipato da un breve brano di Dmitrij Sostakovič - anche questo di rara esecuzione e di grande impatto coloristico- quale l'Ouverture Festiva Op.96. Sul palco insieme al direttore Claus Peter Flor il pianista milanese Luca Buratto. Buratto vincitore nel 2015 di un importante concorso internazionale - Honens International Piano Competition- ha mostrato rilevanti qualità interpretative in questo lavoro del grande russo scritto nel 1913 in stile "futurista" per la dinamicità e la fragorosità delle timbriche. Le difficoltà tecnico-esecutive del brano sono apparse superate con apparente facilità da Buratto per una restituzione esemplare nella limpidezza dei particolari timbrici. L'interiorizzazione di ogni dettaglio, anche nei frangenti più difficili, dimostrano le alte potenzialità di questo giovane pianista che speriamo di riascoltare presto a Milano in un recital solistico. Sottoliniamo anche le ottime qualità della Sinfonica Verdi e del direttore Flor per la rilevanza della parte orchestrale, in perfetta sinergia con il pianoforte. Molto delicato e profondo il bis solistico concesso da Buratto con una valida trascrizione da una nota aria di Monteverdi, Pur ti miro, pur ti godo, da "L'incoronazione di Poppea". Dopo l'intervallo, conclusione della triade russa con Stravinskij e la celebre suite da  Uccello di fuoco eseguita con grande energia e determinazione dalla compagine orchestrale. Da ricordare. Repliche per questa sera e domenica alle ore 16.00. Da non perdere.

13 aprile 2018      Cesare Guzzardella

Il concerto ascoltato ieri sera in Sala Verdi ha trovato al pianoforte il ventinovenne pianista russo Nikita Abrosimov in un programma variegato che prevedeva musiche di Musorgskij, Beethoven e Stravinskij. La prima parte della serata ha visto l'esecuzione dei celebri Quadri di un'esposizione, lavoro in più movimenti del musicista russo intervallati dalla nota melodia della "passeggiata" . Abbiamo trovato valida, non entusiasmante, la resa pianistica di Abrosimov: momenti di incertezza iniziale hanno portato poi a chiare definizioni coloristiche al termine del lavoro. Cambio di registro nella seconda parte del concerto con in prima battuta la Sonata n.15 In Re maggiore Op.28 "Pastorale" di Beethoven e quindi Tre movimenti da Petrouchka di Igor Stravinskij. La sonata beethoveniana, pur lontana dal classicismo consolidato dalle interpretazioni storiche, ci è piaciuta molto per la capacità di penetrazione di ogni elemento melodico-armonico eseguito con eleganza e chiarezza di dettaglio e per la scelta stilistica unitaria del lavoro. In questo caso la conoscenza approfondita del materiale sonoro ha portato ad un ottimo risultato. L'ultimo brano del programma ufficiale, il celebre Petrouchka stravinskijano nella versione pianistica in tre parti, ha fatto emergere le migliori qualità del giovane interprete attraverso un'esecuzione altamente virtuosistica dove la chiarezza espressiva, in ogni frangente e in un contesto di elevata penetrazione estetica, ha centrato l'obiettivo della resa eccellente. Due i validi bis concessi con l' Improvviso Op.90 n.3 di Franz Schubert ed lo Studio trascendentale n.10 di Franz Liszt. Fragorosi applausi al termine. Un pianista che merita un accurato riascolto.

12 aprile 2018 Cesare Guzzardella

Ci sono dei concerti che assolutamente non andrebbero persi per la qualità artistica espressa. Ieri sera abbiamo assistito ad uno di questi al Teatro Dal Verme. Organizzato da Serate Musicali, la serata prevedeva il duo violino-pianoforte formato da Maxim Vengerov e Polina Osetinskaia. Hanno espresso qualità di primo livello, con picchi eccelsi in un programma vario ed interessante sotto ogni profilo: da Brahms con le sonate Op.78 e Op.108, eseguite nella prima parte della serata, a Ravel con la Sonata in Sol maggiore, quindi Paganini con Cantabile in Re maggiore Op.17 e per finire Rossini/Kreisler con I Palpiti Op.13. La corposità dello Stradivari "Kreutzer" del 1727 di Vengerov si è subito rivelata dalle prime note del Vivace ma non troppo della Sonata in Sol maggiore del grande amburghese. L'impasto sonoro ottenuto dal violino col pianoforte, strumento quest'ultimo rilevante in tutte le Sonate brahmsiane con archetto , era perfettamente delineato e unitario. Anche la posizione sul palcoscenico scelta da Vangerov, molto vicina alla Osetinskaya, dimostra come il solista siberiano volesse creare un sorta di unità timbrica evitando di mettersi in posizione strategica - più vicina al pubblico- per far risaltare le proprie qualità stilistiche. Evidenziamo le eccellenti qualità tecnico-musicali della pianista moscovita che in molti frangenti sottolinea con generosa tenue presenza i momenti rilevanti della parte violinistica. Anche nei frangenti più affascinanti delle sonate brahmsiane, come nel celebre Adagio della Sonata in Re minore Op.108 o nei movimenti conclusivi, un poco presto e con sentimento e il Presto agitato finale -che con impeto conclude la celebre Sonata- , l'equilibrio tra i due strumentisti è risultato determinante per l'eccellente resa complessiva. Nella seconda parte del concerto, partendo dalla nota Sonata in Sol di Maurice Ravel il ruolo del violino è andato via via aumentando e soprattutto è cambiato il clima dal punto di vista del virtuosismo sempre più evidenziato. La moderna sonata raveliana, che risente l'influenza d'oltre oceano specie nel coinvolgente secondo movimento denominato Blues.Moderato, è un capolavoro per sintesi discorsiva e coloristica, con momenti importanti anche per la rilevante parte pianistica. Con il Cantabile in Re maggiore di Paganini e con le splendide variazioni sul tema "Di tanti palpiti" tratte dall'opera Tancredi di G.Rossini, nella formidabile trascrizione del compositore-virtuoso Fritz Kreisler, sono emerse tutte le peculiarità del Vengerov virtuoso. La facilità discorsiva resa dal solista, pur nelle incredibili difficoltà tecniche delle composizioni affrontate, rendono di apparente semplicità i brani, a dimostrazione della grandezza interpretativa di questo artista dell'archetto. Splendide le esecuzioni con sopracuti ingenti di una chiarezza allarmante. Successo evidente e fragorosi gli applausi al termine del programma ufficiale e ben quattro bis concessi dai generosi interpreti con due di Fritz Kreisler, Caprice viennois e Tambourin chinois, un Brahms con la Danza ungherese n.2 e quindi una meravigliosa Meditation dal Thais di Jules Massenet . Memorabile.

11 aprile 2018 Cesare Guzzardella

Don Pasquale, nuova produzione del Teatro alla Scala in scena con nove recite fino al 4 maggio, è tra le opere più apprezzate di Gaetano Donizetti. Ieri sera, nella seconda rappresentazione, il successo unanime tributato dal pubblico scaligero testimonia l'efficace resa complessiva dell'opera buffa, -con venature drammatiche- del compositore bergamasco. L'oggettiva riuscita di questa messinscena   (foto Brescia-Amisano a cura del Teatro alla Scala) nasce da un grande lavoro di squadra. Efficace la direzione musicale di Riccardo Chailly, energico, dettagliato e attento alla componente vocale sia nell'ottima interpretazione complessiva del cast che nel Coro preparato benissimo -come sempre- da Bruno Casoni. Moderna, in un contesto tradizionale, la regia -dal taglio cinematografico - di Davide Livermore in compresenza per le scene - ambientate negli anni '50 con tanto di auto d'epoca, vespe, biciclette e riferimenti a set cinematografici- con lo studio di designer, scenografi e architetti denominato Giò Forma. I costumi appropriati di Gianluca Falaschi, le luci perfette di Nicolas Bovey e le inserzioni video a cura di Video Design D-Wok, completano il tutto. Insomma un gioco di squadra che si dimostra vincente in questa produzione lirica e che continua una serie valida di rappresentazioni della stagione 2017-18. Ricordiamo i protagonisti, pochi e tutti all'altezza: Ambrogio Maestri un Don Pasquale con chiare timbriche, bravissimo anche attorialmente; Rosa Feola, Norina, ha voce significativa in ogni registro, eleganza timbrica anche sicura e precisa; Renè Barbera è un Ernesto con timbrica precisa, abbastanza voluminosa e con eccellenti colorature ed intonazione; Mattia Olivieri, il Dottor Malatesta, riesce attorialmente a riempire molto bene la scena ed ha voce corposa e valida sotto ogni profilo; ed infine un plauso anche ad Andrea Porta, il Notaro. Insomma un cast decisamente di qualità che insieme al resto, ha meritato i lunghi e fragorosi applausi tributati al termine. Prossime repliche per l'11-14-17-24-28 aprile e per il 4 maggio. Da non perdere!!

7 aprile 2018 Cesare Guzzardella

Una serata inconsueta quella organizzata dalla Società del Quartetto. Inconsueta anche per il luogo, il Piccolo Teatro Studio "Melato", e soprattutto per la presenza insieme alla nota pianista veneziana Gloria Campaner. del visual artist Natan Sinigaglia. Insieme hanno inventato uno spettacolo visivo-musicale particolarmente interessante denominato Musiké - Concerto per pianoforte e realtime graphics system. Questa rappresentazione univa un programma pianistico classico ad immagini proiettate su un grande schermo pilotate elettronicamente, con l'ausilio di sensori sensibili al movimento del corpo, dal bravissimo Sinigaglia. Le timbriche e ogni dettaglio dinamico della coinvolgente interpretazione pianistica della Campaner hanno trovato perfetta sintonia con le immagini geometriche definite da linee, punti, aggregati di forme,ecc., in un tutt'uno dinamico che veniva contestualmente inventato - previo un valido software- dal visual artist seguendo in modo preciso l'andamento musicale. Le sinergie dei due interpreti hanno portato alla particolare resa artistica che anche dal punto di vista musicale ha espresso un livello interpretativo valido. La Campaner eseguendo Bach, Pärt, Skrjabin e Prokof'ev con un grancoda Fazioni adattato per l'occasione all'intervento computerizzato, si è immersa in un mondo di immagini grafiche che ha - in senso positivo - condizionato la parte espressivo-musicale donando alle timbriche uno spessore di profondità estetica notevole: come se la resa musicale fosse determinata dalla sinergia del duo. Decisamente intensi alcuni momenti, anche nelle immagini prodotte, come quelli legati al brano Für Alina del compositore estone Alvo Pärt o alla splendida Toccata Op.11 di S. Prokof'ev e particolarmente valido Bach sia nella Suite Inglese n.3 che nelle trascrizioni di Siloti e Kempff. La continuità delle esecuzioni ha reso unitario un lavoro d'immagini che al termine ha trovato l'apprezzamento del numeroso pubblico intervenuto. Da ricordare.

6 aprile 2018 Cesare Guzzardella

MARZO 2018

Grande successo per Mahler 10, Petite Mort e Boléro al Teatro alla Scala

Uno spettacolo relativamente breve ma intenso quello proposto al Teatro alla Scala in questi giorni. Mahler 10, Petite Mort e Boléro, balletti rispettivamente costruiti sulle musiche di Mahler, Mozart e Ravel, rivelano come la forza della migliore musica possa essere potenziata e raccontata dalla danza in un tutt'uno che a questi livelli determina autentici capolavori. Mahler 10 (foto Archivio Scala) della coreografa canadese Aszure Barton, in prima assoluta alla Scala, è un balletto costruito sull'Adagio dalla Sinfonia n.10 mahleriana che prevede la presenza di otto ballerini protagonisti insieme al Corpo di Ballo scaligero. La realizzazione classica dello splendido lavoro segue attentamente la geniale partitura di Mahler restituendo anche i soli orchestrali mediante interventi, in solitaria o in coppia, degli eccellenti ballerini tra i quali citiamo almeno Antonino Sutera e Virginia Coppi. Petite Mort del coreografo Jiří Kiliàn è costruito sull' Adagio e l' Andante rispettivamente dei concerti K 488 e K 467 di Mozart, due capolavori assoluti del musicista salisburghese che hanno trovato la parte solistica splendidamente interpretata dal pianista Takahiro Yoshikawa. La bellissima versione danzante di Kiliàn , già proposto in Scala in un Gala des Etoile nel dicembre del 2004 con i strepitosi Greta Hodgkinson e Roberto Bolle, passa da iniziali situazioni moderne con un'introduzione quasi silenziosa ad un classicismo modernizzato dai statuari dodici protagonisti tra i quali citiamo, nell'ottava rappresentazione di ieri, almeno Stefania Ballone e Daniele Lucchetti. Con lo strepitoso Boléro di Ravel nella celebre versione di Maurice Béjart si è arrivati al traguardo della bellissima serata. Ricordiamo la data del 10 gennaio 1961 che rappresenta la prima francese di questo capolavoro coreografico che troverà decine e decine di rappresentazioni nel mondo. La suggestiva musica in crescendo di Ravel ha trovato risposte nel crescente desiderio degli uomini che circondano la protagonista assoluta del "cerchio rosso". Ieri nel nome di una bravissima Martina Arduino e degli altri eccellenti ballerini, la sensualità dal capolavoro di Béjart è stata pari alla strepitosa orchestrazione che Ravel ha donato in questo grande Boléro. Non dimentichiamo l'eccellente direzione di David Coleman alla testa dell'Orchestra del Teatro alla Scala. Applausi interminabili. Prossime repliche previste per il 29-30 marzo e 5-7 aprile. Assolutamente da non perdere!

28 marzo 2018 Cesare Guzzardella

Elisso Virsaladze è tornata alle Serate Musicali

Un pubblico di appassionati, purtroppo in una sala non al completo, ha accolto ieri sera nel Conservatorio milanese la pianista georgiana Elisso Virsaladze. La nota interprete, come ricordato in altre recensioni, appartiene ad una delle scuole pianistiche più importanti del secondo Novecento. Erede della migliore scuola russa, quella che annovera tra i grandi interpreti come i pianisti Richter e Gilels o la cellista Gutman, è stata anche allieva di Heinrich Neuhaus. Le aspettative degli appassionati, quando ci si trova di fronte ai grandi, sono sempre alte, e la Virsaladze certamente non ha deluso il pubblico eseguendo brani di Chopin, Mozart e Schumann ai suoi massimi livelli. La sua sicurezza espositiva si è riscontrata dalle prime note della Polacca-Fantasia in La bem. Maggiore Op.61 di Chopin e ha trovato efficace resa espressiva anche nella celebre Sonata n.3 in Si minore Op.58 eseguita con sorprendente discorsività e con caratteristiche improvvisatorie. Dopo un classico Mozart, quello del Rondò in La minore K 511, chiaro e luminoso, la pianista di Tblisi ha ancora una volta mostrato il suo splendido tocco virtuosistico nel Carnaval Op.9 di Robert Schumann. Nel musicista di Zwickau la Virsaladze è perfettamente a suo agio, con un'impronta stilistica riconoscibile nel suo alto livello interpretativo. Nitidi i piani sonori e di profonda valenza espressiva la componente melodica. Tre i bis concessi con un chiarissimo Bach per violino Bwv 1005 nella trascrizione pianistica di Saint-Saens e due brevi ed eleganti valzer di Chopin: l'Op.69 n.1 e l'Op. 64 n.1 "Minute" dal sapore estemporaneo. Fragorosi gli applausi al termine.

27 marzo 2018 Cesare Guzzardella

Stefan Milenkovich e Giuseppe Grazioli per il celebre concerto di Čaikovskij

Ieri pomeriggio abbiamo assistito alla replica conclusiva del concerto dell'Orchestra Sinfonica Verdi diretta per l'occasione da Giuseppe Grazioli. In programma musiche di Čaikovskij e di Kalinnikov. Il Concerto in Re maggiore Op.35 del primo compositore russo- brano tra i più eseguiti al mondo - ha trovato come violino solista Stefan Milenkovich, virtuoso particolarmente presente nelle sale da concerto milanesi dove ha eseguito in questi anni altri capisaldi del repertorio violinistico. Virtuoso raffinato e di gran classe, ha sostenuto con determinazione il noto lavoro in tre movimenti trovando in Grazioli il direttore ideale per scelte interpretative. Il timbro luminoso e marcato del suo fraseggio ottenuto con una cavata composta e perfetta, è risultato eccellente anche nei passaggi più ardui. La bellissima cadenza al termine dell'Allegro moderato iniziale è stata eccellente. Di grande equilibrio anche il finale Allegro vivacissimo con pizzicati e sopracuti voluminosi, cosa che non è da tutti. Bellissime le timbriche della Sinfonica Verdi in ogni sezione e validi gli equilibri timbrici cercati da Grazioli. Ben tre i bis concessi dal simpatico solista che trova sempre un motivo per integrare con parole scherzose i brani solistici scelti. Prima Recitativo e scherzo di Fritz Klaisler, poi l'Allemanda dalla Partita n.2 di Bach per terminare il Capriccio n.24 di Paganini, quello delle variazioni eseguite con estrema facilità ed in modo eccellente dal virtuoso serbo. Dopo l'intervallo una rarità di Kalinnikov quale la Sinfonia n.1 in Sol minore è stata interpretata splendidamente da Grazioli e dalla compagine orchestrale milanese. Ricordiamo che il russo Vasily Kalinnikov è vissuto nella seconda metà dell'800 e ha composto due valide sinfonie oltre a liriche e musica cameristica. L'ispirazione folcloristica lo accosta allo stesso Čaikovskij, ma anche a musicisti vissuti nello stesso periodo come A. Dvorak. Bravissimo Grazioli nella sua continua ricerca di lavori poco noti come l'ottima sinfonia ascoltata con un primo movimento ricco di liriche e orchestrazioni eccellenti. Un lavoro di grande impatto emotivo. Il numeroso pubblico intervenuto ha certamente saputo apprezzare la bellissima esecuzione. Da ricordare.

26 marzo 2018 Cesare Guzzardella

Il ritorno di Radu Lupu in Conservatorio per la Società del Quartetto

Sono passati alcuni anni da quando il pianista rumeno Radu Lupu è salito sul palcoscenico di Sala Verdi in Conservatorio e anche ieri sera il "tutto esaurito" registrato al botteghino testimonia l'interesse che questo grande interprete desta al pubblico di appassionati di musica pianistica. Ricordiamo le sue vittorie in tre importanti concorsi internazionali: il Van Cliburn nel 1966, l’Enescu International nel 1967 ed il Concorso di Leeds nel 1969. Da allora la sua carriera concertistica è stata memorabile e ogni concerto risulta atteso come importante evento da non perdere. In Italia ricevette nel 1989 il prestigioso premio “Abbiati”, assegnato dall’Associazione dei Critici italiani. Ieri il programma previsto è stato un "tutto Schubert", il musicista che più di ogni altro ha formato la personalità di Lupu rendendone storiche le sue interpretazioni dal vivo e su disco. L'impaginato prevedeva i Sei Momenti musicali op.94 D 780, la Sonata in La minore op.143 D784 e la Sonata in La maggiore D959. Avendo ascoltato Lupu più volte ed avendo ancora in mente lo straordinario concerto del maggio 2012, sempre in Sala Verdi, nel quale oltre all'amato Schubert (Improvvisi Op.142, Sonata D 845) , eseguiva un'inarrivabile César Franck con il Preludio, Corale e fuga, devo esprimere una certa riserva sul concerto ascoltato ieri. La sua gestualità, nascosta in parte dal suo aspetto, corpulento e statuario, viene compromessa da visibili incertezze che fanno pensare a frequenti vuoti di memoria. L'altissima cifra interpretativa ancora ben rilevata in molti frangenti, è stata in parte quindi disturbata da errori tecnici un tempo impensabili nei passaggi armonicamente più complessi. Per un artista che, come rilevato nel 2012, ha "il raro dono di penetrare e ricreare la musica concentrandosi solo sull'interpretazione", certi cedimenti "strutturali" non sono cosa da poco. Evidenziamo comunque tra i momenti del migliore Lupu di ieri sera almeno i Sei Momenti musicali D 780 specie il Moderato iniziale e il seguente Andantino eseguiti con profonda partecipazione emotiva e i movimenti centrali della Sonata D959, l'Andantino- di scultorea profondità espressiva- e lo Scherzo. Valido il bis concesso con -sempre di Schubert- l'Impromtus n.2 in La bem. Maggiore D 935. Fragorosi applausi al termine.

24 marzo 2018 Cesare Guzzardella

Pedroni e Franzetti al Teatro Faraggiana di Novara concludono il Festival Cantelli

Piuttosto inusuale la formula della serata con cui, ieri sera Venerdì 23 marzo, al Teatro Faraggiana, si è conclusa la trentasettesima stagione di musica sinfonica e concertistica del novarese Festival Cantelli: un impaginato monograficamente schumanniano, che dell’infelice Maestro di Zwickau proponeva il Concerto per violoncello e orchestra in La minore op.129 e il Concerto per pianoforte e orchestra in La minore op.54. Solisti e , in alternanza, direttori il violoncellista Luca Franzetti e il pianista ( novarese di nascita e residenza) Simone Pedroni: i due si sono alternati sul podio quando l’altro era impegnato nella sua parte di solista, guidando l’Orchestra Filarmonica Italiana, compagine di tutto rispetto, di cui si sente parlare poco, ma che vanta ormai trent’anni di intensa attività, nel nostro Paese e in giro per il mondo. Era la prima volta che sentivamo Franzetti, ma subito, quando, dopo il breve inciso introduttivo dei fiati, sono echeggiati sul suo violoncello gli arpeggi del primo tema, è apparsa chiara una delle caratteristiche più pregevoli del suo stile esecutivo: una grande cantabilità, piegata sino ad esiti di estrema dolcezza, che ovviamente si esalta in una composizione, come questo concerto di Schumann, che punta a sfruttare al massimo tutto l’ambito cantabile del violoncello. Una cavata di grande delicatezza e morbidezza di tocco, che rende meno spigoloso del solito persino il tema marziale del movimento conclusivo. Una scelta interpretativa dunque, quella di Franzetti, che ha puntato sul registro del grande canto romantico, lirico e delicato, quasi un grande Lied, la cui avvolgente musicalità calda e vellutata del violoncello, ha stemperato anche i momenti di maggior energia dinamica e agogica, sciogliendo persino le numerose doppie corde della cadenza in tempo del Finale in un flusso di struggente lirismo. In questa scelta interpretativa Franzetti ha trovato un appoggio ideale nella bacchetta di Pedroni, che ha già alle spalle una significativa esperienza direttoriale, inaugurata nel 2015: Pedroni ha alleggerito il volume sonoro dell’orchestra, piegandolo ad una sonorità molto delicata, con una timbrica di una levità talora sorprendente, che ha raggiunto il suo apice nel secondo tempo, ove il pizzicato di violini e viole e il controcanto dei violoncelli avevano qualcosa di etereo, con un effetto magico di misterioso “notturno” carico di suggestione. Se il Pedroni versione direttore ha colpito per la delicatezza imposta all’orchestra, il Pedroni versione pianista ha invece virato su un suono carico di energia e di intensità espressiva, subito, anche in questo caso, annunciata , dalla energica serie di accordi puntati che aprono il concerto. Questa energia di suono, che sa peraltro piegarsi ad un registro di morbida cantabilità nella sezione centrale del secondo movimento, è sempre sostenuta da una estrema chiarezza del fraseggio, splendido nell’ampia cadenza obbligata, densamente contrappuntistica, che apre il finale del primo tempo: qui l’intreccio polifonico “bachiano” delle linee melodiche, nel tocco di gran classe di Pedroni, si sdipanava con cristallina evidenza. Apprezzabile la direzione di Franzetti (anche lui non alla sua prima esperienza sul podio), che ha sapientemente integrato l’orchestra con il solista, facendo suonare con chiarezza quasi cameristica i legni e gli ottoni, con stacco esatto dei tempi e valida gestione di timbri e dinamiche. Una bella serata di musica, coronata degnamente da un bel bis, il terzo tempo Andante della sonata per violoncello e pianoforte in Sol minore op.19 di S. Rachmaninov, pezzo di baule di Franzetti e Pedroni, che da anni hanno dato vita ad un duo: ottima esecuzione, ancora una volta nella linea di un romanticismo lirico espressivo, spinto ai limiti ove il suono diventa sogno. Grandi applausi finali, da parte di un pubblico che ha quasi riempito platea, palchi e galleria.

24 marzo 2018 Bruno Busca

Francesca Dego ai Pomeriggi Musicali del Dal Verme

Il concerto ascoltato ieri sera al Dal Verme ha visto il direttore armeno Karen Durgaryan alla testa dell'Orchestra de I Pomeriggi Musicali per un programma diversificato che prevedeva brevi introduttivi di tre compositori armeni quali Ghazaros Saryan, Ruben Altunyan e Padre Komitas. La liricità del delicato lavoro iniziale, Garmi di Saryan, è   seguita dai folcloristici movimenti di Altunyan con Berd Dance e di Komitas con Vagharshapati Par. Nella parte centrale della serata è salita sul palcoscenico l'affermata violinista lecchese Francesco Dego per il celebre Concerto in Mi minore Op.64 di F. Mendelsshon. Di grande qualità la resa complessiva del brano. La parte solistica ha trovato incisività di tocco con ottimo vibrato e perfetta intonazione. Ottima la sinergia del tocco sicuro e determinato della Dego con la direzione di Durgaryan e valide le timbriche in ogni sezione orchestrale. Abbiamo notato un maggior spessore interpretativo da parte di una violinista ancora giovane ma certamente tra le migliori sulla scena italiana. Due i bis concessi con un virtuosistico e profondo brano di Eugéne Ysaye, Obsession dalla Sonata n.2, e uno classico di J.S.Bach con la Sarabanda in Re minore. Nella seconda parte della serata i nove brevi brani, alcuni di essi splendidi, che compongono il raro Pelléas et Mélisande Op.46 di Jean Sibelius, sono stati ottimamente eseguiti dall'orchestra, brava in ogni settore. Lunghi applausi al termine.

23 marzo 2018 Cesare Guzzardella

Il pianista Alessandro Marino alla Società dei Concerti

Il concerto di ieri sera ha visto sul palco di Sala Verdi in Conservatorio il pianista Alessandro Marino con un impaginato variegato nei brani, ma unitario nella scelta. La componente virtuosistica dei lavori era evidente e Marino ha rivelato di possedere una tecnica di primo livello per rendere al meglio ogni composizione. Quello che si evidenzia nelle sue decise interpretazioni è la brillantezza delle timbriche estrapolate da una ritmica audace, a volte percussiva, nella coerenza delle dinamiche. L'ordine dei brani, scelti in modo ragionato, ha alternato compositori poco noti del secondo Ottocento come Joseph Joachim Raff con due Morceaux de Salon Op.81 - Sicilienne e Tarantelle da i verdiani Vespri siciliani- e Alfred Jaëll con Parafrasi dal Lohengrin e Tannhauser Op.35, a compositori ingiustamente poco eseguiti come Louis Moreau Gottschalk- Tournament Galoppo e Grande tarantelle- e Charles-Valentin Alkan con i primi due movimenti ( 20 anni, 30 anni Quasi Faust) dalla Grande Sonata in Re magg. Op.33 "Les Quatre Ages". Tra questi autori spiccano due celebrità quali Beethoven e la sua "Variazioni Eroica" Op.35 e Liszt con le tre Rapsodie ungheresi ( n.17, 18, 19) eseguite in modo unitario. L'unità stilistica interpretativa di Marino é tipica dei pianisti personali che ricercano in loro stessi e nella loro creatività motivi funzionali a novità d'esecuzione. Col suo programma spettacolare, incentrato in compositori anche virtuosi del pianoforte, è stato convincente per chiarezza espositiva ed esplicazione energetica. L'apice del bellissimo concerto è stato raggiunto nei due movimenti di Alkan, anticipati da una breve ma coinvolgente spiegazione. Qui ha dominato la tastiera. Due i bis concessi con un suo brano- coinvolgenti variazioni di un noto tema filmico- per terminare in un bellissimo Rachmaninov con il Momento musicale n.4. Da ricordare a lungo.

22 marzo 2018 Cesare Guzzardella

Sergey e Lusine Khachatryan per Serate Musicali

Il concerto ascoltato ieri sera in Sala Verdi per Serate Musicali ha evidenziato le alte qualità del duo armeno Khachatryan, quello formato da Sergei al violino e dalla sorella Lusine al pianoforte. Il virtuoso dell'archetto viene da importanti vittorie in concorsi internazionali di primo livello quali il Jean Sibelius di Helsinki e il Queen Elisabeth di Bruxelles. Il ricco programma della serata prevedeva tre importanti brani di Mozart, Prokof'ev e Franck. La prima qualità riscontrata nella splendida esecuzione della Sonata in Si bem. Magg. K.454 mozartiana, è l'esemplare equilibrio timbrico tra i due strumentisti perfettamente calibrati nelle dinamiche del brano esposto. La perfezione tecnica del violinista, attento ad ogni  dettaglio, stupisce unitamente alla curiosa ma perfetta gestualità. L'intensa partecipazione emotiva in ogni volumetrica sonorità l'abbiamo poi riscontrata nella bellissima Sonata in Re magg. Op.94bis del musicista russo: un capolavoro di equilibrio tra neoclassicismo e cubismo che necessita di modalità raffinate e ricche di energia come quelle dimostrate anche dalla splendida pianista Lusine , chiara e determinata come il fratello. Dopo l'intervallo, un'originale interpretazione del capolavoro di César Franck quale la Sonata in La maggiore ha concluso il programma ufficiale. Anche in questo caso l'equilibrio delle parti e il coinvolgente ritorno del tema principale, elemento caratterizzante la forma ciclica, hanno esaltato le qualità di una coppia di artisti che meritava una Sala Verdi al completo. Due i bis concessi con Notturno dell'armeno Eduard Baghdasaryan e la celebre Danza delle spade di Khachaturian. Da ricordare a lungo. Ricordiamo il concerto di lunedì 26 marzo con la celebre pianista ucraina Elisso Virsaladze. Da non perdere.

20 marzo 2018 Cesare Guzzardella

Federico Colli diretto da John Neschling all'Auditorium

Per ragioni personali ho potuto assistere solo alla prima parte del bel concerto della Sinfonica Verdi diretta per l'occasione da John Neschling che prevedeva uno tra i più noti concerti per pianoforte ed orchestra di Mozart, quello N.24 in Do minore K.491 e dopo l'intervallo una rarità di Ottorino Respighi quale la Sinfonia drammatica. Solista nel concerto il pianista bresciano Federico Colli, virtuoso ascoltato più volte in concerti solistici. Il brano mozartiano, tra i pochi in tonalità minore, è tra i più profondi del salisburghese e in uno stile evoluto e proiettato nel futuro, lontano dallo stile galante settecentesco. L'ottima direzione di Neschling ha permesso un taglio espressivo vigoroso e determinato, apparentemente in contrasto con il pianismo accurato e sottile di Colli, pianismo spesso giocato su equilibri dinamici non facilmente rilevabili in contesti di grandi sonorità come quelle imposte dal brano. In realtà Colli è pianista che abbisogna di un ascolto attento per cogliere ogni raffinatezza discorsiva ed anche il taglio più deciso e sicuro come quello rilevato nell'Allegretto finale, movimento impregnato di mirabili variazioni pianistiche. L'esecuzione di Colli, in crescendo per qualità, è stata complessivamente mirabile e ben in sinergia con i bravissimi orchestrali della Sinfonica Verdi. Splendidi i bis concessi da Colli con una sua trascrizione della celebre Aria dal Rinaldo di Haendel, Lascia ch'io pianga, eseguita con profonda intensa espressività e quindi la Sonata K1 in Do minore di Scarlatti di grande impatto discorsivo e virtuosistico. Un pianista creativo per un'ottima direzione. Da ricordare

19 marzo 2018 Cesare Guzzardella

Marco Rizzi ai Pomeriggi del Dal Verme diretto da Giordano Bellincampi

Avevamo ascoltato due anni or sono il violinista Marco Rizzi in un concerto importante, -l'Op.77 di Brahms- accompagnato dall'Orchestra "I Pomeriggi musicali". Ieri, nella replica di sabato, ancora al Dal Verme con l'ottima orchestra, Rizzi ha sostenuto un concerto altrettanto rilevante, quello in Re Maggiore Op.61 di L.v.Beethoven. Un classico in tre movimenti, con due rilevanti cadenze, che mette in risalto le qualità di ogni grande interprete come il violinista milanese. L'incisività della sua cavata e l'ottima sinergia con la direzione del bravissimo Giordano Bellincampi hanno reso qualitativamente di alto livello l'esecuzione. Un'interpretazione che eccelle per corposità espressiva, dove il solista con il suo Guarneri del 1743 rivela un'eleganza raffinata ed incisiva in ogni registro. Splendide le cadenze del primo e terzo movimento e corretti gli equilibri dinamici scelti, in sinergia con l'Orchestra de I Pomeriggi, compagine strumentale che ancora una volta dimostra ottime qualità. Questo è dimostrato anche dalla valida esecuzione della Sinfonia n.3 in La Minore "Scozzese" di F. Mendelssohn eseguita dopo il breve intervallo. Splendido il bis solisto di Rizzi con una Gavotta di J.S. Bach estremamente fluida e luminosa. Da ricordare a lungo. Ricordiamo il concerto di giovedì e sabato prossimi con la violinista Francesca Dego diretta da Karen Durgaryan per il celebre concerto di Mendelssohn. Da non perdere!

18 marzo 2018 Cesare Guzzardella

Pavel Berman e i 24 Capricci di Paganini a Vercelli

Confessiamo che la parola “evento”, usata e abusata di questi tempi per indicare qualsiasi manifestazione cosiddetta “culturale”, anche la più banale, ci piace poco. Ma riteniamo non si possa definire diversamente la serata musicale di ieri, sabato 17 marzo, al Teatro Civico di Vercelli .Il nono concerto della stagione del ViottiFestival proponeva l’esecuzione integrale dei 24 Capricci di N. Paganini ad opera di uno dei migliori violinisti oggi attivi, il russo Pavel Berman, degno erede della grande scuola violinistica russo-sovietica, come anche testimonia simbolicamente il suo splendido strumento, lo Stradivari 1702 “Conte De Fontana”, già appartenuto ad uno dei massimi esponenti di quella tradizione, David Oistrakh. La presentazione del programma di sala parla, a proposito dell’esecuzione integrale dei Capricci in un solo concerto, di “impresa titanica”: va però precisato che, mentre i Titani della mitologia greca, nella loro sfida agli dei dell’Olimpo, uscirono disastrosamente sconfitti, Berman dall’impresa di ieri è uscito trionfatore, accompagnato da una interminabile serie di chiamate di un numerosissimo pubblico, che si spellava le mani in entusiastici applausi. E’ sin troppo evidente che chi sente (e vede) Berman suonare i Capricci di Paganini non può che ammirarne in primo luogo il sovrumano dominio tecnico dello strumento, imposto dalle infinite e terribili difficoltà esecutive, che quando questo monumento al violino fu composto, lo fecero ritenere ineseguibile da altri che non fosse l’autore stesso. Ma Berman (e qui sta la sua vera grandezza) non è venuto a Vercelli per mostrare quanto sia bravo, è venuto a proporre un’interpretazione di uno dei capolavori musicali di tutti i tempi: mai, nelle arcate, nei gesti di Berman un minimo cenno di ostentazione, di compiacimento per il puro dettaglio virtuosistico. La stessa cavata del violinista russo evita il suono troppo brillante, appare sommessa, ripiegata in un intimismo che rende unico il “suo” Paganini: Lo si notava già subito, col primo Capriccio, in Mi maggiore: qui la continua serie di colpi d’arco rimbalzanti era come trattenuta entro i limiti di un suono leggero e per nulla spettacolare, sicché gli arpeggi ne uscivano lievi e quasi esili, forse sorprendenti per chi ha ascoltato esecuzioni più “sonore” come quella di un Accardo. Ma proprio questo suono non esibito, leggermente velato, di un calore non trascinante, ma come estratto dalle misteriose profondità di un silenzio siderale, è per noi la fonte prima del fascino comunicatoci da Berman. Ecco i “suoi” Capricci: non acrobazia tecnica o esercizio arduo di diteggiatura, ma mondo sonoro che si accende improvviso e danza ai confini del nulla, recando in sé l’impronta della sua fragilità, che l’abbagliante virtuosismo tenta di esorcizzare, ma, nell’ispirata esecuzione di Berman, non annulla. Per questo il Capriccio per noi in assoluto più bello ascoltato ieri sera, come una rivelazione, è stato il n.6 in sol minore. Le esecuzioni più correnti e scontate di questo gioiello in genere puntano sull’”effetto mandolino”, dando al tremolio incessante dei due suoni alternati sulla stessa corda il medesimo peso sonoro conferito ai suoni lunghi della melodia principale: Berman ha fatto di questo Capriccio una cosa nuova, mai prima udita, almeno dallo scrivente, se non, forse, in una lontana interpretazione di Isaac Stern: ha suonato la melodia principale quasi in sordina, con una dolcezza e una delicatezza di vibrato che, per dirla con Dante, “significar per verba non si poria” , e appena incrinando questo etereo paradiso sonoro con un tremolio che non aveva più nulla di “mandolinesco”, ma pareva piuttosto un leggero, malinconico singhiozzo. Al termine (purtroppo!) di questa magistrale esecuzione, seguita in religioso silenzio, il pubblico non ha potuto trattenere un applauso commosso e travolgente: tutti, almeno per pochi minuti, abbiamo ‘sentito’ l’arcano potere fascinatorio della musica. Inutile entrare in ulteriori dettagli e scontato definire memorabile la serata di ieri, suggellata nel bis da un ieratico Bach. Vorremmo concludere questo articolo con un “fuori tema”: tra i tanti motivi che ci spingono con piacere ai concerti della Camerata Ducale e del Viottifestival è anche la lettura del programma di sala, opera di quel valente musicologo e storico della musica che è Attilio Piovano: in tempi in cui la nostra lingua è costante oggetto di vilipendio, leggere la prosa precisa, elegante e raffinata del prof. Piovano conforta la mente e il cuore: il sintagma “ialina luminosità” (riferito al capriccio n. 11) è gemma così preziosa da poter essere incastonata in una pagina di D’Annunzio. Grazie, prof. Piovano!

18 marzo 2018 Bruno Busca

Il giovane violinista Daniel Lozakovich ed il pianista Alexander Romanovsky per la Società del Quartetto

Il concerto cameristico ascoltato ieri sera in Sala Verdi per la Società del Quartetto ha messo in rilievo evidenti qualità del diciassettenne violinista svedese Daniel Lozakovich. Insieme all'affermato pianista ucraino Alexander Romanovsky, hanno impaginato un programma classico che prevedeva Mozart con la Sonata in Si bem. Magg. K.378, Schubert con la Fantasia in Do Magg. D.934 e Beethoven con la celebre Sonata in La Magg. Op. 47 "A Kreutzer" . Le interpretazioni, tutte di ottimo livello, hanno rivelato ancora una volta le eccellenti qualità di Romanovsky, un pianista ricco di colori, attento ad ogni dettaglio e particolarmente in evidenza nei numerosi frangenti dei tre brani in cui le note in bianco e nero hanno un ruolo centrale. L'ottimo fraseggio del violinista ha mostrato un interprete determinato che con maggiore esperienza potrà certamente raggiungere livelli ancora più alti. Un rapporto volumetrico differente tra i due strumenti ha messo maggiormente in risalto la parte pianistica nei primi due brani, mentre nella Kreutzer Lozakovich è apparso maggiormente grintoso ed incisivo e l'equilibrio tra i due strumenti di maggior resa. Splendidi i due bis concessi di Elgar, prima con Salut d'amour e poi con La capricciosa . Le finezze coloristiche del giovanissimo accompagnate da pochi accordi pianistici qui si sono rivelate di alto spessore interpretativo. Un duo da riascoltare certamente in una prossima occasione.

14 marzo 2018 Cesare Guzzardella

Gidon Kremer e la Kremerata Baltica alle Serate Musicali

Puntuale il ritorno in Conservatorio del violinista lettone Gidon Kremer con la sua Kremerata per Serate Musicali. Ieri sera il concerto ha trovato un raro compositore polacco, naturalizzato russo, quale Mieczyslaw Weinberg. In programma i 24 Preludi per violoncello solo nella trascrizione violinistica di Kremer. Oltre cinquanta minuti di violino che ci hanno rivelato le qualità di questo grande artista che divenne amico di Shostakovich nei primi anni '40 e del quale si sente certamente l'influsso. Il linguaggio di Weinberg è comunque personale e dimostra uno spessore estetico ricercato e di grande qualità. Kremer attraverso un'esemplare interpretazione ha definito le rilevanti conoscenze musicali di Weinberg in questa notevole trascrizione di brevi preludi che, nella resa, nulla hanno ad invidiare a quelli originali per violoncello. Tutte le peculiarità dello strumento ad arco e le rispettive timbriche che emergono dalle dita di Kremer sono precise e ricche di colori e alcuni brani sono autentici capolavori di scrittura musicale. Il concerto è proseguito con otto solisti della Kremerata Baltica che hanno eseguito il brillante Ottetto per archi in mi bem.magg. Op.20 di F. Mendelssohn. Quattro movimenti splendidamente organizzati ed eseguiti nello stile del precoce e creativo compositore tedesco. Lo Scherzo.Allegro leggierissimo e il Presto finale sono un autentico godimento armonico ricco di virtuosismo per i quattro archi raddoppiati dove tutti gli interpreti hanno mostrato di possedere qualità di prim'ordine. Un concerto diverso dal consueto ma decisamente interessante. Da ricordare

13 marzo 2018 Cesare Guzzardella

Franz Welser-Möst e la Filarmonica della Scala

Ieri sera la Filarmonica della Scala diretta dall'austriaco Franz Welser-Möst ha interpretato Beethoven e R.Strauss. In programma la Sinfonia n.1 in Do maggiore op.21 del grande tedesco di Bonn e la Simphonia domestica Op.53 del secondo tedesco, di Monaco. L'interessante impaginato ha messo in rilievo tutte le qualità della splendida compagine orchestrale scaligera che quando è in mano a direttori quali Welser-Möst ( nella foto di Brescia-Amisano , Archivio Scala), alza notevolmente il livello interpretativo. Il viennese, nato a Linz nel 1960, è attualmente ancora direttore della Cleveland Orchestra, compagine che celebra quest'anno i cent'anni di vita. Ha certamente eccellenti qualità in tutto il repertorio tedesco-austriaco, specie quello della prima metà della '900. Dopo un'ottima esecuzione della Prima Sinfonia di Beethoven, lavoro che risente ancora l'influenza del classicismo di Haydn e di Mozart ma che incontra già la forza propulsiva del genio con due freschi e mirabili Scherzo e Allegro con brio, Welser-Möst ha proposto,in oltre quaranta minuti, la rara ma esaustiva Simphonia domestica del grande monacense. I cinque movimenti sono raccolti in un'unica sequenza discorsiva che fa essere il lavoro come un ampio poema sinfonico tipico dello stile straussiano, poema che oltre alle intenzioni narrative raccontate nelle contrastanti sequenze musicali, esprime qualità estetiche poetiche di alto valore. Il brano del 1903 è, come altri simili di Richard Strauss, un esempio di virtuosismo orchestrale che nasce dalla lunga esperienze direttiva di Strauss e che per una resa efficace abbisogna di orchestre e direttori di alto livello. Certamente è quello che abbiamo trovato nello splendido concerto del Teatro alla Scala. Fragorosi applausi al termine sia al direttore, che alle sezioni orchestrali ed ai singoli strumentisti, bravissimi nei numerosi interventi solistici. Da ricordare a lungo.

10 marzo 2018 Cesare Guzzardella

Andris Poga e Davide Cabassi con I Pomeriggi musicali per R.Strauss e Beethoven

L'Orchestra de I Pomeriggi Musicali ieri sera è stata diretta da Andris Poga per un programma differenziato che prevedeva nella prima parte il brano per archi Metamorphosen di Richard Strauss per poi passare a qualcosa di molto differente con il Concerto n.3 in do minore per pianoforte e orch. Op.37 di L.v. Beethoven. Un contrasto eccessivo soprattutto in termine d'impatto stilistico tra un mondo, quello straussiano proveniente dal tardo romanticismo e arrivato al modernismo decadente in pieno '900 -il brano è del 1945- e l '800 beethoveniano proveniente dal '700 mozartiano. Ottima l'interpretazione del poema del monacense, giocata sull'ampia articolazione delle sezioni degli archi e sui continui scambi solistici dei bravi orchestrali che con slancio espressivo hanno portato a termine l'originale e forse unico, nel genere, lavoro musicale. Dopo il breve intervallo è salito sul palcoscenico del Dal Verme il noto pianista milanese Davide Cabassi per l'interpretazione beethoveniana. Cabassi viene da una recente ricerca nel repertorio del musicista tedesco attraverso l'esecuzione e la realizzazione discografica di numerose sonate. L'interpretazione pianistica con gli orchestrali de I Pomeriggi ha trovato una ricerca timbrica robusta e netta piuttosto che delicata e fluida. Ottima l'interpretazione anche se si sono intraviste incertezze non rilevanti nell'esplicazione complessiva del lavoro. Insomma le ottime intenzioni in beethoven- con ottima resa- riscontrate nei precedenti concerti, sono emerse parzialmente ieri sera anche se l'idea interpretativa di Cabassi del suo Beethoven è certamente valida. Inusuale il bis solistico concesso con il secondo movimento della Sonata Op.27 n.2 "Al chiaro di luna" , un Allegretto che ha funzione transitoria nel contesto della celebre sonata. Ripetuti applausi al termine.

9 marzo 2018 Cesare Guzzardella

Yuri Bashmet e I Solisti di Mosca alle Serate Musicali

Ventisei anni or sono il russo Yuri Bashmet, violista e direttore d'orchestra, fondava una formazione cameristica, I Solisti di Mosca, che impegnava strumentisti di elevato rango interpretativo. Da allora questa sorprendente compagine di virtuosi ha tenuto migliaia di concerti in tutto il mondo. Attualmente è una delle poche formazioni musicali che, con risultati eccellenti, copre un repertorio che spazia dalla musica antica a quella contemporanea. Da alcuni anni la formazione cameristica e il suo direttore/ violista vengono a Serate Musicali. Nel bellissimo concerto organizzato ieri sera abbiamo ascoltato brani classici di Mozart, Bruch, Prokof'ev e Čaikovskij. Sono mancati i riferimenti moderni delle serate passate, ma la qualità estetica della nota formazione è rimasta pressoché invariata e sempre di alto livello espressivo. Come già detto in passato, stupisce la qualità superlativa del gruppo d’archi per nitore timbrico sia individuale che complessivo. Bashmet con la sua dolce viola costruita dal liutaio milanese Paolo Testore nel 1758, ha un ruolo centrale nelle esecuzioni proposte ma quello che rimane maggiormente impresso è l’efficacia sonora di ogni dettaglio coloristico d’insieme che fa sembrare l’orchestra d’archi un unico strumento con timbriche diversificate nelle precise dinamiche e con facile individuazione dei differenti piani sonori. Tra i brani eseguiti spicca certamente la trascrizione per viola ed archi di Kol Nidrei, Adagio su melodie ebraiche Op.47, nella quale la dolcezza dell'espressivo strumento è emersa con rilevante qualità. Questa ha seguito un altro raro brano di Bruch quale la Romanza in Fa maggiore per viola e orchestra. Ricordiamo anche alcuni brevi brani tratti da Visions fugitives op.22 di Sergej Prokof'ev nella trascrizione di Rudolf Barshai. Interventi raffinati delle sezioni degli archi hanno ben reso la musicalità molto geometrica del primo russo eseguito. Bellissima poi l'esecuzione della celeberrima Serenata in do maggiore per archi Op.48 di P.I Čaikovskij. È un capolavoro di lirica la Serenata, celebre soprattutto per il Valzer che è stato eseguito in modo eccellente. Solo un breve bis concesso con il finale della mozartiana Piccola serenata notturna in perfetta sintonia con il godibile Divertimento n.1 iniziale con il suo fantastico Presto,sempre del grande salisburghese. Da ricordare.

6 marzo 2018 Cesare Guzzardella

I pianeti di Gustav Holst tra musica e astronomia allo SpazioTeatro 89

Ottima è stata l'idea di Luca Schieppati, pianista e organizzatore musicale, di presentare un'interessante versione per due pianoforti della celebre Suite Op.32 "The planets" di Gustav Holst unitamente ad un illuminato intervento del professor Giuseppe Gavazzi, docente di Astrofisica all'Università Milano-Bicocca. La versione pianistica dello stesso Holst data 1916, quando non era stato ancora scoperto il più recente Plutone, pianetino da qualche anno non più considerato tale, come ricordato dal professore Gavazzi. La Suite in sette parti, partendo da Mars, the Bringer of War, è stata eseguita ottimamente dalla pianista giapponese Aki Kurida e da Luca Schieppati, in alternanza con i validi interventi di Gavazzi il quale ha evidenziato l'importanza e la storia dei pianeti tanto cara anche ad Holst, musicista che nutriva un particolare interesse per gli astri. Il pomeriggio pluridisciplinare è piaciuto molto al numeroso pubblico intervenuto e il successo riportato è di auspicio per futuri incontri che uniscono la musica ad altri ambiti. Per il 18 marzo, ancora allo SpazioTeatro 89 è già previsto un incontro nel quale verrà proiettato un raro ma sicuramente interessante film muto sulla Comune di Parigi " Novyy Babylon" accompagnato dalle musiche di Šostakovič interpretate dal Soul Takers ensemble. Introduzione a cura di Giorgio Uberti. Da non perdere.

Grande successo per L'Orphée et Euridice alla Scala

La versione francese della più celebre opera di Christoph Willibald Gluck, Orphée et Euridice, è approdata alla Scala dopo i successi inglesi ottenuti nel 2015 al Covent Garden. Ieri, nella terza rappresentazione scaligera, il teatro al completo ha esternato un consenso pressoché unanime a tutti i protagonisti della messinscena con un tripudio di elogi e applausi per Juan Diego Flórez, il protagonista assoluto dello spettacolo. Si, perché è spettacolore la seconda versione dell'Orfeo su libretto di Pierre-Louis Moline tratto da quello di Ranieri de' Calzabigi. È una versione più appariscente che introduce una quantità forse eccessiva di balletti, molti a conclusione del lavoro. Non per niente uno dei due registi, Hofesh Shechter, è anche il coreografo. L'altro ottimo regista è John Fulljames. Precisiamo: la messinscena, pur presentando un certo squilibrio, in termini quantitativi, tra la rappresentazione danzante e il resto, è senz'ombra di dubbio di grande qualità e rimane per il momento tra le cose migliori viste quest'anno alla Scala. Punto di forza è la diversa e spettacolare distribuzione scenica con l'ampia orchestra cameristica localizzata nel centro della scena, con inusuali e riusciti movimenti in verticale di tutti gli orchestrali. I tre protagonisti vocali - l'eccellente sotto ogni profilo Flòrez, Orphée, e gli ottimi e più, Christiane Karg, Euridice e Fatma Said, L'Amour - ( immagini di Brescia-Amisano, Archivio Scala) si muovono davanti, all'interno e dietro l'orchestra con disinvoltura in un complesso di cambi di posizione che riguarda anche il perfetto Coro preparato da Bruno Casoni e i moderni ballerini della compagnia di danza Hofesh Shechter Company. Solo per la dinamicità della messinscena - le scene e i costumi sono di Conor Murphy e le luci di Lee Curran ( riprese da A. Giretti)- l'opera è motivo di grande interesse e deve essere assolutamente vista. In perfetta sintonia con il resto è l'ottima direzione di Michele Mariotti che con la sua energica ma anche sottile bacchetta privilegia un indirizzo musicale proiettato maggiormente verso il moderno piuttosto che l'antico. Unità stilistica coerente con qualche movenza danzante eccessiva. Da non perdere le prossime repliche previste per il 6,11,14,17 marzo.

4 marzo 2018 Cesare Guzzardella

Alla Scale il balletto sulle Variazioni Goldberg di Bach

Uno spettacolo di qualità quello visto al Teatro alla Scala ieri sera. Le celebri Goldberg Variationen di J.S.Bach -32 brani di cui un Aria, 30 variazioni e la ripresa dall'Aria - sono state coreografate dallo svizzero Heinz Spoerli ed eseguite splendidamente al pianoforte da Alexey Botvinov. Il balletto, costruito sulle solide e diversificate architetture musicali bachiane  (foto di Brescia - Amisano- Archivio Scala) ), ha trovato una rappresentazione scenica in perfetta simbiosi con l'evento sonoro. Spoerli è stato certamente bravo a ideare questo progetto coreutico che non vuole essere un complemento alla geniale musica del Sommo Bach, ma un potenziamento, così ci è apparso, della musica. La   danza, pluridisciplina fatta di geometrie piane e tridimensionali che scorrono nel tempo come la musica, trova in Bach il compositore ideale, un genio assoluto che non solo rappresenta suoni ma anche geometrie ed architetture. Ogni brano, l'Aria e le celebri Variazioni, ha trovato, singoli, coppie, gruppi di ballerini in delicata e perfetta forma e sintonia. I personaggi, nell'intenzione di Spoerli, si cercano, s'incontrano, si lasciano secondo situazioni di vita diverse ma sempre reali. Momenti importanti delle vicende si trovano nei più meditati movimenti musicali. Attraverso le movenze dei protagonisti sono emerse anche nuove peculiarità della musica del Sommo tedesco. Un'azione creativa totale che grazie ai formidabili ballerini del Corpo di ballo scaligero e grazie all'eccellente pianista Botvinov, in perfetta sincronia con i danzanti nella sua fluida e chiarissima interpretazione, merita di rimanere nella storia del balletto. Ricordiamo almeno i principali ballerini che hanno dominato il palcoscenico: Covello, Manni, Sutera, Agostini, Albano, Podini, Toppi, Valerio, Andrijashenko, Arduino, Del Freo, Lepera, Lunadei, Starace, tutti bravissimi. Ottime le scene e i costumi di Keso Dekker e le luci di Martin Gebhardt. Da non perdere le repliche previste per il 21 e il 22 marzo

3 marzo 2018 Cesare Guzzardella

Il Quartetto Borodin e Alexei Volodin per la Società dei Concerti

Il concerto ascoltato ieri sera in Sala Verdi per la Società dei Concerti ha visto la partecipazione di solisti russi per interpretare musicisti russi: il Quartetto Borodin e Alexei Volodin hanno infatti interpretato musiche di Šostakovič e Prokof'ev. La tradizione settantennale del Borodin, ora formato da Ruben Aharonian e Sergei Lomovski ai violini, Igor Naidin alla viola e Vladimir Balshin al violoncello, ha evidenziato il primo Šostakovič proposto con il Quartetto n.1 in Do maggiore Op.49, breve composizione in quattro movimenti che riassume in maniera completa il particolare stile del compositore russo. Il perfetto equilibrio dei quattro archi ha espresso una splendida interpretazione. Con un nuovo posizionamento del pianoforte è entrato in scena Alexei Volodin per la bellissima versione pianistica-Op.75 in dieci brani- delle più celebri Suites orchestrali di Romeo e Giulietta. Di grande rilevanza l'interpretazione del pianista russo che ha messo in risalto, con valenza orchestrale, ogni dettaglio delle note tratte da celebre balletto. La chiarezza espositiva delle melodie evidenziate nei differenti piani sonori, ha permesso un'esecuzione particolarmente riuscita. Dopo il breve intervallo Volodin si è unito al Quartetto per un'avvincente interpretazione del Quintetto in Sol minore Op.57 di Šostakovič, un lavoro imponente in cinque parti ancora una volta rilevante per la cifra esecutiva e per la pregnante espressività che evidenzia ogni particolarità del linguaggio del più giovane tra i due grandi compositori russi. Grande successo da parte del pubblico insolitamente non numeroso, probabilmente per via del grande freddo di questi giorni. Bellissimo il bis con la ripetizione dello Scherzo del Quintetto. Da ricordare a lungo

1 marzo 2018   Cesare Guzzardella

Il ritorno di Joshua Bell in Conservatorio

Il violinista americano Joshua Bell è tornato ad esibirsi, per la prima volta per ĺa Società dei Quartetto e dopo circa 35 anni di assenza in Sala Verdi, accompagnato dal pianista Sam Haywood. In programma la Sonata in Si bemolle maggiore K.454 di W.A.Mozart, la Sonata in Mi bemolle maggiore op. 18 di R. Strauss e la Sonata n. 1 in La maggiore op. 13 di G. Fauré. È certamente tra i migliori virtuosi presenti sulla scena mondiale il cinquantenne Bell. Ha introdotto la serata con un classicissimo Mozart definito con perfetto equilibrio formale ed eccellente espressività coadiuvato anche dall'ottimo pianista. In netto contrasto con la sonata mozartiana, è stata l' Op.18 di Strauss,un lavoro tardo-romantico che pur risentendo dell'influenza brahmsiana si proietta nel futuro con frangenti più moderni e più vicini al '900. Ottima la resa espressiva nel preciso ed intenso violino di Bell. Dopo il breve intervallo la Sonata Op.13 del francese ha trovato una resa ancora valida sia per equilibrio tra i due strumenti che per espressività. I brani "a sorpresa" previsti fuori dal programma ufficiale hanno dato un ulteriore slancio qualitativo essendo stati, dal punto di vista della scioltezza discorsiva e della resa artistica, i migliori del concerto: la Danza ungherese n.1 di J. Brahms e la Polonaise de concert no. 1 in D major, op. 4 di H. Weniawskij, entrambe eseguite con impeto e sicurezza dai due strumentisti. Da ricordare.

28 febbraio 2018 Cesare Guzzardella

Giovanni Sollima e I Solisti aquilani per Serate Musicali

Il concerto di ieri sera con il violoncellista-compositore palermitano Giovanni Sollima e I Solisti aquilani ha messo in risalto, nell'interessante impaginato, le capacità interpretative orientate alla creatività di questo virtuoso. Sollima tende a personalizzare ogni brano secondo un indirizzo di modernizzazione dell'elemento sonoro facendo emergere contenuti che rivalutano e attualizzano anche i brani di più antica produzione. Questo è dovuto alla formazione stessa del musicista che prima di essere un eccellente virtuoso è soprattutto un ottimo compositore. La sua formazione completa prende in considerazione la produzione musicale più lontana nel tempo, quella dei secoli più vicini e la contemporaneità, rock e jazz compresi. Il concerto, alla memoria del suo maestro Antonio Janigro, prevedeva brani di Vivaldi, Donizetti, Bach, Boccherini e Sollima stesso. Dopo la splendida resa del Concerto per violoncello, archi e continuo RV420 del compositore veneziano, un ruolo rilevante è stato quello di Daniele Orlando, violino di spalla dell'ottima formazione cameristica. Il raro Concerto per violino, violoncello e archi di Donizetti, brano di intensa valenza melodica, è stato reso molto bene nel concertato dei due solisti. Il brano bachiano successivo, il Concerto Brandeburghese n.3, ha messo in risalto le qualità di tutti i componenti dell'orchestra attraverso i numerosi interventi solistici. Rilevante anche Boccherini con il Concerto n.3 in Sol maggiore dove ancora una volta Sollima ha evidenziato la sua cifra stilistica molto italiana. Il programma ufficiale è terminato con il brano "L.B. files" per violonceĺlo, archi e sampler, di Sollima stesso, lavoro strutturato nei classici tre movimenti nel quale ruolo importante assume la caratteristica gestualità del cellista giocata tra movimenti in piedi sul palcoscenico e mimica, soprattutto facciale. Musicalmente di valida presa il brano, già particolarmente diffuso e conosciuto, riassume le caratteristiche peculiari del personale linguaggio di Sollima orientate ai sapori del settecento, con timbriche mediterranee molto contrastate e momenti importanti di profonda melodicità, come quella della deliziosa parte centrale . Ottima l'esecuzione della formazione d'archi diretta sempre dal maestro siciliano. Decisamente interessanti i tre bis concessi ad un pubblico numeroso ed entusiasta: prima una celebre Aria dal rossiniano Guglielmo Tell, in una trascrizione per cello ed archi, quindi un capolavoro melodico in una trascrizione dell'Hallelujah di Leonard Cohen e al termine un arrangiamento nello stile tipico di Sollima di un noto brano rock. Da ricordare a lungo!

27 febbraio 2018 Cesare Guzzardella

La Terza Sinfonia di Mahler diretta da Riccardo Chailly alla Scala

L'ascolto delle Sinfonie di Gustav Mahler è quanto di più vario e complesso ci possa essere nel panorama della musica sinfonica. La quantità di timbriche strumentali , spesso anche vocali, che le grandi orchestre mahleriane hanno, sono state riordinate spesso con evidenti differenze dai più prestigiosi direttori d'orchestra. Quello italiano che in passato ha esaltato maggiormente i capolavori di Mahler è stato certamente Claudio Abbado, direttore milanese di cui un altro milanese di esattamente vent'anni più giovane, Riccardo Chailly , ebbe la fortuna di esserne l'assistente. Chailly ha ereditato da Abbado la passione per la musica del celebre compositore austriaco e nelle sue esecuzioni si nota la medesima visione unitaria espressa con altrettanto efficace resa stilistica. Ieri sera, nella replica ascoltata dell'immensa Terza Sinfonia abbiamo trovato particolarmente in forma sia l'Orchestra della Scala che il Coro femminile preparato da Bruno Casoni ed il Coro di Voci bianche. La preponderanza della componente strumentale risulta evidente ma le parti vocali nel quarto e quinto tempo completano e potenziano il celebre lavoro. La forza coloristica e la ricchezza di contrasti del lunghissimo movimento iniziale, quasi quaranta minuti introduttivi, ha segnato profondamente la direzione di Chailly. Le qualità timbriche di ogni sezione orchestrale sono emerse in modo stravolgente e con chiarissima resa in questo Sogno di un mezzogiorno d'estate, movimento musicale che alla sua conclusione pare già un lavoro compiuto, tant'è che Mahler prevedeva una breve pausa dai rimanenti cinque movimenti. Validi il secondo e il terzo tempo. Il Canto della mezzanotte, quarto tempo della sinfonia, ha visto l'intervento della calda ed intensa voce solista del contralto Gerhild Romberger. Poche note chiare e determinanti sottolineate molto bene dai colori orchestrali. Valido sotto ogni profilo la parte corale del quinto tempo con quei celebri Bimm-bamm delle voci bianche che imitano le campane introduttive. L'intenso e meditato Adagio del sesto tempo ha portato a conclusione un monumentale lavoro, tra quelli più completi della produzione strumentale di sempre. Ricordiamo l'ultima replica prevista per domani 27 febbraio. Da ricordare.

26 febbraio 2018 Cesare Guzzardella

"Le Violon Noir" e la Camerata Ducale a Vercelli

Nel venticinquesimo anniversario della nascita della Camerata Ducale che si celebra quest’anno, non poteva mancare un omaggio a quello splendido strumento musicale che ne è in un certo senso il simbolo, quasi il centro motore intorno al quale ruota gran parte della vita dell’orchestra torinese, ma da vent’anni in residence a Vercelli: parliamo dello Stradivarius Leclair, così chiamato perché appartenuto al grande violinista francese della metà ’700, ma più noto come “ Le Violon Noir “, perché reca ancora indelebili e sinistri sulla cassa i segni scuri delle dita ormai in decomposizione del povero Leclair, morto assassinato a coltellate, non si seppe mai né da chi né perché e il cui cadavere fu trovato circa due mesi dopo la morte, con il violino stretto tra le mani, quasi a volersi portare anche nell’aldilà lo strumento dell’arte cui aveva consacrato la vita. Su questo “giallo” della storia della musica e sul violino che ne fu involontario protagonista è stato recentemente pubblicato un libro, un romanzo, appunto, giallo, di Gabriele Formenti “Il violino noir” Bibliotheka edizioni, presentato durante l’intervallo del concerto di ieri sera. Da anni il Noir appartiene a Guido Rimonda, fondatore e direttore musicale della Camerata Ducale, che “Le Violon Noir” ha intitolato anche una serie di cd incisi con la Decca, molto graditi al pubblico dei musicofili. Appunto al “noir” era dedicato il concerto di ieri sera, sabato 24/02, al Teatro Civico di Vercelli, ove è stato proposto al pubblico un programma piuttosto ampio, che aveva come filo conduttore il tema del ‘mistero nella musica’, ovvero una scelta di composizioni in cui il suono, il fraseggio, il ritmo evocano nell’ascoltatore atmosfere arcane e inquietanti. E’ un programma che la Ducale sta presentando in questo periodo in giro per l’Italia e l’Europa e che si apre con la versione per violino e orchestra della “Danza degli spiriti beati dall’”Orphée et Eurydice” di Gluck (l’originale è notoriamente per flauto) e si chiude con il tema con variazioni “Le streghe” op. 8 di N. Paganini. Ogni brano è stato presentato brevemente da Rimonda, con accattivante capacità affabulatoria e precisione informativa. Il suono, davvero meraviglioso, di calda luminosità e colore chiaro e pastoso, vero capolavoro del grande maestro liutaio di Cremona, echeggia subito misterioso appena si fa buio in sala, avanzando invisibile “a passi tardi e lenti” dalle tenebre della platea verso il palcoscenico, subito dopo l’introduzione dell’orchestra alla Danza degli spiriti beati: ma a fugare ogni traccia di demoniaco arcano, il suono dolcissimo del noir sembra davvero scendere dall’alto come “la voce di un angelo”, secondo la definizione che ne diede un grande contemporaneo di Leclair, il violinista torinese G. B. Somis: Rimonda è poi bravissimo a esprimere quell’aura di ombrosa malinconia che avvolge la delicatissima fioritura delle note, lontano presagio di certi Notturni chopiniani. Una sapienza esecutiva, quella di Rimonda, suggellata, se mai ce ne fosse stato bisogno, dall’esecuzione finale delle “Streghe” (in una versione con accompagnamento orchestrale composto dallo stesso Rimonda) dove il Maestro ha sfoggiato tutta la sua perfetta padronanza tecnica dello strumento, soprattutto nella seconda e nella terza variazione, con i rapidi movimenti d’arco, dai prodigiosi balzati, il pizzicato e gli armonici artificiali, oltre a sovracuti trascendentali, insomma tutte le risorse del linguaggio dei suoni atte a dare un’impressione di bizzarria e stravaganza con le quattro corde, che solo un solista della qualità di Rimonda può suonare con la calma con cui berrebbe una tazzina di caffè.. Ovviamente di alto livello anche l’esecuzione degli altri numeri impaginati a programma: l’inevitabile “Trillo del diavolo” di Tartini, nella bella e rara versione per violino e orchestra di R. Zandonai, che farebbe storcere il naso ai cultori delle esecuzioni ‘filologicamente informate’ di moda oggi, ma indubbiamente suggestiva nell’insinuare un clima di sottile e inquietante mistero, coll’impiego del pianoforte, di timpani, dal suono ‘in sordina’, del triangolo, a creare qualcosa di simile a una bartokiana “musica della notte” intorno ai passaggi virtuosistici del violino. A seguire, la rara chicca della “Separation” op.109 n.1 per violino solo dell’ottocentesco belga Ch-A. de Beriot, di cui è apprezzabile soprattutto l’iniziale Largo, una musica dal suono spoglio e desolato, che suonata dal Noir di Rimonda, sembrava provenire da qualche remota regione di un inquietante ‘altrove’; il Tema con variazioni in Do maggiore per violino e orchestra di G. B. Viotti, che di misterioso e demoniaco non ha proprio nulla, ma che, oltre a essere un doveroso omaggio al compositore di cui Rimonda è oggi il più autorevole studioso e interprete, impegnato nella registrazione dell’opera omnia per violino per la Decca, presenta anche la curiosa particolarità di avere come tema (la composizione è del 1781) quello che nel 1792 Rouget de l’Isle sfruttò come tema della Marsigliese, raccontando (il bugiardone!) di averlo inventato lui per folgorante ispirazione…Per il resto, non è certo uno dei capolavori del grande violinista vercellese: le variazioni sono piuttosto banali, al di là della loro difficoltà tecnica, ancora legate all’idea settecentesca della variazione come fioritura decorativa del tema. Beethoven è ancora lontano a distanze siderali. Bella musica, di squisita impronta romantica è invece la celebre” Leggenda” in sol minore op.17 per violino e orchestra del polacco H. Wieniawsky, in forma tripartita, di cui si apprezza soprattutto la prima sezione, con un attacco dell’orchestra affidato alla sordina dei corni e al pizzicato degli archi, seguito da una melodia semplice del violino, che va via via crescendo in ritmo e complessità: il tutto, ancora una volta eseguito con cura perfetta dei dettagli sia da parte del solista, sia da parte della ‘sua’ Camerata. Tra tante perle del passato, ne brillava infine una di un contemporaneo, “Carini. Leggenda per violino e orchestra” una composizione ispirata alla fosca vicenda avvenuta nella Sicilia del ‘500, dell’assassinio, ad opera del padre, per motivi d’onore, della giovane baronessa di Carini. Il brano è opera del compositore Luciano Maria Serra (1975) ed è dedicata a Guido Rimonda. Di impianto sostanzialmente tonale, è una musica che attira l’attenzione per certe scelte timbriche e ritmico-dinamiche che in effetti, come annota Attilio Piovano nel programma di sala, possono evocare a tratti atmosfere di inquietante espressionismo. Una partitura decisamente interessante. Grandi applausi da un teatro quasi al completo nella platea per un’altra serata originale di musica ben scelta e ben suonata da Guido Rimonda e dalla Camerata Ducale.

25 febbraio 2018 Bruno Busca

Il Nabucco al Teatro Coccia di Novara

Ieri sera, 23/02, di fronte ad un pubblico strabocchevole quanto mai, a Novara è andata in scena al Teatro Coccia la prima dell’opera che conclude la stagione , il verdiano Nabucco: la replica domani, domenica alle h.16. Lo spettacolo è una produzione del Coccia, con la collaborazione, limitata all’allestimento scenico, della Rete lirica delle Marche. Per qualità è stato senz’altro il migliore spettacolo della stagione e uno dei migliori in assoluto che ricordiamo di aver visto negli ultimi anni a Novara. Questo Nabucco presenta, tra l’altro, una novità a nostra memoria senza precedenti: l’intero cast dei cantanti, tranne una parte “di fianco” (il gran sacerdote di Belo), non è italiano: anche questo un segno (brutto) dei tempi per la cultura del nostro Paese? Ai posteri l’ardua sentenza…La regia è affidata a un ‘grande vecchio’ della regia d’opera in Italia, Pier Luigi Pizzi, che, facendo piazza pulita di ogni orientalismo d’accatto (salvo il trono su cui Abigaille siede all’inizio del terzo atto), colloca i cantanti in una spoglia scena fissa, una sorta di scatola lievemente inclinata verso il boccascena, illuminata da una luce un po’ livida, fredda, in cui gli uomini dell’esercito assiro si muovono vestiti di nere tute in pelle. Una scenografia ( tutte le foto dall'Archivio Teatro Coccia) che simboleggia, ci pare, la inesorabile necessità che guida gli eventi e forse anche la fredda lotta per il potere condotta da una spietata Abigaille, la schiava che aspira al trono. Pizzi ha saputo trarre dai cantanti il meglio delle capacità interpretative di ciascuno; l’unico limite, che temiamo insuperabile in un teatro dal palcoscenico di ridotta superficie come il Coccia, i movimenti, soprattutto quelli delle masse corali, ridotti al minimo, con conseguente staticità della scena. Il coro “Va’ pensiero” cantato sul proscenio da coristi del S. Gregorio Magno di Trecate immobile, con le parti femminili vestite come suore (perché?), pareva più un coro da chiesa che da teatro d’opera. Sul podio, a dirigere una compagine formata da maestri dell’Orchestra Coccia e del Conservatorio di Novara, la giovane (e bella!) Gianna Fratta, un nome che confessiamo a noi ignoto sino a ieri, ma che vanta un curriculum di tutto rispetto: formazione sotto la guida del grande Ahronovitch, e già notevoli esperienze direttoriali all’estero, tra cui addirittura i Berliner. Ha diretto decisamente bene, con gesto esatto nel dettare i tempi e le dinamiche, e curando con precisione il raccordo tra la buca e il palcoscenico, specie nelle parti più complesse, come i concertati: impeccabile e trascinante, ad esempio, il quintetto del finale secondo “S’appressan gli istanti”, dove la bacchetta della Fratta ha dato il meglio di sé con gli attacchi in levare e il ritmo scattante e nervoso, accompagnando alla perfezione le entrate progressive delle cinque voci. Siamo di fronte a una direttrice giovane, ma già matura, di cui crediamo si tornerà a parlare. Generalmente buono il livello dei cantanti, non solo sotto il profilo squisitamente musicale, ma anche espressivo e interpretativo. Su tutti, ovviamente spiccano i due protagonisti: Abigaille e’ interpretata dalla slovena Rebeka Lokar, apprezzato soprano di solida fama, già ammirata Butterfly a Novara in una precedente stagione Possiede una voce di ampia estensione naturale, luminosa e morbida, capace di svariare, anche con un’ ottima tecnica del legato, da acuti intensi e sicuri ai registri più gravi, di un bel brunito quasi mezzosopranile. L’attendevamo con curiosità a una delle prove più ardue del Nabucco: la grande aria doppia a inizio del secondo atto “Anch’io dischiuso un giorno”, di chiara influenza belliniana, che la voce della Lokar ha reso stupendamente con una musicalità molto espressiva, dolcemente malinconica e una coloratura limpida, con legati e portamenti perfetti, davvero incantevole. Ma la grande bravura ‘tecnica’ della cantante slovena emerge anche nelle parti di maggior tensione vocale e scenica, come negli isterici salti di dodicesima (!) nel sestetto “Tremin gli insani” del finale primo. Pubblico in delirio e tripudio per una voce che di rado si ascolta a Novara. Ottimo anche il Nabucco del baritono mongolo Amartuvshin Ekhbat: voce di intenso volume, densa e calda di natura, ha un bellissimo registro basso, cui scende con disinvoltura, senza appoggi di petto. Forse, a voler essere ipercritici, gli manca quell’asprezza di colore che in alcune scene, come il già menzionato finale primo, sarebbe necessaria. Delinea comunque molto bene il personaggio, toccando il suo momento più alto nelll’aria di follia “Chi mi toglie il regio scettro?”, in cui svaria con efficacia dal sinistro primo tema delle visioni spettrali, reso sul registro sentimentale del dolore angosciato, alla Rigoletto, più che sull’allucinazione alla Macbeth, al secondo tema toccante e patetico dell’invocazione di aiuto alla figlia. Anche per lui applausi a scena aperta e richieste, eluse, di bis. Intorno ai due protagonisti ruotavano gli altri interpreti: un discreto Ismaele, il giapponese Tatsuya Takahashi, tenore di valida proiezione vocale, con un acuto compatto e sicuro e bei centri, Fenena cantata .dalla georgiana Sofia Janelidze, dalla linea di canto non sempre fermissima, e Zaccaria, affidato al basso-baritono croato Marko Mimica di cui abbiamo apprezzato una vocalità di bel timbro e colore caldo, intonata e piena nei gravi: convincente l’eloquenza con cui canta il primo grande numero del Nabucco, la preghiera “D’Egitto là sui lidi”. Dignitose, senza brillare, le parti di fianco di Abdallo (G. Cuckovski), Anna (Madina Karbeli, voce un po’ troppo esile) e del Gran sacerdote di Belo (Daniele Cusari). Il coro S. Gregorio Magno conferma ad ogni esibizione un costante progresso sia nella compattezza vocale, sia nel coordinamento coi cantanti e con l’orchestra. Alla fine, l’atteso trionfo per tutti, con gran parte del pubblico levatosi in piedi per il lungo applauso. Per gli standard del Coccia, sicuramente una serata da ricordare.

24 febbraio 2018 Bruno Busca

András Schiff per la Società del Quartetto

Dopo il concerto dello scorso mese in Conservatorio, è tornato l'ungherese András Schiff in Sala Verdi per concludere il suo percorso intorno a Brahms. Il musicista amburghese è stato infatti al centro di due impaginati particolarmente ricercati che hanno visto questa volta i Tre Intermezzi Op.117, i Sei Klavierstücke Op.118 e i Quattro Klavierstücke Op.119 incastonati ed intervallati con Schumann e le sue Geistervariationen, con Mozart, Rondò in la minore K.511, con Bach, Preludio e fuga n.24 dal Clavicembalo ben temperato, e con Beethoven e la sua Sonata Op.81 a "Les Adieux". L 'esecuzione complessiva, come fosse un'unica Suite - tranne il doveroso breve intervallo dopo l'Op.118 vista la durata effettiva musicale di circa due ore - ha evidenziato lo stile pacato e riflessivo di Schiff con timbriche particolarmente interiorizzate e molto espressive. Abbiamo trovato il suo Brahms forse un gradino superiore rispetto il resto. La scorrevolezza delle tre ultime opere proposte e la loro pregnanza estetica -come nel concerto del 16 gennaio- pongono Schiff tra i migliori interpreti del grande ungherese. Applausi fragorosi al termine da un pubblico particolarmente silenzioso ed attento e naturalmente Bach nei tre bis concessi: il primo da un' Invenzione a due voci, poi il primo Preludio e fuga dal Clavicembalo ben temperato e a conclusione la classica Aria dalle Goldberg. Da ricordare a lungo.

21 febbraio 2018 Cesare Guzzardella

Louis Lortie per le Serate Musicali

Il pianista canadese Louis Lortie torna tutti gli anni in Conservatorio per le Serate Musicali. Il concerto di ieri sera in Sala Verdi era dedicato a due grandi musicisti: Schubert con la Sonata D 894 e Chopin con le Mazurche op.7 n.3 e op.59 n.3 ,la Fantasia in fa minore op.49 e la Polacca in fa diesis min. op.44 . In Schubert Lortie ha rivelato sensibilità notevole con raffinata restituzione musicale. La coerenza formale del pianista ha trovato giusti equilibri espressivi in tutti i quattro i movimenti della celebre sonata. Come già riferito in altri articoli, Chopin è forse il musicista più eseguito dai dilettanti e dai professionisti del pianoforte, e anche il più difficile da interpretare in quanto facilmente lo si banalizza rendendolo poco poetico. Pochissimi sanno entrare nello spirito del grande polacco con il giusto tocco, l'equilibrato e nitido fraseggio e il giusto rapporto tra i contrastati piani sonori. Pochi sono stati i grandissimi interpreti. Molti invece sono ottimi interpreti ed alcuni di questi con momenti di spessore artistico di alto livello. Tra questi ultimi Lortie rappresenta l'esecutore che pur non evidenziando una timbrica polacca, trova momenti di raffinata poesia soprattutto quando lo spartito segna maggiormente la linea melodica e quando la sovrapposizione dei piani sonori è delicata e non voluminosa. Modalità interpretative importanti sono emerse nelle Mazurche e nella nota Fantasia Op.49. Tre i bis concessi e tra questi ancora Chopin con due Studi. Lunghi applausi in una Sala Verdi con non pochi posti liberi. Meritava il pienone.

20 febbraio 2018 Cesare Guzzardella

Fabrizio Meloni e Takairo Yoshikawa allo SpazioTeatro89 milanese

Il variegato programma pensato dal clarinettista Fabrizio Meloni e dal pianista Takahiro Yoshikawa prevedeva brani di Ferdinando Sebastiani, celebre clarinettista vissuto nella prima metà dell' 800 e specializzato nelle trascrizioni di arie liriche; di Carlo Maria von Weber noto operista dei primi decenni dell' '800 e appassionato del clarinetto per il quale ha dedicato il Duo Concertante Op. 48. A metà concerto il brano per solo pianoforte di Liszt, Lyon, di incredibile valenza virtuosistica, ha cambiato il clima musicale prima orientato al mondo romantico. Due i lavori di pieno '900 eseguiti dopo Liszt con brani di due musicisti appartenuti al noto Gruppo dei sei, compositori prevalentemente francesi che si opposero drasticamente alle residue influenze romantiche di fine '800. Di Arthur Honegger e di Darius Milhaud abbiamo infatti ascoltato le loro Sonatina per clarinetto e pianoforte. Fabrizio Meloni, da parecchi anni prima parte della Filarmonica della Scala, ha rivelato le sue eccellenti qualità solistiche coadiuvato dall'altrettanto capace Yoshikawa di cui abbiamo compreso ancor più le sue qualità nella precisa e nitida esecuzione del complesso brano lizstiano. L'intensa melodicità del clarinetto è emersa con le Fantasie dalle Arie d'opera dalla Norma ( Casta diva) di Bellini e da Semiramide di Rossini, mentre i colori romantici del Gran duo di Weber hanno maggiormente evidenziato la sinergia tra i due strumentisti. Valide le interpretazioni finali con le Sonatine di Honegger e Milhaud che hanno messo in rilievi un particolare periodo storico in cui una certa freddezza sonora va inquadrata in impalcature architettoniche-musicali solide ed articolate. Bravissimi i due interpreti e un bel bis con una semplice ed espressiva Ninna Nanna di Emanuele Pedrani.

19 febbraio 2018 Cesare Guzzardella

Il Trio Maisky e l'orchestra de I Pomeriggi Musicali diretti da George Pehlivanian

Un valido Trio quello messo in piedi dal celebre violoncellista Mischa Maisky con i suoi figli Lily, pianista, e Sascha, violinista. In programma con l'Orchestra de I Pomeriggi Musicali diretta dall'armeno -americano d'adozione- George Pehlivanian, il noto Triplo Concerto in Do maggiore Op.56 di L.v.Beethoven e, a seguire, ancora Beethoven con la celebre Sinfonia Settima. Lodevole la direzione musicale di Pehlivanian che prima nel Triplo e poi nella "Settima" ha rivelato le sue rilevanti doti direttoriali attraverso una lettura sinergica e attenta alle esigenze del Trio e particolarmente grintosa nella Sinfonia Op.92 in La maggiore. Splendido il violoncello di Maisky nel Triplo concerto in ottima sinergia con il chiaro e dettagliato pianoforte della trentunenne Lily e con il ventinovenne Sascha molto determinato con l'archetto del suo violino. La Sinfonia n.7, capolavoro d'invenzione ritmica e di scultorea forza nello straordinario Allegretto, ha trovato una direzione tagliente ed efficace nell'andatura e nella ritmica. L'Allegro con brio finale ha raggiunto un livello di sintesi discorsiva unico. Ottima complessivamente l'orchestra de "I Pomeriggi musicali" ed eccellente la resa nei due movimenti citati della Settima. Molto espressivo il bis concesso dal Trio Maisky con l'Adagio dal Trio in si bem. magg. Op.11 di Beethoven. Un pubblico da tutto esaurito al Dal Verme ha tributato ripetuti e fragorosi applausi. Da ricordare a lungo.

18 febbraio 2018 Cesare Guzzardella

Prossimamente Le Violin noir al Teatro Civico di Vercelli

Sabato 24 febbraio 2018 alle ore 21 presso il Teatro Civico di Vercelli serata dal titolo "Le Violon noir" avrà come protagonisti l'Orchestra Camerata Ducale e Guido Rimonda al violino solista e direttore. Un progetto, Le Violon noir, conteso dai più importanti teatri e sedi concertistiche italiane e estere che sabato 24 febbraio sbarca al Teatro Civico di Vercelli, punta di diamante della edizione n° 20 del Viotti Festival 2017/18. Da fine di gennaio 2018 a primavera inoltrata saranno oltre 20 gli appuntamenti de Le Violon noir in Italia e all’estero.

18 febbraio 2018 la redazione

Edoardo Zosi diretto da Gabriel Feltz per la Società dei Concerti

Il programma interamente mozartiano diretto da Gabriel Feltz alla guida della Dortmunder Philharmoniker ha trovato come protagonista il trentenne violinista Edoardo Zosi. Il Concerto n.5 in la maggiore K.219, capolavoro della letteratura violinistica, era incastonato tra l'Ouverture da La Finta giardiniera e un altro lavoro importante quale la Sinfonia n.41 in do magg. K.551 "Jupiter". E' certamente un solista prestigioso Edoardo Zosi. L'ha dimostrato molte volte nei concerti per violino ed orchestra eseguiti in questi anni. In quello mozartiano, probabilmente il più bello e noto del genio salisburghese, Zosi ha trovato una dimensione perfetta con il suo delicato timbro ricco di melodicità italiana. La sua cifra stilistica è dotata di uno splendido vibrato. La morbidezza delle sue sonorità, ben sottolineate dalla chiara direzione di Feltz e dell'ottimo equilibrio di ogni sezione orchestrale, sono risaltate in tutti e tre i movimenti ed anche nelle rilevanti cadenze solistiche. Una splendida interpretazione del concerto e un ottimo bis concesso con una bellissima Gavotta di Bach. Nella seconda parte della serata ottima l'interpretazione della celebre Sinfonia "Jupiter". Di alto livello il Molto allegro finale che nella costruzione contrappuntistica in stile bachiano e nelle timbriche händeliane raggiunge un vertice assoluto della produzione di Mozart. Bravissimi Feltz e l'Orchestra nel dosare le variegate dinamiche. Avvincente l'orchestra nel fantastico bis offerto con il Pizzicato Polka di J. Strauss giocato su un volume complessivo contenuto tra dinamiche raffinate, da quelle impercettibili a quelle di maggior volumetria sonora. Serata da ricordare.

15 febbraio 2018 Cesare Guzzardella

Simon Boccanegra al Teatro alla Scala

Dopo il successo decretato nel 2016 per la direzione del Maestro Myung-Whun Chung, l'opera verdiana Simon Boccanegra per la regia di Federico Tiezzi con scene di Pier Paolo Bisleri riprese da Lorenza Cantini e luci di Marco Filibeck, è tornata al Teatro alla Scala. Il primo allestimento analogo data 2010 per la direzione di Daniel Barenboim. Come già detto, il direttore coreano ha un'affermata esperienza in questo lavoro avendolo diretto più volte e la sua interpretazione ci è apparsa ancora di eccellente qualità in tutte le componenti musicali. Queste, unitamente alla complessa vicenda richiedono una conoscenza approfondita per una resa d'insieme di spessore. Ancora una volta tutti i protagonisti, dalle voci soliste, al coro preparato come sempre in modo eccellente da Casoni, ci sono apparsi in sinergia con la direzione musicale e con l'ottima regia di Tiezzi. Il risultato finale lo riteniamo probabilmente migliore degli anni scorsi pur consapevoli che la tradizionale messinscena nulla aggiunge di nuovo alle modalità di rappresentare Verdi. Tra i protagonisti vocali di ieri sera, nella terza rappresentazione, l'inossidabile Leo Nucci (foto Archivio Scala di Brescia-Amisano), Simon Boccanegra, ha mostrato di meritare pienamente i fragorosi applausi tributati al termine dal numeroso pubblico intervenuto. Non dimentichiamo gli altri ottimi interpreti: l' Amelia di Krassimira Stoyanova brilla per qualità timbrica e perfezione d'intonazione con ottime rese coloristiche che evidenziano le peculiarità del suo dolce e deciso personaggio. Di spessore Dmitry Beloselskiy uno Jacopo Fiesco timbricamente ricco di colori. Ottimi anche Fabio Sartori in Gabriele Adorno e Dalibor Jenis in Paolo Albiani. Bravissimi i comprimari Ernesto Panariello, Luigi Albani, Barbara Lavarin. Le prossime repliche sono il 16-20-22 febbraio e  1-4 marzo. Da non perdere.

14 febbraio 2018 Cesare Guzzardella

Ilya Gringolts alle Serate Musicali

Da alcuni anni il violinista russo Ilya Gringolts sale sul palco di Sala Verdi in Conservatorio. Ieri sera ha impaginato un programma dedicato pravelentemente a J.S.Bach e inframmezzando nella Partita n.2 - quella della celebre Ciaccona- i movimenti di un brano composto dal compositore francese Brice Pauset (1965). Pauset, pianista, clavicembalista e violinista, ha seguito corsi di composizione presso l'Ircam di Parigi studiando con Grisey, Philippot e Banquart. I quattro movimenti della sua Kontropartita ( Corrente, Sarabanda, Giga e Ciaccona) sono stati inseriti tra quelli bachiani della Partita in re minore, creando una lunga suite, corposa e ricca di contrasti. In effetti la ricerca musicale di Pauset sul violino trova aggancio sia nella tradizione barocca che nelle più spinte timbriche contemporanee, dove anche la componente concreta del "rumore" ( raschiamenti delle corde, effetti sulla tavola, ecc.) ha un ruolo importante. Gringolts ha eseguito nella prima parte del concerto la Sonata in sol minore BWV 1001 e quella in la minore BWV 1003 del genio tedesco in modo perfetto. In lui il superamento di ogni ostacolo tecnico è al servizio di una ricerca timbrica dal sapore antico, lontano, discreto, espresso con timbriche dinamicamente ricche. La facilità di memorizzazione strutturale è sempre al servizio di un raffinato modo d'intendere la musica barocca. La seconda parte del concerto, interamente dedicata alla Partita n.2 e alla Kontropartita di Pauset hanno rivelato la passione e l'intelligenza di un virtuoso proiettato musicalmente nel nostro secolo. Le interessanti componenti del brano di Pauset, con la sua splendida Ciaccona, hanno potenziato la bellezza di Bach, giunta all'apice con l'altra Ciaccona, la più nota della letteratura violinistica mondiale. Successo di pubblico e come unico bis, per rimanere in tema, l'interessante Ciacconina di Heinz Holliger(1939). Da ricordare.

13 febbraio 2018 Cesare Guzzardella

Al Dal Verme l'orchestra de I Pomeriggi musicali diretta da Carlo Boccadoro

Il compositore- direttore Carlo Boccadoro ha diretto l'orchestra de I Pomeriggi Musicali in un variegato concerto che prevedeva musiche di Bach, Ferrero, Boccadoro e Shostakovich. Il pacato brano dall'Offerta Musicale di Bach , Ricercare a 6, nella essenziale trascrizione di Anton Webern ha introdotto il concerto orientato complessivamente al contemporaneo ed al moderno. Paesaggi con figura, per piccola orchestra di Lorenzo Ferrero (1951) era in perfetto accostamento col brano bachiano per introspettività e profonda raffigurazione estetica. Questo lavoro, tonale e di immediato ascolto, rimanda nei sofferti e discreti toni cupi, ad un mondo d'immagini di suggestiva individuazione. Bravo Ferrero in questa scrittura compositiva di non difficile ascolto e di immediata comprensione. Il brano successivo, dello stesso direttore Boccadoro (1963), consolidato compositore italiano, ci ha portato in un mondo musicale completamente differente. Il Concerto per Clarinetto e Orchestra ha trovato come solista l'eccellente Fabrizio Meloni, tra i migliori clarinettisti italiani. Le contrastate e marcate ritmiche introduttive, armonizzate attraverso un linguaggio essenzialmente tonale, hanno da subito mostrato la cifra estetica del compositore orientata alla libertà, all'estroversione ed alla luminosità timbrica. Si evidenzia nelle ritmiche e nelle armonizzazioni del compositore molti riferimenti culturali legati al jazz europeo ed americano post anni '60, alla musica statunitense di questi ultimi decenni e a certo minimalismo. La varietà delle timbriche sono state evidenziate sia dal sapore "improvvisatorio" del bravissimo virtuoso Meloni, che nelle altrettanto importanti timbriche orchestrali ricche di espressività e definite dalla riuscita e coerente varietà intenzionale. Semplice e lineare il Lento centrale in un concerto suddiviso nella classica ripartizione di tre movimenti con un Presto finale dalla curiosa denominazione Rondò dei gatti forse per quelle note ribattute iniziali che ricordano certo Michael Nyman. Successo caloroso di pubblico nell'avvincente recente lavoro di Boccadoro. Finale di concerto con una trascrizione per piccola orchestra di Rudolph Barshai della Chamber Symphony Op.73a, corposo brano di Shostakovich in cinque parti nelle quali ruolo da protagonisti hanno anche il violino, la viola, il violoncello, l'oboe e il fagotto, primi solisti tutti bravissimi. Ottima l'interpretazione di Boccadoro e de I Pomeriggi. Da ricordare.

11 febbraio 2017  Cesare Guzzardella

Filippo Gamba al Viotti Festival di Vercelli

Con gioia siamo tornati ieri sera, sabato 10 febbraio, a varcare la soglia del Teatro Civico di Vercelli, per il primo appuntamento dell’anno con i Concerti da camera proposti dalla XX Stagione del ViottiFestival. La serata era la terza dedicata all’integrale delle trentadue sonate per pianoforte di L. v. Beethoven, affidata a Filippo Gamba e impaginata su cinque composizioni: in ordine di esecuzione le Sonate op.26 in La bem. maggiore, op.14 n.2 in Sol magg., op.31 n.1 in Sol magg e le due Sonate quasi una fantasia op. 27, di cui la n. 2 in do diesis min., è appena il caso di ricordarlo, è la sin troppo celebre “Al chiaro di luna”. Come si vede, a parte forse l’op.14, ancora un po’ acerba nell’insieme e francamente debole nel tempo centrale, si tratta di sonate magari non notissime al c.d. ‘grande pubblico’ (con l’ovvia eccezione della “Chiaro di luna”) ma da annoverare tra le più belle e intriganti del Grande di Bonn: Chopin, che di musica pianistica un po’ s’intendeva, considerava l’op. 26 la più bella sonata pianistica beethoveniana. Nel loro insieme si tratta di composizioni che esigono un’interpretazione di sottile raffinatezza, nel tocco, nella scelta delle dinamiche, nell’uso del pedale…. Abbiamo già illustrato le virtù di Gamba come solista in un precedente articolo: non vorremmo ripeterci. In questa occasione il pianista veronese conferma di aver ormai raggiunto una maturità espressiva che gli permette di attingere livelli interpretativi di grande intensità e qualità non solo tecnica, ma anche nell’esplorazione e nello scavo del suono . Il brano d’esordio è già subito un banco di prova per il pianista: di quel meraviglioso Andante con variazioni, che, sovvertendo ogni schema allora tradizionale della sonata, apre l’op.26 , Gamba evoca dalla tastiera un lirismo tanto più profondo e struggente, quanto più si mantiene asciutto ed essenziale, con un tocco delicato fino all’evanescenza. In un pezzo come questo si misura tutta l’intelligenza interpretativa del pianista: nell’uso accorto del ‘rubato’, appena percepibile, e del pedale, anche questo molto parco, Gamba ha reso superbamente quel “piano dolce” prescritto da Beethoven: l’effetto, profondamente poetico, ha incantato il pubblico: silenzio assoluto in sala, non un colpo di tosse, non un fruscio delle odiose cartine di caramelle, cellulari spenti (anche quello del sindaco…). Ma Gamba è pianista capace di svariare lungo tutto lo spettro delle possibili sonorità della tastiera, valorizzando le qualità timbriche della partitura. Ancora nel’op.26, il Trio della Marcia funebre ha evocato negli ascoltatori le sonorità rullanti delle percussioni e quelle metalliche e secche degli ottoni. Naturalmente una buona interpretazione nasce anche dal controllo delle dinamiche e dalla scelta dei tempi, dalla sapiente distribuzione di istanti di pause e silenzi. La Sonata op.27 n.1 ha uno dei suoi momenti essenziali nel contrasto tra l’etereo ‘piano’ conclusivo del primo tempo Andante e l’esplosivo’ fortissimo’ dell’Allegro seguente: qui il tocco di Gamba si trasforma e assume una forza e un volume di suono da leone della tastiera, sempre severamente controllati, peraltro, da una precisione che tornisce il fraseggio con trasparente chiarezza, con suoni che sanno sgranarsi lucidi e morbidi come in un jeu perlé nel rossiniano cantabile fiorito dell’Adagio grazioso dell’’op.31. Nel brano più celebre fra quelli proposti, il primo tempo, Adagio sostenuto, dell’op.27 n.2, ci pare che Gamba abbia sfruttato al meglio gli effetti di risonanza delle corde libere, creando un suono sfumato e indefinito, ma senza alcuna concessione a sdilinquimenti romanticheggianti. Richiamato più volte dagli applausi di un pubblico stranamente meno numeroso del solito (“effetto Sanremo”? Non osiamo neanche pensarlo!!) Gamba ha concesso come bis un Prelude di Debussy, Bruyéres, quinto del II libro: perfetta l’esecuzione, che ha reso al meglio quel valore timbrico degli accordi caratteristico del compositore francese, evitando sonorità ‘flou’, ma al contrario incidendo i suoni con limpido cesello. Una serata di musica davvero di alto livello, che torna ancora una volta a merito della Camerata ducale e del ViottiFestival.

11-02-2018   Bruno Busca

Kavakos-Pace: un duo di eccellente qualità alle Serate Musicali

Quando l'equilibrio tra due strumenti come il violino e il pianoforte raggiunge vertici inarrivabili, probabilmente stiamo ascoltando Leonidas Kavakos ed Enrico Pace. Ieri sera in Sala Verdi - nel Conservatorio milanese- abbiamo avuto il piacere di ascoltare il violinista greco ed il pianista riminese. Da alcuni anni coppia strumentale di successo, il duo ha trovato ancora una volta un equilibrio timbrico di raro ascolto. La discrezione strumentale dei protagonisti, priva di ogni eccessiva sonorità e attenta all'insieme discorsivo, ha visto in Kavakos una cifra espressiva raffinata, giocata su timbriche tenui ed altamente pregnanti e un Pace sapiente dosatore di suoni essenziali, precisi, netti, ottenuti con un corretto uso del pedale. Anche nei momenti di corpose esternazioni dinamiche il suo suono appariva preciso, asciutto, senza risonanze inutili ed in perfetta simbiosi con le accurate timbriche del violino. Splendido l'impaginato con la neoclassica Suite Italienne di Igor Stravinskij, seguita dalla rara ma splendida Sonata n.1 in fa minore Op. 80 di Prokof'ev, nella quale l'elemento percussivo, soprattutto dello strumento a tastiera, ha trovato genuine modalità di realizzazione. Dopo l'intervallo, un breve e delicato Distance de fée di Toru Takemitsu, dal sapore alla Messiaen, ha preceduto la celeberrima Sonata in La maggiore di Cèsar Franck -uno dei massimi capolavori della letteratura violinistica di fine '800- eseguita con analitica intensità espressiva. Un concerto da ricordare a lungo terminato col delicato e raffinato bis nel movimento centrale Allegretto della Sonata n.1 Op.105 di Schumann. Applausi di soddisfazione da parte del numeroso pubblico intervenuto.

23 gennaio 2018 Cesare Guzzardella

Prossimamente la Camerata Ducale e Guido Rimonda a Vercelli

Il 27 gennaio la Camerata Ducale e Guido Rimonda, direttore e violinista, terranno un concerto al Teatro Civico di Vercelli. Il programma prevede brani celebri di diversi autori. Da non perdere.

23 gennaio dalla redazione

Roberto Cappello alle Serate Musicali del Conservatorio milanese

È tornato in Conservatorio il pianista Roberto Cappello per le Serate Musicali. Dopo averlo ascoltato in questi anni in tanto Gershwin, è stata una scelta nuova e coraggiosa quello dell'eccellente pianista pugliese nel proporre Schubert col ciclo Schwanengesang e Beethoven con la Sinfonia n.5 rivisitati dal grande virtuoso-compositore Franz Liszt. Non avevo ancora ascoltato live il celebre ciclo liederistico de Il canto del cigno del grande compositore viennese nella rivisitazione pianistica di Liszt e devo dire che l'interpretazione accurata di Cappello nel presentare i 14 lieder organizzati in successione diversa rispetto la versione originale per canto e pianoforte, mi è piaciuta molto per la complessiva cifra stilistica che fa emergere tra i momenti più intimi e poetici e quelli di più tragica estroversione una incredibile varietà di contrasti. Il pianista mette in rilievo mirabilmente il canto schubertiano tradotto con le geniali armonie di Liszt che fanno trasparire anche l'insuperabili qualità virtuosistiche dell'ungherese. Dopo l'intervallo la trascrizione pianistica lisztiana della celebre Sinfonia n.5 in do minore del genio tedesco ha elevato ad un gradino ancora più alto il bellissimo concerto serale. L'interpretazione decisa e scultorea di Cappello ha messo in rilievo in toto il carattere di Beethoven e l'abilità di Liszt nel sottolineare ogni dettaglio del noto capolavoro, questa volta interamente con caratteristiche tutte del tedesco. Bravissimo Cappello in questa restituzione musicale tra le migliori ascoltate in questi anni. Splendido il delicato bis con ancora Schubert-Liszt nella celebre Ave Maria. Da ricordare.

9 gennaio 2018 Cesare Guzzardella