Il pianista-compositore VIJAY IYER ha inaugurato la rassegna matutina "PIANISTI DI ALTRI MONDI", iniziativa musicale promossa dalla Società del Quartetto, pensata e diretta da Gianni Morelenbaum Gualberto. Sede degli otto incontri previsti è il Teatro Franco Parenti di Milano. Questa mattina alle ore 11.00 una numerosa presenza di pubblico ha accolto il compositore-interprete statunitense, di origine indiana, per un impaginato complessivo di cinque brani dove l'elemento improvvisatorio era peculiare. Stiamo parlando di un musicista particolarmente noto agli esperti del settore, in un genere musicale che ha nel jazz la più appariscente appartenenza, ma che incontra in uno stile personale la musica "colta" europea e anche quella orientale. È proprio questo mix inter-culturale che rende interessante e probabilmente "unico" il linguaggio musicale di Vijay Iyer. I quattro lavori proposti -più un quinto eseguito come bis - hanno rivelato un interprete estemporaneo - abile anche come pianista- che fa ricerca di timbriche semplici e/o complesse, tenendo ben presente le sonorità dello strumento. L'eccellente pianoforte Fazioli utilizzato e l'ottima acustica riscontrata - perlomeno dalle primissime file dove ero seduto- sono sembrati ideali per lo stile pianistico-compositivo di Vijay Iyer. Il suono non amplificato- cosa inconsueta per il genere, ha certamente favorito l'ottima prestazione. Le sue improvvisazioni sono giocate su un eccellente uso delle dinamiche, mai eccessive nei volumi e sovente delicate ed interiori. Nel primo lavoro, l'influenza dello stile jazz "storicizzato" dei grandi - da Monk a Jarret, da Cecil Taylor a Corea, e anche altri. - è risultato evidente, ma le qualità di Iyer sono rintracciabili nelle variegate cifre stilistiche presenti in ogni brano, con riferimenti musicali diversificati. L'impronta jazz del primo corposo lavoro, costruito su una suggestiva iniziale ripetizione armonica di tre accordi nei toni bassi, ha poi uno sviluppo interessante nelle rapida successione di note nella parte alta della tastiera. Di maggiore intimità il brano successivo e di grande impatto emotivo il terzo. Qui Iyer partendo da suggestive riverberazione timbriche delle note basse, crea lentamente uno sviluppio effettistico che sfocerà in una serie di note a grappolo, rapide ed articolate che ricorda molto le ineguagliabili improvvisazioni di Cecil Taylor degli anni '60 -'70. In questo lavoro, la gestualità risulta una componente fondamentale per la comprensione delle intenzioni. In un contesto molto free, le sonorità sono state comunque molto controllate e sono giunte poi a definire atmosfere pacate e minimali, non disgiunte da modi eleganti ed evocativi. Il quarto brano presentato, in uno stile tra Satie e l'Oriente, evoca situazione lontane, ricche di suggestive emozioni. Anche nel bis concesso, una pacata esternazione ha portato alla conclusione del bellissimo mattino musicale. Fragorosi gli applausi nella Sala grande del Teatro Parenti. Da ricordare. Prossimo concerto previsto per il 9 febbraio alle ore 11.00 con la pianista Vanessa Wagner per un programma di musica contemporanea variegato, dove verranno eseguiti brani di Nyman, Vasks, Otte, Meredith Monk, Mondoog e Dessner. Da non perdere!

19 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Bello il concerto cameristico offerto oggi pomeriggio, 18 gennaio, dal Conservatorio G. Cantelli di Novara al suo affezionato e sempre più numeroso pubblico. Bello anzitutto e ovviamente per il programma proposto, incardinato su una delle più belle sonate per violino e pianoforte di Beethoven, l’ Op.30 n.2 in do minore, la settima delle dieci composizioni del Sommo di Bonn per questo genere cameristico, e sul Trio per pianoforte violino e violoncello, Op. 1 n.3 in do minore anch’esso, una delle opere giovanili con cui Beethoven si presentò al pubblico di Vienna, e su cui è celebre lo strano giudizio negativo di Haydn. Ma bello, il concerto odierno al Cantelli, perché suonato da giovani, ricchi di talento e di entusiasmo, ottimamente preparati sul piano tecnico, a dimostrazione che la musica c.d. “classica”, non è polverosa anticaglia per residuali cultori dalle malinconiche canizie, ma suscita ancora interesse e passione nelle generazioni più giovani, che infondono tutta la freschezza delle loro energie nel custodire questa, che è una delle più nobili eredità dello spirito creatore dell’uomo. Infine bello perché questi giovani sono allievi del Cantelli, un conservatorio che sta da anni coltivando una lodevole e intelligente didattica, che mira a formare i suoi allievi, almeno i migliori, non solo attraverso lo studio individuale, ma anche con una pratica concertistica, soprattutto cameristica, che porta molto presto questi ragazzi a misurarsi con la sala da concerto e con il pubblico, tappa fondamentale per il loro processo di maturazione. A eseguire la Sonata Op.30 n.2 erano Eva Ghelardi, allieva di Guido Rimonda, componente fissa della Camerata Ducale Junior (per ora: la formazione “maggiore” l’aspetta) e spalla dell’orchestra del Festival di Verbier. Al pianoforte una delle promesse del Cantelli, Davide Rausi. Ottima l’intesa tra i due strumentisti, in possesso di una tecnica già solida, che ha loro consentito di affrontare con precisione e tocco sicuro i passaggi più impervi di questa non facile partitura, come la serie di tremoli, arpeggi, scale e ottave spezzate riservate al pianoforte nel primo tempo o la capricciosa condotta ritmica del violino che in generale domina questo capolavoro beethoveniano, con un che di sulfureo e demoniaco, che sembra far capolino qua e là. Se c’è una riserva che ci sentiamo di esprimere su questa esecuzione è una certa piattezza nel gioco vario e nervoso delle dinamiche, proprio di questa composizione e più in generale un’energia e potenza di suono, soprattutto da parte del pianoforte, che in alcuni momenti importanti del pezzo ha lasciato un po’ a desiderare: ad esempio la coda del primo tempo ci è giunta alle orecchie spoglia di quella potenza delle ottave al pianoforte e di quella violenza da raffica di impetuoso vento sonoro che dovrebbe uscire dalle corde del violino. Molto ben riuscita, in compenso, l’esecuzione dell’Adagio cantabile, soprattutto nella delicatezza sfumata degli arpeggi staccati di entrambi gli strumenti. Cambia il pezzo, cambiano gli interpreti: il Trio n.1 op.3 era affidato a Ludovica De Bernardo (pianoforte), Stefano Raccagni (violino) e Christiana Coppola (violoncello). Si è trattato di un’ esecuzione decisamente ottima, salutata meritatamente da un lungo applauso del folto pubblico. La climax di questa interpretazione è stata quel gioiello del giovane Beethoven che è l’Andante cantabile con variazioni, in cui i tre strumentisti hanno sfruttato con già matura sapienza tutte le possibilità dialogiche offerte da questa incantevole partitura, con un controllo giudizioso delle dinamiche, dell’agogica e soprattutto della timbrica. Un plauso particolare va alla pianista De Bernardo, per la fluidità del fraseggio e la pulizia del disegno, unita a una intensità e potenza di suono, davvero coinvolgenti. Niente bis, ma come detto, tanti applausi, per un bel pomeriggio di musica, ancora una volta offerto dal Conservatorio Cantelli e dai suoi bravi allievi e neo-diplomati.

18 gennaio 2020 Bruno Busca

Avevo ascoltato il moscovita Alexander Kobrin il 9 dicembre 2004 all'Auditorium milanese nel Concerto n.3 di Rachmaninov. Allora aveva 24 anni e mi piacque molto per la sicurezza e la scioltezza nel superare ogni difficoltà di quel difficile concerto. Da cinque- era il 1999- era riuscito a vincere il prestigioso Concorso Internazionale Busoni, bissando il successo nel 2005 con l'altrettanto importante "Van Cliburn". Ieri, dopo 15 anni l'ho riascoltato al Dal Verme con l'Orchestra de "I Pomeriggi Musicali" diretta da George Petrou nel Quarto Concerto di Beethoven: un lavoro altrettanto noto ed importante come il Rack 3. Kobrin è il classico esempio di pianista russo proveniente da una scuola musicale prestigiosa che oltre a valorizzare la tecnica nella virtuosistica, va più in profondità, nella ricerca dell'interpretazione corretta e profonda legata al compositore. Il bellissimo Concerto in Sol maggiore op.58 è stato affrontato con grande padronanza tecnica ed evidente espressività da Kobrin. La sua immobilità del volto, che ricorda nella gestualità complessiva Pletnev, ha trovato una buona sinergia con l'Orchestra e con la direzione di Petrou. I momenti migliori della valida esecuzione li ho sentiti nella bellissima cadenza dell'Allegro moderato e nel profondo ed elegante Andante con moto, movimento "transitorio" verso il ritmico Rondò finale, di una bellezza sconvolgente. L'Andante è definito inizialmente da poche note che Kobrin ha riempito di pregnante valore estetico, coadiuvato qui benissimo dall'orchestra. Applausi fragorosi al termine e molto valido il bis concesso con il Prelude op.32 n.12 di S. Rachmaninov. Dopo l'intervallo, di qualità l'esecuzione della Sinfonia n.2 D 125 di Franz Schubert. Sabato 18 gennaio alle ore 17.00 si replica!! Da non perdere.

17 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Non conoscevo il violinista israeliano Guy Braunstein e devo ammettere che sono rimasto molto soddisfatto delle sue interpretazioni riferite ad un impaginato articolato come quello composto dai brani ascoltati ieri sera in Sala Verdi. Al pianoforte, l'israeliano Ohad Ben-Ari ha mostrato di essere il compagno ideale del violinista per unità d'intenti e risultati ottenuti. Brani articolati e lunghi come quelli iniziali di Dvořak, Beethoven e Chausson, hanno avuto come coda pezzi più brevi di Čaikovskij, Waxman-Bizet e numerosi brevi ma significativi bis. La Rusalka Rhapsody del compositore ceco Dvořak e il Poème op.25 del parigino Chausson, entrambi vissuti nella seconda metà dell'800, hanno rivelato modalità estemporanee tardo romantiche dell'ottimo violinista che oltre avere doti virtuosistiche sorprendenti, riesce attraverso una discorsività fluida e precisa nei dettagli, a raggiungere profondità espressive evidenti. Notevole poi il più classico Beethoven con la Sonata n.7 in do min. op.30 n.2 eseguita in perfetta sinergia con l'ottimo pianista e ancor più meritevole d'attenzione per scelta stilistica di chiara restituzioni e rimarchevole espressività. Il programma ha avuto un maggior apprezzamento di pubblico probabilmente negli ultimi brani proposti, per l'alta melodicità presente, con tre lavori di Čaikovskij dal Lago dei cigni e da Evgeny Onegin trascritti benissimo da Braunstein e con la conclusiva entusiasmante Carmen fantasy nella rielaborazione di Fran Waxman. Qui Braunstein ha dato sfoggio di alto virtuosismo, mostrando ancor più le qualità del suo violino, strumento dalle timbriche dolci e nascoste, un Francesco Roggeri del 1679. La sua perfetta intonazione, anche nei più ardui sopracuti e la bellezza antica della timbrica, lo pongono tra i migliori violinista della sua generazione. Splendidi i bis con un omaggio ad autori italiani e un finale stratosferico di Gershwin. Prima la rara Canzonetta di D'Ambrosio, poi la celebre melodia napoletana Torna a Surriento e per finire un brano da Porgy end Bess nell'ineguagliabile trascrizione di Jascha Heifetz. Pubblico entusiasta e fragorosi applausi. Da ricordare.

16 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Un concerto di straordinario interesse quello ascoltato ieri sera in Conservatorio per la rassegna organizzata dalla Società del Quartetto. Il gruppo cameristico barocco "La Lira di Orfeo", nato da un'idea del fondatore, il controtenore Raffaele Pe, ha presentato un programma variegato con molti brani incentrati sulla figura di Giulio Cesare. Sinfonie ed Arie dall'opera Giulio Cesare in Egitto di G.F Händel sono state implementate da altre Sinfonie ed Arie di compositori meno noti ma importanti quali Giacomelli, Pollarolo, Bianchi e Piccinni. L'alternanza tra brani solo Strumentali- diverse Sinfonie- , e Arie vocali, ha diversificato una serata dedicata interamente alla musica barocca di fine Seicento e Settecento. La presenza del protagonista maschile nella splendida voce di Raffaele Pe, ha visto sul palcoscenico nel noto brano händeliano Son nato a lagrimar anche la profonda voce del mezzosoprano Raffaella Lupinacci. Un duetto di rilevante qualità ripetuto poi al termine del concerto. L'ensemble barocco La Lira di Orfeo, per la prima volta ospite della Società del Quartetto, è capeggiato dal violino concertatore Luca Giardini. Nel corso della serata il gruppo strumentale ha espresso con maestria e raffinata eleganza timbrica uno stile orientato al recupero delle sonorità "antiche", utilizzando anche strumenti d'epoca. Di G.F Händel oltre al brano già citato, sono stati eseguiti Va tacito e nascosto e All'ampo dell'armi. Tra i numerosi brani, oltre alle Sinfonie di Geminiano Giacomelli, G.F. Händel e Francesco Bianchi, eseguite con pregnante espressività, segnaliamo le arie Il Cor che sdegnato di Giacomelli, Sdegnoso turbine di Carlo Francesco Pollarolo, Spargi ormai di dolce oblio di Piccinni e Saprò d'ogn'alma audace di Bianchi. Di qualità espressiva la voce di Raffaele Pe giocata sulla grande naturalezza dei momenti più pacati e la potenza d'emissione nei frangenti più concitati. Bellissimo il duetto händeliano dove anche la voce del mezzo-soprano Lupinacci ha rivelato qualità espressive rilevanti con chiare emissioni vocali e ottima presenza attoriale. Di eccellente qualità il secondo bis con la celebre aria di Händel Lascia ch'io pianga da Rinaldo. Da ricordare a lungo.

15 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Ho ascoltato molte volte la pianista cubana, naturalizzata statunitense, Juana Zayas, sempre rimanendo soddisfatto per le sue interpretazioni. Mai l'avevo sentita in un programma tutto francese imperniato su due grandi musicisti vissuti a cavallo tra due secoli - '800 e '900- quali Maurice Ravel e Claude Debussy. Un'impaginato ottimamente costruito, con un'ampia serie di brani che hanno rivelato le attitudini della Zayas ad un repertorio dove gli elementi coloristici ed il peso del suono risultano determinanti. Partendo da Ravel con la deliziosa Sonatine, attraversando il trasparente Jeux d'eau dedicato a Gabriel Fauré, l'interprete ha concluso la prima parte della serata con Gaspard de la nuit nei tre celebri Ondine, Le Gibet e Sgarbo. L'approccio pianistico della Zayas ha rivelato, già dalle prime note, una chiarezza timbrica evidente, che nasce da uno studio accurato e profondo dei particolari, contestualizzati in un'unità formale precisa e ben definita. Spesso risultano rilevanti incursioni virtuosustiche - con colori nella parte alta della tastiera strabilianti per nitore- rese con semplicità discorsiva tipica del pianismo di alta qualità. Anche nel Debussy della seconda parte del concerto la settantanovenne pianista - portati splendidamente - ha mostrato un eccellente equilibrio dinamico-coloristico. Iniziando con la prima serie di Images, poi con cinque brani del primo libro di Préludes ( n.3-5-7-8-9) seguiti da Feux d'artifice, ultimo della seconda serie di Preludi. La nota L'isle Joyeuse, eseguita ancora con trasparente espressività, ha concluso il programma ufficiale. Quattro i bis concessi, sempre di Debussy, con Sarabande e Toccata da Pour le piano, lo Studio n.1 denominato Etude 1 pour le cinq doigts d'apres Momsieur Czerny e per finire La soirée dans Grenade da Estampes. Peccato la presenza di un pubblico poco numeroso in una Sala Verdi che meritava imvece di essere al completo. Da ricordare a lungo!

14 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

È un balletto di grande qualità Sylvia. Ha nella splendida musica, composta da Lèo Delibes per la prima parigina del 14 giugno1876, l'ossatura portante. La messinscena classica di Manuel Legris - da quella originaria di Louis Mérante- risulta essere perfetta e adattata ad ogni dettaglio musicale con situazioni di soli e di gruppo che si specchiano con le parti sonore, in un insieme unitario di grande classe e di sublime espressività. Valido l'inserimento coreutico di Legris nel Prologo iniziale, in genere solo musicale, con la presenza scenica di Diana ed Endimione. Protagonista del balletto in tre atti- visto ieri in replica- è Martina Arduino, Sylvia.(Foto Brescia e Amisano,Archivio Scala) L'eccellente prima ballerina è un esempio massimo di leggerezza, elasticità e presenza costante. Ma tutto il corpo di ballo del Teatro alla Scala ha mostrato qualità di primo livello: da Claudio Coviello , Aminta, Christian Fagetti, Orione, Nicola De Freo, Eros, Maria Celeste Losa, Diana, Gabriele Corrado, Endimione e gli altri Fauni, Contadini, Pastori e Cacciatori. La precisa ed espressiva direzione di Kevin Rhodes con la splendida Orchestra del Teatro alla Scala ha reso ancor più di qualità il tutto, esaltando musicalmente le riuscite scene e i colorati costumi di Luisa Spinelli, costumi ben illuminati dalle luci di Jacques Giovanangeli. Sylvia è uno splendido balletto che dopo essere stato per molto tempo trascurato è arrivato da Vienna finalmente alla Scala. Sta ottenendo un successo meritatissimo come dimostrato dal pienone di ieri sera all'ottava replica e dagli interminabili applausi finali, con continue uscite dei protagonisti, direttore compreso. Da non perdere le ultime due repliche previste per il 14 gennaio, pomeriggio e sera.

12 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

Un concerto di grande qualità quello ascoltato ieri sera al Teatro alla Scala. Sul podio il direttore Gianandrea Noseda ha esternato un gesto essenziale, preciso ed incisivo per tre lavori importanti di Fauré, Stravinskij e Saint-Saëns. La leggerezza e l'eleganza francese è emersa in Pallèas et Mélisande suite op.80 di Gabriel Fauré. L'essenzialità delle tenui timbriche delle quattro parti che compongono la breve suite da concerto ha trovato dolci espressività tra le mani dei filarmonici, elargenti sensibili contrasti dinamici. Altrettanto valida e perfetta nell'accostamento col lavoro del francese è Le baiser de la fée - Il bacio della fata-, il balletto che Igor Stravinskij compose negli anni '20 partendo dalle musiche di Čaikovskij. In questo divertimento tratto dal balletto, lo stile neoclassico tipico del russo ha trasformato le note dell'altro grande russo, trovando momenti di gentile e raffinata discorsività, con un punto d'arrivo nell'esemplare Pa de deux finale. Cambio di registro nella seconda parte della serata con un brano di grande esternazione e suggestione quale la Sinfonia n.3 in do minore op.78 "con Organo" di Camille Saint-Saëns. Composta nel 1886, questa Sinfonia del prodigio francese rappresenta insieme alla Sinfonia in re di Cèsar Franck, composta negli stessi anni, uno dei lavori più importanti della fine dell'800. L'esemplarità della costruzione orchestrale è stata delineata con grande rigore espressivo da Noseda che, con un lavoro dettagliato, perfettamente dosato e particolarmente fluido, ha messo in risalto le splendide qualità dei Filarmonici della Scala, in ogni sezione orchestrale. Splendidi tutti gli orchestrali e rilevanti anche i fiati, sia legni che ottoni e la ridotta ma fondamentale parte del valente organista. Un concerto splendido per un grande direttore. Da ricordare a lungo.

10 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

L'interessante programma ascoltato questa mattina al Dal Verme in una prova generale eseguita in modo completo e senza interruzioni, prevedeva brani di Ravel, Vieuxtemps, Fauré e Schubert. L'esecuzione ci ha permesso di confermare l'ottima espressività dell'Orchestra de I Pomeriggi quando è guidata da validi direttori quali Yves Abel. Un valore aggiunto è stato quello del violinista serbo Stefan Milenkovic nel Concerto per violino e orchestra n.5 in la minore op.37 "Grétry" di Vieuxtemps. Nei brani orchestrali, abbiamo trovato un livello interpretativo di qualità. Le Tombeaux de Couperin di M. Ravel testimonia una raffinata orchestrazione del francese ben resa da Abel e dagli orchestrali in ogni sezione. Anche la breve e celebre Pavane in re Maggiore op.50 di G. Fauré ha trovato una corretta interpretazione con risalto degli strumenti a fiato in questo lavoro particolarmente rilevanti. L'ultimo brano solo orchestrale, la giovanile Sinfonia n.3 in re magg. D 200, di F. Schubert ci ha trasmesso circa 25 minuti di leggera ma raffinata discorsività nei quattro movimenti che la compongono. Momento di grande novità, anche per la scarsità di esecuzioni che trascurano questo breve capolavoro di Henri Vieuxtemps, è stato il Concerto per volino e orchestra n.5 in la minore op.37 "Gréty". Le qualità interpretative di Milenkovick sono note. Il suo prezioso violino Guadagnini ha un timbro dolce e delicato ma anche deciso e particolarmente voluminoso. L'esecuzione ascoltata- impeccabile- era sorretta da una parte orchestrale in perfetta sinergia con la parte violionistica. Le qualità interpretative del violinista serbo sono emerse anche nella splendida Cadenza dell'Allegro ma non troppo , scritta dallo stesso Vieuxtemps, cadenza migliore e più completa di un'altra scritta dallo stesso compositore per il medesimo concerto. Applausi sinceri e fragorosi da parte del numeroso pubblico intervenuto. Questa sera alle 20.30 ci sarà l'esecuzione ufficiale con replica sabato alle ore 17.00. Da non perdere.

9 gennaio 2020 Cesare Guzzardella

DICEMBRE 2019 

Un baritono, Beethoven e molto Ravel per la Società dei Concerti. Valido L'impaginato presentato ieri sera in Sala Verdi dalla Stuttgarter Philharmoniker diretta da Dan Ettinger. Sei rari lieder di Beethoven, hanno introdotto il concerto ed evidenziato l'ottimo timbro baritonale di Andrè Schuen. I Sei lieder op.98 "An die ferne Geliebte" sono stati mirabilmente composti dal genio di Bonn e resi con grazia e profondità da Schuen. Ottimo l'equilibrio orchestrale di Ettinger e perfetta l'integrazione solistica del baritono. Il primo Ravel eseguito, il celebre La Valse, ci ha portato in un'atmosfera vorticosa dove il tempo di valzer viene variato in infiniti modi, in un gioco di timbriche appariscenti, moderne ed innovative per l'epoca di produzione. La Valse è ricca di effetti di glissando e di voluti accorgimenti sonori atti a creare una rotazione degli interventi strumentali in un moto circolare sempre più rapido e sconvolgente. Di rilievo l'interpretazione orchestrale. Seconda parte della serata ancora con Ravel: prima con il relativamente pacato Valses nobles et sentimentales e poi con i Three songs "Don Quichotte à Dulcinée", nei quali, ancora una volta, il baritono Schuen ha reso un'interpretazione profonda e delicata. A conclusione della serata forse il brano più noto del francese, il Boléro, ha trovato un'eccellente orchestra per equilibrio delle parti, per giusto peso dinamico in perfetto crescendo e per ineccepibile qualità di tutti gli interventi solistici. Livello espressivo-musicale decisamente alto per un' orchestra, quella di Stoccarda, con un direttore decisamente all'altezza che sa come ottenere il massimo da tutti gli ottimi strumentisti. Splendida serata!

19 dicembre 2019 Cesare Guzzardella

Al Conservatorio di Milano le luci si spengono solo a tarda sera, e non solo per i concerti in programma in Sala Verdi. Dal 1976, dal lunedì al giovedì un “esercito” di amanti della musica che di giorno fanno mille altri lavori e attività, si ritrovano nelle sue aule a frequentare i corsi di strumenti e di teoria musicale.

L’Associazione nasce dall’idea di alcuni studenti del Conservatorio di consentire anche a persone non professioniste di poter studiare ed approfondire, in ore serali e a prezzi contenuti, lo studio di uno strumento e la propria cultura musicale. Dalle 20 alle 22.45 ogni aula si anima di appassionati e irriducibili, esperti e neofiti che dedicano le ultime energie del giorno all’arte sublime della musica.

Dal pianoforte al violino, dal violoncello alla tromba, dal sassofono alla chitarra classica, dalla storia della musica alla guida all’ascolto, dai corsi di teoria musicale al mandolino, solo per citare alcune delle proposte che troverete ai CPSM.

Da quest’anno importanti novità sono state introdotte dalla Commissione Eventi in merito all’ascolto della musica dal vivo e della fruizione di convenzioni e opportunità culturali. Anche chi non frequenta i corsi può associandosi ai CPSM con € 20 e usufruire degli sconti attivi per la Community. Crediamo fermamente che l’esperienza dal vivo sia un bel modo di vivere la musica, il teatro e la cultura in modo attivo.

Troverete le nostre proposte sul sito, dove sono segnalati i posti ancora disponibili per questo anno accademico 19/20. A partire dal 1°gennaio 2020 le quote di partecipazione ai corsi verranno ridotte di circa un terzo.

Venite a trovarci! www.cpsm.net/index2.html

Elena Siani   Milano, 16/12/2019

Oggi pomeriggio, domenica 15/12, abbiamo assistito alla replica del secondo spettacolo della stagione lirica del teatro Coccia di Novara, coprodotto dal Coccia, dal Teatro Goldoni di Livorno e dal Teatro Sociale di Rovigo. La prima ha avuto luogo ieri, sabato 14, e la precisazione è indispensabile perché tra le due rappresentazioni sono cambiati gli interpreti di gran parte dei ruoli protagonistici. Dunque, sono andate in scena due opere tra le più significative di quella complessa fase della storia musicale italiana, tra fine ‘800 e inizio ‘900, che vede il definitivo tramonto dell’”opera” ottocentesca e l’affermarsi, prima col verismo (o preteso tale) della ‘giovane scuola’ e poi con le opere di Puccini, di nuovi modelli d teatro musicale: i due titoli sono, in ordine di rappresentazione, “Suor Angelica” e “Cavalleria rusticana”. L’esecuzione era affidata all’Orchestra Filarmonica Pucciniana diretta dal maestro Daniele Agiman e al Coro Ars Lyrica diretto da Chiara Mariani. La regia era di Gianmaria Aliverta, coadiuvato dallo scenografo Francesco Bondi. Dei cantanti, ovviamente, si dirà a suo tempo. Puccini e Mascagni: qual è il filo che unisce queste loro due opere, in apparenza così diverse e lontane non solo cronologicamente (circa trent’anni di distanza le separano)? Ci illumina il libretto di sala, in cui si leggono le osservazioni di Agiman, secondo il quale Cavalleria e Suor Angelica sarebbero legate dalla scelta, da parte dei due compositori, di collocare le rispettive vicende in due luoghi (un convento e un villaggio ancora immerso in costumi arcaici), in cui sono impossibili relazioni autentiche fra gli individui, non mascherate da una pervasiva ipocrisia sociale, . Ribadisce, estremizzandolo, il concetto il regista Aliverta: Suor Angelica e Cavalleria sarebbero addirittura un’opera unica: Cavalleria rusticana “svelerebbe” il peccato che suor Angelica ha commesso (ma non è già ampiamente svelato dall’opera stessa?), sullo sfondo di una bigotta e ipocrita religiosità cattolica. Questa cervellotica interpretazione guida ovviamente le scelte registiche e scenografiche. Suor Angelica presenta una messa in scena accettabile, anche se abbastanza scontata, cioè un ambiente conventuale, inquadrato da due possenti pilastri con statue a soggetto religioso, tra i quali è collocata una grata, confine di separazione tra il mondo e il convento, il cui spazio ha il suo riferimento essenziale in una possente statua della Vergine con bambino, in cui, al momento della morte della protagonista, viene conficcato un coltello. Già in Suor Angelica peraltro, qualche scelta registica è piuttosto opinabile, anche se secondaria: Angelica si suicida non solo col veleno, come da partitura, ma anche col coltello, prefigurando così il mondo della Cavalleria Rusticana. Del resto lo spettatore è informato dalle note di regia che S. Angelica è Lola (?) , come la zia di S.Angelica è mamma Lucia (????). In Suor Angelica Aliverta ha modificato il finale: Sparisce l’apparizione della Vergine che “sospinge il figlio morto di Angelica verso la madre moribonda”, resta solo il bambino che, dall’altra parte della grata, contempla muto l’agonia della madre. Si ammirano i costumi delle suore, di un bianco abbagliante con finssime decorazioni, opera della brava costumista Sara Marcucci. Il vero scempio si compie ai danni della Cavalleria rusticana. Anche la vicenda di quest’opera è collocata in un ambiente ecclesiastico, una chiesa di opulento sfarzo barocco, chiuso all’inizio da un telo, una specie di secondo sipario, attraverso il qualei mamma Lucia, Lola e Turiddu, entrano ed escono, consumano i loro amori, come fosse anche (ed è!) casa loro. D’accordo che la vicenda si svolge nel giorno di Pasqua, ma il palcoscenico è continuamente attraversato da processioni, statue sacre (ricompare la Madonna trafitta di Suor Angelica). Non solo, ma mamma Lucia, nella versione di Aliverta, è fin dall’inizio perfettamente al corrente della tresca tra suo figlio Turiddu e Lola e li copre con la sua complicità nascondendoli nella casa/chiesa, il che rende poi incomprensibile l’atteggiamento di pietà di Lucia nei confronti di Santuzza. Altri, numerosi dettagli di questa per noi assurda regia si potrebbero citare, ma a questo punto sorvoliamo; ci limitiamo a segnalare una buffa incongruenza: Alfio e Turiddu si affrontano con il coltello già prima del fatale duello. Invece di morsicare l’orecchio di Alfio, come da libretto e da novella di Verga, Turiddu lo ferisce al braccio: ma allora, si domanda perplesso lo spettatore, perché rimandare il duello e non farla finita subito? I cantanti erano tutti giovani, perlopiù alle prime armi e pressoché sconosciuti alle ribalte che contano. Tuttavia alcuni se la sono cavata decisamente bene, soprattutto le parti femminili: ci è piaciuta Elena Memoli, sia nella parte di Suor Angelica, sia in quella di Lola: dispone di buone risorse vocali, di una voce sopranile da soprano drammatico, con una estensione e un colore scuro che le consentono anche parti di mezzosoprano, come quella di Lola. Valida la sua interpretazione delle scene finali di Suor Angelica, sotto il profilo vocale e drammaturgico. Promettente anche il soprano Marika Franchino, una Santuzza molto espressiva, con buon fraseggio, una valida tessitura vocale, che tendeva talvolta a ‘gridare’ quando si spingeva nelle zone sopracute. Del tutto fuori ruolo, sia vocalmente, sia drammaturgicamente il contralto Antonella Di Giacinto nella parte della famigerata zia di Suor Angelica: non si può essere la zia della sventurata suora e la mamma di compare Turiddu, checché ne pensi Aliverta. La Di Giacinto ha una vocalità poco espressiva , piuttosto povera di sfumature, lontanissima da ogni punto di vista da quell’essere algido e spietato che è la zia dell’opera pucciniana. Delle principali voci maschili ci spiace dover bocciare senza appello il Turiddu del tenore Rosolino Cardile: voce inespressiva, scialba,” ingolata”, limitate capacità drammaturgiche. Meglio di lui il baritono coreano Matteo Jin, nella parte di Alfio, che perlomeno può vantare un discreto timbro e un fraseggio accettabile. Ci scuseranno le numerose parti di fianco se non le citiamo, ma sono troppe: diciamo che in generale hanno svolto diligentemente la loro parte. Era la prima volta che sentivamo suonare il maestro Agiman e l’Orchestra Sinfonica Pucciniana e il giudizio non può che essere positivo: Agiman ha condotto molto bene l’orchestra, coordinando efficacemente buca e palcoscenico. Ci è in particolare piaciuto nella Suor Angelica, ove ha saputo valorizzare la finissima timbrica di una delle partiture musicalmente più belle di Puccini, raggiungendo spesso esiti di ammaliante acquarello sonoro. Impeccabile, ma convenzionale, nella Cavalleria. Ottima infine la prestazione del coro pisano (ci pare) Ars Lyrica, tra i migliori mai ascoltati al Coccia. Una rappresentazione che non collocheremmo tra quelle indimenticabili, ma non priva di aspetti positivi: sopra tutti, lo sforzo di lanciare giovani sul palcoscenico, che è uno dei compiti di un teatro di provincia.

15 dicembre 2019 Bruno Busca

Ieri sera, sabato 14 /12, al Teatro civico di Vercelli la nuova stagione del Viotti Festival proponeva un recital del pianista Filippo Gamba, ulteriore tappa dell’esecuzione integrale delle 32 sonate pianistiche di Beethoven, che da qualche anno Gamba va proponendo a Vercelli e in altre città italiane. Ieri le sonate in programma erano tre, con ordine cronologico invertito: l’immensa Hammerklavier in Si bem. maggiore op.106, l’op.90 in mi minore, “Les Adieux” in Mi bem. maggiore op.81. Si tratta di tre composizioni accomunate, come avvertono le note del programma di sala, vergate con la consueta bravura e competenza da A. Piovano, dal carattere problematico che, a titolo diverso, ciascuna delle tre presenta, mettendo in discussione o decisamente superando, la forma della sonata pianistica ‘classica’ haydniana e mozartiana. Da tempo ammiriamo le qualità musicali di Gamba (foto grande di Giulio Fornasar) che, estraneo allo star system dell’industria della musica, appartato e quasi disdegnoso di apparire alla ribalta, è tuttavia, senza ombra di dubbio, uno dei migliori pianisti italiani d’oggi. Il suo limpido suono, la sua tecnica digitale, il suo fraseggio, il suo lavoro interpretativo ed espressivo sulla partitura, rendono sempre le sue esecuzioni un’esperienza stimolante per l’ascoltatore. La cifra fondamentale della personalità pianistica di Gamba è la tendenza scavare e portare in primo piano i valori lirici della partitura, con tempi mai troppo rapidi, un tocco “posato” , che cesella sapientemente il suono, più che sprigionarne l’energia. Eravamo perciò particolarmente curiosi di ascoltare la ‘sua’ Hammerklavier, vera e propria “ esplosione di energia”, come la definisce C. Rosen. Ebbene, senza rinunciare a quelle che sono le sue virtù più caratteristiche Gamba ha sfoderato per l’occasione una potenza e una tensione del suono che raramente avevamo ascoltato da lui in precedenza, già alle prime battute dell’Allegro iniziale, con quella fanfara in fortissimo, che imprime da subito alla partitura quell’esplosiva energia che ne caratterizzerà il percorso successivo. Gamba stacca tempi adeguatamente veloci, meno rapidi di quelli prescelti da altri interpreti, ma senz’altro capaci di dare voce alle sezioni dinamicamente più intense della sonata, come lo sviluppo fugato del primo tempo, con la sua singolare forma per terze discendenti. Decisamente valida l’interpretazione della grande fuga dell’ultimo tempo: in generale nel quarto tempo, il magnifico fraseggio di Gamba trova la misura dinamica e agogica giusta per abbandonarsi alla libertà con cui Beethoven evoca i frammenti del soggetto della fuga, con una agitazione crescente, contenuta però da Gamba sempre entro una misura di classico equilibrio, che a qualcuno potrà far storcere il naso, ma che per noi resta carattere imprescindibile anche del Beethoven più ‘sperimentale’. Più in particolare, in questa pagina eccezionale di musica, Gamba offre il meglio di sé nelle sezioni in cui si richiede un forte contrasto di tocco, dove, nelle ferrea e vorticosa energia dello sviluppo del soggetto, si aprono improvvisi squarci lirici e cantabili: qui emerge la bravura di Gamba quale ‘concertatore’, la sapienza nel tornire i suoni e nell’articolare le dinamiche. E’ comunque ovvio che per Gamba il tempo più adatto a realizzare il maglio di sé sia il superbo Adagio sostenuto in terza posizione. Partito con una sonorità leggermente velata e contenuta, “a mezza voce”, come indica Beethoven in partitura, Gamba dispiega poi con ammaliante intensità espressiva il cantilenante tema successivo, con un crescendo di pathos che trova il suo culmine nell’andamento sincopato della sezione principale della coda, verso la fine, quando il suono si fa pianto, un pianto sommesso e appena udibile, sotto le dita di Gamba, e perciò tanto più toccante. Dopo questa bellissima Hammerklavier, che dire delle altre due sonate.? Semplicemente che Gamba conferma di essere primariamente un gran pianista “lirico “. La sonata op.90 vede il pianista veronese eccellere nella soffusa e delicata cantabilità schubertiana del secondo e ultimo tempo, uno strano Rondò, in cui a prevalere è un’ onda avvolgente di canto puro che è tra le invenzioni musicali che più si possono accostare ala magia poetica dell’”Infinito” leopardiano, mentre più convenzionale ci è parsa l’esecuzione del nervoso e appassionato primo tempo. Tutta apprezzabile l’esecuzione della sonata” Les Adieux”, ove Gamba dà piena espressione, nell’Allegro iniziale, al ritmo nervoso dell’ansia del commiato, staccando un tempo efficacemente rapido, con alternanza sapiente di legato e staccato. Molto ben suonati anche i due tempi successivi, ove Gamba dà piena voce all’alternarsi di tristezza e speranza del secondo e all’esplosione di gioia per il ritorno dell’amico arciduca Rodolfo nel terzo. Insomma, un bilancio alla fine del concerto ci suggerisce l’immagine di Gamba come pianista dalla tavolozza espressiva più ampia di quella comunemente attribuitagli, pur nella dominante lirico-cantabile della sua linea espressiva. Agli applausi scroscianti del pubblico, Gamba ha risposto con un bis, un Notturno di Chopin, l’op.37 in sol min. Parlando con sincerità, ci è piaciuto parecchio di più il Gamba interprete di Beethoven. Un bellissimo concerto, ancora una volta, questo offerto dalla Camerata ducale, l’ultimo del 2019. Ma il 2020, promette di essere anch’esso ricco di serate memorabili.

15 dicembre 2019 Bruno Busca

Il variegato programma proposto ieri sera dalla SWD Philharmonie diretta da Ari Rasilainen prevedeva musiche del Settecento barocco di Händel, Haydn e Torelli e dell'Ottocento con la celebre Sinfonia n.7 op.92 di L.v.Beethoven. Nella parte settecentesca la brillante tromba dell'ungherese Gábor Boldoczki ha dato maggiormente prestigio alla serata. Il brano introduttivo, il Concerto Grosso in sol maggiore op.3 n.3 di Georg Friedrich Händel ha trovato di fianco all'ottimo direttore una giovane e bravissima prima flautista che, con grazia e delicato timbro, ha esaltato le qualità del concerto. Nei brani successivi, prima il Concerto per tromba in mi bem. maggiore di Franz Joseph Haydn e poi il Concerto per tromba in re maggiore di Giuseppe Torelli, il protagonista Gábor Boldoczki ha rivelato le sue raffinate qualità virtuosistiche elargendo timbriche chiarissime e molto "pulite" e mettendo in risalto con le trombe, una per ogni concerto, la lineare e pregnante componente melodica. Splendida l'orchestrazione di Rasilainen anche nel raro breve concerto di Torelli composto nel 1698. Di rilievo il bis concesso da Boldoczki e dall'orchestra con la celebre Aria -Largo- dallo Xerxes di Händel eseguita dal solista con raro nitore espressivo. Di qualità l'interpretazione della Settima Sinfonia di Beethoven e splendido il secondo bis concesso dall'orchestra con il celebre Valse Triste di Jean Sibelius. Da ricordare.

12 dicembre 2019 Cesare Guzzardella

Tra gennaio e maggio del prossimo anno inizia una nuova avventura musicale organizzata al Teatro Parenti in collaborazione con la Società del Quartetto. È dedicata interamente al pianoforte. Otto concerti impegneranno pianisti in altrettante domeniche mattine alle ore 11.00, per mostrare gli sviluppi musicali di un repertorio legato al jazz e alla musica contemporanea. Avremo sfaccettature differenti provenienti da aree geografiche molto diverse, intrise anche di certo folclore legato alle radici territoriali dei pianisti -molti compositori- partecipanti. Questa mattina, l'ideatore della rassegna Gianni Morelenbaum Gualberto, assieme ad Andrée Ruth Shammah, responsabile del Teatro Parenti e Ilaria Borletti Buitoni, Presidente del "Quartetto" , hanno ben spiegato gli scopi della nuova iniziativa che prende il posto del mattiniero Aperitivi in Concerto, successo degli scorsi anni. La Shammah ha ben sottolineato l'importanza della collaborazione tra diverse istituzioni concertistiche e/o teatrali per progetti unitari, come quello presentato, per rendere la nostra città ancor più in sintonia con le grandi metropoli mondiali dove maggiormente si respira il senso della creatività artistica. La Borletti ha quindi ribadito il concetto di unione tra istituzioni parlando di "viaggio musicale culturalmente molto importante" per uscire dalle tradizionali fruizioni classiche, andando verso territori maggiormente creativi. L'organizzatore e critico Gianni Morelenbaum Gualberto, già artefice degli Aperitivi in concerto del Teatro Manzoni, ha fatto un interessante excursus sul mondo della musica del Novecento, tra gli storicizzati Stockhausen o Cage, il jazz classico degli Armstrong o dei Parker, o il minimalismo americano, sino ad arrivare ai nuovi jazzisti-contemporanei, sempre più legati ai nuovi modi d'intendere la musica, modi che non disdegnano affatto il passato, ma che sono alla ricerca di ulteriori novità. Ha ricordato alcuni dei protagonisti della rassegna, a cominciare da Vijai Iyer, pianista e compositore americano che inizierà la programmazione il 19 gennaio; proseguendo con la pianista Vanessa Wagner, che il 9 febbraio proporrà un programma tra minimalismo e jazz, arrivando poi al pianista Yonathan Avishai, che il 23 febbraio proporrà un percorso articolato tra musica cubana e brasiliana e il ragtime del leggendario Scott Joplin. Lisa Moore, pianista più orientata sul fronte contemporaneo di Glass, Adams, Ligeti e Rzewski interverrà il 15 marzo. Questi sono i primi quattro, ma di rilevanza anche gli altri protagonisti presenti in rassegna. Si consiglia vivamente la partecipazione.

11 dicembre 2019 Cesare Guzzardella

L’associazione Amici della Musica “V. Cocito” dal 1946 promuove annualmente a Novara una stagione di concerti, il Festival Cantelli, che rappresenta da quegli anni ormai remoti un momento imperdibile della vita culturale della città e una ghiotta occasione di ascolti di qualità per i locali musicofili. Ieri sera, 10 dicembre, presso il Teatro Faraggiana, il programma della stagione proponeva un concerto impaginato su tre celebri composizioni ottocentesche: di F. Mendelssohn l’Ouverture “La bella Melusina” op. 32 e la Sinfonia in la min. op.56 “Scozzese”, che, nonostante rechi il n.3, fu di fatto l’ultima delle cinque composte dal grande musicista di Amburgo. Tra le due opere mendelssohniane, il Concerto n.1 in sol min. per violino e orchestra, in assoluto il più celebre e praticamente oggi l’unico eseguito tra i concerti per violino di Max Bruch. A eseguire il programma era una delle migliori compagini balcaniche, la slovena Orchestra della Radiotelevisione di Lubiana, per l’occasione guidata dal maestro moldavo Mihail Agafita, cui si accompagnava, per il concerto di Bruch, il violinista serbo Stefan Milenkovich. Decisamente apprezzabile la qualità esecutiva che ha caratterizzato la serata. Agafita è un ottimo direttore, capace, con il gesto sempre preciso della sua bacchetta, di conferire il giusto rilievo ai singoli dettagli della partitura, valorizzandone le più sottili sfumature timbriche, e plasmando una tessitura sonora varia e ricca grazie a un controllo sapiente delle dinamiche. L’orchestra slovena, guidata da Agafita, è apparsa formazione di ottime risorse in tutti i reparti, con particolare qualità dei fiati, emersa fin da subito nella trasparente leggerezza del loro dialogo con gli archi nella “Bella Melusina”, evocativa di quella suggestiva atmosfera di fiaba romantica che ispira l’intera ouverture. Con piena coerenza interpretativa, Agafita ha portato in primo piano i valori di incantata musicalità del celebre tema iniziale delle onde, ben lontano dall’aura di inquietante mistero ctonio che avvolge l’apertura del Rheingold wagneriano, che pure si dice comunemente ispirata all’Ouverture di Mendelssohn. Decisamente bella la “Scozzese” proposta da Agafita e dall’orchestra di Lubiana. La grande bellezza di questa sinfonia non sta nella varietà dei temi o nella particolare complessità dello sviluppo armonico, quanto nell’affascinante, continuo mutamento di atmosfere, a partire dal tema introduttivo, da cui gran parte della sinfonia può dirsi dipenda. E’ un’atmosfera che potremmo definire ‘paesaggistica’, che in musica si traduce in suoni, colori timbrici, dettagli e sfumature nelle voci dei vari strumenti. Ed ecco che sin dall’apertura quella capacità di Agafita e dell’orchestra a lui affidata di far vibrare ogni particolare della partitura affascina l’ascoltatore: l’impasto incantevole delle viole, degli oboi, dei clarinetti, dei corni subito dipinge una delicata tessitura sonora in cui ogni ‘voce’ ha la sua parte, nel flusso fascinoso di un suono sempre morbido e limpido, e la melodia ne esce con l’incanto di un flusso sonoro nitidamente disegnato e melodicamente avvolgente. Interessante l’interpretazione che il direttore moldavo fornisce dell’Adagio, inusualmente collocato da Mendelssohn in terza posizione: Agafita fa suonare il secondo tema accentuandone decisamente il carattere di cupa marcia funebre, che spezza violentemente la serena cantabilità del primo tema con cui si alterna: non solo limpida luce nella musica di Mendelssohn, dunque, ma anche inquietanti ombre, “vita che incanta…vita che strazia”, per dirla con un verso di Ungaretti. Al centro della serata, si diceva, il programma proponeva il Concerto per violino di Bruch, e qui entra in scena il violinista belgradese Stefan Milenkovic, già noto al pubblico novarese. Milenkovic suona su un Guadagnini del 1783, di cui il solista serbo sa valorizzare al meglio il suono morbido, caldo, quasi raccolto in una sua delicata intimità. Milenkovic sa ‘lavorare’ perfettamente questo suono, raggiungendo gli esiti più alti della sua interpretazione nell’Adagio centrale, dove la prima idea, per la sommessa, misteriosa profondità di suono con cui è esposta dal solista, dà all’ascoltatore la certezza di avere un’anima e che qualcuno o qualcosa sta cercando di comunicare con essa. Non accenniamo qui alle capacità virtuosistiche di Milenkovic, che si esaltano soprattutto nell’Allegro energico finale. Diremo soltanto che ci hanno colpito due peculiarità ‘tecniche’ del violinista serbo: l’uso piuttosto parco di un vibrato che pare appena accennato e la delicatezza dei picchettati, con l’arco che sembra volare con la levità di un angelo sulle quattro corde; su un suono, si è detto, morbido e delicato di suo dello strumento, questo stile esecutivo contribuisce a dare la cifra caratteristica dell’interpretazione di Milenkovic, sempre al di là di ogni banale effettismo virtuosistico fine a se stesso. Il solista ha ripagato il pubblico plaudente con due bis, entrambi da J.S. Bach: la Giga della Partita n.3 e l’Andante della Sonata n. 2, naturalmente dalle Sonate e Partite per violino solo, entrambe bellissime esecuzioni, in particolare l’Andante. Un concerto così avrebbe senz’altro meritato almeno il pieno in platea, purtroppo con larghi vuoti. A parziale consolazione va però citata la presenza inusualmente consistente di giovani: accanto alle prevalenti canizie, spiccava qualche “ricciolino”, come osservava il maestro Ettore Borri, direttore artistico degli Amici della musica, nella presentazione della serata.

11 dicembre 2019 Bruno Busca

È tornata Martha Argerich in Conservatorio per un concerto che ancora una volta ha gremito Sala Verdi. Dopo la memorabile recente serata con Evgeny Kissin, nell'arco di pochi giorni abbiamo assistito ad un altro evento che rimarrà nella nostra memoria di appassionati. Non solo l'Argerich, ma anche la Franz Liszt Chamber Orchestra diretta da Gabor Takacs-Nagy e un altro valido pianista quale Eduardo Hubert, hanno contribuito attivamente al successo del concerto. L'orchestra ungherese ha introdotto la serata con la Sinfonia n.39 in mi bem. maggiore K.543 "Swanengesang", restituendo da subito una fluida cifra stilistica di alto livello, cifra che ritroveremo in tutto l'impaginato. Il direttore ungherese Gabor Takács-Nagy, noto specialista del repertorio ungherese, ha rivelato, attraverso un gesto acceso ed estroverso, di gestire con energia la sua orchestra anche nel sottile e raffinato brano per soli archi di Liszt "Angelus Prière aux anges gardiens" , un Andante pietoso risultato  profondo e di grande rilevanza espressiva. L'argentino Eduardo Hubert in duo insieme alla concittadina Argerich - entrambi sono nati a Buenes Aires- si è attivato in due brani trascritti da Claude Debussy per due pianoforti. Il primo di Schumann, Studien für den Pedalflügen op.56, e il secondo dello stesso francese, Prélude à l'apres-miei d'un faune, celeberrimo capolavoro noto maggiormente nella versione orchestrale. Esecuzioni di rilievo giocate su esternazioni morbide, vellutate e ricche di espressive e sottili dinamiche. Il brano clou della serata era quello conclusivo con il noto Concerto n.1 in do maggiore op.15 di L.v. Beethoven, un cavallo di battaglia della grande pianista. L'esecuzione, di altissimo livello, ha trovato una splendida intesa con la compagine orchestrale e un' esternazione solistica che ha pochi uguali nella storia di questo capolavoro. L'Argerich ha rivelato, ancora una volta, tutte le sue migliori qualità interpretative nella lettura sicura, articolata e dettagliata del brano. L'impressionante articolazione digitale delle mani, che sanno essere robuste e morbide all'occorrenza, sono tipiche della grande pianista. Una gamma di timbriche vastissime - caratteristica di pochi grandi interpreti- che sanno pesare il suono in questo modo, hanno permesso il raggiungimento di una vetta interpretativa unica. Applausi fragorosi e interminabili al termine e la concessione di un solo bis con l'eccelsa Gavotta I e II dalla Suite Inglese n.3 di J S.Bach. Da ricordare sempre!

10 dicembre 2019 Cesare Guzzardella

Segnaliamo due concerti prossimamente a Vercelli. Il primo per la rassegna "Green Ties -aperitivo in concerto" vedrà il 15 dicembre alle ore 11.00 nella Sala Parlamentino Ovest-Sesia il violinista Alessio Scarano e il pianista Francesco Maccarone impegnati in musiche di Mozart, Beethoven,Saint-Saens,Dvorak, Monti, ecc. Un concerto praticamente gratuito al prezzo di 5 euro compreso aperitivo. Il secondo al Teatro Civico vedrà impegnato il 14 dicembre alle ore 21 in via Monte di Pietà al civico 15 il pianitsa Filippo Gamba in un tutto Beethoven con le opere 106, 90 e 81a. Tre sonate celeberrime per un ottimo interprete . Da non perdere

8 dicembre 2019 dalla redazione

Era dedicato ad Antonio Mormone il concerto di ieri sera in Conservatorio con il grande Evgeny Kissin. Il programma, tutto beethoveniano, sarebbe certamente piaciuto al fondatore e Presidente della Società dei Concerti. Kissin venne scoperto in età giovanile da Mormone e da allora ha tenuto numerosi concerti, l'ultimo nel novembre 2013 dove esegui Schubert, Scrjabin e tra i bis, la Siciliana di Bach rivisitata da W.Kempff e la Polacca op.53 di Chopin. Per questa nuova occasione di ascolto, Sala Verdi era sold-out da parecchi giorni e l'insolito affollamento, divenuto ultimamente cosa rara, indica un interesse particolare per il grande pianista, con la presenza di un pubblico mediamente più giovane del consueto. Splendido l'impaginato, con brani tra i più popolari del genio tedesco. Di grande notorietà le sonate scelte con la "Patetica", la "Tempesta" e la "Waldstein" inframezzate dalle celebri Variazione su un tema dell'Eroica. Gli accordi iniziali della la Sonata n.8 in do Minore OP.13 "Patetica", hanno rivelato da subito le modalità stilistiche di Kissin, modalità piene di energia ritrovata in tutte le Sonate e anche nelle Variazioni. Kissin ha un approccio totalizzante con il pianoforte, giocato su una carica espressiva ricca di tensione. I tempi, spesso rapidi, esprimo musica di una chiarezza esemplare. La robusta mano sinistra evidenzia sorprendenti toni bassi che potenziano il mirabile canto della mano destra. Chiari i dettagli e scultorea la resa espressiva nei movimenti più concitati con una scansione ritmica sorprendente. L'arte delle variazioni, ed in questo Beethoven era Maestro, l'abbiamo trovata nelle Variazioni sull'Eroica Op.35 ma anche nell'etereo finale della Sonata n. 21 op. 53 "Waldstein" e nei tre bis proposti. Le parti più luminose e meditate come l'Adagio contabile della "Patetica" o l'Adagio della Sonata n. 17 op. 31 n. 2 "La tempesta" hanno rivelato la capacità di Kissin di opporre riflessione al flusso di evidente presenza energetica che pervade i movimenti laterali dei brani. Ovazioni per il grande pianista e tre i bis concessi con l'Andante grazioso, prima delle Sette Bagatelle op.33, l'Allegro ma non troppo, quinta delle medesime Bagatelle op.33 e la scandita Marcia alla turca da "Le rovine di Atene". Un Beethoven meraviglioso da ricordare sempre!

È iniziata molto bene questa sera la Stagione 2019-2020 dedicata ai Recital di Canto del Teatro alla Scala. Un fuoriclasse quale il baritono tedesco Matthias Goerne e un pianista esemplare quale il norvegese Leif Ove Andsnes hanno proposto un capolavoro assoluto di Schubert: Winterreise. Il programma, deciso da tempo, prevedeva in verità un tutto Schumann con una ampia serie di lieder. L'improvviso cambio con i celebri ventiquattro canti che compongono l' Op.89 D 911, i celebri Viaggi d'inverno, non ha portato a rimpianti. Siamo rimasti stupefatti dell'interpretazione elargita con un rigore tecnico-espressivo altissimo. Un'integrazione perfetta tra canto e pianoforte, con mille sfumature rivelate in un volume complessivo contenuto, ha dimostrato la cifra interpretativa di Goerne, ma anche di Andsnes. Il baritono pesa il canto partendo da pianissimi quasi impercettibili, per arrivare a robuste esternazioni vocali nel giusto momento. In perfetta simbiosi, anche il norvegese medita con profondità le sonorità del suo strumento trovando impercettibili cambiamenti volumetrici nel preciso appoggio alle note del canto. La perfetta unità stilistica, in tutti i ventiquattro lieder, ha creato un lavoro complessivo unitario che non dovrebbe mai essere spezzato in parziali esecuzioni. Un'ora e quindici minuti di sublime equilibrio dal celebre iniziale Gute Nacht- Buona notte- , al meditato e conclusivo Dar Leiermann - L'uomo dell'organetto - hanno reso la serata memorabile. Applausi scroscianti e nessun bis, ma dopo quel "conclusivo" finale forse era necessario non ci fossero. Da ricordare sempre.

3 dicembre 2019 Cesare Guzzardella

È tornato in Conservatorio per Serate Musicali il violoncellista inglese Steven Isserlis. In questi anni la sua costante presenza in Sala Verdi ha portato sempre un'alta qualità musicale, con programmi variegati particolarmente riusciti. Ieri sera, insieme al cellista, abbiamo trovato al pianoforte un altro importante interprete quale Stephen Hough. Pianista londinese di chiara fama, oltre ad essere eccellente strumentista, è anche un valido compositore. Il programma variegato prevedeva una sua inusuale Sonata per la mano sinistra per violoncello e pianoforte. Il brano introduttivo di Antonín Dvořák, Waldesruhe op.68 n.5, e i due seguenti di Josef Suk, la Ballata op.3 n.1 e la Serenata op.3 n.2, hanno rivelato la straordinaria intesa dei due interpreti e le peculiari doti melodiche del violoncellista. Dopo queste rarità, due celebri Sonate per violoncello e pianoforte di Brahms, la n.1 op.38 e la n.2 op.99, sono state inframezzate dalla Sonata di Hough. In Brahms, perfetta l'intesa del duo: una linea di canto del violoncello sempre incisiva ma nel contempo dolce e ricca di contrasti, ed un pianoforte delicato, equilibrato e molto attento allo strumento del compagno. Nella fondamentale ed armonicamente emergente componente pianistica brahmsiana, Hough mostra in modo evidente una qualità musicale che nasce sia da una grande sensibilità che da una consolidata esperienza. Nell'op.99 è stato raggiunto un vertice interpretativo di assoluta bellezza in un equilibrio delle parti ineguagliabile. Originale ed efficace la Sonata di Hough: un unico ampio movimento con momenti di pacato sviluppo  definito da semplici note con entrambi gli strumenti che si rincorrono. I temi condotti dalla mano sinistra di Hough sono stati cadenzati dalle sicure mani di Isserlis in un arabesco di suoni di grande respiro spesso dal sapore molto nordico. Perfetto e corale l'accordo con il violoncello con modalità tonali di originale resa estetica, rivelatrice anche delle ottime qualità compositrice di Hough. Applausi calorosi in una Sala Verdi purtroppo non al completo, come invece meritava di essere. Delizioso il bis concesso con un brano di Schumann, l' op.56 n.4 dai Sei Studi per organo, trascritti splendidamente per i due strumenti. Da ricordare a lungo!

2 dicembre 2019 Cesare Guzzardella

Dopo sei anni dall’ultimo recital milanese, uno dei più amati pianisti contemporanei ritorna in Sala Verdi per la terza edizione del “Concerto per Antonio” con un programma interamente dedicato a Ludwig van Beethoven, anticipazione delle celebrazioni del 2020. Beniamino del pubblico milanese che lo segue dal lontano 1988 quando debuttò diciassettenne in Sala Verdi, Evgeny Kissin (foto a cura della Società dei Concerti) è anche Presidente onorario del Premio Internazionale Antonio Mormone. Ex enfant prodige, di lui colpiscono la profonda musicalità, lo straordinario virtuosismo, la vastità del repertorio nonché il prestigio dei musicisti con cui ha collaborato nel corso della sua intensa carriera.Evgeny Kissin e Beethoven per un omaggio ad Antonio Mormone che riscontra il tutto esaurito al box office. Programma: L. van Beethoven, Sonata n.8 in do min. op.13 “Patetica”;Variazioni e Fuga in mi bem. magg. op.35 “Eroica Variations”;Sonata n.17 in re min. op. 31 n. 2 “Tempesta”; Sonata n.21 in do magg. op.53 “Waldstein”

Oggi pomeriggio, sabato 30 novembre, il Conservatorio G. Cantelli di Novara ha offerto a un numeroso pubblico il quarto concerto della stagione, che vedeva protagonisti alcuni dei suoi migliori allievi del momento o ex allievi ormai laureati, testimonianza di una realtà formativa in campo musicale di qualità davvero notevole. Il concerto era diviso nettamente in due parti. La prima vedeva protagonista il giovane chitarrista Fabio Bussola, che presentava, come primo pezzo del suo programma, il I movimento della Sonata III del compositore messicano del primo ‘900 Manuel Ponce. Si tratta di un pezzo di non facile esecuzione, per il frequente ricorso ad accordi complessi di tre o quattro voci, che danno vita ad un robusto tessuto polifonico, entro un’intelaiatura improntata al più classico tonalismo. Bussola ha scelto un colore timbrico particolarmente efficace per la resa di questa composizione, un suono trasparente e delicato, che conferiva risalto alla complessità strutturale del brano. Molto lontano il mondo sonoro del secondo brano, l’”Introduzione e Capriccio” del compositore ottocentesco italiano Giulio Regondi, oggi noto solo a pochi intimi cultori della chitarra classica, ma ai suoi tempi celebre fanciullo prodigio delle sei corde. Improntata ad effuso lirismo gran parte dell’Introduzione, trascinato da ritmi incalzanti, ripidi salti di corda e altri virtuosismi acrobatici il Capriccio, che ha il suo ovvio modello in Paganini. Anche in questo pezzo il bravissimo Bussola se l’è cavata egregiamente, dando prova tanto di già matura capacità espressiva, senza scadere in eccessivi languori romantici, quanto di un ferreo dominio tecnico dello strumento. Infine, a mo’ di trionfale conclusione del suo personale recital, la trascrizione per chitarra della famosissima Ciaccona dalla Partita per violino n.2 BWV 1004 di J.S. Bach. Qui le capacità tecniche ed espressive del giovanissimo Bussola hanno toccato il loro vertice, consegnandoci un’esecuzione dal suono sempre preciso e rigorosamente campito, in una intelaiatura polifonica suonata pensosamente come una ieratica meditazione. Grandi applausi da parte di un pubblico decisamente conquistato.La seconda parte del concerto vedeva invece protagonista non più un singolo solista, ma un trio: il flauto di Ilaria Torricelli, il violoncello di Davide Cocito e il pianoforte della giapponese Eri Hamakawa. Bellissimo il primo pezzo proposto, uno dei gioielli del camerismo protoromantico, il Trio per flauto, violoncello e pianoforte di von Weber, in quattro movimenti. I nostri tre giovanissimi esecutori hanno quasi sempre suonato questo non facile capolavoro, superando le difficoltà interpretative ed esecutive che esso pone: ci sono in particolare piaciuti nelle brillanti figurazioni che dominano gran parte del primo tempo, e che vedono protagonisti soprattutto il violoncello e il pianoforte e nel vivace dialogo tra flauto e violoncello del Finale, dove il suono limpido e brillante dello strumento a fiato s’intrecciava suggestivamente al colore caldo e vellutato del violoncello di Cocito. Il secondo trio era opera di quel Philippe Gaubert, virtuoso del flauto e vera auctoritas del mondo musicale parigino tra le due guerre mondiali. E’ una composizione in un solo movimento, che in una cornice accademica innesta evidenti influenze del mondo musicale di Debussy, soprattutto per la ricerca di un suono sfumato e “impressionistico”. I tre giovani virgulti della scuola novarese hanno reso al meglio questa cifra della partitura di Gaubert, ottenendo un’ottima esecuzione, anche grazie al perfetto equilibrio dei piani sonori e alla finezza nel trattamento della struttura agogica e dinamica del pezzo. Alla fine, grandi applausi ai tre giovanissimi interpreti, protagonisti, col chitarrista Bussola, di un bel pomeriggio di musica.

1 dicembre 2019 Bruno Busca

È certamente una grande pianista Beatrice Rana! Una Sala Verdi del Conservatorio al completo ha accolto la giovane interprete per un'impaginazione di brani che prevedeva Chopin con i 12 Studi op.25, Albéniz con Iberia III° volume e Stravinskij con Trois Mouvements de Petruška. È uno Chopin molto personale quello della Rana, interprete coerente nel comporre la seconda serie di Studi con un'unità stilistica che rende uniforme l'esecuzione complessiva quasi da sembrare il tutto una grande suite. La Rana, con un uso accentuato del pedale, ha inventato uno Chopin particolarmente armonioso e ricco di timbriche. La sua mirabile tecnica, al sevizio della migliore espressività, ha segnato con sicurezza e grande determinazione i relativamente brevi lavori del genio polacco. La forza manuale e anche scultorea degli Studi più agguerriti, come gli ultimi, fanno sembrare la pianista una combattente musicale che sa pienamente il fatto suo nel raggiungimento di un traguardo prestigioso. La sua incisiva personalità ha reso questi studi lontani dalla tradizione dei pianisti entrati nella storia come un Rubinstein o un Pollini, ma di sicuro interesse per originalità. Con Iberia di I. Manuel Albéniz siamo entrati in un mondo completamente diverso ma altrettanto importante. Il sapore mediterraneo dei tre ampi lavori che compongono il terzo volume, ben si addice alla cultura solare della giovane interprete pugliese. Il taglio netto, preciso e ben scandito da lei fornito, per una resa efficace e ancora di rilevante espressività, ci ha permesso di evidenziare la sintonia della Rana con la musica del primo Novecento. La modernità dei tre brani di Albéniz è stata resa in modo straordinario anticipando poi il gran finale con il lavoro successivo di Igor Stravinsky. I tre celebri Movimenti da Petruška, rappresentano infatti un cavallo di battaglia per i migliori virtuosi, soprattutto per la varietà delle timbriche sempre in cambiamento nel definire la storia della nota marionetta russa. Gli elementi ritmici e spesso percussivi, presenti nel corso dei quindici minuti del geniale lavoro, hanno trovato nella Rana una precisa e scrupolosa interprete. Con un uso del polso che sembra snodare le mani sui tasti casualmente, ottiene dinamiche diversificate nei diversi piani sonori che sprigionano ricchi e suggestivi colori. Un'interpretazione eccellente. Di qualità anche i bis regalati al pubblico. Prima Ravel con Oiseax tristes da Miroirs poi la nota Giga dalla Partita n.1 di J.S.Bach e al termine un breve Preludio (n.13)di Chopin. Fragorosi gli applausi. Da ricordare sempre!

28 novembre 2019 Cesare Guzzardella

Da alcuni anni il ventiquattrenne pianista canadese, figlio di polacchi, Jan Lisiecki viene in Conservatorio. Ieri lo abbiamo ancora una volta ascoltato in un programma variegato ma, a parte Bach, improntato su autori prevalentemente romantici. Insieme al grande tedesco ha interpretato Mendelssohn, Chopin e Anton Rubinstein, inserendo all'interno della successione irregolare anche Beethoven. Il Capriccio sopra la lontananza del suo fratello BWV 992 di J.S.Bach ha introdotto il concerto molto bene. Ottima l'interpretazione elargita da mani forti e sicure in una chiarezza espressiva esemplare. Anche i numerosi Mendelssohn proposti in modo alternato tra gli altri lavori, con i sei Lieder ohne Worte op.67, il Rondò capriccioso op.14 e le Variations sérieuse op.54, ci hanno rivelato un eccellente capacità interpretativa. Lisiecki è apparso un valente interprete in tutti i frangenti dove l'elemento virtuosistico risulta più appariscente. Con grande facilità ed efficacia risolve i passaggi più complessi, riservando chiarezza espressiva nei differenti piani sonori con un uso corretto delle dinamiche e del pedale. Ottimo anche il Beethoven del Rondò a capriccio in sol magg. Op.129 e il raro Valse- Caprice in mi bem. maggiore di A. Rubinstein. Dove ci è apparso meno convincente , a mio avviso, è stato su Chopin. Ha scelti brani particolarmente meditati quali i Due notturni op.27, i Due notturni op.62 e nel finale la Ballata n.4 in fa minore op.52. Gli andamenti, poco contrastati nelle dinamiche hanno reso, specie nei Notturni, in modo minore rispetto l'ottima elargizione degli altri autori. Molto efficace invece il breve bis con ancora Mendelssohn e la splendida Gondola Song op.19 n.6. Segnaliamo certamente le splendide doti emerse nei brani più riusciti e auspichiamo programmi con autori anche più vicini ai nostri giorni. Lo scorso anno ci era piaciuto moltissimo in Gaspard de la Nuit di Ravel. Un Bartók, un Prokof'ev e altri del Novecento troverebbero probabilmente in Liesiecki un interprete di grandissimo valore. Meritato successo in una Sala Verdi con molto pubblico. Da ricordare.

27 novembre 2019 Cesare Guzzardella

Domenica 1 Dicembre 2019, ore 17, si terrà il Concerto di Chiusura della nona edizione di Villa Piazzo in Musica, stagione musicale di Pacefuturo Onlus. Verranno eseguite musiche di Beethoven, Ravel, Brahms con Gabriele Pieranunzi al violino e Massimo Giuseppe Bianchi al pianoforte- I biglietti saranno in vendita a Villa Piazzo, via G.B. Maggia 2, Pettinengo (Biella). Da non perdere.

26 novembre 2019 dalla redazione

Un concerto diversificato quello ascoltato ieri sera in Conservatorio per Serate Musicali, con la Voronezh Symphony Orchestra diretta da Iurii Androsov. La compagine russa è stata fondata da Androsov nel 2004 e da allora tiene concerti in tutto il mondo. L'impaginato prevedeva nella prima parte musiche di Mendelssohn e C.M.v.Weber e nella seconda tutto Chopin. Dopo l'introduzione con la rara Ouverture da Concerto in fa magg. Op.32 di Mendelssohn eseguita egregiamente dall'orchestra, è salito sul palcoscenico il veterano Vincenzo Mariozzi con il suo clarinetto per un'altra rarità quale il Concerto per Clarinetto ed Orchestra in mi bem. magg. Op.74 n.2 di Carl Maria con Weber. Weber è particolarmente noto per la sua cospicua produzione per lo strumento ad ancia, sempre trattato con versatilità e spesso con virtuosismo. Mariozzi ha mostrato fluide e sicure abilità nel sostenere questo lavoro, risolvendo splendidamente anche il più esuberante e virtuoso movimento finale denominato Alla polacca. Dopo il breve intervallo, un altro virtuoso quale il pianista londinese Freddy Kempf ha proposto due noti brani chopiniani: prima il Concerto n.2 in fa minore op.21 e poi l'Andante spianato e Grande Polacca brillante op.22. Conosciamo molto bene le abilità di Kempf, avendolo ascoltato molte volte  in questi anni, sempre nei concerti di Serate Musicali. Il suo evidente virtuosismo, supporto fondamentale nella resa estetica del suo ampio repertorio, con Chopin ha mostrato di non offuscare il lato più poetico ed intimo del grande musicista polacco. Il controllo delle dinamiche ed un tocco delicato, uniti ad una perfezione tecnica di primo livello, hanno portato ad un'esecuzione di qualità sia nel Concerto che nella Grande Polacca. Ottimo il contributo orchestrale nei due lavori. Peccato la mancanza di bis. Da ricordare

26 novembre 2019 Cesare Guzzardella

Ancora una volta il Teatro alla Scala ha riproposto un trittico di balletti noti e di grande impatto coreografico .Uno spettacolo relativamente breve ma intenso quello che in questi giorni sta riempiendo il teatro. Certo, con Bolle protagonista del Boléro di Ravel-Bejart il successo è meritatamente assicurato. Ma anche i due balletti che hanno anticipato il pezzo clou della splendida serata erano notevoli. Prima un classico di Balanchine su musiche di Bizet, poi il moderno Kylián con Petite Mort e per finire lo stravolgente Bėjart con il celebre Boléro. Come ho scritto lo scorso anno, è significativo come la forza della migliore musica possa essere potenziata e raccontata dalla danza in un tutt'uno che, a questi livelli, determina autentici capolavori. La Symphony in C di Georges Bizet non gode certo di grande popolarità, pur essendo un capolavoro musicale. È perfetta per il balletto. Il russo Georges Balanchine ha costruito uno straordinario connubbio classico tra le scorrevoli note dei quattro movimenti che compongono la Sinfonia e i passi coordinati nello splendore simmetrico dei numerosi ballerini partecipanti. Un lavoro estremamente classico che rivela la bravura di tutto il corpo di ballo scaligero e degli otto protagonisti (foto di Brescia e Amisano-Archivio Scala)tra i quali vorrei citare almeno quelli femminili con Martina Arduino, della quala ricordiamo l'eccellente Boléro dello scorso anno, con Nicoletta Manni, Gaia Andreano e Maria Celeste Losa. In Petit e Mort costruito da Jirì Kylián sui movimenti centrali di concerti mozartiano - l'Adagio del K.488 e l'Andante del K. 467- il contrasto tra lo stile classico di Mozart e la moderna coreografia risulta evidente. Si passa da un'introduzione silenziosa ad un classicismo modernizzato tenuto in vita dai dodici protagonisti tra i quali citiamo, nella quarta rappresentazione di ieri, almeno Marta Gerani, Agnese Di Clemente, Daniele Lucchetti ed Antonino Sutera, ma sono eccellenti anche i non citati. Con lo scultoreo Boléro di Ravel-Bejart e la presenza dello statuario e canoviano Roberto Bolle, abbiamo raggiunto un vertice di originalità e di immortale bellezza. Bolle nel celebre Cerchio Rosso, si muove con sensualità in una ripetizione gestuale in concordanza col noto ritmo ripetitivo del Boléro. Attorno alla pedana una schiera infinita di ballerini, con simmetria perfetta, ripetono le sue movenze avvicinandosi sempre più al cerchio sino a coprirlo. Inutile sottolineare l'entusiasmo finale ed i fragorosi applausi del pubblico tributato sia a Bolle che a tutti i protagonisti tra i quali citiamo almeno Marco Agostino, Edoardo Caporaletti, Christian Gabetti e Nicola del Freo. Ottima la direzione orchestrale di Felix Korobov ed eccellente il solista al pianoforte Takahiro Yoshikawa in Mozart. Prossime repliche previste per il 27 e 30 novembre. Da ricordare sempre!

23 novembre 2019 Cesare Guzzardella

Un'impaginato impegnativo ma di grande impatto sonoro, quello interpretato dal pianista turco Fazil Say e dal violoncellista tedesco Nicolas Altstaedt. Say è ospite da moltissimi anni della Fondazione La Società dei Concerti e nel programma inserisce sempre una sua originale composizione. Infatti tra Debussy, Janàček e Šostakovič, il brano più caratterizzante dell'ottimo concerto di ieri sera è stato la sua Sonata "Four Cities". La serata introdotta da un brano di Claude Debussy quale la Sonata in Re minore ha rivelato da subito la valida sintesi discorsiva dei due interpreti, giocata sull'esasperazione dei contrasti melodico- ritmici e su una particolare intesa nel concepire l'essenza della breve ma efficace sonata del francese. L'ottima sintonia di Say e Altstaedt si è ancor più rivelata nel successivo brano del compositore-pianista dedicato alla sua nazione. Il linguaggio musicale del turco, molto personale, è noto a tutti noi per il modo contrastato di elargire sia le originali e malinconiche melodie, che per le sonorità aspre, invasive e ricche d'effetto, anche percussivo. Il brano, in quattro parti, ha nel violoncello un ruolo certamente privilegiato ma è controllato dal fondamentale impegno pianistico, volto a sottolineare ogni frangente del sostenuto lavoro. Il giovane cellista è stato un interprete ideale in Four Cities entrando quasi in simbiosi con la dirompente musica del compagno compositore. Say lavorando sulla cordiera per i suoi tipici suoni metallo-percussivo, ci ha fatto entrare in un mondo musicale tra oriente ed occidente non disdegnando anche il jazz, suo caro amore, comparso improvvisamente nell'ultimo contrastato movimento denominato Bodrum. Ottima ed efficace l'interpretazione complessiva. Dopo l'intervallo, sulla stessa linea interpretativa, abbiamo ascoltato prima Il melodico Pohádka di Leoš Janáček e quindi la Sonata in re minore op.40 di Dmitri Šostakovič, entrambe eseguite con efficace espressività. Grande successo in Sala Verdi e due i bis concessi prima con la celebre Morte del cigno di Camille Saint-Saëns e poi con la ripetizione del dinamico e ritmico Bodrum, quarto movimento della Sonata di Say. Segnaliamo la presenza di un pubblico particolarmente giovane in una sala che generalmente trova una media d'età piuttosto alta. Da ricordare.

21 novembre 2019 Cesare Guzzardella

Per la prima volta al Teatro alla Scala, Die Ägyptische Helena di Richard Strauss sta ottenendo un meritato successo. Anche nella quarta rappresentazione, vista ieri, un numeroso pubblico ha tributato sinceri applausi a quest'opera non facile, che trova nella scintillante musica del compositore-direttore tedesco, una forza persuasiva nell'intricata vicenda del libretto di Hofmannsthal, ricca di simbologie, spesso non facili da interpretare. Il Teatro alla Scala ha fatto una scelta coraggiosa per un lavoro poco noto che adesso può vantare un inserimento dovuto insieme a Salome, Elektra, Der Rosenkavalier o Ariadne auf Naxos, solo per citare le più celebri opere. Ancora una volta, la riuscita della messinscena la ritroviamo nella somma delle varie ed efficaci parti che la compongono. La musica, ottimamente diretta da Franz Welser- Möst- direttore specialista in Strauss e da poco sentito alla Scala anche nell'Ariadne - è struttura portante, nella valida regia di Sven-Eric Bechtolf, nelle originali scene di Julian Crouch completate dai video di Josh Higgason, nei costumi di Mark Bouman e soprattutto dall'ottimo cast vocale presente, insieme naturalmente all'eccellente coro preparato da Bruno Casoni. Una musica, quella di Strauss, che riassume nell suo infinito sviluppo uno stile tipico e personale, che sintetizza l'esperienza consolidata nelle precedenti opere in una sorta di grande mestiere con momenti di importante creatività. Ottima l'idea di Bechtolf, realizzata da Crouch, di occupare quasi interamente la scena con un'enorme radio a valvole anni '20, grande contenitore apribile che ospita la voce di Etra, principessa e oracolo egizio che dovrà indicare soluzioni nel difficile rapporto conflittuoso/amoroso tra Elena e Menelao. Senza entrare ulteriormente nella vicenda segnaliamo (foto di Brescia e Amisano- Archivio Scala) il prestigioso cast vocale: primi fra tutti Elena nella corposa ed efficace voce di Ricarda Merbeth e Menelao, intenso e chiaro Andreas Schager. Di primo livello anche Etra, principessa e maga, nella voce di Eva Mei e ottimo Altair nella persuasiva voce di Thomas Hampson. Validi Da-ud, figlio di Altair, nella voce di Attilio Glaser e Die allwissende Muschel , Claudia Huckle. Segnaliamo anche Hermione, Caterina Maria Sala e bravi tutti gli altri. Le prossime repliche saranno il 17, il 20 e il 23 novembre. Assolutamente da non perdere.

16 novembre 2019 Cesare Guzzardella

Molto interessante l'impaginato ascoltato ieri sera al Dal Verme che prevedeva riferimenti ad Antonio Vivaldi, in realtà due lavori molto personalizzati di Max Richter e di Astor Piazzolla. Le Quattro Stagioni di Vivaldi-Richter, sono i dodici noti movimenti rivisitati in chiave minimalista dei celebri Concerti per violino ed archi del grande veneziano. I principali temi di ogni stagione vengono riferiti e poi modificati negli accenti e spesso armonicamente dal compositore tedesco (naturalizzato inglese), classe 1966, da sembrare più scarni ed essenziali, con anche atmosfere New Age, ma indubbiamente di ottima qualità costruttiva ed espressiva. Una sorta di Settecento dei giorni nostri che rimanda in continuazione al grandissimo Antonio Vivaldi. Ricordiamo la presenza oltre che degli archi, di un ottimo clavicembalo ed dell'importante arpa di Giulia Rettore. Splendida l'operazione, interpretata molto bene da I Virtuosi Italiani diretti da Alberto Martini dalla sua posizione di primo violino, e con un ottimo violino solista quale Markus Placci. Dopo il breve intervallo, Vivaldi rimane solo un lieve riferimento per le geniali Cuatro Estaciones Porteñas di Astor Piazzolla nello splendido arrangiamento del russo Leonid Desyatnikov. Le Stagioni di Piazzolla, anche nel lavoro trascrittivo fatto dal russo, sono tra le cose più popolari ed eseguite al mondo. Recentemente si erano sentite dagli inarrivabili Archi dei Berliner Philharmoniker in Auditorium. Anche I Virtuosi Italiani e il violinista Placci hanno eccelso in qualità espressiva con un'interpretazione certamente fluida e ben accentuata. Bravissimi tutti ed in particolare oltre al violinista Placci, perfetto nelle intonazioni, anche il primo violoncello Leonardo Sapere, con ruolo preponderante e rilevante cantabilità in alcune stagioni. Splendido il concerto e bis con ripetizione di movimenti dai due lavori. Da ricordare a lungo.Replica per sabato alle ore 17.00.

15 novembre 2019 Cesare Guzzardella

Il concerto scaligero di ieri sera, organizzato da Milano Musica e in replica a quelli della torinese Stagione dell'Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai, presentava il brano di Luca Francesconi del 2015 Macchine in echo. Dopo il breve intervallo, erano in programma due classici di primo Novecento quali la Suite Sinfonica op.33bis da L'amore dalle tre melarance di Prokof'ev e L'Oiseau de feu di Stravinskij. La complessa composizione di Francesconi di circa trenta minuti, ha come protagonisti due pianoforti che in contrasto o in complemento con l'orchestra trovano ispirazione da gruppi di note sottili e repentine. La lunga introduzione riservata alle sole mani di Emanuele Arciuli e di Andrea Rebaudengo, due noti specialisti del vasto repertorio contemporaneo, detta la cifra stilistica dell'intero complesso lavoro dove la componente orchestrale, nell' ottima direzione di Juraj Valcuha, diventa un completamento strutturale di più robusto spessore. Il brano, certamente di notevole suggestione timbrica, utilizza tecniche anche provenienti dalla musica concreta del secondo Novecento ed è ricco di elementi d'effetto con anche timbriche stridenti nei sovracuti dei violini e con sonorità a volte di grande impatto volumetrico. I pianoforti, utilizzati spesso in contrasto tra le note percussive della parte bassa della tastiera e quelle chiare e trasparenti della zona alta, creano infiniti effetti di simmetria di architettonica luminosità. La battute conclusive, distese e risolutive sono affidate alle sonorità delle arpe, che nelle timbriche, meno sonore ma sicure, ci portano al silenzio. Fragorosi gli applausi agli ottimi protagonisti ed anche a Francesconi salito poi sul palcoscenico. I due noti lavori del primo '900, hanno rivelato ancora una volta le qualità della Sinfonica Rai nel repertorio più vicino ai nostri tempi. La bacchetta precisa di Valcuha e la sua discreta ma produttiva gestualità hanno prodotto due esecuzioni di alto livello, molto apprezzate dal numerosissimo pubblico presente in un teatro con molti giovani, con ascoltatori specialisti ed appassionati di musica contemporanea. Da ricordare.

12 novembre 2019 Cesare Guzzardella

Avevo ascoltato il pianista Giuseppe Albanese in musiche di Franz Liszt nel 2017, per la prima volta ospite della Società dei Concerti. Poi lo scorso anno al Dal Verme in Malédiction, sempre del virtuoso compositore ungherese. Ieri sera, ancora per la Società dei Concerti, è tornato in Sala Verdi con un programma con orchestra che nella prima parte prevedeva ancora Liszt, quello dei due concerti per pianoforte ed orchestra. L'impaginato trovava nella seconda parte anche la Quarta Sinfonia di Schumann. L'ottima compagine orchestrale era la Filarmonica del Festival Pianistico Internazionale di Brescia e Bergamo diretta da Pier Carlo Orizio. Il quarantenne pianista calabrese ha ancora una volta dimostrato sicure affinità con il virtuosismo di Liszt. In entrambi i concerti - particolarmente importanti nella produzione lisztiana anche se eseguiti poco - Albanese ha rivelato una completa interiorizzazione di ogni componente musicale, padroneggiando la tastiera e restituendo dettagli timbrici con chiara demarcazione espressiva. Rilevante la sinergia con i giovani e preparatissimi Filarmonici. L'ottima direzione di Orizio ha messo in risalto ogni esternazione virtuosistica della compagine orchestrale, in perfetta armonia con i timbri del solista. Il Concerto n.2 in La maggiore S 125 , probabilmente più popolare del n.1 in Mi bemolle maggiore, ha trovato momenti magici nella parte finale dove Albanese con maestria coloristica ha evidenziato sonorità precise e raffinate nei registri più alti della tastiera. Fragorosi gli applausi del pubblico intervenuto in Conservatorio e due i bis solistici concessi dal virtuoso. Prima un profondo Scrjabin con il Notturno per la mano sinistra op.9 n.2 e poi un rarissimo e delicatissimo Perpetuum Mobile Op.24.di Carl Maria von Weber dalla relativa Sonata in Do maggiore. Di qualità la Sinfonia n.4 in Re minore op.120 di Robert Schumann eseguita dopo l'intervallo. Pier Carlo Orizio e la Filarmonica hanno espresso una robusta ed espressiva sintesi discorsiva in tutti i quattro movimenti dell' ultima sinfonia del grande compositore tedesco. Da ricordare.

7 ottobre 2019 Cesare Guzzardella

Il debutto milanese della violoncellista statunitense Alisa Weilerstein ha lasciato un segno positivo ieri in Conservatorio nalla serata organizzata dalla Società dei Concerti Accompagnata dal pianista israeliano Inon Barnatan , ha eseguito brani di Brahms e di Šostakovič con grande passione e calda discorsività. Come spesso accade per molti violoncellisti, la scelta delle trascrizioni di brani originali per strumenti affini risulta soddisfacente. Nell' Op.78 di Brahms, la sostituzione del violino solista col timbro ricco di calore del violoncello ( trascr. Klengel) è particolarmente diffuso con resa estetica simile. La Sonata in re maggiore è stata interpretata ottimamente dal duo e la Weilerstein ha sottolineato con incisività plastica ogni peculiarità dei tre movimenti. Anche nei due, meno celebrati ma di analoga qualità, brani di Šostakovič, il duo ha espresso alta qualità. La Sonata in re minore op.40 e la Sonata Op.147, due lavori di ampio sviluppo, hanno lo stile tipico del grande russo, caratterizzato da continui contrasti e da ritmiche molto accentuate. Sono stati composti a distanza di circa quarant'anni l'uno dall'altro. Nel primo prevale maggiormente la componente romantica. Nel secondo, noto soprattutto nell'esecuzione originaria per viola -splendidamente trascritto dal violoncellista Daniel Shafran - la rarefazione timbrica del tessuto melodico-armonico raggiunge l'apice nel profondo ed espressivo Adagio finale. La Sonata op.147 è stata composta nell'ultimo anno di vita del compositore, il 1975. Pregnante l'interpretazione dei due interpreti in entrambi i lavori. Di grande fluidità e melodicità i Sei lieder brahmsiani proposti prima della sconvolgente sonata del russo e arrangiati da Weilerstein e da Barnatan. Qui il canto della cellista, pregnante e profondo, ha raggiunto traguardi decisamente alti. Successo di pubblico e lunghi applausi. Intenso bis concesso con la ripetizione del lied In Waldeseinsamkeit. Da ricordare.

31 ottobre 2019 Cesare Guzzardella

Conosciamo bene le qualità di Andrea Bacchetti, pianista genovese che da anni ascoltiamo in Sala Verdi e del quale apprezziamo le doti interpretative, soprattutto nel repertorio del '700. Ieri insieme a lui, la presenza di un giovane violinista quale Davide Alogna ha reso vario e maggiormente interessante un programma interamente dedicato a Mozart. Accompagnati dall'Orchestra da Camera Fiorentina diretta da Giuseppe Lanzetta, li abbiamo ascoltati alle Serate Musicali in tre lavori "galanti" mozartiani, da soli e insieme. Il Concerto n.8  per pianoforte e orchestra in do maggiore K.246 ha visto prima solo Bacchetti, il Concerto per violino, pianoforte e orchestra in re maggiore K.315f ha visto entrambi i solisti e il Concerto per violino e orchestra n.3 in sol maggiore K.201 solo Alogna. Bacchetti ha un suono eccellente, luminoso e preciso nella forma. Ha trovato una buona orchestra, con timbriche molto italiane, a delineare i tre tempi del primo concerto, caratterizzati da una freschezza giovanile di un Mozart ventenne. Di qualità l'interpretazione. Il Concerto per violino, pianoforte ed orchestra, rimasto incompiuto da Mozart, è stato completato con i due ultimi movimenti della Sonata K.306 , e ci ha rivelato le valide sinergie dei due principali interpreti. Alogna, dotato di una rilevante qualità timbrica, ha eseguito con chiarezza espressiva, con il suo prezioso violino Carlo Antonio Testore del 1712, la parte melodica che è risultata ben integrata con quella pianistica. I due strumentisti hanno poi eseguito come bis il Rondò della Sonata in Do maggiore K.296 di Mozart, dimostrando ancor più un'ottima resa interpretativa. Il terzo concerto della serata ha proposto uno dei migliori capolavori di Mozart. Il n.3 per violino ed orchestra detto anche "Strassburger Konzert", è celebre per la raffinata scrittura solistica e la bellezza delle sue melodie. Valida l'esecuzione fornita da Alogna, ricca di fluidità e di colori mediterranei. A conclusione della serata abbiamo ascoltato una piacevole Sinfonia n.29 in la maggiore K.201. Applausi al direttore Lanzetta e agli Orchestrali dalla platea non al completo di Sala Verdi.

30 ottobre 2019 Cesare Guzzardella

Grande successo in Conservatorio per il ciclo brahmsiano della LaFil diretta da Daniele Gatti

Si è conclusa con un tripudio di interminabili applausi la rassegna musicale dedicata a Johannes Brahms. Una Sala Verdi affollatissima con moltissimi appassionati che in piedi  hanno applaudito per circa dieci minuti la Filarmonica di Milano - LaFil diretta da Daniele Gatti. Il direttore milanese, al termine, ha ringraziato Luca Formenton, sostenitore di questa splendida operazione musicale che ha portato giovani strumentisti di altissimo livello, provenienti dalle migliori orchestre europee in questa formidabile formazione, un gruppo di strumentisti che probabilmente nel rapporto età-qualità non ha uguali al mondo. Un'esecuzione strepitosa, forse la migliore ascoltata in questi due giorni, è stata quella della Quarta Sinfonia, a conclusione del ciclo di quattro concerti. Riassumendo: oltre le quattro sinfonie brahmsiane, tra il pomeriggio e la sera di sabato e di domenica, abbiamo ascoltato la Tragica Ouverture op.81, le Haydn Variazioni op.56a e il Trio per violino, corno e pianoforte op.40. In aggiunta ai lavori brahmsiani non dimentichiamo il celebre Concerto per violino op.61 di Beethoven e il meno eseguito Concerto per violoncello op.129 di Schumann. Una tale quantità di brani che hanno rivelato ogni peculiarità dei giovani orchestrali e la determinazione progettuale dell'instancabile direttore a raggiungere obiettivi di primo livello. Il lavoro introduttivo proposto sabato, il Trio per violino, corno e pianoforte, si è avvalso del talento del cornista Natalino Ricciardo, della classe del violinista Frank Peter Zimmermann e delle indiscusse doti pianistiche del riminese Enrico Pace, per una resa interpretativa eccellente. Il raro brano è stato l'unico cameristico della rassegna. Zimmermann e il suo Stradivari del 1711, sono tornati alla sera per un'interpretazione memorabile del Concerto in re maggiore di Beethoven. La dolcezza del violino del virtuoso tedesco, unitamente alla capacità di penetrare con sicurezza ed espressività ogni particolare, hanno contribuito a rendere di altissima qualità la resa complessiva. Ottima la direzione di Gatti e ovazione finale da parte del numeroso pubblico serale. Evidente la soddisfazione di Zimmermann che ha concesso un bellissimo bis con Melodia di Béla Bartòk. Decisamente di valore anche il Concerto in la minore op.129 di Schumann proposto domenica pomeriggio. Il violoncellista Jan Vogler ha rivelato grande classe attraverso sonorità cristalline nel evidenziare la melodicità del lavoro schumanniano. Il concerto è un unico movimento che riassume le classiche tre parti. Il solista risulta dominante ed è spesso potenziato da interventi orchestrali splendidamente gestiti dalla LaFil. Grande successo al termine in una sala non al completo. Tutta l'opera orchestrale di Brahms proposta da Gatti ha raggiunto livelli alti, con momenti esaltanti nei frangenti di maggior voluminosità. Il gesto deciso di Gatti, ben assorbito dagli strumentisti, ha esaltato l'equilibrio architettonico del sinfonismo brahmsiano. I contrasti dinamici ben evidenziati nella complessa tessitura armonica e i momenti di grande impatto sonoro dei monumentali finali, hanno trovato in Gatti una direzione ideale, molto nordica e dalla linee molto marcate, ben in risalto nei differenti piani sonori. La Quarta Sinfonia op.98 è a mio avviso quella che ha rivelato il maggior equilibrio tra i momenti di pacata esternazione, delineati benissimo da morbidi chiaro-scuri, e quelli di aggressiva volumetria nel quale Gatti ha mostrato di essere grande Maestro. Un ciclo splendido che rimarrà nella memoria di tutti gli appassionati intervenuti e che rende Milano ancor più importante nel panorama musicale mondiale. Da ricordare sempre!

28 ottobre 2019 Cesare Guzzardella

È iniziata la Stagione cameristica de LaVerdi, questa volta al Teatro Gerolamo, piccolo, raccolto e raffinato teatro storico milanese di Piazza Beccaria 8. Domenico Nordio, primo violino, insieme ai Solisti della Verdi, Luca Santaniello, secondo violino, Gabriele Mugnai, viola e Tobia Scarpolini, violoncello, hanno formato un ottimo quartetto d'archi che ha presentato due brani importanti quali il Quartetto in Sol minore op. 10 L85 di Claude Debussy e il Quartetto in Fa maggiore di Maurice Ravel. Entrambi eseguiti in mattinata con energia e rigorosità, i due lavori dei primi anni del '900 rappresentano un momento di partenza per la nuova musica che cambierà le modalità compositive del nuovo secolo. Decisamente in sinergia, i quartettisti, con un equilibrio formale ottimale che è stato ben messo in risalto dall'acustica della piccola sala adatta agli archi hanno rivelato un timbro complessivo avvincente. Il concerto interrotto dalla rottura di una corda nel violino di Nordio durante l'ultimo movimento del quartetto di Debussy, è quindi subito ripreso. Due i bis, con una trascrizione da un classico di Faurè e ancora il finale del quartetto di Ravel. Applausi calorosi! La bellissima stagione di musica da camera continuerà domenica prossima alle ore 11.00 con una pianista, Irina Kravchenko che interpreterà Beethoven, Schumann e Čaikovskij. Da non perdere!

27 ottobre 2019 C.G.

SERATA CONCLUSIVA DELLA STAGIONE DEL FESTIVAL VIOTTI A VERCELLI

Ieri sera, domenica 23 Giugno, al Teatro Civico di Vercelli si è chiusa la XXI stagione del Festival intitolato al grande violinista Giovanni Battista Viotti: per qualità delle proposte e livello degli interpreti, si è trattato a parer nostro di una delle migliori stagioni da quando (più di dieci anni) seguiamo il Festival, che ormai si è conquistato più che meritatamente un posto significativo nella vita musicale non solo piemontese: la settimana passata la Camerata Ducale, l’orchestra stabile del Festival, fondata e diretta dal violinista Guido Rimonda, è stata invitata ad Amsterdam e ormai alterna i concerti a Vercelli con frequenti tournée in Italia e all’estero. L’ultima serata della stagione è stata consacrata a quella straordinaria età dell’oro della storia delle musica che fu il classicismo viennese di Haydn e di Mozart, un tesoro dell’immenso patrimonio della storia musicale che possiamo considerare tra quelli in cui eccellono Guido Rimonda e la Camerata Ducale. Un’eccellenza dovuta alla qualità dell’interpretazione, fatta di un suono, trasparente e di delicata dolcezza negli impasti timbrici, di perfetto aplomb di classico equilibrio nello stacco dei tempi, di sapiente chiaroscuro nelle dinamiche, con un fraseggio sempre fluido e capace di cogliere tanto le zone di più serena solarità, quanto le repentine, inquietanti zone d’ombra che affiorano, soprattutto in Mozart, nella limpidezza della partitura. Tali risorse esecutive sono uscite confermate, se mai ce ne fosse stato bisogno, dal programma di ieri sera, che proponeva al folto pubblico presente il Concerto di Haydn per violino e orchestra d’archi in Do maggiore n.1 (sarebbe previsto anche il basso continuo, ma ieri sera non era contemplato dall’orchestrazione di Rimonda) Hob.VIIa 1, il Concerto n. 3 per violino e orchestra KV 216 in Sol maggiore di Mozart, e , trionfale conclusione in Do maggiore, la mozartiana Sinfonia n.41 Juppiter. Solista e direttore, naturalmente, Guido Rimonda. E già l’attacco del concerto haydniano pare scritto apposta per mettere in luce quelle caratteristiche dello stile esecutivo della “Ducale” e del suo direttore/solista, con quell’energico attacco del violino su doppie corde e l’improvviso cambio di colore con una virata sul modo minore, il tutto eseguito con la cavata ricca e piena del magnifico “Noir” di Rimonda, sostenuta da un’orchestra capace di accompagnare al meglio queste sottili variegature di colori e di modi. Bellissimo l’Adagio, in cui il solista si è abbandonato al puro canto prevalentemente sul registro acuto, mentre l’orchestra ne esaltava la tensione espressiva con pizzicati che erano, più che suoni, sospiri. Non potendo scendere nei dettagli, sceglieremmo altri due momenti veramente emozionanti di questa serata: ancora un Adagio, quello del Concerto KV 216, in cui sia l’orchestra, con i sordini dei violini e delle viole e le tenere sonorità dei flauti, sia il violino solista hanno dato piena voce a quel che di trasognato ed estatico è presente in questa pagina stupenda di Mozart. E, naturalmente, la Juppiter, di cui l’interpretazione di Rimonda fa un vero monumento del classicismo viennese; con tempi non esageratamente veloci, come si ascoltano talora negli stretti di fuga dell’ultimo movimento, e facendo emergere dalla partitura una solennità non esteriore e marmorea, ma animata da una delicata tensione espressiva che la percorre dall’inizio alla fine e che ha il suo registro di fondo in una luminosa serenità. Quella luminosa serenità che Mozart ha voluto apporre come sigla già nel primo tempo, con quel delizioso terzo tema di schietto sapore popolare, facendone l’idea centrale dello sviluppo e che dà luce e respiro anche alle possenti architetture fugate del gran Finale. Da ricordare doverosamente il bis concesso da Rimonda dopo l’esecuzione del Concerto di Mozart: una composizione del “suo” Viotti, il Souvenir de violon n. 19, ove alle acrobazie ‘paganiniane’ si unisce la cantabilità italiana del Maestro di Fontanetto. Un lungo applauso ha salutato il Maestro e l’Orchestra, mentre l’impareggiabile Direttore Artistico Cristina Canzani annunciava nuove mirabilie per la prossima stagione.

24 giugno 2019 Bruno Busca