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Giornale fondato nel 2002

APRILE 2024

Al Teatro Parenti "Una giornata qualunque del danzatore Gregorio Samsa"

Al Teatro Parenti Lorenzo Gleijeses, danzatore, mimo e attore, rilegge la Metamorfosi di Kafka in uno spettacolo dove anche le immagini, le luci e la musica sono determinanti per la sua valida riuscita. "Una giornata qualunque del danzatore Gregorio Samsa" è una sorta di rappresentazione di un frangente di vita di Gregorio, personaggio complesso, sempre più dissociato dal mondo, dal suo rapporto con il padre, con la compagna e con la psicologa che lo ha in cura. La lenta, kafkiana, trasformazione in insetto è qui rappresentata dalla continua ripetizione di una parte teatrale, raccontata con l'ossessiva ritualità dei movimenti, sostenuti dai fondamentali timbri ed effetti sonori di Mirto Baliani, unitamente alle musiche di noti compositori classici. Le luci inizialmente presentano il protagonista attraverso coni luminosi, che spostano repentinamente Gregorio, come un insetto saltatore. Immagini quasi oniriche su uno schermo e un aspirapolvere-automa che si sposta di continuo sul pavimento, a guisa di enorme scarafaggio, interagiscono con il protagonista. Le situazioni, spesso ossessivamente ripetute, si dipanano per poco più di un'ora di spettacolo. La parte attoriale di Gleijeses è nella comunicazione con il padre, con la compagna, con la psicologa e la sorella: dialoghi destinati a concludersi man mano che le condizioni di Gregorio peggiorano e l'incomunicabilità e l'emarginazione nei suoi confronti avranno il sopravvento. È una messinscena con una fusione di linguaggi artistici, non semplici da riunire, dove tuttavia una certa frammentazione ha trovato come contrappeso idee originali ottimamente realizzate. Soprattutto nei momenti coreografici e musicali lo spettacolo ci è parso efficace e chiaramente riferito a performance di arte contemporanea. La valida regia e la drammaturgia di Eugenio Barba, coadiuvate da Gleijeses e da Julia Varley, ha portato dunque ad una realizzazione artistica innovativa che è piaciuta al numeroso pubblico presente nella Sala grande del Teatro Parenti. Ancora repliche per questa sera e per il 25 aprile.

24 aprile 2024 Cesare Guzzardella

Successo al Teatro Parenti per CHI COME ME

Un meritato successo al Teatro Parenti per lo spettacolo CHI COME ME di Roy Chen, per la regia , l'adattamento e i costumi di Andrée Ruth Shammah. Protagonisti dell'intelligente e originale pièce, allestita nella nuova bellissima sala a2a del Teatro Parenti, sono cinque adolescenti affetti da disturbi del comportamento. Sono ricoverati nel reparto psichiatrico di una casa di cura, dove vengono aiutati dal dott. Bauman (Paolo Briguglia) e da un'insegnante di teatro, la signorina Dorit (Elena Lietti), che vuole preparare con loro uno spettacolo da presentare ai genitori. Samuele Poma, nel ruolo del sedicenne Barak, il ragazzo più vicino alle dimissioni, vive un narcisismo patologico; Federico Di Giacomo è Emanuel, un geniale e problematico ragazzino con la sindrome di Asperger; Chiara Ferrara è la sensibilissima Alma, che manifesta tendenze autolesioniste e suicidarie; Amy Boda nel ruolo di Tamara/Tom affronta il dramma della disforia di genere; infine Alia Stegani è Ester, che per superare il trauma delle violenze sessuali subite da uno zio ha bisogno di "trasformarsi" in un leone. Tutti hanno rivelato qualità sorprendenti nel sostenere ruoli così difficili, immedesimandosi totalmente nei loro personaggi. Dal lavoro di Chen emerge l'auspicio che, oltre alle terapie farmacologiche, si utilizzino strategie come quelle adottate dai principali protagonisti adulti della pièce, ossia il dottor Bauman e Dorit: possono essere utili per migliaia di adolescenti che soffrono realmente di questi problemi. L'eccellente costruzione teatrale per la realizzazione scenica di Polina Adamov e le luci di Oscar Frosio è realizzata in uno spazio di piccole dimensioni, con una platea quasi circolare, che fa sì che lo spettatore entri quasi fisicamente nelle relazioni imprevedibili dei ragazzi, nei loro rapporti conflittuali ma anche amichevoli, e nelle loro relazioni con gli adulti. I cinque letti dei ragazzi sono sparsi nella platea, nel segno di una condivisione/partecipazione al loro dolore, che è quello di tutti noi. Il dialogo serrato, le trovate ludiche escogitate da Dorit e l'importante, coinvolgente parte musicale, con brani classici e pop , riescono a creare una sequenzialità del racconto che pur nella non breve durata -circa due ore- porta rapidamente gli spettatori al volutamente irrisolto finale. Di grande importanza il ruolo dei bravissimi Sara Bertelà e Pietro Micci, attori che, in una pluralità di parti, interpretano i genitori dei cinque ragazzi, risultando spesso anche parzialmente responsabili delle situazioni drammatiche dei loro figli. In essi, nel loro cambio continuo e alla fine frenetico d'identità e personalità, ritroviamo la parte più divertente del lavoro, che per l'importanza dell'argomento trattato ha un indirizzo complessivo particolarmente serio e drammatico, nonché attualissimo. Da non perdere assolutamente! Repliche fino al 4 maggio.

17 aprile 2024 Cesare Guzzardella e Anna Busca

TEATRO MANZONI: "PIGIAMA PER SEI"

Autore: Marc Camoletti

Regia: Marco Rampoldi

Attori: Laura Curino, Rita Peluso, A. Cornacchione, Max Pisu

Date: dal 16 al 28 aprile

Il più classico dei triangoli: lei, lui e l’altro. Che diventa un rombo, quando si scopre che ‘l’altro’ è stato invitato a casa dal marito come alibi per coprire una sua tresca. Ma tutto si complica quando una cameriera viene scambiata per l’amante del marito, e non può svelarsi finché…

Finché ognuno è costretto a interpretare un ruolo diverso a seconda di quali siano le persone presenti, in un crescendo turbinante di equivoci e risate.

Pigiama per sei, tipico esempio di meccanismo comico perfetto, presenta l’inedita coppia Antonio Cornacchione - Max Pisu, ormai affermati come attori brillanti. E fra loro Laura Curino, maestra del teatro di narrazione, che si muove con grande agio nel territorio della commedia - come dimostrato in Calendar girls, Rita Peluso.

capace di passare dalla leggerezza dei suoi personaggi, all’impegno di lavori quali Ferite a morte di Serena Dandini.

A dirigere il gruppo Marco Rampoldi, che da anni convoglia la naturale forza comunicativa di chi ha frequentato il cabaret in commedie articolate e precise.

Uno spettacolo lieve, veloce, divertente, in cui lo spettatore si appassiona immedesimandosi pur senza volerlo nei personaggi, che non rinuncia a fare uno spaccato impietoso della vacuità dei rapporti personali negli anni ’80, che non è migliorata ai nostri giorni.

Aprile 2024 Dalla redazione

Presentato al Teatro Parenti CHI COME ME di Roy Chen per la regia di Andrée Ruth Shammah

Al Teatro Franco Parenti è stato presentato il nuovo spettacolo CHI COME ME, dello scrittore e drammaturgo israeliano Roy Chen, con adattamento, regia e costumi di Andrée Ruth Shammah. La pièce è stata tradotta dall'ebraico da Shulim Vogelmann ed è stata illustrata, oltre che dalla Shammah e dallo stesso Chen, dai numerosi attori presenti in scena, come Sara Bertelà, Paolo Briguglia, Elena Lietti, Pietro Micci, e gli altri giovanissimi protagonisti. Hanno parlato del loro ruolo e del loro incontro con il teatro Samuele Poma, che interpreta il ruolo del sedicenne Barak, Federico Di Giacomo - Emanuel, Chiara Ferrara- Alma, Amy Boda- Tamara/Tom e Alia Stegani- Ester. I personaggi principali sono infatti cinque adolescenti affetti da malattie psichiatriche, che vivono il loro dramma e la loro sofferenza insieme ai genitori e al medico curante. Sarà l'esperienza teatrale che vivranno, con le sue maschere recitanti e la sua intrinseca, emozionante schizofrenia positiva, a far emergere problemi nascosti e nuove personalità, in un percorso che potrà portarli a una sorta di equilibrio con la realtà. Come ha detto Chen, il teatro è terapeutico, soprattutto in momenti di sofferenza collettiva come quello che stiamo vivendo, connotato dagli orrori delle guerre tra Russia e Ucraina e tra Israele e Palestina. Lo spettacolo sarà presentato in una nuova, bellissima sala, sponsorizzata da a2a: ha la forma di un "abbraccio" tra pubblico e attori, che possono occupare spazi anche tra le poltrone e immergersi tra gli spettatori. La realizzazione scenica è di Polina Adamov, le luci di Oscar Frosio e le musiche sono di autori classici come Brahms, Debussy, Vivaldi Saint-Saëns, Schubert ma anche di Michele Tadini, compositore contemporaneo.Numerose le date in programma con la Prima Nazionale per il 9 aprile e le anteprime per il 5-6-7 aprile.( Foto ufficio Stampa Teatro Parenti)

4 aprile 2024 A. Busca e C.Guzzardella

TEATRO NAZIONALE CHE BANCA: "Neverland - L'isola che non cè'"

Autore: James Matthew Barrie

Regia: Roberto Ciufoli

Interpreti: Roberto Ciufoli, Anastasia Kuzmina, Margherita Rebeggiani, Daniele Bianconi

Riadattamento testo: Edoardo LombardiCoreografie: Nikolett Prok

Musiche originali: Emiliano Branda

Date: dal 5 al 7 aprile

La EMA entertainment presenta “Neverland l’isola che non c’è” la storia senza tempo del ragazzo che non voleva crescere, in una nuova, incantevole versione teatrale per tutta la famiglia.

Tratto dal romanzo di James Matthew Barrie che ha affascinato generazioni di ragazzi e non, “Neverland – l’Isola che non c’è”, non è solo un semplice musical, ma

un vero e proprio sogno che vi farà vivere un’avventura fantastica tra indiani, bimbi sperduti, fate e pirati.

I meravigliosi costumi e le impressionanti scenografie del designer Dan Potra vi catapulteranno in un mondo magico, ricco di atmosfera e proprio come Peter Pan, non vorrete mai più lasciare l’Isola che non c’è! Il pubblico scoprirà un mondo fatato in cui danza, canto, commedia, acrobazie, luci ed effetti video si mescolano per dare vita a questa originale versione di una delle storie più famose e amate al mondo.

Una scenografia stravagante con libri giganti; un set in continua evoluzione grazie all’abile video mapping; un evento eccezionale per risvegliare il bambino che è in noi.

“Finché crederai nelle fate la magia volerà attraverso la tua finestra e la storia non finirà mai”. Note di Regia

Peter Pan è tornato e questa volta è spettacolo!

La storia del ragazzo, che sceglie di fermare il tempo e vivere nel sogno dell’Isola che non c’è, diventa un musical irresistibile, divertente, commovente ed emozionante.

Gli ingredienti ci sono tutti: Peter vola e si scontra con un esilarante e crudele Capitan Uncino, Campanellino gelosa di Wendy combina guai, i Pirati guidati da Spugna combattono con i Bambini Sperduti e gli Indiani di Giglio Tigrato, ma è tutto un sogno o è realtà? La risposta ce la dà Mrs. Darling in un finale a sorpresa.

Scene e costumi meravigliosi, musiche originali indimenticabili, coreografie travolgenti con acrobati mozzafiato.

Tutto questo è NEVERLAND, un musical per tutti, un’emozione imperdibile! Roberto Ciufo

Al Teatro Parenti meritato successo per la pièce teatrale Scene da un matrimonio di Ingmar Bergman

Sta ottenendo il meritato successo la pièce teatrale Scene da un matrimonio di Ingmar Bergman, al Teatro Parenti in questi giorni. L'originale lavoro del grande regista svedese era uscito nei primi anni '70 per la televisione, in sei brevi episodi, e successivamente trasformato nel celebre film del 1973. Tradotto da Piero Monaci, nell' adattamento teatrale di Alessandro D’Alatri, per la regia di Raphael Tobia Vogel, al Teatro Parenti ha trovato due straordinari interpreti in Sara Lazzaro, nel ruolo di Marianna, e in Fausto Cabra, in Giovanni, una coppia felice sposata da dieci anni, con due figlie, che inizia ad andare in crisi sino a una dolorosa separazione. La scena di Nicolas Bovey, ottimamente illuminata da Oscar Frosio, è suddivisa in due parti comunicanti: a sinistra il soggiorno e a destra la camera da letto, dove i due protagonisti, attraverso un dialogo spesso serrato, riescono a far emergere bene gli aspetti psicologici della loro personalità. Lui è un professore universitario quarantaduenne e lei un avvocato divorzista, trentacinquenne. Il lavoro è suddiviso in scene numerate e titolate, che si avvicendano rapidamente, cadenzate dalle riuscite musiche di Matteo Ceccarini. Quella che inizialmente sembra una relazione stabile, fondata su un rapporto amoroso da "coppia ideale", si trasforma in una vicenda conflittuale che non trova una soluzione, e che rivela la debolezza strutturale di entrambi. Lei sembra desiderare inizialmente solo qualche viaggio e più tempo libero da dedicare alla famiglia, dichiarandosi comunque soddisfatta della vita che conduce; lui appare relativamente piu determinato e sostanzialmente distaccato da problemi quotidiani che considera poco importanti. In seguito è proprio lui ad interrompere il rapporto, rivelando alla moglie di essersi innamorato di una giovane studentessa, con la quale andrà a vivere. Nella seconda parte la situazione si capovolge, con Marianna che, superata la crisi, si dimostra decisa a chiedere il divorzio, mentre lui, terminata la nuova relazione, si mostra più fragile, anche economicamente, non disposto alla separazione definitiva. Alla fine, si svolge una scena particolarmente violenta dove, dopo un litigio feroce in cui vengono rivelate verità impietose nascoste da entrambi, e un rapido rapporto sessuale voluto lucidamente e freddamente da Marianna, Giovanni, ubriaco e disperato, la picchia, per poi firmare le carte del divorzio. L'ultimo momento è metaforico e di grande valore simbolico: sotto una luce improvvisamente bianca e intensa, la coppia si ritrova abbracciata, a parlare del significato dell'amore, una sorta di utopia e di grande illusione che connota la vita di coniugi e amanti. La rivisitazione dell'opera di Bergman, sempre attuale dopo mezzo secolo, ha trovato un' eccellente resa sia registica che recitativa, nella restituzione drammaturgica del Teatro Parenti. Ultime repliche per il 22-23 e 24 marzo. Da non perdere!

22 marzo 2024 Cesare Guzzardella

TEATRO SAN BABILA: "UOMINI e TOPI"

Autore: John Steinbeck

Regia: Marco Vaccari

Attori: Gianni Lamanna, Leonardo Moroni, Jacopo Sartori, M.Mocchi, L.Alfieri, G.Marchesi, Felicce Invernici

Date: dal 22 al 24 marzo

“I più accurati piani di uomini e topi vanno spesso a rovescio lasciandoci soltanto cruccio e pena al posto della promessa gioia” Robert Burns. Due amici George Milton e Lennie Small coltivano il loro progetto di trovare un posto dove la terra costa poco: un posto piccolo, da coltivare. E poi allevare polli, maiali e conigli. George accudisce da sempre Small che in contrasto con il suo nome è un gigante con il cuore e la mente di un bambino. Così spostandosi di ranch in ranch per cercare lavoro inseguono il loro sogno insieme. È la metafora di un’America oppressa dalla crisi e del contrasto tra un’umanità giovane e innocente e un’altra gretta ed egoista. Romanzo breve ma anche testo teatrale pubblicato negli Stati Uniti nel 1937”.

Nel 1962 allo scrittore fu conferito il Premio Nobel per la letteratura con la seguente motivazione: "Per le sue scritture realistiche ed immaginative, che uniscono l'umore sensibile e la percezione sociale acuta". Considerato uno dei principali esponenti della cosiddetta generazione perduta, ha ricevuto anche la Medaglia presidenziale della libertà dal Presidente Lyndon B. Johnson il 14 settembre 1964.

In questo allestimento che si avvale anche di attori molto giovani la storia, per le tematiche e i rapporti tra i protagonisti, vuole creare una forte sinergia con un pubblico di giovanissimi e di adolescenti e stimolare quesiti e dibattito.

TEATRO REPOWER: "IL PICCOLO PRINCIPE"

Autore: Antoine de Saint-Exupéry

scene Carmelo Giammello
direzione musicale Paolo Silvestri
costumi Guido Fiorato
adattamento e regia Stefano Genovese

date: fino al 24 marzo

Dopo il successo ottenuto nella stagione appena conclusa, torna a grande richiesta “IL PICCOLO PRINCIPE” di Antoine de Saint-Exupéry, la storia più letta e amata di tutti i tempi.

“IL PICCOLO PRINCIPE” è la storia che tutti conoscono ma nessuno ricorda, quasi a provare che quanto dice il suo autore corrisponde a verità: gli adulti non pensano mai alle cose veramente importanti. E quali sono queste cose? Quelle che ci insegnano da piccoli e che dimentichiamo una volta diventati grandi. Spetta proprio al Piccolo Principe, eterno bambino, rinfrescarci la memoria.

«Tutti gli adulti sono stati bambini una volta. Ma pochi di essi se ne ricordano»

Pubblicato nel 1943, “IL PICCOLO PRINCIPE” è un racconto senza tempo, che ha incantato grandi e piccini per generazioni. È il libro più tradotto dopo la Bibbia (oltre 500 lingue e dialetti) e ha venduto più di 200 milioni di copie in tutto il mondo (19 milioni solo in Italia). Un’opera fortemente trans-mediale, che negli anni è stata adattata e declinata in innumerevoli forme, dai fumetti, ai film, dalle serie animate al balletto.

Lo show firmato Razmataz Live è una rappresentazione unica nel suo genere, che si snoda attraverso gli innumerevoli linguaggi che la narrazione, la musica, il canto, la scenografia e, più in generale, la performance offrono. In equilibrio tra prosa, musical, nouveau cirque e installazione, ogni significato, ogni personaggio, ogni snodo della vicenda attinge al codice più adatto ad arrivare allo spettatore. «Ciascuna scena non si ferma agli occhi o alle orecchie o all’olfatto» – racconta il regista Stefano Genovese – «Quelli sono solo porte sensoriali per arrivare alla destinazione finale: il cuore di ogni spettatore».

Fedele allo stile dell’opera originale, nel mettere in scena “IL PICCOLO PRINCIPE” Stefano Genovese ha deciso di non lasciare alle parole il ruolo centrale, ma di affidare il racconto all’immaginazione, traducendolo in un’esperienza spettacolistica evocativa che solo il teatro, per sua stessa natura, è in grado di restituire.

Le verità sono semplici e diventano assolute proprio in virtù della loro essenzialità. Le immagini – come sosteneva lo stesso Antoine de Saint-Exupéry – aiutano a non dimenticare, a rendere reale ciò che, se fosse solo raccontato, non sarebbe creduto. Un pensiero molto attuale, estremamente all’avanguardia in un’epoca in cui ancora la fotografia era agli albori, quasi a predire l’importanza che essa, un secolo dopo, avrebbe iniziato ad avere nelle vite di ciascuno di noi.

TEATRO MANZONI: " PERFETTI SCONOSCIUTI "

Regia: Paolo Genovese

Attori: Abbrescia, Aita, Bertini, Bonini

Date: dal 12 al 24 marzo

Una brillante commedia sull’amicizia, sull’amore e sul tradimento, che porterà quattro coppie di amici a confrontarsi e a scoprire di essere “perfetti sconosciuti”. Ognuno di noi ha tre vite: una pubblica, una privata ed una segreta. Un tempo quella segreta era ben protetta nell’archivio della nostra memoria, oggi nelle nostre sim. Cosa succederebbe se quella minuscola schedina si mettesse a parlare? Durante una cena, un gruppo di amici decide di fare un gioco della verità mettendo i propri cellulari sul tavolo, condividendo tra loro messaggi e telefonate. Metteranno così a conoscenza l’un l’altro i propri segreti più profondi.

TEATRO SISTINA CHAPITEAU: "JESUS CHRIST SUPERSTAR"

Autore: Andrew Llody Webber e Tim Rice

Regia: Massimo Romeo Piparo

Prodotto da PeepArrow Entertainment

su licenza esclusiva The Really Useful Group – London

Con: Lorenzo Licitra nel ruolo di Gesù

Anggun nel ruolo di Maria Maddalena

Frankie hi-nrg mc nel ruolo di Erode

Feisal Bonciani / Giuda

Giorgio Adamo/ Simone

Paride Acacia – Mattia Braghero / Hannas

Claudio Compagno / Pilato

Francesco Mastroianni / Caifa

Gianluca Pilla / Pietro

Orchestra diretta da Emanuele Friello

Date: dal 7 al 17 marzo

E’ stato presentata a Milano, in Spazio Lenovo -il primo flagship store di Lenovo e Motorola in Europa- la nuova edizione di “Jesus Christ Superstar”, la storica produzione di Massimo Romeo Piparo che sarà in scena dal 7 al 17 marzo al Sistina Chapiteau di Milano e dal 20 al 31 marzo a Roma, Teatro Sistina. Sul palco di questa speciale limited edition che celebra i primi 50 anni dell'Opera rock più amata di tutti i tempi, e i 30 anni dalla regia di Piparo, la star internazionale Anggun (tre dischi di platino con la popolarissima hit “Snow on the Sahara”) nel ruolo di Maria Maddalena, il cantautore italiano Lorenzo Licitra nel ruolo di Gesù, Feisal Bonciani nel ruolo di Giuda e Frankie hi-nrg mc in quello di Erode. Straordinario ospite di questa edizione l'attore americano Ted Neeley, star del celebre film, che consegnerà il testimone del ruolo di Gesù alla new entry Lorenzo Licitra, 33 anni, e sarà anche presente alle proiezioni del film che precederanno lo spettacolo il prossimo 12 e 13 marzo a Milano ed il 20 marzo a Roma.

Milano, 6 marzo 2024

Al Teatro Parenti "Come tu mi vuoi" di Pirandello con Lucia Lavia e la regia di De Fusco

"Come tu mi vuoi" , dramma scritto da Luigi Pirandello nel 1930 e dedicato a Marta Abba, è stato messo in scena ieri sera per la Prima al Teatro Parenti. Ispirato alla vicenda dello smemorato di Collegno - il famoso caso Bruneri/Canella della fine degli anni Venti - è considerato tra i lavori pirandelliani più maturi e complessi. Dalla Sala Grande al completo, gli applausi sono arrivati a tutti gli ottimi attori, ad iniziare dalla protagonista Lucia Lavia, un'Ignota dal corpo sinuoso, in grado di mostrare sia violenta passione che profonda sofferenza. La regia di Luca De Fusco potenzia la scena tradizionale con un valido gioco di proiezioni, elegantemente realizzate grazie a uno schermo velato e trasparente davanti al palcoscenico, insieme a un grande quadro centrale che sdoppia l'Ignota in una sorta di ritratto parlante. I personaggi vengono inquadrati da diverse angolazioni, evidenziando così il gioco pirandelliano dell'impossibilità del riconoscimento di un'identità reale e unica, per nessun uomo e per nessuna donna. La scelta di "tagliare" alcune scene del testo originale risulta funzionale alla resa di un ruolo dominante per la parte dell'Ignota sugli altri personaggi, ruolo che finisce per occupare in modo preponderante lo spazio-tempo scenico: è infatti Lucia Lavia, sia come Elma che come Cia, a parlare in modo pressoché ininterrotto, interpellando l'amante Salter piuttosto che Boffi o il presunto marito Bruno o la zia Lena, omonima cugina della madre di Cia. L'ingresso finale della Demente, che ripete in modo ossessivo proprio "Le-na", e viene creduta come possibile vera Cia, è spiazzante e metaforico: i nomi sono solo unioni di sillabe, nessuno di noi ha un vero nome e tanto meno "è" un nome. E non importa per l'Ignota essere riconosciuta come Elma o come Cia: sarà ogni volta quella che gli altri vogliono che sia, ma senza calcoli, senza interessi, senza ipocrisie.

6 marzo 2024 Anna Busca

FEBBRAIO 2024

Il Figlio: l'ottimo lavoro di Florian Zeller al Teatro Parenti

Continua al Teatro Parenti il grande successo della pièce teatrale Il Figlio (Le fils, 2018) del drammaturgo francese Florian Zeller. Il lavoro è l'ultimo di una trilogia (La madre, Il padre, Il figlio) che ha ispirato il film The Father (2021), di cui lo stesso Zeller è stato regista e sceneggiatore, interpretato da uno strepitoso Anthony Hopkins, che ha ben meritato l'Oscar. L'adattamento di Piero Maccarinelli, con le riuscite scene di Carlo de Marino, ben illuminate da Javier Delle Monache, ha delineato lucidamente i ruoli degli eccellenti protagonisti: Cesare Bocci (il padre Piero), Galatea Ranzi (la madre Anna), Giulio Pranno (il figlio Nicola) e Marta Gastini (la compagna di Piero). I genitori, separati, vengono a sapere all'improvviso e tardivamente che Nicola, diciottenne che vive con la madre ed è all'ultimo anno di liceo, da tre mesi non frequenta più la scuola. Nicola chiede di andare a vivere col padre e con la sua compagna, che hanno avuto da poco il piccolo Sasha. Sarà accontentato, con la speranza che una nuova scuola, una nuova casa e la vicinanza del fratellino neonato possano aiutarlo a riprendersi. Ma quella che agli occhi dei genitori appare come una transitoria depressione adolescenziale in realtà sarà riconosciuta dagli psichiatri, dopo alcuni mesi, a seguito di un tentativo di suicidio, come un grave disturbo bipolare. Nel frattempo la vita di entrambi i genitori viene stravolta da problematiche sempre più difficili da affrontare, che emergono da dialoghi serrati e coinvolgenti. Il finale è di grande impatto emotivo. Tutti gli attori in scena sono stati bravissimi a ricreare una vicenda raccontata con grande realismo, che si richiama purtroppo a drammi oggi diffusi, legati spesso all'individualismo e all'incapacità degli adulti di mettersi in sintonia emotiva con le nuove generazioni. Si commettono errori e si potenziano così le fragilità; non si riconoscono in tempo i disturbi psichiatrici, si sottovalutano i comportamenti autodistruttivi. Repliche fino al 3 marzo. Da non perdere!

29 febbraio 2024 Cesare Guzzardella

Tre donne alte di Edward Albee al Teatro Elfo-Puccini

È ritornata in scena dopo due anni, al Teatro Elfo-Puccini, la pièce teatrale "Tre donne alte", che nel 1994 valse al suo autore, il drammaturgo statunitense Edward Albee (1928-2016), il suo terzo Premio Pulitzer. Divenuto celebre con "Chi ha paura di Virginia Woolf?" (1962) il suo capolavoro, Albee mostra anche in questo dramma grande profondità di pensiero e rara capacità di riflessione sui temi fondamentali dell'esistenza umana. Le tre donne protagoniste, una ricca novantaduenne malata e affetta da una forma di demenza senile che la rende a tratti priva di memoria, autoritaria e impietosa, la sua cinica infermiera-badante, cinquantaduenne, e un'arrogante giovane assistente legale, di ventisei anni - interpretate rispettivamente dalle bravissime Ida Marinelli, Elena Ghiaurov e Denise Brambillasca - impegnate in vere schermaglie verbali nel primo atto, finiscono, nel secondo, per fondersi inaspettatamente in un unicum. Il dramma quindi si sdoppia. L'anziana è infatti stesa nel suo letto, morente o già morta, e le tre donne, vestite con la stessa tunica bianca di velo, la rappresentano nelle sue tre fasi della vita: gioventù, maturità e vecchiaia. Il dialogo tra loro, surreale, fa emergere la trasformazione dei sentimenti e del pensiero della donna negli anni: si passa dalle speranze gioiose e dall'attesa di felicità giovanili, alla consapevolezza ormai disincantata di chi si trova ad aver superato la metà della vita, fino al distacco completo di chi è prossima alla sua fine. Compare anche un figlio (Stephan Haban) venuto a trovare la madre morente: ma è un personaggio silenzioso, che non dice nulla, e che viene respinto dalle due figure più anziane, perché era una sorta di disadattato che aveva abbandonato la famiglia, andandosene via da casa giovanissimo. Qui emerge l'aspetto autobiografico del lavoro: Albee si fece espellere da numerose scuole e lasciò i genitori (adottivi) a diciotto anni. In questo lavoro Albee si avvicina metaforicamente al letto di sua madre moribonda, ne ripercorre la vita, e allo spettatore il figlio, pur muto, appare come una figura in cerca di perdono. È significativo che per nessun personaggio venga pronunciato il nome: il dramma diventa così universale, non particolare. L'illusione dell'amore e della fedeltà, la solitudine, le malattie, gli incidenti connotano tutte le nostre vite. Paradossalmente è la morte, l'uscita di scena, il momento di massima felicità nella vita: tra il primo e l'ultimo respiro c'è una successione continua di eventi che non rendono possibile questa condizione. Nell'ottima messinscena di Ferdinando Bruni un grande orologio senza lancette, nella stanza, segna l'impossibilità di misurare realmente il tempo della nostra esistenza. Eccellente lavoro, da non perdere Repliche fino al 10 marzo.

21 febbraio 2024 Anna Busca

TEATRO REPOWER: "GREASE"

Autori: Jim Jacobs e Warren Casey

Regia: Saberio Marconi

Date: dal 21 febbraio al 3 marzo

Dopo le anteprime nazionali al Teatro Vaccaj di Tolentino, sede storica di Compagnia della Rancia, è partito il tour 2024 di Grease, il musical più amato di sempre, che vede già più di 50 repliche e 21 città fino a maggio 2024, spesso già sold-out, per scatenarsi con la #greasemania!Immancabile l’appuntamento nella programmazione del Teatro Repower di Milano, dove, a grande richiesta, sarà in scena anche in questa stagione dal 21 febbraio al 3 marzo, con la regia di Saverio Marconi e la regia associata di Mauro Simone.

dalla redazione 20 febbraio 2024

L'Eterno marito al Teatro Parenti

L'Eterno marito, pièce teatrale in questi giorni in scena al Teatro Parenti, ha trovato un meritato successo di pubblico anche nella replica di ieri sera, in una Sala A al completo. Il libero adattamento di Davide Carnevali dal romanzo breve di Fëdor Dostoevskij - pubblicato nel 1870 - per la regia di Claudio Autelli, ha il punto di forza sia nella bravura dei due protagonisti, Ciro Massella nel ruolo di Pavel Pavlovic Trusotsky e Francesco Villano in quello di Alexis Ivanovic Veltcianinof, sia nell'originale messinscena che prevede un' integrazione armoniosa della recita con un contesto filmico proiettato dietro il palcoscenico. Il dialogo serrato tra i due personaggi maschili, legati da un'ambigua relazione di amicizia e di rivalità, viene spesso interrotto e integrato dalla proiezione su un grande schermo. Qui compare anche un personaggio femminile che ha un ruolo fondamentale nel racconto di Dostoevskij: una bimba, Lisa, che risulta essere la figlia che la moglie di Pavel, Natalia, morta di tisi da poco, ha avuto anni prima da Alexis, uno dei suoi numerosi amanti. Sempre vissuta con Pavel, che però la maltratta, Lisa - gravemente malata - verrà portata da Alexis a casa di un'amica, dove però morirà in pochi giorni. Il dramma si svolge su più piani: l'ipocondriaco Alexis soffre di insonnia e di perdita della memoria, ed inizialmente è convinto, in una sorta di incubo paranoico, di essere seguito e spiato da Pavel, "l'uomo dal cappello con una fascia nera", che tuttavia non riconosce subito; il ruolo di attori, con i loro veri nomi, Ciro e Francesco, si sovrappone spesso alla vicenda e include anche la partecipazione del pubblico, che viene filmato, illuminato da luci accecanti, coinvolto in qualche scena, tanto che uno spettatore si rivelerà poi essere in realtà un attore; il sofferto dialogo tra i due protagonisti farà emergere le debolezze di entrambi, tradito e traditore, nel loro rapporto superficiale col mondo femminile, di cui non comprendono l'essenza. Natalia, una sorta di fantasma che compare nei loro discorsi spesso inconcludenti e assurdi, se non palesemente deliranti, domina ancora entrambi. Secondo Alexis, Pavel incarna alla perfezione la figura dell’eterno marito, ovvero di colui che esiste solo in questo ruolo, e pur di continuare il matrimonio tace a se stesso i tradimenti della moglie e finge di non saperne nulla. Il dramma precipita quando Pavel tenta di uccidere nel sonno il suo "unico amico" - rivale. La conclusione è in realtà circolare: due anni dopo, durante un viaggio in treno, Alexis incontra casualmente in una stazione una donna che sta aspettando il marito. È la seconda moglie di Pavel, che sopraggiunge. La storia non si ripeterà, Alexis sale sul treno e riparte: nella carrozza ha la visione della piccola, innocente Lisa. Temi dunque come l'amore, l'adulterio, la paternità, il senso di colpa, il ruolo del caso nel destino di ognuno, la verità contrapposta all'inganno, la malattia e la morte s'intrecciano continuamente in una sorta di danza vorticosa in cui finiamo per essere, volenti o nolenti, tutti ballerini. Ultime repliche per il 16, 17 e 18 febbraio. Da non perdere!

16 febbraio 2024 Cesare Guzzardella, Anna Busca

TEATRO MANZONI: "IL CALAMARO GIGANTE"

Autore: Fabio Genovesi

Regia: Carlo Sciaccaluga

Attori: Angela Finocchiaro, Bruno Stori, Gennaro Apicella, Silvia Biancalana, Marco Buldrassi, Simone Cammarata

Date: dal 13 al 25 febbraio

La vita di Angela è assurda e incomprensibile, come quella di ognuno di noi. Da ragazza tanti sogni e passioni le facevano battere il cuore, ma i binari rigidi della società e della famiglia l’hanno portata a una situazione che è come un boccone amaro incastrato in gola, e non va né su né giù. Oggi più che mai: tornava a Milano per la cena dell’ufficio, ma il rientro dei vacanzieri dal mare la blocca in coda verso Roncobilaccio. Angela maledice tutta quella gente, maledice pure il mare da cui tornano. E ha ancora la bocca aperta, quando un’onda impossibile la porta via, travolgendo e stravolgendo la sua vita. In un vortice fuori dal mondo e dallo spazio, dove si ritrova a girare insieme a un tipo strano e antiquato, Montfort, che arriva da un’altra nazione e un altro secolo, e in comune hanno solo di non sapere come sono finiti lì. Così inizia il loro viaggio, che onda dopo onda li sbatterà a vivere le avventure di donne e uomini che invece hanno avuto il coraggio di abbracciare il mare e la vita come un’unica, strabiliante meraviglia. Vite sconosciute ma fondamentali, incredibili ma verissime, legate dall’aver creduto con tutto il cuore all’esistenza di un animale così enorme e lontano dalla normalità che per millenni lo si è considerato una leggenda: Il Calamaro Gigante. Nei loro panni, Angela e Montfort vivono le loro battaglie, si esaltano ai loro trionfi e si disperano alle tragiche rovine, in un racconto che schizza tra i secoli e i continenti ricorrendo a tutti i linguaggi offerti dalla narrazione: immagini, scenografie, musica, danza… in un abbraccio appassionato che raggiunge i cuori di ogni età, dai giovani a quelli che giovani lo sono dentro. E se nel mondo esiste il calamaro gigante, allora non c’è più un sogno che sia irrealizzabile, una battaglia inaffrontabile, un amore impossibile. Perché la storia più incredibile di tutte è proprio la realtà.

dalla redazione febbraio 2024

TEATRO NAZIONALE: "SARANNO FAMOSI"

Regia. Luciano Cannito

Ideato: David De Silva

Libretto: José Fernandez

Liriche di Jacques Lévy

Musica Steve Margosh

Traduzione e Adattamento Luciano Cannito

Scene Italo Grassi

Costumi Maria Filippi

Direzione musicale Giovanni Maria Lori

Questa nuova versione firmata da Luciano Cannito, che unisce l’esperienza di regista a quella di coreografo internazionale, sarà un trionfo di canto, danza, musica, recitazione, in una narrazione dinamica e travolgente. La scelta registica e l’adattamento di Cannito sposta l’azione dagli anni Ottanta ai nostri giorni, per rendere lo spettacolo più vicino alle nuove generazioni, e più facilmente identificabile nel pubblico di oggi.

Saranno Famosi è stata una delle serie tv più famose e indimenticabili. Ma è stato anche un film e un musical di successo internazionale. Saranno Famosi è un fenomeno leggendario ed intramontabile della cultura pop. Un titolo talmente famoso da essere entrato nell’immaginario della gente come sinonimo di desiderio di realizzare il proprio sogno nel mondo dello spettacolo. Il duro lavoro, la competizione artistica, il sudore, la passione, gli amori, le sconfitte e i successi.

La trama racconta la vita degli allievi e gli insegnanti della rinomata ed esclusiva scuola di Performing Arts di New York. Un gruppo di ragazzi, la loro passione e la loro dedizione per il mondo dello spettacolo, una storia che continua a conquistare ed emozionare nuove generazioni di pubblico ed ispirare miriadi di giovani talenti.

TEATRO MANZONI: "AMANTI"

Regia: Ivan Crotoneo

Attori: Fabrizia Sacchi, Orsetta De Rossi, Eleonora Russo, Diego D'Elia

Date: dal 6 all' 11 febbraio

È settembre. Claudia e Giulio si incontrano per la prima volta davanti a un ascensore, nell’atrio di un palazzo borghese. Le porte si aprono. Lei sta andando via, lui deve salire. Ma Claudia si accorge di avere dimenticato un fazzoletto su, e risale con Giulio. L’appartamento al quale sono diretti è lo stesso: scoprono infatti solo ora che entrambi frequentano la stessa analista, la dottoressa Gilda Cioffi, psicoterapeuta specializzata in problemi di coppia. Hanno l’appuntamento settimanale con la dottoressa ogni mercoledì: alle 15 lei, alle 16 lui. Si presentano stringendosi la mano. È il loro primo contatto fisico.

Due mesi dopo ritroviamo Claudia e Giulio in una stanza d’albergo. Stanno facendo l’amore. Sono diventati amanti. Entrambi sposati, Giulio con moglie e tre figli, Claudia con un marito più giovane di lei con il quale sta cercando di avere un bambino, si vedono regolarmente e clandestinamente per stare insieme. E si dicono che è solo sesso, avventura, evasione. Che non fanno male a nessuno. Che quello spazio non c’entra davvero con le loro vite reali. Ma può essere davvero così quando due persone si incontrano ripetutamente e pretendono di controllare sesso e amore?

Amanti segue la storia della relazione di Giulio e Claudia, intervallando i loro incontri in albergo con i dialoghi che ciascuno dei due ha con la dottoressa Cioffi, la quale ovviamente ignora che i suoi due problematici pazienti hanno una relazione tra di loro. Così la loro storia si dipana fra gli incontri a letto, e le verità o le menzogne che contemporaneamente raccontano alla dottoressa, dalla quale vanno da soli o insieme ai rispettivi partner, Laura e Roberto. Una progressione temporale fatta di equivoci, imbrogli, passi falsi, finte presentazioni, menzogne, incasinamenti, prudenza, e anche guai evitati per miracolo. Fino a quando qualcosa stravolge tutti gli equilibri.

Amanti è una commedia in due atti sull’amore, sul sesso, sul tradimento e sul matrimonio, sulle relazioni di lunga durata e sulle avventure a termine, sul maschile e sul femminile, e in definitiva sulla ricerca della felicità che prende sempre strade diverse da quelle previste. Una commedia brillante e divertente, con situazioni e dialoghi che strappano risate, ma anche un’esplorazione dei sentimenti di una coppia che nella clandestinità trova rifugio, conforto, divertimento, ma anche affanno, preoccupazione, e forse pericolo.

TEATRO SAN BABILA: "IL DIARIO di ANNE FRANK"

Autori: Frances Goodrich e Albert Hackett

Regia: Carlo Emilio Lerici

Attori: R. Attias, G. Bonetti, A.Accarino, F.Bianco, F.Buttarazzi, T.Tosto

Data: dal 26 al 28 gennaio

La vicenda inizia con Otto Frank, unico sopravvissuto, che ritrova nella soffitta il Diario tenuto da sua figlia Anne. Mentre inizia a leggere, come evocate dalle pagine del Diario, riprendono vita le vicende della famiglia Frank nella Amsterdam occupata dai nazisti. E’ il 1942: la famiglia Frank è ebrea, e i tedeschi danno la caccia agli ebrei di casa in casa. Prima del tragico finale, Anne vivrà due anni nel rifugio segreto, vedendo il cielo solo la notte, da una piccola finestra, con la compagnia della sua famiglia, della famiglia Van Daan e del dottor Dussel. Con una scenografia che si sviluppa su due livelli e quattro ambienti, lo spettacolo è strutturato come un lungo piano sequenza, in cui i dieci attori ci raccontano, in una coralità scenica e narrativa, la loro quotidianità, in un sottile confine ed equilibrio tra tragedia e leggerezza. Le circostanze, inusuali e inimmaginabili, mostrano caratteri diversi e contrastanti, egoismi e simpatie, paura e speranza, e lo sbocciare di un giovane amore. E anche se la fine è imminente e certa, fino all’ultimo Anne conserva la sua voglia di vivere e la sua fiducia nell’umanità: «...continuo a credere nell'intima bontà dell'uomo...»

Considerato uno dei capolavori del teatro del '900, e Premio Pulitzer per la drammaturgia nel 1956, Il Diario di Anne Frank, nel suo debutto al Teatro Belli nel 2020, ha registrato un grandissimo successo di pubblico e di critica, e un successo di particolare rilievo soprattutto negli oltre 4000 studenti delle scuole di Roma e provincia che vi hanno assistito. Lo spettacolo è ormai al suo quarto anno di repliche consecutive.

Lo spettacolo ha ricevuto il patrocinio dalle principali istituzioni ebraiche: UCEI – Unione della Comunità Ebraiche Italiane, Fondazione Museo della Shoah, Centro Ebraico Italiano “G. E. V. Pitigliani”, l'Associazione Progetto Memoria, l'Associazione Figli della Shoah e il MEIS, Museo Nazionale dell’Ebraismo Italiano e della Shoah.

Fabrizio Gifuni ritorna al Teatro Parenti per Aldo Moro

Dopo lo straordinario successo de "Il male dei ricci" imperniato su Pier Paolo Pasolini , Fabrizio Gifuni è tornato al Teatro Parenti ieri sera per completare il dittico de "I fantasmi della nostra storia" con lo spettacolo "Con il vostro irridente silenzio". Protagonista è Aldo Moro, che parla con la voce di Gifuni, straordinariamente resa simile per tono e inflessioni, tramite le sue lettere dalla prigionia e il suo memoriale. Capace di immedesimarsi pienamente nell'uomo e nel politico democristiano, rapito e imprigionato dalle Brigate Rosse per 55 giorni tra il 16 marzo e il 9 maggio del 1978, giorno in cui il suo cadavere fu trovato in via Caetani, l'attore ha ben introdotto storicamente il suo lavoro, anche a beneficio degli spettatori più giovani, lontani per ragioni anagrafiche dal periodo e dalle vicende del sequestro Moro. Gifuni ha letto ininterrottamente per oltre un'ora e mezza decine di lettere, intervallate da brani tratti dal memoriale. Le scelte testuali sono state estremamente significative al fine di mettere in risalto i contrasti tra l'uomo che, nella sua disperata solitudine di prigioniero, si rivolge alla famiglia con grande affetto, e il presidente della DC, "processato" dai brigatisti, che destina ai notabili del suo partito - e non solo - missive sempre più pesanti. È cosciente di non riuscire ad ottenere un aiuto concreto alla sua liberazione: la linea dura, indicata soprattutto da Andreotti, non prevede nessuno "scambio di prigionieri". La frattura con gli "ex amici" diventa insanabile: il suo sangue ricadrà su di loro. Il dramma di Moro portato a teatro e rivissuto con così profonda compartecipazione da Gifuni, visibilmente provato alla fine dello spettacolo, ha coinvolto emotivamente il folto pubblico, che gli ha tributato lunghi applausi commossi e fragorosi. Questa sera e domani 14 gennaio le repliche.

13 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

TEATRO MANZONI: "QUASI AMICI"

Regia: Alberto Ferrari

Attori: Massimo Ghini, Paolo Ruffini

Date: dal 16 al 28 gennaio

Quasi Amici è una storia importante, di quelle storie che meritano di essere condivise e raccontate. Anche con il linguaggio delle emozioni più profonde: quello teatrale. Un adattamento per il teatro del soggetto e della sceneggiatura di Quasi amici è affascinante perché permette di dilatare, in drammaturgia teatrale, quelle emozioni che nascono per il cinema con un altro linguaggio, non solo visivo, ma anche filmico. Emozioni che devono irrobustirsi però con parole e simboli precisi sul palcoscenico per poter rimandare tutti noi a un immaginario condiviso con il quale far dialogare il proprio. E partecipare. Ed è straordinario raccontare ancora più nell’intimità delle parole, degli scambi, delle svolte narrative, delle luci, dei movimenti, che solo una drammaturgia teatrale può cogliere e restituire, dando il senso profondo di una grande amicizia in fieri. Osservando poi il percorso che compiono i due protagonisti per crescere, ognuno nella rispettiva vita e in quella dell’altro e di come uno diventi assolutamente necessario all’altro per poter proseguire indenne, o quasi, il proprio cammino su questa terra. Due uomini talmente diversi da costituire una teorizzazione dell’antimateria. Due particelle che potrebbero portare a un’esplosione, un annichilimento delle proprie personalità e invece avviene il miracolo. Ed è questo Miracolo laico che vorrei raccontare. Un uomo molto agiato, ricco, molto ricco, troppo ricco, intelligente, affascinante; un uomo che vive di cultura e con la cultura vive, che si muove e conquista e soddisfa il proprio ego narcisistico con il cervello più che con il corpo. Un uomo a cui il destino ha voluto, per contrappasso, relegare a solo cervello, facendolo precipitare con il parapendio e fratturandogli la quarta vertebra cervicale e riprendendosi il corpo. Quel corpo, che era solo un bagaglio della mente, ora nell’assenza, diventa il fantasma di un’identità da inseguire e recuperare. E un altro uomo che entra ed esce di galera, sin da ragazzino, svelto, con una sua intelligenza vivace e una cultura fatta sulla strada e nei film di serie b, che ha visto. Ma decisamente smart. Un uomo che preferisce porre il suo corpo avanti a tutto e lasciare il cervello quieto nelle retrovie. Un corpo che, da subito, ha cercato di farsi strada nelle periferie degradate, in cui un’incertezza diventa come in natura, essenziale per determinare il proprio posto nella catena alimentare. Un predatore che in realtà̀ è una preda delle proprie debolezze. Un uomo che si è privato della carica del cervello che avrebbe potuto essere per lui determinante. ecc... Note di Regia: Alberto Ferrari

Dalla Redazione

Grande successo di Fabrizio Gifuni al Teatro Parenti per Pasolini

È in scena al Teatro Parenti, fino a domenica 14 gennaio, Fabrizio Gifuni. Attore di successo di teatro e di cinema, romano di origini pugliesi e siciliane, ha messo in scena un doppio spettacolo, in serate differenti, dedicato a Pier Paolo Pasolini e ad Aldo Moro. Sono due ideazioni drammaturgiche che Gifuni, presentando lo spettacolo visto ieri sera in una Sala Grande del Teatro Parenti al completo, inquadra come "I fantasmi della nostra storia". Nell'incisiva introduzione al primo lavoro, "Il male dei ricci" - titolo ispirato a un verso di una poesia in friulano di Pasolini - Gifuni ha portato un interessante raffronto tra lo scrittore-regista e il politico democristiano: due corpi rimasti senza una vera sepoltura perché finiti tragicamente uccisi, rispettivamente nel 1975 e nel 1978, e privati del diritto alla giustizia . Ancora oggi, infatti, entrambi i delitti non sono stati chiariti. Per la storia d'Italia, dunque, Pasolini e Moro sono davvero fantasmi, che nel buio e nel silenzio di un teatro affollato, a quasi cinquant'anni dalla loro morte, possono ritrovare la voce grazie a un attore sul palcoscenico. La vicenda pasoliniana è narrata in duplice modalità. Nella prima Gifuni diventa Pasolini stesso; nella seconda l'attore interpreta con profonda immedesimazione pagine da "I Ragazzi di vita", o legge stralci da "Poesie in forma di rosa", "Lettere luterane" e "Scritti corsari". Il passaggio tra Pasolini- personaggio e Gifuni- attore avviene senza soluzione di continuità. La filosofia pasoliniana contro la nuova dittatura della società dei consumi viene raccontata dall'attore- Pasolini, mentre il triste mondo, prima amorale e poi immorale di Riccetto, protagonista de "Ragazzi di vita" , viene delineato in romanesco con eccellente resa attoriale. Non è un lavoro facile quello che viene proposto su Pasolini; certamente mette in risalto sia il grande intellettuale che l'uomo ipersensibile, capace di cogliere con grande lucidità e preveggenza, partendo dalla sua personale immersione fisica e letteraria nelle borgate romane, il cambiamento che avanzava inesorabile, distruttore di una sorta di primitiva vitalità. Applausi ripetuti e calorosi dal pubblico.

10 gennaio 2024 Cesare Guzzardella

"Da questa sera si recita a soggetto! Il Metodo Pirandello" al Teatro Parenti

Grande successo al Teatro Parenti per Paolo Rossi e la sua compagnia in "Da questa sera si recita a soggetto! Il Metodo Pirandello". Il divertente spettacolo, tra cabaret e teatro, ha trovato come importante supporto anche il pubblico presente, in particolare alcuni spettatori reclutati prima dell'inizio dello spettacolo, che hanno interagito con gli attori divenendo loro stessi, per qualche minuto, protagonisti della scena. Come nella celebre opera pirandelliana, il lavoro di Paolo Rossi e di Carlo G.Gabardini è una sorta di "teatro nel teatro". L'improvvisazione è comunque certamente il filo portante dello spettacolo, sostenuta abilmente da un Paolo Rossi perfettamente a suo agio nel ruolo di perno di un sistema che ruota, spesso vorticosamente, su temi diversi, comunque ben collegati alla vita e al pensiero di Pirandello. L'attore è figlio di quel teatro-cabaret milanese che ha avuto come padri Dario Fo, Enzo Jannacci, Giorgio Gaber e chi, alla fine degli anni '60 e negli anni '70, calpestava il palcoscenico del Derby di Milano. La comicità dissacrante di Rossi, sfociante in un intelligente umorismo frutto di riflessioni profonde sulla Vita, sulla Morte, sulla Libertà, sulla Gelosia, ritrova in questo spettacolo la giusta centralità. Un contrabbasso, una chitarra e una consolle gestita da un'attrice - disc-jockey, al limite del teatro dell'assurdo - accompagnano a tratti lo spettacolo. Bravissimi i co-protagonisti: Emanuele Dell’Aquila, Alex Orciari, Caterina Gabanella, Laura Bussani, Alessandro Cassutti. Validi anche gli improvvisati "attori" scesi dalla platea! In chiusura, Paolo Rossi - "morto" in scena come Molière - ha letto una lettera di "scuse" al grande drammaturgo siciliano, per non avere seguito affatto il suo copione... E dopo il commiato, il palcoscenico si è trasformato in una discoteca, con luci colorate e musica ad alto volume, in cui si sono immersi molti giovani del pubblico. La festa non finisce mai!

6 gennaio 2024 Anna Busca e Cesare Guzzardella

TEATRO MANZONI: FESTIVAL della MAGIA

Idia di Raul Cremona

Regia: Giovanni Riccò

Date: dal 3 al 7 gennaio 2024

Ideato e condotto dall’eclettico Raul Cremona, torna lo spettacolare Festival della Magia, un trionfo da 25.000 spettatori nelle passate stagioni, qui alla sua sesta edizione, sempre arricchita da grandi artisti internazionali. Dalla rinomata scuola asiatica approdano Po Cheng Lai con il suo favoloso numero dei ventagli e il suggestivo manipolatore Mike Chao. Dalla Francia sarà ospite l’ironico e folle illusionista Jimmy Delp, mentre l’Italia sarà rappresentata da due campioni: il geniale mentalista Vanni De Luca e Dario Adiletta con il suo originalissimo numero sulla manipolazione dell’acqua. Infine dalla Spagna Ramó & Alegría che giocheranno con gli stereotipi dei ruoli del mago e del suo assistente. Due ore di stupore e divertimento per tutta la famiglia.

TEATRO PARENTI: "L'ANIMA LATINA" con Mariangela D'Abbraccio

Una serata particolarmente riuscita quella dell'attrice e chanteuse napoletana Mariangela D'Abbraccio, arrivata al Teatro Parenti accompagnata dal valido pianista Massimiliano Gagliardi per lo spettacolo "Anima Latina". Il lavoro è ottimamente costruito dalla regia di Francesco Tavassi, che mette in risalto il talento della protagonista, in grado di passare dalla recitazione al canto in modo unitario e coinvolgente. Una sorta di pastiche che unisce, senza soluzione di continuità, numerosi brani provenienti soprattutto dal mondo latino, napoletano e del Sud America - in particolare Argentina e Brasile - ma con incursioni anche più a nord, grazie ad autentici piccoli capolavori della cosiddetta scuola di Genova, di Tenco ("Vedrai, vedrai") , De Andrè ("Amore che vieni, amore che vai"), Endrigo (Canzone per te), o di quella romana di Bruno Martino ("Estate") e pugliese di Domenico Modugno. Non solo brani cantati, quindi, ma anche poesie ed extrapolazioni di testi teatrali ben recitati, spesso ad introduzione delle canzoni. Borges, Pessoa, Neruda, Lorca o Eduardo, si sono intrecciati con il tango argentino di Piazzolla, con i testi di Vinicius De Moraes, con canzoni classiche napoletane di Salvatore Di Giacomo e di Libero Bovio, ma anche con Pino Daniele e con i testi di numerosi cantautori letti poeticamente e cantati in modo personale e convincente. Ottimi gli arrangiamenti pianistici, che hanno unito la recita e il canto: il M. tro Gagliardi è stato preciso e attento alle inflessioni verbali e vocali della D'Abbraccio, rivelando una musicalità autentica, dal carattere improvvisatorio, e adeguato alle apparentemente spontanee incursioni della protagonista, ricche di coordinate gestualità e fisicità, studiate alla perfezione. Uno spettacolo che alla prima rappresentazione di ieri sera al Teatro Parenti, in Sala A, non troppo grande e per questo adattissima al lavoro proposto, ha trovato un successo davvero meritato. Due i bis, tra i quali lo splendido " Dicitencello vuje". Numerosi e calorosi gli applausi del pubblico, presente al completo. Lo spettacolo verrà replicato fino al 7 gennaio, con una recita speciale per il 31 dicembre, che si concluderà con un brindisi per festeggiare l'arrivo del 2024. Assolutamente da non perdere.

Milano, 29　 dicembre　 2023　　　　　Cesare Guzzardella

TEATRO CARCANO: "Pippi Calzelunghe - il Musical

Autore: Astrid Lindgren

Idea: Gigi Proiett

Regia: Fabrizio Angelini

Versione italiana: Sagitta Alter e Carlotta Proietti

Date: dal 28 dic al 7 gen.

Pippi Calzelunghe il Musical nasce da un’idea di Gigi Proietti, più che un’idea, un’intuizione: regalare al pubblico un’edizione “dal vivo” di una delle eroine più amate di tutti i tempi. Quella intuizione diventa realtà.

Nata dalla penna di Astrid Lindgren, la celebre favola si trasforma in uno spettacolo dai tratti unici, grazie alla versione italiana di Sagitta Alter e Carlotta Proietti e alla regia di Fabrizio Angelini.

Un cast di attori, cantanti, ballerini-acrobati racconterà sul palco la storia di Pippi, un’icona senza tempo. Ritroveremo le sue inconfondibili treccine rosse, le lentiggini e i coloratissimi look che hanno fatto sognare intere generazioni. Non mancheranno in scena i suoi fedeli compagni di viaggio: l’adorabile cavallo a pois chiamato Zietto e Nilsson una stravagante scimmietta.

Ribelle, anticonformista e allergica alle regole, Pippi regalerà a tutti una lezione che suona più o meno così: l’indipendenza, il potere di sognare ad occhi aperti, la capacità di dare al denaro un’importanza relativa e il valore dell’amicizia rendono bella la vita, assai più dei vestiti eleganti e del galateo da salotto. Uno spettacolo vivace e esuberante: acrobazie, colpi di scena, tanta tanta musica; i costumi accuratissimi e raffinati e l’elegante allestimento sono firmati da Susanna Proietti.

Ma Pippi Calzelunghe il Musical è anche qualcosa di più. È il sentimento delicato che vi porterete nel cuore alla fine dello spettacolo: quella tenerezza che in fondo non è l’unica arma veramente potente per vivere felici?

TEATRO:    I LEGNANESI -     7°...NON RUBARE

Un nuovo spettacolo per riabbracciare ancora una volta le decine di migliaia di spettatori che aspettanodi anno in anno di trascorrere due ore spensierate con la famiglia Colombo - Antonio Provasio (Teresa), Enrico Dalceri (Mabilia), Italo Giglioli (Giovanni) - gli altri personaggi del cortile e gli sfavillanti boys.
Il nuovo titolo per la stagione 2023-2024 è già promessa di divertimento assicurato, con la comicità e la tradizione de I LEGNANESI alle prese con un comandamento quanto mai attuale.
Crescere in una famiglia tradizionale di sani e autentici principi oggigiorno è una grande fortuna: lo sa bene Mabilia che, consapevole di questo privilegio, partecipa a un concorso di beneficenza aggiudicandosi “l’adozione temporanea” di un ragazzo problematico, ma dal carattere incredibilmente travolgente. Ed è proprio così che Carmine entra a far parte della famiglia Colombo, travolgendo tutti.

Il compito di Teresa e Giovanni sarà quello di reinserire il ragazzo in società fornendogli le basi solide e i principi morali essenziali per vivere onestamente, mentre quello di Mabilia di vestire i panni di “sorella maggiore”.
Un testo scritto da Mitia Del Brocco che, ogni anno, unisce magistralmente tradizione e innovazione in costante equilibrio come in questo nuovo spettacolo, in cui il connubio fra i profumi del tradizionale cortile e le ispirazioni tratte dalla serie di enorme successo “Mare fuori” lasceranno sbalorditi, portando gli spettatori dentro a uno spettacolo divertente, brillante e spassoso come solo I LEGNANESI sanno fare!
La nuova storia della Famiglia Colombo, la più divertente d’Italia, sarà accompagnata da sfavillanti scenografie e maestosi quadri musicali curati da Enrico Dalceri, mentre la regia dello spettacolo, come da tradizione, sarà affidata all’indiscussa professionalità di Antonio Provasio.

TEATRO MANZONI: "DOVE ERAVAMO RIMASTI"

Attori: Massimo Lopez, Tullio Solenghi

Musica dal vivo: Orchestra Jazz Company

Date:   dal 19 dicembre al 1° gennaio

Massimo Lopez e Tullio Solenghi tornano insieme sul palcoscenico con un nuovo attesissimo show, Dove eravamo rimasti, uno spettacolo straordinario con momenti musicali coinvolgenti che delizieranno il pubblico ad ogni tappa della tournée. Il debutto a Ferrara del 10 novembre è stato accolto con un sold out e con grande calore dal pubblico.

Scritto da Lopez e Solenghi con Giorgio Cappozzo, lo spettacolo prodotto da International Music and Arts vede sul palco l’acclamato duo accompagnato dalla Jazz Company diretta dal Maestro Gabriele Comeglio. Un nuovo imperdibile appuntamento a teatro che, ancora una volta, porterà sul palco numeri e sketch di una delle coppie più amate del mondo dello spettacolo, per uno show come sempre all’insegna della grande comicità.

“La sensazione più esaltante del nostro ultimo spettacolo, “Massimo Lopez e Tullio Solenghi Show” è stata quella di avere di fronte a noi ogni sera non soltanto un pubblico empatico e festoso, ma una sorta di famiglia allargata,

dei veri e propri parenti che hanno condiviso alcuni momenti della nostra avventura scenica con frammenti della loro vita - dichiarano Massimo Lopez e Tullio Solenghi. “Ecco perché abbiamo voluto ripartire proprio da qui, non a caso l’abbiamo battezzato “Dove eravamo rimasti”. Questo nostro nuovo spettacolo proporrà numeri/sketch/brani musicali/contributi video, con alcuni picchi di comicità come una lectio magistralis di Sgarbi/Lopez, un affettuoso omaggio all’avanspettacolo e il confronto Mattarella/Bergoglio, inseriti nella nostra ormai collaudata dimensione dello Show. Il filo conduttore sarà quello di una chiacchierata tra amici, la famiglia allargata di cui sopra, che collegherà i vari momenti di spettacolo. La band del maestro Gabriele Comeglio sarà ancora una volta con noi sul palco, irrinunciabile “spalla” della cornice musicale. L’intento è quello di stupire ed emozionare ancora una volta quei meravigliosi “parenti” seduti giù in platea”.

Per San Silvestro sono previste 2 recite, alle ore 17,30 e alle ore 21,30. Al termine della recita delle 21,30, allo scoccare della mezzanotte, si brinderà al nuovo anno con spumante, panettone e un buffet di dolci insieme a Massimo Lopez e Tullio Solenghi.

TEATRO MANZONI: "LA STRANA COPPIA"

Autore: Neil Simon

Regia: Gianluca Guidi

Attori: Gianluca Guidi , Giampiero Ingrassia e con Giuseppe Cantore, Riccardo Graziosi, Rosario Petix, Simone Repetto

Date: dal 21 al 3 dicembre 2023

La strana coppia è un esempio di come Neil Simon – straordinario dialoghista e uomo con un senso dell’umorismo impareggiabile – riesca sempre a trovare quel pizzico di simpatica follia nella vita di tutti i giorni. Si alza il sipario su un appartamento intriso di fumo, siamo a Manhattan negli anni ’60. L’appartamento, sporco e disordinato, appartiene a Oscar, che dopo il divorzio l’ha lasciato andare in rovina. Quando Oscar invita il maniacale e ordinato amico Felix, appena cacciato dalla moglie, a convivere con lui, la casa diventa un campo di battaglia tra due personalità diametralmente opposte. Il tutto ci porterà a riflettere su quanto stretto contatto personale possa sopportare un’amicizia. Il loro incontro-scontro quotidiano garantirà sicuro divertimento in questa nuova versione teatrale proposta ed interpretata dalla collaudata e vivace coppia Giampiero Ingrassia e Gianluca Guidi, quest’ultimo in veste anche di regista.

TEATRO CARCANO: "FERDINANDO"

Regia: Arturo Cirillo

Attori: con Arturo Cirillo, Sabrina Scuccimarra

Date: dal 16 al 19 novembre 2023

Arturo Cirillo riporta in scena FERDINANDO, capolavoro della drammaturgia di Annibale Ruccello (1956-1986). Con questo allestimento, Arturo Cirillo, dopo le fortunate prove dello stesso autore Le cinque rose di Jennifer e L’ereditiera (Premio Ubu), firma un altro classico e allo stesso tempo contemporaneo capolavoro.

Agosto 1870: il Regno delle Due Sicilie è caduto e la baronessa borbonica Donna Clotilde nella sua villa vesuviana si è “ammalata” di disprezzo per il re sabaudo e per l’Italia piccolo-borghese nata dalla recente unificazione. A fare da infermiera all’ipocondriaca nobildonna è Gesualda, cugina povera e inacidita dal nubilato, ma segreta amante di Don Catellino, prete di famiglia corrotto e vizioso. I giorni passano tutti uguali, tra pasticche, decotti, rancori e bugie. A sconvolgere lo stagnante equilibrio domestico è l’arrivo di un sedicenne dalla bellezza efebica che, rimasto orfano, viene mandato a vivere da Donna Clotilde, di cui risulta essere un lontano nipote. Sarà lui a gettare lo scompiglio nella casa, riaccendendo passioni sopite e smascherando vecchi delitti. Ma chi è davvero Ferdinando?

Dalle note di regia di Arturo Cirillo

Logica ed inconsueta, allo stesso tempo, mi appare la mia decisione di portare in scena Ferdinando di Annibale Ruccello. Logica perché riconosco in Ruccello un mio autore, un autore sul quale sono tornato più volte, e con spettacoli per me importanti. Ma la scelta mi appare anche inconsueta, poiché per me Ferdinando è sempre stato legato allo spettacolo che curò l'autore stesso (nonché primo interprete del ruolo di Don Catellino), che ha girato per molti anni tutta l'Italia avvalendosi della grande interpretazione di Isa Danieli.

Inoltre per me il testo è sempre apparso molto diverso da tutti gli altri di Ruccello, un testo più realistico, storico, un dramma con una struttura classica. Il desiderio per un inafferrabile adolescente, nato da un inconsolabile bisogno d'amore, matura nella mente di tre personaggi disperati (Donna Clotilde, Donna Gesualda e Don Catello), prigionieri della propria solitudine, esacerbati dall'abitudine. Allora tutto l'aspetto storico mi è apparso una finzione, un teatro della crudeltà mascherato da dramma borghese, in cui anche la lingua, il fantomatico napoletano in cui si sostanzia Donna Clotilde, è esso stesso lingua di scena, lingua di rappresentazione, non meno del tanto "schifato" italiano.

Una scena composta da un unico grande drappo che scende dall'alto e contiene il luogo dell'azione, un luogo claustrofobico in cui convivono tutti i personaggi, che vediamo spogliarsi, rivestirsi, incontrarsi (come in un film di Luis Bunuel). Personaggi rinchiusi in abiti scuri, monacali e preteschi, per devozione o lutto, ma forse solo per difesa. Illuminati da luci rivelatrici, come in un miracolo pagano, dove l'intimità delle note di un pianoforte convivono con quelle sontuose e barocche di un organo.

Poi c'è Ferdinando, ragazzino normale di un tempo presente, portatore solo del proprio corpo giovane sul quale gli altri tre personaggi, di questo quartetto, disegnano le proprie visioni e i propri desideri. Trascendendo dalla persona in sé, come spesso avviene nell'innamoramento, si ingannano e si lasciano ingannare. Dopo gli resta solo la constatazione del proprio fallimento e della propria folle e disperata solitudine, in un luogo spettrale abitato dai morti e dai ricordi.

Mi pare che con Ferdinando, ancora una volta e ancora di più, Ruccello faccia fuori i generi, sessuali e spettacolari, per mettere in scena l’ambiguo e il sortilegio -.

TEATRO MENOTTI:   "IL COMPLEANNO"

Autore: Harold Pinter

Regia: Peter Stein

Attori: Maddalena Crippa

Date: dal 9 al 19 novembre

Il Compleanno, una delle opere di maggior successo del premio Nobel Harold Pinter, nella versione firmata da Peter Stein, tra i massimi registi della scena contemporanea a livello mondiale, torna in scena al Teatro Menotti dopo una trionfale tournee in tutta Italia. La vicenda de Il Compleanno parte da una situazione apparentemente innocua per poi sfociare nell’inverosimile per via dei suoi personaggi. Individui paurosi, isolati dal mondo in uno spazio ristretto, infelici ma al sicuro fin quando non arriva qualcosa o qualcuno a scuotere il loro pertugio e a rappresentare una minaccia. Un teatro che mette in scena individui soffocati dalla repressione, spesso neanche consapevoli della loro condizione, anzi convinti di essere in effetti uomini totalmente liberi. 

TEATRO MANZONI: "TRAPPOLA per TOPI"

Autore: Agatha Crhistie

Regia: Giorgio Gallione

Attori: Claudia Campagnola, Dario Merlini, Stefano Annoni, Maria Lauria, Marco Casazza, Tommaso Cardarelli, Raffaella Anzalone

Date: dal 7 al 19 novembre

Il 25 novembre 1952, all’Ambassadors Theatre di Londra andava in scena per la prima volta Trappola per topi di Agatha Christie. Da allora, per 70 anni ininterrottamente, il sipario si è alzato su questa commedia “gialla” senza tempo e di straordinaria efficacia scenica. Trappola per topi ha un plot ferreo ed incalzante, è impregnata di suspense ed ironia, ed è abitata da personaggi che non sono mai solo silhouette o stereotipi di genere, ma creature bizzarre ed ambigue al punto giusto per stimolare e permettere una messa in scena non polverosa o di cliché. Nonostante l’ambientazione d’epoca e tipicamente british, il racconto e la trama possono essere vissuti come contemporanei. I personaggi di Trappola nascono nella loro epoca, ma sono vivi e rappresentabili oggi, perché i conflitti, le
ferite esistenziali, i segreti che ognuno di loro esplicita o nasconde sono quelli dell’uomo contemporaneo, dell’io diviso, della pazzia inconsapevole. Lo si potrà dimostrare grazie alla potenza senza tempo di Agatha Christie, ma anche e soprattutto con il talento e l’adesione di una compagnia di artisti, guidata da Lodo Guenzi, che gioca seriamente con un’opera precisa come una filigrana, che però lascia spazio all’invenzione e alla sorpresa.

TEATRO CARCANO:      "MARIA STUARDA"

Regia:Davide Livermore

Attori:Laura Marinoni, Elisabetta Pozzi:

Date: dal 8 al 12 novembre 2023

Stuarda, capolavoro di Friedrich Schiller del 1800, racconta il confronto serrato e tragico tra Maria Stuart, cattolica regina di Scozia, e la protestante Elisabetta I. In gioco c’è la corona d’Inghilterra e lo scontro sarà implacabile: politica, religione, potere, intrighi e passioni si mescolano in questo violento affresco storico, che Davide Livermore ambienta in una scena astratta, dominata da una grande scalinata: sarà corte, prigione, parco, lo spazio in cui i due opposti si specchiano e si fondono.

Al cuore della pièce c’è il rapporto tra donne e potere: Elisabetta è costretta a mascolinizzarsi per governare e per non perdere la sfida con la sua rivale, che invece fa una scelta opposta.

Due regine del teatro italiano come Laura Marinoni ed Elisabetta Pozzi (in rigoroso

TEATRO MANZONI: "TESTIMONE d'ACCUSA"

Autore: Agatha Christie

Regia: Geppy Gleijeses

Attori: Vanessa Gravina, Giulio Corso, Paolo Triestino

Date: dal 17 al 29 ottobre

Esiste la “commedia perfetta”? Forse sì. Secondo alcuni critici è “Il matrimonio di Figaro” di Beaumarchais, secondo altri è “L’importanza di chiamarsi Ernesto” di Oscar Wilde. Sul più bel dramma giudiziario però non ci sono dubbi: “Testimone d’accusa” di Agatha Christie. Il gioco non verte tanto sulla psicologia dei personaggi (ci aggiriamo tra simulatori occulti, assassini, grandi avvocati) quanto sulla PERFEZIONE del meccanismo. È infernale questo meccanismo, con un colpo di scena dopo l’altro, in un crescendo raveliano, una battuta dopo l’altra. E la costruzione “giudiziaria”? Impressionante per precisione e verità, come se l’avesse scritta il più grande giudice inglese del secolo scorso. Lo spunto, come spesso accade nelle opere della Christie, parte dalla storia di una donna tradita dal marito più giovane; ed è uno spunto autobiografico. L’autrice fu tradita dal primo marito (di cui però portò sempre il cognome) e sposò poi un uomo molto più giovane di lei. Ma bastasse questo… Il film capolavoro che ne trasse Billy Wilder era assai liberamente tratto -la Christie lo considerava il miglior adattamento cinematografico della sua opera-. Il testo teatrale è assai più asciutto, non concede tregua alla tensione, affonda come una lama di coltello affilatissima (letteralmente) nella schiena di chi osserva. Considerare la “maestra del brivido” un’autrice di consumo è come valutare Hitchcock un cineasta di serie B. Agatha è un genio e tale per sempre resterà. E qui, più che in Trappola per topi, più che in Dieci piccoli indiani questo diamante luccica in tutto il suo splendore. Naturalmente metterlo in scena richiede un cast di livello superiore e un realismo (non certo naturalismo) rigidissimi. E una dovizia di mezzi scenografici e recitativi. Io l’ho messo in scena con Paolo Triestino, serio attore di lungo corso, con Vanessa Gravina, bella, bravissima e impossibile, Giulio Corso, uno dei migliori dell’ultima generazione, e altri 9 attori, tutti perfettamente aderenti ai ruoli. Per chiudere (ed essere più chiaro) vi anticiperò due particolari: in scena avremo lo stenografo che scriverà -con il particolare ticchettio- tutti i verbali del processo su una macchina stenografica autentica del 1948 (la commedia è del ‘53), i sei giurati saranno scelti tra il pubblico sera per sera, e chiamati a giurare e ad emettere il verdetto.

Buoni brividi a tutti!
                                                                 Geppy Gleijeses

TEATRO MENOTTI - SPAZIO ATELIER

MUSICA DA RIPOSTIGLIO CON FABRIZIO MELONI - dalla SCALA al RIPOSTIGLIO (17 Giugno)

Ultimo appuntamento della rassegna di musica nello spazio Atelier del Teatro Menotti a cura del virtuoso Danilo Rossi a cui si deve l’incontro tra uno dei massimi esponenti del concertismo internazionale Fabrizio Meloni, Primo clarinetto solista dell’Orchestra della Scala e la Musica da Ripostiglio, band crossover presente in diverse produzioni del Teatro Menotti e attiva da oltre 25 anni nei più importanti teatri italiani.

Una prima assoluta e imperdibile, nata in occasione degli appuntamenti musicali del Teatro Menotti. Una scaletta dissacrante, ironica e musicalmente geniale. Un programma impossibile da prevedere, certamente straordinario da ascoltare.

Un incontro unico tra formidabili artisti di formazione musicale diversa, uno spettacolo pieno di sorprese, in cui la musica classica incontrerà i ritmi latini e le note klezmer.

Fabrizio Melloni, Primo clarinetto solista dell’Orchestra del Teatro e della Filarmonica della Scala dal 1984. Vincitore di Concorsi Nazionali ed Internazionali (Primavera di Praga, Monaco), ha collaborato con solisti di fama internazionale quali: Canino, Lonquich, Campanella, H. Schiff, Gulda, Gruberova, Brunello, il Quartetto Hagen, Myung-Whun Chung, il M° Muti nella veste straordinaria di pianista. Ha effettuato

tournè negli Stati Uniti e in Israele con il Quintetto a Fiati Italiano eseguendo brani dedicati a questa formazione da Berio, Sciarrino e Mascagni. Ha all’attivo diverse incisioni: Mozart (Sinfonia Concertante), Mozart-Brahms (Quintetti per clarinetto e archi), Schubert, Schumann, Mendelssohn, Beethoven... Mozart Concerto per clarinetto e Orchestra K 622 con l’Orchestra Filarmonica della Scala diretta dal M° Muti. Fondatore del Duo Obliquo con il compositore, pianista e percussionista Carlo Boccadoro. È docente dei corsi di perfezionamento (Pavia “Accademia Rolla”, Asolo Musica, Porto S. Giorgio, Bertinoro, Festival Gargano e dell’Accademia Teatro alla Scala).

Si chiamano Musica da Ripostiglio, perché “da camera” gli sembrava eccessivo. Sono in quattro e danno spettacolo, facendo divertire il pubblico con un repertorio a metà strada tra lo scanzonato e l’impegnato, tra l’inedito e il citato. L’ironia non fa difetto a questo gruppo nato dal ventennale sodalizio artistico tra il cantautore Luca Pirozzi e il chitarrista Luca Giacomelli, a cui si sono aggiunti Raffaele Toninelli al contrabbasso ed Emanuele Pellegrini alla batteria e alle percussioni. Una singolare proposta, quella dei Musica da Ripostiglio che spazia tra canzoni originali e classici italiani (Conte, Carosone, Celentano), in un’atmosfera tipicamente retrò in cui lo swing dei primi anni del ‘900, si tinge di influenze gitane e francesi, confluisce in sirtaki greci, fino ad impregnarsi di profumi tangheggianti, walzer e boleri, con

accurato lavoro sui testi, originali e irriverenti. I Musica da Ripostiglio divertono, improvvisano, con freschezza e semplicità, con una proposta emozionante e originale, in grado di coinvolgere un pubblico di tutte le eta'.

Un gruppo, che sin dalla propria nascita ha stretto legami col mondo del teatro, in particolare con attori quali Pierfrancesco Favino, Paolo Sassanelli, Rocco Papaleo, Mariangela D’Abbraccio, Sergio Rubini, Alessandro Haber, Giovanni Veronesi, che hanno voluto le loro musiche nei propri spettacoli.

Teatro Lirico 'Giorgio Gaber''Musical Square'

Giovedì 8 Giugno 2023 alle ore 20.00 l’Orchestra Filarmonica Campana diretta dal M° Giulio Marazia debutterà a Milano nel prestigioso Teatro Lirico Giorgio Gaber per il Festival Musical
Square con il concerto Nobiltà e Aristocrazia. In programma musiche di Edward Elgar, Frederic Chopin e Francesco Paolo Tosti. La rassegna è curata dal direttore artistico M° Giuliano De Angelis
con la sinergia del responsabile del comparto musica classica del Teatro Lirico Roberto Favaro e il coordinamento artistico della violinista russa Yulia Berinskaya.
Il concerto si apre con la Serenata per archi in mi minore op. 20 di Edward Elgar, considerato tra i compositori inglesi più rappresentativi del periodo tardoromantico e molto sensibile alle influenze del sinfonismo di derivazione tedesca. Il lavoro è contraddistinto da un cordiale e affettuoso lirismo, rivelatore di uno stile creativo dai gusti raffinati e aristocratici, nel contesto di un discorso fluido scorrevole e secondo un tipo di scrittura formalmente chiara e sentimentalmente comunicativa.
A seguire il concerto per pianoforte e orchestra in fa minore n. 2 op. 21 di Frederic Chopin, nella versione cameristica per archi e pianoforte. Scritto durante il periodo giovanile, prima di lasciare Varsavia, sotto l'influenza d'un ambiente musicale un po' provinciale e superficiale, che nel concerto vedeva soltanto l'occasione in cui un solista di cartello poteva esibire il suo scintillante virtuosismo e la sua accattivante cantabilità. Dunque non c'è da meravigliarsi se i temi e l'architettura di questo concerto recano tracce di questo tipo di concertismo: tuttavia il non ancora ventenne compositore lascia emergere anche in questi lavori giovanili più d'una anticipazione della sua scrittura pianistica, del suo fascino di natura nobile e melodico e del suo colorito armonico, inconfondibili. Il concerto sarà interpretato dalla giovane Giulia Falzarano, per la prima volta tra i solisti dell’OFC. Chiudono il concerto le liriche da camera di Francesco Paolo Tosti, Non T’amo più, Malia e A’ Vucchell, nella versione per voce e archi e interpretate dal soprano Giusy Luana Lombardi. Tosti è stato un compositore divenuto celeberrimo per le sue liriche da camera, nonché protagonista dei più importanti salotti artistici dell’epoca e insegnante di canto della principessa Margherita di Savoia. Le sue romanze di gusto raffinato, espressione di un'epoca e di una società, gli diedero fama europea.
Sul podio dell’orchestra il direttore musicale Giulio Marazia. Ha studiato corno, pianoforte, didattica della musica, composizione e direzione d’orchestra presso i Conservatori di Salerno, Bari e Milano, dove si è laureato con il massimo dei voti. Fra i suoi insegnanti Nicola Samale, Piero Bellugi, Vittorio Parisi, Gianluigi Gelmetti e Paolo Arrivabeni. Fra le orchestre dirette: Pomeriggi Musicali, Orchestra del Conservatorio di Milano, Brooklyn Chamber Orchestra, Opera Royal de Wallonie, Venice Chamber Orchestra, Orchestra Filarmonica Pugliese, Orchestra Pergolesi, Israeli Moshavot Chamber Orchestra, Orchestra Sinfonica di Asti, Orchestra Conservatorio di Foggia, Orquestra Simfonica Julia Carbonell de Lleida, Kodaly Philarmonic Orchestra, Orquestra Sinfonica do Teatro Nacional Claudio Santoro di Brasilia.

Info: www.musicalsquare.it

TEATRO LIRICO - GIORGIO GABER

    "Musical Square' con Chapliniana"         (27 maggio)

Il linguaggio del cinema che si fonde con quello della musica in una sorprendente narrazione. Dopo l’ampio successo delle date di Monza e Sondrio, sabato 27 maggio al Teatro Lirico Giorgio Gaber di Milano per il Festival Musical Square (ideato e diretto dal musicista Giuliano De Angelis, violoncellista e solista internazionale) va in scena con i filmati del Fondo Chaplin restaurati dalla Cineteca di Bologna, il cine-concerto intitolato Chapliniana, volto ad avvicinare il pubblico adulto e quello più giovane al mondo del cinema con la riscoperta di pellicole storiche dalla forte valenza sociale. In Chapliniana i più divertenti cortometraggi di e con Charlie Chaplin e Mabel Normand sono riproposti con le musiche originali di Rossella Spinosa, tra le più affermate compositrici per il cinema muto a livello internazionale, con all’attivo commissioni da importanti orchestre e la scrittura delle musiche per oltre un centinaio di pellicole storiche che hanno riscosso grandi apprezzamenti dal pubblico e dalla critica di settore. Le musiche di Rossella Spinosa sono eseguite dal vivo dall’Orchestra di Bellagio e del Lago di Como, con Rossella Spinosa al pianoforte e Alessandro Calcagnile alla direzione.

“Musicare i film comici ma, ancor di più, i film con e di Charlie Chaplin - dichiara Rossella Spinosa - implica un impegno importante dal punto di vista compositivo, poiché non si può non tener conto dell’aspettativa anche “musicale” del pubblico. Il lavoro che ho affrontato ha cercato di mettere insieme la mia personale ricerca con un imprinting sonoro di richiamo filologico, scegliendo anche di lavorare in modo accurato sulla timbrica strumentale. Ecco perché un organico come quello prescelto, con archi, percussioni e pianoforte. La stessa partitura di The Vagabond – realizzata in prima per pianoforte e orchestra sinfonica per l’anniversario dei 100 anni di Charlot su commissione del Teatro Vittorio Emanuele di Messina – sarà qui riproposta in una versione nuova proprio per l’organico predetto, in modo da garantire una omogeneità timbrica all’intera produzione. La presenza sia all’interno di una manifestazione cinematografica importante come il Lecco Film Fest sia di sale prestigiose come quelle che ci ospiteranno, rappresenta una importante occasione per un’operazione di divulgazione – ma insieme di sperimentazione musicale – davvero rilevante. Sono realmente felice di poter essere l’anima compositiva di questa kermesse”.

Lo spazio principale nello spettacolo è riservato al film The Vagabond (Il Vagabondo), cortometraggio del 1916 interpretato, diretto e prodotto da Charlie Chaplin, dove appare definitivamente quello Charlot che sarà protagonista dei celebri The Kid e The Circus. Al fianco di Chaplin, sullo schermo e dietro le quinte troveremo poi Mabel Normand, sceneggiatrice e regista di comiche cinematografiche, autrice di divertenti cortometraggi di grande successo.

In un inarrestabile susseguirsi di memorie e sorprese che combinano sogno e verità, lo spettacolo, grazie alle musiche di Rossella Spinosa che con tecnica e sensibilità trascinano nel divertente e commovente mondo di Charlot, consente di riscoprire capitoli cinematografici che hanno segnato l’immaginario di inizio Novecento. Un viaggio tra suoni e visioni guidati da eterogenee atmosfere sonore e dalle indimenticabili inventive dei due straordinari protagonisti, Charlie Chaplin e Mabel Normand, “La Charlot femmina”, regina indiscussa della commedia durante gli anni pionieristici del cinema muto.

TEATRO MANZONI: "L'Erba del vicino è sempre più verde"

Scritto e diretto da Carlo Buccirosso

Attori: Mario Martusciello - Carlo Buccirosso
Fabrizio Miano, Donatella de Felice
Peppe Miale, Elvira Zingone, Maria Bolignano

Date: dal 2 al 14 maggio 2023

Mario Martusciello, funzionario benestante di banca, da tempo in aperta burrascosa crisi matrimoniale con sua moglie, si è rifugiato da alcuni mesi in un moderno monolocale, vivendo un momento di profonda depressione, insoddisfatto del proprio tenore di vita, delle proprie ambizioni, delle proprie scelte, delle proprie amicizie, e non di meno di sua sorella, rea di preoccuparsi eccessivamente del suo inaspettato isolamento. In continua spasmodica ricerca di libertà, di cambiamenti, di nuove esperienze di vita e di un’apertura mentale che gli è sempre stata ostacolata dai sensi di inferiorità e dalla mancanza di spregiudicatezza, Mario guarda il mondo e le persone che lo circondano alla stessa stregua di un fanciullo smanioso di cimentarsi con le attrazioni più insidiose di un immenso parco giochi, cui non ha mai avuto l’opportunità di poter accedere… Ed è così che pervaso dall’adrenalina della novità, dall’eccitazione del rischio, nonché dalla paura dell’ignoto, si ritroverà presto soggiogato dalla sindrome dell’”Erba del vicino”, ovverosia dalla sopravvalutazione di tutto quanto non gli appartenga, di ogni essere umano diverso da sé stesso, di qualsiasi tipo di emozione possa procurargli una donna che non sia uguale a sua moglie, come “una giovane avvenente influencer” conosciuta solo per caso… il tutto accompagnato da un senso di autocommiserazione e da un’ammirazione spropositata verso chi nella vita ha saputo guadagnarsi, con grande fortuna, soldi e successo a sbafo, a discapito suo che mai ha avuto il fegato di osare, né di cambiare modo di essere pur di raggiungere qualcosa d’importante… È

allora che quel senso di attrazione verso chi è diverso da te, che riesce in tutto più di te, e che sa essere quello che giocoforza non sei mai stato tu, potrebbe anche trasformarsi in un’irrefrenabile follia omicida, e a quel punto... sotto a chi tocca!

In un simile spiazzante panorama, chiunque avesse la malaugurata idea di suonare alla porta di casa Martusciello per qualsivoglia motivo, come per la consegna della ordinazione del giapponese o di un pacco postale, o peggio ancora per uno sventurato errore domiciliare, si troverebbe invischiato in una situazione non facilmente gestibile, con l’arduo compito poi di tentare di uscire dall’appartamento in tempi brevi, e possibilmente nelle migliori condizioni di salute!... In definitiva, “l’erba del vicino” sarà pure più verde di quella dell’altro, ma ciò che conta è che non si macchi di rosso “sangue”… E se invece fosse proprio il vicino di casa in carne ed ossa, a sfidare la sorte suonando alla porta dell’appartamento di Mario, magari solo per chiedere la cortesia di qualche foglia di prezzemolo, cambierebbe qualcosa al finale della nostra vicenda?...                                 Carlo Buccirosso

TEATRO SAN BABILA:   "L'AVARO"

dal 14 al 16 aprile

Autore: Molière

Regia: Andrea Buscemi

Attori: Andrea Buscemi – Eva Robin.s

Livia Castellana, - Francesco Tammacco

Pantzleo Annese- Martina Benedetti- Nicola Fanucchi, Rebecca Fanucchi

Musiche originali Niccolò Buscemi

Ruolo da sempre ambìto dagli attori di ogni latitudine, il vecchio Arpagone è uno dei personaggi più famosi del teatro di tutti i tempi. Per disegnare un personaggio divenuto di fatto leggendario, Molière non ha fatto altro che prendere il tema già trattato da Plauto nell'Aulularia, che è il racconto di un vizio, sviluppandolo attraverso il suo vertiginoso talento drammaturgico.

L'avaro è un maniacale risparmiatore, patologicamente attaccato al possesso fisico, quasi carnale, dell'oro, e si priva di tutto pur di accumulare danaro, per cui non si fa scrupoli a praticare anche l'usura.

Costringe a vita grama sé stesso e la sua famiglia e chi vi ruota attorno, lesinando su tutto e concentrando la propria attenzione e il proprio sentimento solo sui denari nascosti in giardino. Nonostante la sua maniacale taccagneria, i buchi indecorosi nelle livree dei servi, i cavalli che rischiano di morire di fame, nonché l'età avanzata, ha pure velleità matrimoniali e mette gli occhi su una giovane vicina di casa, già amata dal figlio.

La circostanza sarà il pretesto per Molière per narrare una storia divertente e profondamente significativa, nella quale costringerà il vecchio taccagno a sacrificare l'intera sua tranquillità al fallace mito della ricchezza.

MARZO 2023

TEATRO CARCANO: "Dio è morto e neanch’io mi sento tanto bene"

dal 30 marzo

prodotto da International Music and Arts.

Sul palcoscenico lo straordinario Tullio Solenghi, che ci diletta con la lettura di alcuni tra i brani più significativi e spassosi tratti dai libri di Woody Allen, coniugandoli con le musiche che hanno caratterizzato i suoi film più significativi, eseguite dal maestro Alessandro Nidi e dal suo Ensemble.

Si passerà così dai “Racconti Hassidici” alla parodia delle Sacre Scritture tratti da “Saperla Lunga” allo spassoso “Bestiario” tratto da “Citarsi Addosso”, intervallati da brani di George Gershwin, Tommy Dorsey, Dave Brubeck, con uno speciale omaggio al mentore di Woody, il sommo “Groucho Marx”, evocato dalla musica Klezmer.

Una serata in cui, in rapida carrellata, si alterneranno suoni e voci, musica e racconto in un’alternanza di primi piani a comporre un “montaggio” divertente e ipnotico.

Teatro Franco Parenti: “Coppie e doppi”

“Coppie e doppi” è il lavoro che la bravissima Anna Galiena porta in scena al Teatro Franco Parenti dal 26 marzo al 6 aprile; il testo è frutto delle sue traduzioni e adattamenti di dialoghi scelti da ben sei opere di Shakespeare, ossia Riccardo III, Romeo e Giulietta, Macbeth, Amleto,

Sogno di una notte di mezza estate, Otello. L’attrice si sdoppia più volte interpretando dunque una dozzina di personaggi e dando vita a scene che hanno come filo conduttore i sentimenti e le emozioni, il male e l’oscuro dell’uomo, l’intreccio tra amore e morte, tra potere e possesso, tra saggezza e follia. Gli spettatori assistono non solo a sdoppiamenti dialogici, ma anche a vere trasmutazioni della Galiena, che sul palcoscenico passa dalla figura sciancata e feroce di Riccardo III a quella dolcissima e delicata di Giulietta, dalla fragile Ofelia alla regina delle fate Titania che, vittima di un incantesimo, ama l’orribile Bottom dalla testa d’asino. Uno spettacolo intenso e impegnativo, un “teatro nel teatro”, che sa richiamare con intelligenza la profonda indagine shakespeariana sull’umanità e le sue passioni. Da vedere.

Milano, 31 marzo 2023 Anna Busca

TEATRO MANZONI: "LA DOLCE ALA DELLA GIOVINEZZA"

dal 21 marzo al 2 aprile

di TENNESSEE WILLIAMS

Regia, scene e costumi di PIER LUIGI PIZZI

con ELENA SOFIA RICCI, Gabriele Anagni

La proposta del Teatro della Toscana e di Mariano Anagni di pensare ad un progetto di regia per LA DOLCE ALA DELLA GIOVINEZZA, è stato di grande stimolo e dopo un'attenta lettura, ho accettato, forte del fatto che avrei avuto la presenza nel cast, di Elena Sofia Ricci, nel ruolo della protagonista.

Come d'abitudine il mio progetto comprende l'ambientazione e i vestiti. Williams ha una straordinaria abilità a costruire personaggi femminili al limite del delirio, sul bordo dell'abisso. Alexandra del Lago, star del cinema in declino, non più giovanissima, alcolizzata e depressa, in fuga da quello che crede un insuccesso del suo ultimo film, cerca un rimedio alla solitudine nelle braccia di un gigolò, giovane e bello, un attore fallito in cerca di rilancio, ma destinato ad una triste fine, una volta che ha perduto il suo unico bene, la gioventù. Ma Williams, da grande drammaturgo è capace sempre di stupirci, sovvertendo genialmente il destino della nostra eroina.

Appunti di Pier Luigi Pizzi

Teatro Menotti: "ANFITRIONE "

Regia e drammaturgia Teresa Ludovico
Musiche M° Michele Jamil Marzella
Eseguite dal vivo da M° Francesco Ludovico
Spazio scenico e luci Vincent Longuemare

Con Michele Cipriani, Irene Grasso, Demi Licata, Alessandro Lussiana, Michele Schiano di Cola, Giovanni Serratore

Dall’antica Tebe a un Sud bollente e schizofrenico, per raccontare un tema contemporaneo nel 206 a.C come ai giorni nostri: il rapporto tra identità e ruolo sociale. È il fil rouge da cui muovevano le vicende di un doppio mondo - umano e divino - nell’Amphitruo di Plauto; in scena al Teatro Menotti il 21 e 22 marzo.

Nella pièce, Giove, dopo essersi trasformato nelle più svariate forme, decide per la prima volta di camuffarsi da uomo, assume le sembianze di Anfitrione e lo allontana da casa per giacere con sua moglie Alcmena, e generare con lei Ercole, il semidio… Da questo preambolo si generano le domande che, come 2000 anni fa

nell’opera del commediografo latino, emergono in scena: chi sono io se non sono io? Quando guardo il mio uguale a me, vedo il mio aspetto, tale e quale, non c’è nulla di più simile a me! Io sono quello che sono sempre stato? Dov’è che sono morto? Dove l’ho perduta la mia persona? Il mio me può essere che io l’abbia lasciato? Che io mi sia dimenticato? Chi è più disgraziato di me? Nessuno mi riconosce più e tutti mi sbeffeggiano a piacere. Non so più chi sono!

E così, con un gioco vorticoso di scambi, di scherzi, di falsi e di malintesi, emerge il duello tra identità e ruolo sociale, nel caos di una coralità multiforme composta dai sei attori in scena - Michele Cipriani, Irene Grasso, Demi Licata, Alessandro Lussiana, Michele Schiano di Cola e Giovanni Serratore - che si muovono sul palco guidati dalle musiche del maestro Michele Jamil Marzella e dalle coreografie di Elisabetta Di Terlizzi. Non a caso fu proprio Plauto a inventare il termine ‘sosia’, non nell’accezione moderna di persone con grande somiglianza fisica, ma in quella di appropriazione dell’identità grazie alla persuasione e all’inganno. Lo spazio scenico e le luci sono curati da Vincent Longuemare.

Chi sono io se non sono io? Quando guardo il mio uguale a me, vedo il mio aspetto, tale e quale, non c’è nulla di più simile a me! Io sono quello che sono sempre stato? Dov’è che sono morto? Dove l’ho perduta la mia persona? Il mio me può essere che io l’abbia lasciato? Che io mi sia dimenticato? Chi è più disgraziato di me? Nessuno mi riconosce più e tutti mi sbeffeggiano a piacere. Non so più chi sono!

Queste sono alcune delle domande che tormentano sia i protagonisti dell’Anfitrione, scritto da Plauto più di 2000 anni fa, che molti di noi oggi. Il doppio, la costruzione di un’identità fittizia, il furto dell’identità, la perdita dell’identità garantita da un ruolo sociale, sono i temi che Plauto ci consegna in una forma nuova, da lui definita tragicommedia, perché gli accadimenti riguardano dei, padroni e schiavi. In essa il sommo Giove, dopo essersi trasformato nelle più svariate forme animali, vegetali, naturali, decide, per la prima volta, di camuffarsi da uomo. Assume le sembianze di Anfitrione, lontano da casa, per potersi accoppiare con sua moglie, la bella Alcmena, e generare con lei il semidio Ercole. Giove-

Anfitrione durante la notte d’amore, lunga come tre notti, racconta ad Alcmena, come se li avesse vissuti personalmente, episodi del viaggio di Anfitrione. Durante il racconto il dio provò, per la prima volta, un’ilarità che poi si premurò di lasciare in dono agli uomini. “Abbandonato il regno delle metamorfosi, si entrava in quello della contraffazione” Incipit Comoedia (R. Calasso). “Aprite gli occhi spettatori, ne vale la pena: Giove e Mercurio fanno la commedia, qui” (Plauto). Da quel momento nelle rappresentazioni teatrali il comico e il tremendo avrebbero convissuto e avrebbero specchiato le nostre vite mortali e imperfette. Dopo Plauto in tanti hanno riscritto l’Anfitrione e ciascuno l’ha fatto cercando di ascoltare gli stimoli e le inquietudini del proprio tempo. Ho provato a farlo anch’io.

Teresa Ludovico

TEATRO REPOWER: "Compagnia della Rancia nuove audizioni per GREASE"

Compagnia della Rancia annuncia audizioni per ruoli e ensemble per il musical GREASE per la stagione 2023/2024.

Le selezioni si terranno al Teatro Repower di Milano i prossimi 17 e 18 aprile; tutte le informazioni e il form per le iscrizioni sono disponibili on line all’indirizzo www.compagniadellarancia.it/audizioni

GREASE, il musical di Jim Jacobs e Warren Casey con la regia di Saverio Marconi è un classico con lo stile di oggi che continua a unire le generazioni in una festa a teatro; dal febbraio 2022, il musical – che dopo Milano (fino al 19 marzo al Teatro Repower) continuerà il fortunato tour fino al 2 aprile tornando in scena a grande richiesta anche a Firenze (Teatro Verdi) e Genova (Politeama Genovese) e ripartirà nuovamente a inizio 2024 - ha collezionato più di 80 repliche tutte sold out per più di 100.000 spettatori, raggiungendo quota 2.000.000 complessivi dal debutto nel 1997.

TEATRO REPOWER: "GREASE"

dal 2 al 19 marzo
DI JIM JACOBS E WARREN CASEY
REGIA SAVERIO MARCONI

La GREASEMANIA è inarrestabile! Il Teatro Repower, anche nella stagione 2022/2023 ospita GREASE, il musical di Jim Jacobs e Warren Casey, prodotto in Italia da Compagnia della Rancia con la regia di Saverio Marconi. Un classico con lo stile di oggi, che unisce le generazioni, e che rappresenta un appuntamento fisso a grande richiesta nei cartelloni del Teatro Repower, dove ha collezionato, dall’inaugurazione nel 2003, 320.000 spettatori, risultando lo spettacolo più applaudito. La Greasemania è inarrestabile e torna a Milano dopo sold-out in quasi tutte le regioni italiane, in un tour senza soluzione di continuità da febbraio 2022, e 80.000 spettatori che hanno condiviso il loro entusiasmo sui canali social della Compagnia della Rancia commentando “Coinvolgenti, emozionanti, travolgenti!”, “Anni fa sono venuta con le amiche e ieri sera ho portato tutta la famiglia”, “Strepitosi! Grazie per le emozioni e la carica meravigliosa che mi avete dato!”, “Un pomeriggio indimenticabile per tutta la famiglia!”. GREASE Il Musical è una magia coloratissima e luminosa, una festa da condividere con amici e famiglie senza riuscire a restare fermi sulle poltrone ma scatenarsi a ballare sulle note della famosissima colonna sonora: un fenomeno “pop” che conquista tutti grazie a un gruppo di giovani performer pieni di talento ed energia. Protagonisti Simone Sassudelli nel ruolo di Danny Zuko e Francesca Ciavaglia in quello di Sandy, reso indimenticabile da Olivia Newton-John, recentemente scomparsa; insieme a loro l’esplosivo Kenickie (Giorgio Camandona), la ribelle e spigolosa Rizzo (Gea Andreotti), Miss Lynch (Elena Nieri), i T-Birds, le Pink Ladies, gli studenti dell’high school più celebre e un particolarissimo angelo rock. GREASE Il Musical è una macchina da applausi che, dal 1997, ha cambiato il modo di vivere l’esperienza di andare a teatro; un inno all'amicizia, agli amori indimenticabili e assoluti dell'adolescenza, oltre che a un'epoca - gli anni '50 – che oggi come allora rappresentano il simbolo di un mondo spensierato e di una fiducia incrollabile nel futuro. Si vedono tra il pubblico scatenarsi insieme almeno tre generazioni, ognuna innamorata di GREASE per un motivo differente: la nostalgia del mondo perfetto degli anni Cinquanta, i ricordi legati al film campione di incassi del 1978 con John Travolta e Olivia Newton-John e alle indimenticabili canzoni, l’immedesimazione in una storia d’amore senza tempo, tra ciuffi ribelli modellati con la brillantina, giubbotti di pelle e sbarazzine gonne a ruota.

Teatro Lirico Giorgio Gaber "Gli uomini vengono da Marte e le donne da Venere"

con Debora Villa

da venerdì 3 a domenica 5 marzo 2023

"Tanto tempo fa, i Marziani e le Venusiane si incontrarono, si innamorarono e vissero felici insieme perché si rispettavano e accettavano le loro differenze. Poi arrivarono sulla terra e furono colti da amnesia: si dimenticarono di provenire da pianeti diversi."

John Grey - Gli uomini vengono da Marte le donne da Venere

Debora Villa torna in teatro a grande richiesta per affrontare in modo ironico e divertente

le domande che da sempre attanagliano l’uomo e la donna.

Uno spettacolo alla ricerca del dialogo tra due pianeti opposti perché: Gli uomini vengono da Marte e le donne da Venere.

Sin dalla notte dei tempi psicologi, scrittori e avventurieri hanno provato a scardinare i meccanismi relazionali uomo/donna: la letteratura pullula di trattati e libri che provano a spiegare uno dei dogmi per eccellenza: uomo e donna sono diversi.

Ma va? Risponde Debora Villa…

Non solo, ma uomo e donna vengono da due mondi diversi: Gli uomini vengono da Marte e le donne da Venere.

Con questo titolo, nel 1992, lo psicologo John Gray esce

in libreria dando vita ad un best seller di fama mondiale capace di raggiungere, ad oggi, cinquanta milioni di copie vendute.

Il libro si basa su un pensiero tanto semplice quanto efficace: gli uomini e le donne hanno due diversi modi di pensare, di parlare, di amare. I comportamenti di uomini e donne assumono quindi spesso significati diametralmente opposti. Per esempio, tanto l'uomo in determinati momenti della sua giornata ha bisogno di "ritirarsi nella sua caverna", in solitudine, quanto la donna, alle prese con le stesse problematiche del partner, sente di dover condividere i propri sentimenti con gli altri.

Spesso utilizzato in ambito teatrale, Gli uomini vengono da Marte e le donne da Venere, arriva per la prima volta in assoluto in una versione tutta al femminile: con sottile ironia Debora Villa prenderà per mano lo spettatore conducendolo ancora una volta nei meandri di dietrologie e psicologie femminili e maschili. Il risultato? 90 minuti di travolgente, irriverente e raffinata comicità che porterà il pubblico ad affrontare un’esilarante terapia di gruppo.

“Uomini e donne impareranno a conoscersi di nuovo "perché – come sostiene Gray- quando si imparano a riconoscere e apprezzare le differenze tra i due sessi, tutto diventa più facile, le incomprensioni svaniscono e i rapporti si rafforzano, e se ci aggiungi una bella risata la terapia è completa. Perché "ridere fa bene: al cuore, all'anima ma soprattutto all'amore".

Debora Villa

Teatro Menotti: “Maria Maddalena” con Lina Sastri

dal 28 febbraio al 5 marzo

Produzione Tradizione E Turismo – Centro Di Produzione Teatrale

Da Fuochi Di Marguerite Yourcenar
Messa in scena, regia e interpretazione Lina Sastri
Con Lina Sastri
Con Filippo d’Allio (chitarra, arrangiamenti) Domenico Monda (percussioni)
Collaborazione alla messa in scena Bruno Garofalo
Assistente alla regia e direttore di produzione Costantino Petrone

Durata: 60 minuti

Lina Sastri sarà in scena al Teatro Menotti con il suo “Maria Maddalena”, dal 28 febbraio al 5 marzo. Lo spettacolo è tratto da Fuochi di Marguerite Yourcenar, la regia è firmata dalla stessa Lina Sastri.

Il racconto è appassionato e spietato, come la scrittura magnifica di Marguerite Yourcenar. È un canto poetico in cui prende forma una storia d’amore dolorosa e appassionata.

La storia di una mancanza che segna la vita di Maria Maddalena e la condanna a un destino di solitudine e infelicità, perché segnata da un’eterna ferita d’amore: così la Yourcenar racconta la storia di questa donna che passa dall’amore innocente per Giovanni a quello appassionato per Gesù fino alla dedizione più assoluta.

È un percorso inquietante e profondo nell’anima femminile. In scena con l’attrice interprete di Maddalena, due musicisti evocano musicalmente le atmosfere emozionali del racconto, che prendono corpo grazie alla voce dell’interprete. «È la grande passione di Maria Maddalena per Gesù, che la condanna a un destino di infelicità – spiega Lina Sastri, ma è anche la solitudine del non amato o del respinto o dell’escluso. Porteremo in scena il percorso di un’anima che nasce innocente e, per vendetta, perché vittima di abbandono, cambia il suo destino, o crede di cambiarlo. Ma non ci riuscirà: l’amore e la passione la porteranno comunque di fronte alla ferita insanabile, al doloroso cammino di chi ama ed è abbandonato. Senza scampo»

TEATRO LIRICO - Giorgio Gaber " La Madre di Eva "

Dal 28 febbraio al 2 marzo il Teatro Lirico ‘Giorgio Gaber’ di Milano ospita '𝗟𝗮 𝗠𝗮𝗱𝗿𝗲 𝗱𝗶 𝗘𝘃𝗮', spettacolo 'di' e 'con' Stefania Rocca liberamente tratto dall’omonimo romanzo di Silvia Ferreri, finalista al premio Strega nel 2018. Una proposta co-prodotta dalla multinazionale dello spettacolo live ‘Stage Entertainment’, da ‘Ora one production’ e ‘Enfiteatro’, che ripercorre la storia di un ragazzo nato in un corpo femminile in cui si sente prigioniero e intende intraprendere un percorso di transizione per raggiungere finalmente la serenità.
Lo spettacolo è stato presentato al Palazzo Reale di Milano dalla stessa Stefania Rocca e da Matteo Forte, amministratore delegato di Stage Entertainment e direttore dei teatri Lirico e Nazionale. Hanno partecipato anche i due co-protagonisti Bryan Ceotto e Simon Sisti Ajmone (scelti dopo numerosi provini effettuati anche grazie alla piattaforma heArt (www.heart-social.com) e ha portato il suo saluto l’assessore alla Cultura del Comune di Milano, Tommaso Sacchi che ha dichiarato: “Il tema dell’identità, di genere ma non solo, è uno dei terreni su cui, da sempre, si misurano i più grandi protagonisti del teatro. Si tratta di un tema universale che ogni tempo declina in base alle caratteristiche della sua contemporaneità e che, in questo bellissimo spettacolo, Stefania Rocca porta in scena con una doppia valenza: il percorso di chi deve imparare a riconoscere se stesso ma anche quello, a volte ancora più doloroso e complesso, di essere riconosciuto”.

Come mio primo lavoro alla regia teatrale – ha detto Stefania Rocca - ho scelto di portare in scena un dramma classico eppure assolutamente attuale, quello della complessità del rapporto generazionale. La storia di partenza, liberamente ispirato alla ‘madre di Eva’, romanzo di Silvia Ferreri finalista al premio Strega 2018, è quella di un ragazzo nato in un corpo femminile in cui si sente prigioniero che intende percorrere un percorso di transizione e di una madre che non vuole vedere, un po’ per paura e un po’ perché bloccata nel suo desiderio di madre perfetta. È un conflitto generazionale e culturale, due linguaggi che usano parole simili ma con significati differenti come sempre succede tra generazioni diverse. Per questo è una storia senza tempo. Ho scelto di utilizzare diversi linguaggi oltre la messa in scena teatrale per meglio raccontare quei momenti di vissuto che appaiono e scompaiono dalla memoria senza soluzione di continuità a comporre quel puzzle emotivo di due esistenze antitetiche. Portando avanti questo progetto, ho incontrato tanti genitori e tanti ragazzi che stanno affrontando questo percorso, singolare e diverso per ognuno di loro. Alla fine quando un conflitto si ricompone avviene ascoltando il linguaggio del cuore, il solo che ci consente di dare valore alle differenze. In fondo la bellezza è negli occhi di chi guarda".

"Il nostro obiettivo – ha aggiunto Matteo Forte - è quello di fornire al pubblico e alla città un palcoscenico e degli eventi che aiutino a comprendere ed arricchire il dibattito sull’identità di genere, senza dimenticare che noi facciamo teatro e quindi la chiave che abbiamo deciso di utilizzare è più vicina all’intrattenimento seppur con la grande attenzione e sensibilità con la quale la regista ha costruito lo spettacolo".
Forte poi ha ripercorso le settimane di preparazione dello spettacolo, giorni densi e ricchi di incontri che hanno permesso di comprendere davvero la complessità dell’argomento.
“Abbiamo incontrato – ha raccontato - moltissimi rappresentati di associazioni e istituzioni che si occupano di aiutare i figl* e i genitori che si sono trovati a gestire situazioni inaspettate, dolorose e rivelatrici come quelle di accompagnare un figl* in un percorso di transizione. La ricchezza che da uomo e genitore ho tratto da questi incontri non ha prezzo, abbiamo trovato ‘eroi’ dell’ascolto, dell’empatia e dell’amore incondizionato che avrebbero molto da insegnare a tutti”.
"Anche per questo – ha concluso Forte - Stage Entertainment, da sempre impegnata nella creazione delle migliori condizioni professionali e di mercato grazie alle quali i differenti talenti artistici possano essere integrati al meglio, ha ormai da anni nel proprio DNA la centralità di tutti i temi EDI (equality diversity and inclusion). L’integrazione dei talenti passa attraverso l’integrazione e la valorizzazione delle differenze, questa è la visione con la quale realizziamo i nostri spettacoli in tutto il mondo e questi sono i valori che ci hanno immediatamente convinto a co-produrre La Madre di Eva. Riteniamo infatti che creare le condizioni non solo in azienda, ma per chi come noi ha uno scopo sociale nell’esercizio della propria attività, anche nel mercato affinché temi di grande attualità e rilevanza possano essere prima conosciuti dal grande pubblico e poi dibattuti e compresi".

Dopo Milano, la Madre di Eva approderà a Roma e in particolare al Teatro Parioli il 27 e il 28 marzo e l’11 e il 12 aprile presso il Parco della Musica.

TEATRO FILODRAMMATICI : " Ritratto di Dora M."

Dal 21 al 26 febbraio 2023

con Ginestra Paladino

Regia: Francesco Frongia

Una produzione Teatro Filodrammatici di Milano / Fondazione Teatro Due di Parma.

La pièce ruota attorno alla figura di Dora Maar, musa di Picasso, che ha attraversato tutto il ‘900 (era nata a Parigi nel 1907 e a Parigi morirà 90 anni dopo nel 1997) e che, nella prima metà della sua vita, è stata sempre vicina al cuore della Parigi artistica e culturale dell’epoca, in quel momento magico e irripetibile in cui la città era il centro del mondo.

La sua carriera fotografica fu breve, ma intensa: si colloca fra il 1931 e il 1937, anno in cui, spinta da Picasso, abbandonò la fotografia per la pittura, dopo aver testimoniato con una serie di storici scatti la creazione di Guernica. Questo passaggio dalla fotografia, un’arte che Dora padroneggiava con maestria, alla pittura, in cui non arriverà mai a superare una faticosa mediocrità, è uno dei momenti che delineano un percorso esistenziale segnato da brusche cesure e dolorosi cambi di rotta. Al momento dell’incontro con Pablo, Dora è una donna realizzata, dalla bellezza fiammeggiante. Picasso la vede per la prima volta in un ristorante mentre gioca con un affilato coltello e conserverà per tutta la vita il suo guanto di pizzo nero sporco di sangue, reliquia del loro colpo di fulmine. Dora era stata l’amante di Bataille, amica di Eluard, di Prévert, di Bunuel. Le sue foto testimoniavano la Parigi proletaria dell’epoca, erano foto poetiche e politiche nello stesso tempo che ritraevano gli abitanti della cosidetta “Zone”, una sorta di bidonville ai confini della città, o, a Barcellona, il popolo della Boqueria, il suo impegno politico coincideva con la sua appartenenza al gruppo dei surrealisti, di cui era un’esponente non secondaria.

Cinque anni dopo, alla fine della sua relazione con Picasso, che la lascia per la più giovane Francoise Gilot, Dora è una donna spezzata, che si aggira nuda nell’androne di casa sua, in preda a una crisi psicotica. Fu soccorsa, curata e accudita da Jacques Lacan e da sua moglie Sylvia Bataille e trovò due strade per superare l’abbandono: la pittura e la religione. Dopo un breve periodo “mondano” in compagnia di Marie Laure de Noailles, in cui frequentò Cocteau, Balthus, Lucien Freud, Alice Toklas, Dora Maar poco a poco si chiuse in un’esistenza fatta di meditazione, di preghiera e di solitudine, una clausura misteriosa che durò quasi cinquant’anni e in cui nessuno fu mai ammesso.

Sono queste tre immagini di donna così lontane fra loro che affascinano, incuriosiscono e appassionano. Dora Maar raggiante musa dei surrealisti, la donna che gioca coi coltelli, Dora Maar, la donna che piange nei ritratti di Picasso, annientata da un amore assoluto, Dora Maar la reclusa, la mistica piegata nel corpo dall’artrosi, ma sempre più raffinata nello spirito.

Ginestra Paladino ha lanciato una provocazione che Fabrizio Sinisi ha raccolto per costruire questo trittico: tre facce, tre maschere, tre stazioni di un percorso esistenziale unico, lontani da qualsiasi tentazione di biopic, più vicini all’idea di una sorta di melologo in cui la musica di Carlo Boccadoro – un musicista che ha l’esperienza teatrale e la versatilità per “dipingere” questi ritratti musicali – accompagna la voce di Dora, immersa nel flusso di immagini che creeremo per lei, attraverso le tre tappe della sua lunga vita.

TEATRO MANZONI: " AMANTI "

UNA COMMEDIA SCRITTA E DIRETTA DA IVAN COTRONEO

Con FABRIZIA SACCHI, ORSETTA DE ROSSI

Dal 14 al 26 febbraio 2023

Amanti segue la storia della relazione di Giulio e Claudia, intervallando i loro incontri in albergo con i dialoghi che ciascuno dei due ha con la dottoressa Cioffi, la quale ovviamente ignora che i suoi due problematici pazienti hanno una relazione tra di loro. Così la loro storia si dipana fra gli incontri a letto, e le verità o le menzogne che contemporaneamente raccontano alla dottoressa, dalla quale vanno da soli o insieme ai rispettivi partner, Laura e Roberto. Una progressione temporale fatta di equivoci, imbrogli, passi falsi, finte presentazioni, menzogne, incasinamenti, prudenza, e anche guai evitati per miracolo.

Fino a quando qualcosa stravolge tutti gli equilibri.

TEATRO SAN BABILA: " ORGASMO E PREGIUDIZIO "

di Diego Ruiz e Fiona Bettanini

Regia: Pino Ammendola e Nicola Pistoia

Date: dal 17 al 19 febbraio

In scena al Teatro San Babila Orgasmo e pregiudizio la commedia che ha debuttato per la prima volta nel 1999 e da allora ha collezionato più di 1500 repliche solo in Italia e il suo successo sembra inarrestabile.

Rappresentato ininterrottamente da 15 anni anche a Praga, poi a Londra, Bruxelles, Buenos Aires ha divertito trasversalmente tutte le generazioni, migliaia di spettatori senza limiti di età e nonostante siano passati tutti questi anni, gli argomenti trattati sono invariati di forza e attualità.

Tutti curiosi di spiare una coppia di amici costretta a condividere il letto di un Motel.

Da quel letto non scenderanno mai, ma su quel letto affronteranno le loro più intime paure, le reciproche curiosità, le debolezze mai ammesse, finendo col confessarsi segreti e tabù mai rivelati prima.

Un confronto aperto tra l’universo femminile e quello maschile che, senza volgarità, permette allo spettatore di fugare finalmente i propri dubbi sull’altro sesso e dare una risposta alle domande che non ha mai avuto il coraggio di fare.

Teatro Repower: “Piccole donne”

Per il secondo anno consecutivo in Italia la Compagnia dell'Alba porta in scena un nuovo Family Entertainment: “Piccole donne - il Musical di Broadway", avvalendosi della co-produzione del TSA - Teatro Stabile d’Abruzzo. Il musical sarà in scena al Teatro Repower dal 24 al 26 febbraio.

“Piccole donne - il Musical di Broadway" è un adattamento del celebre romanzo di Luisa May Alcott che fin dalla sua pubblicazione nel 1868 è stato uno straordinario successo. Considerato uno dei capolavori assoluti della letteratura per ragazzi è un romanzo senza tempo, una storia adatta al pubblico di ogni età che ha avuto innumerevoli trasposizioni cinematografiche e che ora la Compagnia dell’Alba presenta nella versione musicale di Broadway grazie ad uno speciale accordo con Music Theatre International.

Lo spettacolo, con protagonista Sutton Foster, ha debuttato al Virginia Theatre di Broadway il 23 gennaio 2005, a seguito di ben 55 anteprime, collezionando diverse nomination ai Tony Award, al Drama Desk Award e all’Outer Critics Circle Award dello stesso anno. Successivamente è stato presentato in tour in 30 città negli Stati Uniti, toccando anche San Diego e Washington DC, mentre altre produzioni hanno preso vita in Australia, Austria, Germania e Gran Bretagna. Il libretto del musical è di Allan Knee, le musiche di Jason Howland, le liriche di Mindi Dickstein.

La versione italiana è curata da Gianfranco Vergoni, le scene sono di Gabriele Moreschi, illuminate dal light designer Valerio Tiberi. La direzione musicale è di Gabriele de Guglielmo, mentre la regia e le coreografie sono di Fabrizio Angelini.

Il musical, come il romanzo, racconta le storie delle quattro sorelle March (Meg, la saggia, Beth, il tesoro di casa, Amy, la perfetta piccola dama, e in particolare Josephine, detta Jo, maschiaccio di casa e aspirante scrittrice) che nella seconda metà dell’800 vivono insieme alla loro mamma a Concord, nel Massachusetts, mentre il loro babbo è lontano, cappellano dell'esercito dell'Unione durante la guerra civile americana.

Le loro vite, questa volta in musica, si intrecciano con quelle di altri coloriti personaggi: il professor Bhaer, la zia March, il giovane Laurie con il signor Laurence, suo nonno, e il suo tutore, John Brooke. "Piccole donne" sarà proprio il titolo del romanzo che Jo scriverà sulla storia della sua famiglia e dei suoi amici e che verrà pubblicato da un grande editore. Un musical che, come consuetudine della Compagnia, sarà cantato interamente dal vivo.

Questo il cast: Jo - Edilge Di Stefano, Fritz Bhaer - Fabrizio Angelini, John Brooke - Gabriele de Guglielmo, Meg - Alberta Cipriani, Beth - Giulia Rubino, Amy - Claudia Mancini, Mamy - Carolina Ciampoli, Zia March - Laura Del Ciotto; con Giancarlo Teodori - Mr Laurence e con Flavio Gismondi – Laurie.

Teatro Menotti: “Il Giardino dei Ciliegi”

Dall’8 al 26 febbraio, in Prima Nazionale, debutta la nuova produzione del Teatro Menotti “Il Giardino dei Ciliegi” di Anton Cechov, regia e adattamento di Rosario Lisma, con Milvia Marigliano, Rosario Lisma, Giovanni Franzoni, Eleonora Giovanardi, Tano Mongelli, Dalila Reas. E con la partecipazione in voce di Roberto Herlitzka.

Il Giardino dei Ciliegi è l’ultimo lavoro di un Cechov malato e vicino alla morte; eppure, mai così attaccato alla vita. Intesa come respiro, anima del mondo e speranza nel futuro.
“Nell’uomo muore tutto ciò che è legato ai cinque sensi – scrive nei suoi Quaderni – Quel che sta oltre è probabilmente enorme, inimmaginabile, sublime e sopravvive”.

Nella sua ultima “commedia” - perché così egli la definì e la intese - egli esprime ancora più lucidamente la sua riflessione sulla goffa incapacità di vivere degli esseri umani. Il loro strabismo esistenziale sulla propria anima. Ljuba e suo fratello Gaev, un tempo lieti, da bambini, tornano nell’età matura nel luogo simbolo della loro felicità appassita, la stanza chiamata ancora “dei bambini” da cui si intravede il loro giardino dei ciliegi, un tempo motivo di vanto e orgoglio in tutto il distretto.

TEATRO MANZONI: " Il padre della sposa " dal 31 gennaio

di Caroline Francke

Regia Gianluca Guidi

con Martina Difonte, Marcella Lattuca
Roberto M. Iannone, Marcella Lattuca,Roberto M. Iannone

Scene e costumi Carlo De Marino
Musiche Gianluca Guidi
Luci Umile Vainieri

Giovanni è un imprenditore e padre di famiglia, la cui bella e giovane figlia sta per convolare a nozze. La ragazza sta per sposare il rampollo di una ricca famiglia, ma l’imminente matrimonio, con annessi caotici preparativi, avrà un effetto straniante sul povero padre. In cuor suo l’uomo non vuole accettare il fatto che la figlia sia ormai una donna e il solo pensiero di lasciare l’adorata fanciulla nelle mani di uno sconosciuto lo fa impazzire. A peggiorare le cose ci si metterà il prezzo esorbitante del matrimonio, nonché l’invasione casalinga di un eccentrico e costosissimo organizzatore di matrimoni, che sceglierà di organizzare il ricevimento proprio in casa. Tutto ciò porterà l’uomo ad assumere bizzarri atteggiamenti facendo preoccupare tutto il parentado, nonostante il sostegno della moglie Michelle. Il padre della sposa, di cui saranno strepitosi mattatori Gianfranco Jannuzzo e Barbara De Rossi, qui guidati da Gianluca Guidi, si presenta come una divertente comedy piena di gag e momenti coinvolgenti, animata da situazioni tenere e divertenti.

TEATRO CARCANO: " Oylem Goylem " con/di Moni Ovadia

dal 2 al 5 febbraio
scritto diretto

e interpretato da Moni Ovadia.

Oylem Goylem è un vero e proprio fenomeno epocale che in qualche misura ha modificato il tessuto culturale del nostro Paese. Uno spettacolo di straordinaria tensione etica ed espressiva in cui l’eccellente affabulatore Moni Ovadia, con i bravi musicisti della sua Orchestra, sa unire esilarante comicità, pietà e protesta civile.

La lingua, la musica, e la cultura Yiddish, quell’inafferrabile miscuglio di tedesco, ebraico, polacco, russo, ucraino e romeno, la condizione universale dell’Ebreo errante, il suo essere senza patria sempre e comunque, sono al centro di “Oylem Goylem”. Si potrebbe dire che lo spettacolo ha la forma classica del cabaret comunemente inteso. Alterna infatti brani musicali e canti a storielle, aneddoti, citazioni che la comprovata abilità dell’intrattenitore sa rendere gustosamente vivaci. Ma la curiosità dello spettacolo sta nel fatto di essere interamente dedicato a quella parte della cultura ebraica di cui lo Yiddish è la lingua e il Klezmer la musica.
Moni Ovadia e i suoi musicisti danno vita a una rappresentazione basata sul ritmo, sull’autoironia, sull’alternanza continua di toni e di registri linguistici, dal canto alla musica; una grande carrellata di umorismo e chiacchiere, battute fulminanti e citazioni dotte, scherzi e una musica che fa incontrare il canto liturgico con le sonorità zingare. Uno spettacolo che “sa di steppa e retrobotteghe, di strade e sinagoghe”. Tutto questo è ciò che Moni Ovadia chiama il “suono dell’esilio, la musica della dispersione”: in una parola della diaspora.. La Moni Ovadia Stage Orchestra si rifà alla tradizione della musica klezmer nell’incrocio di stili, nell’alternanza continua dei toni e degli umori che la pervadono, dal canto dolente e monocorde che fa rivivere il clima di preghiera della sinagoga all’esplosiva festosità di canzoni e ballate composte per le occasioni liete.
“Oylem Goylem” è un esempio di come in uno spettacolo di centoventi minuti si possono fondere umorismo e tradizione, intelligenza colta e gusto popolare in una formula linguisticamente internazionale.

TEATRO MANZONI: "IL GIAGUARO MI GUARDA STORTO" (10 - 22 gennaio)

Ritorno sui palchi dei teatri piena di desideri, racconti e interrogativi. Il primo desiderio è quello di ritrovarvi, scambiaresguardi con ogni spettatrice e con ogni spettatore seduto in platea dalla prima all’ultima fila, nessuno escluso, per scoprire chi siamo diventati dopo questa assenza epocale.

Dai racconti d’infanzia alla difficile relazione che abbiamo con l’attesa, dalla perplessità nei confronti degli animali umani alla stima per le formiche, il filo conduttore sarà il desiderio, stupore vitale che accende sogni, infuoca cuori e libera movimento.

Durante il nostro incontro potrete danzare con me, guardare in silenzio, fare domande o dare risposte. Potrete anche chiudere gli occhi, ascoltare le mie parole come fossero una ninna nanna e addormentarvi, l’importante è non smettere di sognare e tenere gli occhi ben aperti una volta fuori dal teatro. Teresa Mannino

I Legnanesi ad Assago

Inaugurato stasera ad Assago lo spettacolo dei Legnanesi :"Liberi di sognare" al teatro Repower. Un successo di pubblico con la bravura solita della compagnia dialettale di Legnano. Un ritorno molto atteso e applaudito.

Milano 29 Dice.bre 2022 Achille Guzzardella