Giornale  fondato nel 2002                                                    HOME PAGE  

                                                                                                                          

 

 

 

   

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

                                   STAGIONE  2022-2023

 

TEATRO MANZONI:   " Il padre della sposa "     dal 31 gennaio     

di Caroline Francke

Regia Gianluca Guidi

con Martina Difonte, Marcella Lattuca
Roberto M. Iannone, Marcella Lattuca,
Roberto M. Iannone

Scene e costumi Carlo De Marino
Musiche Gianluca Guidi
Luci Umile Vainieri

Giovanni è un imprenditore e padre di famiglia, la cui bella e giovane figlia sta per convolare a nozze. La ragazza sta per sposare il rampollo di una ricca famiglia, ma l’imminente matrimonio, con annessi caotici preparativi, avrà un effetto straniante sul povero padre. In cuor suo l’uomo non vuole accettare il fatto che la figlia sia ormai una donna e il solo pensiero di lasciare l’adorata fanciulla nelle mani di uno sconosciuto lo fa impazzire. A peggiorare le cose ci si metterà il prezzo esorbitante del matrimonio, nonché l’invasione casalinga di un eccentrico e costosissimo organizzatore di matrimoni, che sceglierà di organizzare il ricevimento proprio in casa. Tutto ciò porterà l’uomo ad assumere bizzarri atteggiamenti facendo preoccupare tutto il parentado, nonostante il sostegno della moglie Michelle. Il padre della sposa, di cui saranno strepitosi mattatori Gianfranco Jannuzzo e Barbara De Rossi, qui guidati da Gianluca Guidi, si presenta come una divertente comedy piena di gag e momenti coinvolgenti, animata da situazioni tenere e divertenti.

 

TEATRO CARCANO:    " Oylem Goylem "    con/di Moni Ovadia


dal 2 al 5 febbraio  
scritto diretto e interpretato da Moni Ovadia.
 
Oylem Goylem è un vero e proprio fenomeno epocale che in qualche misura ha modificato il tessuto culturale del nostro Paese. Uno spettacolo di straordinaria tensione etica ed espressiva in cui l’eccellente affabulatore Moni Ovadia, con i bravi musicisti della sua Orchestra, sa unire esilarante comicità, pietà e protesta civile. 
 
La lingua, la musica, e la cultura Yiddish, quell’inafferrabile miscuglio di tedesco, ebraico, polacco, russo, ucraino e romeno, la condizione universale dell’Ebreo errante, il suo essere senza patria sempre e comunque, sono al centro di “Oylem Goylem”. Si potrebbe dire che lo spettacolo ha la forma classica del cabaret comunemente inteso. Alterna infatti brani musicali e canti a storielle, aneddoti, citazioni che la comprovata abilità dell’intrattenitore sa rendere gustosamente vivaci. Ma la curiosità dello spettacolo sta nel fatto di essere interamente dedicato a quella parte della cultura ebraica di cui lo Yiddish è la lingua e il Klezmer la musica.
Moni Ovadia e i suoi musicisti danno vita a una rappresentazione basata sul ritmo, sull’autoironia, sull’alternanza continua di toni e di registri linguistici, dal canto alla musica; una grande carrellata di umorismo e chiacchiere, battute fulminanti e citazioni dotte, scherzi e una musica che fa incontrare il canto liturgico con le sonorità zingare. Uno spettacolo che “sa di steppa e retrobotteghe, di strade e sinagoghe”. Tutto questo è ciò che Moni Ovadia chiama il “suono dell’esilio, la musica della dispersione”: in una parola della diaspora.. La Moni Ovadia Stage Orchestra si rifà alla tradizione della musica klezmer nell’incrocio di stili, nell’alternanza continua dei toni e degli umori che la pervadono, dal canto dolente e monocorde che fa rivivere il clima di preghiera della sinagoga all’esplosiva festosità di canzoni e ballate composte per le occasioni liete.
“Oylem Goylem” è un esempio di come in uno spettacolo di centoventi minuti si possono fondere umorismo e tradizione, intelligenza colta e gusto popolare in una formula linguisticamente internazionale. 
NOTE DI REGIA a cura di Moni Ovadia
 
 

Ho sempre pensato che la condizione dell’esilio oltre ad avere connotazioni di carattere socio-giuridico-esistenziali, dovesse essere riconosciuta per caratteri “organolettici” e fra questi, di mio particolare interesse: il suono. Un mirabile contenuto ad una sua possibile definizione, mi si era presentato spontaneamente durante un viaggio in traghetto per le isole Eolie. Ero appoggiato al parapetto dell’imbarcazione e come si usa guardavo il mare quando mi giunge all’orecchio un sospiro, di fianco a me era sopraggiunto un signore con il viso solcato da quelle rughe d’espressione prodotte dal duro lavoro all’aria aperta e cogliendo la mia disposizione ad ascoltarlo fa: “What a peccato, once the mare was very polito”. Era un emigrato che tornava dall’Australia. Eccolo un suono dall’esilio, il disfarsi della propria lingua e del proprio dialettiche non basta più a se stesso che contaminandosi con un’altra lingua perde il senso dei propri confini che non esistono più e della precisione del proprio utilizzo legato ad una cultura povera magari, ma dotata di una forte identità. Ma questo, pur con tutto il suo significato anche politico mantiene il suo livello di chiarezza: c’è un luogo dal quale si proviene e un luogo nel quale si è tentato di costruire una nuova vita, un qua, un là. Un’altra dimensione dell’esilio si manifesta in tutto il suo paradosso quando entriamo nel “lontano da dove” o nel “la somma degli angoli di cui ho nostalgia è uguale a 360 gradi”. Laddove la diaspora introiettata diviene inelaborabile e sviluppa pressioni emotivo-cerebrali vertiginose.
La condizione di appartenenza nazionale certa, e questo è il mio caso, non muta i dati della questione, perché l’immaginario diasporico costituito da una miscela di immaginario vero e proprio e da un residuo di realtà resiste attraverso generazioni, alimenta e si compiace del sentimento della precarietà e di una qualche “eteroesistenza”.
So che i miei ascendenti hanno attraversato paesi, nazioni e perfino imperi e le tracce di questi passaggi erano ancora ben visibili nei miei genitori, o mescolate fra di loro e fra queste in particolare lo spagnolo giudaico (mescolanza di casigliano del ‘500 con parole arabe, turche, italiane e altro) possedeva caratteri espressivi e culturali che mi hanno segnato profondamente.
Con una sorta di coazione a ripetere “postuma” mi sento pulsionalmente attratto a frequentare le lingue del vagabondaggio reale e anche attraverso ogni possibile pastiche linguistico a sognare di costruire vagabondaggi immaginari. E personalmente sono quasi impossibilitato a “sentire” una coltura se non nel suo contesto linguistico-sonoro.
La parola di ogni lingua contiene in sé una musicalità originaria portatrice di segni ineffabili perciò non discernibili che conducono ad una contabilità unica. Considerando il canto come prima istanza della musica, ritengo centrale in quella ebraica il krekhz, il lamento del cantore della sinagoga, una melopea vocalizzata su una sillaba o su una sola vocale, dal carattere insistito ed ossessivo, che quando, per ragioni “gastronomiche” viene accompagnato dall’organo produce una torsione armonica occidente versus oriente singolarmente emozionante.
Inscindibilmente legato alla condizione della dispersione, non necessariamente definita da una condizione materiale, quanto piuttosto, da una condizione dello spirito, il krekhz eleva la sua provocazione, forse come protesta utopica ed impotente per richiamare l’Eterno dal “Suo Esilio”, supremo paradigma della diaspora spirituale dell’uomo. La musica Klezmer, il patrimonio dei musicisti ebrei dell’Europa orientale, costituita in prevalenza da una mescolanza per sincretismo delle culture musicali tradizionali, popolari e popolaresche di quel vasto arco territoriale comprendente impero zarista e impero austro-ungarico e arricchitasi dal fertile interscambio con l’altra grande diaspora europea, quella del popolo zingaro, deve comunque il suo carattere originale a quel sottile filo intessuto nelle sue fibre che è il melisma del canto liturgico e del nigun, melodia estatico religiosa dei Chassidim (devoti).

 

TEATRO MANZONI: "IL GIAGUARO MI GUARDA STORTO"  (10 - 22 gennaio)

Ritorno sui palchi dei teatri piena di desideri, racconti e interrogativi. Il primo desiderio è quello di ritrovarvi, scambiaresguardi con ogni spettatrice e con ogni spettatore seduto in platea dalla prima all’ultima fila, nessuno escluso, per scoprire chi siamo diventati dopo questa assenza epocale.

Dai racconti d’infanzia alla difficile relazione che abbiamo con l’attesa, dalla perplessità nei confronti degli animali umani alla stima per le formiche, il filo conduttore sarà il desiderio, stupore vitale che accende sogni, infuoca cuori e libera movimento.

Durante il nostro incontro potrete danzare con me, guardare in silenzio, fare domande o dare risposte. Potrete anche chiudere gli occhi, ascoltare le mie parole come fossero una ninna nanna e addormentarvi, l’importante è non smettere di sognare e tenere gli occhi ben aperti una volta fuori dal teatro.   Teresa Mannino

 

I Legnanesi ad Assago

Inaugurato stasera ad Assago lo spettacolo dei Legnanesi :"Liberi di sognare" al teatro Repower. Un successo di pubblico con la bravura solita della compagnia dialettale di Legnano. Un ritorno molto atteso e applaudito.

Milano 29 Dice.bre 2022   Achille Guzzardella

 

 

TEATRO SAN BABILA:   "COLTO IN FLAGRANTE"

La Compagnia del Teatro San Babila (in ordine alfabetico: Lorenzo Alfieri, Laura Amelotti, Felice Invernici, Gianni Lamanna, Cristina Liparoto, Giulia Marchesi, Chiara Serangeli, Marco Vaccari) porta in scena Colto in flagrante di Derek Benfield per la regia di Marco Vaccari, equivoci, scambi di ruolo e sorprese al centro di una farsa dall’intreccio rocambolesco. Colto in flagrante andrà in scena il 31 dicembre alle ore 18 e alle ore 22 e dal 14 al 22 gennaio. 

Debolezze degli uomini maturi! Marco pur non essendo più un ragazzo e pur essendo sposato, non disdegna di correre dietro alle giovani gonnelle. La sua ultima conquista Giulia è in predicato di venire ad abitare nella villetta accanto, lasciata libera dal trasloco dei vicini. Per l’ennesimo colpo di testa Marco ha bisogno della complicità di Gianni, l’amico che ogni volta gli ha fatto da parafulmine coprendone le

Questa volta però le sue intenzioni sono più serie, vuole il divorzio dalla moglie scaricando sull’amico l’incombenza di comunicarlo alla coniuge.

Non solo, vuole andare a vivere con Giulia che nel frattempo, per una serie di malintesi, equivoca su Gianni. Entrano nel girotondo una collaboratrice domestica, un uomo in uniforme, un’altra conquista di Marco e un tipo che sua moglie ha conosciuto tempo prima.

Scambi di ruolo e sorprese al centro di una farsa dall’intreccio rocambolesco.

 

TEATROLIRICO ‘GIORGIO GABER: ‘IL LAGO DEI CIGNI’


Arriva il prossimo 4 gennaio (alle 20.45) al Teatro Lirico ‘Giorgio Gaber’ di Milano il celebre Balletto dell’Opera Nazionale Rumena ‘Il Lago dei Cigni’.
Dopo una prima versione del 1877, il Balletto ebbe grande successo con la coreografia di Marius Petipa e Lev Ivanov nel 1895. E da allora è diventato uno dei più importanti balletti al mondo. Il doppio ruolo del Cigno Bianco e dell’ambiguità del Cigno Nero si possono subito percepire grazie alle straordinarie capacità espressive e tecniche della protagonista Marina Gaspar etoile mondiale e solista del Teatro Nazionale Rumeno, in particolare nei due splendidi pas de deux del I e del II atto. Altri grandi momenti dello spettacolo è la danza dei quattro piccoli cigni, la danza dei grandi cigni, che sinuosamente si muovono su un lago illuminato dalla luna, e gli splendidi walzer nella sala da ballo del palazzo reale.
La scena si svolge in un parco vicino al castello del principe Sigfrid il quale un giorno, durante i festeggiamenti per il suo compleanno, si allontana dal castello attirato da uno stormo di cigni. Giunge fino ad un lago e mentre cerca di colpire un cigno con il suo arco, questo si trasforma improvvisamente in Odette, regina delle giovani fanciulle vittime di un incantesimo del mago Rothbart. Egli, affascinato da tanta bellezza, rimane a guardare mentre i cigni riacquistano un aspetto umano e cominciano a danzare. Infine, ritrovata la sua prescelta, Sigfried le guider amore eterno, unico modo per spezzare l’incantesimo che trasforma le fanciulle in cigno ad ogni sopraggiungere dell’alba. Il mago Rothrbart si presenta al castello il giorno in cui il principe deve scegliere la sposa. Con lui c’è la figlia Odile, il Cigno Nero, che assume le stesse sembianze di Odette per attirare l’attenzione del giovane. Sigfried sceglie Odile come sposa; ma poi riconosce l’inganno del mago, lo sconfigge, ritrovando l’amata Odette.
Con questa versione de IL LAGO DEI CIGNI, il Balletto dell’Opera Nazionale Rumena ha voluto mantenere intatte le Coreografie Originali di Marius Petipa e da Lev Ivanov del 1895 e tornare ad un’autentica versione della coreografia creata per il Teatro Mariinsky. Le Scenografie si rifanno alla Corte Imperiale Russa di quel periodo, inserendo realtà storica e fantasia gotica. Le scene del I e del III Atto presentano uno stile Classico Fiabesco, quasi magico, mentre il II e IV atto cioè Il lago, ha un ambiente mistico, quasi lunare, dove si alternano attimi tenebrosi e giochi di ombre e luci.
Il lago dei cigni rappresenta la perfetta unione di coreografia e musica ed è diventato sinonimo del balletto stesso e fonte d’ispirazione per generazioni e generazioni di ballerini, nonché emblema della cultura popolare.

TEATRO SAN BABILA: "UNA VOLTA NELLA VITA (ONCE)"fino al 4 dicembre

Tratto dall’omonimo film irlandese del 2006 ambientato a Dublino, scritto e diretto da John Carney, vincitore del Premio Oscar per la Miglior Canzone con Falling SlowlyOnce diventa uno spettacolo musicale nel 2011 con il libretto di Enda Walsh, ottenendo fin da subito un grande successo – anche grazie alla straordinaria colonna sonora scritta da Glen Hansard e Markéta Irglová – e vincendo 8 Tony Award, 2 Olivier Award e un Grammy Award.

In scena a Milano al Teatro San Babila (prima nazionale dall’11 novembre al 4 dicembre) un eccezionale gruppo di 11 artisti che suonano una moltitudine di strumenti, oltre a cantare, recitare e danzare. L’elemento che rende unico Una volta nella vita costituisce anche la sua sfida più grande: far suonare l’intera partitura dei brani per mano degli stessi artisti.

Una volta nella vita racconta la storia di un musicista di strada di Dublino, sul punto di rinunciare ai propri sogni, e di una giovane donna colpita dalle sue struggenti canzoni d’amore; la storia di un Ragazzo che ha rinunciato all’amore e alla musica e della Ragazza che lo ha ispirato per sognare di nuovo è un vero e proprio inno alla vita, all’amore, alla musica.

Nel ruolo di “Ragazzo” – che con la sua voce graffiante e profonda e la sua chitarra canta di un amore perduto – c’è Luca Gaudianovincitore nel 2021, dopo un folgorante percorso ad Amasanremo, delle Nuove Proposte del Festival di Sanremo, con il brano “Polvere da

sparo”. Attrice, cantautrice, danzatrice, Jessica Lorusso è “Ragazza”, un personaggio fortemente positivo, una giovane donna tenace, profonda, leale e onestamente amorevole.

Per il regista Mauro SimoneUna volta nella vita è un racconto indimenticabile sull’inseguire i propri sogni, sul rifiuto di vivere nella paura e sul potere che la musica ha di connetterci tutti. È uno spettacolo “dolorosamente bello e gioiosamente edificante”, sull’amare incondizionatamente, senza aspettarsi nulla in cambio.



TEATRO CARCANO: " SOGNO DI UNA NOTTE DI MEZZA ESTATE "


di William Shakespeare
traduzione e adattamento Angela Dematté
regia Andrea Chiodi
con  Giuseppe Aceto, Alfonso De Vreese, Giulia Heathfield Di Renzi, Caterina Filograno, Igor Horvat, Jonathan Lazzini, Sebastian Luque Herrera, Alberto Marcello, Marco Mavaracchio, Alberto Pirazzini, Emilia Tiburzi, Anahì Traversi, Beatrice Verzotti
scene Guido Buganza
costumi Ilaria Ariemme
musiche Zeno Gabaglio
disegno luci Pierfranco Sofia
coaching Tindaro Granata
assistente alla regia Walter Rizzuto
assistente alla drammaturgia Gianluca Madaschi
scene realizzate dal Laboratorio di Scenografia “Bruno Colombo e Leonardo Ricchelli” del Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa
macchineria scenica realizzata da Studio Cromo
costumi realizzati presso la Compagnia Italiana della Moda e del Costume
produzione LAC Lugano Arte e Cultura, in coproduzione con Teatro Carcano, Centro Teatrale Bresciano e Fondazione Atlantide - Teatro Stabile di Verona 
Teseo, duca di Atene, per celebrare le nozze con Ippolita, regina delle amazzoni, proclama giorni di riti e feste. Bottom e altri artigiani, per l’occasione, decidono di mettere in scena la storia di Piramo e Tisbe recandosi nel bosco per le prove. Lì ci sono anche Lisandro ed Ermia, che si amano e stanno fuggendo da Atene perché il padre di lei vorrebbe darla in sposa a Demetrio; quest’ultimo insegue la coppia di amanti rincorso a sua volta da Elena, di lui perdutamente innamorata. Oberon, il re delle fate, e Puck, il folletto che è al suo servizio, si divertono confondendo gli amori dei quattro giovani e spingendo Titania, sposa di Oberon, ad un’arcaica passione. Amanti, artigiani e fantasie mischiano così, nel bosco, i loro mondi. La trama di equivoci, litigi e confusione si scioglie quando il re Oberon riesce a dissipare tutti gli incanti. Dopo aver rintracciato gli innamorati, il duca Teseo ufficializza le unioni secondo i sentimenti.

TEATRO MANZONI:    "IL MARITO INVISIBILE"

 

Autore: EDOARDO ERBA

Attori: MARIA AMELIA MONTI MARINA MASSIRONI
REGIA: EDOARDO ERBA

Periodo: 18 - 30 ottobre

 

Una videochat fra due amiche, Fiamma e Lorella, interpretate rispettivamente da Maria Amelia Monti e Marina Massironi. I saluti di rito, qualche chiacchiera, finché Lorella annuncia a sorpresa di essersi sposata. La cosa sarebbe già straordinaria di per sé, vista la sua proverbiale sfortuna con gli uomini, ma diventa più incredibile quando lei rivela che il marito ha una particolarità molto originale: è invisibile. Fiamma, preoccupata, si propone di aiutarla, ma non ha fatto i conti con la fatale, sconcertante, attrazione di noi tutti per l'invisibilità. Il Marito Invisibile di Edoardo Erba è la prima commedia in videocall: una messinscena innovativa con le attrici che recitano avvolte da uno sfondo blu; in alto, invece, appaiono in due grandi schermi mentre sono nelle loro case, come a dire che la realtà virtuale supera la realtà ordinaria. Un'esilarante commedia sulla scomparsa della vita di relazione con le protagoniste che ci accompagnano, con la loro personalissima comicità, in un viaggio scottante e attuale.

 

TEATRO SAN BABILA:  "LA STRANISSIMA COPPIA"

 

Attori: MILENA MICONI, DIEGO RUIZ
REGIA: Diego Ruiz

Periodo: (30 aprile- 1 MAGGIO)

 

Cosa c’è di più romantico del primo incontro tra un uomo e una donna? Ci sono aspettative, speranze, cuori che battono all’impazzata e quell’ansia incontrollabile di fare bella figura a tutti i costi. Così almeno viene raccontato dai più famosi romanzi rosa ma nella vita è veramente così? Se hai quindici anni e credi ancora nelle favole, forse sì. Se invece di anni ne hai cinquanta, hai già un matrimonio alle spalle, qualche corno sulla testa che fa ancora tanto male, se sei già nella fase in cui quando ti guardi allo specchio vedi solo rughe con una faccia intorno e sai perfettamente che ognuna di quelle rughe porta il nome di quell’imbecille del tuo o della tua ex, altro che cuori che palpitano e mani che tremano! La parola d’ordine è VENDETTA!!!! Uno sguardo divertito a una categoria di persone molto diffusa al giorno d’oggi: i “single forzati”. Uomini e donne che si ritrovano, loro malgrado, improvvisamente soli, con l’assoluta necessità di rifarsi una vita sentimentale, ma con l’inevitabile istinto di difendersi dalle frecce avvelenate di Cupido. Sono persone in cerca d’amore ma con il terrore di trovarlo, gente che vuole rimettersi in gioco ma non si ricorda più come giocare. Milena e Diego sono esattamente così. E’ il loro primo appuntamento. Si sono preparati a lungo per questa serata, si aspettano molto da questo incontro. Saranno pronti a cedere di nuovo alle sinuose tentazioni dell’amore? O forse è ancora troppo presto? Riusciranno almeno a nascondere ansie e pregiudizi e a risultare affabili e seducenti come si erano ripromessi?

 

TEATRO CARCANO: "ROMEO E GIULIETTA. Una canzone d'amore"

Periodo: (21-24 aprile)

di Babilonia Teatri 
da William Shakespeare

Attori: Paola Gassman, Ugo Pagliai, Enrico Castellani, Valeria Raimondi, Francesco Scimemi

Produzione Teatro Stabile di Bolzano |Teatro Stabile del Veneto I Estate Teatrale Veronese 

Al Teatro Carcano di Milano dal 21 al 24 aprile Ugo Pagliai e Paola Gassman sono i protagonisti di questo inedito “Romeo e Giulietta” che la compagnia Babilonia Teatri, vincitrice del Leone d’argento alla Biennale Teatro 2016 ha tratto da William Shakespeare.

Lo sguardo profondo e irriverente che caratterizza la compagnia, ha inquadrato il grande classico di Shakespeare con un radicale ribaltamento di prospettiva rendendo protagonista assoluta dello spettacolo una coppia inossidabile come quella formata da Pagliai e Gassman, affiancati da Enrico Castellani, Valeria Raimondi e Francesco Scimemi.

La nuova versione di “Romeo e Giulietta” si concentra interamente sui protagonisti della vicenda, mettendo da parte tutto il contorno: la guerra tra le rispettive famiglie, gli amici di Romeo, i genitori di Giulietta e il frate. E lo spettacolo ci interroga su quanto questa storia sia anche nostra, su quanto sia quella degli attori che la interpretano, su quanto a lungo possa ancora sopravvivere a se stessa dopo averci accompagnati.

«Quando abbiamo deciso di mettere in scena Romeo e Giulietta avevamo chiare due scelte: gli unici personaggi di Shakespeare presenti nello spettacolo sarebbero stati Romeo e Giulietta e ad interpretarli sarebbero stati due attori anziani» affermano i Babilonia. «Le scene in cui Romeo e Giulietta si incontrano e dialogano, isolate dal resto del testo, assurgono a vere e proprie icone di un amore totale e impossibile. Il fatto che a pronunciarle siano Paola Gassman e Ugo Pagliai, coppia legata da più di cinquant'anni, le rende commoventi e profonde. Le rende concrete e per quanto poetiche non suonano mai auliche. I continui riferimenti alla morte, alla fine, alla notte e alla tomba di cui Shakespeare punteggia l'intero testo assumono qui una veridicità che sconvolge ed emoziona spingendoci ad empatizzare con gli attori sulla scena». L’età di Romeo e Giulietta cambia, ma il binomio Amore e Morte su cui si basa il capolavoro di Shakespeare rimane presente.

 

TEATRO CARCANO:   "SE NON POSSO BALLARE… NON È LA MIA RIVOLUZIONE"

Autore: Serena Dandini

REGIA: Serena Sinigaglia
Attori: Lella Costa
ROMEO E GIULIETTA. Una canzone d'amore

Periodo: (5 -10 aprile)

Mary Anderson ha inventato il tergicristallo. Lillian Gilbreth la pattumiera a pedale. Maria Telkes i pannelli solari.

Ci sono Marie Curie, Nobel per la fisica, e Olympe De Gouges che scrisse la Dichiarazione dei diritti della donna e della cittadina. Ci sono Tina Anselmi, primo ministro della Repubblica italiana; Martha Graham che fece scendere dalle punte e Pina Bausch che descrisse la vita danzando. E poi c’è Maria Callas con la sua voce immortale come immortale è il canto poetico di Emily Dickinson, e c’è la fotoreporter Ilaria Alpi. Le sorelle Bell: Vanessa e naturalmente Virginia, la Woolf!
Entrano una dopo l’altra, chiamate con una citazione, un accento, una smorfia, un lazzo, una canzone, una strofa, un ricordo, una poesia, un gemito, una risata. O solo col nome, che a volte non serve aggiungere altro.
Entrano ciarlando e muovendo le vesti, mentre in scena si avvicendano i cambi di stagione. Si aggirano come fossero, finalmente, felici tutte, per dirla con Elsa Morante che è lì con loro.
Entrano come danzando Anna Politkovskaja, Hannah Arendt, Mae West, Anna Frank, Marlene Dietrich, Artemisia Gentileschi e molte, molte altre, fino a farci girare la testa ed arrivare ad essere più di … cento!
Una al minuto. Tante eppure non ancora tutte le valorose che Lella Costa, in uno spettacolo di grande virtuosismo, riesce ad evocare con la voce e con i gesti, invitandole come un gran cerimoniere, ad entrare e ballare con lei.
Perchè, come disse magistralmente e per sempre una di loro, Emma Goldman, se non posso ballare questa non è la mia rivoluzione.

Serena Dandini e Lella Costa si trovano a convergere all’interno di uno spettacolo teatrale che porta la firma di Serena Sinigaglia. In scena donne intraprendenti, controcorrente, spesso perseguitate, a volte incomprese, che hanno lottato per raggiungere traguardi che sembravano inarrivabili, se non addirittura impensabili. Donne valorose che seppure hanno segnato la storia, contribuendo all’evoluzione dell’umanità, per uno strano sortilegio raramente vengono ricordate, con difficoltà appaiono nei libri di storia e tanto meno sono riconosciute come maestre e pioniere.

#ioballoperlei
Al tour si affianca #Ioballoperlei, il progetto di The Circle Italia Onlus rivolto a tutti e in particolare ai più giovani, chiamati a raccontare la propria donna valorosa, per contribuire alla stesura di un nuovo grande catalogo di donne valorose.
Partecipare sarà semplice grazie all’hashtag #ioballoperlei pubblicando una foto, una coreografia,una poesia, un pensiero per descrivere chi è la donna cui ci si ispira, quella per la quale…si balla.
Chi è la tua donna valorosa? Dillo con una foto, un video, una poesia sui tuoi social taggando @ioballoperlei e @thecircleitalia usando l’hashtag #ioballoperlei

 

TEATRO SAN BABILA:  " 39 scalini "

Autore: John Buchan

Periodo: (2-3 aprile)
Una moltitudine di personaggi: buoni, cattivi, uomini, donne e anche oggetti inanimati. Una commedia noir per una corsa vertiginosa fino all’ultimo travestimento dai ritmi narrativi serrati e incalzanti che conserva la ricchezza dei dettagli psicologici della versione cinematografica girata da Hitchcock nel 1935, da cui riprende l’umorismo graffiante e acuto, l’alta tensione e la suspense. Richard Hannay, uomo d’affari è intrappolato in un giallo apparentemente senza uscita. Intorno a lui ruota vorticosamente una galleria di 38 personaggi, in un susseguirsi di gag, intrighi, colpi di scena, complotti criminali, donne seducenti e ammaliatrici, strizzando l’occhio alla commedia inglese contemporanea. Purtroppo, nello scorrere della trama, ai nostri capiteranno una serie infinita di sfortunati eventi, talmente grotteschi da essere più volte sull’orlo di dire: “chiudete il sipario!” Ma, come spesso capita, gli attori in un modo o nell’altro risolvono il problema e ne escono furtivamente con qualche “trucco” per un infantile gioco di illusione.


TEATRO MANZONI: " SE DEVI DIRE UNA BUGIA DILLA GROSSA "

 

Autore: RAY COONEY

Attori: ANTONIO CATANIA GIANLUCA RAMAZZOTTI PAOLA QUATTRINI
VERSIONE ITALIANA IAIA FIASTRI
REGIA ORIGINALE PIETRO GARINEI
NUOVA MESSA IN SCENA DI LUIGI RUSSO

Periodo: (29 marzo- 10 aprile)

Per festeggiare i cento anni dalla nascita di Pietro Garinei, torna un “evergreen”: la spumeggiante commedia Se devi dire una bugia dilla grossa, dal soggetto di Ray Cooney. L’allestimento è ispirato a quello originale firmato dalla ditta Garinei & Giovannini, con il famoso girevole che rappresenta di volta in volta la hall dell’albergo e le due camere da letto, dove si svolge la vicenda del Ministro del governo De Mitri, che vorrebbe intrattenere relazioni extraconiugali con un membro femminile dell’opposizione. La situazione gli sfuggirà subito di mano, dando il via ad una girandola di equivoci, battibecchi e colpi di scena sempre più fitti, all’insegna del più sano divertimento. La versione attualizzata da Iaia Fiastri vede protagonisti i vulcanici Antonio Catania e Gianluca Ramazzotti, con la partecipazione di Paola Quattrini che per la terza volta interpreta il ruolo della moglie dell’onorevole.

 

TEATRO CARCANO:    "L’AMORE SEGRETO DI OFELIA"
 
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Autore: Steven Berkoff

Attori:  Chiara Francini, Andrea Argentieri

Regia: Luigi De Angelis

Periodo: (31 marzo - 3 aprile)

 

Due attori provano a distanza il testo di Berkoff: lei è Ofelia e si immaginava il suo Amleto in modo molto diverso da quello a cui la realtà l’ha messa a confronto. Dopo un iniziale disappunto, però, la fascinazione per il testo, con le sue spiraliformi e sensuali circonvoluzioni retoriche, prende il sopravvento e la costringerà (drammaticamente) a rivedere le sue posizioni iniziali. È così che sulla scena noi vediamo infine proprio quello spettacolo, provato conflittualmente a distanza, e che alla fine ha preso forma.

L’amore segreto di Ofelia di Steven Berkoff ha la forma di uno scambio epistolare: si tratta delle ben note lettere che Ofelia, in un punto molto famoso della tragedia shakespeariana, restituisce ad Amleto e il cui contenuto il Bardo ci tiene genialmente (e opportunamente) nascosto. Nel voler esporlo a tutti costi, rivelando l’indicibile, si misura qui una sorta di strappo, di rottura del senso del pudore, talora quasi comica, che ci mette a contatto con la parte oscena, in senso etimologico (cioè “fuori dalla scena”) e, appunto, segreta, di quell’amore così celebre.

La sproporzione tra contenuti pulsionali e spirito adolescenziale da una parte e il linguaggio arcaico dei versi dall’altra, e in parallelo quella tra gli attori e il testo che devono andare a interpretare, imprimono a poco a poco una strana accelerazione all’immobilità della scena, che viene enfatizzata dal procedere inevitabile e fuori campo della tragedia, dalla quale sono stati prelevati i due sfortunati protagonisti. Il loro destino drammatico si compie fatalmente in un altrove misterioso e sconosciuto, di cui però il pubblico conosce già tutti i dettagli: le morti, la follia, il tragico finale.

Nell’inevitabile incedere del dramma, però, si incastrano qui questioni nodali anche per la nostra epoca: la distanza tra passione e azione, il rapporto conflittuale con un ruolo obbligato a cui dobbiamo o vogliamo per forza aderire, il sentimento di un tempo implacabile che tutto trascina, la sovrapposizione tra finzione e realtà, sogni e desideri.

TEATRO LIRICO GIORGIO GABER:  "DUMM"      (24 a 27 marzo)

        

ll successo europeo dei Sonics "DUUM" chiude la sua tournée nazionale al Teatro Lirico Giorgio Gaber di MILANO, dove è atteso dal 24 al 27 marzo.
DUUM torna sulle scene completamente rinnovato, dopo le 4 tournée italiane e le 2 tournèe europee e dopo la partecipazione al Fringe Festival di Edimburgo, l'appuntamento più importante d'Europa nel campo delle arti performative.

“Siamo felici di aprire le porte del nostro Teatro – commenta il direttore generale Matteo Forte – ad una compagnia che incarna perfettamente lo spirito che alla base della riapertura del Lirico: proporre spettacoli belli, coinvolgenti e soprattutto per tutti. Alla compagnia torinese auguro dunque tutto il successo che merita. Vi aspetto al Lirico”.
DUUM è un omaggio alla bellezza dei corpi e alla sintonia perfetta dell’ insieme che racconta una sottile quanto reale storia di consapevolezza sull'importanza della meraviglia che ci circonda e che dobbiamo preservare.
Una performance multidisciplinare, con nuove musiche, macchine sceniche, videoproiezioni in 3D e con nuovissime performance acrobatiche, marchio di fabbrica della compagnia definita dal Ministero della Cultura “eccellenza italiana nel mondo”.
Duum – produzione firmata Equipe Eventi – è creato e diretto da Alessandro Pietrolini, le coreografie sono a cura dei performer della compagnia con la supervisione di Alessandro Pietrolini e Federica Vaccaro, i costumi sono di Ileana Prudente e Irene Chiarle.
DUUM è uno spettacolo dedicato alla ricerca della bellezza e del fare insieme.
E' ambientato in un luogo immaginifico del sottosuolo ispirato al mondo leggendario di Agharta, dove in un tempo non troppo lontano un gruppo di abitanti si sono rifugiati per sfuggire al mondo di sopra, che non riconoscevano più come luogo di pace e armonia: la bellezza era stata ormai soppiantata da sconvolgimenti che sembravano irreparabili.
Ma l'Architetto Serafino, protagonista della storia, conserva ancora vivo il ricordo della bellezza perduta e tenta in ogni modo di far ritorno alla superficie: guida così i suoi compagni di avventura - interpretati dagli acrobati, ginnasti e ballerini della compagnia - nel SALTO verso la luce.
“DUUM” è proprio il rumore di quel SALTO, compiuto per ritrovare la bellezza perduta.
La sua vibrazione racchiude in sè tutta la forza e l'energia del fare insieme, concetto mai così attuale dopo il periodo vissuto negli ultimi due anni.
Una sfida alla legge di gravità unita all'armonia del movimento: Serafino e i suoi amici si muovono tra cunicoli, tunnel e grotte, il risultato è un un susseguirsi di quadri scenici dove acrobazie aeree mozzafiato, performance atletiche al tempo stesso potenti e leggiadre, insieme giochi di luce, videoproiezioni ed effetti speciali, regalano al pubblico di tutte le età attimi di sogno e poesia.

   
Maggiori informazioni www.teatroliricogiorgiogaber.it - boxoffice@teatroliricogiorgiogaber.it
Prevendite on line https://www.ticketone.it/eventseries/sonics-in-duum-3009366/

 

TEATRO CARCANO:         " LE SEDIE "
                

      

Autore: Eugène Ionesco

Attori:  Michele Di Mauro e Federica Fracassi

Regia: Valerio Binasco

Periodo: (15 - 20 marzo)

Valerio Binasco affronta per la seconda volta – dopo La lezione diretta per lo Stabile di Genova – il teatro di Eugène Ionesco con Le sedie, un classico che ancora oggi demolisce tutte le convenzioni su cui si basa la nostra quotidianità. I personaggi e le situazioni delle pièce di Ionesco sono intorno a noi, reali e riconoscibili: sono le feroci vicine di casa che si esprimono esclusivamente con proverbi o frasi fatte, i colleghi dalla parlantina irrefrenabile, gli amici vittimisti.

Binasco dirige Michele Di Mauro e Federica Fracassi in una commedia i cui tratti assurdi si dissolvono in un vuoto carico di parole che via via perdono senso, in una dimensione di frustrazione che a distanza di quasi settant’anni dal debutto dello spettacolo (prima assoluta al Théâtre Lancry di Parigi, il 22 aprile 1952) sembra parlare direttamente al nostro disarmante presente.

Un faro abbandonato su un’isola: un vecchio e una vecchia attendono in una grande sala gli ospiti per una conferenza, una cerimonia sontuosa per accogliere un oratore e il suo messaggio fondamentale. Due vecchi, marito e moglie, che goffamente rivelano la loro piccola realtà: illusioni, delirio, fallimento, ma soprattutto un grande silenzio, una mancanza di interlocutori così come di comunicazione. Ma comunicare cosa? È un grande vuoto quello che risuona intorno ai due anziani, circondati da una ressa di figure inesistenti, sedie che si accatastano, rumori di sottofondo, senza che nulla avvenga realmente, perché in questa farsa tragica, dove si ride con angoscia, il nodo centrale è esorcizzare la paura, la disperazione.

 «Il teatro di Ionesco – scrive nelle sue note di regia Valerio Binasco – è una specie di mondo rovesciato: tutto quel che ci entra dentro si capovolge, come il salto di un pagliaccio. Dato che l’assurdo (alla cui “scoperta” Ionesco deve la sua fortuna nel campo della letteratura teatrale) è il tema filosofico di tutte le sue pièce, così anche la filosofia si muta in materia per buffoni.

È un giullare, Ionesco, che prende in giro il suo Re quando il suo Re è il teatro, e nelle sue commedie si percepisce l’odio e l’amore per esso […] E allora prendiamo coraggio, e diciamo che è arrivato il tempo di portare in scena anche l’altro lato del suo sentimento verso il teatro: l’amore [….]

Ed ecco, allora, che sto rivelando il mio segreto intento di regista: fare di questo testo una storia di tenerezza umana […]

Dedico questo nostro viaggio nel mondo al rovescio delle Sedie alla vera assurdità della nostra epoca: alla speranza».

 Le foto riportate sono di Gian Renzo Morteo


TEATRO MANZONI: "MINE VAGANTI"       (8-20 marzo)    

 DI FERZAN OZPETEK

AtTori: FRANCESCO PANNOFINO, IAIA FORTE, ERASMO GENZINI, CARMINE RECANO CON SIMONA MARCHINI


SCENE:  LUIGI FERRIGNO
COSTUMI:  ALESSANDRO LAI
LUCI:  PASQUALE MARI 

Ferzan Ozpetek firma la sua prima regia teatrale mettendo in scena l’adattamento di uno dei suoi pluripremiati capolavori cinematografici, Mine vaganti.  Al centro della vicenda una famiglia, proprietaria di un pastificio in un piccolo paese del sud, con le sue radicate tradizioni culturali alto borghesi e un padre desideroso di lasciare in eredità l’azienda ai figli. Tutto precipita quando il figlio Antonio si dichiara omosessuale, battendo sul tempo il secondogenito Tommaso tornato da Roma per raccontare anch’egli la sua verità. Una favola dolce-amara che lascia intatto lo spirito essenzialmente intrigante, attraente e al contempo umoristico della pellicola e in cui il pubblico è chiamato ad interagire con gli attori, che spesso recitano in platea come se fossero nella piazza del paese. Una prospettiva che si realizza con un eccellente cast corale.  

 

 

TEATRO MENOTTI:  "L'UOMO DAL FIORE IN BOCCA"     (25 - 27 febbraio)     

 

AUTORE: LUIGI PIRANDELLO

ADATTAMENTO: FRANCESCO ZECCA

REGIA: FRANCESCO ZECCA

ATTORI: LUCREZIA LANTE DELLA ROVERE

PRODUZIONE: INFINITO TEATRO
IN COLLABORAZIONE CON
 ARGOT PRODUZIONI

 

A questo punto dal cantone a destra sporgerà il capo a spiare la donna vestita di nero” (Luigi Pirandello)

 

Basta scambiarsi un bacio per sentire lo stesso gusto della vita?
Basta avvicinare le labbra al proprio amore per sentirne il sapore?
Basta sciacquarsi la bocca con il presente per non sentire più il sapore persistente del passato? La vita è ingorda, non ti lascia che i resti da assaporare ci sono ricordi il cui gusto rimane tutta la vita e non c’è spazio per altro. Solo per l’immaginazione. E a Lei, la Donna Vestita di Nero, la moglie dell’Uomo dal Fiore in Bocca,è l’unica cosa che è rimasta “attaccarsi così, con l’immaginazione alla vita” I suoi occhi così dentro e così attaccati a lui, da non volerlo far andare via. Non ancora. Quante domande ci vogliono per sollevare un peso dal cuore? Quante risposte non dobbiamo trovare per amare un dettaglio?Abbiamo dato voce a quella donna muta e dolorante, quella Donna Vestita di Nero che Pirandello ci ha fatto intravedere solo dietro a quel cantone.       F. Zecca 

 

TEATRO CARCANO :   "LE VERITA' DI BAKERSFIELD"      (24 - 27 febbraio)

Autore: Stephen Sachs

Regia: Veronica Cruciani

Attori: Marina Massironi, Giovanni Franzoni

Traduzione: M.Farau

Scene e Costumi: B.Bessi, N.Hatami

Light Design: G.Starapoli

Due destini, due vicende umane lontanissime che si incontrano nello scenario di un’America sempre percorsa da forti divari sociali. Maude, cinquantenne disoccupata, appare come una donna ormai vinta dall’esistenza, ma nell’evidente disordine della sua caotica roulotte è celato un possibile tesoro, un presunto quadro di Jackson Pollock.

Il compito di Lionel, esperto d’arte di livello mondiale, volato da New York a Bakersfield, è quello di fare l’expertise dell’opera che, in caso di autenticazione, potrebbe far cambiare completamente vita alla sua interlocutrice.

Il dialogo, che si svolge interamente tra le cianfrusaglie della casa-roulotte, marca molto le differenze tra i due, ma nel prosieguo dell’incontro accade che Maude si riveli assai meno sprovveduta di quanto appare e la posizione di Lionel appaia via via sempre più fragile in una sorta di ribaltamento di ruoli che conduce all’epilogo…

Ispirato a eventi veri, questo dramma comico crea domande vitali su ciò che rende l’arte e le persone veramente autentiche.

Le verità di Bakersfield (titolo originale Bakersfield Mist), mai rappresentato in Italia, è stato portato in scena nei migliori teatri negli Stati Uniti (tra i quali il Fountain Theater di Los Angeles e Orlando Shakespeare Theater) e tradotto in diverse lingue. Tra gli interpreti, hanno dato volto ai protagonisti anche Kathleen Turner e Ian McDiarmid, nella tenitura di tre mesi al West End di Londra.

Marina Massironi e Giovanni Franzoni lo interpretano magistralmente diretti dalla mano sapiente di Veronica Cruciani.

«Non possiamo pronunciare la parola verità senza che non scaturiscano in noi una successione di domande. Che cos’è una verità? Chi decide che cosa è vero e che cosa è falso?

Come si costruisce una verità a cui tutti credono fino a far pensare che sia la realtà?

Queste domande riguardano anche il mondo del teatro, dove la verità è una costruzione, una finzione paradossalmente necessaria. La verità o la sua finzione si incarnerà in un quadro di Jackson Pollock.

Il presunto Pollock farà incontrare i mondi di Lionel e Maude creando un dialogo intenso, che sarebbe stato impossibile senza il quadro…»    Dalle note di regia di Veronica Cruciani

 

TEATRO MANZONI:  " ENRICO IV "     (22 febbraio - 6 marzo)

AUTORE: LUIGI PIRANDELLO
REGIA: LUCA DE FUSCO

ATTORI: EROS PAGNI,
ANITA BARTOLUCCI, PAOLO SERRA, VALERIO SANTORO, GENNARO DI BIASE, MATTEO MICHELI, ALESSANDRA PACIFICO GRIFFINI, ALESSANDRO BALLETTA

SCENE E COSTUMI: MARTA CRISOLINI MALATESTA,
LUCI GIGI SACCOMANDI
MUSICHE A CURA DI GIANNI GARRERA 

Enrico IV, il celebre testo di Pirandello, andrà in scena esattamente cento anni dopo la prima assoluta che avvenne proprio al Teatro Manzoni e che fu salutato dai milanesi con grande successo. La vicenda di un uomo che è caduto da cavallo durante una festa in maschera e si è risvegliato convinto di essere Enrico IV, il personaggio storico che stava interpretando, è una grande metafora. Con la sua figura ci fa riflettere sul grande tema della follia, ma anche sulla finzione e sul teatro stesso, visto che l’uomo, di cui non conosciamo neppure il vero nome, si è talmente radicato nel suo personaggio da non volerne uscire neppure quando rinsavisce di colpo. Si tratta di un personaggio che aspetta la maturità di un grande attore e che qui sarà incarnato dall’ottimo Eros Pagni, attore dalla formidabile carriera. Al regista Luca De Fusco è affidato il compito di sorprenderci scavando dentro le pieghe del testo del geniale drammaturgo.


Il 24 febbraio 1922 Enrico IV di Luigi Pirandello, uno dei capolavori del grande drammaturgo siciliano, andò in scena per la prima volta al Teatro Manzoni di Milano nella sede di Piazza San Fedele. Protagonista di quella storica prima rappresentazione fu il famoso attore marchigiano Ruggero Ruggeri, fortemente voluto da Pirandello nel ruolo del titolo che ancora prima di stendere il testo si era assicurato la sua disponibilità presentandogli il soggetto della pièce. Tante le chiamate in palcoscenico la sera della prima, sia per gli interpreti che per Pirandello stesso che si dovette presentare alla ribalta acclamato dal pubblico. Il 24 febbraio 2022 Enrico IV tornerà in scena segnando i 100 anni esatti da quello storico momento, anche se in un altro Teatro Manzoni. La sede infatti di Piazza San Fedele fu vittima dei bombardamenti alleati del 1943. L’attuale sede di via Manzoni fu inaugurata nel 1950. 


TEATRO CARCANO : "LA PARRUCCA"    (17 - 20 febbraio)

Con Maria Amelia Monti e Roberto Turchetta

Da La parrucca e Paese di mare di Natalia Ginzburg 

Attori:  Maria Amelia Monti e Roberto Turchetta,

tratto da due atti unici di Natalia Ginzburg.

Scene e luci Nicolas Bovey

Costumi e oggetti di scena Sandra Cardini

Musiche originali Massimiliano Gagliardi

Regia Antonio Zavatteri

Produzione Nidodiragno/CMC

Comico, drammatico, vero, scritto con l’ironia e la leggerezza che rendono la Ginzburg unica nel panorama della narrativa e della drammaturgia italiana, La parrucca conferma Maria Amelia Monti come straordinaria interprete ginzburghiana, l’attrice più adatta oggi a far rivivere quel personaggio femminile che tanto aveva di Natalia stessa. Al suo fianco, Roberto Turchetta, attore di lunga esperienza teatrale che ha lavorato - tra gli altri - con Valerio Binasco, Emilio Solfrizzi, Silvio Orlando, Marina Massironi, Sergio Fantoni, Gioele Dix, Geppi Cucciari, Ugo Dighero, Riccardo Scamarcio.

Due atti unici di Natalia Ginzburg che sembrano l’uno la prosecuzione dell’altro. In Paese di mare una coppia girovaga e problematica prende possesso di uno squallido appartamento in affitto. Lui, Massimo, è un uomo perennemente insoddisfatto, passa da un lavoro all’altro ma vorrebbe fare l’artista. Lei, Betta, è una donna ingenua, irrisolta, che si deprime e si annoia facilmente, e tuttavia è genuina come solo i personaggi della Ginzburg sanno essere. A Betta la nuova casa non piace, come non le piace quel piccolo paese di mare. Ma Massimo, che ha la speranza di trovare un lavoro nell’industria di famiglia di un suo vecchio amico, la convince a restare. Tranne che l’amico si rivelerà pieno di problemi e non lo riceverà nemmeno. Così la coppia dovrà ripartire proprio nel momento in cui Betta si sarà affezionata al luogo e alla casa.

Ne La parrucca ritroviamo Betta e Massimo in un piccolo albergo isolato, dove si sono rifugiati per un guasto all’automobile. Betta è a letto disperata e dolorante perché durante un litigio Massimo l’ha picchiata. Massimo, che ora è pittore ma dipinge quadri che la moglie detesta, si è chiuso in bagno a leggere. Dopo aver urlato al marito la sua rabbia e la sua frustrazione per un matrimonio che non funziona più, Betta telefona alla madre e le rivela di essere incinta di un politico con cui ha una relazione clandestina.

Per informazioni:  info@teatrocarcano.com  | www.teatrocarcano.com

  

TEATRO MANZONI:  " I SOLITI IGNOTI "   (8 - 20 febbraio)

Regia: Vinicio Marchioni

Attori: PAOLO GIOVANNUCCI, SALVATORE CARUSO, VITO FACCIOLLA, ANTONIO GROSSO, IVANO SCHIAVI, MARILENA ANNIBALLI

La commedia è la prima versione teatrale del mitico film con la regia di Mario Monicelli, uscito nel 1958 e diventato col tempo un classico imperdibile della cinematografia italiana e non solo.

Le gesta maldestre ed esilaranti di un gruppo di ladri improvvisati sbarcano sulle scene rituffandoci nell' Italia povera ma vitale del Secondo dopoguerra. La regia di Vinicio Marchioni – insieme

all’adattamento di Antonio Grosso e Pier Paolo Piciarelli - rende merito alla sceneggiatura originale grazie a trovate di scrittura teatrale che contribuiscono a rendere moderna quell'epoca lontana consentendoci di rivivere le atmosfere del periodo.

Note di regia

Ci sono dei film che segnano la nostra vita e I soliti Ignoti, per me, è uno di questi. Come uomo mi sono divertito e commosso di fronte alle peripezie di questo gruppo di scalcinati ladri. Come attore mi sono esaltato davanti alla naturalezza con cui recitano mostri sacri come Mastroianni e Gassman. Come regista ho amato il perfetto equilibrio con cui Monicelli rende un argomento drammatico in modo leggero. Così l’idea di realizzare lo spettacolo teatrale dal film, mi ha immediatamente conquistato. È una storia bella e necessaria, che ci parla del presente immergendoci nel passato. La povertà del dopoguerra è una piaga che resiste ancora oggi, sebbene in altre forme, in tante zone d’Italia. Vorrei restituire sulla scena l’urgenza sentita dai personaggi di superare la miseria che li affligge, insieme alla vitalità indistruttibile e alla magia di un’Italia passata verso la 

quale proviamo nostalgia e tenerezza. Spero che gli spettatori possano uscire dal teatro con gli stessi sentimenti che provo io dopo una visione del film: divertiti, commossi e perdutamente innamorati di quei personaggi indimenticabili. Adattare un classico è sempre una sfida rischiosa e difficile. Ma sono le sfide che vale la pena vivere, insieme ai miei compagni di strada.    

 

TEATRO MANZONI:  " DON CHISCIOTTE "  (18-30 gennaio)

 

ATTORI:  Alessio BONI - MARCELLO PRAYER

E FRANCESCO MEONI - PIETRO FAIELLA - LILIANA MASSARI - ELENA NICO
RONZINANTE BIAGIO IACOVELLI

SCENE MASSIMO TRONCANETTI
COSTUMI FRANCESCO ESPOSITO
LUCI DAVIDE SCOGNAMIGLIO
MUSICHE FRANCESCO FORNI

REGIA:  ROBERTO ALDORASI, ALESSIO BONI, MARCELLO PRAYER liberamente ispirato all’iconico e visionario romanzo di Cervantes, narra le strabilianti avventure di un eroe fuori dal tempo, il cui spirito, infiammato dalla lettura dei poemi cavallereschi, anela a epiche imprese. Alessio Boni vivecon ardore i panni e l’armatura del cavaliere errante accanto all’eclettica e raffinata Serra Yilmaz nel ruolo del fido scudiero Sancho Panza, giovane contadino simbolo di purezza di cuore, la cui saggezza di matrice popolare contrasta con la lucida e nobile follia di Don Chisciotte. Forse ci vuole una qualche forma di follia, ancor più che il coraggio, per compiere atti eroici. Dopotutto, sono proprio coloro che sono folli abbastanza da andare controcorrente, che meritano di essere ricordati in eterno. Regia dello stesso Boni con Roberto Aldorasi e Marcello Prayer, ai quali si è aggiunto in fase di stesura drammaturgica Francesco Niccolini, cui si deve anche l’adattamento del romanzo originale. 

 

Al Teatro Lirico "Giorgio Gaber" si ricomincia con Ale e Franz
                      
È una valida occasione per tornare, dopo oltre vent'anni, al Teatro Lirico di Milano: è infatti in programma in questi giorni lo spettacolo inaugurale "Comincium", con la nota coppia di comici milanesi Ale e Franz, ovvero il cinquantenne Alessandro Besentini e il cinquantaquattrenne Francesco Villa. Un sodalizio teatrale e televisivo, il loro, nato circa venticinque anni fa; la notorietà è legata al palco di Zelig, fin dai primi anni 2000. Il Teatro Lirico "Giorgio Gaber", nella nuova denominazione dedicata al grande cantautore milanese scomparso nel 2003, ha trovato un ottimo "restyling", che certamente lo porterà ancora a competere con i migliori teatri di Milano. L'impatto col grande palcoscenico, l'ampia platea e le numerose gallerie è stato davvero piacevole. Le due ore di spettacolo di Ale e Franz, per la regia di Alberto Ferrari, ci hanno portato indietro negli anni, soprattutto per il supporto musicale della cantante-attrice Alice Grasso che, accompagnata da un valido gruppo rock di quattro strumentisti, ha introdotto, implementato e completato le tre scene preparate dal duo di comici, con brani tratti dai repertori di Jannacci, Gaber, Cochi e Renato. Tutti artisti ai quali Ale e Franz sono certamente debitori, per la tipologia della loro comicità, dove un'ironia che nasce dal vecchio cabaret degli anni '60 e '70, il Derby soprattutto, unita al bisogno di espressioni tipiche in milanese, produce una comicità surreale, sottile e divertente, non disgiunta da un senso di nostalgia di un mondo che non esiste più. Pochi elementi scenici, quali una scala, una panchina o un tavolo, sono stati sufficienti per fare da sfondo al fitto dialogo di Ale e Franz. La bravissima cantante-attrice Alice Grasso ha partecipato in modo disinvolto alla seconda brillante scena supportando molto bene i due protagonisti. Uno spettacolo divertente, che troverà numerose repliche in questi giorni, conclusosi con fragorosi applausi del pubblico intervenuto.

Milano, 28 dicembre 2021   Cesare Guzzardella

 Teatro Franco Parenti Il 3 dicembre a Teatro per beneficenza
               "Sul Cuscino"  un viaggio onirico tra voce, corpo e movimento

 

Una serata spettacolo a favore di FRO Onlus – Fondazione Radioterapia Oncologica, con Kataklò Athletic Dance Theatre e NicoNote. Il viaggio inizia già nel foyer: i danzatori danno vita a tableau vivant creati con gli abiti dei fashion Designer IED Milano

I danzatori acrobatici di Kataklò Athletic Dance Theatre (con alcuni giovani talenti dell’Accademia Kataklò) incontrano le atmosfere sonore di NicoNote e gli outfit dei neo Fashion Designer IED Moda Milano. Ne nasce Sul cuscino, un’esperienza di viaggio onirico al Teatro Franco Parenti, una serata spettacolo con finalità benefica ideata dal docente e coordinatore IED Alon Siman-tov e realizzata in collaborazione con l’Istituto Europeo di Design.

La serata, in programma il 3 dicembre a favore di FRO Onlus – Fondazione Radioterapia Oncologica, si dipana a partire da un centro focale: l’oggetto cuscino, elemento simbolico di intimità e familiarità. Il viaggio inizia per lo spettatore già nel foyer, dove i danzatori – negli abiti dei neodiplomati IED Moda Milano e accompagnati dall’intervento poetico di NicoNote – danno forma a tableau vivant che introducono ciascuno alle suggestioni di un sogno, richiamando quell’interazione tra corpo, abito e danza espressa, in via inedita, nel fashion film PÓST IED Avant Défilé 2021, presentato lo scorso giugno da IED con Kataklò.

Il viaggio prosegue poi e cambia forma sul palco della Sala Grande: valorizzato dalle atmosfere sonore della voce di NicoNote e ancora da alcuni outfit a tema degli ex studenti IED Moda Milano, il teatro diventa lo scenario onirico in cui i corpi dei danzatori si immergono, accompagnando il pubblico dentro una dimensione ineffabile. I corpi, mossi dall’eclettica sensibilità delle coreografie di Giulia Staccioli, danno vita a un racconto fisico che esplora ogni possibilità del gesto atletico e coreutico.

In questo racconto NicoNote si immerge nel disegno coreografico dando forma a veri e propri paesaggi sonori, in cui la voce e il suono diventano corpo danzante in dialogo profondo con i corpi in scena. La voce attraversa i testi, tra frammenti da Peter Handke a Pier Vittorio Tondelli, da Amelia Rosselli a Elizabeth Bishop, rielaborazioni da brani celebri di Henry Purcell a Robert Schumann e materiali originali di NicoNote. Onirica e sospesa tra suono ed elettronica, NicoNote danza con la sua voce, disegnando uno spazio accogliente, profondo, nel calore di una intimità condivisa.

Il cuscino è doppiamente protagonista degli intenti benefici della serata: 30 pezzi unici decorati dagli studenti dell’Istituto Europeo di Design saranno in vendita al pubblico nel foyer del Teatro a favore di FRO Onlus.

I biglietti per il pubblico sono disponibili su (https://teatrofrancoparenti.it/spettacolo/sul-cuscino/)  o presso la biglietteria del Teatro Franco Parenti.

 Le collezioni moda degli ex studenti IED Milano

Nel foyer del Franco Parenti e sul palco della Sala Grande il tema onirico è ripreso dagli abiti che compongono i tableau vivant (di Dara Silva Bulleri, Valentina Franchi e Gaetano Stea, ex studenti IED Milano), in quelli che vestono NicoNote (ancora Dara Silva Bulleri) e che intervengono in alcune coreografie (Gioele Costantini).

Milano, 1 dicembre 2021 

 

Teatro Manzoni:   "L'ANIMA BUONA DI SEZUAN"
OMAGGIO A GIORGIO STREHLER con MONICA GUERRITORE  (4 -17 Novembre)

DI BERTOLT BRECHT
REGIA: MONICA GUERRITORE
TRADUZIONE E ADATTAMENTO ROBERTO MENIN
Attori:  MATTEO CIRILLO, ALESSANDRO DI SOMMA, ENZO GAMBINO, NICOLÒ GIACALONE, FRANCESCO GODINA, DIEGO MIGENI, LUCILLA MININNO


Nella capitale della provincia cinese del Sezuan giungono tre dèi alla ricerca di qualche anima buona e ne trovano solo una nella prostituta Shen Te, che accorda loro ricovero per la notte. Il compenso offerto per tale atto di bontà consentirà a Shen Te di vivere bene, ma il compenso è accompagnato dal comandamento di continuare a praticare la bontà. La povera prostituta apre una tabaccheria, ma si trova subito addosso uno sciame di feroci parassiti, da cui è costretta a difendersi. Per farlo, una notte, si traveste da cugino cattivo e spietato, ma interviene l’amore a complicare la situazione… Ne L’anima buona di Sezuan c’è tutta la tenerezza e l’amore per gli esseri umani costretti dalla povertà e dalla sofferenza a divorarsi gli uni con gli altri. Monica Guerritore mette in scena la meravigliosa parabola di Brecht regalandoci un magistrale esempio di teatro civile, politico e di poesia, in omaggio alla versione di Strehler del 1981.

 

TEATRO SAN BABILA:  " La Coscienza di Zeno "

 

Autore: Italo Svevo

Regia: Marco Rampoldi

Attori: Corrado Tedeschi, Petrozzi,Camilla Tedeschi

Date: dal 14 febbraio al 1 marzo

Dal 14 febbraio al 1 marzo, in prima nazionale al Teatro San Babila di

 Milano, Corrado Tedeschi sarà Zeno

protagonista de La coscienza di Zeno, tratto dal grande classico di Italo Svevo. Ad accompagnarlo sulla scena

Claudio Moneta, Roberta Petrozzi e Camilla Tedeschi e le musiche dal vivo si Gianluca Sambataro, per la regia

 

Zeno Cosini, sotto la giuda dell'emblematico Dottor S., ripercorre analiticamente i momenti principali della suaesistenza. Ciò che nel romanzo è affidato alla scrittura di un diario, sul palcoscenico acquista l’evidenza di una

rievocazione concreta, gli spettatori sono invitati ad assistere a una sorta di seduta psicoterapeutica aperta al

pubblico.

Con le armi dell'ironia e del sarcasmo, Corrado/Zeno affonda le mani nella vita di ‘un uomo che inciampa

continuamente nella vita’ per cercare di trovare l'origine della sua inettitudine e del suo costante senso d

i inadeguatezza, dal difficile rapporto col padre alle complesse relazioni con l’universo femminile, a causa delle

quali Zeno si trova da una parte ad avere come moglie una donna per cui non prova nessuna attrazione, dall'altra

a inseguire costantemente passioni chimeriche e fugaci, per parlare poi degli antagonisti che finiscono per

diventare amici, fino all’ossessivo obbiettivo del liberarsi dal vizio del fumo.

Dopo il grande successo de L’uomo dal fiore in bocca, debuttato oltre vent'anni, in replica per oltre quindici anni,

Corrado Tedeschi torna a Pirandello, ancora con la regia di Marco Rampoldi.

 

Al Teatro Carcano "Il silenzio grande"

per la regia di Alessandro Gassmann



"Il silenzio grande" di Maurizio De Giovanni è una commedia in due atti per la regia di Alessandro Gassmann. Tutto avviene all'interno di un grande studio con vaste librerie nella casa del noto scrittore Valerio Primic. Valerio, un personaggio discreto, sempre assorto nei suoi libri, certamente molto buono d'animo, ha però un rapporto di poca comunicazione con i figli Massimiliano e Adele. Ma anche con la moglie Rose, sempre più distante da lui pur amandolo molto, il rapporto è in crisi. Tanti "piccoli silenzi" sono presenti in quella casa che sommati danno "un silenzio grande". Il personaggio più presente, anche nelle circa due ore di spettacolo, è la cameriera Bettina, l'unica che entra maggiormente nel mondo ricco d'ideali di Valerio, un mondo lontano dalla realtà che sta attraversando. Infatti un momento difficile nell'economia famigliare porterà poi alla vendita del grande appartamento dove la famiglia vive per potere risanare i debiti accumulati negli ultimi anni. Ma ciò sembra non intaccare più di tanto il mondo ideale di Valerio. La mancanza di rapporti veri di dialogo con i familiari renderà tardivamente noti a Valerio le problematiche dei figli: Massimiliano finalmente riuscirà a rivelargli la sua omosessualità e la grande passione per il teatro e la stravagante giovane Adele renderà note le sue vicende amorose con persone molto mature d'età. Insomma, una vicenda non particolarmente nuova e con un finale a sorpresa, che viene raccontata molto bene da bravissimi attori, coordinati benissimo da Alessandro Gassmann. Il protagonista Massimiliano Gallo, Valerio, è perfetto nel suo ruolo e rivela tutti i modi teatrali di una scuola napoletana che si rifà ai De Filippo. Bravi anche Stefania Rocca in Rose, Jacopo Sorbine e Paola Senatore, i figli ed eccellente Monica Nappo, una cameriera-governante di grande umorismo. Un lavoro anche molto divertente, nel pieno di una tradizione un po' datata, ma che ha il merito di arrivare subito al pubblico grazie all'ottima compagnia teatrale, Massimiliano Gallo prima di tutti. Efficaci le realizzazioni video di Marco Sciavoni proiettate e perfettamente uniformate con gli attori. Fragorosi applausi ieri sera alla prima milanese del Teatro Carcano. Altamente consigliabile.

7 febbraio 2020 Cesare Guzzardella



TEATRO MANZONI:   " The deep blue sea "

Autore:

 
Terence Rattigan

Regia: 

Luca Zingaretti

Attori: Luisa Ranieri, Maddalena Amorini, Giovanni Alzaldo, Alessia Giuliani, Flavio Furno, Aldo Ottobrino, Luciano Scarpa

Date: dal  30 gennaio al 16 febbraio

The deep blue sea è considerato il capolavoro di Terence Rattigan, drammaturgo inglese del XX secolo. Il testo delinea un intenso personaggio femminile che incarna l’essenza stessa della capacità di amare, resistere e rinascere delle donne. Qui le presta il volto la magnetica e sanguigna Luisa Ranieri, per la minuziosa e ponderata regia di Luca Zingaretti. Si tratta di una straordinaria storia passionale ambientata nella borghesia inglese degli anni ‘50; una riflessione su cosa un uomo o una donna sono capaci di fare per inseguire l’oggetto del loro amore. La storia inizia con il fallito tentativo della protagonista Hester di togliersi la vita. La donna, che ha lasciato il facoltoso marito a causa di una relazione con un giovane, nata sull’onda della passione e della sensualità, è ora sfinita e disperata per il progressivo raffreddarsi di tale relazione. Alla fine Hester sarà costretta a prendere una decisione particolarmente difficile.

 

TEATRO COCCIA: " Il Costruttore Solness "

 

Autore: Ibsen

Regia: Alessandro Serra

Attori: Umberto Orsini, Lucia Lavia, Renata Palminiello, Salvo Drago, Flavio Bonacci

Una delle qualità che più apprezziamo in quello che è ancora, alla bellezza di ottantacinque anni, uno degli attori protagonisti della scena teatrale italiana, Umberto Orsini, è, oltre, naturalmente, la sua straordinaria bravura, l’inesausta curiosità per testi poco frequentati, lo spirito di ricerca e la volontà di confrontarsi con esperienze interpretative mai scontate e ai margini della più consolidata tradizione teatrale. E’ il caso di questo “Costruttore Solness”, un atto unico scritto da Ibsen nel 1892, che oggi, domenica 26 gennaio, Orsini ha replicato, dopo la prima di ieri sera, al Teatro Coccia di Novara, la sua città natale. Lo spettacolo è una produzione della Compagnia Orsini e del Teatro Stabile dell’Umbria, per la regia di Alessandro Serra, che cura anche scene, costumi e luci. Halvard Solness è uno dei personaggi più complessi e affascinanti che il grande scrittore norvegese abbia creato. La vicenda di Solness è apparentemente quella del declino e della tragica sconfitta finale di una volontà di potenza: il protagonista è un facoltoso e potente imprenditore edile, un costruttore di case, che non vuole cedere a nessuno il proprio potere, schiacciando chiunque collabori con lui , a cominciare dal giovane architetto Ragnar, che egli teme possa affermarsi ed emergere, limitando o oscurando il suo potere. Solness è la “Voluntas” di Schopenhauer o la “Volontà di potenza “ di Nietzsche, che però, egocentricamente realizzata, soffoca e opprime qualunque essere entri in contatto con essa. Questa lotta per l’affermazione di sé prende anzitutto la forma di una lotta senza quartiere di un vecchio contro i giovani .Tale atmosfera di raggelante oppressione è resa benissimo dalla regia di Serra mediante la costruzione di un ambiente grigio, plumbeo una specie di allucinante carcere di alte pareti da cui non si può evadere, mosse dagli attori a rendere sempre più oppressivi gli spazi. La casa, il ‘mito centrale e il senso stesso dell’esistenza, privata e pubblica, di Solness, si trasforma in una sorta di incubo allucinatorio. Tuttavia, come sempre in Ibsen, questo ‘potere’ (che non è solo economico, ma incarna le forze più profonde della vita) è minato al suo interno dal cupo presagio di un destino di sconfitta e di catastrofe, simbolicamente incarnato dalla moglie Aline, donna spezzata moralmente e invecchiata precocemente da una terribile sventura occorsale anni prima, la morte dei due figli, che ella, almeno secondo le accuse del marito, ha nutrito col latte avvelenato dalla malattia contratta in seguito allo choc provocato in lei dal trauma seguito all’incendio della casa paterna in cui abitava col marito e i figlioletti. Ora, sorta di inquietante fantasma, Aline si aggira quasi strisciando lungo le grigie pareti, compare e scompare, in una casa vuota, dove le stanze costruite per i bambini sono immerse nel glaciale silenzio della morte. Il costruttore di case Solness non ha potuto costruire la sua casa, simulacro di un fatale destino, più tomba che casa. La ‘volontà’ di Solness non è libertà compiutamente realizzata, ma al contrario perdita, sconfitta, resa a una misteriosa forza superiore contro cui s’infrange ogni anelito umano (e qui c’è qualcosa dell’antica tragedia greca): la lotta contro la gioventù è allora per il protagonista disperato tentativo di resistere a un fato, che la sua coscienza malata presagisce comunque come inevitabile, anzi, con una contraddizione tipica dei grandi personaggi ibseniani, ne è addirittura oscuramente attratto, avvertendo una sorta di fascino della vertigine e della distruzione. Ad alimentare il dramma interiore di Solness, a minarne la forza della volontà costruttrice è anche un oscuro senso di colpa: la sua potenza economica è nata proprio dall’incendio di quella casa, che ha liberato una ampia area fabbricabile per la sua attività. La figura di Aline, nel suo continuo scivolare nelle tenebre ed emergerne è il simbolo stesso, reso benissimo dalla regia, di questo senso di colpa. Solness è convinto che la sua pena e il suo dramma siano la prova che Dio non lo ama: da qui la costruzione di case come sfida a Dio, in quanto, prima d’allora, Solness era stato costruttore di chiese. La catastrofe, che cupa aleggia sin dall’inizio sul ‘costruttore’ assume le fattezze di una affascinante giovane Hilde Wangel, sorta di angelo vendicatore che riaffiora nella vita di Solness da un lontano passato, di cui lui aveva perso memoria. Sarà lei, colla intensa attrazione che susciterà nel protagonista, ultimo guizzo di una vita che lo ha ormai abbandonato, ad accompagnarlo sull’orlo del precipizio e a gettarvelo, come una sorta di cappio che si stringe inesorabilmente al collo di Solness, reso con grande efficacia dalla sobria e claustrofobica scena costruita da Serra. E’ per obbedire a una richiesta di Hilde, che Solness sfida il proprio terrore delle vertigini e sale sul punto più alto dell’impalcatura di una sua costruzione, da cui precipiterà. La vita è desiderio e la sua sconfitta, tensione a costruire e distruzione, si possono costruire solo ‘castelli in aria’ come dicono Solness e Hilde, rappresentazioni illusorie di una vita che si dilegua nel tempo. Splendida l’interpretazione di Orsini, che rende al meglio, con una recita asciutta, ma meravigliosamente ricca di sfumature , la complessa interiorità di Solness.. Molto bravi anche gli altri interpreti: Lucia Lavia è una perfetta Hilde nel suo fascino misterioso e inesorabilmente attraente, Renata Palminiello è una Aline assai efficace, nella sua angoscia e nel suo soffocante grigiore che la pone fuori dalla vita. Accanto a loro recitano con bravura le loro parti Salvo Drago (Ragnar), Chiara Degani (Kaja), Flavio Bonacci (Knut Brovik) Pietro Micci (il dottor Herald). Un applauso anche alla eccellente regia di Serra, di tenebrosa visionarietà, realizzata con una scenografia essenziale. Spettacolo di grande successo, indimenticabile.

Novara, 26 gennaio 2020   Bruno Busca

 

TEATRO SAN BABILA:  "Un grande grido d’amore"

Autore: Josiane Balasko, traduzione David Norisco

Regia: Francesco Branchetti

Attori: BARBARA DE ROSSI, FRANCESCO BRANCHETTI, Isabella Giannone e Simone Lamberti

Musiche: Pino Cangialosi

Date: dal 21 al 26 gennaio

Barbara De Rossi e Francesco Branchetti ancora insieme sul palcoscenico con uno spettacolo tutto nuovo, davvero coinvolgente: i due straordinari interpreti, protagonisti negli ultimi anni di numerose rappresentazioni di successo, dal 21 al 26 gennaio porteranno in scena al Teatro San Babila “Un grande grido d’amore” di Josiane Balansko con la traduzione di Davide Norisco e la regia dello stesso Francesco Branchetti. In scena anche Isabella Giannone e Simone Lambertini, musiche originali di Pino Cangialosi. Da Milano a Napoli, passando per Torino, Firenze e tantissime altre città, la commedia attraverserà l’Italia in lungo e largo, toccando numerose regioni, con una lunga e impegnativa tournée.

Al centro della vicenda i protagonisti Gigì Ortega e Hugo Martial, attori e coppia famosissima anni prima, fino all’abbandono delle scene da parte di lei e il conseguente declino della carriera di lui. La rinuncia improvvisa di un’attrice, protagonista con Martial di uno spettacolo pronto al debutto, fornisce all’agente il pretesto per tentare di formare di nuovo la mitica coppia e garantire il successo dello show. Da qui una serie di stratagemmi e imbrogli per convincere gli attori a tornare insieme e una serie di esilaranti situazioni ed equivoci in un’atmosfera spesso deflagrante, ricca di suspense ma anche di tenerezza. Foto di Marinetta Saglio

 

La cena delle Belve al Teatro Carcano


È di scena al Teatro Carcano di Milano fino al 19 gennaio una pièce teatrale in due atti di Vahè Katchà, La cena delle belve - "Le repas des fauves". È una elaborazione drammaturgica di Julien Sibre nella versione Italiana di Vincenzo Cerami. Non è uno spettacolo nuovo, ma certamente di grande successo in Italia dal 2017, per almeno due fattori: l'intelligenza della vicenda di Katchà, particolare ed avvincente, e la bravura degli otto protagonisti, sei uomini e due donne. In Francia la pièce è un successo sin dal 2011 e ha vinto importanti premi come il  Premio Molière per il miglior spettacolo, il migliore adattamento e la migliore regia. È la storia di sette amici che a causa dell'improvvisa presenza di un ottavo personaggio, un gerarchia nazista della Gestapo, perderanno poi certamente l'amicizia, evidenziando nel corso della recita tutti i loro difetti utili a salvarsi la pelle. Siamo in Italia nel 1943, mentre i sette festeggiano un compleanno, due ufficiali tedeschi verranno uccisi. La rappresaglia della Gestapo prevederà di prendere due ostaggi per ogni appartamento del palazzo. Verrà imposto ai sette malcapitati di decidere chi di loro dovrà essere consegnato al cinico ufficiale tedesco. Il gerarca dà loro due ore di tempo per la scelta. Ognuno degli amici vorrà salvare la propria vita e davanti alla paura della morte l’amicizia un po' alla volta cederà il passo al bisogno di sopravvivenza. Il dialogo serrato  dei sette amici mette in risalto il carattere di ognuno con elementi positivi per pochi e particolarmente negativi per altri. È uno spettacolo che parte da presupposti drammatici ma che riesce ad avere momenti decisamente divertenti grazie anche alla bravura attoriale di tutti, gerarca compreso. Alla prima rappresentazione milanese del giorno 9, con la sala del Teatro Carcano al completo, gli applausi sono stati meritati e fragorosi. Ricordiamo i bravissimi protagonisti: Marianella Bargilli, Emanuele Cerman, Alessandro D’Ambrosi, Maurizio Donadoni, Ralph Palka, Gianluca Ramazzotti, Ruben Rigillo, Silvia Siravo. La regia è di Julien Sibre e Virginia Acqua; valide le sene di Carlo De Marino con la riuscita scelta di proiettare le immagini su schermo che potenziano la drammaticità dell'evento e perfetti i costumi di Francesca Brunori. Da non perdere!!!
Milano, 10 gennaio 2020      Cesare Guzzardella

I

TEATRO MANZONI: "ANGELO DURO DA VIVO"

 

Di Angelo Duro

Date: dal 13 gennaio

 

 

Dopo il successo di pubblico e di critica dell’ultima tournée teatrale che ha registrato ovunque il sold out, la comicità dissacrante di Angelo Duro torna a calcare il nostro palcoscenico con il nuovo live show Angelo Duro da vivo. Si annuncia esilarante il one-man show del comico da quasi due milioni di follower, seguitissimo dal pubblico per la sua ironia cinica e imprevedibile che fa ridere e insieme riflettere. È lui stesso ad affermare: “Chi vi dice che parlerò? Posso starmene pure quaranta minuti in silenzio. Chi me lo vieta?”. Bisognerà quindi attendere di vederlo in scena per scoprire cosa racconterà questa volta.

Angelo Duro è un trentaseienne scappato dal lavoro che il padre voleva lasciargli in eredità, un’azienda con mille problemi da risolvere. Lui ha scelto la strada di essere libero e ha cominciato a raccontare la sua vita nei teatri, ottenendo sempre più consensi.

 

TEATRO MANZONI: "MASSIMO LOPEZ & TULLIO SOLENGHI SHOW"

 

Scritto da Massimo Lopez e Tullio Solenghi
Diretto da M. Gabriele Comeglio
con la Jazz Company
Date: dal 9 al 12 gennaio

Dopo i sold out della passata stagione, Massimo Lopez e Tullio Solenghi ci ripropongono il loro show, di cui sono interpreti ed autori, coadiuvati dalla Jazz Company del maestro Gabriele Comeglio, che esegue dal vivo la partitura musicale. Ne scaturisce una scoppiettante carrellata di voci, imitazioni, sketch, performance musicali, improvvisazioni, sempre alla ricerca di una grande complicità col pubblico. Tra i vari cammei, l’incontro tra papa Bergoglio e papa Ratzinger, i duetti musicali di Gino Paoli e Ornella Vanoni, o di Dean Martin e Frank Sinatra. Tullio e Massimo, da “vecchie volpi del palcoscenico”, si offrono alla platea come due vecchi amici, con l’empatia spassosa ed emozionale che da sempre li contraddistingue, per offrirci un racconto scenico senza un apparente filo conduttore, un po' a scatole cinesi, dove una semplice frase o una singola intonazione possono agevolare la scena successiva.  

 

TEATRO CARCANO:  "LA CENA DELLE BELVE"

Autore: Vahè Katchà

Regia: Julien Sibre e Virginia Acqua

Elaborazione drammaturgica Julien Sibre

Versione italiana Vincenzo Cerami

Con (in o. a.) Marianella Bargilli, Emanuele Cerman, Alessandro D’Ambrosi,

Maurizio Donadoni, Ralph Palka, Gianluca Ramazzotti, Ruben Rigillo, Silvia Siravo

Date:  da giovedì 9 a domenica 19 gennaio 2020

Produzione Gianluca Ramazzotti per Ginevra Media Production Srl | Centro d’Arte Contemporanea Teatro Carcano

In collaborazione con 51mo Festival di Borgio Verezzi

Tensione, ironia e humour nero in questa pluripremiata commedia francese, che Vincenzo Cerami ambienta nell’Italia del 1943. Un evento drammatico trasforma una cena tra amici in un gioco al massacro, in cui ognuno, tra vigliaccherie, spavalderie, meschinità, darà il peggio di sé nella speranza di salvare la pelle.

TEATRO MANZONI: "Il BERRETTO A SONAGLI""

Autore:

Luigi Pirandello

Regia: Francesco Bellomo

Attori: GIANFRANCO JANNUZZO,

Rosario Petix, Carmen Di Marzo, A.Ferrara

Date: dal 10 al 27 ottobre

Il berretto a sonagli, capolavoro pirandelliano che ha da poco compiuto un secolo mantenendo intatta la sua lucida e tagliente provocazione, narra di un marito che accetta l’adulterio della moglie, ponendo come unica condizione la salvaguardia dell’onorabilità. Il personaggio di Ciampa proposto da Gianfranco Jannuzzo, che si muove con pacatezza e lucidità nell’arco dei sentimenti di dolore, furore, pietà e ironia, è in grado di parlare un linguaggio pirandelliano in tutte le sue sfumature. Obbedisce a un codice di comportamento che fa riferimento al sistema socio-morale delle tre corde: la seria, la civile e la pazza. La regia di Francesco Bellomo colloca la vicenda nell’immediato dopoguerra e recupera situazioni tipiche del mondo siciliano di quel tempo. Si connota per aver restituito alcune scene tagliate del copione originale e per aver aggiunto un prologo in flashback, consentendo così di evidenziare la spontaneità della vis comica pirandelliana.

 

Teatro Carcano :   "ALLE 5 DA ME "

Autore: Pierre Chesnot

Regia: Stefano Artissunch

Attori: Gaia De Laurentiis  Ugo Dighero

Date: da giovedì 4 a domenica 14 aprile

Un girotondo di personaggi per due soli attori, un vero e proprio tour de force teatrale per i brillanti protagonisti di questa commedia francese, una ottimamente oliata macchina del divertimento. Un lui in cerca di stabilità affettiva e una lei desiderosa di maternità innescano una girandola di situazioni esilaranti e di incontri a dir poco bizzarri, che culmineranno in uno spiazzante finale a sorpresa

TEATRO MANZONI: "Piccoli crimini coniugali"

Autore: Éric-Emmanuel Schmitt

Regia: Michele Placido

Attori: Michele Placido, Anna Bonaiuto

Date: dal 28 marzo al 14 aprile

In Piccoli crimini coniugali Gilles e Lisa sono una coppia come tante che vive un apparente tranquillo ménage familiare. Un incidente domestico in cui Gilles perde completamente la memoria, ma non le sue facoltà intellettuali, diventa la causa scatenante di un sottile, brillante e distruttivo gioco al massacro, narrato da uno dei drammaturghi più amati d’oltralpe, Éric-Emmanuel Schmitt. I tentativi di Lisa di aiutare il compagno a riappropriarsi della sua identità e del loro vissuto comune diventano un percorso bizzarro e doloroso, che si snoderà tra rivelazioni sorprendenti, scoperte sospettate, rancori, gelosie, fraintendimenti mai chiariti. Una lotta senza esclusioni di colpi, sostenuta dagli energici e determinati Michele Placido, nella doppia veste di attore e regista, e Anna Bonaiuto. Un confronto incessante e necessario per permettere a due persone di crescere insieme e di rispettarsi.

Per maggiori informazioni:  www.teatromanzoni.it

 

TEATRO DELLA LUNA: "AGGIUNGI UN POSTO A TAVOLA"

Grande successo al teatro della Luna ad Assago il 7 Marzo 2019 alla prima della Storica commedia musicale di Garinei e Giovannini : "Aggiungi un posto a tavola" interpretata da Gianluca Guidi sempre più vicino all'interpretazione di tanti anni fa del padre, il Jonny Nazionale (Dorelli).Un pubblico di appassionati e molti gli esperti del settore ha applaudito a tutto lo staff di attori e cantanti e ballerini che hanno fatto rivivere lo spettacolo di un tempo e sempre attuale. Alla fine dello spettacolo sul palco e'salito anche Garinei per i meritati applausi come si vede nelle foto.

Milano, 9 Marzo 2019   Achille Guzzardella

TEATRO MANZONI: " Sogno di una notte di mezza estate "

Autore:  William Shakespeare 
Regia: Massimiliano Bruno 
Attori: Rosario Petix, Zep Ragone, Dario Tacconelli Maurizio Lops nel
Sara Baccarini, Alessandra Ferrara, Antonio Gargiulo, Tiziano Scrocca
Maria Vittoria Argenti
Scene e costumi:  Carlo De Marino
Light Designer:  Marco Palmieri
Musiche: Roberto Procaccini

Date: dal 28 febbraio al 17 marzo

Un vero e proprio teorema sull’amore, ma anche sul nonsense della vita degli uomini che si rincorrono e che si affannano per amarsi, che si innamorano e si desiderano senza spiegazioni, che si incontrano per una serie di casualità di cui non sono padroni. Mito, fiaba e quotidianità si intersecano in questa originale versione del noto testo shakespeariano, di cui la rilettura del regista Massimiliano Bruno fa emergere la dimensione inconscia, onirica, anarchica e grottesca. Così il nostro bosco sarà foresta, patria randagia di zingari circensi e ambivalenti creature giocherellone, Puck diventerà un violinista che non sa suonare, Bottom un pagliaccio senza palcoscenico, Oberon un antesignano cripto-gay e Titania una ammaestratrice di bestie selvagge. I dirompenti Stefano Fresi, Violante Placido, Paolo Ruffini e Augusto Fornari ci trascineranno in questo moderno e travolgente Sogno di una notte di mezza estate.

Per maggiori informazioni:  www.teatromanzoni.it

TEATRO MANZONI:   " Tempi Nuovi "

Autore e Ragia: Cristina Comencini

Attori:  Maurizio Micheli e Iaia Forte

Date:    dal 7 al 24 febbraio

 

Tempi nuovi mette in scena un nucleo familiare investito dai cambiamenti veloci e sorprendenti della nostra epoca: elettronica, mutamento dei mestieri e dei saperi, nuove relazioni. Un terremoto che sconvolge comicamente la vita dei quattro personaggi: Giuseppe, uno storico che vive circondato da migliaia di libri; la moglie Sabina, una giornalista che cerca di stare al passo coi tempi; il figlio Antonio che vola leggero nella sua epoca fatta di collegamenti veloci e senza legami col passato, e la figlia Clementina che ha in serbo una notizia che metterà a dura prova la modernità della madre. Cristina Comencini, da sempre sensibile ai grandi temi del nostro tempo, orchestra questa vicenda in cui Maurizio Micheli e Iaia Forte ci accompagneranno con il loro estro verso il colpo di scena finale ponendoci di fronte alle contraddizioni di un tempo in cui siamo costretti a immergerci e a navigare a vista.

 

TEATRO SAN BABILA:  "TRAPPOLA PER TOPI"

 

Autore: Agatha Christie

Regia: Stefano Messina

Attori: C. Crisafio, S.Messina, C.Lizzani, A. Di Nola

Date: dal 12 al 17 febbraio

Dopo il clamoroso successo degli scorsi anni, la compagnia Attori & Tecnici ripropone dal 12 al 17 febbraio al Teatro San Babila il giallo di Agatha Christie che ha affascinato gli spettatori in tutta Italia, durante una applaudita tournèe.

Quando ho letto il copione di Trappola per topi  - racconta Stefano Messina - sono rimasto affascinato dalla capacità drammaturgica della scrittrice. È una miscela perfetta di suspense, thriller e comicità. Ho voluto ricreare il non detto e i giochi di sguardi, di cui è farcito il testo, per ricreare quell’atmosfera un po’ retrò e la tensione psicologica che cresce scena dopo scena. Mi sono imposto di non tradire la scrittrice e così ho scelto di non darne una lettura simbolica. Ho preferito il tradizionale al contemporaneo a tutti i costi. Credo, infatti, che per far funzionare questo perfetto congegno sia necessario lasciarsi trasportare dal clima, dal periodo in cui è stato scritto”.

E così gli spettatori si ritrovano in una vecchia casa inglese, adattata a locanda, e sentono l’odore dei mobili, dei tappeti, del camino, lo scricchiolio delle scale di legno e il cigolio delle porte. Siamo negli anni ’50 in pieno clima londinese, quando nella locanda di Castel del Frate, i giovani albergatori Mollie e Giles Ralston affrontano una drammatica avventura assieme a cinque eccentrici clienti. Tutti sembrano avere qualcosa da nascondere, mentre un efferato omicidio compiuto a Londra sembra stranamente collegato con la locanda. 
Nel frattempo all’isolamento ambientale, dovuto a una bufera di neve, si aggiunge quello acustico. Le linee telefoniche s’interrompono e le strade sono bloccate. Grazie alla sua abilità di sciatore, il sergente Trotter della polizia di Scotland Yard riesce ad arrivare a Castel del Frate. Il poliziotto deve tutelare la loro incolumità e risolvere il mistero, ma il suo arrivo destabilizza tutti. Appare chiaro che tra di loro si cela l’assassino psicopatico che ha già ucciso una donna a Londra e che potrebbe colpire ancora. 
Ma sotto quale travestimento si maschera il colpevole?  Perché l’assassino si trova proprio in quel piccolo albergo, lontano dal mondo? Toccherà al sergente Trotter individuare il misterioso omicida intenzionato a colpire ancora?

 

TEATRO GEROLAMO  " PINOCCHIO " (El Pinocc)

Autore:  Carlo Collodi

Regia: Lorenzo Loris


Adattamento drammaturgico di Sabina Negri, Lorenzo Loris,  Mario Sala
Tratto dalla versione dialettale di Tranquillo Salvatori
Attori: Mario Sala e i Duperdu (Marta Marangoni e Fabio Wolf)
Maschere e disegni di scena: Giovanni Franzi
Musiche originali dei Duperdu

Costumi: La Nuova Sartoria di Nadia Venegoni

Produzione Culturale Blu

Date: dal 1°al 3 febbraio

Debutta in teatro il Pinocchio di Lorenzo Loris: lo spettacolo sarà in scena al Teatro Gerolamo di Milano dall’1 al 3 febbraio. L’opera è liberamente tratta dalla versione dialettale di Tranquillo Salvatori (Premio Rosa Camuna della Regione Lombardia) con l’adattamento drammaturgico di Sabina Negri, Lorenzo Loris – che cura anche la regia – e Mario Sala. In scena Mario Sala e i Duperdu (Marta Marangoni e Fabio Wolf).

Questo è un Pinocchio molto speciale. Innanzitutto da un punto di vista linguistico. In questa versione, infatti, l’ex burattino è un uomo di oltre cinquant’anni, pieno di vita e di allegria, che ripercorre con sapiente ironia la propria esistenza attraverso un susseguirsi incalzante di  flashback vivaci, commoventi e brillanti. I Duperdu sono i vari personaggi della fiaba, raccontati e rappresentati attraverso le maschere e i disegni di scena del maestro Giovanni Franzi.

Fino a quando andrà a scuola, dove imparerà l’italiano, Pinocchio parlerà in dialetto, lingua usata anche nei momenti ludici e nelle espressioni più immediate e spontanee. Due lingue e due culture si incontrano, si scontrano, si fondono, a raffigurare anche la tensione e la dialettica fra il mondo degli adulti e quello dei bambini, fra la realtà e l’immaginazione, fra il dramma e il gioco. Un’interpretazione stimolante e affascinante della fiaba di Collodi: dopo Vera Vuz, con cui nel 2013 si era confrontato con il pavese, Loris torna a lavorare sul dialetto, inserendolo nel suo percorso attraverso i grandi autori della letteratura del Novecento.

 

TEATRO MANZONI: " Sento la Terra Girare"

Autore : Teresa Mannino, Giovanna Donini

Regia:   Teresa Mannino

Date:    dal 28 al 6 febbraio

Dopo il successo della scorsa stagione, Teresa Mannino arriva a Milano con il suo nuovo spettacolo Sento la terra girare ispirato sempre alla sua amata Sicilia. Teresa vive chiusa in un armadio da mesi e anni. Un giorno decide di uscire, ma scopre che il mondo sta cambiando in modo radicale e velocissimo e che addirittura l'asse terrestre sta variando. Nel mare ci sono più bottiglie di plastica che pesci, sulle spiagge più tamarri che paguri. Fuori dall'armadio il mondo va a rotoli, rotoli di carta igienica e le possibili soluzioni non sembrano risolvere il problema, ma anzi complicano solo la vita. Teresa allora decide di ritornare nell'armadio, ma ormai neppure quello è più lo stesso. 

 

TEATRO MANZONI:  "VINCENT VAN GOGH"

Autore: Stefano Massini

Regia: Alessandro Maggi

Attori: Alessandro Preziosi
 

Date: dal 15 novembre al 2 dicembre 2018

Le austere e slavate pareti di una stanza del manicomio di Saint Paul. Come può vivere un grande pittore in un luogo dove non c’è altro colore che il bianco? È il 1889 e l’unico desiderio di Vincent è uscire da quelle mura, la sua prima speranza è riposta nell’inaspettata visita del fratello Theo che ha dovuto prendere quattro treni e persino un carretto per andarlo a trovare.
Attraverso l’imprevedibile metafora del temporaneo isolamento di Vincent Van Gogh in manicomio, interpretato da Alessandro Preziosi, lo spettacolo di Khora.teatro in coproduzione con il Teatro Stabile d’Abruzzo, che si avvale della messa in scena di Alessandro Maggi, è una sorta di thriller psicologico attorno al tema della creatività artistica che lascia lo spettatore con il fiato sospeso dall’inizio alla fine.
Il testo vincitore del Premio Tondelli a Riccione Teatro 2005 per la “…scrittura limpida, tesa, di rara immediatezza drammatica, capace di restituire il tormento dei personaggi con feroce immediatezza espressiva” (dalla motivazione della Giuria n.d.r.) firmato da Stefano Massini con la sua drammaturgia asciutta, ma ricca di spunti poetici, offre considerevoli opportunità di riflessione
sul rapporto tra le arti e sul ruolo dell’artista nella società contemporanea.  NOTE DI REGIA

 

TEATRO MENOTTI:   "LE BAL" -  L’Italia balla dal 1940 al 2001

Autore: Jean-Claude Penchenat

Regia:Giancarlo Fares

Con:

Giancarlo Fares, Sara Valerio

Riccardo Averaimo, Alberta Cipriani, Manuel D’Amario,

Alessandro Greco, Lorenzo Grilli, Alice Iacono

 

Un fortunato format francese di Penchenat con il quale si racconta la storia del nostro paese dall’inizio della seconda guerra mondiale al crollo delle torri gemelle. Due momenti drammatici che segnano l’inizio e la fine di un lungo periodo, narrato abilmente attraverso le più belle canzoni italiane che hanno caratterizzato la vita e il costume della società.

La pista di una sala da ballo si presenta pronta ad accogliere le coppie che di qui a poco inizieranno a ballare.
La musica si fa drammaturgia
e permette alle azioni di esplodere e raccontare la storia del nostro paese che si dipana dagli anni quaranta, passando per la seconda guerra mondiale, la liberazione, il boom economico, le lotte di classe, la corruzione, la gioia della vittoria dei mondiali che unisce tutti indistintamente, il degrado, la paura dell’undici settembre e la riconquista dei valori, dell’amore che dona speranza narrando i cambiamenti della vita quotidiana, la migrazione verso il nord, l’abbigliamento, il modo d’esprimere le proprie emozioni.

Un racconto senza parole, affidato alla musica e agli attori, alla forza comunicativa delle azioni, dei gesti e dei suoni che accompagnano i molti cambi di costume che raccontano il susseguirsi dei decenni, i mutamenti dei colori e lo scoprirsi del corpo. Sulle note di canzoni italiane che appartengono alla memoria comune, dal Trio Lescano a Fred Bongusto, da Modugno a Mina, Renato Zero, Enrico Ruggeri, Battiato, Celentano e la Vanoni, solo per citarne alcuni, si racconta l’Italia che balla dal 1940 al 2001.

Lo spettacolo originale, nasce dalla mente di Jean-Claud Penchenat, presente come attore anche nella trasposizione cinematografica Ballando Ballando diretta da Ettore Scola.

 

TEATRO PARENTI: "FERDINANDO"

Autore: Annibale Ruccello
Attori: Gea Martire, Chiara Baffi, Fulvio Cauteruccio, Francesco Roccasecca
Regia: Nadia Baldi
Costumi: Carlo Poggioli
Scenografia: Luigi Ferrigno

Produzione: Teatro Segreto

Date: dal 23 ottobre

Nadia Baldi firma la regia di Ferdinando, il testo forse più famoso di Annibale Ruccello, andato in scena per la prima volta il 28 febbraio 1986.
Donna Clotilde, baronessa borbonica, si è rifugiata in una villa della zona vesuviana, scegliendo l’isolamento come segno di disprezzo per la nuova cultura piccolo borghese che si va affermando dopo l’unificazione d’Italia. È con lei una cugina povera, Gesualda, che svolge l’ambiguo ruolo di infermiera/carceriera. I giorni trascorrono uguali, tra pasticche, acque termali, farmaci vari e colloqui con il parroco del paese, Don Catellino, un prete coinvolto in intrallazzi politici. Nulla sembra poter cambiare il corso degli eventi, finché non arriva Ferdinando, un giovane nipote di Donna Clotilde, dalla bellezza “morbosa e strisciante”. Sarà lui a gettare lo scompiglio nella casa, a mettere a nudo contraddizioni, a disseppellire scomode verità e a spingere un intreccio apparentemente immutabile verso un inarrestabile degrado.

TEATRO SAN BABILA:  " IL BERRETTO A SONAGLII "

Autore: Luigi Pirandello

Regia: Sebastiano Lo Monaco

Attori: Sebastiano Lo Monaco, Marina Biondi

Date: dal 23 al 28 ottobre

“Una commedia nata e non scritta. Così Pirandello ha definito il suo Berretto a Sonagli”. Lo spettacolo, con la regia di Sebastiano Lo Monaco. “Su questo pensiero ho costruito la mia regia: viva e non scritta. Tutti gli attori in questo spettacolo hanno cercato di essere personaggi vivi e veri, più di noi che respiriamo, alternando pianto e riso durante tutto lo svolgimento del dramma. Mi preme però dire la ragione per la quale mi sono appassionato a questo progetto. Il personaggio di Ciampa, apparentemente grottesco, è in realtà straziante, ma soprattutto è il più moderno degli eroi pirandelliani. Il “Berretto” è la storia di un uomo giovane, poco più di quarant’anni, che tradito dalla moglie accetta la condanna e la pena di spartire l’amore della propria donna con un altro uomo, pur di non perderla. Un tema drammatico e attuale che si voglia o no. Per tradizione questo personaggio è stato affrontato da attori alla fine della propria carriera, ad ogni modo avanti con gli anni. Questo travisava la forza drammatica di Ciampa, così eroico e pieno di umanità, una umanità silenziosa e astuta che gli dà la forza di difendere la sua infelicità coniugale, contro la società ridicola di quel tempo. Un personaggio insomma apparentemente piccolo ma infinitamente grande”.

Sebastiano Lo Monaco

Ispirata alla novella di Pirandello del 1912 Certi obblighi, il Berretto è la storia di un uomo giovane, poco più che quarantenne, che tradito dalla moglie accetta la condanna e la pena di spartire l’amore della propria donna con un altro uomo. Il personaggio di Ciampa, apparentemente grottesco, è in realtà nella lettura di Sebastiano Lo Monaco, straziante, eroico e pieno di umanità. Un’umanità silenziosa e astuta che gli dà la forza di difendere la sua infelicità coniugale contro la società ridicola di quel tempo, per salvare il “pupo” cioè la sua rispettabilità nella Sicilia dei primi del Novecento. Si salverà il nostro protagonista, dall’essere deriso, come si fa coi buffoni che portano sul capo il berretto della vergogna?

 

TEATRO MANZONI: " A TESTA IN GIU’ "

 

Autore: Florian Zeller

Regia: Gioele Dix

Attori: Emilio Solfrizzi, Paola Minaccioni e Viviana Altieri, Bruno Armando

Scena: Andrea Taddei Costumi: Barbara Bessi Luci: Carlo Signorini

Musiche: Savino Cesario, Silvano Belfiore

Date: dall’11 al 28 ottobre 2018

Daniel invita a cena, contro il consiglio di sua moglie, Patrick suo migliore amico e la sua nuova partner Emma per la quale ha lasciato la moglie. Emma, giovane e carina provoca una tempesta negli animi dei commensali, scuotendo le loro certezze, risvegliando frustrazione, gelosia e invidia.

L'originalità di A testa in giù sta nel fatto che il pubblico è testimone dei pensieri dei personaggi che parlano in disparte. Grande gioco di attori che svelano con la tecnica del doppio linguaggio una verità comica, crudele e meravigliosamente patetica.

Il testo è stato portato in scena, nel gennaio 2016, al Théâtre De Paris, con Daniel Auteil nel ruolo di protagonista e regista. Da tempo desideravo lavorare con e per Emilio Solfrizzi. Ci unisce un’antica amicizia e una comune, istintiva fiducia nell’arte della commedia. Ed ecco l’occasione: un nuovo testo di Zeller che sembra scritto apposta per esaltare le sue qualità di comico naturale e di raffinato interprete.

A testa in giù è costruito sull’idea che i personaggi, oltre a parlare normalmente fra loro, esprimano ad alta voce di fronte al pubblico anche i propri pensieri. L’effetto è dirompente e trasforma una comune vicenda in un formidabile e spassoso labirinto di gesti e parole. Per le attrici e gli attori si tratta di recitare su un doppio binario, una prova al tempo stesso complicata ed esaltante.

Emilio Solfrizzi è un esilarante Daniel, editore colto e maturo, le cui certezze improvvisamente si sgretolano di fronte alla scelta di Patrick (l’ottimo Bruno Armando), amico di un vita, che decide di abbandonare la moglie per mettersi con Emma (la bravissima Viviana Altieri), giovane aspirante attrice. Un avventato e inopportuno invito a cena trasforma l’innocua serata in una sorta di regolamento di conti fra gaffe, equivoci e incomprensioni. E Daniel si ritroverà ben presto a mettere interiormente in discussione gran parte della propria esistenza. Ma sarà la moglie Isabelle, con le sue brillanti doti di saggezza e di acuminata ironia, a salvarlo dal preoccupante precipizio. Nel difficile ruolo della coprotagonista c’è per fortuna Paola Minaccioni, fuoriclasse del teatro comico e non solo, attrice sensibile e versatile, una garanzia.

A testa in giù, uno spettacolo originale e sorprendente che non potrà non piacervi, se amate le commedie intelligenti.           Gioele Dix

 

Teatro Carcano:  "LA CAMBIALE DI MATRIMONIO"

Libretto: Gaetano Rossi

Musica: Gioachino Rossini

Regia Laura Cosso

Orchestra del Conservatorio “Giuseppe Verdi” di Milano

Direttore: Margherita Colombo

In apertura: LES MOTS QUI SONNENT – Due melologhi per Gioachino Rossini

Elia Praderio METODO PER ADDORMENTARSI - Federico Pirotti PETIT DÎNER DE PLAISIR

Produzione Conservatorio di Musica “G. Verdi” di Milano | Accademia di Belle Arti di Brera

Il Teatro Carcano di Milano torna ai fasti delle sue origini di teatro lirico ed inaugura la stagione 2018/19 venerdì 12 ottobre con l’inedita e prestigiosa collaborazione con il Conservatorio “Giuseppe Verdi” di Milano e l’Accademia di Belle Arti di Brera impegnati nella prima delle due nuove coproduzioni in cartellone, LA CAMBIALE DI MATRIMONIO di Gioachino Rossini (la seconda, DON GIOVANNI di Mozart, sarà in cartellone a maggio). Progetti nati con l’intento di “fare rete”, di mettere insieme competenze di istituzioni diverse puntando sulle capacità di giovani, musicisti, cantanti, compositori, registi, scenografi, macchinisti, fotografi che si affacciano al mondo del lavoro.

In omaggio a Rossini nel 150° della morte, in apertura di serata verranno eseguiti anche due melologhi su musiche composte da studenti delle classi di composizione del Conservatorio di Milano.

Lo spettacolo è inserito nel programma del Festival 150 Rossini Milano (9-19 ottobre 2018).

Con la farsa La cambiale di matrimonio il diciottenne Rossini iniziò nel 1810 al Teatro San Moisè di Venezia la sua fulgida e rapidissima carriera. I personaggi principali dell’opera formano una sorta di quadrilatero: da una parte stanno i due “amorosi”, cioè i due giovani innamorati, soprano e tenore, che si esprimono con un linguaggio sentimentale; dall’altra, due personaggi anziani e comici, voci di basso-baritono chiamate a quel tempo “buffi”: Mill, padre avaro e ostinato, pronto a trattare sua figlia come una merce, e Slook, mercante americano dalle maniere grezze, abituato a misurare ogni cosa in denaro ma pronto a comprendere con generosità il valore dei sentimenti umani. Nella vivacità e nella precisione del ritmo, nella limpida chiarezza con cui si svolgono le frasi musicali e nel calore melodico delle espressioni amorose si riconosce già da questa prima opera lo stile caratteristico di Rossini.

Il ricco mercante inglese Tobia Mill riceve una lettera dal nordamericano Slook, suo corrispondente in affari, che annuncia la sua venuta in Europa per ritirare la merce a cui ha diritto avendo stipulato una cambiale con Mill. La merce è... una donna da sposare! Mill coglie la palla al balzo e decide di soddisfare Slook dandogli in moglie sua figlia Fanny. Ma costei è segretamente fidanzata con Edoardo Milfort, un giovane povero. All’arrivo di Slook, Fanny ed Edoardo, il quale si è introdotto nella casa presentandosi falsamente come il nuovo impiegato, tentano di convincere l’Americano, un po’ con le buone un po’ con le minacce, a rinunciare ad esigere il pagamento della cambiale. Il servo di Mill, complice dei due giovani, rivela a Slook che forse la merce è gravata da un’ipoteca... Quando Slook scopre il sentimento che unisce i due, decide di girare la cambiale a Edoardo. Questi esibisce la cambiale e Slook vince le ultime resistenze di Mill dichiarando di avere nominato Edoardo suo erede. Che Mill si metta l’anima in pace! Ha tentato di pagare il suo debito con un bene gravato da ipoteca, e invece di essere imprigionato si troverà a godere fra un anno del frutto del capitale: un bel nipotino.