Regia: Cristina Pezzoli

Attori:Isa Danieli, Veronica Pivetti

Date: da l' 11 al 30 ottobre

Regia: Andrea Battistini

Attori: Alessandro Buggiani, Chiara Di Stefano, Guglielmo Guidi, Totò Onnis

Date: dal 12 al 23 ottobre 2011

E’uno dei testi più conosciuti della storia del teatro di tutti i tempi, una eterna e universale macchina drammaturgica che per centinaia di anni è stata continuamente reinterpretata in ogni terra e in ogni tempo. Una favola cinica e spietata tra sogno e realtà, verità e menzogna, messa in scena da un’ottima compagnia tutta di giovani guidata da Andrea Battistini.  

Il Sogno si snoda su tre piani ben distinti, tutti nel profondo compenetrati e interagenti tra loro. Siamo in un tempo, nel “luogo” dove si sviscera tra il sangue e il sorriso l’amore. Siamo nell’inconscio del conflitto “coniugale” potente e devastante tra il re degli elfi e la regina delle fate. Siamo nel teatro “adolescenziale” della conoscenza dell’amore e del suo contrario, dell’istinto che emerge e travolge le regole sociali, siamo nell’amore dolce e poetico – magari un po’ buffo – raccontato da una squinternata compagnia di filodrammatici; siamo tra le pareti di una camera da letto, tra le mura di una città, tra gli alberi di un bosco nello spazio infinito dell’universo. I sentimenti si rincorrono, si affrontano, si allontanano e aderiscono riflettendosi tra i vari personaggi della storia.

TEATRO PARENTI:        SONJA

Regi: Alvis Hermanis

Attori:  Gundars Abolins e Jevgenijs Jsajevs

Date: dal 30 settembre al 2 ottobre 2011

Ha fatto il giro dei festival di tutto il mondo, Sonja, uno dei maggiori successi firmati da Hermanis, poetico adattamento da un racconto di Tatiana Tolstaya, nata a Leningrado nel 1941. I testi di Tatiana Tolstaya sono caratterizzati da una conoscenza ammirabile della natura umana accompagnata da commenti sofisticati e precise osservazioni sulla società contemporanea. Qui la storia è ironicamente compassionevole, grottesca e triste. Due uomini dall’aspetto piuttosto rozzo entrano furtivamente in un appartamento fatiscente. Il primo si cala nei panni della donna che lo ha abitato, Sonja, dall’esistenza piena di contrasti e di contraddizioni: sognatrice, bruttina, sola, ingenuamente romantica, ma anche eccellente cuoca e buona sarta; il secondo si trasforma nella proiezione immaginaria sia degli uomini che Sonja non ha mai avuto, sia della società crudele che l’ha circondata, usata, e fatta soffrire fino alla disperazione. É la storia di una donna semplice, vittima di un crudele scherzo dei vicini: una vicenda che Alvis Hermanis, con un geniale espediente di immedesimazione metateatrale, riesce a raccontare ribaltando finzione e realtà. Gli interni sono ricreati con una minuziosità ai limiti dell’ossessione feticista: una cupa abitazione russa degli anni ‘30 con oggetti d’uso comune così numerosi da arrivare quasi a soffocare gli spettatori: credenze, fornelli, pentole, asciugamani, macchine da cucire, catini, letti, comodini e vecchie poltrone. I due attori in scena recitano il mondo intero passando da un registro all’altro con sorprendente facilità – dal burlesco al tragico, dall’umoristico al patetico. É un ritratto impietoso dell’ordinarietà e della miseria dell’esistenza, e allo stesso tempo è il racconto della caparbia determinazione di Sonja a vivere fino in fondo il SUO sogno. É uno spettacolo dall’equilibrio precario di rara delicatezza, creato senza alcun artificio esteriore o forzato teatralmente, come se, attraverso l’incastrarsi delle storie, il legame dei destini e la mescolanza dei registri, l’esistenza congelata di Sonja riuscisse, come per magia, a rivivere davanti ai nostri occhi.

TEATRO PARENTI:       LA LEGGENDA DEL GRANDE INQUISITORE

Autore: Fedor Dostoevskij

Attori: Remo Girone 

Date: 12-14 settembre  

La leggenda del grande inquisitore inaugura il nostro viaggio Dentro l’anima russa. Si tratta del noto racconto di Ivan Karamazov, all’interno del grande romanzo I fratelli Karamazov, che rappresenta il vertice del pensiero teologico- filosofico di Dostoevskij.

A portarlo in scena Remo Girone, interprete sensibile e inquieto della parabola di Cristo che nel Millecinquecento torna sulla terra, a Siviglia, dove il Grande Inquisitore sta consegnando al rogo centinaia di eretici. La vicenda è nota: il vecchio e potente ministro della Chiesa pronuncia contro il Messia un fortissimo atto d'accusa, rimproverandogli di aver voluto portare la libertà a un popolo che è incapace di usufruirne: “L’umanità va gestita come un gregge e noi questo lo sappiamo fare e tu non puoi disturbare questo nostro progetto. La tua possibilità l’hai avuta ora tocca a noi”- sostiene l’Inquisitore.

TEATRO PARENTI:   IL TEATRO TRA MILANO E SAN PIETROBURGO

Continua la sfida del Parenti: portare in scena pièce in lingua originale. Questa volta tocca al teatro russo , che può vantare un’antica tradizione teatrale.

Ieri i primi due spettacoli del Festival Laboratorio Internazionale della Giovane Regia, uno scambio culturale fra la Scuola teatrale Paolo Grassi e il Laboratorio ON.TEATR di San Pietroburgo. Giovani registi italiani hanno messo in scena testi italiani con giovani attori pietroburghesi, mentre gli allievi della Paolo Grassi si sono cimentati con scritti russi diretti da registi russi. Il risultato? Di sicuro la possibilità di apprendere nuove tecniche teatrali e nuovi stili registici, ma anche una conoscenza reciproca della cultura di ciascun Paese.

Per quattro serate, fino al 30 giugno, si avvicenderanno nelle sale del Parenti due spettacoli, uno in russo (sovratitolato) e uno in italiano.

Hanno aperto la rassegna Fine famiglia di Magdalena Barile e Bello e lontano di Daniil Privalov.

Fine famiglia è uno studio psicologico molto sottile sulle dinamiche della famiglia italiana moderna, che imbriglia al suo interno i figli e si pone come ostacolo alla loro crescita, maturazione ed emancipazione.

Per l’intera durata dello spettacolo la Figlia e il Figlio compiono il disperato tentativo, destinato al fallimento, di abbandonare il nido materno, ma sia una Madre morbosa e possessiva sia la loro inettitudine glielo impediscono. Anche il Marito, deresponsabilizzato e immaturo, cerca invano di andar via da una Moglie che è contemporaneamente vittima e carnefice.

Lo spettacolo, molto ben riuscito, è veloce e non manca di offrire spunti esilaranti che, però, non sminuiscono i sentimenti di rabbia e frustrazione che i personaggi vivono.

Il secondo spettacolo, invece, forse un po’ troppo lungo in pieno stile russo, affronta una tematica esistenziale classica che non sarà mai sufficientemente sviscerata: la “vita” post mortem.

In questo caso il regista ci offre lo sguardo inorridito di sei giovani di fronte alla prospettiva di una permanenza infinita in un luogo e in un tempo in cui tutto è immutabile e vuoto di aspettative.

I sei personaggi, divenuti angeli, pertanto privi di passioni (o supposti tali), senza neppure la consolazione della morte, ottengono solo di vedere la vita sulla Terra, che loro chiamano la Libertà, di cui desiderano rifare parte,  ma appaiono condannati a vivere prigionieri dell’eternità.          

Milano, 28 giugno 2011  Carmen Riccardi

TEATRO PARENTI:          MidsummerNight’sDream

L’idea non è stata affatto balzana : offrire al pubblico milanese, sempre più internazionale, una pièce in lingua originale.

Ieri al teatro Franco Parenti  lunghi applausi hanno accompagnato la fine della rappresentazione del Sogno di una notte di mezza estate, una delle commedie più gradevoli del “maestro” Shakespeare, portata in scena dall’Hyperion Theatre Project, giovane compagnia di New York.

La versione propostaci, se da un lato è apparsa fedele al testo nei dialoghi e nell’uso del  blank verse (verso sciolto) tanto caro a Shakespeare, ha contemporaneamente sprigionato energia e vitalità negli scambi tra gli attori. Teatro classico, dunque, secondo il quale il linguaggio è considerato l’elemento più importante, ma anche teatro popolare, nel quale l’improvvisazione assume un ruolo fondamentale.

Particolarmente riuscito, a mio avviso, il personaggio di Helena, amante infelice che invano insegue nel bosco il suo amato Demetrio, che a sua volta ama, non riamato, Hermia. Dispetti e scherzi di elfi e fate porteranno al lieto fine, ma prima Helena ha il tempo di incantare il pubblico mostrando grande agilità fisica e maestria nei giochi sia verbali che fisici nei quali è coinvolta con gli altri personaggi.

La scena, semplice ma luminosa, risaltava l’incanto del bosco fatato, simbolizzato da due alberi realizzati con tubi di plastica.

Tra il pubblico Massimo Moratti, padre di Celeste Moratti, che interpretava Titania, la regina delle Fate.

Repliche giovedi e venerdi alle ore 21.15.

Da non perdere. Consigliata una discreta conoscenza della lingua inglese.  

TEATRO PARENTI:          The Hyperion Theatre Project

Titolo:  MidsummerNight’sDream

Autore: William Shakespeare

Attori: Celeste Moratti, Michael R. Pauley, Laura Montes, TristanColton, Laura Frye, Nina Ashe, Steven Watts, Joseph Discher, Lamar Lewis, NannetteDeasy, Kevin Gilligan, Andrew Kimler, Loren Dunn  

Date: da 14 al 17 giugno

N.B. : lo spettacolo è in lingua originale

Dopo il successo della tournée Americana, che ha toccato New York City e Chicago, arriva in Italia A Midsummer Night’sDream di William Shakespeare nella lettura dell’Hyperion Theatre Project, una delle più vitali e giovani compagnie della scena off-off newyorkese. Nato da una collaborazione tra artisti provenienti dalle realtà più interessanti del mondo teatrale newyorkese, come il Living Theatre di Judith Malina, La MaMa e il Public Theatre, questo Sogno shakespeariano fonde in sé ben tre tradizioni: quella dello stile naturalistico della recitazione, lasciata in America da Stanislavskji e Stella Adler, quella del linguaggio che è posto al centro della scena in pieno rispetto della tradizione britannica che fa capo alla Royal Shakespeare Company e agli insegnamenti di John Barton, e, infine, quella dell’improvvisazione, un omaggio alla tradizione italiana della Commedia dell’Arte (passata attraverso l’influenza di istituzioni dell’improvvisazione newyorkese, come L’Upright Citizen Brigade e il Magnet Theatre). È nota la trama, che vede protagonisti il duca di Atene e Ippolita, insieme alle altre tre coppie di amanti: Elena-Demetrio, Ermia-Lisandro, Oberon-Titania, coinvolti in un gioco di travestimenti, oltre che di accoppiamenti, creati dalla magia del sogno e della notte. Attraverso i meccanismi perfetti dell’intreccio, Shakespeare ci affida anche una riflessione sull’essenza fondamentale del Teatro. La freschezza giovanile e alcune indicazioni formali inusitate, rendono l’edizione americana del Sogno uno spettacolo da non perdere.

TEATRO MANZONI:       "SCHERZI DEL DESTINO"

Scritto e diretto da Marco Calindri

Attori: Giorgio Bonino, Federica Toti, Claudia Migliavacca, Alberto Pistacchia

Date: dal 7 al 9 giugno

Scherzi del destino” è una commedia ambientata ai giorni nostri e interpretata da 5 attori che hanno maturato la loro esperienza professionale, soprattutto nell’attività del doppiaggio.

Una parte dell’incasso della serata del 7 giugno sarà devoluto all’Associazione ‘Attivecomeprima’ ONLUS, una parte dell’incasso della serata dell’8 giugno sarà devoluto all’associazione ‘Telefono Azzurro’ ONLUS, mentre una parte dell’incasso del 9 giugno sarà devoluto alla ‘LILT – Lega italiana per la Lotta contro i Tumori’ ONLUS.

La trama vede protagonista Stefano, separato da circa un anno e titolare, insieme al suo amico Lorenzo, di una piccola agenzia di pubblicità.

Una sera, rientrando a casa dopo una difficile giornata di lavoro, riceve l’imprevista telefonata di una donna sconosciuta (Paola) la quale, con tono particolarmente teso, chiede di parlare con Giovanni, il suo fidanzato.

Stefano fa presente che si tratta di un banale errore telefonico, perché in casa sua non c’è nessun Giovanni ma, prima che Paola chiuda la telefonata, incuriosito da quella voce per lui  particolarmente affascinante, con un’abile dialettica riesce a trattenerla in linea per qualche minuto. Viene così a sapere che la tensione di Paola è dovuta alla decisione di comunicare al fidanzato, proprio quella sera, che il loro rapporto è chiuso definitivamente.

In seguito a questa telefonata, si susseguono colpi di scena, equivoci e coincidenze che coinvolgono i due protagonisti in una serie di imprevisti assolutamente sorprendenti.

Autore: Ivan Menchell

Regia: Caterina Costantini

Attori: Caterina Costantini, Lorenza  Guerrieri 

“Il club delle vedove” narra l’amicizia sincera tra tre donne rimaste vedove che decidono di dare vita ad un club in cui contemplano i loro defunti mariti e la loro attività più mondana consiste nell’andare al cimitero. Son battute frizzanti e tanto sarcasmo queste tre signore, a cui se ne aggiunge una che continua a sposarsi e risposarsi, condividono le loro vite e la loro solitudine, fino all’arrivo di Sam, galante profumiere rimasto anche lui vedovo

Commedia divertentissima e brillante che ci permette di guardare alla morte con un sorriso, sottolineando che non bisogna mai perdere la speranza e che ciò che conta non è essere giovani, ma sentirsi giovani.  

Caterina Costantini,attrice barese prettamente teatrale, torna al Teatro San Babila come attrice e regista di questa pièce, da cui sono stati tratti due film nel 1992 e nel 1993 .  

Lorenza Guerrieri è un’attrice teatrale e cinematografica, protagonista della  commedia all’italiana.

TEATRO DEGLI ARCIMBOLDI:  AGGIUNGI UN POSTO A TAVOLA

Regia:  Pietro Garinei e Sandro Giovannini

Attori: Gianluca Guidi, Enzo Garinei, Marisa Laurito

Periodo: dal 1 al 17 aprile 2011

Don Silvestro, il parroco di un piccolo paese di montagna, riceve un giorno una "inaspettata" telefonata: Dio in persona gli ordina di preparare un’Arca in vista di un secondo Diluvio Universale. Il giovane parroco aiutato dal suo paese e intralciato da mille inconvenienti (non ultimo il sindaco Crispino, che cercherà in tutti i modi di mettergli i bastoni tra le ruote), riesce tra mille dubbi nella sua impresa, ma l'arca costruita non salperà mai. Poco prima del diluvio, un cardinale convince la gente del paese a non seguire Don Silvestro, il quale viene creduto pazzo per la sua bizzarra idea, cosicché al momento del cataclisma, sull'Arca si trovano solo lui e Clementina, la giovane figlia del sindaco. Silvestro decide però di non abbandonare il suo paese e i suoi amici e, a diluvio iniziato, scende dall'Arca: Dio vede fallire il suo progetto e fa smettere il diluvio, tutti sono sani e salvi grazie all'altruismo e  dall'amicizia del curato. In un perfetto gioco di scatole cinesi, poi, accanto alla preparazione per l’imminente secondo Diluvio Universale si incastrano l'amore di Clementina per Don Silvestro; l'inimicizia per lo stesso del padre di Clementina, l'ateo Crispino; la comparsa in paese di Consolazione, una prostituta che distrae gli uomini del paese dai loro doveri familiari; l'amore di quest’ultima per Toto, lo scemo del paese, che grazie alla riacquistata virilità la trae dalla attenzioni degli altri uomini e la sposa.

TEATRO MANZONI:    L'ASTICE AL VELENO

Regia:Vincenzo Salemme

Attori: Vincenzo Salemme, A. Morea, B.Valanzano, M. Aiello

Periodo: dal 29 marzo al 17 aprile 2011

“L’astice al veleno” è l’ultima commedia che il prolifico Vincenzo Salemme ha scritto appena un anno fa. Sempre basata su un meccanismo comico farsesco, che è la cifra dell’autore, porta in sé i caratteri della commedia brillante e romantica.
Protagonisti sono Barbara e Gustavo. Lei è un’attricetta che sta provando uno spettacolo ed attualmente è l’amante addolorata e delusa del regista, un inseparabile ammogliato. Gustavo invece è un pony express che porta in giro pacchi dono per il Natale imminente. La vicenda infatti nasce e finisce nella giornata del 23 dicembre. Nel teatro dove Barbara debutterà tra pochi giorni, in scena coi protagonisti ci saranno quattro figure molto particolari: sono le statue raffigurate nella scenografia, una lavandaia del Cinquecento, uno scugnizzo di Gemito, un poeta rivoluzionario proveniente dal Regno delle Due Sicilie, un “munaciello”, figura mitologica dell’iconografia popolare napoletana, che si esprime come un primitivo. Barbara è una donna molto suscettibile e sognatrice e, proprio per questa sua fragilità psicologica, parla con queste figure inanimate che però nella sua fantasia prendono vita. Solo lei (e il pubblico in sala) le vede “vivere”. E invece quando in teatro arriva Gustavo, col costume di Babbo Natale per una consegna, anche per lui le statue si animano. E’ il segno che tra i due c’è molto in comune. Barbara decide di mettere fine alla sua relazione con il regista adultero attuando un piano diabolico e a tal fine organizza una cena a lume di candela in teatro. Il tutto condito dalle incursioni di un astice vivo da cucinare, ma che nessuno ha il coraggio di ammazzare.
Vincenzo Salemme, come sempre alla direzione dello spettacolo e in scena con il suo affiatato gruppo di attori, introduce come novità una decina di pezzi inediti cantati dai personaggi, passaggi musicali che spezzano e alleggeriscono il ritmo convulso delle battute.

TEATRO SAN BABILA:     CHI E' CCHIU FELICE 'E ME

Regia: Eduardo De Filippo

Attori: Gigi Savoia Giovanna Rei

Periodo: dal 29 marzo al 17 aprile

E se pensare al futuro, per una volta, diventasse divertente? E se riuscissimo, in questo momento particolare, a riderci sopra.
E' il nuovo spettacolo di Zuzzurro & Gaspare, una carrellata di comicità, di situazioni che attingono dal vero, che denuncia a suo modo le incomprensioni tra i vecchi modelli e le nuove modalità: di vivere, di incontrarsi e di invecchiare.

TEATRO DEGLI ARCIMBOLDI:  Lalala GERSHWIN  (26 marzo 2011)

Autori: José Montalvo e Dominique Hervieu

Musiche: George Gershwin 

Interpreti: Richard Anegbele/Ernest Bilé N’Draman, Franz Cadiche/Rotha, Clarisse Doukpe/Ibrahim Diame dit  Ibougaloo, Christelle Nazarin/Karla Pollux, Priska Caillet/Emeline Colonna, Plock/Mansour Abdessadok, Arthur Benhamou  

Lalala Gershwin di José Montalvo e Dominique Hervieu, uno spettacolo coloratissimo e adatto per il pubblico di tutte le età; un’esplosione di allegria attraverso tutte le forme della danza, per gioire insieme della musica del geniale compositore americano. Uno sguardo sull’America degli anni Trenta, alla sua storia multirazziale segnata da tensioni e speranze, e un’evocazione della Broadway dell’epoca, tra jazz, ragtime e musica colta, emergono sottotraccia in questa vivacissima produzione, dove trovano posto tutte le forme di movimento, dall’hip hop al classico, dall’afro alla danza contemporanea in felice convivenza.  

Sul palco sette danzatori si esibiscono con energia esplosiva sulle proiezioni e nel disegno coreografico guizzante di Montalvo e Hervieu, lui di famiglia spagnola, con studi di architettura e di danza tra Cunningham e Nikolais, lei francese, formatasi come ginnasta e seguendo il magistero della tecnica Nikolais, che insieme qui parlano con leggerezza di  storia, di politica e di poesia, in un viaggio affascinante tra New York e Hollywood.

Da quando si sono fatti conoscere per la loro peculiare attitudine al globalismo del corpo, Montalvo e Hervieu hanno firmato una serie di lavori dedicati ai ragazzi e non solo a loro: Hollaka Hollala, Un nioc (Coin-angolo) de Paradis, Le Corbeau et le Renard (La volpe e il corvo) o La Bossa Fataka de Rameau.

Mescolando l’azione dal vivo a quella sullo schermo, la realtà e la fantasia, da vent’anni questa coppia di coreografi straordinariamente complici nella creatività e deliberatamente impegnati ad accogliere tutte le culture, regala a tutte le platee e a piene mani gioia e intelligenza.

TEATRO COCCIA (Novara):    “Mercadet l’affarista”  

Vi sono testi letterari, anche assai lontani nel tempo, che, al di là del loro valore estetico ‘eterno’, tornano ad assumere un significato di sorprendente attualità, per la stretta analogia con vicende e situazioni del nostro presente. E’ il caso, fra i molti, del più riuscito testo teatrale di H. De Balzac, la commedia “Mercadet l’affarista” (1840), rappresentata  al Teatro Coccia di Novara oggi 20 marzo, per la regia di Antonio Calenda, nella produzione del Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia, del Teatro Stabile di Catania e Quirino "Vittorio Gassman".”La commedia di Balzac –spiega lo stesso Calenda– possiede una stringente attualità, un incredibile impatto sul lettore contemporaneo, poiché tratta temi molto sentiti, come la frenesia e l’immoralità delle speculazioni economiche, lo spietato gioco delle Borse, il mondo losco e cinico degli affari”. Il protagonista Mercadet è infatti un personaggio monomaniaco, di starordinaria energia, sorta di demiurgo della finanza, geniale e cialtrone, un carattere eccezionale, degno della grande Commedia umana di Balzac. Mercadet vive per realizzare  la sua unica fondamentale idea fissa, quella di arricchire, speculare: è mosso da una brama insaziabile, una vera e propria libidine del denaro, che per lui è una  forma di  nevrosi. Gioca in Borsa con denari che – in realtà – non gli appartengono. Egli è infatti sull’orlo della bancarotta, assediato dai creditori: una crisi, che fin dall’inizio imputa al socio Godeau, andato con la cassa a cercar fortuna nelle Indie e di cui nulla si sa più. Ma nell’attesa di Godeau, Mercadet non resta inattivo, tutt’altro: certo che il motore della società moderna sia il denaro e che l’onore sia fondato ormai sulla sola apparenza, usa la moglie quale stendardo della propria fortuna e la costringe a partecipare elegantemente abbigliata a ogni occasione mondana. Un modo per “truccare” il mercato in proprio favore, per tenere in pugno i creditori, ancor più sensibili di lui al miraggio del facile guadagno. Così ottiene le loro azioni e addirittura i risparmi dei propri servitori per i suoi maneggi finanziari. Cerca anche di maritare la figlia bruttina   a un dandy presuntamente abbiente che si rivela poi uno spiantato… ma i suoi piani falliscono. Metterà addirittura in scena il ritorno del suo socio e sarà proprio nel gioco degli arrivi falsi o ipotetici di  Godeau che troverà la salvezza a un passo dal baratro, ottenendo che ogni cosa si ricomponga sul piano economico, degli affetti, come pure su quello della morale a cui Mercadet, sospinto dalla moglie e dai burrascosi eventi, alla fine s’inchina (ma possiamo credergli?), ritirandosi in campagna a vivere di un lavoro onesto.

Ottima l’interpretazione di Geppy Gleijeses che impersona efficacemente, dandogli un colore di sinistra farsa (sottolineato dai nasi posticci, da maschere grottesche, indossati dai personaggi dei creditori) il ruolo dello speculatore senza scrupoli, inseguito dai creditori, che non esita a coinvolgere i suoi affetti più cari pur di arrivare a concludere i suoi affari: le scorribande ed i trucchi di Mercadet/ Gleijeses lo rendono quasi una “simpatica canaglia” agli occhi del pubblico, che si diverte, ma che allo stesso tempo riflette sull’immoralità di questo torbido e disumano mondo della speculazione finanziaria , che fa da sfondo alla vicenda. Ma un applauso va rivolto a tutti gli attori, fra i quali segnaliamo soprattutto Marianella Bargilli, nel ruolo di Julie (la figlia di Mercadet) e Paila Pavese, la moglie e complice di Mercadet.. Intorno a loro, si muovono con scioltezza e garbo Osvaldo Ruggieri, Francesco Benedetto, Adriano Braidotti, Piergiorgio Fasolo, Antonio Ferrante, Ferruccio Ferrante, Antonio Tallura, Alfonso Venero so e  Jacopo Venturiero, guidati  con  esperta maestria dalla regia di Calenda. Lo spettacolo con  le scene di di Pier Paolo Bisleri e le musiche di Germano Mazzocchetti.,  si avvale di notevoli e raffinati costumi d’epoca  che contribuiscono a ricostruire “storicamente” ed efficacemente  l’ambiente satirico e caricaturale della Parigi ottocentesca. Meritatissimi i prolungati applausi del numeroso pubblico presente in ogni ordine di posti.  

 Novara,   20 marzo                   Bruno Busca

TEATRO SMERALDO: "Sono romano ma non è colpa mia"

Attore: Enrico Brignano

Date:  dal 1 al 13 marzo

Reduce dallo strepitoso successo teatrale e televisivo, Enrico Brignano , torna in scena con lo spettacolo “SONO ROMANO MA NON E’ COLPA MIA”.
Uno show che dà voce a sentimenti ed emozioni. Brignano riflette ad alta voce, dà corpo ai ricordi di famiglia ma di una famiglia allargata, che risalendo di nonno in nonno, arriva fino a nonno Romolo, primo re di Roma.
Ma fuori dal nido degli affetti familiari, anche di quelli più lontani nel tempo, ce n’è per tutti, nessuno escluso: tempo di bilanci, di riflessioni e di speranze per il futuro, con un’ispirazione sempre educata a volte surreale e mai volgare, con uno spettacolo che ha come unica GRANDE pretesa, quella di far trascorrere una serata divertente.
Nei suoi esilaranti monologhi, l’Artista, mette alla berlina vizi e virtù degli uomini di oggi, dalle paure alle manie che ciascuno serba in cuore: un viaggio tra le piccole e grandi nevrosi degli italiani. Ma in questo viaggio fortunatamente viene in soccorso , anzi in “Pronto soccorso” la risata come un sorso d’acqua fresca, capace di mandar giù e per un attimo far dimenticare qualsiasi boccone amaro. Una pausa di serenità, una pausa di buonumore.
“Sono romano ma non è colpa mia” perché abitare nella capitale comporta una responsabilità non indifferente: saper far meglio di chi è venuto prima di noi, molto prima di noi.

Con l’aiuto e la maestria delle musiche e dell’orchestra diretta dal maestro Federico Capranica, Brignano vi accompagnerà tenendovi per mano attraverso i monumenti e i ruderi dei suoi pensieri.

TEATRO SAN BABILA:    ‘Non c’è più il futuro di una volta’

Regia: Andrea Brambilla 

Attori:Brambilla e Formicola ( Zuzzurro e Gaspare)

Data: dall'8 al 27 marzo 

L’irresistibile comicità di Gaspare e Zuzzurro sbarcherà, da martedì 8 a domenica 27 marzo 2011, sul palcoscenico del Teatro San Babila di Milano con la produzione a.ArtistiAssociati ‘Non c’è più il futuro di una volta’ di Aicardi, Formicola, Pistarino, Freyrie, per la regia di Andrea Brambilla in scena con Nicola Formicola, (musiche Los Chitarones, Lorenzo Arco).

Uno spettacolo scoppiettante che fa leva sul cabaret regalando al pubblico due ore di spensierata allegria, ma anche di profonde riflessioni. E c’è da credere che trascinerà nel vorticoso turbine di risate il pubblico milanese con quella collaudata comicità che la coppia perfeziona ormai da trent’anni. Il segreto di questo duo dai ritmi effervescenti, e il serrato dialogo – quasi radiofonico – che si innesca da spunti banalissimi per sfociare in ‘massime’ dai toni agro-dolci, sta nel pescare a piene mani nella società di oggi, in usi e costumi a noi propri che determinano piccole e grandi fissazioni. O meglio delle vere e proprie psicosi che, proprio perché umane, risultano esilaranti.

Un’analisi meticolosa dell’essere umano e delle sue manie, ma anche una coniugazione del tutto originale dei testi classici in chiave odierna, per non parlare poi della rivisitazione delle ‘fiabe’. Insomma ce n’è per tutti i gusti davvero, senza tralasciare neppure il sociale e le problematiche vere di categorie in difficoltà (dal clochard all’anziano).

Tutti dentro, nessuno escluso: il fanatico del telefonino; l’avanguardista esperto di high-tech; l’amante delle nuove diete ipocaloriche… da una parte Gaspare, dall’altra Zuzzurro:  l’uno che cerca di farsi strada nella modernità adeguandosi ai nuovi modus; l’altro legato a un passato meno tecnologico. La combinazione è assolutamente vincente per questa nuova produzione targata a.ArtisiAssociati assieme, per la prima volta, alla coppia di comici milanesi. Cabaret, ma anche puro teatro; sketch e gag fra momenti di improvvisazione irresistibili.

La comicità di Gaspare e Zuzzurro non tramonta mai, e anzi si plasma alla contemporaneità: pur riconoscibile nello stile, la coppia di comici sembra rinnovarsi con il tempo e nel tempo.  

TEATRO SAN BABILA:  "IL PADRE DELLA SPOSA"

Regia: Marco Parodi

Attori: Corinne Clory, Salvatore Esposito

Data: dall' 8 al 27 febbraio 

Adattamento dell'omonimo film del 1950 di Vincente Minnelli ? la storia di un padre molto affezionato alla figlia che non sopporta l'idea di perderla per il fatidico matrimonio.
Travolto dai preparativi, il padre della sposa sar? dapprima riluttante, ma poi si lascier? coinvolgere affinch? quel giorno sia tutto perfetto per la sua amata "bambina"

TEATRO MANZONI:    " LA CIOCIARA "

Regia: Roberta Torre 

Attori: Donatella Finocchiaro, Daniele Russo, Dalia Frediani 

Data: dall'8 al 27 febbraio

Lo spettacolo, prodotto dal Teatro Bellini di Napoli è tratto dal testo di Annibale Ruccello che racconta ciò che succede ai protagonisti di Vittorio De Sica dopo l’ultima inquadratura del film. “Un testo di straordinaria contemporaneità “La Ciociara” di Annibale Ruccello – dice la regista che per la prima volta si confronta con uno spettacolo teatrale - Ci sono una madre e una figlia legate da una profonda violenza ma ci sono anche molte altre storie. Ad esempio quella del ritorno al conformismo dopo una tragedia. Dopo una guerra. Come se nulla fosse. Proprio questo mi è apparso come quello che stiamo vivendo oggi ed è stato il motivo di maggior attrazione di questa storia. La violenza subìta dalla giovane figlia mi è sembrata quella di ogni donna in ogni guerra e in ogni giorno. L’idea geniale di Ruccello è spingersi a guardare il “dopo” la vicenda – aggiunge la regista – quando ormai la guerra è lontana e si è tornati alla normalità”.  

È passata la guerra e anche la violenza che le ha trafitte: una madre e una figlia oggi stanno litigando per l’acquisto di un’automobile. Così ha inizio la nostra storia. Come se nulla fosse successo, nella Ciociara di Ruccello a farla da padrone sono i Fantasmi . Fantasmi della brama di avere, possedere oggetti di consumo semplici come può essere un televisore o una macchina nuova . Qui Cesira non è più quella madre sconvolta sul ciglio della strada polverosa a chiedere pietà per la sua povera figlia violata, Rosetta non è quella che non sarà mai più come prima dopo le mani estranee sul suo corpo di bambina: il fantasma di quella violenza si è tramutato in quotidiana banalità come se nulla fosse, l’ha cambiata per sempre in modo subdolo e silenzioso. È questa la vera violenza che nella scrittura di Ruccello ci proietta in un universo dell’orrore dove tutto viene dimenticato in cambio di una normalità apparente e inquietante. È straordinariamente attuale questa Ciociara, ci parla dei nostri giorni e di mutamenti apparentemente impercettibili ma definitivi. Ci parla anche della nostra Italia e dell’oggi, come in ogni testo straordinario è anche stato profetico Annibale Ruccello. E dunque se di fantasmi si tratta ho immaginato una messa in scena che possa materializzare i ricordi e il passato, che li traduca in immagini proiettate, che li chiuda in una scatola magica che molto ricorda una vera e propria proiezione da cinema. Ed ecco quindi che il cinema e il teatro interagiscono strettamente in questa Ciociara , oggi e ieri si mescolano continuamente lasciando ai protagonisti della scena una doppia anima che li rende corpi capaci di interagire con i fantasmi. Pochi oggetti sulla scena e un mondo di proiezioni interiori e non solo: un viaggio dove ieri e oggi prendono forma e ci trascinano avanti e indietro nel tempo.                                                     Roberta Torre    

TEATRO MANZONI:  TIROMANCINO  - “L’ESSENZIALE” TOUR 2011

Prende il via il 3 febbraio da Catania il tour teatrale dei Tiromancino. Con una formazione rinnovata, la band guidata da Federico Zampaglione torna sui palcoscenici di alcuni tra i più suggestivi teatri italiani per presentare dal vivo i brani del nuovo album “L’essenziale” e una selezione delle canzoni più significative tratte dal loro intero repertorio. Lo spettacolo offrirà al pubblico momenti di grande emozione e coinvolgimento grazie anche alle proiezioni e alle suggestioni visive di Dario Albertini, l’artista che ha diretto gli ultimi video del gruppo e che curerà l’allestimento scenografico del tour. Coerentemente con le scelte sonore che caratterizzano l’ultimo lavoro dei Tiromancino, il live punterà a restituire ai brani nuova essenzialità e asciuttezza stilistica, con le chitarre al centro dell’impianto sonoro.

Federico Zampaglione (voce e chitarre - acustica, elettrica, slide) sarà affiancato da Emanuele Brignola al basso, Stefano Cenci alle tastiere e Ivo Parlati alla batteria.  

 “L’essenziale è riuscire ad avere qualche cosa di buono da fare o almeno da dire per non restare a guardare…”

“L’ESSENZIALE” è un album che emoziona, per diversi motivi. Il primo è che sancisce il ritorno sulle scene di un gruppo che con la sua musica ha caratterizzato, in questi anni, il panorama musicale italiano finendo per farne parte in un modo importante. Ritrovare i Tiromancino è come ritrovare dei vecchi amici che non vedi da un po’. E, che dopo cinque minuti, ti sembra di non avere mai perso di vista davvero. Ma il nuovo album della band di Federico Zampaglione è un album importante anche e perché arriva dopo che “il fare” ha permesso a Federico di realizzare appieno le proprie aspirazioni artistiche, lasciandogli di conseguenza la libertà di pensare ad un disco semplicemente come una raccolta di canzoni, un affare che riguarda lui e la musica. E non è un caso che questo album non abbia riferimenti cinematografici, altri piani o altri rimandi, ma sia una raccolta di nuove canzoni fatte per essere suonate, per essere cantate, per essere ricordate. E registrate con un nuovo suono in mente.

Dimenticate i Tiromancino focalizzati sul suono del piano che avete ascoltato nello scorso decennio: “L’ESSENZIALE” riparte dalle chitarre, da sempre la passione di Federico, e dalla voglia di restituire ai brani una nuova essenzialità, un’asciuttezza stilistica che forse sono soltanto il risultato di una voglia di perdere peso che arriva con l’età, e con gli anni di carriera. “L’ESSENZIALE” è in questo senso un album leggero, pieno di canzoni importanti, che però sono portate a salire verso l’alto, a volare senza peso. Merito di arrangiamenti azzeccati, di suoni minimali, scelti in funzione delle strutture armoniche, delle aperture melodiche, mai invasivi o pedanti. Insieme a questo cambiamento, c’è una piacevole conferma. Accanto a Federico torna, nel ruolo di coautore dei testi, il padre Domenico, già al suo fianco in un brano del precedente album “L’alba di domani”. E’ anche merito suo se le liriche di questo album si confrontano con successo con tematiche importanti come l’amore (“Esiste un posto”, “Quanto ancora”, “Le mie notti”), la libertà (“Se tutte le avventure”), l’inquietudine (“La strada da prendere”, “L’inquietudine di esistere”), le dinamiche sociali (“Migrantes”), con quell’universo di azioni e reazioni che hanno a che fare con il crescere, con l’essere uomini (“Mondo imperfetto”, “L’essenziale”, “Vite di ordinaria follia”). E lo fanno con una grazia e uno stile che rendono questi testi dei piccoli esempi di poesia quotidiana.

Regia: Armando Pugliese

Attori: Paolontoni, Mimmo, Esposito, Ciro Capano

Al Teatro San Babila torna la comicità napoletana ,“Uomo e galantuomo”, infatti,  è una commedia del 1924 scritta dal grandissimo Eduardo De Filippo, ricca di situazioni comiche ed esilaranti. Questa è tra le più comiche del repertorio eduardiano,in cui l'autore introduce temi che saranno una costante delle sue opere: la pazzia (vera o presunta) e il tradimento, seppur seguendo nella struttura del testo, il modello scarpettiano della farsa tradizionale.

Ospiti a spese del ricco e giovane don Alberto De Stefano nella località balneare di Bagnoli presso l'albergo gestito da un suo amico, sono gli attori di una scalcagnata compagnia teatrale L'esibizione penosa della compagnia verrà interrotta dall'arrivo di Salvatore, fratello di Viola, la primadonna messa incinta dal capocomico. Salvatore precedentemente ha incontrato don Alberto che lo ho scambiato per il fratello della sua misteriosa amante Bice, anch'essa incinta di lui. Sentendo che è venuto per reclamare il matrimonio riparatore, don Alberto, che è un galantuomo, assicura a Salvatore, stupito che un signore voglia sposare un'attrice e per di più incinta di un altro, che farà il suo dovere sposandosi.

Da qui nasce un colossale equivoco che porterà, nella confusione generale, alla creazione di momenti di grande comicità creati da situazioni di pazzia immaginaria e da situazioni equivoche e che scaturiranno in un finale sorprendente.

Autore: Jean Claude Carrière

Regia: Valeria Binasco

Attori: Ennio Fantastichini, Isabella Ferrari

Date: dal 11 al 30 gennaio 

I GIGANTI DELLA MONTAGNA – una coproduzione Teatro de gli Incamminati, Teatro Stabile di Sardegna e Teatro Carcano -  ha debuttato a Bari (Teatro Piccinni) nel febbraio 2010. Vetrano e Randisi hanno allestito uno spettacolo di grande chiarezza, che permette al pubblico di comprendere ogni più piccola sfumatura del magico e travolgente capolavoro pirandelliano, uno dei testi  più complessi e misteriosi di tutto il teatro del Novecento.  

L’arrivo della “Compagnia della Contessa” alla Villa dove il Mago Cotrone e i suoi “Scalognati” hanno scelto di vivere per isolarsi dalla “civiltà”, è l’incontro fra due universi uguali e contrari. La Compagnia, fedele all’idea di Poesia assoluta, si è ormai ridotta in miseria: nessuno, nel mondo, sembra più disposto ad ascoltare e comprendere. Ma ecco che arrivati alla Villa, come in un sogno, ciò che i teatranti cercano strenuamente sembra manifestarsi in quel luogo prodigioso: in un gioco fantastico di apparizioni e trasfigurazioni, di doppi e di identità rubate, la Villa e i suoi abitanti evocano e materializzano i personaggi, le scene, le atmosfere de La favola del figlio cambiato, l’opera che i poveri attori cercano di rappresentare senza più riuscirci. Cotrone invita i suoi ospiti a rimanere, per creare insieme nuovi e favolosi incanti dei quali potranno godere lì dentro, solo per loro, ma la Contessa Ilse non può accettare di chiudersi tra quelle mura. La sua missione è di portare e far vivere la Poesia tra la gente, e decide quindi di affrontare il confronto con la realtà, a costo della sua stessa vita. Il finale dell’opera – mai scritto – fu sognato e raccontato da Pirandello al figlio Stefano dopo una  notte molto agitata, e vede soccombere Ilse nel suo estremo sacrificio.

Nel nostro allestimento il personaggio di Ilse, che incarna l’idea di purezza e necessità del Teatro, ha un volto che continuamente si sdoppia. Sparisce e riappare inaspettatamente, cambia timbro e intonazione della voce. E’ forse Cotrone, detto il Mago – che ha conoscenza e pratica di virtù esoteriche – a ispirarne l’umore, a governare il suo essere, a decidere il suo apparire? E’ lui che evoca il suo doppio e la fa rispecchiare in se stessa? O è la forza della nostra immaginazione? Ilse è il Teatro. Deve vivere tra la gente, rischiare, offrirsi, inerme e vulnerabile, anche a un pubblico che forse non capirà il suo messaggio e che – come accade alla fine di questa storia – in un furore di violenza e di ignoranza, la annienterà. Vogliamo che la nostra Ilse ci lasci in dono il Teatro che non muore, come l’olivo saraceno che Pirandello sognò e descrisse al figlio prima di morire, quell’olivo che alla fine del terzo atto doveva rimanere al centro della scena, a rappresentare e contenere il passato, il presente e il futuro.                                                                                     Stefano Randisi, Enzo Vetrano  

Autore: Ray Cooney

Attori: Fabio Ferrari, Lorenza Mario, Gianluca Ramazzotti, Miriam Mesturino, Anonio Pisu, Claudia Ferri  

Date: dal 14 dicembre al 9 gennaio 2011

In “Chat a due piazze” Mario Rossi, tassista sposato con Barbara a Piazza Irnerio e con Carla a Piazza Risorgimento, riesce, grazie ad una pianificazione dei turni di lavoro, per vent’anni a nascondere la sua doppia vita. Tutto fila liscio fino a quando la figlia della prima moglie e il figlio della seconda, si conoscono in chat e decidono di incontrarsi….Riuscirà Mario, con l’aiuto del suo amico Walter, a mantenere il segreto della sua doppia vita? Le risate sono assicurate!

Ray Cooney, classe 1932, autore, attore produttore e regista, è tra le più prolifiche e importanti figure del teatro inglese contemporaneo. Le sue commedie rispecchiano vizi e ipocrisie della società contemporanea, utilizzando colpi di scena, gag e battibecchi.  

“Chat a due piazze” sarà lo spettacolo delle feste natalizie, accompagnando gli spettatori del Teatro San Babila nell’anno nuovo brindando con tutti gli attori!

L’ inganno al  Teatro Coccia di Novara  

E’ approdato al Teatro Coccia di Novara, sabato 4 e domenica 5, L’inganno  dello scrittore inglese A. Shaffer,nell’allestimento della Compagnia di G. Mauri e R. Sturno, di cui questo giornale ha già dato ampie notizie recentemente,  a cura della redazione milanese, in occasione della rappresentazione al Carcano.. Ci limiteremo dunque a qualche osservazione, a integrazione dell’articolo pubblicato in merito. Intanto va espresso un caldo elogio ai due protagonisti, perfettamente all’altezza dei rispettivi ruoli, interpretati con un perfetto equilibrio di intensità espressiva e raffinata ironia: Mauri, un memorabile Andrew Wyke, nella sua altezzosa superiorità “di classe” e nell’ affilato cinismo con cui la ostenta, ma anche nella freddezza crudele con cui architetta la sua vendetta; Sturno, riuscitissimo Milo Tindle, nella sua apparente determinazione a riscattare la propria inferiorità atavica di perdente per destino sociale e nella sua reale debolezza di proletario in fondo ingenuo, condannato inesorabilmente alla sconfitta nello scontro col suo carnefice. Una seconda osservazione riguarda il significato della vicenda: un’ulteriore chiave di lettura, oltre a quelle consuete che vedono nello scontro fra Andrew e Milo un conflitto “di classe” o, in alternativa, una rappresentazione della condizione umana, vulnerabile alle più cieche e irrazionali pulsioni di distruzione e di morte, è fornita dalla professione di Andrew, scrittore di polizieschi di successo. “Sleuth” (secondo il titolo originale) racconta anche il tentativo, fallito, di Andrew di vivere la realtà secondo il gioco di fantasia della letteratura, organizzandola come una trama letteraria: ma la vita, rivelandosi più complessa e imprevedibile del più raffinato dei polizieschi, si prende infine la propria rivincita, sfuggendo al controllo dello scrittore, come suggerisce la stessa scenografia, con i titoli dei romanzi di Andrew Wyke fissati, come una morta e fredda panoplia, ad una parete della stanza, spazio claustrofobico in cui si svolge l’azione, totalmente estranea alla vita, di cui lì giungono solo rari , indecifrabili e ingannevoli suoni…

Un testo teatrale dunque, questo “Inganno” di intelligente fattura, che regge bene la scena, con un’interpretazione di qualità, ben accolto dal pubblico novarese, che ha salutato i due attori, alla fine dello spettacolo, con un lungo applauso.

Novara, 8  dicembre 2010                Bruno  Busca

TEATRO MANZONI:     CENA A SORPRESA

Autore: Neil Simon

Regia:Giovanni Lombardo Radice

Attori: Giuseppe Pambieri, Lia Tanzi,Giancarlo Zanetti

Date: dal 30 novembre al 19 dicembre

Commedia inedita per l’Italia, “Cena a sorpresa“ (“The dinner party”) è stato uno dei maggiori successi degli ultimi anni a New York, rimanendo in cartellone per ben due stagioni. L’autore, Neil Simon, costruisce in questo testo la risata e il dramma con la medesima intensità, abituando il pubblico al susseguirsi di una vasta gamma di sentimenti. Una commedia dotata di un meccanismo ad orologeria in cui la fine non è mai quella che si presume possa essere. Si ride, di quel modo intelligente ed elegante che l’autore conosce bene ma, allo stesso tempo, si hanno spunti interessanti di riflessione che fioriscono proprio in quei momenti in cui sembra ci si avvii ad una facile conclusione. Sei personaggi, tre uomini e tre donne, caratteri rubati alla quotidianità, vicende immediatamente riconoscibili, per rappresentare quei piccoli drammi quotidiani che tutti conosciamo molto bene. Tre coppie di ex si ritrovano ad una cena organizzata, a loro insaputa, dall'avvocato che ne ha curato i divorzi. Meccanismi imbarazzanti e comici si alternano a momenti di riflessione sulla vita di coppia, sull’amore e sulle scelte che hanno portato alla rottura. Si capisce che ci sarà una nuova evoluzione in queste tre coppie ritrovate, ma l'epilogo non è mai scontato anzi quando tutto sembra far presupporre un lieto fine c'è sempre un colpo di scena dal quale ricominciare. Ironia e passione convivono e provocano un alternarsi di risate, sentimenti e situazioni al limite del grottesco. Il testo è tenero, intelligente e sapientemente dosato, mai scontato e prevedibile. Un’elegantissima sala da pranzo e una cena ricca di preziosità gastronomiche fa da sfondo ai sei personaggi, per una sera, in cattività. Il cast americano si pregiava di attori di altissimo livello ed anche l’allestimento italiano mette insieme un gruppo di attori di grande esperienza di palcoscenico, tra i quali spiccano Giuseppe Pambieri, Giancarlo Zanetti e Lia Tanzi. 

TEATRO PARENTI:   L’ingegner Gadda va alla guerra

                           (o della tragica istoria di Amleto Pirobutirro)

Autore: Fabrizio Gifuni da Carlo Emilio Gadda e W. Shakespeare
Regia: Giuseppe Bertolucci

Attori: Fabrizio Gifuni  

Date: dal 9 al 22 dicembre

Ritorna, dopo gli esauriti della scorsa stagione, L’ingegner Gadda va alla guerra che, attraverso una contaminazione di personaggi, porta in scena un Amleto ormai vecchio, solo, senza più un padre o una madre da invocare o da maledire. Solo con i suoi fantasmi. La lingua squassata da lampi di puro genio.  Sempre sull’orlo di una follia tragica eppure, a tratti, comicissima.  Così Fabrizio Gifuni  inizia a immaginare Gadda. Un ‘Amleto Pirobutirro’ (protagonista-ombra del suo grande romanzo, La cognizione del dolore) che riavvolge il nastro delle nevrosi camminando a ritroso - come un granchio - sulle tavole della memoria. Una discesa agli inferi che riapre antiche ferite, mai rimarginate. Fino ad arrivare alla ferita originaria, ma anche, forse, all’involontaria miniera della sua immensa arte. La partecipazione dell’Ingegnere al primo conflitto mondiale, la disfatta di Caporetto, la detenzione nei campi di prigionia tedeschi e la morte del fratello, ne modificheranno per sempre la vita. Ma il dolore non è mai solo fatto ‘privato’. Anzi. Si fa sempre inesorabilmente ‘pubblico’. Con progressione implacabile, la furia del Gaddus inizia a montare e ad abbattersi, a colpi d’ascia, sul suo paese - che è pur pronto a difendere con la vita - sul suo popolo e sui suoi governanti. Il Giornale di guerra e di prigionia  e l’esilarante Eros e Priapo, scritto-referto sulla psicopatologia erotica del ventennale fascista,  tracciano la rotta di un viaggio che ci conduce fino al nostro presente.

TEATRO MANZONI:   SOWETO GOSPEL CHOIR  -  “GRACE”  

Riconosciuto come il gruppo più emozionante della world music degli ultimi anni, il Soweto Gospel Choir torna in Italia per il terzo anno, con il nuovo show “Grace”. Un condensato di energia e vocalità, dato dal connubio perfetto tra canzoni del repertorio Gospel e rivisitazioni di musiche tradizionali africane ed interpretato attraverso balli sfrenati ed una perfetta sincronia tra gesto e vocalità. Con 26 artisti in scena, tra cantanti, ballerini e percussionisti, il Soweto Gospel Choir  riesce a scuotere le anime, trasmettendo al pubblico di tutto il mondo la bellezza e la passione che caratterizzano l’Africa. “Grace” è una parola che spazia nel significato tra ‘l’amore e la grazia che Dio concede’, e ‘bellezza della forma’, ‘donatore di bellezza e magia’. Le canzoni nello spettacolo riflettono tutti questi significati della parola Grace. Sono brani che, non necessariamente in modo religioso, si riferiscono alla bellezza, all’amore e alla forza dello spirito umano. Attraverso i viaggi e le performance in giro per il mondo, il Coro risveglia le coscienze sull’Aids e raccoglie fondi per aiutare gli orfani in Sud Africa. Per questo, si sentono davvero fortunati e benedetti. Lo show del Coro prevede canzoni africane sia tradizionali che contemporanee, incluso il classico “Pata Pata” di Mirriam Makeba, e anche brani famosi a livello internazionale come “Bridge Over Troubled Waters” e “Many Rivers To Cross”, tutte cantate con l’originale e unico spirito africano del Soweto Gospel Choir. Inoltre, una perfetta sincronia tra gesto e vocalità, con balli sfrenati e foot-stomping, creano sul palco un caleidoscopio di colori e movimenti che si può solo sperimentare e vivere in un concerto del Soweto Gospel Choir. La tournée italiana del 2008 ha registrato con lo spettacolo “African Spirit” 10.000 spettatori in varie città italiane, un successo già ottenuto nel 2007 al Festival di Edimburgo e nel 2008 durante il Festival dei Due Mondi di Spoleto. 

TEATRO COCCIA (NOVARA):  "NON SI SA COME" di Luigi Pirandello apre la Stagione

Uno dei capolavori più alti del teatro pirandelliano Non si sa come, ha aperto oggi, 21 novembre, la stagione di Prosa 2010/11 del Coccia di Novara, nella messa in scena della compagnia Sicilia Teatro, di cui è capocomico e regista il noto attore Sebastiano Lo Monaco. Sul palco insieme al protagonista, nel ruolo del Conte Romeo Daddi, Pier Luigi Misasi, Barbara Bengala, Giuseppe Cantore e Maria Rosaria Carli: purtroppo non siamo in grado di identificare il ruolo di questi interpreti, non essendo stata fornita al pubblico alcuna informazione  sulla distribuzione delle parti nel cast, inaccessibile anche alle nostre ricerche sulla Rete. Protagonista di “Non si sa come” una delle ultime opere di Pirandello (1934), è il conte Romeo Daddi, che ha commesso- senza averne coscienza - due delitti. Il primo, avvenuto quando era ragazzino, gli ritorna angoscioso alla memoria quando si tormenta per il secondo. Allora ha ucciso, in un impeto d’ira furibonda, ma inspiegabile, un altro ragazzino a colpi di pietra. Oggi, trent’anni dopo, sposato a Bice, donna che ama e che lo ama, cede, in un improvviso momento di debolezza e di smarrimento, al fascino di un’altra, Ginevra, la moglie di un amico carissimo, Giorgio Vanzi. Ma se la donna riacquista subito il dominio di sé, perché vuole salvare l’amore che prova per il marito, Romeo ricollega invece questo delitto non voluto - e quindi innocente - a quell’altro del suo passato, e viene travolto da una lucida follia.

 Diciamo subito che l’interpretazione proposta da Lo Monaco non ci ha convinto per nulla. L’attore siciliano ha scelto di ricontestualizzare completamente l’intreccio, facendo del Conte il’impresario di una compagnia di varietà impegnata in una tournée su una nave da crociera: questa modifica radicale del testo pirandelliano offre il pretesto per farne una sorta di “quarto capitolo” della trilogia del “teatro nel teatro”, con interventi continui in chiave metateatrale di Lo Monaco, nella duplice veste di regista del testo di Pirandello e (nel ruolo del Conte) del varietà interno al testo. Con questa scelta piuttosto cervellotica Lo Monaco ha “giustificato” l’inserimento di elementi “spettacolari” quali canto, ballo e sketch comici, totalmente estranei non solo alla lettera, ma, a nostro avviso, anche allo spirito di questo dramma, che ne esce totalmente stravolto: non solo  si svuota completamente la tensione tragica connessa al tema della “colpa involontaria”, del “delitto innocente” compiuto al di fuori della volontà cosciente dell’individuo e anzi contro i suoi sentimenti e principi morali,  ma va completamente perduto  proprio l’elemento di maggior fascino dell’opera, la trama sinuosa che segue l’analisi di un misterioso (per gli altri) introverso, il quale tende invano a “spiegarsi” e liberarsi da se stesso. Tutto si risolve in una sorta di farsa piuttosto gratuita, in cui la stessa catastrofe finale, con la morte del protagonista, finisce con l’essere interpretata in chiave di buffonesco numero di varietà. Del resto, risulta poco psicologicamente “preparata” la stessa decisione di Giorgio di sparare al Conte, che nel testo di Pirandello matura dopo un cupo crescendo di sospetti che si insinuano nell’animo di Giorgio, pressoché assente nella messa in scena di Lo Monaco.

Fermo restando che ogni messa in scena è inevitabilmente una reintepretazione, e che assoluta fedeltà al testo è sinonimo di banalità, andrebbero però evitate quelle scelte di regia che lo impoveriscono e stravolgono completamente, come ci pare avvenga in questo  caso.

Un vero peccato, perché gli attori, soprattutto  Lo Monaco e le due parti femminili, ci sono sembrati, nei momenti di maggiore fedeltà allo spirito del’opera, capaci di efficace intensità interpretativa..

Novara, 22 novembre 2010               Bruno Busca

TEATRO CARCANO:     L’INGANNO                (dal 10 al 21 novembre)  

Autore: Anthony Shaffer

Regia: Glauco Mauri

Attori: Glauco Mauri; Roberto Sturno; Bruno Sorretto; Torn Borestour; Steno Burrorto

L’inganno è il titolo dato da Glauco Mauri al suo adattamento della commedia Sleuth, scritta da Anthony Shaffer (1926-2001) nel 1969 e approdata per la prima volta sul palcoscenico di Londra al St. Martins’s Theatre l’anno successivo, interpreti Anthony Quayle e Keith Baxter. Due gli adattamenti per il cinema: nel 1972, interpreti Laurence Olivier e Michael Caine diretti da Joseph Mankievicz e nel 2007 con Michael Caine e Jude Law, regia di Kenneth Branagh.

Come l’originale, L’inganno è un thriller eccellente e un esempio del genere “per eccellenza”. La dedica dell’opera originale è emblematica: “A Monsieur Hercule Poirot (e a molti altri detective di romanzi famosi) per tutti i suoi colleghi eccentrici, onniscienti, gentiluomini, dilettanti”. Ma è anche un commento, molto perspicace ed accurato, in parte sui fine anni Sessanta in Inghilterra e in parte su tutti noi.

Il titolo Sleuth è molto misterioso. Il film di Mankievicz si intitola Gli insospettabili, ma “sleuth” vuol dire investigatore, segugio. Shaffer non ne ha mai dato una vera spiegazione e l’idea che appare più affascinante è che “sleuth” sia lo spettatore stesso. Lui è il segugio che investigando deve scoprire, nascosti nei tanti inganni, i sentimenti che si agitano nell’animo dei due protagonisti. L’inganno, appunto, con tutti i suoi grotteschi e a volte crudeli “giochi” è il caso da risolvere. L’autore propone qui, anche con grande ironia, tutta la sua abilità di sceneggiatore di gialli (fondamentali le sue collaborazioni con Agatha Christie e Alfred Hitchcock), ma sotto l’apparente superficialità di un abile racconto si avverte un’amara considerazione sulla stupida follia che così spesso corrompe il rapporto fra gli uomini.

Andrew Wyke e Milo Tindle, i due personaggi principali, sono diversi. Milo ha fatto della sua difficile esistenza una lotta col desiderio di rivincita sulla sua condizione di semi-emarginato; Andrew della sua ne ha fatto invece un continuo gioco di fantasia per sfuggire alla stupida noia della vita. Ma alla fine i due finiranno per scambiarsi i ruoli: ognuno sarà vittima e carnefice. E come spesso accade nella vita, la farsa che umilia le debolezze si tramuta in un dramma dove l’uomo diventa vittima di se stesso. Non a caso il gioco termina con lo sghignazzo di un pupazzo meccanico che, inerte, ha assistito alla scena e ci dice, lui senza anima, quanto pazzi siano gli uomini che così spesso giovano a ingannarsi e a farsi del male. L’inganno è un thriller psicologico dove si ride e ci si diverte ma ci si ricorda anche che l’uomo rimane sempre l’artefice, nel bene e nel male, del suo destino.

TEATRO SAN BABILA:    IL BURBERO BENEFICO     (dal 9 al 28 novembre)

Autore: Carlo Goldoni

Regia: Matteo Tarasco

Attori:Mariano Rigillo, Anna Teresa Rossini

L’anziano Geronte decide di dare in moglie la nipote sedicenne Angelica, ormai in età da marito e segretamente innamorata del giovane Valerio, al suo attempato amico Dorval. Dorval, inizialmente restio data l’assurdità della proposta, accetterà alla sola condizione di avere il consenso di Angelica.

Fra una serie di divertenti equivoci e l’intervento della domestica Martuccia, la commedia finirà come è iniziata: con la partita a scacchi tra Geronte e Dorval.

IL BURBERO BENEFICO di Carlo Goldoni è un capolavoro assoluto, mai abbastanza frequentato dai teatranti. E’ una straordinaria commedia di caratteri, che descrive un mondo vacuo e corrotto, dove soltanto un uomo, il retto e puro Geronte, – che tutti credono “burbero” – si staglia moralmente sugli altri con la sua generosa “benevolenza”. Commedia scritta inizialmente in francese per il debutto parigino alla Comédie Francaise, fu molto applaudita da Metastasio e Voltaire, e il Da Ponte ne trasse un libretto per l’Opera di Vienna, musicato da Martin y Soler, grande compositore soprannominato “il Mozart di Valencia”. Il mondo e la società descritti dal Goldoni – e che Geronte definisce “abisso orribile” – è un mondo colorato ed eccessivo, pieno di sfarzo e vuoto di valori, dove la sordida fluorescenza del marcio prende il sopravvento, trasformando le persone in “cartoon” grotteschi. Il “burbero” Geronte non vuole partecipare al gioco perverso di un mondo senza più regole, dove il denaro corrompe i cuori, ma preferisce nascondersi nella sua passione infantile e pura, il gioco degli scacchi, dove ciascuna persona, ciascun carattere è esattamente come appare e si muove sulla scacchiera delle norme condivise senza sotterfugi.Nella nostra versione scenica, la commedia di carattere si trasforma in commedia con canzoni e musiche originali, in una giostra di generi e stili che s’intrecciano a “corrompere” e reinterpretare il settecento.Il conflitto tra essenza ed apparenza è la trama segreta che attraversa la nostra commedia: nulla è come appare. Il “Burbero Benefico” vive in quel territorio di confine che va dall’“essere e non essere” di Amleto al Vitangelo Moscarda del Pirandelliano “Uno, nessuno e centomila”. Con sublime ironia e frizzante comicità, Goldoni ci regala un personaggio grandioso, che con un sorriso e una smorfia, cerca di rispondere alla più arcaica domanda dell’essere umano: “chi sono io?”  

Matteo Tarasco

TEATRO MANZONI:  VOGLIA DI TENEREZZA         (dal 9 al 28 novembre) 

Autore: L. McMu adatt.Dan Gordon

Regia: Gino Zampieri

Attori: Anna Galiena, Karin Proia, Fabio Sartor

I capolavori non nascono per caso. Un film, una pièce teatrale, quando incontrano un esaltante successo di pubblico, riuniscono in sé inevitabilmente i migliori ingredienti: una profonda conoscenza dell’animo umano e una tecnica professionale di altissimo livello. Nasce così uno spettacolo  in cui commedia e dramma convivono in modo perfetto, come accade nella vita di ognuno di noi,  rendendo i personaggi così vicini alla nostra realtà da farne quasi dei famigliari. Questo è il pregio principale del romanzo di Larry McMurtry da cui è tratto “Voglia di tenerezza” e del film messo in scena con grande successo da James L.Brooks, con protagonisti Shirley MacLaine, Debra Winger e Jack Nicholson (1983, tre Oscar e uno per la strepitosa Shirley MacLaine ). L’adattamento per il teatro, firmato da Dan Gordon,  accentua ancor di più, per la sua asciuttezza e la conseguente rara intensità, la componente umana, esaltando con mille sfumature, comiche, drammatiche, poetiche, l’azzeccatissimo titolo italiano “Voglia di tenerezza”.  

Aurora rimasta vedova molto presto, vive con la giovane figlia, Emma. La donna è molto possessiva, e il rapporto con la figlia è molto stretto ma al tempo stesso tormentato. Emma sposa l'insegnante Flap contro il volere della madre. Il matrimonio però non è felice ed Emma inizia una relazione con un direttore di banca. Il rapporto tra i due si interrompe anche questa volta; nel frattempo Emma scopre che Flap la tradisce con una sua allieva, e i due si separano. Aurora non si è più risposata, nonostante abbia molti corteggiatori. In occasione della sua festa di compleanno, terrorizzata dall'avanzare dell'età, Aurora accetta la corte del suo vicino di casa Garreth, un ex astronauta alcolista e donnaiolo. I due iniziano una relazione, Aurora si affeziona all'uomo ma lui non riesce a essere monogamo. Nel frattempo Emma scopre di avere un cancro incurabile: la sua malattia è l'occasione per una riconciliazione con il marito, che ora vive con la sua amante, e con la madre, alla quale affida i figli. Nonostante la loro relazione sia finita, Garreth sta vicino ad Aurora e aiuta i bambini a superare il dolore per la morte della madre.  

La splendida Anna Galiena , attrice eclettica e generosa, nota per la passione con la quale si impossessa di ogni nuovo personaggio, sarà Aurora, madre-mostro, ma così disperatamente bisognosa di tenerezza. Garrett, l’astronauta orso, dongiovanni prepotente, ma con un animo da adolescente egoista, mai veramente cresciuto né amato,  sembra fatto su misura per l’ottimo attore che è Fabio Sartor. La sensibilità di Karin Proia sarà al servizio del personaggio di Emma, giovane smarrita nella vita, intelligente ma priva della necessaria volontà e del  coraggio per cambiare modo di pensare e di agire. Sarà appunto la sua inesauribile voglia di tenerezza a salvarne la figura al tempo stesso “eroica” e banale. A tenere le fila della complessa vicenda provvede l’elegante regia di Gino Zampieri.

TEATRO PARENTI:         MEA CULPA         

Autore e Regia: Eleonora d’Urso

Attori: Fatima Corinna Bernardi, Daria D'Aloia, Silvia Degrandi, Eleonora d'Urso, Silvia Pietta.

Date: dal 26 ottobre al 19 dicembre

TEATRO FILODRAMMATICI:        1984                 

Autore: George Orwell

Regia:  Simone Toni

Date: dal 12 al 24 ottobre

Attori:Luca Carboni, Alberto Onofrietti, Camillo Rossi Barattini, Valentina Virando, Annalisa Salis, Federica Castellini, Michele di Giacomo, Giulia Valenti, Massimiliano Tradii Bersani, Simone Toni, Stefano Moretti, Diana Manea, Erika la Ragione, Alice Casadei, Stefano Toni

Quest’anno in Italia si è giunti al decimo compleanno del “Grande Fratello”, reality di successo, accattivante, che fa discutere, crea nuove tendenze e condiziona fortemente la vita dei giovani e meno giovani che lo seguono. A dispetto dei pericoli e con macabra ironia si assiste a questa trasmissione claustrofobica che sta segnando un’era: l’era in cui il quotidiano diventa spettacolo, in cui la vita privata delle persone fa audience, in cui sapere di essere spiati è eccitante e ci fa sentire importanti.
Ma cos’era per George Orwell il “G.F.” ? Da cosa voleva mettere in guardia noi, generazioni future.
1984 è una violenta critica verso ogni forma di totalitarismo. Nel futuro descritto da Orwell esiste un solo partito i cui slogan sono: la guerra è pace, la libertà è schiavitù, l’ignoranza è forza.
Il nostro interesse si è focalizzato principalmente sull’analisi del romanzo, sono state selezionate alcune scene fondamentali in modo da rispettare per quanto possibile l’ossatura drammaturgica ed altre per non rinunciare alle tematiche filosofiche e alla particolarità del mondo descritto da Orwell. Ovviamente il romanzo è stato tagliato e ridotto ma non è stato in alcun modo riscritto, abbiamo deciso di usare solo le parole scritte da Orwell.
La sensazione che si ha è quindi quella di assistere a una particolarissima lettura del romanzo in cui gli attori rappresentano e recitano i diversi piani narrativi nella stessa dimensione spaziotemporale.
Tutto ciò potrebbe sembrare poco chiaro, ma diventa molto semplice ed efficace se applicato a 1984 in cui il protagonista è continuamente sotto controllo: l’attore che racconta la storia diventa nello stesso tempo colui che osserva e anche tutti i luoghi che descrive, mentre l’attore che vive la storia raccontata dal collega recita come se fosse solo, ignaro dei movimenti degli altri, e interpreta la sua parte accerchiato dalla “scenografia parlante” che abbiamo scelto come convenzione teatrale per raccontare il nostro 1984.
Gli Attori si muovono sulla scena scambiandosi di volta in volta le parti. Abbiamo una sensazione di precaria omologazione fra i personaggi, come se chiunque potesse diventare protagonista di 1984 e questo forse è uno degli avvertimenti che Orwell ha nascosto tra le righe della lungimirante favola che ha scritto prima di morire, esattamente sessant’anni fa.

Autore: William Shakespeare

Regia: Armando Pugliesi

Attori: Vanessa Gravina, Edoardo Siravo  

Musica: Goran Bregovich

Date: dal 13 al 24 ottobre

La bisbetica domata è una festa di trame incrociate, scambi d’identità, manipolazioni linguistiche, In una Padova reinventata dall’autore, viene descritta la vigorosa conquista dell’irrequieta Caterina da parte del caparbio Petruccio, avventuriero veronese, che sposa e soggioga l’intrattabile Caterina di Padova, attirato soprattutto dalla sua dote. Non tutti sanno però che il testo shakespeariano è contenuto in una cornice che rende i due protagonisti personaggi di una rappresentazione teatrale cui altri personaggi assistono in scena. Una commedia nella commedia, quindi. Precede il dramma un prologo in cui un calderaio, Cristoforo Sly, è raccolto ubriaco, davanti a un’osteria in aperta campagna, da un signore reduce da una partita di caccia. Sly è portato al castello, e, al suo risveglio, si ritrova vittima di una ben studiata beffa per la quale viene trattato come se fosse un gentiluomo che, dopo lungo tempo, ha ripreso l’uso della ragione ed assista alla recita de La bisbetica domata. La regia di Armando Pugliese individua tre mondi nell’universo della commedia. Nel prologo e nell’epilogo troviamo quello tardo-cinquecentesco della taverna abitata dal calderaio e dai suoi compari e raccontato con realismo quasi caravaggesco. Il mondo della rappresentazione, invece, è proiettato in una sorta di futuro immaginifico, che in realtà avrà i colori e i toni dei nostri anni Sessanta. Mentre la casa di Petruccio, dove Caterina viene “educata”, diventa una sorta di “mondo dei trolls”, dove il “domatore” comanda e governa i suoi servi ibseniani, per sottomettere la femmina ribelle. L’allegria contagiosa, il ritmo dei Balcani delle musiche originali di Goran Bregovich contribuiscono a creare un’atmosfera euforica e frenetica.

TEATRO SAN BABILA:      MOLTO RUMORE PER NULLA 

Autore: William Shakespeare

Regia: Maurizio Annesi

Attori: Franco Oppini, Chiara Salerno, Claudio Angelini

Date: dal 12 al 31 ottobre

La trama si svolge a casa del Signore messinese Lionato, dove arrivano il principe Pedro d'Aragona seguito dal fratello Claudio, accolti dal padrone di casa, dalla figlia Ero, dalla nipote Benedetta e da Benedetto amico di Claudio.
La vicenda si svolge tra schermaglie amorose tra le due coppie di ragazzi e trame di vendette di torti subiti, con personaggi caratteristici del teatro shakesperiano e il lieto fine per gli innamorati.
Dal "nulla" si scatena talmente "molto rumore" da coinvolgere tutti i personaggi in un'altalena di situazioni comiche che sfociano nel tragico per poi volgere al lieto fine; e tutto a causa del "nulla", di cose di poco conto, di insignificanti fatti, innocenti scherzi, che si intersecano fino ad ordire un tele rumore da sottomettere l'amore, la gelosia, l'Invidia.

TEATRO PARENTI:   LE CONVERSAZIONI DI ANNA K.  

Regia: Ugo Chiti

Attori: Giuliana Lojodice, Lucia Socci, Massimo Salvianti, Giuliana Colzi, Dim itri Frosali.Andrea Costagli, Alessio Venturini 

Date: dal 5 al 15 ottobre

Liberamente ispirato a La metamorfosi di Franz Kafka.
Testo e regia di Ugo Chiti. Vincitore del 49 Premio Riccione per il Teatro. Magistralmente interpretato da Giuliana Lojodice - inarrivabile nel rendere vivo il personaggio originariamente marginale di Anna la vedova tutto fare della famiglia Samsa - lo spettacolo ribalta il punto di vista elevando a protagonista Anna K., che con tutta la sua umanità e la sua genuinità è l’unica che riesce a convivere con il dolore, superare il ribrezzo e vedere oltre l'insetto. Toni tragici ma anche fumettistici.

TEATRO MANZONI:         SPIRITO ALLEGRO           

Autore: Noel Coward

Regia: Patrick Rossi Gastaldi

Attori: Corrado Tedeschi , Debora Caprioglio, Marioletta Bideri, Antonella Piccolo

Date: dal 12 al 31 ottobre

Per questa stagione teatrale la Bis Tremila e Molise Spettacoli ripropongono l’affiatata coppia teatrale formata da Corrado Tedeschi e Debora Caprioglio. Coppia che ha già riscosso un grande successo di pubblico per due anni consecutivi con la messinscena della commedia “L’anatra all’arancia”. Affiancati da Marioletta Bideri e Antonella Piccolo e diretti da Patrick Rossi Gastaldi, diventato ormai un veterano della commedia brillante, i due attori si cimenteranno con “Spirito allegro” di Noel Coward, che in quasi settant’anni è stato cavallo di battaglia, sia al cinema che a teatro, di tanti celebri attori: da Kay Hammond e Rex Harrison a Aldo Giuffrè e la Masiero sino a Aroldo Tieri, Giuliana Lojodice con la grande Paola Borboni.

Uno scrittore, vedovo e risposato, si sta documentando sullo spiritismo ed evoca per sbaglio, tramite una medium,  il fantasma della sua prima moglie, che incomincia a perseguitare la sua rivale vivente e vuole portarsi con sé il marito all’altro mondo, il che fornisce il motivo per varie catastrofi.  Questo il soggetto della commedia “Blithe Spirit” scritta negli anni ‘40 da Noel Coward e portata sullo schermo nel 1945 da David  Lean (ottenne il premio Oscar per gli effetti speciali).

Quando mi è stato proposto di ambientare la commedia nell’Italia di oggi mi si è subito presentato un problema principale: come trasferire quel controllatissimo  stile british, tutto understatement e sottigliezza,  nello stile nostro carnale, agitato ed estroverso, spesso purtroppo poco incline alla meditazione. Per esprimere imbarazzo loro alzano un sopracciglio, noi diciamo una battuta, magari anche alzando la voce. Non dovevo tradire noi e non dovevo tradire loro, dovevo riscrivere una commedia nel nostro stile conservando lo stile di Noel Coward, una di quelle operazioni che si definiscono gattopardesche: cambiare  tutto senza cambiare nulla. Del risultato ho l’immodestia di ritenermi soddisfatto. Comunque spero che vedendola rappresentata Noel Coward non alzi un sopracciglio e non mormori un “oh  my God”.                  Nino Marino       

TEATRO CARCANO:  Johan Padan a la descoverta de le Americhe                                                                                                                                         Presentato al Carcano nella stagione 2004/2005, torna JOHAN PADAN A LA DESCOVERTA DE LE AMERICHE, dissacrante e frenetico spettacolo in cui Mario Pirovano veste i panni di un “antieroe” che si ritrova, suo malgrado, coinvolto nella scoperta delle Americhe.                                (dal 7 al 10 ottobre)

E’ un racconto che parla dei “nullagonisti”, gli ultimi della ciurma, comprimari di bassa forza provenienti da tutti i paesi d’Europa, marinai che si trovarono a passare dalla parte dei conquistati. Johan Padan, uomo delle montagne, finisce su una nave per sfuggire all’Inquisizione veneta e da Siviglia si spinge con i marinai di Colombo sin nelle Indie. Qui viene fatto prigioniero, ma si salva, diventa sciamano, “figlio del sole e della luna”, ed insegna le storie dei Vangeli a migliaia di Indios per salvarli dai conquistadores. La narrazione si snoda come un film, con un montaggio frenetico di immagini, colori, suoni, in un continuo susseguirsi di colpi di scena, tra scenografie fantastiche create con il solo racconto, da un uragano di fuochi d’artificio, e i personaggi, umani ed animali, prendono vita in un turbinio di ilarità. Non è la storia dei soliti perdenti: è anzi l’epopea di un popolo di Indios vincenti, un racconto che esplora la possibilità di coesistenza pacifica fra culture diverse, divertendo senza mai dimenticare la Storia. Questa è quindi “l’altra” storia, che nel 1992 (cinquecento anni dopo la scoperta dell’America) Dario Fo ha voluto consegnarci facendo tesoro delle opere di scrittori come Guerrero, Altavilla, Cabeza de Vaca, Hans Staden, di tanti che in prima persona hanno vissuto le vicende epiche narrate, ma sono stati presto dimenticati.

Libretto di Victor Leòn – Leo Stein

Musiche: Franz Lehàr

Regia: Paola Pellegrino  

Date: dal 5 al 10 ottobre 

All’ambasciata del Pontevedro a Parigi,sta arrivando la Signora Anna Glavari , giovane vedova del ricchissimo banchiere di corte. L’ambasciatore, il Barone Zeta, ha ricevuto l’incarico di trovare un marito pontevedrino alla vedova, per conservare i milioni di dote della signora in patria. Infatti, se la signora Glavari passasse a seconde nozze con un francese, il suo capitale lascerebbe la Banca Pontevedrina.
Njegus, cancelliere dell’ambasciata, è un po’ troppo pasticcione per una simile impresa ma c’è il conte Danilo che potrebbe andare benissimo.Tra Danilo e Anna c’era stata una storia d’amore finita male a causa della famiglia di Danilo. Da parte sua la vedova, pur amando Danilo, non lo vuole dimostrare e fa di tutto per farlo ingelosire. Contemporaneamente si snoda un’altra storia d’amore che vede protagonisti Valencienne, giovane moglie di Zeta, e Camillo de Rossillon, un diplomatico francese. I due si danno appuntamento in un chiosco, li sta per sorprendere il barone Zeta quando Njegus riesce a fare uscire per tempo Valencienne ed a sostituirla con Anna.
La vedova sorpresa con Camillo!Tutto ormai sembra compromesso, ma Njegus riesce a sciogliere gli equivoci e a far confessare ad Anna e Danilo il loro reciproco amore.

“La vedova allegra”, primo capolavoro di Franz Lehàr, debuttò il 30 dicembre 1905 diventando il simbolo di un genere che unisce divertimento e buona musica e procurando un immediato successo al compositore, la cui musica, in questa versione, è eseguita magistralmente dall’orchestra da camera “Giorgio Strehler”. Famosissime le arie “Tace il labbro” e “Romanza della Vilija” eseguite dalla compagnia di operetta genovese “Operetta Mon Amour” e accompagnate dal Coro Calauce di Calolziocorte nato nel 1987 e composto da una ventina di elementi circa.

TEATRO MANZONI:       RUMORS                 

Autore: Neil Simon 

Regia: Massimo Chiesa

Attori:Zuzzurro e Gaspare

Date: dal 30 marzo al 2 maggio

L’azione si svolge nella lussuosa casa del vice sindaco di New York e consorte dove dovrebbe svolgersi la loro festa di anniversario di matrimonio; ma il party non avverrà per l’assenza dei due festeggiati: il vice sindaco rintanato nella sua camera da letto ferito a un orecchio da un proiettile e la moglie introvabile. Pian piano arrivano gli invitati, quattro coppie di amici, che cercano prima di tutto di scoprire cosa è successo e poi di non far trapelare nulla dell’accaduto al mondo esterno in quanto l’uomo politico da proteggere è assai noto nell’intero Paese. Le cose si complicano non poco con l’arrivo di un poliziotto che sta indagando su altri fatti accaduti nel quartiere. Nel corso della farsa si sprecano i pettegolezzi, “Rumors”, appunto,  come recita il titolo. Rumors è un comico affresco sull’alta borghesia newyorkese, fatua e pettegola.                  In questa pièce andata in scena per la prima volta a Broadway nel 1988, Simon abbandona il suo ruolo di osservatore preciso e graffiante delle nevrosi metropolitane, per accompagnare il pubblico in un grottesco e paradossale viaggio all’interno della farsa. Farsa che, come spiega l’autore, non concede rallentamenti, servono persone che entrino ed escano attraverso le porte senza mai incontrarsi. Il risultato è uno spettacolo dai ritmi frenetici e dai dialoghi surreali, un crescendo spasmodico di porte che si aprono e si chiudono, di perbenismi che esplodono, di paure che si contagiano, di incidenti che dilagano.Uno spettacolo di satira sociale che ha una forza comica senza precedenti.

TEATRO CARCANO:   LA COMMEDIA DI CANDIDO        (dal 10 al 21 marzo)

La commedia di Candido è un gran divertimento, quasi una pochade che ci porta fra i Lumi del Settecento e ci introduce, a colpi di satira, nelle dimore di Diderot, Rousseau e Voltaire imbastendo una spy story tutta incentrata sul romanzo-simbolo di quel secolo, Candido.

A tirare le fila della vicenda, una donna, Augustine, un tipo formidabile, di sfrontatezza e energia rare, forse perché un tempo attrice sui palcoscenici più malfamati di Parigi. Questo terremoto di invenzioni finisce in una storia mille volte più grande di lei, ovveronel bel mezzo di un triangolo impazzito fra i tre filosofi, il più celebre dei quali, Voltaire, decide di terrorizzare il  mondo  minacciando di dare alle stampe un certo libretto satirico in cui in un colpo solo avrebbe messo alla berlina tutti i potenti del suo tempo, tutti i valori, tutti i colleghi. Questo libretto si sarebbe chiamato Candido. Ne nasce un caos senza precedenti: Diderot teme per la propria Enciclopedia, Rousseau ha i brividi perché sa che Voltaire lo odia da sempre, i sovrani di mezza Europa tremano all’idea di essere svergognati, i gesuiti si preparano alla censura immediata. Ed ognuno di loro si precipita alla controffensiva. Augustine si trova impigliata in questo turbinio e vivrà un’avventura rocambolesca – sempre sul filo del rasoio – fra le fisime di Diderot, le sontuose colazioni di Voltaire e il tinello fatiscente di Rousseau. Un vortice di travestimenti, un gioco di teatro nel teatro che si moltiplica all’infinito. L’allestimento diretto da Sergio Fantoni è un coloratissimo susseguirsi di scene incalzanti dove si rincorrono duelli di battute spietate, senza un attimo di tregua. Ottavia Piccolo è la camaleontica protagonista, abilissima nei momenti d’azione quanto brillante nelle sfide filosofiche, mentre Vittorio Viviani caratterizza con tic linguistici e gestuali i tre filosofi.

La favola-avventura scritta da Stefano Massini è ambientata in pieno Settecento, ma tratta molti temi che ci riguardano da vicino: dalla libertà di pensiero al riscatto femminile, dalla lotta contro le guerre ingiuste fino all’integralismo religioso. Una sorpresa e una sfida per il pubblico che assisterà a uno spettacolo divertente su temi molto seri, una commedia dove grandi domande sono travestite da sberleffi.

TEATRO PARENTI: "VIVIEN LEIGH - THE LAST PRESS CONFERENCE"

Autore: Marcy Lafferty
Regia:  Catherine Spaak
Periodo: dal 8 marzo

Vivien Leigh fa parte di tutti noi, o meglio, la sua Scarlett O’Hara – per noi Rossella appartiene ad un’immagine, un’emozione, qualcosa di intenso che è parte della nostra vita. Vivien è Rossella, come nella maturità sarà Blanche in Un tram che si chiama desiderio, ma è soprattutto una fiamma, un fuoco che brucia e che si consuma inesorabilmente.

Vivien Leigh - L’Ultima Conferenza Stampa è la storia prodigiosa della vita e della carriera di una grande interprete cinematografica e teatrale; una conferenza stampa rilasciata mentre era già malata di tubercolosi, poche settimane prima di morire nel 1967.

In teatro, sede di questo incontro con i giornalisti, è lei stessa a tracciare il suo percorso, senza reticenze, fino all’ultimo, non arretrando davanti alla devastazione dalla sua follia, di cui è consapevole. “Io non fingo mai; dico quel che penso e penso quel che dico. Sono in parte moralista e in parte anticonformista. Oscillo tra felicità e tristezza e sono pronta ad accettare le conseguenze delle mie azioni”.

Vivien non sa mentire, neanche a se stessa e guarda il pubblico negli occhi. Forte, fiera, ribelle, determinata, ma anche fragile e vulnerabile allo stesso tempo. Racconta la sua passione per il teatro, l’unico capace di darle pace, gioia ed equilibrio; parla del suo profondo legame con Lowrence Olivier, straordinario attore che fu suo marito e compagno di lavoro. Alle sue spalle compaiono immagini sfuocate. Con un fazzoletto macchiato di sangue, stretto nella mano, agita disordinata i suoi ricordi, rivivendo le sue emozioni, grandiosa e commovente.

TEATRO MANZONI:     L'ORO DI NAPOLI             (dal 2 al al 28 marzo)

Regia:Armando Pugliesi

Attori: Gianfelice Imparato, Luisa Ranieri

Musiche Nicola Piovani

Il libro di Giuseppe Marotta “L’Oro di Napoli” viene definito una dichiarazione d’amore per la sua città, splendida e miserabile, amorosa e spietata, e per i suoi abitanti capaci di inventarsi la vita giorno per giorno. In questi racconti la Napoli di un tempo rivive senza pietismo o retorica, ma con commossa, asciutta, a volte divertita partecipazione.
Alcuni episodi del libro hanno ispirato il celebre film di Vittorio De Sica in cui di Marotta si accentua la vena umoristica più che quella malinconica. Il tema conduttore de “L’Oro di Napoli” è la pazienza, una remota, ereditaria, intelligente, superiore pazienza: la possibilità di rialzarsi dopo ogni caduta. Un film in cui viene esaltato il teatralismo del popolo dei bassi napoletani.
È da questo teatralismo che il regista Armando Pugliese intende partire per l’edizione teatrale de “L’Oro di Napoli” da lui stesso curata con Gianfelice Imparato. Edizione che verrà strutturata su una nuova ricomposizione dei racconti di Giuseppe Marotta, di cui alcuni sfruttati anche nel film, altri completamente inediti. La finalità sarà quella di comporre un grande affresco in cui si raccolgono storie, dolenti o comiche, tragiche o paradossali di un unico di quei palazzoni di cui pullula il centro storico di Napoli. Un palazzo-microcosmo popolato da personaggi che interloquiscono tra loro nell’androne, tra le scale, nella strada, sui pianerottoli, dando vita a quella coralità dolente e magica di una città anche furbesca ed ingannatrice, ma non imbastardita da un degrado che sembra inarrestabile.
Lo spettacolo, coadiuvato dalle musiche di scena di Nicola Piovani, vanta tra i protagonisti Gianfelice Imparato reduce dal personale successo del film “Gomorra”, Luisa Ranieri sanguigna interprete di matrice napoletana e Valerio Santoro esperto attore di teatro.