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TEATRO SAN BABILA  " BRANCALEONE e la sua Armata "

Regia: Pippo Franc

Attori: Gegia, G.Battaglia, G.Miseferi

Date: dal 28 novembre al 3 dicembre

Pippo Franco – Brancaleone dal 28 novembre al Teatro San Babila – va in scena fino al 3 dicembre, con una esilarante commedia ricca di comicità, divertimento, risate, ma non priva di contenuti e di momenti di riflessione.

Il comico romano, accompagnato dalla sua "armata" composta da grandi attori (tra questi i comici Gegia, Battaglia & Miseferi) gia noti al palcoscenico, vi divertirà con questo spettacolo ricco di azione, sorprese, al limite del grottesco, con tanti colpi di scena ed un finale a sorpresa.

La commedia, che è liberamente ispirata ai film di Mario Monicelli, cavalca un umorismo spesso involontario e rappresenta in modo ironico e sorprendente, il lato tragicomico dell'esistenza umana.

Brancaleone di ritorno dalla Terra Santa, dove ha combattuto quella che lui definisce la sua ultima battaglia, chiede ospitalità ad un clerico eremita, uomo colto ed esperto cerusico al servizio del Vescovo di Trani. Brancaleone, pur non avendo mai perso il suo senso dell’ironia con cui affronta la sua esasperata esistenza, è in preda ad una crisi suicida: nella sua ultima battaglia si è finto morto per non essere ucciso dai Saraceni ed ora vuole espiare la sua colpa ingerendo un veleno che pretende da Colombello.

Il clerico, che a sua volta si identifica nell’allegrezza, sa che il cavaliere è in realtà posseduto dai demoni e gli da una purga facendogli credere che sia cicuta.

Una volta tornato in sé a Brancaleone viene offerta dal Vescovo la possibilità di formare un’armata e di conquistare il Castello di Bellafonte caduto in mano ai saraceni. Il cavaliere accetta subito l’incarico e insieme allo stesso Colombello e ad un lebbroso che si è unito a loro parte per la paradossale impresa. Ma formare un’armata non è facile e al condottiero si unisce soltanto una compagnia di comici incontrata durante il viaggio verso il castello.

Grazie alla particolarità degli imprevisti che deve fronteggiare, Brancaleone si rende conto di aver vissuto metà della sua esistenza come uomo d’armi mentre l’altra metà, quella dell’esperienza dell’amore e della visione spirituale dell’essere, gli è rimasta sconosciuta.

La commedia, liberamente ispirata ai film di Mario Monicelli, rappresenta in modo ironico e sorprendente, il lato tragicomico dell'esistenza umana.

 

TEATRO degli ARCIMBOLDI:   "CHARLES AZNAVOUR"

  

Dopo il grandissimo successo del concerto del 23 luglio all’Auditorium Parco della Musica e a conferma dell’immenso amore che lo lega al nostro Paese, CHARLES AZNAVOUR tornerà in concerto in Italia lunedì 13 novembre al Teatro degli Arcimboldi di Milano (Viale dell'Innovazione, 20 - inizio concerto ore 21.00 – biglietti in vendita su www.ticketone.it) per celebrare i suoi 70 anni di magnifica carriera.

L’appuntamento è organizzato da Show Bees e Intersuoni BMU, in collaborazione con Patrick Shart, Alain Boyaci e Moonlight Productions.

Cantautore, attore, diplomatico impegnato, a 93 anni Aznavour non smette di stupire! Con la sua voce inconfondibile, tanto da meritare il soprannome di “Charles Aznavoice”, Aznavour ha dei numeri da record, con 300 milioni di dischi venduti nel mondo e 80 film all’attivo.

Perché Aznavour non è nient’altro che “un uomo con una classe folle, una professionalità indiscutibile, una volontà feroce e un artista dalla penna imbattibile che osserva il mondo con gli occhi di un ragazzino” [Paris March].

Settant’anni di lunga e norata carriera che il 24 agosto sono stati suggellati da una stella in suo onore sulla “Walk of Fame”.

Lo scorso anno, inoltre, l’artista si era regalato un tour internazionale, collezionando sold out ad Amsterdam, Dubai, Praga, Antwerp, Osaka, Tokyo, Barcellona, Marbella, Trélazé, Monaco e Verona.

I suoi sono concerti epici, intimi e generosi in cui non mancano i successi di sempre come “Tous les visages de l’amour”, cantata da Aznavour in quattro lingue (italiano, inglese, spagnolo e tedesco) e ampiamente reinterpretata da numerosi artisti come Laura Pausini (celebre la sua “Uguale a lei”), “La Bohème”,” Com’è triste Venezia”, “Ed io tra di voi” (reinterpretata anche da Franco Battiato) e moltissimi altri.

Nato a Parigi nel 1924 da immigrati di origine armena, Shahnour Vaghinagh Aznavourian, in arte CHARLES AZNAVOUR, debuttò a teatro come attore di prosa.

Nel dopoguerra, grazie a Edith Piaf che lo portò in tournée in Francia e negli Stati Uniti, si mise in luce come cantautore.

Ma il riconoscimento mondiale arrivò nel 1956 all'Olympia di Parigi con la canzone Sur ma vie: uno strepitoso successo che gli permise di entrare nella storia degli chansonnier francesi.

Il fatto che Aznavour canti in sette lingue gli ha consentito di esibirsi in tutto il mondo divenendo ovunque famosissimo. Si è esibito alla Carnegie Hall e nei maggiori teatri del mondo, duettando con star internazionali come Nana Mouskouri, Liza Minnelli, Sumiva Moreno, Compay Segundo, Céline Dion e, in Italia, con Mia Martini e Laura Pausini.

In Italia, inoltre, per quasi tutte le versioni italiane delle sue canzoni ha collaborato con il grande autore e paroliere Giorgio Calabrese, recentemente scomparso.

All’estero le sue canzoni sono state spesso reinterpretate da numerosi artisti come Elton John, Bob Dylan, Sting, Placido Domingo, Céline Dion, Julio Iglesias, Edith Piaf, Liza Minnelli, Sammy Davis Jr, Ray Charles, Elvis Costello e moltissimi altri.

Il suo impegno come cantautore non gli impedisce di battersi da sempre per la causa armena, con un’intensa attività diplomatica che gli è valsa la nomina di Ambasciatore d’Armenia in Svizzera.

Milano 11 novembre 2017

TEATRO FRANCO PARENTI:  " MEDEA "  (9 novembre)

ideato e diretto da Dario D’Ambrosi

adattamento e regia: Dario D’Ambrosi
interpreti Celeste Moratti, Almerica Schiavo, Sebastiano Somma, Paolo Vaselli, Morgana Forcella, Michela D’Ambrosi
coro Antei Emanuele, Bischetti Fabio, De Persio Fabio, Ferrari Andrea, Fronticelli Baldelli Nicolò, Giliberti Gilberto, Giliberti Paolo, Sorcini Silvia, Starace Marina, Terracini Claudia, Tortosa Daniele

musiche originali Francesco Santalucia
coordinamento coro Papaceccio
costumi Raffaella Toni
organizzazione Valeria Gaveglia

Il progetto proposto da Dario D’Ambrosi e dal suo Teatro Patologico, in collaborazione con l’Università di Roma “Tor Vergata”, Euroma2 e l’Istituto “Lorenzo de' Medici”, è di portare in scena una particolarissima versione della “Medea” di Euripide, a conclusione di un intenso e riuscito percorso teatrale, quello della scuola di formazione teatrale per ragazzi diversamente abili “La Magia del Teatro”.

Lo spettacolo vede in scena ragazzi con disabilità e attori professionisti, tra cui Celeste Moratti nel ruolo di Medea, Sebastiano Somma nel ruolo di Creonte, Paolo Vaselli nel ruolo di Giasone, Morgana Forcella e Michela D’Ambrosi nel ruolo di Glauce. 
L’adattamento possiede come elemento centrale il rapporto tra corpo e linguaggio: un corpo che si fa lingua e comunicazione, grazie all’importantissimo ruolo che ricoprirà la musica dal vivo di Francesco Santalucia e Papaceccio. Il linguaggio assume sostanza soprattutto attraverso l’uso del greco antico.
Lo spettacolo prevede infatti sia l’uso dell’italiano che del greco antico (risultato di un attento lavoro di studio e consulenze filologiche). Ciò che ha delineato i diversi momenti e quindi il diverso uso delle due lingue è proprio l’emozionalità, i diversi stati emotivi che caratterizzano questa violenta quanto commovente storia. La musica dal vivo accompagna i momenti in greco antico, non come semplice tappeto musicale ma come vero e proprio intervento corporeo ad arricchire, completare le suggestioni che saranno evocate da un lingua così antica e musicale; la lingua italiana sarà lasciata al silenzio, all’assenza di musica, a quella carica di suggestioni ed emozioni che saranno presenti nei monologhi di Medea quanto nei rapidi e intensi scambi di battute.

La scelta del testo ed il successivo lavoro di sperimentazione dimostrano che il lavoro di D’Ambrosi con i ragazzi con disabilità, non sono solo una forma di terapia, ma anche la fantastica possibilità di espressione artistica ed emotiva, un luogo di aggregazione e di formazione entusiasmante in cui giocare e divertirsi sul serio, in cui i ragazzi disabili hanno potuto sentirsi ed essere finalmente protagonisti.

 

TEATRO MANZONI: " LA GUERRA dei ROSES "

Autore: Warren Adler

Regia: Filippo Dini

Attori: Ambra Angiolini, Matteo Cremon

Date: dal 9 al 26 novembre

“La guerra dei Roses” è prima di tutto il titolo di un romanzo del 1981 e poi otto anni più tardi diventa un enorme successo cinematografico per la regia di Danny De Vito. L’autore del romanzo, Warren Adler, scrive anche il soggetto del film e in seguito deciderà di adattare questa vicenda anche per il teatro, creando una commedia straordinaria, raffinata e caotica al tempo stesso, comica e crudele, ridicola e folle, trovando forse in teatro la sua dimensione ideale, per la sua potenza espressiva e la sua dimensione terribilmente onirica.

La storia, nota ormai a tutti, grazie alla fama della pellicola cinematografica, e alla notorietà oltre che alla splendida affinità interpretativa dei suoi protagonisti (Michael Douglas e Kathleen Turner), narra della lenta e terribile separazione tra i coniugi Rose, lui ricco e ambizioso uomo d’affari, tronfio della sua fortunatissima carriera, lei una moglie obbediente, ma mai dimessa, che lo ha accompagnato nella sua brillante ascesa, con amore, stima profonda e un pizzico di fascinazione per le piccole o grandi comodità, che la loro vita quotidiana andava conquistandosi.

Tutto questo avviene, come ci è lasciato intuire dalle prime scene, in un’atmosfera di profondo amore, di sincera passione, all’interno di una cornice rosa e perfetta, lontani dal sospetto, appunto inesistente tra i Rose, di un qualsivoglia senso di raggiro o personale tornaconto, la dinamica del loro vivere insieme pare (ed è!) motivata soltanto dal reciproco amore. Ma ad un tratto, poco dopo l’inizio della nostra commedia, tutto questo si rompe, si infrange contro lo scoglio della mancata realizzazione professionale di lei.

Tutta la loro vita passata insieme, viene da lei completamente riscritta e reinterpretata, la sua maturata presa di coscienza la rafforza e la sprona, con una ferocia degna di una grande eroina, a scagliarsi sul suo amato, ora il responsabile della sua mancata affermazione, in un crescendo di cattiveria, rabbia e reciproche atrocità, fino alle estreme conseguenze.

Note di regia

La grandezza dell’amore si esprime in questa commedia attraverso la sua fine.

Adler ci pone di fronte ad una delle più potenti e straordinarie deflagrazione umane: la separazione di un uomo e una donna che hanno condiviso un grande amore.

Non c’è al mondo espressione più sconvolgente della potenza dell’essere umano, non a caso il titolo la paragona ad una guerra, e non solo, ad una delle più sanguinose guerre della storia inglese, una guerra nata in “casa” appunto, la guerra tra due rami della stessa famiglia, la guerra delle due rose.

La messa in scena racconta appunto di una guerra, due schieramenti, e volutamente si è scelto di affidare tutti i personaggi a solo quattro interpreti, due uomini e due donne, in campo a combattere per la propria legittimità su questo pianeta.

Il signor Rose e la signora Rose e i loro doppi, che interpretano i loro rispettivi avvocati e altri personaggi nei quali si imbattono i protagonisti, come in un sogno che non avrà un lieto fine, ci divertiranno fino alle lacrime per la loro comicità e ci turberanno nel profondo, poiché sveleranno in modo più o meno consapevole i nostri intimi fallimenti nel comprendere l’”altro”, l’opposto, all’interno di noi stessi.

La vera guerra, forse assai più sanguinosa si svolgerà dentro di noi, nel percepire vittime e carnefici all’interno delle nostre irrisolte metà, rintanate nelle viscere delle nostre coscienze.

Adler ci aiuta, con un sorriso, ad affrontare questa guerra, con coraggio e con leggerezza.

E forse ci permetterà, quindi, di tendere una mano all’altro, per invitarci a uscire da quella “casa” e andare incontro ad un “esterno”, ad un futuro nel quale l’uomo, prima ancora della donna, tornerà ad essere in grado di capire, accettare, dialogare con la sua intima femminilità offesa e deturpata spesso in ognuno di noi.

 

 

TEATRO CARCANO:  "FILUMENA MARTURANO"

Autore: Eduardo De Filippo

Regia: Liliana Cavani

Attori: Mariangela D’Abbraccio, Geppy Gleijeses

Date: dal 18 al 29 ottobre

Domenico Soriano è furente perché Filumena Marturano, una ex prostituta che da anni vive con lui come la più paziente e sottomessa delle mogli, è riuscita a farsi sposare fingendosi moribonda. Celebrate le nozze, la donna era invece balzata dal letto, guaritissima e ferocemente soddisfatta di aver ripreso il suo posto legittimo nella casa che per tanti anni aveva contribuito a far prosperare. A quello stratagemma estremo s’era risolta perché, dopo mille avventure sopportate in silenzio, il suo uomo voleva darle il benservito, per sposare una ragazza di vent’anni. Ma non è tutto: Filumena rivela infatti a Domenico l’esistenza di tre figli già grandi, tenuti nascosti a tutti e cresciuti a balia grazie ai denari a lui abilmente sottratti. Soriano, sempre più fuori di sé, ottiene l’annullamento del matrimonio carpito con l’inganno.

A Filumena non resta che ripiegare su un altro, più sottile espediente: uno dei tre giovanotti è certamente figlio di Domenico. Quale? La donna lascia la casa portandosi via il segreto. Domenico, che in preda alla più angosciosa curiosità la supplica di rivelargli la verità, ha nel frattempo modo di riscoprire tutte le qualità umane della sua compagna. E per non lasciarsi sfuggire il figlio, acconsente a liberarsi della giovane fidanzata, a sposare – questa volta davvero – Filumena e a prendersi in casa i tre giovani. Ma nemmeno diventata sua moglie Filumena svelerà il segreto…

Diretto con autorevolezza e fedeltà dalla grande cineasta Liliana Cavani alla sua prima regia di prosa, il capolavoro di Eduardo De Filippo si avvale delle superlative prove d’attori di Mariangela D’Abbraccio, ruggente, feroce, decisa Filumena, e Geppy Gleijeses, struggente e smarrito Domenico. Al debutto al Festival dei Due Mondi di Spoleto a luglio 2016 il pubblico ha accolto lo spettacolo con applausi interminabili. Per la critica, una Filumena commovente e monumentale, che la regia tramuta in una grande sceneggiatura tra cinema e teatro di straordinaria attualità.

 

TEATRO COCCIA (Novara):   "Copenhagen"

La stagione del teatro di prosa del Coccia di Novara ha avuto inizio ieri sera, sabato 21 ottobre, con uno dei testi drammaturgici più interessanti e significativi del ‘teatro di parola’ contemporaneo: Copenhagen, dello scrittore inglese Michael Frayn, che lo scrisse nel 1998. L’opera è ispirata ad un fatto realmente accaduto, uno dei ‘misteri’ più appassionanti della storia della scienza (e forse della politica) del ‘900, negli anni cupi e tragici del secondo conflitto mondiale. Nel 1940 Copenhagen viene occupata dalla Germania. Nel settembre del 1941, il fisico Werner Heisenberg, capo del progetto tedesco per la costruzione di un'arma atomica, va nella capitale danese a trovare Niels Bohr, un altro dei padri della meccanica quantistica, di origini ebraiche e dunque non certo filo-nazista, ma suo vecchio maestro e un tempo grande amico. I due si incontrano nella capitale danese occupata dalle forze naziste ed è in casa di Bohr che si svolse la discussione. Ad essa assistette solo la moglie di Bohr, Margarethe. E’ lecito pensare che al centro di tale discussione ci siano state le ricerche sulla fissione dell’atomo e sul suo impiego pratico nella costruzione degli ordigni nucleari. Ma quale fu il vero motivo che indusse il fisico tedesco a fare visita a colui che le vicende storiche avevano trasformato in nemico? Cosa portò realmente lo scienziato a capo del progetto di sviluppo nucleare nazista dal suo maestro e ora nemico? Frayn immagina che i tre protagonisti di quel misterioso incontro siano già morti da tempo, e di nuovo incontrandosi in un mondo di morti sottilmente inquietante e onirico, rievochino quella loro discussione terrena di tanti anni addietro: una rievocazione fatta dunque fuori del tempo, o in un altro tempo, nello spazio surreale di una spoglia e scura aula universitaria, le cui lavagne sono riempite di infiniti calcoli matematici, incombenti sul palcoscenico quasi come un incubo minaccioso. In realtà, intorno al nucleo centrale del dramma, l’incontro fatidico del settembre 1941, il dialogo fra i tre protagonisti si muove continuamente nello spazio e nel tempo, rievocando altri incontri ed episodi, non solo accademici, ma anche privati, come la tragica morte di uno dei figli dei Bohr. Si crea dunque una continua oscillazione e sovrapposizione di piani temporali, in cui non è forse impossibile intravedere un’allusione, oltre che al principio di indeterminazione di Heisenberg, anche all’ambiguità dello spazio-tempo scoperta da Einstein, riferimento e punto di partenza sia di Bohr (che lo definisce il suo “dio”), sia di Heisenberg. La discussione sui più ardui problemi della nuova fisica (teoria dei quanti, principio di indeterminazione, processo di scissione e fissione dell’atomo) si svolge nella più assoluta precisione di termini e concetti, ma lo spettatore percepisce con chiarezza che sotto tali questioni il vero problema che turba la mente dei protagonisti è morale, ed è la grande e sempre attuale questione dei rapporti tra scienza e potere, la responsabilità dello scienziato nei confronti dell’umanità, un tema per eccellenza ‘brechtiano’. Anche in questo caso, a differenza di quanto avviene nella Vita di Galileo di B. Brecht, l’esito della discussione è avvolto nell’ambiguità e nell’indeterminatezza, che impedisce di giungere ad una ‘verità’ assoluta e indiscutibile: Bohr, che all’inizio può apparire del tutto ‘innocente’, estraneo alle ricerche sull’atomica, si rivela poi come collaboratore decisivo nella messa a punto della seconda bomba nucleare lanciata sul Giappone, quella di Nagasaki, mentre Heisenberg, pienamente coinvolto nel progetto nucleare nazista, potrà rivendicare di non aver ucciso un solo uomo, avendo sbagliato i calcoli (forse intenzionalmente…) relativi alla quantità di energia necessaria per far esplodere l’ ordigno, impedendone così la costruzione ad opera dei nazisti. Dunque il linguaggio rigoroso, i concetti più raffinati della scienza non sono in grado di afferrare e definire una volta per tutte quella nozione ambigua e incerta che è la ‘verità’, quando questa riguarda l’uomo, perché è nel cuore dell’uomo che si trova il più decisivo ‘principio di indeterminazione’, come osserva Bohr in una delle battute finali del dramma. Un’opera simile, per reggere degnamente il palcoscenico, ha bisogno di grandi attori. E da grandissimi attori era formato il formidabile terzetto degli interpreti: Umberto Orsini, del quale non si può che rimanere ammirati e stupefatti per la straordinaria vitalità dei suoi 83 anni (!) nei panni di un Bohr velatamente ironico e persino un po’ gigione, con l’atteggiamento di un maestro nei confronti di un allievo; Giuliana Lojodice, una Margarethe lucida e determinata nella sua pretesa, vana, di giudicare in modo netto e definitivo le azioni e le scelte degli uomini e Massimo Popolizio, un Heisenberg rappresentato come la personificazione stessa dell’indeterminazione, nella nevrotica incertezza dei comportamenti, in cui si mescolano ironia e senso tragico della condizione dello scienziato e dell’uomo. Bella la regia di Mauro Avogadro, che ottiene da questi tre ‘mostri sacri’ delle nostre scene il massimo delle loro eccellenti risorse interpretative. Alla fine del bellissimo spettacolo, strameritati e lunghissimi applausi del numeroso pubblico presente.

21 ottobre Bruno Busca

TEATRO MANZONI:  "L'ANATRA ALLA'ARANCIA "

Regia: Luca Barareschi

Attori: Luca Barbareschi, Chiara Noschese

Date: dal 12 al 29 ottobre

L’anatra all’arancia è uno spettacolo cult del teatro comico, opera di William Douglas Home, adattata dal celebre Marc Gilbert Sauvajon. Titolo emblematico di quella drammaturgia che suscita la risata con classe, attraverso un uso sapiente e sottile della macchina teatrale. Una bellissima storia universale di un uomo e di una donna e del loro ménage messo in crisi dalla personalità di lui, egoista, egocentrico, incline al tradimento, vittima del proprio essere un clown che finisce per stancare chi gli sta intorno. E di come il protagonista si inventi un modo per riconquistare la moglie che lo ha tradito e che amava, architettando un piano per dimostrarle che lui è il suo unico amore anche dopo venticinque anni. Luca Barbareschi, qui in veste anche di raffinato regista, e Chiara Noschese animano l’ingranaggio di questa commedia impreziosita da dialoghi gustosi e irresistibili. 

 

FATTORIA VITTADINI:  " IT’S A LITTLE BIT MESSY "

RASSEGNA DI DANZA CONTEMPORANEA

 

Date: 28 SETTEMBRE – 16 DICEMBRE 2017

Dove: MILANO | LUOGHI VARI

Nel 2007 undici danzatori vanno in scena per la prima volta insieme nel teatro della Scuola Paolo Grassi di Milano. Sono giovani, poco più che ventenni, compagni di studio nell’allora Atelier di Teatro-Danza.

Tre anni di formazione insieme, un diploma e la nascita ufficiale nel 2009 di una compagnia suggellano il desiderio comune di restare uniti, seppure così numerosi ed eterogenei per stili e gusti.

Nasce così Fattoria Vittadini: un collettivo di danzatori-coreografi, un luogo (virtuale, ancor prima che reale) di formazione e perfezionamento professionale, un gruppo animato da un’estetica molto precisa sebbene frutto di una pluralità di punti di vista.

Proprio la condivisione e l’intreccio di percorsi comuni, progetti individuali interni ed esterni al gruppo, nonché l’apertura ad artisti ospiti sono la carta d’identità di Fattoria Vittadini. Una compagnia liquida, metamorfica, capace di mettersi in gioco negli anni con coreografi e registi come Ariella Vidach, Lucinda Childs, Yasmeen Godder, Virgilio Sieni e Alessandro Certini, Maya Weinberg, Matan Zamir e Nicola Mascia / matanicola, Giulio D’Anna, Maya Carrol, Daniel Abreu.

Numerosi i festival e i teatri che hanno visto impegnata la compagnia, in Italia come all’estero (MilanOltre, Fringe Festival di Edinburgo, Oriente Occidente per citarne alcuni).

Ma le radici restano a Milano.

Proprio la città che l’ha vista nascere e la vede sempre tornare è stata scelta dalla compagnia per ospitare il progetto It’s a little bit messy, una rassegna che, snodandosi su tre mesi e in diversi luoghi, vuole ripercorrere questi primi dieci anni di cammino insieme e volgere lo sguardo a progetti futuri.

Un denso calendario di performance e incontri per offrire uno sguardo ‘trasversale’ sulle diverse identità della compagnia.


Si parte il 28 settembre a Zona K per il Festival Isola Kult con la performance Fragile di Noemi Bresciani, che si interroga sul significato della fragilità e sul suo legame con la femminilità.

Nella stessa occasione sarà possibile visitare anche la Mostra del collettivo Fragile Artists, incentrata sulle collaborazioni con Fattoria Vittadini, che Zona K ospita dal 19 al 28 settembre.

All’interno della stagione 17/18 di Zona K per il Focus Urban è in scena il 6, 7 e 8 ottobre la performance site-specific in case private Grip, duetto di Riccardo Olivier e Alex McCabe; nel linguaggio automobilistico grip è il termine che indica l’aderenza delle ruote al suolo, la ‘tenuta di strada’ e i due performer si interrogano su cosa significa per un essere umano ‘tenere la strada’, aderire alla propria vita, o decidere di correrla fino a portarla all'estremo. Fino a perdere l'aderenza.

 

Ottobre è il mese dei due appuntamenti di punta della personale: il Festival MilanOltre dedica a Fattoria Vittadini un focus con 3 titoli in programma. To this purpose only (5 ottobre) realizzato con il duo berlinese matanicola è un affresco in quadri dell'Italia odierna, tra clichés e tradizioni millenarie che si sovrappongono, fondono e confondono in una contemporaneità straniante sulle note di Mina e Nino Rota.

Salvaje (9 ottobre) presentato in prima assoluta è la versione definitiva di ODIO, progetto coreografato da Daniel Abreu e realizzato col sostegno di Festival TorinoDanza, Amat, Arteven e Teatro Comunale di Vicenza e all’interno del progetto fUNDER 35 di Fondazione Cariplo. In scena tre performer che danno espressione e corpo a un’indagine sulle pulsioni e sugli istinti reconditi.

Il 12 ottobre è invece la volta di My.True.Self.Revisited, riscrittura, anche in questo caso in prima assoluta, del primo lavoro ‘targato’ Fattoria Vittadini, nel 2010. Costruito appositamente sugli undici componenti di Fattoria Vittadini dalla coreografa Maya Weinberg, danzatrice di Yasmeen Godder, e dalla dramaturg Shir Freibach, My True Self indaga le dinamiche del desiderio di essere qualcun altro come mezzo per liberare il proprio vero “io” e realizzarsi a livello personale.

In questa versione revisited, 9 interpreti degli 11 originali riprendono il lavoro non senza un occhio ironico e scanzonato su se stessi.

Il 26 ottobre è di nuovo tempo di debutti. Il Festival Lecite/Visioni al Teatro Filodrammatici ospita la prima assoluta di Omosessuale di e con Riccardo Olivier, performance site-specific che racconta, con cinismo e ingenuità, il conflitto tra un individuo omosessuale e la definizione stessa. Un autoritratto pop denudato, scherzato, indignato.

Nella stessa serata sarà riproposto anche iLove di e con Cesare Benedetti e Riccardo Olivier, duetto al maschile sull’amore.

Si prosegue il 13 novembre al Teatro Franco Parenti in occasione di NEXT con Vanitas di Francesca Penzo. La performance, co-produzione del Festival Oriente Occidente, mixa coreografia, new media e sound design, reinterpretando in modo rituale il significato originario del titolo (la vanitas, in pittura, è una natura morta con elementi simbolici allusivi al tema della caducità della vita)

Tre appuntamenti chiudono la rassegna in dicembre.

Il 12 allo Spazio Oberdan la proiezione del film Tutto parla di te di Alina Marazzi, che valse alla regista il premio Golden Camera al Festival di Roma 2012 come regista emergente e che vede protagonisti i danzatori di Fattoria Vittadini accanto a Charlotte Rampling, Elena Radonicich e Maria Grazia Mandruzzato.

Il 14 a Teatro i è in scena la prima assoluta di Bastarda di Noemi Bresciani, Desirèe Sacchiero, Irene Petra Zani (Fragile Artists), una riflessione sulla nostra identità, sulle nostre origini e sulle nostre radici.

Si chiude il 16 all’interno della cornice di Naocrea al DiDStudio con la presentazione di Eutropia, primo progetto coreografico di MariaGiulia Serantoni, sul senso di città ideale, supportato da LaborGras (Renate Graziadei e Arthur Stäldi) e la presentazione di altri due progetti in progress della compagnia: Vanitas e Gong di e con Alex McCabe e Riccardo Olivier.

Oltre agli spettacoli, parte integrante del progetto è anche una serie di incontri tenuti da critici, artisti, studiosi che, partendo dalla storia di Fattoria Vittadini condivideranno alcuni momenti di riflessione e dibattito sulla scena della danza contemporanea.

It’s a little bit messy vuole infatti essere anche un momento di scambio e confronto con il pubblico del territorio, intercettando e coinvolgendo nuovi pubblici. Per riuscire nell’intento il progetto si avvale della collaborazione di Stratagemmi, rivista di teatro edita dall’Associazione Prospettive Teatrali, con un duplice percorso di visione e di formazione del giovane pubblico: il primo rivolto a studenti delle scuole superiori, il secondo che coinvolgerà una redazione di studenti universitari.

 Per maggiori informazioni:  www.fattoriavittadini.it


 

TEATRO FRANCO PARENTI:  EDUCAZIONE TRANSIBERIANA (STUDIO)

una creazione di Davide Carnevali
con Fabrizio Martorelli, Silvia Giulia Mendola, Alberto Onofrietti
Residenza di Davide Carnevali e compagnia Piani in Bilico

Date: 25 e 26 luglio

  

Da Mary Poppins a Peppa Pig, da una rilettura postmoderna di Cenerentola a un’indagine socio-economica sulle condizioni di lavoro di Holly e Benji: quale influenza esercitano oggi la televisione e i mass media sull’immaginario dei ragazzi? Le fiabe e i cartoni plasmano per sempre la visione del mondo dei bambini, ma quale ruolo giocano nelle politiche di educazione?

#1 Peppa Pig prende coscienza di essere un suino

#2 Il migliore dei mondi possibili (colpirne uno per maleducarne cento)

#3 Holly e Benji patiscono le fluttuazioni del mercato euroasiatico

Davide Carnevali presenta lo studio dei primi tre capitoli del suo prossimo spettacolo Maleducazione Transiberiana, Produzione Teatro Franco Parenti (debutto: aprile 2018)

 

TEATRO FRANCO PARENTI  "IO SONO MISIA - L'ape regina dei sogni "

Autore:Vittorio Cielo

Regia: Francesco Zecca

Attori: Lucrezia Lante della Rovere

Scene: Gianluca Amodio                       

Musiche: Diego Buongiorno                 

Date: dal 18 al 23 aprile

 


Dopo il successo di Malamore, Premio Flaiano 2012, Lucrezia Lante della Rovere continua a dare vita a profili di donne straordinarie, quelle che hanno costruito la cultura del ’900. Con la sensibile regia di Francesco Zecca e un testo inedito del poeta Vittorio Cielo, l’attrice rivela al pubblico italiano l’incredibile personalità di Misia Sert, ovvero Marie Sophie Olga Zenaïde Godebska, Mecenate e amica di Picasso, Paul Morand, Debussy, Stravinsky, Coco Chanel, ritratta da Renoir e Toulouse Lautrec, inmortalata da Cocteau nelle vesti di una principessa.
Lucrezia Lante della Rovere interpreta un vivido ritratto della vita straordinaria di questa donna, cercatrice di meraviglie umane, definita da Proust “un monumento di storia, collocata nell’asse del gusto francese come l’obelisco di Luxor nell’asse degli Champs Elysées”.
“Con i miei occhi color malva, ho visto ora dopo ora inevitabilmente Pablo Ruiz trasformarsi nel mostro-toro Picasso, Debussy sui miei divani sognare il sesso del fauno, Cocteau fare la corte agli attori come in Marocco, Stravinsky incendiarsi nella Sagra di Primavera, Ravel ricamare musica a dispetto di Satie. E Proust, scrivere ogni cosa, ogni parola di tutti, fino a mettermi nella seconda riga della prima pagina della Recherche. Nelle università la chiamano 'cultura'… io la chiamavo averli a cena da me, a casa…”
                                                     Vittorio Cielo

 

TEATRO SAN BABILA  "QUALCHE VOLTA SCAPPANO"

Autori: Agnès e Daniel Bese

Regia: Pino Quartullo

Attori: Rosita Celentano, Pino Quartullo, Attilio Fontana

Date: dal 14 al 19 marzo

I due coniugi all’improvviso vedono crollare il loro mondo, le loro certezze. O almeno quelle che credevano tali. Alessandro ha portato fuori per il giretto serale Toutoù, ma ahimè rientra a casa senza di lui. Tragedia. Il cane è fuggito.

Non si è perso come Marzia rimprovera ad Alessandro, non è stato abbandonato come tante, troppe volte, accade. No. La sua è una deliberata dichiarazione di ribellione. Perché un cane ha una sua identità, una sua dignità. E perché all’improvviso l’amato quadrupede di casa diviene il rivelatore di disagi e compromessi, l’elemento sublimante di carenze affettive, di vuoti opportunamente celati, ed il detonatore di segreti, complice l’arrivo dell’amico Paolo, figura chiave nella vicenda e nella movimentata serata.

Commedia ironica e pungente che rivela il legame oggi fortissimo, a tratti paradossale ma diffusissimo che si instaura con i propri animali domestici. Essi smettono di essere considerati tali per essere umanizzati in un eccesso di amore, o nel desiderio di trovare in loro affetti, legami e corrispondenze amorose.

Ci si riconoscerà in Marzia, in Alessandro o in Paolo?

TEATRO MANZONI: “SERIAL KILLER PER SIGNORA”

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Regia: Gianluca Guidi

Attori: Gianluca Guidi, Giampiero Ingrassia, Alice Mistroni, Teresa Federico

Scene e costumi: Annamaria Morelli

Direzione musicale Riccardo Biseo
Disegno luci Umile Vainieri

Date: dal 23 marza al 9 aprrile

Kit e Morris sono i protagonisti di Serial Killer per signora. Non si conoscono. Nessuno dei due sa dell’esistenza dell’altro. Kit è un attore disoccupato, da poco orfano di un’attrice che lo ha sempre trascurato per inseguire il successo. Morris è un detective della polizia di New York, non più giovanissimo, lontano da clamori carrieristici, con una madre invadente e possessiva. Poi il primo omicidio, commesso da una psiche malata alla ricerca di successo e attenzione mediatica. Kit cerca Morris dando inizio a un rapporto simbiotico tra i due e le loro rispettive “carriere”, in una gara senza esclusione di colpi che, inevitabilmente, avrà un solo vincitore. Gianluca Guidi, qui anche in veste di regista, e Giampiero Ingrassia ci conducono attraverso le rocambolesche  avventure di questa originale e intrigante commedia musicale di Douglas J. Cohen, autore anche delle musiche.

TEATRO FRANCO PARENTI:   "Nessun luogo è lontano"

Scritto e diretto da Giampiero Rappa

Attori: Alice Ferranti, Giampiero Rappa, Giuseppe Tantillo

Aiuto regia Alberto Basaluzzo

Musiche originali : Stefano Bollani

Scenografia Francesco Ghisu, Costumi Lucia Mariani

Voci registrate Alberto Basaluzzo e Alessandra Schiavoni, Luci: Daria Grispino

Foto di scena e grafica: Manuela Giusto,  Produzione Argot

Date: dal 14 al 26 marzo


Una giornalista giovane e determinata affronta un lungo viaggio per intervistare Mario Capaldini, ex scrittore di successo, un uomo burbero e cinico che da alcuni anni ha chiuso ogni rapporto con il mondo dopo aver rifiutato un’ importante premio letterario. Quali verità nascoste la giornalista vuole scoprire su di lui? E che cosa cerca e nasconde Ronny, il giovanissimo e irruento nipote di Mario che a sorpresa e con entusiasmo torna a trovarlo dopo tanto tempo? Riuscirà l’uomo a difendere la sua baita dalla intrusione dei due giovani? O forse è proprio quell’intrusione che sta attendendo da tempo senza saperlo? Mistero, silenzi, ritmi serrati e ironia in un testo che parla di orgoglio, conflitti tra genitori e figli, amore, perdono.

Tutta l’azione scenica avviene all’interno di una baita, metafora di quel luogo interno dove ci si isola per proteggersi e capire cosa si desidera veramente dalla vita. I tre personaggi hanno i difetti, i caratteri e il modo di parlare tipici della commedia. Mario, 50 anni , ex scrittore di successo, ostinato a difendere la propria solitudine, recita come se avesse la maschera dell’attore tragico mentre, scena dopo scena, i due giovani provano in tutti modi a smascherarlo. In questa ricerca affannosa e tragicomica i due ragazzi finiranno per conoscere meglio se stessi e ritornare al mondo più adulti Giampiero Rappa

 

TEATRO PARENTI: "Da Delitto e Castigo a I Fratelli Karamazov"

Prosegue il ciclo dedicato a Dostoevskij con lo spettacolo Delitto e Castigo e una serie di approfondimenti con lezioni magistrali e conversazioni sull’opera del grande scrittore russo

CAPITOLO 3
DELITTO E CASTIGO
Una discesa agli Inferi tra lucidità e follia

Adattamento di Alberto Oliva e Mino Manni
da Fedor Dostoevskij
regia di Alberto Oliva
con Valentina Bartolo, Francesco Brandi, Maria Eugenia D'Aquino, Matteo Ippolito, Massimo Loreto, Mino Manni, Camilla Sandri, Sebastiano Bottari

Date: dal 7 al 19 marzo

È il rendiconto psicologico di un delitto. Un giovane, che è stato espulso dall'Università e vive in condizioni di estrema indigenza, suggestionato, per leggerezza e instabilità di concezioni, da alcune strane idee non concrete che sono nell'aria, si è improvvisamente risolto a uscire dalla brutta situazione. Ha deciso di uccidere una vecchia che presta denaro a usura...

[Fëdor Dostoevskij, Delitto e castigo]

Alberto Oliva e Mino Manni tornano al Teatro Franco Parenti con il Terzo Atto di Prospettiva Dostoevskij, incontri e spettacoli sul grande scrittore russo. La parabola esistenziale di Raskolnikov che uccide per sentirsi un’anima eletta e non una persona qualsiasi è il punto di partenza per un’analisi profonda sul mistero dell’uomo e sull’impossibilità di ogni giudizio che punti a dividere gli esseri umani in buoni e cattivi, vittime e carnefici, salvati e dannati.
Il giovane studente commette il delitto e poi sprofonda in uno stato mentale che alterna una lucidità cinica e graffiante a momenti di delirio convulso, in un crescendo di sensi di colpa e angosce che lo porteranno alla confessione e al castigo del titolo, ma senza alcuna pretesa di insegnamento morale.
Attorno a lui ruotano personaggi deliziosi, dalla bella Sonja all’amico Razumichin, dalla vecchia usuraia uccisa per pochi spiccioli, al disincantato Porfirji, e tanti altri, in un affresco ricchissimo di umanità cui attingere per una vertiginosa discesa agli inferi.
Incubi, visioni al confine con la follia, si alternano a scene di crudo realismo fra i vicoli di Pietroburgo, bettole e squallide stanzine da cui ci si spia, si piange e si ama.

 

TEATRO MANZONI: " ALLA FACCIA VOSTRA"

Autore: Pierre Chesnot

Regia: Patrick Rossi Gastaldi

Attori: Gianfranco Jannuzzo, Debora Caprioglio, A.Piccolo,  R. D'Alessandro

Date: dal 2 al 19 marzo

Intrighi, sotterfugi, equivoci, ipocrisia, per una vicenda che mette a nudo la parte più meschina e cinica dell’animo umano, che dovrebbe scandalizzare, ma che invece cattura lo spettatore, coinvolgendolo in un vortice di comicità e regalandogli due ore di divertimento e risate.

In scena, nei panni dei protagonisti, due attori d’eccezione: l’esilarante Gianfranco Jannuzzo e la splendida Debora Caprioglio; la regia e l’adattamento sono affidati a un maestro della commedia teatrale: Patrick Rossi Gastaldi.

Roma ai giorni nostri, la commedia si apre su Luisa che piange la morte del suo padrone Stefano Bosco, scrittore di grande successo, settantenne morto d'infarto.

A poco a poco i conoscenti stretti cominciano ad arrivare nell'appartamento. Il vicino Michele Garrone è il primo, Dottore di medicina è lui che decreta il decesso. Poi raggiungono il luogo Lucio Sesto e sua moglie Vanessa, rispettivamente genero e figlia dello scrittore. Per ultima Angela, seconda moglie del defunto, molto più giovane di suo marito, 40 anni , fa la sua entrata agitata nello studio di Stefano Bosco.

Molto velocemente il lutto che riunisce i personaggi si trasforma in una "transizione finanziaria" nella quale tutti vogliono avere parte e guadagnarci: la coppia Sesto cerca di coprire un enorme debito con un prestito della banca garantito dall'eredità di Vanessa, la figlia. Angela, progetta una nuova vita con tanti soldi e il suo nuovo amante francese. Il Dottor Garrone vuole comprare l'appartamento per farne finalmente il suo studio, il banchiere Marmotta che acconsente al prestito vorrebbe intascare una grossa percentuale sui futuri soldi di Vanessa. Solo Luisa, fedele governante, vive per ricordare il genio dello scrittore. Ma ecco che tutto si capovolge e succedono fatti esilaranti che faranno tremare e crollare questi progetti. Ne nascono situazioni comiche dove una risata cinica e infantile è garantita.

Ovviamente è il personaggio di Gianfranco Jannuzzo, il genero Lucio Sesto, che conduce le avide danze che lo porteranno a crisi di nervi esilaranti diventando simpatico per le sue incapacità e disavventure. Molto comico è anche il personaggio di Debora Caprioglio - Angela - donna che soddisfa tutti i piaceri di sesso senile dello scrittore per ottenere soldi, soldi e ancora soldi.

L'adattamento sarà portato in Italia ai giorni nostri, per vivificare di più la corsa al denaro e l'isterismo della nostra contemporaneità.

 

TEATRO SAN BABILA:  "L'INQUILINA del PIANO di SOPRA"

Autore: Pierre Chesnot

Regia:  Stefano Artissunch

Attori: Gaia De Laurentis, Ugo Dighero

Date: dal 28 febbraio

 

Un classico della comicità di Pierre Chesnot, uno di quei rari meccanismi drammaturgici ad orologeria.

Commedia dai buoni sentimenti che ride dei rapporti di coppia e di eventi come il tentativo di suicidio più volte minacciato dalla protagonista.

Una commedia che mette il buon umore e fa amare la vita, proprio perché ridicolizza il dramma che ognuno di noi ha in sé... “Ormai sei nato… non c'è più niente da fare!!!”

Due personaggi in crisi esistenziale ed un terzo l'amica di lei, che al giro di boa degli anta, quaranta lei e cinquanta e più lui, fanno i conti con il loro passato e si interrogano sulle aspettative future.

 

 TEATRO MANZONI:   TRIBUTO A RUDOLF NUREYEV


Interpreti:
DINU TAMAZLACARU, VIKTOR ISHCHUK, KARINA SHATKOVSKAIA

KUKHAR KATERYNA, SKYLKIN ALEKSANDR - REZART STAFA

BIANCA ASSAD - DORIAN GRORI

Data: lunedì 20 febbraio

  

Rudolf Nureyev, il più grande ballerino di tutti i tempi il cui talento rimane ancora oggi ineguagliato, ha segnato un'epoca dal punto di vista interpretativo e creativo nella storia della danza del ‘900.

Eccelso danzatore, le cui doti espressive e virtuosistiche hanno esaltato talento ed irrequieta genialità, si univano ad un’incredibile carisma ed una presenza scenica unica ed ammaliante.

Le sue coreografie, hanno saputo infondere nuova linfa ai classici del repertorio, rivitalizzandoli con un perfetto equilibrio tra modernità e tradizione. Ancora, come intelligente scopritore di nuovi talenti, Nureyev ha saputo motivare alla passione per la danza e alla ricerca per la perfezione tecnica tante giovani promesse, che oggi, arricchite dal suo prezioso bagaglio artistico, fanno rivivere la sua ispirazione nel “Gala di danza classica - Tributo a Rudolf Nureyev”, a lui dedicato.

A rievocare il grande mito della danza danzeranno molti altri solisti e ballerini internazionali che condividono l’emozione di far rivivere una figura leggendaria in una serata davvero speciale.

Il Gala in omaggio a Rudolf Nureyev, si apre con parole toccanti che accompagnano un filmato di alcune sue memorabili interpretazioni, un commosso ricordo di Luigi Pignotti, per lunghi anni manager di Nureyev e attualmente Presidente dell’ Associazione Rudolf Nureyev, che si propone di diffondere e tutelare il nome e il patrimonio artistico del grande danzatore russo. Sul palco del Gala, Tributo a Rudolf Nureyev, si alterneranno quindi, preziosi frammenti dei tanti balletti del repertorio classico che Nureyev riprodusse secondo un proprio personalissimo stile ma, allo stesso tempo fedele all’originale. Ecco, dunque in scena “Il Corsaro”, il passo a due di “Diana e Atteone”, il “Don Chisciotte”, il “Il Lago dei Cigni”, “Giselle”, lo “Schiaccianoci” e molti altri.

La spettacolo, già applaudito nei più prestigiosi teatri italiani, torna dunque ora ad emozionare il pubblico.

 

TEATRO FRANCO PARENTI:   " LA NEBBIOSA"

Autore: tratto dalla sceneggiatura di Pier Paolo Pasolini

Spettacolo di Paolo Trotti e Stefano Annoni

Regia: Paolo Trotti

Attori: Stefano Annoni e Diego Paul Galtieri

Scene e costumi: Giada Gentile

Date: dall'8 al 19 febbraio

Nel 1959, poco dopo l’uscita di Una vita violenta, Pier Paolo Pasolini esplora Milano con la stessa furia e la stessa passione con cui nei primi anni cinquanta aveva esplorato Roma. Decide di scrivere un film sui Teddy Boy che, come i ragazzi di vita, cercano di sopravvivere, galleggiando tra le rovine di una città in costruzione. Il film non si farà mai per problemi produttivi, ma resta la sceneggiatura de La Nebbiosa, che a teatro prende finalmente vita, con incalzante ritmo rock & roll. Oggi, La Nebbiosa di Pasolini va per la prima volta in scena: un noir disperato e violento ambientato nella Milano degli anni ‘50. Un Pasolini inedito e inaspettato ci racconta di locali notturni, grattacieli, trani, motociclette, blue jeans, orge, botte e rivoltelle.

Protagonisti due attori, Stefano Annoni e Diego Paul Galtieri, una batteria e un telo bianco. I personaggi prendono la parola, uno dopo l’altro, e vivono la loro storia mentre la batteria scandisce il tempo. Così sul palco appaiono il Rospo, il Teppa, il Contessa, il Toni detto Elvis, Mosè, Gimkana e le loro vittime.

Sullo sfondo Milano, dominata dal Pirellone e dalla torre Galfa, la stessa Milano che abbiamo imparato a conoscere con Testori, Gaber, Jannacci, Celentano e Rocco e i suoi fratelli. La Milano che si arricchisce durante il boom ma che a volte sembra perdere di vista il valore dei sentimenti.

Una città. Milano.
Strade e paesi galleggiano nella nebbia.

Moltitudini di goccioline inspessiscono l’aria.
Moltitudini di personaggi la abitano e nella nebbia sguazzano. Come i Ragazzi di vita, i Teddy Boy di Pasolini, cercano di sopravvivere. Galleggiando. Non sono ancora la mala, ma i suoi figli più piccoli, bande di ragazzi che vedono nei jeans e nei giubbotti di pelle un atto di rivolta. Pasolini, non giudica, si limita a guardare, a cucire una storia addosso ai giovani protagonisti. I Teddy Boy rubano, picchiano, amano, inseguono una “bella vita” che non arriverà mai, frequentano i night club. E proprio dal night parte lo spettacolo.                                                          
Paolo Trotti

I grattacieli crescono ancora, crescono di più e non si chiamano Pirelli e Galfa, ma Bosco Verticale e Unicredit. Milano è cambiata, ma quanto in fondo? È cambiata la lingua, la musica, non ci sono più i Teddy Boy o forse le bande hanno solo cambiato nome e modo di vestire. Il punto fondamentale è capire se la speranza di allora, che sembra essersi persa, era reale o solo disperata illusione. Oggi che la Nebbia in città fatica a entrare, galleggiamo ancora?     Stefano Annoni

Orari: lun riposo; mar h 20.00; mer, ven h 19.15; gio h 20.30; sab h 21.00; dom h 16.15

Prezzo: intero 15 euro; over65/under26 12 euro

Info: Tel : 02 59 99 52 06;  biglietteria@teatrofrancoparenti.itwww.teatrofrancoparenti.it

 

TEATRO FRANCO PARENTI:  " L'UOMO DAL FIORE IN BOCCA "

Autore: Luigi Pirandello

Regia: Gabriele Lavia

Attori: Gabriele Lavia, Michele Demaria, Barbara Alesse

Scene: Alessandro Camera    Costumi: Elena Bianchini

Date: dall'8 al 19 febbraio

Un uomo “un po’ strano”, un uomo “pacifico” e una donna come “un’ ombra che passa in lontananza” sono i tre protagonisti di L’uomo dal fiore in bocca. Gabriele Lavia, maestro e grande interprete pirandelliano, integra l’atto unico con altre novelle che affrontano il tema, fatale per il drammaturgo siciliano, del rapporto tormentato tra marito e moglie..

Dopo Sei personaggi in cerca d’autore, passando per Vita di Galileo di Brecht, Lavia torna al drammaturgo agrigentino che più di ogni altro ha segnato la cultura, e di conseguenza il teatro, del nostro tempo. Il denominatore comune è l’uomo, consapevole del proprio genio, ma anche delle proprie paure e del bisogno di esorcizzarle dietro una qualche forma di maschera, imposta dagli altri e infine accettata, per quieto sopravvivere. Tra l’essere e l’apparire.

“...il rapporto tormentato tra marito e moglie viene visto col distacco di un’ironia che rende i personaggi vicinissimi a noi. Così questa ‘donna che passa da lontano’ e che forse è il simbolo di quella ‘morte’ che l’uomo si porta appresso ‘come un’ombra’ diviene, in questa ‘drammaturgia’, la protagonista invisibile dei ‘guai’ grandi e piccoli ma pur sempre “inguaribili” dei due protagonisti.                                     Gabriele Lavia

Prezzo: intero 25 euro; over65/under26 15 euro

Info: Tel : 02 59 99 52 06;  biglietteria@teatrofrancoparenti.itwww.teatrofrancoparenti.it
                                                                                                                                                                   

 

TEATRO MANZONI:  " TRADIMENTI "

Autore: Harold Pinter

Regia: Michele Placido

Attori: Ambra Angiolini, Francesco Scianna, Francesco Biscione

Date: dal 12 al 29 gennaio 2017

Emma, manager in una galleria d’arte, e Jerry, scrittore e agente letterario, si rivedono due anni dopo la fine della loro relazione. Sono stati amanti per cinque anni, distraendosi dai rispettivi matrimoni in un appartamento preso

in affitto, finché Robert, marito di Emma e testimone di nozze di Jerry, costringe la moglie ad ammettere il tradimento, dopo aver sospettato a lungo sulla relazione tra i due.

L’apparente banalità del ménage tra marito, moglie e amante si dissolve nel protrarsi della narrazione all’indietro. Mentre lo spettatore scopre nuovi dettagli, si delinea il carattere quasi esistenziale della condizione di tradito e traditore. L’inganno che copre la stanchezza di questi matrimoni, divenuti asfittici, diventa il

passepartout per un’apparente libertà che, tuttavia, non va al di là della distrazione pura e semplice: i rapporti falliti restano, assieme ad una profonda stanchezza e all’impossibilità di fidarsi di chi si ha vicino.

Il testo “Tradimenti” nasce da uno spunto autobiografico: Pinter, sposato con l’attrice Vivien Marchant, visse una relazione lunga sette anni con la presentatrice televisiva Joan Bakewell.

Scritta nel 1978 e ambientata tra Londra e Venezia, questa è una delle commedie più famose dello scrittore premio Nobel 2005 per la letteratura, portata sul grande schermo nel 1983, diretta da David Hugh Jones con Jeremy Irons, Ben Kingsley e Patricia Hodge.

Note di Regia

Leggendo la commedia di Pinter, che va a ritroso dal 1977 al 1968, con i miei attori Angiolini, Scianna e Biscione, abbiamo fatto un gioco, cioè leggerla dall’ultima scena, che si svolge appunto nel 1968, per poi procedere fino al 1977. È chiaro che Pinter si diverte a spiazzare il lettore/spettatore con il gioco a ritroso, partendo da un dialogo che segna la fine del sentimento che coinvolge i tre protagonisti e che si svolge in un bar nell’anno 1977. Scena che, appunto, segna l’inizio della commedia e che prosegue andando indietro negli anni fino alla bellissima descrizione della festa in pieno stile sessantottino, con alcool e droghe leggere, ambientata a casa di Robert ed Emma, in cui Jerry tenta di sedurre la moglie dell’amico Robert.

La riflessione che ho raccontato ai miei attori è che il Sessantotto cambiò e rivoluzionò il comportamento di un’intera generazione di giovani, come giovani sono appunto i tre protagonisti della festicciola che segna l’inizio di un tacito ménage a trois. Ora, essendo stato personalmente coinvolto in quegli anni sessantottini (avevo 22-23 anni) sia da un punto di vista politico che sentimentale, mi sono confessato e rivelato agli attori della compagnia,

raccontando il mio Sessantotto e come la commedia di Pinter mi abbia toccato anche da un punto di vista autobiografico. Ho raccontato di una personale parabola sentimentale e politica e di come quegli amori di gruppo, la libertà sessuale, le prime trasgressioni i furori rivoluzionari siano stati poi, negli anni a venire, traditi e a volte falliti miseramente. La storia di quegli anni parla, e non solo per me, di amori finiti, ma soprattutto di tradimenti politici, ideologici e sociali. Ecco, sì, forse questo testo si può leggere non solo come la fine di una storia d’amore più o meno grande, ma anche come un totale fallimento di un’utopia rivoluzionaria che voleva migliorare e cambiare il pensiero occidentale. E, proprio come nel testo di Pinter, anch’io, che facevo parte di quella generazione, mi ritrovo oggi di nuovo punto e accapo.                              Michele Placido

 

Teatro Carcano: " LA LOCANDIERA"

Autore: Carlo Goldoni

Regia: Andrea Chiodi

Attori: C.Carpio, T.Granata, M.Granelli, E.Masala, F.Porrini

Date: dal 12 al 22 gennaio 2017

 

Bianca e luminosa è LA LOCANDIERA diretta da Andrea Chiodi che la compagnia Proxima Res porta al Teatro Carcano. All’interno di una scena essenziale le vicende di Mirandolina, protagonista di questa commedia amorosa apparentemente spensierata e vero e proprio Don Giovanni al femminile, rivelano un carattere universale e squisitamente moderno.

La storia de La locandiera, commedia scritta da Carlo Goldoni nel 1750,  si incentra sulle vicende di Mirandolina, astuta donna che gestisce a Firenze una locanda ereditata dal padre. Mirandolina viene costantemente corteggiata dai clienti, dal Marchese di Forlimpopoli, aristocratico decaduto, e dal Conte d'Albafiorita, un mercante che, arricchitosi, è entrato a far parte della nuova nobiltà. I due personaggi rappresentano gli estremi dell'alta società veneziana del tempo. Da brava donna d’affari, Mirandolina non si concede a nessuno dei due, lasciando intatta l'illusione di una possibile conquista, e così incrementando, causa la loro partenza eternamente procrastinata,  i profitti e la fama della locanda. L'arrivo del Cavaliere di Riprafratta, aristocratico altezzoso e misogino incallito che disprezza ogni donna, sconvolge il fragile equilibrio instauratosi nella locanda. Mirandolina, ferita nel suo orgoglio femminile, si ripromette di far cadere il Cavaliere ai suoi piedi.

 

TEATRO SAN BABILA:  " DOPPIA COPPIA"

Autore: Derek Benfield

Regia: Marco Vaccari

Date: dal 13 al 18 e 31 dicembre

 

 

Ferris accetta controvoglia, di occuparsi dell’hotel della sorella durante una breve vacanza di lei, non immaginando quante cose possono accadere in una sola serata di primavera.

Arriva inaspettatamente una coppia: Roger e Sally (lui ha lasciato la moglie Helen a casa a badare ai pesci rossi e lei il marito Geoff a fare il giardinaggio); ma Helen e Geoff non sono a casa. Anche loro hanno pianificato un fine settimana di goduria. E così finiscono nello stesso albergo.

Quando Ferris si rende conto della situazione che si è venuta a creare si imbarca in una serie di bugie, confusioni, iniziative inconsulte e pasticci nel tentativo di evitare l’incontro di mariti, mogli, amanti in situazioni compromettenti e cercando di trarre dalla situazione un proprio tornaconto economico.

Derek Benfield (1926-2009). Venne educato alla Bingley Grammar School e si appassionò al teatro debuttando come dilettante alla Bradford Civic Playhouse. Frequentò la Royal Academy of Dramatic Art a Londra dove la sua interpretazione di “French without tears” gli valse il Gertrude Lawrence Award. La sua prima apparizione professionale fu con la Compagnia di Brian Rix a IIkley e Bridlington. Passò molti anni ad interpretare diversi ruoli in vari teatri a Preston, Hull, Salisbury, Hornchurch, Worthing, Croydon e Richmond e nel West End in “The Young Elizabeth”, “Trial and Error” e “The Cigarette Girl”. Dopo i trent’anni Benfield, fece delle apparizioni anche in produzioni televisive e si fece conoscere per la sua partecipazione alla soap “Bill Riley”, in onda sulla BBC e anche per la soap degli anni Settanta “The Brothers” che proseguì per cento episodi. Più recentemente è apparso in “Peak Practice”, nell’ “Ispettore Alleyn Mistrics”, in “Poirot”, in “The First of the Summer Wine”. Derek Benfield scrisse il suo primo testo intorno ai vent’anni, una commedia dal titolo “The Young in Heart”. Da quel momento egli scrisse 25 testi teatrali tra i quali alcuni successi come “Caught on the Hop”, “Touch and Go”, “Bedsiders Manners” (Doppia coppia), “Beyond the Joke”, “Fish out of Water”, “Look who is talking”, “A Toe in water”, “Up and running”, “Anyone in Breakfast?”. Ennesimo continuatore della tradizione degli autori-attori pullulanti sulla scena anglosassone, Benfield si aggiunge alla lunga lista dei Noel Caward, Terence Rattigan, Peter Ustinov, che danno vita al glorioso “teatro leggero”.

 

TEATRO MANZONI: " NUDI e CRUDI "

Autore: Alan Bennett

Regia: Serena Sinigaglia

Attori: Maria Amelia Monti, Paolo Calabresi

Date: dal 24 novembre all'11 dicembre

C he succederebbe se, tornando a casa dopo una serata a teatro, trovaste il vostro appartamento completamente vuoto, svaligiato da ladri che non hanno lasciato né un interruttore, né un rubinetto, né la moquette sul pavimento? Ai signori Ransome - due impeccabili coniugi inglesi - capita proprio questo e la loro vita tranquilla e ripetitiva viene completamente sconvolta. Però la reazione dei due è diversa: lui si incupisce e si arrabbia sempre più, lei prova un senso di sollievo e quasi di liberazione. E mentre il gioco dei caratteri, esasperato da visite inattese, diventa sempre più esilarante, il mistero del furto trova un'imprevista soluzione.

Tratta dal romanzo di successo di Alan Bennett Nudi e crudi è una commedia spumeggiante, piena di umorismo e ironia che sa fare un ritratto impietoso e indimenticabile della vita di una coppia di mezza età. Magistralmente scritta per il teatro da Edoardo Erba, superbamente interpretata da Maria Amelia Monti e Paolo Calabresi con Nicola Sorrenti e diretta con estro da Serena Sinigaglia, Nudi e crudi diverte senza ricalcare vecchi schemi e rivela più di ogni altra opera il genio comico di Alan Bennett.

 

TEATRO LITTA:  "Giulio Cesare"


Autore: William Shakespeare

Adattamento di Alberto Oliva e Mino Manni

Regia: Alberto Oliva

Attori: Mino Manni, Alessandro Castellucci, Angelo Colombo, Simone Severgnini

Scene e costumi: Lucia Giorgio

Una partita a poker con il potere per riflettere sulla crisi della democrazia e sui meccanismi del consenso attraverso le parole ancora oggi illuminanti di William Shakespeare in una messinscena viva e contemporanea in cui Giulio Cesare è il grande assente dell’opera e dalla cui mancanza nasce il conflitto che deflagra nel testo.

Debutta per MTM – Manifatture Teatrali Milanesi al Teatro Litta questa nuova produzione a firma di Alberto Oliva che analizza l’opera più politica del drammaturgo inglese. Dalla sua velleità di Potere assoluto si genera la congiura che lo vede cadere vittima delle celebri 33 coltellate alle Idi di Marzo. Ma si genera anche la guerra civile che insanguina Roma fino a proclamare la sua vittoria postuma e definitiva: l’elezione di Ottaviano a imperatore è infatti l’affermazione del Cesarismo senza Cesare, ma con un suo surrogato arrogante e spregiudicato, che sancisce la fine della democrazia. A partire da questa assenza di Giulio Cesare (nell’originale appare solo in tre scene e viene ucciso all’inizio del terzo atto) nasce un adattamento del capolavoro shakespeariano che stringe il fuoco su tre figure fondamentali che incarnano altrettanti “tipi” politici che il Bardo ha saputo tratteggiare in maniera efficace per dipingere un quadro impressionista della Politica di tutti i tempi, un dipinto a tinte fosche che illumina le dinamiche universali del Potere e della sete di conquista.

Dalle note di regia
I tre personaggi intorno a cui ruota il testo sono Bruto, Antonio e Cassio, rispettivamente figlio naturale, erede politico e potenziale rivale di Cesare. Tutti e tre sono giovani, tutti e tre frequentano la scena politica romana e ne difendono almeno a parole il regime democratico. La tragedia inizia nel pieno della grande crisi della Repubblica, con il triplice tentativo di acclamare Cesare re e il suo triplice rifiuto – quasi una prefigurazione evangelica. Ma l’affermazione del Cesarismo sembra inevitabile: la congiura che mira a uccidere l’uomo non sarà in grado di uccidere il volere del popolo che ha bisogno di un capo unico. Il desiderio di potere assoluto è la conseguenza del fallimento della Repubblica. Il Destino supera l’individuo, la Storia calpesta gli uomini per imporre la propria evoluzione. L’unico vincitore alla fine del testo sarà proprio la vittima Giulio Cesare che si impone come spettro, carnefice dei suoi carnefici, che si danno la morte con la stessa spada con cui l’hanno perforato. La straordinaria attualità del testo di Shakespeare ci consente di fare una radiografia spietata e illuminante delle dinamiche del potere che si ripetono anche oggi, in cui viviamo un momento di stagnazione e crisi del sogno democratico che si è celebrato con la fine della seconda guerra mondiale.

Assistiamo a una lenta agonia delle repubbliche occidentali, minacciate da un nemico esterno fatto di tanti assolutismi intransigenti, ma soprattutto dal nemico interno della tolleranza e apertura che in molti casi diventa vulnerabilità e debolezza di idee, pur essendo a livello teorico la grande conquista di civiltà e di libertà che abbiamo ottenuto. Lo spettacolo offre l’opportunità di una riflessione cruda e poetica insieme sulla crisi della democrazia e della libertà nel nostro tempo, portando avanti il percorso su Shakespeare e il potere che la Compagnia I Demoni ha intrapreso nella scorsa stagione con lo spettacolo Shylock – Io non sono come voi.

 

TEATRO LIBERO:  " TERRA DI ROSA "

Autore: Tiziana Francesca Vaccaro

Date: dal  11 al 13 novembre

www.terradirosa.it

L'11 novembre, con lo spettacolo TERRA DI ROSA, inizia a Milano, presso il Teatro Libero, la seconda edizione di PALCO OFF: un'occasione per incontrare la Sicilia negli spettacoli, negli incontri e nelle degustazioni di cibi e vini.

Tiziana Vaccaro, talentuosa attrice catanese, racconta e canta la vita di Rosa Balistreri, figura decisiva del cantautorato siciliano degli anni ’70 e della canzone popolare. L’interpretazione forte e accorata racconta la storia di Rosa Balistreri, La Cantatrice del Sud, che ha gridato con la sua voce struggente il dolore, la passione e la libertà.

"Terra di Rosa" epico, lirico, intenso, profetico canto su Rosa Balistreri.

SERGIO SCIACCA, La Sicilia

"Terra di Rosa" è uno spettacolo ben strutturato, con un ritmo sostenuto, soprattutto nella parte iniziale (l’infanzia e la maturità di Rosa) quella finale (il ritorno in Sicilia). La parola e la canzone sono le protagoniste, ma anche il gesto si inserisce con la giusta forza. Il risultato: una grande partecipazione alla storia di Rosa dalla parte del pubblico.

VALENTINA SORTE, Paneacquaculture.net

Attualissimo. Uno spettacolo raramente contemporaneo, nel tema, nella vicenda, nella sua rappresentazione. FRANCESCO NICOLOSI, Scenario.net

 

TEATRO MANZONI:  " Il Bagno "

Autore: Astrid Veillon

Regia: Gabriel Olivares

Attori: Stefania e Amanda Sandrelli, Claudia Ferri, Ramona Fiorini, Serena Iansiti

Date: dal 3 al 20 novenbre

Una festa a sorpresa, un compleanno, un bagno. Lu compie 40 anni e le sue tre migliori amiche Titti, Maria Sole e Angela hanno deciso di organizzare una festa a sorpresa a casa del suo fidanzato. Ma a sorpresa arriva anche Carmen, la madre di Lu. In una notte di follia, ubriachezza, incomprensioni e scoperte “in bagno”, le quattro amiche si trovano ad affrontare la verità sulla loro amicizia.

Il bagno "è un gioco di seduzione, una metafora di vita, un nascondiglio, un lavoro di introspezione e soprattutto un trattato sull'uomo”. Il bagno è lo spazio dove ci si può sfogare da soli o insieme, dove ci si può isolare per pochi minuti, dove si può urlare in silenzio o piangere con lacrime sincere. E’ di solito uno spazio personale e liberatorio.

Un montaggio esilarante di bizzarro vaudeville che si forma attorno a uno spazio unico utilizzato

ingegnosamente che sfrutta gli alti e i bassi emotivi delle protagoniste. Una scenografia minimalista la cui intelligente messa in scena diventa una metafora visiva che aggiunge enfasi a drammi condivisi.

Uno spettacolo divertente e sincero, diretto con intelligenza da uno dei giovani registi più interessanti e prolifici della scena spagnola. Gabriel Olivares che promette tante risate, con un cast di donne eccezionali.

Note di regia

Avvicinarsi e guardare attraverso il buco della serratura uno spazio proibito: incontreranno delle donne che lottano nella vita con tutte le loro paure, carenze e contraddizioni; più comiche che drammatiche, più ridicole che gravi, più assurde che terribili. Spiandosi reciprocamente scopriamo alcuni segreti sulla amicizia e la maternità, l’amore e il matrimonio, il tempo che passa, la quotidianità e l’eccezionalità; alla ricerca continua di un proprio posto nel mondo. E davanti ai loro problemi (alcuni banali, altri senza soluzione e risposta) non rimane altro che ridere di noi stessi usando la risata come terapia.

Colgo l’occasione per ringraziare, tutto il gruppo tecnico italiano de Il bagno, per il lavoro svolto facendomi sentire come a casa. Desidero inoltre ringraziare specialmente le cinque attrici, per la loro generosità, armonia e fiducia datami. Senza l’aiuto e partecipazione di tutti, questo spettacolo non sarebbe stato possibile.

“Se vuol sapere quello che una donna dice realmente la osservi, non la ascolti solamente” disse Oscar Wilde. Questo è teatro: se ascoltate e guardate, saprete.

Gabriel Olivares

 

TEATRO SAN BABILA:   " Chi è di scena "

Regia: Alessandro Benvenuti

Attori: Paolo Cioni, Vittoria Argenti

Date: dal 8 al 13 novembre

Uno stravagante e chiacchierato uomo di teatro scomparso dalle scene improvvisamente e apparentemente senza un plausibile motivo da cinque anni, viene rintracciato per un caso fortuito da un giovane fan.

A lui, l’uomo decide di rilasciare un’intervista per spiegare le ragioni della sua scelta e svelare così il mistero che si è creato intorno a questa. Lo invita perciò a casa sua.

Testimone silente di questo loro incontro è però una giovane donna che, giacendo seminuda su una chaiselongue di spalle ai due, sembra dormire un sonno profondo. E…

… E come spesso accade nei lavori di Alessandro Benvenuti, quel che appare si scopre tutt’altro che vero, e quel che è vero si svela in un intreccio giocoso e imprevedibile, con una specie di doppio salto mortale drammaturgico che accompagna lo spettatore a un finale assolutamente inaspettato che gioca con leggerezza con le vicende pubbliche e private dei tre protagonisti, sull’intreccio tutt’altro che evidente dei loro rapporti, affrontando insieme tematiche di grande attualità sociale.

Il tutto ovviamente con il linguaggio forte, pastoso, ricco dei testi di Benvenuti, assolutamente esplicito, lineare, venato di ironia con punte di corrosività sarcastica e sempre di una comicità istintiva e feroce.

 

TEATRO SAN BABILA: "Arlecchino Servitore di due Padroni"

Autore: Carlo Goldoni

Regia: Carlo Boso

Date: dal 25 al 30 ottobre

In casa di Bagnasco, vecchio palazzinaro senza scrupoli, si sta assistendo alla promessa di matrimonio tra sua figlia Clarice e Silvio, figlio dell’Onorevole Roma.

I due sono innamorati ed è una fortuna che possano promettersi, dato che Calogero Vizzini noto mafioso siciliano cui Clarice era destinata, è morto in una lite a causa della sorella di lui, Beatrice. Inaspettatamente, nella scena irrompe proprio Calogero Vizzini, venuto a Milano per incontrare la sua futura sposa. In realtà, colui che si presenta in casa degli allibiti personaggi è Beatrice Vizzini, sorella del defunto in vesti da uomo per poter andare in cerca di Lucky Lucania, boss della mala italoamericana e suo amante, fuggito a Milano in seguito al colpo mortale inferto di sua mano proprio a Calogero.

Tutti i personaggi saranno vittime delle bugie e dell’ingordigia del servitore Arlecchino, un reduce della campagna di Russia che, per svincolarsi da situazioni critiche, non fa altro che creare guai su guai. Arlecchino soffre la fame, mente, corteggia, ama, serve contemporaneamente due padroni, pasticcia la trama e la risolve, in un carosello fatto di lazzi, trovate di spirito e colpi di scena.

 

TEATRO MANZONI: "Sarto per Signora"

Autore Georges Feydeau

Regia: Emilio Solfrizzi

Attori:

Viviana Altieri, Anita Bartolucci, Barbara Bedrina, Fabrizio Contri, Cristiano Dessì, Lisa Galantini, Simone Luglio, Elisabetta Mandalari

Date: dal 13 al 30 ottobre 2016

Sarto per Signora è un capolavoro della leggerezza, una macchina che scorre velocissima, ma con un meccanismo preciso, delicato e minuzioso. Feydeau ritrae un’umanità stramba, che si ficca in situazioni assurde e ne esce all’ultimo secondo con un impossibile balzo. E’ il balzo che tutti vorremmo saper fare. Il suo sguardo su temi importanti come amore, matrimonio, successo sociale  è talmente immorale e superficiale che sembra riscattare beffardamente la pesantezza della vita. Scambi d’identità, sotterfugi, equivoci, amori segreti sono gli elementi base di questo divertente vaudeville. Al centro il dottor Molineaux, un libertino fresco di matrimonio, ma dai dubbi comportamenti coniugali, qui disegnato dall’estro di uno straordinario Emilio Solfrizzi. Accanto a lui  un gruppo di attori diretti da Valerio Binasco, attento ad ogni dettaglio di questa perfetta partitura. 

 

Teatro Carcano:  "DONNA NON RIEDUCABILE "

di Stefano Massini

Regia Silvano Piccardi

Attori: Ottavia Piccolo

Musiche per arpa composte ed eseguite dal vivo da Floraleda Sacchi

Produzione Centro d’Arte Contemporanea Teatro Carcano

Date: dal 13 al 16 ottobre 2016

Prodotto nella stagione 2007/2008 da La Contemporanea, DONNA NON RIEDUCABILE viene ripreso al Teatro Carcano come propria produzione per una breve serie di repliche in sede e in tournée.

Scritto da Stefano Massini e diretto da Silvano Piccardi, è l’adattamento in forma teatrale di brani autobiografici e articoli di Anna Politkovskaja, la giornalista trovata morta il 7 ottobre 2006 nell’androne della sua casa moscovita, uccisa da quattro colpi di arma da fuoco. Un piccolo grande “caso” della scena teatrale italiana, programmato capillarmente sul territorio stagione dopo stagione, in cui Ottavia Piccolo dà voce allo smarrimento, all’orrore, alla dignità e anche all’ironia di questa donna indifesa e tenace, con il rigore e l’intensa partecipazione di una attrice che in quei valori di libertà si identifica fino in fondo. Per il pubblico un’emozione violenta che non mancherà di rinnovarsi anche in questa occasione.

“Dopo il crollo del regime sovietico – spiega Silvano Piccardi - la Russia sembrava avviata verso una nuova democrazia. L’assassinio di Anna Politkovskaja ha allungato un’ombra terribile su questa illusione. Anna non era una militante politica, era una giornalista. Una giornalista e una donna, senza alcuna mira di potere o altro, se non quello di portare avanti, con tenacia e determinazione, il proprio mestiere. Il suo fu uno sguardo aperto, senza prevenzioni né compromessi, su quanto avveniva nel suo paese, partendo dalla lontana Cecenia, per arrivare a incontrare i momenti più terribili della recente storia russa (dalla strage al Teatro Dubrovka di Mosca, a quella nella scuola di Beslan).

Se il vecchio potere sovietico, per imporre il proprio controllo su ogni forma di dissenso o, più semplicemente, di libero pensiero, si sentiva in dovere di costruire leggi, tribunali e processi speciali, che legittimassero in qualche modo l’accanimento repressivo, istituzionalizzandolo - il nuovo sistema di potere, per eliminare la presenza scomoda del “punto di vista” libero di questa donna, ha agito come un qualsiasi potere mafioso, affidandosi clandestinamente a dei sicari, a dei killer senza volto.

Affrontando il testo di Stefano Massini, mi resi conto che non si trattava di mettere in scena il “personaggio” di Anna Politkovskaja, né, tanto meno, di farne un’eroina da feuilleton politico.

Si trattava al contrario di restituire al pubblico, nella forma più diretta, più semplice, più anti-retorica possibile, il senso della scelta di verità, compiuta da una giornalista che volle andare a vedere dentro gli eventi, per restituircene, con sguardo limpido e coraggioso, personaggi e vicende.”

Per maggiori info:  www.teatrocarcano.com

Teatro Carcano:  " FUTURA Ballando con Lucio "

Date: dal 7 al 9 ottobre 2016  

Da un’idea di Giampiero Solari

Regia e coreografia Milena Zullo

Colonna sonora realizzata da Roberto Costa sulle canzoni di Lucio Dalla

 

La grande danza del Balletto di Roma e le immortali canzoni di Lucio Dalla si fondono in FUTURA Ballando con Lucio, spettacolo di apertura della stagione 2016/17 del Teatro Carcano.

Tra storie e poesie di uomini e sogni, tra mondi e racconti di ieri e di sempre, la canzone di Lucio Dalla incontra i volti e i colori della danza di oggi. Il Balletto di Roma omaggia e ricorda il poliedrico artista bolognese con uno spettacolo originale di musica, danza, canzoni e parole.

FUTURA Ballando con Lucio è il frutto di un incontro di idee ed emozioni, tra la nostalgia di un’amicizia spezzata dal tempo e la memoria di una voce resa eterna dal mondo. Sono i compagni di una volta e gli ammiratori di sempre a portare in FUTURA il ricordo più vivo del musicista dai guizzi di genio, del cantautore ironico e poeta, dell’improvvisatore eclettico e instancabile. Roberto Costa, musicista, compositore e arrangiatore, nonché storico collaboratore e amico di Lucio Dalla, ricostruisce per il Balletto di Roma un nuovo percorso di note e parole, tra le tracce indelebili di canzoni indimenticate e i frammenti di una voce sfuggita al tempo. Grazie alla collaborazione di Sony Music e per gentile concessione dei cugini di Lucio Dalla, ad impreziosire la costruzione musicale di Costa sono gli estratti sonori ricavati da alcuni multitraccia originali delle canzoni di Lucio. Collaborazione e amicizia legano all’artista bolognese anche Giampiero Solari, regista, drammaturgo, autore di grande esperienza e successo che affida l’idea dello spettacolo alle abili mani della coreografa romana Milena Zullo. Insieme, Solari e Zullo, scelgono di condurci lungo un viaggio unico e ininterrotto che naviga tra ricordi antichi e nuove suggestioni, storici accordi e moderne influenze. Tra le parole delle canzoni di Lucio si riscopre lo sguardo di un collezionista di immagini e vite che osservava la gente e ne incorniciava le storie.

FUTURA Ballando con Lucio non è solo l’omaggio e il ricordo di un artista geniale che ha attraversato decenni di storie, eventi e parole. È, più di tutto, la fotografia di un mondo che appartiene a tutti, lo specchio di una società indaffarata e normale che guarda al cielo per fuggire e cerca carezze per restare.     Per maggiori info:  www.teatrocarcano.com

 

TEATRO SAN BABILA:  "La vita non è un film di Doris Day"

Autor: Mini Bellei

Regia: Claudia Bellanti

Attori:Paola Gassman, Mirella Mazzeranghi, Paola Roman

Date: dal 6 maggio al 15 maggio

 

Protagoniste della divertente commedia tre grandi interpreti Paola Gassman, Mirella Mazzeranghi e Paola Roman (l’attrice sostituisce Lydia Biondi).

Gli scienziati dicono che l'essere umano usa il 10% del proprio cervello e che occorreranno secoli prima che impari ad usare il restante 90%.

Angelina non sa usare nemmeno quel 10%. Lei è tutta lì, nel suo niente.

Amalia, invece è sicuramente una donna intelligente, ex attrice e cantante di grande successo, ex “bella”. Oggi è soltanto una donna sull'orlo del tracollo finanziario e nervoso, e che usa almeno un buon 20% del proprio cervello…

Augusta, donna energica, di poche parole, ma ricca di fatti.... probabilmente è quella che lo usa meglio: …”sola e felice”, apparentemente, ma forse anche arrabbiata con la vita e con la propria percentuale d’ uso cerebrale.

Spettacolo irriverente, divertentissimo, agito da tre anziane amiche che alla soglia dei 70 anni, dopo la reciproca conoscenza, durata la gran parte della vita, scelgono il giorno di Natale per dirsi improvvisamente tutto quello che hanno taciuto nei decenni precedenti. In fondo la verità è una sola”.

Note di regia

La scelta di mettere in scena La vita non è un film di Doris Day, commedia scritta e interpretata da Mino Bellei in occasione delle sue prime rappresentazioni degli anni ’90, nasce dal desiderio di rendere omaggio all’intelligenza con cui la drammaturgia italiana ha saputo, e sa tuttora, affrontare le questioni profonde dell’esistenza umana. La commedia di Bellei, attraverso la divertente, dissacrante, provocatoria conversazione di tre vecchie amiche, affronta nodi esistenziali profondi, filtrati da un umorismo esilarante e una ironia feroce. Quelli che vanno in scena sono degli auguri un po’ insoliti, che degenerano fino a diventare al vetriolo. Le tre amiche finiscono, infatti, per rivelarsi senza alcun pudore tutte le scomode verità a lungo celate per il quieto vivere. E’ proprio qui che lo spettacolo si rivela con tutta la sua provocatoria freschezza e la sua dissacrante energia. Il pubblico si riconosce nelle taglienti dichiarazioni elargite generosamente dalle protagoniste della pièce, che, dopo essersi sfidate a colpi di esilarante e feroce sarcasmo, convergono nella profondità di un rapporto che le vede mettersi a nudo e unite da una sorte non poi così tanto dissimile. Perché la vita non sarà di certo rosea come un film di Doris Day, ma l’amicizia nulla teme.

Claudio Bellanti

TEATRO COCCIA:   "Danza Macabra"

La stagione del teatro di prosa del Coccia di Novara propone per questo fine settimana (16-17 Aprile) uno dei testi più belli di August Strindberg, “Danza macabra” (1901, talora tradotta come “Danza di morte”), rappresentato secondo la regia del compianto L. Ronconi per il Festival di Spoleto del 2014. Al centro del dramma, tradotto e ridotto da R. Alonge, è il tema fondamentale del teatro strindberghiano: l’allucinante convivenza di un marito e di una moglie che, sotto la grottesca maschera di un ‘amore’ convenzionale e irrigidito in pura esteriorità priva di qualsiasi contenuto sentimentale, si torturano a vicenda, in un rapporto fatto di odio e di crudeltà spinti al limite del sadomasochismo. Ricorrendo a un paragone caro allo stesso drammaturgo svedese, si potrebbe dire che marito e moglie sono, l’uno per l’altra, due vampiri, che si succhiano reciprocamente la linfa vitale che ancora concede loro un’apparente esistenza nell’inferno nel quale si tormentano a morte. Edgar, un ufficiale fallito che sfoga la propria frustrazione nel cinismo più bieco e arrogante e Alice, ex attrice senza successo e senza gloria, che non perdona al marito di averla ingannata con la promessa di una vita agiata, inducendola a lasciare la carriera teatrale, vivono insomma in una sorta di prigione senza via di scampo, in cui i preparativi per festeggiare il venticinquesimo anniversario di nozze non sono che un rito assurdo in omaggio al nulla, all’unica forma d’amore che essi conoscono, basata sulla menzogna, sulla volontà di sopraffazione, sui più meschini sotterfugi. Queste due tragiche marionette sembrano provare un sussulto di vitalità con l’arrivo, sull’isola nella quale vivono (luogo metaforico di una disperata solitudine) di un terzo personaggio, il cugino di Alice, Kurt, chiamato ad assolvere in quel luogo un incarico assegnatogli dallo Stato. Timido e debole di carattere, Kurt farà scattare in Alice un estremo moto di rivolta e di odio nei confronti del marito, che la porterà a conquistare, o , meglio, a vampirizzare, il cugino. Fuggito Kurt, sulla coppia ripiomba inesorabile la quotidiana routine senza speranza, fatta di reciproche torture, in cui non resta che l’attesa della morte, come unica liberazione da questo tenebrosa ‘pena di vivere così’ ( per citare un autore che presenta qualche tratto in comune con Strindberg, il nostro Pirandello). La regia di Ronconi accentua ed esaspera i tratti grotteschi, più che quelli propriamente tragici, di “Danza macabra”, impostando l’azione dei personaggi come una risibile recita : un mondo infernale, quello di Edgar e Alice, certo, ma un inferno i cui protagonisti presentano tratti comici, come nell’inferno dantesco. I personaggi hanno il livido sembiante dei dolenti pagliacci di Beckett, fantasmi che coi loro neri abiti si muovono forzando comicamente i loro gesti e assumendo ridicole pose teatrali. La scena (di Marco Rossi) stipata di mobili neri e illuminata da una spettrale luce verdastra, chiusa da un muro opprimente, avvolge in un’atmosfera allucinata e stravolta il gesticolare di queste larve umane., in una stanza-cella dove la vita sembra essersi fermata per sempre. Eccellente l’interpretazione di Adriana Asti e Giorgio Ferrara nel ruolo dei due protagonisti, efficacissimi nel gestire un dialogo fatto di continue accelerazioni e pause, di toni e modi espressivi giocati sull’ambiguo confine del tragico e del ridicolo, con una perfetta strategia interpretativa di straniamento grottesco delle loro parti. Riuscito anche il Kurt di Giovanni Crippa, nella sua timidezza di compìto damerino borghese, attonito spettatore della danza di morte che vorrebbe attrarre anche lui nel suo vortice. Calorosi gli applausi del numeroso pubblico, che hanno giustamente premiato un ottimo spettacolo, degno di una delle migliori stagioni di prosa viste al Coccia negli ultimi anni.

Novara,  16 aprile 2016         Bruno Busca

TEATRO MANZONI: "LE VIE DEL SUCCESSO"

Regia: Enzo Sanny

Con: Amii Stewart, Lucy Campeti, Francesca Haicha Tourè,WillL Weldon, Roberson Jean Michel Danquin, Sergio Muniz

Date: dal 19 al 24 aprile 2016

Questo spettacolo, è liberamente ispirato alla carriera del gruppo vocale femminile statunitense "Diana Ross & The Supremes", in auge negli anni '60, che grazie al team produttivo della Motown Records, arrivarono con dodici singoli in vetta alla classifica Billboard Hot 100 e alla classifica R&B. All’apice del loro successo, a metà degli anni ’60, i media cominciarono a parlare di loro come possibili rivali dei Beatles. Nel 1970 Diana Ross lasciò il gruppo per intraprendere la carriera da solista, mentre le Supremes continuarono fino al 1977. Si sciolsero dopo una lunga carriera di quasi vent’anni di successo. Nel maggio 1983 si riunirono in occasione di uno special televisivo per i festeggiamenti dei venticinque anni della Motown Records. Quanto alla popolarità mondiale la loro esperienza rese possibile per i futuri artisti di R&B e afroamericani di arrivare ad un grosso successo discografico. La loro fama è stata talmente smisurata che nel 1988 sono state inserite nella “Rock and Roll All of Fame” e nella “Vocal Group Hall of Fame”. Nel 1994 gli è stata assegnata una stella nella “Hollywood Walk of Fame”. La nostra storia richiama in più punti la carriera di questo epocale gruppo femminile, inserendo dati chiaramente riconducibili alla loro carriera. L’avvio si ha in una scuola di musica di Detroit dove tre amiche, tre ragazze di colore, Karen, Mary e Frenchie, fanno parte dello stesso gruppo di studi. Siamo fra gli anni 60 e 70, hanno talento, e la loro ambizione è di mettere in scena uno spettacolo musicale. Grazie ai contatti di Frenchie, riescono ad arrivare a New York per incontrare Martin Thomas, il più importante manager di musica afroamericana, che crede nelle loro innegabili doti vocali, ed organizza un concerto nel prestigioso Saint James Theatre di New York. Presente alla serata ci sarà Roger Peterson, presidente della Dolly Records, che le ingaggia per un contratto discografico. Da qui, con una trasposizione di teatro nel teatro, si assisterà ai vari tour di concerti delle tre ragazze, al percorso della loro carriera seguita costantemente dal giornalista Alan Coleman, che le ospiterà anche nel suo salotto televisivo, all’ascesa verso il proclamato successo. Il repertorio musicale lo abbiamo scelto fra i maggiori successi soul e R&B. Parliamo della cultura afroamericana, che ha dimostrato al mondo intero di avere una propria identità influenzando all’epoca quasi un decennio, e che è rimasta nel cuore e nella mente di tanti. Artisti come James Brown, Aretha Franklin, Marvin Gaye, Tina Turner, Otis Redding e i successi delle stesse Supremes. Noi, abbiamo partorito questa storia grazie all’amore e la passione per una colonna sonora che ha accompagnato parte della nostra vita. Speriamo, di aver avuto un’idea vincente…     Tiziana D’Anella – Lena Sarsen  

TEATRO SAN BABILA:  "MEDEA"

Autore:Jean Anoulih

Regia:Francesco Branchetti

Attori:Barbara de Rossi

Date: dal 22 aprile al 1 maggio

Mettere in scena oggi “Medea” di Jean Anouilh significa non solo rendere omaggio ad uno dei p grandi autori del teatro francese del Novecento, ma anche e soprattutto riscoprire un testo straordinario da ogni punto di vista, un testo in cui regna un personaggio come quello di Medea dalla enorme forza tragica, nella sua solitudine straziante, nella sua sensualità dolorosa, nel suo essere votata ad un amore che non conosce limiti, nella sua disperazione, nel suo essere travolta da un sentimento incontrollabile e nella sua rivolta alle regole. La “Medea” di Anouilh ha una struttura drammaturgica molto forte e caratteristiche specifiche ed originali che la rendono unica. In pochi testi come in questo ho trovato la perfezione della drammaturgia unirsi alla costruzione di personaggi teatrali dalla potenza tragica strepitosa e ad un’indagine psicologica straordinaria.

Anouilh, mirabilmente, rende sentimenti e rapporti sempre p assoluti e universali, nella loro più scoperta quanto complessa umanità. La tragedia e la vicenda umana ed esistenziale di Medea assumono nel testo significati appunto universali e di straordinaria attualità.

La regia e lo spettacolo ricostruiranno scenicamente, visivamente, musicalmente, il mondo della protagonista e dei suoi sentimenti “straordinari”, “estranei”, da “emarginata”, la sua anima straziata e dolente, capace di piegarsi al dubbio, alla debolezza, addirittura alla tenerezza più struggente, che, secondo me, tanto ci parlerà della condizione universale della donna, pur se indagata in un esempio estremo ed eccezionale.

In scena Medea dolorosamente emarginata vive, insieme alla Nutrice,una condizione di disperata solitudine e, ancora di più, la sua condizione di estraneità dovuta al suo essere “barbar e “diversa” in una lotta feroce per la sua dignità di donna e per un amore che non conosce limiti. Quando la sua dignità di donna le verrà negata, la vendetta sarà terribile e inaudita con l’uccisione dei figli. Medea sarà emblema dell’amore e insieme della morte e la tragedia vivrà tutta in lei e nella sua sfaccettata e travolgente personalità; accanto le sarà, in una sorta di controcanto, la Nutrice, personaggio di straordinaria importanza; e poi Giasone, mirabilmente disegnato da Anouilh nei suoi accenti e aspetti più “uman ; un Giasone stanco degli eccessi e del peso di una passione ormai per lui troppo grande. Creonte sarà, infine, l’incarnazione di un potere fatto di regole che niente e nessuno può mettere in discussione, pena la rottura di equilibri troppo importanti e la dissoluzione di tutto un mondo. La regia e lo spettacolo hanno l’intento e l’obbiettivo di restituire al testo la straordinaria capacità, attraverso la voce di Medea e degli altri personaggi, di parlare, di evocare, di “far apparire” un mondo di passioni estreme, di paure, di incubi, di umane debolezze, di solitudine, di lotta disperata per la propria dignità, di forze oscure, misteriose, magiche ed arcane, di pulsioni innominabili, di violenza, in cui tutti noi finiremo per trovare, attraverso la parola di Anouilh, il nostro presente p dilaniato, il nostro oggi cosi travagliato, sia che si parli di rapporti umani, che di guerre, che di contrapposizione fra culture, che di “esuli”, che di lotta per il potere, che di eventi “straordinari” di violenza oppure di dolore o di sofferenza, che sembrano talvolta evocare il mito e gli straordinari personaggi mirabilmente disegnati dalla penna di Anouilh. 

Francesco Branchetti 

TEATRO MANZONI:   "QUEI DUE"

Attori: Massimo Dapporto, Tullio Solenghi

Autore: Charles Dyer

Regia: Roberto Valerio

Date:  dal 31 marzo al 17 aprile

 

Massimo Dapporto (Charlie) e Tullio Solenghi (Harry) per la prima volta in scena insieme in un’inedita coppia gay. Una gara di bravura tra due consolidati
interpreti della scena italiana che , per la prima volta, giocano con due personaggi
davvero insoliti. Prodotto con coraggio dal produttore indipendente Angelo Tumminelli.
Quando si alza il sipario, il piccolo giradischi di Harry (Tullio Solenghi) suona “l'Hallelujah chorus" di
Handel. Charlie (Massimo Dapporto) è seduto sulla poltrona girevole con un asciugamano intorno al collo.
Harry ha appena terminato di raderlo. Harry ha una gran fasciatura, tipo turbante, attorno alla testa.
Facendo volteggiare il rasoio, Harry dà un ultimo colpo alla basetta di Charlie, poi va alla porta dello sgabuzzino adiacente. Vi entra per un secondo, emette un
gridolino di dolore, ritorna facendosi saltare da una mano all'altra una salvietta bollente che applica sul viso di Charlie.
Ora Harry si leva la giacchetta bianca, con il suo nome ricamato sul taschino  e
l'appende all'attaccapanni.
Indossa un pullover abbottonato sul davanti, toglie l'asciugamano dal collo di
Charlie poi siede sulla poltrona. Charlie butta la sua salvietta nel lavandino, infila una giacchetta bianca con il suo nome sul taschino, va a prendere un'altra
salvietta bollente cantarellando a bocca chiusa, emette anche lui un gridolino di dolore. Spegne il giradischi lanciando un'occhiataccia a Harry, quindi…
Saranno rispettivamente Charlie e Harry, barbieri della periferia londinese che vivono assieme da una trentina d'anni, con tutte le dinamiche di due coniugi provati
da una vita fatta ormai di continui litigi, di futili battibecchi, di sofferenze inferte
volontariamente: entrambi sapendo però di non poter più fare a meno l'uno dell'altro.
Scoperto in abiti femminili in un locale pubblico, Charlie aspetta con ansia crescente la convocazione in tribunale, proprio il giorno in cui sta per  conoscere
 la figlia ventenne, frutto di un "errore di gioventù".
Harry tenta di distrarlo in tutti i modi, rischiando così di venire ferocemente
canzonato per la sua calvizie, nascosta da molti strati di fasce, un grottesco turbante permanente....
Una commedia che invita ad importanti riflessioni su temi ahimè' sempre attuali, e soprattutto una gara di bravura tra due consolidati interpreti della scena
italiana che per la prima volta giocano con due personaggi davvero insoliti.
Esiste un precedente sui nostri palcoscenici in una splendida edizioni interpretata
da Paolo Stoppa e Renzo Ricci, mentre l'originale londinese fu tenuto a battesimo
da Patrick Magee e Paul Scofield, e l'indimenticabile versione cinematografica
vide cimentarsi nei due ruoli Richard Burton e Rex Harrison.

TEATRO MANZONI:   "Mi PIACI PERCHE' SEI COSI'"

Regia: Gabriele Pignotta

Attori: Vanessa Incontrada, Gabriele Pignotta, Fabio Avaro, Siddhartha Prestinari

Date: dal 3 al 20 marzo  Orari: Feriali ore 20.45 Domenica ore 15.30

Maggiori Info:   www.teatromanzoni.it

Marco e Monica (Gabriele Pignotta e Vanessa Incontrada) sono innamorati e sposati da qualche anno. Come accade spesso in tante storie d’amore, la passione iniziale cede il passo ai primi screzi e alla noia. Quando la loro storia d’amore sembra essere ormai giunta al capolinea, decidono di tentare in extremis una terapia di coppia sperimentale che metterà i due protagonisti in condizione di vedere il mondo con gli occhi del partner. Tre mesi nei panni dell’altro!

Al loro fianco un’altra coppia, Stefano e Francesca (Fabio Avaro e Siddhartha Prestinari), i vicini di casa, che invece rappresentano la classica coppia di facciata nella quale i due partner sembrano

felici agli occhi degli altri, ma in realtà si detestano profondamente e non hanno il coraggio di dirselo….

La vita di queste due coppie si intreccerà inevitabilmente dando vita a situazioni bizzarre, sorprendenti e soprattutto, in alcuni casi, esplosive.

La nuova commedia di Gabriele Pignotta, ci regala l’ennesima occasione per ridere e divertirci, ma anche per riflettere sulla condizione attuale della coppia versione 2.0!

TEATRO CARCANO: COMIX - "NoGravity Dance Company"

Autore: Emiliano Pellisari

Regia/Coreografie: E.Pellisari, Mariana Porceddu

Acrobati/danzatori: Mariana Porceddu, Antonella Perazzo, Lucia Orru

Mirko Simeone, Rocco Ascia, Eva Campanaro

Musiche: John Coltrane, Bill Evans, Miles Davis, George Gershwin, Emir Kusturica,

Bobby McFerrin, Scott Joplin, Django Reinhardt, Gene Harris

Date: dal 17 al 21 febbraio 2016

Dopo il successo al Teatro Nazionale di Pechino e al teatro Helikon - Opera di Mosca e in attesa di partire nei prossimi mesi per la Francia (paese in cui è ormai di casa), Bogotà, Montevideo e Santiago del Cile, la compagnia NOGRAVITY torna in Italia, al Teatro Carcano di Milano, con COMIX.

Da Emiliano Pellisari, autore di spettacoli raffinati e fantasiosi capace di sbalordire il pubblico con immagini strabilianti, creatore di uno stile definito dai francesi nouvelle magie et danse aerienne, arriva uno spettacolo inaspettato, dirompente, che si distacca dalla fantasmagoria barocca familiare ai suoi fan. Un mondo allegro ispirato al pop, un gioiello del physical theatre nato dalla fucina dell’Emiliano Pellisari Studio con le caratteristiche del nouveau cirque: l’atletismo circense si mescola alla poesia del teatro, all’armonia della danza, ai giochi della luce.

Ad ispirare Pellisari le suggestioni dei fumetti, dei cartoni animati (Disney, La Pantera Rosa, Braccio di Ferro, Tin Tin, Tim Burton) e dall’arte grafica (Chagall, Keith Haring, Cavandoli e la sua “linea”), dove i sogni eterni dell’uomo - volare nel cielo come gli uccelli, nuotare nel mare come i pesci, scomporre il corpo umano e farlo scomparire come un fantasma – diventano magicamente realtà.

Comix sta per fumetto, ma anche per comicità: nel doppio valore semantico della parola sta la chiave del gioco dello spettacolo, definibile come pura gioia in movimento, gesto atletico e allegria a suon di jazz.

Molteplici e di enorme suggestione le tecniche utilizzate dagli acrobati/danzatori della Compagnia, dalla Black art alla Black light, dalla video grafica ai giochi di ombre, dalla sculpture dance alla video-cam all’acrobatica.

A comporre lo spettacolo tante piccole storie fantastiche in cui fisicità e comicità concorrono alla pari al divertimento degli spettatori grandi e piccoli.

Per info:  info@teatrocarcano.com  - www.teatrocarcano.com

 

TEATRO SAN BABILA:  "Il marito di mio figlio"

Autore: Daniele Falleri

Regia: Daniele Falleri


Attori: Eva Grimaldi, Andrea Roncato, Pietro De Silva, Pia Engleberth

Date: dal 12 al 21 febbraio 2016

 

Domani Giorgino e Michele (alias George & Michael) si sposano.

Decidono di affrontare i rispettivi genitori convocandoli nel loro appartamento per comunicargli la notizia. Ma la rivelazione della propria omosessualità crea uno scompiglio che va oltre l’immaginazione

dei due futuri sposi. Sessualità confuse, amanti inaspettati, relazioni segrete e intrecci che non risparmiano

neanche i genitori. Una moderna commedia degli equivoci che affronta con ironia un tabù sulla cresta dell’onda in tutto il mondo: il matrimonio gay. Si addentra con disinvolta leggerezza negli intrecci familiari mettendo in scena tutti i più diffusi pregiudizi sui gay, giocando con i vari cliché per poi demolirli implacabilmente

ad uno ad uno. Non vuole essere un manifesto gay. Non è una storia di propaganda. Non vuole portare la bandiera di nessun movimento. Vuole andare oltre. O più precisamente vuole essere tutto questo ed altro. Non si può prescindere da una considerazione fondamentale: Michael e George ancor prima di

essere gay sono due ragazzi che si amano. Di protagonista se ce n’è uno è l’amore. Per un compagno, per un figlio, per una madre, per un sogno, per un ideale, per se stessi, per la vita.

 

TEATRO MANZONI: " La gatta sul tetto che scotta "

Autore: Tennessee Williams

Regia: Arturo Cirillo

Attori: Vittoria Puccini, Vinicio Marchioni, Paolo Musio, Franca Penone, Salvatore Caruso, Carlotta Mangione, Francesco Petruzzelli

Durata: atto unico di 1h 40'

Date: da l'11 al 28 febbraio 2016

 

La gatta sul tetto che scotta fu rappresentata per la prima volta nel 1955 al Morosco Theatre di New York con Barbara Bel Geddes e Paul Massie regia di Elia Kazan; dal testo teatrale fu realizzato, nel 1958, il film con Liz Taylor e Paul Newman regia di Richard Brooks.

La scena si svolge nella camera da letto di Brick e Maggie. L’intera famiglia è riunita per festeggiare il compleanno del patriarca inconsapevole che sarà l’ultimo a causa del suo male incurabile.

Brick e Maggie portano avanti un matrimonio bianco, senza sesso. Maggie, innamorata perdutamente del marito, ex sportivo ed attualmente infortunato ad una caviglia, è stufa della situazione e gli chiede di desiderarla, non riuscendo però a solleticare minimamente le fantasie dell'uomo: questi, assorto completamente nelle nebbie dell'alcol, non la degna di considerazione e si scherma dagli attacchi della moglie con risposte brusche ed evasive.

Gooper (fratello di Brick) e la moglie Mae, invece, per salvaguardare i propri interessi riguardo alla futura e cospicua eredità che li attende; si mostrano premurosi nei confronti del Papà, il quale, da orgoglioso e sarcastico uomo tutto d'un pezzo, mal tollera il loro comportamento e la loro presenza.

Durante un acceso scontro verbale tra Maggie e Brick, la donna asserisce di sentirsi come una gatta su un tetto che scotta, decisa a non cadere giù: ha conquistato con fatica una posizione sociale e non vuole rinunciarci. Il suo sogno è coronare l'ideale d'amore che si è prefissata mediante la desiderata gravidanza. Brick non tollera le sue affermazioni e Maggie lo incalza accusandolo di essere un alcolista per la perdita del suo più caro amico, Skipper, un ex compagno di squadra morto suicida perché innamorato di Brick e forse da lui ricambiato.

I festeggiamenti per il compleanno del Papà interrompono il litigio; il padre irrompe nella stanza affermando di non volere alcuna festa e desideroso solo di parlare con il figlio. Durante la loro animata conversazione, sembra capire il vero motivo della sofferenza del figlio e quale fosse il legame con il compagno Skipper; gli svela, inoltre, di conoscere la reale situazione del suo stato di salute. Anche alla Mamma viene detta la verità sulle condizioni di salute del consorte che trovano conferma nelle parole del dottore. Mae e Gooper tentano di presentarle un piano per la futura divisione dell'eredità ma lei risponde sdegnata di fronte alla loro rapacità.

Attirato dalle urla della famiglia in preda ai litigi, il Papà rientra e Maggie, mentendo sul suo stato, decide di fargli un regalo per risollevare il suo animo, affermando di essere incinta di Brick ma anche per coronare il suo sogno e, allo stesso tempo, essere di sprone al marito. Ella, infatti, si offre come cura ai dolori esistenziali di Brick che afferma di volersene convincere.

 

TEATRO MANZONI:  “UN PO' DI ME - GENESI di un COMICO”

Autore/Attore:  GIUSEPPE GIACOBAZZI

Date: dal 2 all' 8 febbraio 2016

Reduce dal successo del tour teatrale di “Apocalypse”, Giuseppe Giacobazzi torna in teatro pronto per il nuovo one man show “Un po’ di me”, di cui è autore e del quale sta curando la messa in scena. Un titolo che rivela il cuore dello spettacolo stesso. Dopo 20 anni di carriera, il comico ha deciso di aprire il cassetto dei ricordi e raccontare un po’ del suo privato. Non con un racconto retrospettivo, semmai con una lucida analisi su quello che è stato, sul presente e su quello che forse sarà. Cercherà di raccontare se stesso, passando dai ricordi fanciulleschi, delle vacanze al viagra, da un passato trascorso lavorando nella moda fino alla nuova realtà di genitore.  Lo farà a modo suo, senza fronzoli, in maniera schietta e sincera, lasciando però sempre un piccolo spazio aperto alla poesia, spesso ignorata nella vita di tutti i giorni.  Per maggiori info:  www.teatromanzoni.it

TEATRO CARCANO:   " SONICS - DUUM "

Dopo 3 anni di assenza dai palcoscenici milanesi, la compagnia italiana di acrobati e danzatori SONICS ritorna a MILANO con Duum, spettacolo che da due anni sta collezionando sold out e successi in tutta Italia.

 

L’appuntamento con le magie acrobatiche dei Sonics sarà al Teatro Carcano da Venerdì 29 a Domenica 31 Gennaio.

Il debutto di Venerdì 29 è alle 19.30: un orario “insolito” sperimentato già in altre occasioni e con ottimi risultati dal Teatro Carcano.

Sabato 30 lo spettacolo è in scena alle 20.30, domenica 31 alle 16.

Duum è il titolo dello spettacolo che la compagnia Made in Italy di acrobati e danzatori SONICS, capitanata da Alessandro Pietrolini e Ileana Prudente, porterà in scena al Teatro Carcano dal 29 al 31 Gennaio (orari spettacolo: venerdì 29 ore 19.30, sabato 30 ore 20.30, domenica 31 ore 16).

Con Duum i Sonics condurranno il pubblico di tutte le età nei luoghi di un mondo leggendario situato nel centro della Terra, un mondo fatto di cunicoli e grotte nei quali i suoi abitanti si muovono tra salti nel vuoto ed acrobazie da lasciare col fiato sospeso.

Duum indica il rumore di un salto, quello che permetterà agli abitanti di questo regno sotterraneo di fare ritorno sulla superficie terrestre, dove c’è ancora qualcosa di buono che vale la pena vivere e vedere.

Mosso da questa convinzione dopo un lungo tempo di forzato esilio lontano dalle malvagità della Terra, l'architetto Serafino, aiutato dai suoi compagni di avventura, si muove nello spazio scenico di una caverna elaborando formule matematiche e costruendo strambi trabiccoli per uscire, una volta per tutte, dal mondo sotterraneo che li ospita.

Acrobazie spettacolari e mozzafiato, performance atletiche che trasformano i movimenti dei corpi in vere e proprie poesie visive, effetti speciali di Matte Painting (scenari videoproiettati), e una colonna sonora composta ad hoc per lo spettacolo raccontano il trasmigrare di Serafino e dei suoi compagni dal "mondo di sotto" alla luce del Sole.

Duum è una fiaba moderna dove magia e adrenalina si intersecano per raccontare come la complicità tra le persone possa portare a risultati inimmaginabili.

Duum è creato e diretto da Alessandro Pietrolini, con i testi di Antonio Villella e i costumi di Ileana Prudente e Irene Chiarle. Le luci e gli effetti speciali sono curati da Monica Olivieri e Niki Casalboni. Lo spettacolo è prodotto e distribuito da Fanzia Verlicchi per Equipe Eventi.

Dopo la tappa milanese i SONICS saranno con Duum a Faenza (Teatro Masini 26 e 27 Febbraio), Bologna (Teatro Duse 1 Marzo), in Friuli Venezia Giulia nei teatri di Cividale (2 Marzo), Tolmezzo (3 Marzo) e Sacile (4 Marzo) e poi a Varese (Teatro Apollonio 5 Marzo) e Forlì (Teatro Fabbri 15 Marzo).  www.teatrocarcano.com

Compagnia torinese di acrobati, artisti e performer dalla caratura internazionale, i SONICS trasformano passione e sogni in spettacoli aereo-acrobatici, dimostrando che un solido gioco di squadra, un duro allenamento e una creatività condivisa possono portare a risultati inimmaginabili, come i sold out nei teatri e la partecipazione ad eventi di rilevanza mondiale . Foto di Paolo Bonciani.

TEATRO CARCANO:  “I suoceri albanesi”

Regia: Claudio Boccaccini

Attoro: Andrea Lolli, Silvia Brogi, Maurizio Pepe, Filippo Laganà, Elisabetta Clementi

Date: dal 13 al 24 gennaio 2016

Una famiglia borghese: un padre, una madre e una figlia. Lucio, cinquantacinquenne, consigliere comunale progressista, e Ginevra, cinquantenne, chef in carriera, con un passato fatto di lotte politiche e rivolte generazionali, conducono un’esistenza improntata al politically correct, cercando quotidianamente di trasmettere alla figlia Camilla, sedici anni, il loro stile di vita, pregno di valori importanti, di parole mai banali: l’importanza della politica, della solidarietà, della fratellanza. Ogni occasione è buona per ribadire questi concetti edificanti: a tavola, ascoltando un telegiornale, commentando episodi di vita. Al terzetto si aggiunge l’amica del cuore di Ginevra, Benedetta, erborista alternativa in analisi perenne e ossessivamente a caccia di un compagno, e frequentatrice abituale della casa, sui cui abitanti non manca di riversare le sue fragilità.

Come in tutte le famiglie, anche le incombenze pratiche occupano uno spazio importante nella vita di Lucio e Ginevra e la rottura di una tubazione del bagno di servizio, che rischia di allagare l’appartamento sottostante, occupato da un eccentrico tenente colonnello, obbliga i coniugi a chiamare una ditta per il restauro completo del locale. La ditta è formata da due giovani uomini: Igli, 35 anni e Lushan, 18. Sono albanesi, con alle spalle una storia simile a quelle che si leggono tutti i giorni sui giornali: viaggi su barconi fatiscenti, periodi di clandestinità, infine l’agognato permesso di soggiorno e adesso una ditta, con tanto di partita Iva e lavoro in quantità. Un esempio da seguire per Camilla e i giovani come lei, abituati al contrario a situazioni agiate e iperprotettive. È questo che Lucio e Ginevra pensano, contemplando la luce che illumina gli sguardi dei due albanesi. Una luce piena di vitalità, voglia di fare, come solo chi ha davvero conosciuto la fame può ancora avere.

Ma un giorno Lucio dimentica un importante documento, torna a casa ad un orario imprevisto e le certezze sue e di Ginevra crollano come un castello di carte. A dimostrazione che i vecchi proverbi non passano mai di moda: chi predica bene, razzola male...


TEATRO COCCIA (Novara):   "IL PREZZO" di Arthur Miller

Il buon livello della programmazione dell’attuale stagione di prosa del Teatro Coccia di Novara è confermato dalla proposta di uno dei capolavori del Teatro del ‘900, "Il prezzo" di Arthur Miller, incomprensibilmente sinora sconosciuto in Italia, portato ora per la prima volta nelle nostre sale per iniziativa di Umberto Orsini, che ne ha richiesto la traduzione, eccellente, a Masolino D’Amico  (Sabato 9 Gennaio, con replica Domenica 10). Composto nel 1968, ma riferito a vicende risalenti agli anni durissimi della crisi del ’29, così simili al nostro tempo, il dramma porta sul palcoscenico la vicenda di due fratelli, Victor e Walter che, figli di un uomo d’affari vittima della crisi, dopo sedici anni dalla sua morte s’incontrano per sgomberarne l’appartamento, destinato alla demolizione e nel quale è accumulata  la mobilia rimasta dopo che l’attività del loro padre è stata travolta dal ‘Venerdì nero”. I due figli chiamano un vecchio antiquario, l’ebreo Solomon, per una stima di tali beni. Da questo banale spunto viene affiorando gradualmente quel sottile e complicato nodo di menzogne, rancori e incomprensioni che lo smarrimento per la perdita di una condizione di benessere economico fa sorgere nelle vittime della crisi e che esplode proprio in occasione della trattativa sul prezzo cui liquidare la pila di mobili accatastati, nei quali consiste l’elemento principale di una scenografia ridotta all’essenziale (un lavandino, una scala, una porta, una poltrona di poche pretese…). Sotto la sapiente regia di Massimo Popolizio, che è anche interprete , i personaggi sono tutti resi con grande efficacia interpretativa da attori, fra i quali si annoverano due vere e proprie icone del teatro italiano del nostro tempo: Umberto Orsini (che non ha mai dimenticato Novara, la sua città natale, portandovi quasi ogni stagione spettacoli di grande qualità) e appunto Popolizio, Questi dà voce a Victor, poliziotto di mezza età, ingrigito in un lavoro non amato, ma accettato per la necessità di sostenere economicamente il padre caduto in rovina. Victor è un uomo semplice, rassegnato al mediocre grigiore di un’esistenza fatta delle modeste gioie di una quotidianità senza luce (simbolica è la scena iniziale, in cui si abbandona all’ascolto di un brano “ballabile” da un grammofono anni trenta), onesto, del tutto inesperto di affari, privo di aspirazioni. Questa scialba personalità lo rende oggetto del disprezzo e delle furiose scenate della moglie Esther, un’eccellente Alvia Reale, calata senza sbavature nella parte di moglie esasperata e perciò resa dispotica dalla vita mediocre impostale dal marito, che contrasta dolorosamente con il suo desiderio di ascesa sociale ed economica, simboleggiato dal vestito nuovo, di uno sgargiante e un po’ volgare arancione, con cui entra impetuosamente in scena, sbraitando e con passo quasi marziale .Per lei contano solo i soldi, come dichiara più volte esplicitamente, e questo l’accomuna al vecchio Solomon, superbamente interpretato da un Orsini cui gli anni (81!), non sembrano togliere nulla all’intensità e all’energia con le quali investe di volta in volta le parti che è chiamato a recitare. Nella veste del Solomon di Miller, l’attore novarese dà voce a una ricca varietà di sfumature: l’antiquario ebreo è certo un freddo e distaccato professionista per il quale unico criterio di misura per cose e uomini è il denaro, ma è anche un personaggio animato da una singolare saggezza di vita, che si esprime in lui con un umorismo disincantato, che può persino ricordare certe figure pirandelliane, con un di più di pungente arguzia e crudele ironia. Infine, un caldo elogio merita anche Elia Schilton nella parte di Walter, cinico medico chirurgo che ha raggiunto il successo, abbandonando l’anziano genitore al suo destino e dedicandosi ad una carriera costruita facendo soldi a spese dei vecchi affidati alle sue cure. Per lui partecipare alla valutazione dei beni paterni, nei confronti dei quali non nutre alcun interesse, è più che altro il pretesto per esercitare il suo potere sul debole fratello Victor, ridicolizzandolo per l’abnegazione mostrata nei riguardi del padre e la mediocrità della sua esistenza. Si scatena a questo punto lo scontro tra i due fratelli, che non è solo conflitto di valori,tra spietato individualismo economico e scelte di vita ispirate a considerazioni morali, ma è anche e soprattutto gioco al massacro in cui si rivela per la prima volta nella vita quel torbido groviglio di reciproco astio, livore, odio incomprensibile, profonde pulsioni distruttive che da sempre ha opposto Victor e Walter. In questo gioco al massacro Popolizio e Schilton, con la costante presenza di Orsini, danno il meglio delle loro capacità interpretative. Con un finale “a sorpresa” che lascia stupito e un poco commosso il numeroso pubblico.       

Novara, 9 gennaio 2016        Bruno Busca

TEATRO CARCANO: 

"I suoceri albanesi - due borghesi piccoli piccoli"

Autore: Gianni Clementi

Regia: Claudio Boccaccini

Attori:Francesco Pannofino, Emanuela Rossi, A.Lolli, S.Brogi, M.Pepe, F. Laganà

Date: dal 13 al 24 gennaio 2016

Una famiglia borghese: un padre, una madre e una figlia. Lucio, cinquantacinquenne, consigliere comunale progressista, e Ginevra, cinquantenne, chef in carriera, con un passato fatto di lotte politiche e rivolte generazionali, conducono un’esistenza improntata al politically correct, cercando quotidianamente di trasmettere alla figlia Camilla, sedici anni, il loro stile di vita, pregno di valori importanti, di parole mai banali: l’importanza della politica, della solidarietà, della fratellanza. Ogni occasione è buona per ribadire questi concetti edificanti: a tavola, ascoltando un telegiornale, commentando episodi di vita. Al terzetto si aggiunge l’amica del cuore di Ginevra, Benedetta, erborista alternativa in analisi perenne e ossessivamente a caccia di un compagno, e frequentatrice abituale della casa, sui cui abitanti non manca di riversare le sue fragilità.

Come in tutte le famiglie, anche le incombenze pratiche occupano uno spazio importante nella vita di Lucio e Ginevra e la rottura di una tubazione del bagno di servizio, che rischia di allagare l’appartamento sottostante, occupato da un eccentrico tenente colonnello, obbliga i coniugi a chiamare una ditta per il restauro completo del locale. La ditta è formata da due giovani uomini: Igli, 35 anni e Lushan, 18. Sono albanesi, con alle spalle una storia simile a quelle che si leggono tutti i giorni sui giornali: viaggi su barconi fatiscenti, periodi di clandestinità, infine l’agognato permesso di soggiorno e adesso una ditta, con tanto di partita Iva e lavoro in quantità. Un esempio da seguire per Camilla e i giovani come lei, abituati al contrario a situazioni agiate e iperprotettive. E’ questo che Lucio e Ginevra pensano, contemplando la luce che illumina gli sguardi dei due albanesi. Una luce piena di vitalità, voglia di fare, come solo chi ha davvero conosciuto la fame può ancora avere. 

Ma un giorno Lucio dimentica un importante documento, torna a casa ad un orario imprevisto e le certezze sue e di Ginevra crollano come un castello di carte. A dimostrazione che i vecchi proverbi non passano mai di moda: chi predica bene, razzola male…

In I SUOCERI ALBANESI – Due borghesi piccoli piccoli Gianni Clementi, Premio Maschere del Teatro 2014 per il migliore autore italiano contemporaneo, affronta con mano leggera vizi e virtù di una famiglia piccolo borghese, con il suo corollario di manie, debolezze, fragilità, furberie, pregiudizi. La regia di Claudio Boccaccini asseconda il testo, un vero e proprio congegno ad alta precisione, in cui i tempi della risata a sorpresa, i giochi di parole, gli equivoci contribuiscono al divertimento del pubblico, gratificato dalla presenza sul palco di due campioni di simpatia come Francesco Pannofino e Emanuela Rossi e da una storia in cui ognuno si può rispecchiare.

TEATRO BARCLAYS NAZIONALE  "I LEGNANESI"

Titolo: "La famiglia Colombo"

Testi: Felice Musazzi, Antonio Provasio

Attori: Antonio Provasio, Enrico Dalceri, Luigi Campisi

Date: dal 3 gennaio al 28 febbraio 2016

Festa di S. Ambrogio, i cortili sono in festa, e quello abitato dalla nostra famiglia Colombo lo è ancora più degli altri: la Teresa, infatti, insieme al suo Giovanni e alla Mabilia, e con l'ausilio delle altre "cortigiane" e delle suore del paese, sta preparando una recita festosa per omaggiare il Santo Patrono.

Sarà durante l'allestimento della festa che Mabilia si innamorerà di uno strano "personaggio", un nuovo arrivato nel cortile che la conquisterà in modo bizzarro.
Nella seconda parte dello spettacolo assisteremo all'ufficializzazione del fidanzamento di Mabilia, con tanto di presentazione dei genitori del fidanzato "noir". Il nero sarà il colore prevalente in questa scena, personaggi compresi, e con esilaranti gag in tema ...il fidanzamento si svolge infatti nel cimitero del paese!
Uno spettacolo dove come sempre non mancheranno i numeri musicali della Mabilia, che di nero non hanno proprio nulla, ma anzi abbondano di colori, lustrini e paillettes per regalare agli spettatori atmosfere da sogno.

Ancora una volta la famiglia Colombo ci porterà con la sua semplicità attraverso situazioni grottesche ed imprevedibili per farci ridere, riflettere e tornare col pensiero alla quotidianità che si viveva un tempo nei nostri cortili, ma che in qualche modo si vive, in maniera diversa, anche oggi. Per sorridere ripensando ai tempi che furono...e riflettere sui tempi di oggi.

Per maggiori info: http://www.teatronazionale.it/tutti-gli-spettacoli/i-legnanesi

TEATRO SAN BABILA:    "Toccata e fuga"" 

Autore: Derek Benfield

Regista: Marco Vaccari

Attori: Cinzia Spanò, Vera Castagna, Gloria Anselmi, Gigi Sammarchi, Vaccari


Date: dal 29 dicembre

I sussulti del matrimonio, i tradimenti, i blitz amorosi, gli appuntamenti furtivi, le scappatelle, gli equivoci imbarazzanti. Una moglie sollecita il marito a fare esercizio fisico. L' uomo accetta ben volentieri ma, in realtà, il tempo ufficialmente passato a correre nel parco lo trascorre in compagnia dell'amante nell'appartamento di un amico compiacente. Quest'ultimo è ben lieto di rendersi disponibile perché a sua volta se la fa con la moglie di lui a costo di folli corse in bicicletta. La situazione però, precipita quando la consorte dell'amico torna improvvisamente a casa. Due case, un unico divano collocato al centro, elemento comune per entrambi.
i salotti, in simmetria. La vicenda, anch'essa simmetrica, si svolge ora da una parte, ora dall'altra. A volte contemporaneamente nei due locali. Mentre la signora A è per lavoro in America, il signor B (suo marito) cede il proprio appartamento al proprio amico C che lo usa per trascorrere ore liete con la procace signorina D. Contemporaneamente il signor B passa nell'altro appartamento e viene graziosamente ospitato dalla signora E (che, manco a dirlo, è la moglie di C).
La quadriglia viene ballata ogni mercoledì!

Al Teatro delle Palme il capodanno si festeggia con ‘Caruso, La voce dei due Mondi’

L’associazione Noi per Napoli omaggia il grande tenore Enrico Caruso con il concerto del primo gennaio 2016, presso il Teatro delle Palme alle ore 19,30.

Lo spettacolo, nato da un’ idea di Olga De Maio soprano e Luca Lupoli tenore esponenti e rappresentanti legali dell’ Associazione Culturale “ Noi per Napoli”, in un’alternanza di arie d’opera,canzoni classiche napoletane e scene che ripropongono i momenti importanti della vita del tenore, costruisce una panoramica d’insieme sugli aspetti artistici e umani di Caruso. 

Con un cast  formato da quasi 40 artisti in scena tra cantanti, musicisti, attori e coristi, lo spettacolo con la regia di Gianni Villani e i testi di Barbara Bonaccorsi,  vedrà l’esibizione di  Olga De Maio soprano e Luca Lupoli tenore artisti del San Carlo, reduci dei successi ottenuti al Teatro Politeama, al Teatro Totò e al Maschio Angioino.

Un’occasione per salutare il nuovo anno sulle note de “La donna è Mobile, Non ti scordar di me, Core ‘ngrato, O sole mio Na sera ‘e maggio e tanti altri brani che hanno scandito la vita, la carriera, gli amori e la musica del  grande interprete

Lo spettacolo Caruso, La voce dei due Mondi è destinato non solo agli appassionati della musica e del teatro, ma a tutti gli amanti della città di Napoli. Amalgamando la rappresentazione fedele della vita di Caruso con l’esecuzione di un vasto repertorio delle sue opere lo spettacolo saprà raffigurare a tutto tondo il personaggio, l’uomo e l’artista che ha scritto una pagina fondamentale della musica a Napoli. Per gli amanti del teatro, la natura dello spettacolo non potrà che essere un’importante novità: distaccandosi dai canoni classici della narrazione biografica, l’alternanza tra la musica e la rappresentazione teatrale regalerà allo spettatore uno spunto di rilievo dal punto di vista della struttura narrativa.

Artisti lirici: Olga De Maio soprano, Luca Lupoli tenore,Marco Cristarella Orestano baritono, artisti del Teatro San Carlo, Lucio Lupoli tenore .
Attori: Massimo Bonaccorsi, Maira Baldari, Barbara Bonaccorsi, Maurizio Rata, Mariano Grillo, Fabio Felsani, Maria Senese, Luciano Scarpati, Sergio De Simone.
Ensemble orchestrale: Maurizio Iaccarino pianoforte, Cira Romano arpa, Valerio Starace violino, Giovanna Moro violino, Artan Tauzi violoncello.

Coro dell'Associazione Culturale A.Barchetta
Direttore: Antonio Barchetta
Direttori di scena: Matteo Campagnoli, Diego Macario e Susan Cevani
Disegno luci: Marco de Cesare.

Napoli, 17 dicembre 2015

TEATRO MANZONI:  " SOGNI e  BISOGNI"

Scritto e diretto da Vincenzo Salemme

Date: dal 10 dicembre al 1 gennaio 2016

L’ultima fatica teatrale di Vincenzo Salemme ha come protagonisti Rocco Pellecchia e il suo “pene” che nella commedia si stacca materialmente dal corpo del suo “titolare” per diventare egli stesso uomo, rivendicando lo status di vero e proprio protagonista. Un duello teatrale tra i due che hanno visioni della vita completamente diversa: egli ritiene che la vita del grigio e mediocre Rocco Pellecchia mal si adatti alla grandeur del suo sottoutilizzato “tronchetto della felicità”. 

Sogni e bisogni
sarà in scena il 31 dicembre alle 18.15 e alle 21.45. Al termine della recita delle 21.45 brindisi allo scoccare della mezzanotte con spumante e panettone per festeggiare l’inizio del nuovo anno insieme a Vincenzo Salemme e alla sua compagnia. 

Il giorno di Capodanno lo spettacolo sarà invece in scena alle ore 16.45.

 

TEATRO COCCIA (Novara):  " Il berretto a sonagli" 

La stagione del teatro di prosa, in corso al Coccia di Novara, ha proposto ieri sera 5 dicembre , con replica oggi domenica 6 alle 16, una delle commedie più grottesche e famose di Pirandello, Il berretto a sonagli, nell’interpretazione del Teatro di Dioniso di Walter Malosti, nel doppio ruolo di regista e del protagonista Ciampa. In verità Malosti si è basato, per il suo adattamento, sulla versione in dialetto siciliano della commedia, Lu birrittu cui ciancianeddi, curata dallo stesso Pirandello, che presenta alcune scene soppresse nella versione italiana e conferisce un ruolo di più drammatico rilievo al personaggio femminile di Beatrice, che nella regia di Malosti assume il ruolo di vera e propria protagonista. L’idea di teatro che ispira la ricerca di Malosti e del suo gruppo di eccellenti attori è quello di un teatro in bilico tra innovazione e tradizione, una ricerca che, scavando nella pagina del testo e rispettandolo nelle sue linee di fondo e nella struttura drammaturgica, faccia però affiorare tensioni latenti, conflitti, inedite relazioni fra personaggi, incentrate su un tema caro a Malosti, quello del corpo dell’attore/personaggio, come “campo gravitazionale” intorno al quale si dispongono e si sdipanano le dinamiche psicologiche e relazionali dei protagonisti. Richiamandosi probabilmente anche all’intramontabile saggio di Giovanni Macchia dedicato a Pirandello, La stanza della tortura, la vicenda è collocata in una cornice scenografica che sta tra la macchina (e macchinalmente si muovono i personaggi) e il labirinto, con un gioco di specchi in cui i gesti degli attori, ripetendosi all’infinito, sembrano smarrirsi. All’interno di questa macchina infernale Malosti ha interpretato il testo pirandelliano come una vera e propria rivolta di corpi, soprattutto del corpo femminile, incarnato da Beatrice Fiorica, tradita dal marito con la moglie del segretario Ciampa, e da un personaggio che generalmente resta in ombra nelle tradizionali messe in scena della commedia, ma cui questa regia dà inusitato rilievo, la Saracena, donna di vitale, prorompente fisicità, sorta di archetipica immagine di qualche dea madre mediterranea. Tema centrale di questo Berretto, allora, non è più quello consueto del trionfo dell’ipocrisia delle convenzioni sulla sofferta e contraddittoria realtà della vita, della maschera che copre le ‘vergogne’ di una borghesia totalmente incapace di produrre un senso autentico del vivere, ma piuttosto la lotta (di vago sapore strindberghiano) tra uomini e donne che ha come posta in palio il dominio del corpo femminile, che disperatamente, quanto vanamente tenta di ribellarsi. E ‘corpi in rivolta’ potrebbe essere un buon sottotitolo per questo Berretto a sonagli, che diventa un testo duro, di radicale antimaschilismo, di forte impatto emozionale, sostenuto anche dall’impasto dialettale della versione linguistica adottata, con intensi tratti di crudo espressionismo. Come detto, bravissimi gli attori, su tutti un’indimenticabile Roberta Caronia nella parte di Beatrice, dalla gestualità e dalla recitazione improntate a una tensione violenta, vero motore dell’intera messa in scena. Ottimo anche il Ciampa di Malosti, che, spogliato di quel tratto di filosofeggiante e un po’ patetico raisonneur tipicamente pirandelliano, appare piuttosto un livido buffone. Non facciamo il nome degli altri interpreti, ma li accomuniamo nel lungo applauso che il numeroso pubblico ha tributato alla Compagnia alla fine dello spettacolo, uno dei migliori visti al Coccia nelle ultime stagioni.

Novara, dicembre 2015         Bruno Busca

TEATRO SAN BABILA:   "L'ABITO della SPOSA"

Autore: Mario Gelardi

Regia: Maurizio Panici

Attori: Pino Strabioli, Alice Spisa

Date: dal 6 al 15 novembre

Italia 1963. E’ l’anno del matrimonio Ponti – Loren, della visita in Italia di Kennedy, della scandalosa love story tra Teddy Reno e Rita Pavone, è l’anno della tragedia del Vajont. Alto- basso, rosa-nero, le vicende si alternano così nel paese ed anche nella vita del sarto Lucio.

Lucio è un sarto di abiti militari, figlio di un sarto di abiti militari; ha girato tutta l’Italia con i suoi genitori ed ora parla un dialetto che è un miscuglio di molte lingue. Lucio è un uomo di mezza età, un po’ irascibile, dai modi spicci e diretti, ma in fondo una brava persona, quindi non se la sente -e forse non può proprio rifiutare- quando un capitano gli chiede di cucire l’abito da sposa di sua figlia. Lucio non può tirarsi indietro, ma non sa nemmeno come fare, così è costretto ad assumere una giovanissima sartina, Nunzia, una ricamatrice che ci riporta direttamente all’atmosfera di quegli anni. Così il logorroico Lucio deve dividere la sua sartoria con la timida Nunzia “ che per tirarle una parola di bocca ci vuole più di una tenaglia”. E’ l’incontro e la scoperta di due vite, di due imprevedibili vite e tra la passione per le canzoni di Rita Pavone e le ritrosie di una ragazza che non sa come comportarsi con gli uomini, raccontiamo il mondo fuori da quella sartoria, ma anche il piccolo mondo di due persone che custodiscono un segreto che finalmente possono svelare.                                          nota di Mario Gelardi

 

TEATRO CARCANO: QUALCUNO VOLO’ SUL NIDO DEL CUCULO

Regia: Alessandro Gassmann

Autore: Dale Wasserman dall’omonimo romanzo di Ken Kesey

Attori: Daniele Russo, Elisabetta Valgoi, Mauro Marino, Marco Cavicchioli, Giacomo Rosselli, Alfredo Angelici, Giulio Federico Janni, Daniele Marino, Antimo Casertano, Gilberto Gliozzi, Gabriele Granito

Scene Gianluca Amodio - Costumi Chiara Aversano

Musiche originali Pivio & Aldo De Scalzi -Videografie Marco Schiavoni

Date: dal 4 al 15 novembre

Qualcuno volò sul nido del cuculo è il romanzo che Ken Kesey pubblicò nel 1962 dopo aver lavorato come volontario in un ospedale psichiatrico californiano; racconta, attraverso gli occhi di Randle Mc Murphy – uno sfacciato delinquente che si finge matto per sfuggire alla galera – la vita dei pazienti di un ospedale psichiatrico statunitense e il trattamento coercitivo che viene loro riservato. Nel 1971 Dale Wasserman ne realizzò, per Broadway, un adattamento scenico, che costituì la base della sceneggiatura dell’omonimo film di Miloŝ Forman, interpretato da Jack Nicholson ed entrato di diritto nella storia del cinema.

Oggi, la drammaturgia di Wasserman torna il scena, rielaborata dallo scrittore Maurizio de Giovanni che, senza tradirne la forza e la sostanza visionaria, l’ha avvicinato a noi, cronologicamente e geograficamente. Randle Mc Murphy diventa quindi Dario Danise e la sua storia e quella dei suoi compagni si trasferiscono nel 1982, nell’Ospedale Psichiatrico di Aversa. Alessandro Gassmann, con il suo talento registico caratterizzato da un’inconfondibile cifra stilistica elegante e al tempo stesso appassionata, firma una messinscena personalissima ma fedele alle intenzioni dell’originale.

“La malattia, la diversità, la coercizione, la privazione della libertà – spiega Gassmann - sono temi che da sempre mi coinvolgono e che amo portare in scena con i miei spettacoli. Dario (il mio McMurphy) è un ribelle anticonformista che comprende subito la condizione alla quale sono sottoposti i suoi compagni di ospedale, creature vulnerabili, passive e inerti. Da quel momento si renderà paladino di una battaglia nei confronti di un sistema repressivo, ingiusto, dannoso e crudele, affrontando così anche un suo percorso interiore che si concluderà tragicamente ma riscatterà una vita fino ad allora sregolata e inconcludente. Un testo che è una lezione d’impegno civile, uno spietato atto d’accusa contro i metodi di costrizione e imposizione adottati all’interno dei manicomi ma anche, e soprattutto, una straordinaria metafora sul rapporto tra individuo e Potere costituito, sui meccanismi repressivi della società, sul condizionamento dell’uomo da parte di altri uomini. Un grido di denuncia che scuote le coscienze e fa riflettere.”

 

TEATRO SAN BABILA:  "Il MALATO IMMAGINARIO"

Autore: Moliere

Regia:Andrea Buscemi

Attori: ANDREA BUSCEMI NATHALIE CALDONAZZO, LIVIA CASTELLANA MARTINA BENEDETTI NICOLA FANUCCHI

Musiche: Niccolò Buscemi

Date: dal 23 ottobre al 1 novembre

Argante (Andrea Buscemi) , borghese del tempo di Moliere, vive vita appartata e afflitta da numerosi malanni, frutti più che altro di una plateale ipocondria. Ad assisterlo con stizza e rimproveri la serva Tonina (Livia Castellana), consapevole più di chiunque altro della gratuità dei malanni del padrone, che spende cifre considerevoli per farsi curare dall’ambiguo e interessato dottor Purgone.

Desideroso di avere un medico quotidianamente a portata di mano, Argante decide di assegnare in sposa la propria unica figlia Angelica (Martina Benedetti) al dottor Purgone, nonostante la stessa sia innamorata segretamente del giovane Cleante (il quale a sua volta si è finto maestro di canto per frequentare la ragazza).

Mentre l’avvenente moglie di Argante (interpretata da Nathalie Caldonazzo) intesse una tresca con lo stesso Purgone, Tonina e Angelica cercano di scongiurare lo sconsiderato matrimonio che Argante vorrebbe far celebrare in tempi brevissimi.

Pertanto Tonina si fingerà medico, con un abile travestimento: attraverso il quale impartirà ad Argante nozioni di comportamento di vita assai più salutari di quelli prescritti sino ad allora dal laido dottor Purgone. Il quale, a sua volta, vedendosi rifiutare dalla stessa Tonina un enorme clistere che intendeva infliggere al padrone di casa, minaccia di abbandonare il paziente e il progetto matrimoniale.

La disperazione di Argante è grande, ma Tonina gli suggerisce un altro abile stratagemma attraverso il quale potrà vedere la vita e le cose nella giusta dimensione: chiede ad Argante di fingersi morto per constatare la reazione dei propri congiunti. Così Argante si renderà conto all’improvviso della grettezza di sua moglie, del profondo amore filiale di Angelica, e perfino del grande rispetto e affetto di Cleante.

 

TEATRO SAN BABILA "Un coperto in più"

Autore: Maurizio Costanzo

Regia : Gianfelice Imparato

Attori: Maurizio Micheli, Loredana Giordani

dal 9 al 18 ottobre 2015

Un ricco gioielliere vive con sua moglie una vita coniugale apparentemente tranquilla e felice. Un giorno arriva un piccolo imbroglione che tenta di rifilare gioielli falsi. Una commedia di finzioni, imbrogli e… amicizia.

Teatro Carcano: MUMMENSCHANZ – I Musicisti del Silenzio

Interpreti: F. Frassetto, G.Colombo,R.Mattioli, P.Montandon

Direttore tecnico: Dino De Maio

DURATA:2 ore + intervallo

da martedì 6 a domenica 11 ottobre 2015

Immergetevi nella magia del silenzio e delle ombre: corpi che mutano e che cambiano, diventando qualsiasi cosa e assumendo ogni forma. E’ lo spettacolo dell’arte visiva, della mimica e del non-verbale arricchito di nuovi sketches, tanto emozionante quanto divertente, che i leggendari Mummenschanz – che la stampa ha definito Les musiciens du silence – portano sul palcoscenico del Carcano, a due anni dalle trionfali recite di novembre 2013.

Le brillanti idee di Mummenschanz – fondato a Parigi nel 1972 da Andres Bossard, Floriana Frassetto e Bernie Schürch, sono state presentate alle platee di tutto il mondo. Oggi rappresentano molto più di un nome. Diventato ormai una forma d’arte, il loro lavoro ha affascinato diverse generazioni di spettatori di ogni età e cultura che, guidati nel lavoro creativo dei Mummenschanz, diventano testimoni di strane creature senza tempo, dalle forme incredibili e colorate che fanno a gara per incantare gli spettatori.

Le storie raccontate dai Mummenschanz sono soltanto visive. Non ci sono accompagnamenti musicali, né scenografie … Irrompono sul palcoscenico indossando quello che la nostra società ha depauperato di valore, i nostri scarti: sacchetti dilatati, resti di tubo a fisarmonica, teste di bidoni, fili di ferro o serpentine luminescenti, stralci di stoffa, pezzi di cartone, polistirene, gommapiuma ed altro ancora. Tutti materiali, questi, mossi o modellati in modo da generare una fantasmagoria proteiforme centrata sull’umano, che ci trascina in un insolito girotondo gioioso sorprendendoci, divertendoci e meravigliandoci ogni volta.

Teatro visivo, di ombre e di silenzi, di forme cangianti e piene di vita: ma se è vero che “del poeta è il fin la meraviglia”, questa è anche poesia, una poesia che incanta da oltre quarant’anni grandi e piccini.

Le altre tappe della tournée italiana: 10 novembre Livorno (Teatro Goldoni), 12 e 13 novembre Genova (Teatro Politeama Genovese), 14 e 15 novembre Firenze (Teatro Verdi), 27 dicembre Torino (Teatro Colosseo), 8 aprile Senigallia (Teatro La Fenice

ORARI martedì, mercoledì, giovedì ore 20,30 – venerdì ore 19,30 Sabato ore 16,00 e ore 20,30 domenica ore 16,00

TEATRO SAN BABILA: STAGIONE DI PROSA 2015-2016

          

dal 9 al 18 ottobre 2015

MAURIZIO MICHELI VITO

Un coperto in più di Maurizio Costanzo

regia Gianfelice Imparato

Un ricco gioielliere vive con sua moglie una vita coniugale apparentemente tranquilla e felice. Un giorno arriva un piccolo imbroglione che tenta di rifilare gioielli falsi. Una commedia di finzioni, imbrogli e… amicizia.

dal 23 ottobre al 1 novembre 2015

ANDREA BUSCEMI NATHALIE CALDONAZZO

Il malato immaginario di Molière

regia Andrea Buscemi

Le stramberie del vecchio Argante afflitto da infinite patologie sono più lo specchio di un’anima impaurita dal mondo. Succube di medici approfittatori, in un ambiente torvo e disperato, carico di pietatezza ed egoismi.

dal 6 al 15 novembre 2015

PINO STRABIOLI ALICE SPISA

L’abito della sposa di Mario Gelardi

regia Maurizio Panici

L’incontro in una sartoria di due vite tra la passione per gli anni Sessanta e le ritrosie di una ragazza che non sa come comportarsi con gli uomini. E poi un segreto che è possibile svelare…

dal 27 novembre al 6 dicembre 2015

VANESSA GRAVINA FRANCESCO SALVI

Nina di André Roussin

regia Pino Strabioli

Elegante ed essenziale, Nina è da considerarsi un cult della commedia francese d’autore basata sul classico triangolo lui–lei–l’altro, in un meccanismo perfetto e irresistibile.

dall’11 al 20 dicembre 2015

GIANCARLO ZANETTI DANIELA POGGI LUCHINO GIORDANA

Il gioco (The game) di David Foley

regia Enrico Maria Lamanna

Un crescendo di sorprese e colpi di scena che lasciano senza fiato. In quest’ultimo thriller dell’autore americano, nulla è come ci si aspetta e guai a pensare di aver capito in che direzione sta andando la storia.

dal 29 gennaio al 7 febbraio 2016

PAOLA GASSMAN LYDIA BIONDI MIRELLA MAZZERANGHI

La vita non è un film di Doris Day di Mino Bellei

regia Claudio Bellanti

Un’irreverente e curiosa conversazione di tre amiche che improvvisamente si confidano tutto quello che hanno taciuto per anni. Le loro vite filtrate da una ironia feroce.

dal 12 al 21 febbraio 2016

ETTORE BASSI GAIA DE LAURENTIIS ELEONORA IVONE

L’amore migliora la vita

testo e regia Angelo Longoni

Una commedia divertente e scorretta sulle necessità di comprendere sé stessi e le persone che più amiamo.

Un richiamo alla comprensione di quest’assioma tanto ovvio quanto difficile da interiorizzare.

dal 26 febbraio al 6 marzo 2016

BARBARA DE ROSSI

Medea di Jean Anouilh

regia Francesco Branchetti

La natura umana raccontata in modo intimo e atemporale. Un’indagine psicologica di personaggi teatrali dalla potenza tragica strepitosa e una protagonista dalla personalità prismatica.

dall’11 al 20 marzo 2016

CORRADO TEDESCHI

Il volpone di Ben Jonson

regia Cristiano Roccamo

Partendo dalla cultura classica greco-latina e sconfinando nella Commedia dell’Arte per un classico moderno che gioca con equivoci e vizi della società londinese del Seicento.

dall’8 al 17 aprile 2016

COMPAGNIA TEATRO SAN BABILA

Ciò che vide il maggiordomo di Joe Orton

regia Marco Vaccari

In uno studio psichiatrico una folle corsa fatta di diagnosi affrettate, tentativi di seduzione, travestimenti e scomparse improvvise è l’apologia del caos per il dissacrante autore inglese.

TEATRO SAN BABILA:    “ LADRO di RAZZA” 

Autore: Gianni Clementi

Regia: Marco Mattolini

Attori: Massimo Dapporto, Susanna Marcomeni, Blas Roca Rey

Date: dal 20 al 29 marzo

Roma 1943. Un modesto ladro e truffatore, Tito, abituato a inventarsi la vita, esce dal carcere, dopo aver scontato l’ennesima pena. Non può tornare a casa dei suoi, perché sulle sue tracce c’è un usuraio, noto per la sua crudeltà. Decide quindi di rifugiarsi nella catapecchia di Oreste, suo amico d’infanzia, che lavora come operaio nelle fornaci di Valle Aurelia. Tito deve assolutamente trovare al più presto dei soldi, per placare l’ira del “cravattaro”. Conosce casualmente una ricca zitella ebrea, Rachele, che vive da sola in un appartamento lussuoso del ghetto. Sarà lei la sua vittima. Tito la corteggia e, dopo un’estenuante resistenza della donna, riesce finalmente ad entrare nelle sue grazie. Ormai è di casa e pronto per il furto, in cui coinvolge anche l’amico fornaciaro.  E’ l’alba del 16 ottobre 1943, il momento del rastrellamento degli ebrei nel ghetto di Roma da parte dei nazisti. In questa storia, mai il detto “Al posto sbagliato nel momento sbagliato” fu più puntuale. Ma il piccolo uomo Tito, opportunista e vigliacco, catapultato di colpo in un episodio storico dirompente, scoprirà in sé un inaspettato coraggio che gli consentirà un grande riscatto. “Ladro di razza” si ispira alla grande tradizione del cinema neorealista, indagando in chiave di tragicommedia un momento della nostra Storia.  Momenti di trascinante comicità si alternano a parentesi di riflessione e commozione, regalando allo spettatore 3 personaggi da ricordare.  Tito, Oreste e Rachele, infatti, protagonisti di questa piccola, minuscola e, per certi versi, ridicola storia diventano il tramite per raccontare un’Italia in guerra, una Roma allo stremo, ma ancora capace di sussulti d’orgoglio. Ladro di razza è una storia di ingenuità e fame, di illusioni e inganni, di risate e lacrime,  quando le parole onore, compassione e orgoglio avevano ancora un significato.

Teatro Manzoni: “ Signori…le paté de la maison ! “

Regia: Maurizio Micheli

Attori: Sabrina Ferilli, Maurizio Micheli, Pino Quartullo

Date: dal 12 al 29 marzo 

Una cena in famiglia con il marito, l'amico del cuore e i cognati nel calore delle mura domestiche, il profumo del cibo che con amorosa pazienza la padrona di casa prepara fin dal primo mattino aiutata  dalla  madre  esperta  e pignola,  l'annuncio di un imminente  lieto  evento  e  il  nome  da scegliere per il nascituro, la voglia e il piacere di stare insieme, di dirsi tante cose non dette e forse tenute dentro per anni, cosa c'è di più bello? Il migliore dei ristoranti non potrebbe mai regalare la stessa atmosfera, ma si sa, nella famiglia si nasconde tutto il bene e tutto il male possibile come del resto nella società degli uomini. Le sorprese non mancano e uno scherzo innocente e goliardico può rivelare realtà inaspettate ed imbarazzanti e allora anche la più gustosa delle pietanze come il paté che dà il nome al titolo può cambiare sapore e diventare un vero pasticcio, anzi un "pasticciaccio", la padrona di casa pentirsi di aver passato tante ore ai fornelli e magari dare sfogo a rabbie e frustrazioni per troppi anni represse, ma ormai tutto è pronto, ci si può, anzi ci si deve mettere a tavola. Una commedia brillante, a tratti grottesca dai risvolti amari che porta i protagonisti alla consapevolezza che, finita la cena, niente sarà più come prima. Insomma un "gruppo di famiglia in un interno", anzi l'interno di un gruppo di famiglia. Signore e signori...lo spettacolo è servito!

TEATRO SAN BABILA: “Alla stessa ora il prossimo anno” 

Autore: Bernard Slade

Regia: Giovanni De Feudis

Attori: Gaia De Laurentis, Marco Columbro

Date: dal 12 al 15 marzo 

George è fuori casa per lavoro. Doris è fuori casa per un ritiro spirituale. Sono al ristorante, lui la nota e le manda una bistecca. Si, certo, alle signore si mandano fiori ma quel ristorante è rinomato per le bistecche non per i fiori. Comunque i due finiscono in quella camera di motel californiano come per caso. Entrambi sposati con figli, entrambi benpensanti. La mattina dopo si ritrovano oppressi da un devastante senso di colpa. Tanto devastante che decidono di rivedersi. Il prossimo anno, lo stesso giorno, la stessa ora, stesso motel, stessa camera. E poi l’anno dopo, e poi l’anno dopo ancora. Anno dopo anno. Si sa come sono gli amanti, specie se si amano, ritengono se stessi e il loro amore il centro dell’universo. Là fuori scorre la storia, là fuori fanno la guerra, là fuori crollano idoli e ne sorgono di nuovi, là fuori muore la gente, ma là fuori... Qua dentro ci siamo solo noi due. I nostri figli erano bambini, ora sono donne e uomini. Mia moglie invecchia, mio marito invecchia, e noi non invecchiamo? Noi no, invecchiare è una cosa che capita agli altri, a quelli che stanno al di là della porta del motel. Chiudi la porta e il tempo smette di passare. Gli dice Lei: “ci conosciamo da così tanto tempo che comincia a sembrarmi un incesto”. Le risponde Lui: “Tanto tempo? A un giorno l’anno ci conosciamo da una ventina di giorni, abbiamo si e no rotto il ghiaccio”. Come finirà? Non finirà... Andrà avanti...

Alla stessa ora il prossimo anno, commedia di Bernard Slade, è stata prodotta per la prima volta nel 1975 ed è stata rappresentata per ben quattro anni consecutivi a Broadway. E’ forse la più famosa ed amata commedia romantica del ventesimo secolo, ed è stata considerata la migliore fra tutte quelle a due personaggi, che hanno inondato le scene di Broadway. E’ diventata un film di successo e resta una delle commedie più prodotte nella storia dello spettacolo.

TEATRO SAN BABILA:   “OSPITI”

Regia: Angelo Longoni

Attori: Cesare Bocci,  Marco Bonini, Eleonora Ivone

Date: dal 20 febbraio al 1 marzo

E’ la storia di Leo, un uomo che deve fare i conti con la propria vita sbagliata, con i propri affetti finiti e con la comica misantropia che lo accompagna. Per qualche giorno, l’idea di un nuovo amore e un divertente caso di scambio di persona, gli permette di immaginare un’esistenza più interessante, più viva e affascinante……la storia di Sara, una donna che ha fatto del disincanto e della consapevolezza una buffa arma per difendersi dai sentimenti incontrollabili e dalle persone che la vogliono amare in modo possessivo……la storia di Franco un uomo che sa amare solo in modo eccessivo, totale, irrazionale. Un essere fragile e comico ma, al contempo, pericoloso, uno che non sa distinguere la passione dalla molestia.Una commedia divertente, cinica ma anche romantica. I tre protagonisti vivono l’amore come la più impegnativa delle loro attività, sia che lo inseguano, sia che lo fuggano, sia che lo sminuiscano.Alla base dei loro comportamenti c’è la convinzione che, quando si è innamorati, ognuno dia contemporaneamente il meglio e il peggio di sé. 

Ospiti è una commedia divertente, cinica ma anche romantica. I tre protagonisti vivono l’amore come la più impegnativa delle loro attività, sia che lo inseguano, sia che lo fuggano, sia che lo sminuiscano. Alla base dei loro comportamenti c’è la convinzione che, quando si è innamorati, ognuno dia contemporaneamente il meglio e il peggio di sé.

C’è sempre qualcosa di decisamente comico nell’amore, soprattutto dal punto di vista di chi lo osserva dall’esterno. Lo spettatore, riconoscendo come proprie alcune caratteristiche dei personaggi, comprende che anche i suoi comportamenti possono essere buffi o ridicoli.

L’amore ci rende tutti vulnerabili, nudi, teneri, ciechi, oppure eccessivamente guardinghi, sospettosi, aggressivi… insomma, l’amore aumentando i pregi e i difetti delle persone, mescolando i caratteri e generando conflitti ci rende per forza di cose anche comici.

“Ospiti” però si focalizza anche su un fenomeno purtroppo sempre più diffuso in questo periodo: la violenza che subiscono le donne da parte dei loro ex “innamorati”. In questa commedia c’è la volontà di denigrare la psicologia di questi “carnefici” mettendola alla berlina. L’uomo violento infatti è impulsivo, infantile, fragile, è incapace di sopportare privazioni, dolori e frustrazioni e, proprio per questo, è anche molto ridicolo.

Le persone adulte si distinguono dai bambini perché rispondono ai rifiuti e alle delusioni metabolizzando il proprio vissuto attraverso il superamento del dolore.

Il violento è come un bambino: picchia e poi si prostra per chiedere perdono. Giura che non lo farà più, promette di cambiare, di non essere più cattivo, poi ci ricasca. E’ ambivalente e inaffidabile. Confonde il desiderio sessuale col diritto di essere corrisposto. Non sa tenere a freno la propria sessualità e la impone. Non ha alcuna stima della sua donna ma le giura amore eterno. Insomma, se non fossimo di fronte a un delinquente vero e proprio, scambieremmo il suo identikit con quello di un attore talentuoso in grado di recitare una parte e il suo contrario nel giro di pochi secondi, un istrione manipolatore.  Quella dell’uomo violento è la tragedia di un personaggio ridicolo, la virilità ostentata che schiaccia la femminilità è una storia di debolezze penose, è la storia di un bambino che nel mezzo di un capriccio spezza il giocattolo più amato.

TEATRO MANZONI: “CERCANDO SEGNALI D’AMORE NELL’UNIVERSO”

Attori: Luca Barbareschi, Marco Zurzolo

Regia:  Chiara Noschese

Date:  dal 19 febbraio all’8 marzo

 

Quarant’anni di carriera artistica sono un traguardo eccezionale e Luca Barbareschi sceglie di festeggiarli nel suo luogo dell’anima, il teatro, con un “one man show” ironico, intimo, pervaso di energia e musica dal vivo. Una testimonianza personale per raccontare con il coraggio di sognare il percorso artistico e umano che ha contraddistinto il suo cammino professionale. Affida il suo itinerario sentimentale ai grandi autori che ha amato e frequentato, prende per mano gli spettatori per accompagnarli lungo un viaggio a tappe, stracolmo di visioni e significati, attingendo dai testi di Shakespeare, Mamet, Tomasi di Lampedusa, Eschilo e dalle note di Mozart, James Taylor, Chico Buarque, al ritmo del respiro ineguagliabile del momento teatrale ed esistenziale. La sua autobiografia è il trampolino per scandagliare suggestioni e slanci che con levità toccano temi confidenziali e profondi.  Questo spettacolo è dedicato a chi sa guardare oltre le apparenze e negli occhi sconfinati dei cieli notturni, a chi conosce le storie antiche e sa che le attese sono lunghe, a chi  ha  voglia  di  festeggiare  e  cimentarsi  nello  strano  gioco della vita dove tutti prima o poi ci troviamo a recitare. Lo show è coadiuvato dalla band di Marco Zurzolo, musicista e compagno di tante avventure artistiche.

 “Cercando segnali d’amore nell’universo” è il viaggio emotivo di un uomo che ripercorre la sua vita, i ricordi iniziali risalgono al periodo antecedente la sua nascita, quando poco più di un fagiolino, nella pancia di sua madre, intraprende un viaggio “clandestino” a bordo di una nave da crociera e già lì avviene il primo “singolare” avvicinamento al teatro.Poi arrivano gli anni spensierati della fanciullezza trascorsi con il padre, severo e determinato ma che sa insegnargli tanto e che non manca di dimostrargli tanto amore.  L’adolescenza è segnata dalla separazione dei genitori e da un episodio che segnerà tutto il resto della sua vita. Trascorrono gli anni, arriva l'età adulta, la professione artistica e il successo e, dopo 40 anni di tanto lavoro ed esperienze, anche la maturità.

I momenti di divertimento si alternano ad intensi e commoventi racconti, nel ripercorrere le tappe della vita, ad ogni snodo importante, e' sempre il teatro la soluzione, la chiave di volta. Nel mettere insieme vita e palcoscenico, la storia viene narrata anche attraverso le parole dei più grandi autori del teatro, di coloro che hanno segnato la storia della cultura europea e mondiale. E’ in loro compagnia che, Luca, percorre la sua strada, le loro parole e la loro arte diventano un insegnamento di vita, danno significato e voce ai momenti più toccanti del suo percorso, con Enrico V, Riccardo III, il Principe di Salina, David Mamet, Evtushenko, William Shakespeare, James Taylor, Bill Evans, e molti altri tra personaggi e autori…la vita diventa palcoscenico teatrale.

TEATRO SAN BABILA:  “OSPITI” 

Regia: Angelo Longoni

Attori: Cesare Bocci, Marco Bonini, Eleonora Ivone

Date: dal 20 febbraio al 1 marzo 

E’ la storia di Leo, un uomo che deve fare i conti con la propria vita sbagliata, con i propri affetti finiti e con la comica misantropia che lo accompagna. Per qualche giorno, l’idea di un nuovo amore e un divertente caso di scambio di persona, gli permette di immaginare un’esistenza più interessante, più viva e affascinante…

…la storia di Sara, una donna che ha fatto del disincanto e della consapevolezza una buffa arma per difendersi dai sentimenti incontrollabili e dalle persone che la vogliono amare in modo possessivo…

…la storia di Franco un uomo che sa amare solo in modo eccessivo, totale, irrazionale. Un essere fragile e comico ma, al contempo, pericoloso, uno che non sa distinguere la passione dalla molestia.

Una commedia divertente, cinica ma anche romantica. I tre protagonisti vivono l’amore come la più impegnativa delle loro attività, sia che lo inseguano, sia che lo fuggano, sia che lo sminuiscano.

Alla base dei loro comportamenti c’è la convinzione che, quando si è innamorati, ognuno dia contemporaneamente il meglio e il peggio di sé. 

Ospiti è una commedia divertente, cinica ma anche romantica. I tre protagonisti vivono l’amore come la più impegnativa delle loro attività, sia che lo inseguano, sia che lo fuggano, sia che lo sminuiscano. Alla base dei loro comportamenti c’è la convinzione che, quando si è innamorati, ognuno dia contemporaneamente il meglio e il peggio di sé.

C’è sempre qualcosa di decisamente comico nell’amore, soprattutto dal punto di vista di chi lo osserva dall’esterno. Lo spettatore, riconoscendo come proprie alcune caratteristiche dei personaggi, comprende che anche i suoi comportamenti possono essere buffi o ridicoli.

L’amore ci rende tutti vulnerabili, nudi, teneri, ciechi, oppure eccessivamente guardinghi, sospettosi, aggressivi… insomma, l’amore aumentando i pregi e i difetti delle persone, mescolando i caratteri e generando conflitti ci rende per forza di cose anche comici.

“Ospiti” però si focalizza anche su un fenomeno purtroppo sempre più diffuso in questo periodo: la violenza che subiscono le donne da parte dei loro ex “innamorati”. In questa commedia c’è la volontà di denigrare la psicologia di questi “carnefici” mettendola alla berlina. L’uomo violento infatti è impulsivo, infantile, fragile, è incapace di sopportare privazioni, dolori e frustrazioni e, proprio per questo, è anche molto ridicolo.

Le persone adulte si distinguono dai bambini perché rispondono ai rifiuti e alle delusioni metabolizzando il proprio vissuto attraverso il superamento del dolore.

Il violento è come un bambino: picchia e poi si prostra per chiedere perdono. Giura che non lo farà più, promette di cambiare, di non essere più cattivo, poi ci ricasca. E’ ambivalente e inaffidabile. Confonde il desiderio sessuale col diritto di essere corrisposto. Non sa tenere a freno la propria sessualità e la impone. Non ha alcuna stima della sua donna ma le giura amore eterno. Insomma, se non fossimo di fronte a un delinquente vero e proprio, scambieremmo il suo identikit con quello di un attore talentuoso in grado di recitare una parte e il suo contrario nel giro di pochi secondi, un istrione manipolatore.  Quella dell’uomo violento è la tragedia di un personaggio ridicolo, la virilità ostentata che schiaccia la femminilità è una storia di debolezze penose, è la storia di un bambino che nel mezzo di un capriccio spezza il giocattolo più amato.

TEATRO MANZONI:  “ LEI E’ RICCA, LA SPOSO … E l’AMMAZZO!”

Autore: Mario Scaletta

Regia: Patrick Rossi Gastaldi

Attori: Gianfranco Jannuzzo, Debora Caprioglio, A, Piccolo, Coltraro, C. Bazzano, A. Fulfaro

Date: dal 22 gennaio al 8 febbraio

Una divertente commedia di matrice cinematografica, “Lei è ricca, la sposo…e l’ammazzo!”, liberamente ispirata al celebre film del 1971 di Elaine May con Walter Matthau, e al racconto di Jack Richtie.

Un ricco scapolo impenitente  ha scialacquato  tutti i soldi lasciatigli in eredità dal padre. Arrivato alla bancarotta è costretto a farsi prestare del denaro da un mafioso a condizioni decisamente svantaggiose, per riuscire a far innamorare di sé una donna  che sia però ricca e sola. Piuttosto che passare il resto della  vita in miseria Henry è disposto a rinunciare alla sua vita da scapolo, ma solo temporaneamente! Il suo piano è quello di  sposarla, ucciderla, ereditare e ricominciare a godersi la vita come aveva fatto fino a quel momento. Nasce così una anomale e divertente storia d’amore tra l’ex milionario spiantato e una ricca, ma goffa ereditiera appassionata di insetti. Da uccidere o da amare…

Un’inedita coppia di interpreti, Gianfranco Jannuzzo e Debora Caprioglio, diretti da Patrick Rossi Gastaldi, in una commedia evergreen che regala al pubblico novanta minuti all’insegna del buonumore.

TEATRO SAN BABILA :   “REGINA MADRE” 

Autore: Manlio Santanelli

Regia: Antonello Avallone

Attori: Milena Vukotic, Antonello Avallone

Date: dal 6 al 15 febbraio. 

Milena Vukotic sarà protagonista della commedia REGINA MADRE di Manlio Santanelli con Antonello Avallone, anche regista dello spettacolo. Scene e costumi sono di Red Bodò. Commedia a due personaggi ambientata ai nostri giorni, “Regina Madre” prende le mosse da un classico ‘ritorno a casa'. Alfredo, grigio cinquantenne segnato dal duplice fallimento di un matrimonio naufragato, che ancora lo coinvolge, e di un’attività giornalistica nella quale non è riuscito ad emergere, un giorno si presenta a casa della madre dichiarandosi deciso a rimanervi per poterla assistere nella malattia. In realtà egli nutre il segreto intento di realizzare uno scoop da cronista senza scrupoli: raccontare gli ultimi mesi e la morte della vecchia signora. Ma la vecchia signora, di nome Regina, seppure affetta da ogni specie di infermità, appartiene alla categoria delle matriarche indistruttibili. Tra i due personaggi in scena si instaura così un teso duello, condotto mediante uno scambio ininterrotto di ricatti e ritorsioni, di menzogne e affabulazioni. Fa da cornice alla vicenda un interno dall’aria domestica e rassicurante, che però, nell’offrire un perimetro ben preciso ai fantasmi mentali dei protagonisti, finisce per assumere i toni e le suggestioni di un realismo allucinato. In questo microcosmo dai confini continuamente invocati e negati, madre e figlio si inseguono, si cercano e si respingono saccheggiando presente, passato e futuro, in una incalzante altalena di emozioni che hanno nel grottesco la tonalità dominante. A soccombere, alla fine, sarà il figlio. Ma, come sempre accade nelle coppie legate per la vita e per la morte, anche qui non sarà possibile, e neanche legittimo, distinguere il vincitore dal vinto. Rappresentata in tutta Europa e ancora in scena in molte nazioni, Regina Madre vanta, tra le sue prime recensioni, quella di Eugène Ionesco. Dalla recensione de Il Messaggero in occasione delle repliche a Roma lo scorso ottobre: “Andate a vederla, la signora Vukotic, protagonista insieme ad Antonello Avallone (anche regista) di un testo assai ben costruito… Lo spettacolo è una lotta corpo a corpo che la coppia (madre-figlio) ingaggia senza esclusione di colpi, sorretta dal fuoco di fila di battute sempre sensate, spesso ironiche, non di rado pronube di sincera comicità. Grande prova per gli attori che danno prova di realismo interpretativo”.

TEATRO CARCANO: " IL BERRETTO A SONAGLI"

Autore: Luigi Pirandello

Regia: Luigi De Filippo

Versione di Eduardo De Filippo

Date: dal 28 gennaio al 8 febbraio 

Attori: Stefania Ventura, Stefania Aluzzi, Francesca Ciardiello, Giorgio Pinto, Vincenzo De Luca, Claudia Balsamo, Marisa Carluccio

In quel tragico e irrisolvibile gioco delle parti che è il teatro di Luigi Pirandello, un ruolo di primissimo piano tocca a Ciampa, protagonista del BERRETTO A SONAGLI che Eduardo De Filippo, con l’intelligente ardire che animava ogni sua impresa, tradusse nel 1936 in lingua napoletana, avendo cura di mantenere quelle caratteristiche di comprensibilità indispensabili per il godimento dello spettacolo in ogni parte di Italia.

Sia Eduardo (insieme alla sorella Titina) che Peppino affrontarono la commedia di Pirandello nel ruolo di Ciampa, disegnandolo in modo profondamente diverso: tanto quello di Eduardo era sommesso, ricco di pause, sottintesi, sguardi e gesti, quanto quello di Peppino risultava passionale, incalzante, irruente.

Luigi De Filippo si appropria del ruolo cercando e trovando, da grande maestro, una sintesi delle due letture ed esaltando la profonda e affascinante ambiguità del personaggio. Il pubblico che conosce ed ama la sua maschera comica si entusiasmerà scoprendo la sua inconsueta vena drammatica, i suoi toni più tormentati e riflessivi. Beatrice, donna gelosissima, sospetta che il marito sia l’amante della bella moglie di Ciampa, commesso del loro negozio. La donna fa denuncia al commissariato. Il marito viene effettivamente trovato in compagnia della donna, ma il verbale non lo definisce delitto flagrante e il delegato è pronto a rilasciare i due. Ma per Ciampa la giustificazione legale non basta. Davanti a tutto il paese passa per essere un cornuto. Le alternative che gli si presentano sono solo due: ammazzare la coppia colpevole oppure chiedere a Beatrice di dichiararsi pazza. La pazzia della donna infatti aggiusterebbe tutto, poiché secondo Ciampa “è facile simulare la pazzia, basta gridare in faccia a tutti la verità”. E Beatrice, costretta anche dai propri parenti, si fa passare per pazza, convincendo tutti dell’innocenza di Ciampa e di sua moglie.

TEATRO SAN BABILA:  "VARIAZIONI ENIGMATICHE" 

Autore: Eric-Emmanuel Schmitt

Regia:   Gabriela Eleonori

Attori: Gian Paolo Valentini

Date: dal 21 al 30 novembre 2014

 

Saverio Marconi torna in scena come attore e sceglie Schmitt e le sue “Variazioni enigmatiche”, già straordinario successo di pubblico e di critica in Europa (in Francia lo spettacolo è stato interpretato da Alain Delon, in Inghilterra da Donald Sutherland). “Ho avuto la grande fortuna di collaborare con Schmitt per l’edizione francese del musical ”Nine” che ho diretto alle Folies Bergère - dice Marconi - e con Gabriela Eleonori l’abbiamo incontrato anche qualche mese fa per confrontarci sulla regia dello spettacolo. Oggi che ho l’età giusta per affrontare un personaggio come Abel Znorko, non ho avuto dubbi che “Variazioni Enigmatiche” fosse il testo più giusto per tornare sul palcoscenico come interprete.” Il titolo dell’opera fa riferimento a Enigma Variations, composizione del musicista inglese Edward Elgar, quattordici variazioni su una melodia che sembra impossibile da riconoscere, così come Schmitt sembra concepire il rapporto tra gli esseri umani come qualcosa che possiamo solo intuire. “Unire prosa e musica - prosegue Marconi - permette di aggiungere al significato delle parole un messaggio ancora più ampio e universale.” Un testo mai prevedibile, che alterna sentimenti con drammatici colpi di scena, in cui l’ironia più tagliente si trasforma in commozione, la tenerezza in folle crudeltà. È la storia del confronto disperato fra due uomini, Abel Znorko - misantropo, Nobel per la letteratura che si è ritirato a vivere da eremita in un’isola sperduta del mare della Norvegia, vicino al Polo Nord (ma conserva un intenso rapporto epistolare con la donna amata) - e Erik Larsen (interpretato da Gian Paolo Valentini), sconosciuto giornalista cui lo scrittore concede un’intervista. L’incontro, tra ferocia e compassione, si trasforma in una sconvolgente scoperta di verità taciute e dell'illusione in cui i due si sono calati.

TEATRO MANZONI:  “PENSO CHE UN SOGNO COSÌ...”

Autori:  Giuseppe Fiorello e Vittorio Moroni

Regia: Giampiero Solari

Musiche: Daniele Bonaviri e Fabrizio Palma

Date: dal 13 al 30 novembre 2014

Modugno per me non è stato solo una storia da raccontare o un personaggio da interpretare, ma la possibilità di ritrovare un tempo lontano rimasto sempre dentro di me.

In questo spettacolo salgo a bordo del deltaplano delle canzoni di Domenico Modugno e sorvolo la mia infanzia, la Sicilia e l’Italia di quegli anni, le facce, le persone, vicende buffe, altre dolorose, altre nostalgiche e altre ancora che potranno sembrare incredibili.

Attraverso questo viaggio invito i protagonisti della mia vita ad uscire dalla memoria e accompagnarmi sul palco, per partecipare insieme ad un avventuroso gioco di specchi.                                                                    Giuseppe Fiorello

TEATRO CARCANO :  “Aspettando Godot” 

Autore: Samuel Beckett

Regia: Maurizio Scaparro

Attori: A. Salinas, L.Virgilio, E. Siravo, E. Bonavera, M. Degirolamo

Date: dal 12 al 23 novembre 2014 

La nuova produzione 2014/15 del Teatro Carcano di Milano, ASPETTANDO GODOT di Samuel Beckett, ha per protagonista un formidabile quartetto di attori di grande valore e temperamento formato da Antonio Salines (Estragone), Luciano Virgilio (Vladimiro), Edoardo Siravo (Pozzo), Enrico Bonavera (Lucky). Accanto a loro Michele Degirolamo nel ruolo del Ragazzo.

La regia è affidata a Maurizio Scaparro, uno dei maestri della scena italiana e internazionale, alla sua seconda collaborazione con il Teatro Carcano dopo l’eccezionale exploit della Coscienza di Zeno della stagione 2012/13 e alla sua prima messinscena beckettiana.

Lo spettacolo debutterà in sede il prossimo 12 novembre e affronterà da gennaio a marzo 2015 una tournée che lo porterà a Trento, Mirandola, Monza, Scandiano, Vignola, Catania. 

Scritto da Samuel Beckett tra la fine del 1948 e l’inizio del ’49, En attendant Godot, nelle parole di Jean Anouilh “un capolavoro che provocherà disperazione negli uomini in generale e in quelli di teatro in particolare”, fu considerato da molti una provocazione, un trucco, prima di essere universalmente accettato come opera d’eccezione. I due vagabondi protagonisti dell’opera, Vladimiro/Didi e Estragone/Gogo, sono diventati l’emblema della condizione dell’uomo del Novecento, essere in eterna attesa, vagante verso la morte, punto minuscolo nella vastità di un cosmo ostile, segnato fin dalla nascita (“partoriscono a cavallo di una tomba, il giorno splende un istante, ed è subito notte”, dice Pozzo). 

Sento il peso, la responsabilità e l'emozione di mettere in scena per la prima volta un testo di Samuel Beckett e in particolare “Aspettando Godot” – afferma Scaparro.

Rileggo questo testo oggi e mi colpisce profondamente per le sue radici collegate alla millenaria e senza confini Cultura Europea, che noi stiamo colpevolmente dimenticando. Quelle creature deboli e immortali come Estragone e Vladimiro (e come Pozzo e  Lucky), che vivono in una terra desolata  aspettando Godot, che non arriverà mai, vivono in un lontano e vicino (a loro e a noi) '900 nel ricordo romantico di una Tour Eiffel che resiste come immagine e nell’aridità di un presente che esclude  loro e quelli che vorrebbero cantare, ballare parlare, vivere … Vorrei poter idealmente dedicare questa nostra fatica all'Europa della Cultura, la grande dimenticata  dell'Europa che viviamo; ma anche a quelle parole che Beckett sussurra quasi per caso, come “teatro”, “varietà”, “circo”. 

TEATRO SAN BABILA:  “CASINA” 

Autore: Marina Thovez

Regia: Marina Thovez, Mario Zucca

Date: dal 24 ottobre al 2 novembre

 

La celebre commedia di Plauto riscritta per due attori che si alternano a coprire tutti i ruoli: sette personaggi protagonisti, più le comparse! Storie di infedeltà coniugale, rivalità tra servi, tra genitori e figli. È il trionfo del difetto umano. Se chiedessimo a chiunque perché Plauto abbia ritratto le debolezze dell'uomo con tanta ricchezza, con così spietata fantasia, sicuramente ci sentiremmo rispondere: "perché era un grande poeta". Giusto. Ma se lo chiedessimo a Plauto stesso, probabilmente risponderebbe: "perché fa ridere!". Riscrivere un classico è forse un azzardo, recitare soltanto in due una commedia basata sull'intreccio lo è sicuramente. Ma sono le leggi dello spettacolo. Bisogna stupire! E cosi i due attori, rimasti soli per un artifizio che si svelerà, entrano ed escono dai personaggi sotto gli occhi del pubblico, trasformati in pochi secondi, sudano, si strappano i vestiti e la parte, pedine di un gioco più grande di loro: il teatro nel teatro, un congegno che a Plauto, maestro nel far apparire un personaggio quando meno te lo aspetti, sarebbe piaciuto molto. Gli attori sono gli ultimi due personaggi plautini post litteram, pieni di difetti, egocentrici e bugiardi, malati, malati per la risata, ma in fondo eroi, animati dalla stessa voglia di far teatro che portò Plauto ragazzino a cercare fortuna a Roma. Casina è una trovatella che è stata adottata dalla ricca coppia di Sciolgotutto e Strepitosa, ed è perciò una figlioccia ma anche una schiava, poiché di natali oscuri. I due hanno già un figlio che è innamorato proprio di Casina e vorrebbe sposarla, ma le leggi non consentono un matrimonio tra un uomo libero e una schiava. La fanciulla è talmente bella che anche il vecchio patrigno Sciolgotutto perde la testa per lei. Strepitosa, la moglie, capita l'antifona, per sottrarre la ragazza alle brame del marito combina il matrimonio di Casina col giovane scudiero Palino. Sciolgotutto la promette al fattore Olimpione, col patto che si dividano a turno la preda. Dopo vari litigi tra marito e moglie e tra i due servitori, si decide di affidare al Fato la scelta, tramite un sorteggio. Vince Olimpione, e mentre Sciolgotutto si prepara alla sua notte d'amore, le donne di casa architettano una grande beffa che manderà in bianco i due vegliardi.

TEATRO MENOTTI:  “MENTRE RUBAVO LA VITA” 

Con Monica Guerrirtore e Giovanni Nuti

Date: dal 24 ottobre al 2 novembre 

Lo spettacolo musicale “… Mentre rubavo la vita…!” di MONICA GUERRITORE e GIOVANNI NUTI andrà in scena al Teatro Menotti di Milano dal 24 ottobre al 2 novembre, dopo il successo al Teatro Vittoria di Roma.

L’attrice Monica Guerritore, nell’inedita veste di cantante, e il cantautore e musicista Giovanni Nuti rappresenteranno sul palco tra musica e teatro la passione incandescente della poetessa Alda Merini con la quale Giovanni Nuti ha collaborato per sedici anni.

È online il video di “Quelle come me”, l’emozionante canzone, scritta dallo stesso Giovanni Nuti per il duetto con Monica Guerritore, che chiude lo spettacolo http://youtu.be/opvBp59vOpo 

MONICA GUERRITORE e GIOVANNI NUTI sono accompagnati nel tour da una band di sei elementi composta da Stefano Cisotto, (direzione musicale e tastiere), Massimo Ciaccio (basso), Daniele Ferretti (pianoforte), Massimo Germini (chitarra), Sergio Pescara (batteria) e Simone Rossetti Bazzaro (violino) per uno spettacolo emozionante e coinvolgente.  

“… Mentre rubavo la vita…!” è uno spettacolo composto da venti canzoni con testi di Alda Merini musicati da Giovanni Nuti. La parte musicale è arricchita dalla drammaturgia di Monica Guerritore e dalle proiezioni video di Lucilla Mininno e Mimma Nocelli, che cura anche la regia. Nato da un’idea di Rossella Martini, è prodotto da Sagapò Music e TieffeTeatro.

TEATRO MANZONI:         "TRES"

Autore: Juan Carlos Rubio

Attori: AnnaGaliena, Marina Massironi, Amanda Sandrelli, Sergio Muniz

 

Regia: Chiara Noschese

Date: dal 23 ottobre al 9 novembre 

 

Tre amiche inseparabili al liceo si ritrovano dopo più di vent'anni, hanno avuto tre vite diverse, con esperienze diverse.

Marisa (Anna Galiena) è un’affermata conduttrice televisiva. Carlotta (Marina Massironi) ha divorziato da un marito che la tradiva, ha perso molti chili dal liceo e vive sola con il suo gatto. Angela (Amanda Sandrelli) ha da poco perso il marito e fatica a sbarcare il lunario.

Tre donne con un passato completamente diverso che però hanno una cosa in comune, non sono più giovanissime e nessuna di loro ha mai avuto un bambino.

Dopo una notte folle tra risse, recriminazioni, risate e alcool giungono ad una conclusione: rimanere incinta insieme e dello stesso uomo. Reclutano così un "prescelto" che, nel loro ricordo, rappresenta e corrisponde all'uomo ideale. Farà quindi ingresso nella vicenda anche un uomo, Adalberto (Sergio Muniz), che però nasconde un segreto...

La storia si svilupperà con un finale a sorpresa, paradossale, toccando con levità argomenti come la solitudine, l'infedeltà, la prostituzione, la maternità.

"Tres" è una macchina comica, un intreccio di situazioni esilaranti e irriverenti, nata dalla prolifica penna di Juan Carlos Rubio, che in Spagna ne ha curato anche la regia.            

                                                                                         Chiara Noschese

TEATRO SAN BABILA: " LA VEDOVA SCALTRA"

Autore: Carlo Goldoni

Regia: Emanuele Barresi

Attori: Debora Caprioglio, Daniela Morozzi

Date: dal 10 al 19 ottobre 

...e la storia continua. Dopo l'ultimo spettacolo della scorsa Stagione "La donna di garbo", ecco come primo appuntamento della nuova Stagione la seconda parte delle avventure di Rosaura, la ragazza enciclopedica inventata da Carlo Goldoni. Essendo vedova ormai da due anni, del vecchio dottor Arturo, che l'aveva sposata in punto di morte per renderla propria erede, la nostra eroina, adesso padrona nella casa in cui era entrata come domestica, dovrà scegliere il futuro nuovo marito, tra quattro illustri e strani pretendenti. La vedova in questione è Rosaura una donna ancora giovane ed avvenente che, avendo perso da due anni l'anziano marito, diviene l'oggetto del desiderio di quattro baldi nobiluomini; uno di questi è Italiano, uno Francese, uno Inglese ed uno Spagnolo. I quattro si mostrano, a turno, a Rosaura, in quella che ritengono essere la loro veste migliore. In realtà, pensando di sfoggiare le loro qualità, non fanno altro che mostrare i limiti di quello che è, nella convinzione popolare, il tratto distintivo del popolo di appartenenza. L'Italiano si mostrerà troppo geloso e possessivo, il Francese troppo presuntuoso e frivolo, l'Inglese poco passionale e troppo pragmatico ed infine lo Spagnolo, apparirà vanaglorioso e dai modi troppo gravi.
Rosaura sceglierà tra questi il proprio futuro marito, aiutata nel proprio disegno da Marionette, una domestica che è l'altro grande personaggio femminile della commedia, una donna argutissima, ma particolarmente pigra, cosa, quest'ultima, poco commendevole per chi ha il compito di servire. Provenendo da Parigi, la domestica tenterà di convincere Rosaura a sposare il pretendente Francese. La giovane vedova però, non le darà retta e si servirà di uno spassoso stratagemma, per capire quale dei quattro gentiluomini sia il più degno di ottenere i suoi favori.
È la seconda commedia di carattere scritta da Carlo Goldoni, dopo La donna di garbo, ed è anche la seconda commedia della riforma goldoniana, essendo stata scritta in modo da non lasciare spazio ai "soggetti" ed alle "improvvisazioni" dei capocomici.
La vedova scaltra ebbe fin dal suo esordio un enorme successo, tanto che rimase ininterrottamente sulle scene per quindici anni.

TEATRO CARCANO:  “TRAPPOLA MORTALE”

Autore: Ira Levin

Regia:   Ennio Coltorti

Attori: Corrado Tedeschi, Ettore Bassi, Miriam Mesturino

Date:    dal 3 al 12 ottobre 2014 

Classico del giallo teatrale, perfetto gioco a incastro tra umorismo, suspense e forte tensione narrativa, TRAPPOLA MORTALE nasce dalla talentuosa penna di Ira Levin, autore dell’indimenticabile, terrorizzante Rosemary’s Baby.

Grande successo a Broadway, dove venne replicata per cinque anni consecutivi dopo il debutto nel 1978, la commedia ebbe nel 1982 una fortunata versione cinematografica diretta da Sydney Lumet, protagonisti Michael Caine e Christopher Reeve.

A oltre venticinque anni fa risale la prima messinscena italiana, protagonista Paolo Ferrari. Elementi comuni alla presente edizione la brillantissima traduzione firmata da Luigi Lunari e la regia di Ennio Coltorti. L’inserimento di opportuni tocchi di modernità (computer e tecnologia in sostituzione delle vecchie macchine da scrivere) rende ancora più avvincente un lavoro che, per l’accostamento di momenti da brivido a situazioni più leggere e addirittura comiche, è stato definito dalla critica “due terzi thriller, un terzo commedia”.

Sydney Bruhl (Corrado Tedeschi) è un commediografo in piena crisi creativa, incapace di infondere tensione e drammaticità ai testi che porta in scena. Il suo ultimo lavoro, un giallo, è stato un clamoroso fiasco. L’occasione d’oro  per prodursi in un nuovo successo che gli faccia riguadagnare il terreno perduto e salvare la propria reputazione gli viene offerta dal giovane Clifford Anderson (Ettore Bassi), che ha appena terminato di scrivere un thriller veramente avvincente dal titolo Trappola mortale. Il testo di Levin utilizza diabolicamente i toni del noir per descrivere l’avidità dell’uomo senza scrupoli alla continua ricerca del potere, della realizzazione personale e della soddisfazione dei propri insaziabili appetiti.

TEATRO MANZONI: “NERONE, Duemila anni di calunnie”

Uno spettacolo di Edoardo Sylos Labini

Liberamente tratto dall’ omonimo saggio di Massimo Fini

Attori: Edoardo Sylos Labini, Angelo Crespi, SebastianoTringali, Dajana Roncione, Giancarlo Condè, Gualtiero Scola, Fiorella Rubino.

Date: dal 2 al 19 ottobre

“Nerone, duemila anni di calunnie” è il titolo del nuovo spettacolo interpretato e scritto da Edoardo Sylos Labini con Angelo Crespi. Dopo il successo ottenuto con la pièce dedica a Gabriele d’Annunzio, l’attore si lancia in una nuova sfida interpretando l’imperatore «incendiario» Nerone. Lo spettacolo, nato da un’idea di Pietrangelo Buttafuoco, è liberamente tratto dal saggio di Massimo Fini “Nerone - Duemila anni di calunnie”.«Nessun personaggio storico ha mai goduto di così cattiva stampa come Nerone. Alcuni autori cristiani ritennero che fosse addirittura l’Anticristo. In realtà è certo che questo imperatore chitarrista, cantante, poeta, attore, scrittore, curioso di scienza e di tecnica, fu un unicum nella storia dell’Impero Romano. Le élite economiche e intellettuali del tempo non lo capirono, oppure lo capirono fin troppo bene e per questo lo osteggiarono ferocemente costringendolo, alla fine, al suicidio». (Massimo Fini, Nerone - Duemila anni di calunnie

Sullo sfondo di una Roma bruciata da un incendio, di cui Nerone sarà ingiustamente accusato di essere il mandante, lo spettacolo tenterà di svelare chi era davvero questo controverso imperatore, rispondendo ad alcuni quesiti ancora oggi irrisolti. Nerone era davvero quel pazzo megalomane precursore antesignano della moderna politica spettacolo? Da dove arrivava quel malore esistenziale che lo spingeva a primeggiare su tutti? A chi voleva piacere quando cantava o recitava i versi in greco? Cosa c'era dietro al consiglio del suo precettore Seneca, o all’ossessiva presenza della madre Agrippina?  La scena si apre tra i marmi della Domus Aurea dove Nerone, tormentato dal fantasma della madre, rivive le presenze più importanti della sua vita. Una tempesta di sentimenti, passioni, intrighi, paure e riflessioni tragiche, dall’avvincente amore per la bellissima e ambiziosa Poppea all’allucinazione del matricidio, fino ai dissapori con la classe patrizia e politica, dapprima adorante e compiacente, poi golpista e sanguinaria. Un avvincente contrasto tra un ambiente pubblico della corte neroniana tra feste, ricevimenti e musiche frenetiche scandite da un mimo-DJ e un coro di giovani artisti e musicisti, e uno privato dove, nel buio, nascono complotti di senatori preoccupati per la loro sorte e per quella dell’impero, e inconfessabili segreti  da nascondere sotto le lenzuola. Intrighi politici del passato che sembrano ripercorrere vicende moderne ed attuali.

Cinema Teatro di Chiasso la Stagione 2014/2015

      

La personificazione del mito è una delle teorie che hanno portato alla nascita del genere teatrale e allo sviluppo della forma drammatica.

Anche il  tema della trasformazione è strettamente legato alla storia del teatro, e molteplici e varie saranno le trasformazioni di questa stagione di Chiasso: il piacere, il potere, il dovere, che troveranno spazio e nuove declinazioni dentro un percorso teatrale articolato e vario. 

Un percorso che si snoderà attraverso diversi spettacoli con alcuni dei più importanti interpreti del teatro italiano come Franco Branciaroli, Massimo Popolizio, Gianrico Tedeschi, Ugo Pagliai, Alessandro Preziosi, Stefano Accorsi, Luca De Filippo, Massimiliano Finazzer Flory, Marina Massironi, Anna Galiena, Amanda Sandrelli, Beppe Fiorello.

Dal teatro di prosa a quello della commedia senza dimenticare il genere comico: quest’anno il Teatro di Chiasso si aprirà, infatti, anche alla comicità con gli spettacoli di Ale&Franz, Enrico Bertolino, Maurizio Battista, Ennio Marchetto.

Come ogni anno, poi, non mancheranno la musica con Noemi, PFM (Premiata Forneria Marconi), Steve Swallow Quintet con Carla Bley, e la danza con Parsons Dance Project e New York City Ballet. 

                

Trasformazione, trasfigurazione, parafrasi, variazione, saranno solo alcuni dei leit-motiv che quest'anno andranno a contaminare tutta l'attività del Centro Culturale Chiasso e che condurranno non solo alle origini del teatro, ma anche verso e dentro tutti quei linguaggi artistici che nel corso dei secoli hanno cercato di interagire con esso: la musica, la danza, la pittura, la fotografia, il cinema e la televisione. Peri nfo:    www.chiassocultura.ch

 

Il Riccardo III di Alessandro Gassmann al Teatro Strehler

Grande successo per Alessandro Gassmann e per tutti i bravissimi interpreti ieri sera al Teatro Strehler davanti ad un pubblico giovane che ha apprezzato la moderna regia per il Riccardo III di Shakespeare. La scenografia ricca di effetti visivi, ottimamente integrati alle scene curate da  Gianluca Amodio, è certamente un punto di forza di questo adattamento teatrale  tradotto da  Vitaliano Trevisan. La complessa vicenda shakespeariana che ruota attorno alla figura del crudele ed ambizioso ma anche insicuro e tormentato re Riccardo ha trovato nella figura di Gassmann un protagonista ideale che volutamente voleva piacere ad un pubblico giovane. L'ironia , spesso da film horror-demenziale che circonda la terribile vicenda intrisa di  inganni ed omicidi, rende appetibile il non facile  testo di Shakespeare soprattutto ad un pubblico giovane abituato al più diretto linguaggio delle immagini ricche di effetti speciali come quelle della più evoluta cinematografia contemporanea. A proposito, in una recente intervista Gassmann definisce il suo lavoro vicino allo stile gotico-crepuscolare e dice di essere stato ispirato dal noto regista e sceneggiatore Tim Burton.  Ricordiamo tra i bravissimi protagonisti oltre all'applauditissimo Alessandro Gassmann, anche Mauro Marino, Giacomo Rosselli, Manrico Gammarota, Sabrina Knaflitz, Marta Richeldi, Emanuele Maria Basso, Marco Cavicchioli, Sergio Meogrossi e Paola Pavese. Lo spettacolo rimane in programma al Piccolo Teatro Strehler fino al 23 marzo 2014. Da non perdere.

Milano, 14 marzo 2014        Cesare Guzzardella

TEATRO MANZONI:      " HOTEL PARADISO "           (dal 13 al 16 marzo)

Produzione:  FAMILIE FLÖZ, Theaterhaus Stuttgart, Theater Duisburg

Autori: Anna Kistel, Sebastian Kautz, Thomas Rascher, Frederik Rohn, Hajo Schüler, Michael Vogelcon

Attori Anna Kistel , Marina Rodriguez Llorente, Sebastian Kautz, Daniel Matheus, Frederik Rohn

Regia: Michael Vogel, Maschere Hajo Schüler, Thomas Rascher       

Scenografie:  Michael Ottopal       Costumi: Eliseu R. Weide    Musiche Dirk Schröder

Disegno: Luci Reinhard Hubert     Direttore di produzione:  Gianni Bettucci 

La scorciatoia per il paradiso passa per l‘Inferno. Strane cose accadono nel tranquillo HOTEL PARADISO, un piccolo albergo di montagna gestito con pugno di ferro dalla anziana capo-famiglia. Ci sono quattro stelle che orgogliosamente troneggiano sull‘entrata e una fonte che promette la guarigione di malattie fisiche e psichiche. Ma si intravedono nubi all‘orizzonte. Il figlio sogna il vero amore mentre combatte una dura battaglia con la sorella per mantenere il controllo sulla gestione dell‘albergo. La donna del piano ha un problema di cleptomania e il cuoco ha una passione, quella di macellare, non solo animali...Quando il primo cadavere affiora, tutto l‘albergo scivola in un vortice di strani avvenimenti. Fra le alte vette delle Alpi si aprono abissi da cui è impossibile fuggire. La chiusura dell‘albergo sembra a questo punto solo una questione di tempo. Si sa, un cadavere non porta mai bene... FAMILIE FLÖZ in versione noir! Un giallo sulle Alpi pieno di umorismo, sentimenti travolgenti e un tocco di melanconia. 

TEATRO CIOCCA (NOVARA):    “RICORDA CON RABBIA” 

Di scena al Coccia di Novara in questo week end, per la stagione di prosa, il testo più celebre di quel gruppo di drammaturghi inglesi, affermatisi negli anni ’50 del secolo scorso come Angry young men: Ricorda con rabbia (Look Back in Anger) di John Osborne, portato per la prima volta sulla scena nel 1956. L’allestimento novarese è una produzione della Fondazione Teatro di Napoli-Teatro nazionale del Mediterraneo, per la regia di Luciano Melchionna, in tournée dalla scorsa stagione. La scelta di regia è molto chiara: spogliare il testo dei suoi riferimenti più storicamente datati, eventualmente attualizzandoli (i fatti del Canale di Suez, avvenuti proprio nel ’56, diventano la guerra in Afghanistan, certo più famigliare ad uno spettatore del 2014), per fare del quartetto dei giovani protagonisti “arrabbiati” un gruppo umano rappresentativo di un esplosivo disagio esistenziale, in una società, che potrebbe anche essere benissimo questa nostra attuale, che nega loro qualsiasi speranza e prospettiva di felicità e di senso della vita. L’operazione di Melchionna è certo in sé pienamente giustificata, ma il punto è che, totalmente decontestualizzata dalla situazione di riferimento (quel particolare tipo di società, con quei costumi e quei valori, quei pregiudizi e quei conflitti sociali, quella cultura), la” rabbia” di un personaggio come Jimmy Porter, i suoi rapporti schizofrenici con la moglie Alison, i suoi sfoghi, il suo acre risentimento antireligioso, la sua rivolta contro la famiglia, il suo bisogno di distruggere tutto e tutti, a cominciare da se stesso, risultano alla fine un po’ immotivati e gratuiti, facendo di Porter, più che un problematico personaggio di intellettuale della low middle class sradicato e impotente nelle sue aspirazioni rivoluzionariea cambiare il mondo (quale è nel testo di Osborne), un malato di nervi, segnato per sempre dalla tragica morte del padre, cui egli ha dovuto assistere da bambino. Su questo carattere di Porter calca le tinte la regia di Melchionne, da sempre amante dei colori espressionistici della messinscena, facendo del protagonista un urtante grumo esplosivo d’indistinta rabbia, pronta asfogarsi su chi gli è più vicino e più caro, dalla moglie  a Cliff, l’unico amico rimastogli e coinquilino della coppia nella squallida soffitta che è la loro abitazione, ad Helene, l’amica di Alison che diventa l’amante di Jimmy. A parte queste caute riserve, dobbiamo comunque esprimere il nostro convinto apprezzamento per l’eccellente interpretazione dei quattro attori: Daniele Russo interpreta perfettamente le indicazioni di regia, conferendo al suo Jimmy Porter una straordinaria tensione nervosa, non ignara peraltro di qualche intenso momento di abbandono al bisogno di rapporti umani affettuosi ed autentici; Stefania Rocca è una convincente  Alison, dapprima nella muta sofferenza con cui subisce gli attacchi violenti dell’uomo che ama, poi davvero coinvolgente nella grande scena finale del terzo atto, quando urla tutta la sua “rabbia”, anche lei, per il dramma del fallimento della sua gravidanza e la condanna ad una definitiva sterilità. Decisamente all’altezza del ruolo affidatole anche Sylvia De Fanti, una Helene volitiva ed energica, altezzosamente capace di contrapporsi a Jimmy, maattratta  dal suo brutale fascino, al punto di farsene amante, durante la momentanea assenza da casa di Alison, così come Marco Mario De Notarisrecita credibilmente la parte dell’abulico e anonimo Cliff, il mite, ma grigio amico di Jimmy ed Alison che, forse ancora più dello stesso Porter, proprio con la sua assoluta inconsistenza è il simbolo di una generazione smarrita e disperata in un mondo che le è totalmente estraneo.   Le scenografie di Francesco Ghisu creano, con un simbolismo forse un po’ facile, l’ambientazione perfetta per dare voce all’alienazione dei personaggi: un magazzino -soffitta di un negozio di elettrodomestici, dove  a mo’ dimoderni bohemiénnes hanno arredato la loro 'dimora', aggirandosi fra gli oggetti di un consumismo che a loro è irrimediabilmente precluso. Bella la scelta di calare, alla fine della vicenda, una pesante saracinesca, a significare l’irrimediabile condizione di ”prigionieri” di cui sono vittime i personaggi.

Un contributo efficace alla creazione dell’atmosfera del dramma è offerto dalle luci di Camilla Piccioni e dall’accompagnamento musicale di Giovanni Block.

Calorosi applausi alla fine dello spettacolo da parte del numeroso pubblico. 

Novara, 23 febbraio 2014                           Bruno Busca

TEATRO MANZONI:  “BOEING BOEING”   (dal 20 febbraio al 9 marzo)

Autore: Marc Camoletti

Regia: Matthew Warchus ripresa da Mark Schneider                     

Attori:Gianluca Guidi,Gianluca Ramazzotti, Ariella Reggio, Marjo Baratasegui, Barbara Snellenburg e Sonja Bader

Ritorna dopo quarant’anni sui nostri palcoscenici come una delle commedie più divertenti e rappresentate del mondo, “Boeing Boeing” di Marc Camoletti, entrata di diritto nel Guinness dei primati tanto da aver ispirato l’omonimo film  di successo con Tony Curtis, Jerry Lewis e Thelma Ritter. Qui riproposta con la scoppiettante regia di Mark Schneider,  nella stessa edizione che ha trionfato recentemente a Londra e a Broadway, in uno spassosissimo revival anni ’60 ad opera di Matthew Warchus, uno dei più giovani e rappresentativi registi europei. Una vicenda  che conduce alle rocambolesche avventure di un donnaiolo impenitente  che si destreggia fra tre fidanzate straniere: una spagnola, una tedesca e un’americana.  Ma il suo “calendario romantico” perfettamente pianificato e senza intoppi, di cui tanto va fiero, verrà scombinato inaspettatamente generando una serata di follia difficile da dimenticare. Gianluca Guidi e Gianluca Ramazzotti, in coppia per la prima volta, danno vita a un duo esplosivo di grande comicità. A loro si uniscono la governante complice Ariella Reggio, affiancata da Marjo Baratasegui, Barbara Snellenburg e Sonja Bader, attrici internazionali perfette per i ruoli delle hostess. 

 

TEATRO MANZONI:     “Quando la moglie è in vacanza”

Autore:  George Axelrod

Regia:    Alessandro D’Alatri

Attori:   Massimo Ghini, Elena Santarelli

Musiche: Renato  Zero

Date:     dal 30 gennaio al 16 febbraio

           

Il testo di George Axelrod, debuttò a Broadway nel 1952 con un notevole successo di critica e pubblico. Ma la sua vera consacrazione internazionale avvenne nel 1955 attraverso l’adattamento cinematografico di Billy Wilder. E’ una commedia che nel 2000 è stata inserita, dall’American Film Institute, al 51° posto tra le cento migliori commedie americane di tutti i tempi. Praticamente un classico della modernità. Il titolo originale "The seven year itch" (Il "prurito" del settimo anno) contiene forse più informazioni della seppur felice traduzione italiana “Quando la moglie è in vacanza”. E’ una commedia sulle manie erotiche dell’uomo medio e al tempo stesso una feroce satira di costume contro il perbenismo di una certa “middle class” che sembra non avere epoche e che viene messa a confronto con le ambizioni di una ragazza che cerca di ridisegnare una propria personalità attraverso l’impegno nel mondo patinato della pubblicità, della moda o dello spettacolo in generale. Fa da detonatore la prorompente fisicità della ragazza che come un uragano entra nella banale quotidianità di un maschio irrisolto. Un maschile che più che subire l’attrazione femminile sembra essere spaventato da quell’apparentemente irraggiungibile opportunità. Considerando che sono passati più di sessant’anni dal suo debutto, il testo mantiene ancora intatta la freschezza di uno sguardo sui comportamenti e le relazioni tra maschi e femmine. Anche se sorprendente, la drammaturgia, oltre che divertire, inquieta anche un po’…

E’ con questo spirito che mi accingo a dirigere questa commedia. Anche se i meccanismi relazionali sembrano essere intatti, altrettanto non viene da considerarlo rispetto all’ambientazione in questione. Trovo che il testo contenga tutti gli elementi per essere adattato alla nostra epoca e ai nostri riferimenti culturali. Altrimenti ne risulterebbe una mera ricostruzione delle relazioni tra uomo e donna negli anni cinquanta nella società americana di quel tempo. Un aspetto estremamente interessante è la divisione dell’opera in due tempi narrativi: il reale e la proiezione delle reciproche insicurezze dei personaggi. Un’opportunità per restituire al progetto tutta la freschezza dello sguardo sulle relazioni tra gli esseri umani. Mi diverte l’idea di vivificare le proiezioni e le ansie dei protagonisti attraverso soluzioni moderne e fortemente visive che il linguaggio teatrale può offrire al pubblico contemporaneo. E’ una splendida occasione per proporre alla platea italiana, peraltro in anteprima assoluta, la genialità e il divertimento di un testo così intelligente e attuale.                                          Alessandro D’Alatri

Milano, 26 gennaio 2014

TEATRO MANZONI:             “MUSICAL! AWARD 2013”

Grande evento il prossimo 20 gennaio al Teatro Manzoni di Milano con il MUSICAL!  WARD 2013: si premieranno gli spettacoli ed i protagonisti delle due passate stagioni del teatro musicale italiano. All’interno della “parata di stars” del musical, troverà spazio anche la premiazione dei giovani vincitori del Concorso PREMIO ETTA LIMITI - MUSICAL 2013, svoltosi lo scorso settembre a Milano.

Padrone di casa, nella splendida cornice del Teatro Manzoni, il noto conduttore televisivo Paolo Limiti che intratterrà il pubblico con le esibizioni dei protagonisti del  mondo musical, come tra gli altri, la Compagnia di “Aggiungi un posto a tavola” di Garinei e Giovannini; e la protagonista di “A qualcuno piace caldo”, Justine Mattera.  

I vincitori del Premio Etta Limiti si esibiranno invece in canzoni e “medley” tratti dai musical più applauditi di tutti i tempi come “Les Miserables”, “Grease”, “Annie” e gli intramontabili successi di Walt Disney.

Queste le nomination da cui scaturiranno i vincitori:

1.Miglior Spettacolo: “Priscilla”, “Gypsy”, “Frankenstein Junior”

2.Miglior Regia: “Sister Act”, “Priscilla”, “Frankenstein Junior”

3.Miglior Attore protagonista: Simone Leonardi, Giampiero Ingrassia, Nicolas Tenerani

4.Miglior Attore non protagonista: Mauro Simone, Christian Ruiz, Luca Giacomelli

5.Miglior Attrice protagonista: Loretta Goggi, Valentina Gullace, Loretta Grace

6.Miglior Attrice non protagonista: Giulia Ottonello, Laura Galigani, Altea Russo

7.Miglior Scenografia: “Frankstein Juniorn”, “Sister Act”, “Priscilla”

8.Miglior Costumi: “Gypsy”, “Priscilla”, “Frankenstein Junior”

9.Miglior Coreografia: “Priscilla”, “Sister Act”, “Frankenstein Junior”

10.Miglior Spettacolo “Off”: “Valjan”, “Ciao Amore Ciao”, “Fantasmi”

Premio alla Carriera “Wanda Osiris”: Enzo Iacchetti

E’ possibile acquistare i biglietti online dal sito http://www.teatromanzoni.it/manzoni/it/ spettacoli /musical-award-2013

Milano, 18 gennaio 2014

 

TEATRO MANZONI:   “I L    B E L L’ A N T O N I O”

da Vitaliano Brancati riduzione teatrale di Antonia Brancati e Simona Celi

 

Attori: Andrea Giordana, Giancarlo Zanetti , Luchino Giordana, Elena Calligari, Simona Celi, Michele De Marchi, Natale Russo, Alessandro Romano, Giorgia Visani 

Regia: Giancarlo Sepe

Scene: Carlo De Marino    

Ligh designer:  Franco Ferrari 

Date: dal 9 al  26  febbraio

Sessant’anni fa, giovanissimo, moriva un grande scrittore italiano, Vitaliano Brancati. Nel mondo, il secondo romanzo italiano più letto e amato, dopo il Gattopardo, risulta essere il Bell’Antonio. Un lucido e meraviglioso affresco dell’Italia fatto attraverso un meccanismo concentrico che, dal sistema nazione, dalla storia di un Paese in grande difficoltà durante il periodo fascista, fotografa una microstoria in Sicilia di una famiglia e del suo bell’Antonio. Un personaggio reso celebre dall’interpretazione di Mastroianni e dalla regia di Bolognini, non riscatta la scrittura meravigliosa e ricca di immagini di Vitaliano Brancati. Negli anni, anzi, il personaggio di Antonio è stato sempre più relegato al paradigma dell’impotenza piuttosto che letto nella sua complessità. Questa opera riporta in scena, in maniera filologica, la scrittura di Vitaliano Brancati, il suo amore per l’italiano e per come, questa lingua, possa trasformarsi da pagina letta in immediata immagine. Il Bell’Antonio è una storia  iperbolica in una Sicilia che viene raccontata con grande amore, lontana dagli stereotipi e dai facili ammiccamenti, ma è anche una storia attualissima. La grandezza di Brancati è anche questa. Dagli anni Trenta ad oggi gli uomini sono “bruttissimi” dirà tra le righe dei dialoghi.

L’adattamento teatrale mostra la vera costruzione del romanzo: la critica alla società, alla storia, agli uomini, alla chiesa, alle convenzioni. Antonio non è il personaggio centrale di un’opera letteraria ma è, a volte, un pretesto per un saggio critico di natura storica e sociale. La regia spoglia il testo da facili allestimenti borghesi e ne fissa il profilo in un non luogo. La storia è già finita. I personaggi forse non sono più vivi, ma vengono proposti dal vivido ricordo dello zio Emenegildo, che nel romanzo assomiglia moltissimo a Vitaliano Brancati. Antonio però innesca un meccanismo circolare in cui ognuno, nel girone personale, ha la propria ragion di stato per agire. Anche per un padre sarà più facile salvaguardare l’immagine stupida della virilità di famiglia che capire le ragioni di un figlio. Antonio è  bellissimo e  privo di qualunque talento, viene visto come una sorta di divinità; le donne svengono al suo passaggio. Il padre decanta la virilità di questo figlio unico, la gente pensa che lui sia vicino a Mussolini ed influente. Catania non parla altro che delle sue doti. Un fascismo locale macchiettistico ed inadeguato. Uno zio filosofo. Un matrimonio non consumato porterà due famiglie di Catania al centro di una tragedia al contrario, in cui l’eroe lo è nonostante se stesso e il motivo della tragedia in se non esiste se non in una incomprensibile difficoltà di Antonio ad amare. Lo spettacolo riporta in teatro una grande coppia Andrea Giordana e Giancarlo Zanetti, due meravigliosi attori,  insieme per anni protagonisti di grandissimi allestimenti. Ritornano  per dar vita a questa messa in scena raffinata e coinvolgente. Il figlio di Andrea Giordana, nel ruolo di Antonio, affiancherà il padre, all’interno di un progetto che dalla vita reale porta, un padre ed un figlio, ad interpretare altri due personaggi letterari, un padre e un figlio, in palcoscenico. 

Note  di regia

“La bella trasposizione di Antonia Brancati e Simona Celi dal romanzo del grande scrittore siciliano mi ha illustrato pienamente la psicologia di un mondo che, caricaturalmente, ho conosciuto nei film di Pietro Germi, anzi pensavo che proprio da lì dovessi cominciare… invece approfondire le caratterialità dei personaggi mi ha portato a vederli con lo sguardo dell’antropologo, dello studioso di tradizioni e pensieri, di sfondi e di parole che hanno del sorprendente: la Sicilia non è una regione, è un mondo, un gioco fatto di orgoglio e passioni viscerali, di rispetto e dispetto, di amore per la carne e per l’anima che spesso ne è soggetta, pur non ammettendolo mai. Uno dei personaggi della commedia dice ad un certo punto pressappoco così: “in tutta la via Etnea, che è lunga tre chilometri, forse solo io ho la testa sulle spalle…”. Parla una donna che non riesce a farsi amare da Antonio Magnano, anche se è vicina di casa… Questa contingenza la fa impazzire: prima si amano le cose che ci sono vicine e poi si pensa a quelle lontane, per esempio il continente. Prenditi le cose di cui conosci tutto, suggerisce, evita di avventurarti con ragazze di un altro palazzo o addirittura di un altro paese… La Sicilia è una terra meravigliosa di cui si va orgogliosi e di cui a volte si è vittime designate in quanto terra rapinosa e insostituibile, rancorosa e rigogliosa, dove la morale spesso è sostituita dalla fede che tutto sistema e perdona. Nello spettacolo si celebra la morte della virilità, e questo per la Sicilia è la morte della presenza fisica e intellettuale dell’uomo. Siamo nel 1934, in pieno fascismo, e l’uomo in sé rappresenta il simbolo della rivoluzione culturale che proprio sull’intraprendenza  e insostituibilità del maschio poggia i suoi cardini. Spettacolo divertente e “luttuoso”, quasi un funerale ridicolo ai valori materiali della vita, all’idea che il sentimento non potrà mai surrogare l’azione fisica dell’atto sessuale. Figli, si vogliono figli, maschi, le femmine si adattano a combinarsi in matrimoni di interesse, le femmine brutte amano gli uomini belli e se l’impalmano riescono a riscattare una vita intera. Il linguaggio dell’autore è bello, sincero, ironico e tagliente, nulla tralascia, gli stati d’animo sono aggettivi che giocano con l’umano e l’esistenza, e questa esistenza di esseri spesso ignoranti e ottusi s’incontrano per lo”struscio” proprio per la via Etnea, addolcendo sulle prime gli sguardi per mostrare amicizia, poi mano a mano, quando la stanchezza della lunga passeggiata si fa sentire e cala la soglia di attenzione,  tutti diventano ostili, critici, nevrastenici, coi piedi gonfi, e il caldo che ti appiccica addosso il vestito. Il Bell’Antonio è la sincerità di un rimpianto, quello di non conoscere il piacere dell’atto sessuale, ma anche il disinteresse per tutto quello che non è un atto sessuale. Meglio accoppiarsi con chiunque voglia farlo, che conoscere il significato di tutto quello che ci circonda.”   Giancarlo Sepe

Milano,  12  gennaio 2014

 

BARCLAYS  TEATRO NAZIONALE:      " I LEGNANESI"    (dal 5 gennaio)   

di Felice Musazzi e Antonio Provasio
con ANTONIO PROVASIO ENRICO DALCERI LUIGI CAMPISI

Musiche Arnaldo Ciato, Enrico Dalceri Coreografie Sofia Fusco

Direttore Artistico Sandra Musazzi Direttore di Produzione Enrico Barlocco

Una produzione CHI.TE.MA.   Regia Antonio Provasio

La storia continua, la crisi avanza, e l'unica soluzione per le donne del cortile sembra quella di vendere le loro case ed emigrare, inseguendo il “sogno americano”: la famiglia Colombo e le donne del cortile partono alla conquista degli Stati Uniti. Per la Teresa, la Mabilia e il Giovanni sarà  la prima volta in aeroporto: tra check-in, boarding pass e scale mobili ne combineranno di tutti i colori. Alla fine, riusciranno a partire? La terra promessa, il posto dove rifarsi una vita, resta quella d'un tempo, l'America, ma scopriranno che l'America si può trovare anche in Italia, basta farsi forza gli uni con gli altri e restare uniti nelle difficoltà .  Tornati dal viaggio oltreoceano, la situazione non  migliorata: stress, guai e ancora guai, neanche l'ombra di un euro - anzi, addirittura più squattrinati di prima - la Teresa e il Giovanni, tra un battibecco e l'altro, dovranno affrontare l'esaurimento nervoso di Mabilia e assistere la malata che finirà  ricoverata in un ospedale psichiatrico. Quando finalmente la Mabilia verrà dimessa, eccoli finalmente di nuovo al completo: la famiglia Colombo, nell'amato cortile, alle prese con i “soliti problemi della solita povera gente. Fra pazzia, deliri e ancora tante risate la Teresa, la Mabilia e il Giovanni saranno ancora una volta protagonisti di momenti di esilarante comicità  tra imprevedibili situazioni grottesche.

 

TEATRO NUOVO: Giornata internazionale per l'eliminazione delle violenze sulle donne   

Si è svolto lunedì 25 novembre presso il Teatro Nuovo in Piazza San Babila lo spettacolo a favore delle donne, in occasione della Giornata Internazionale per l’eliminazione delle violenze sulle donne.

Si è trattato di uno show entusiasmante, realizzato in collaborazione con Bananas-Zelig Ethic, al quale hanno partecipato molti ospiti di eccezione del mondo dello spettacolo e dell’imprenditoria, come anche tanti altri amici e sostenitori della Onlus organizzatrice FARE X BENE e del progetto beneficiario, il Soccorso Rosa, centro antiviolenza per le vittime di abusi e violenze, soprattutto donne e madri, operativo presso l’Ospedale San Carlo di Milano.

Davvero in molti hanno assistito allo spettacolo di cabaret e solidarietà; la serata è nata da un forte intento solidale e di sensibilizzazione sulla tematica degli abusi e delle violenze contro le donne. Nel 2006 l’Istat stimava in 6 milioni 743 mila le donne da 16 a 70 anni vittime di violenza fisica o sessuale nel corso della vita; nel 2010 l’Istat ha presentato una nuova ricerca sulla molestie e ai ricatti sessuali subiti dalle donne nel corso della vita e siamo passati a 10 milioni 485 mila donne che hanno subito nell’arco della loro vita abusi e violenze verbali, fisiche e sessuali, praticamente 1 donna su 2.

La Giornata Internazionale per l’eliminazione della violenza contro le donne, indetta dall’ONU nel 1999, è nata per sensibilizzare l'opinione pubblica sul tema degli abusi sulle donne. Questa data fu scelta in ricordo del brutale assassinio del 1960 delle tre sorelle Mirabal considerate esempio di donne rivoluzionarie per l'impegno con cui tentarono di contrastare il regime del dittatore Trujillo che tenne la Repubblica Dominicana nell'arretratezza e nel caos per oltre 30 anni.

Lo spettacolo ha visto alternarsi sul palco le più note artiste del panorama di Zelig e della comicità italiana; la serata è stata presentata da Teresa Mannino e si sono esibite Clara Campi, Rossana Carretto, Alessandra Ierse, Laura Magni, Cinzia Marseglia, Viviana Porro, Nadia Puma, Alessandra Sarno, Lucia Vasini, Marta Zoboli. Ad esse si sono alternate sul palco le cantanti Aida Cooper e Annalisa Minetti.

Il ricavato dell’evento è stato devoluto al sostegno di un  “progetto pilota”, realizzato da Fare x Bene e Soccorso Rosa, unico nel suo genere, che si divide in tre grandi aree progettuali, complementari tra loro: dalla comunicazione e sensibilizzazione, fino all'assistenza e consulenza, passando per l'area educativa e di prevenzione sul tema della violenza di genere.

L’evento è stato patrocinato anche quest’anno da Zelig Ethic (settore dell’agenzia Bananas dedicato alle attività di charity) e dal Comune di Milano.

Partner della serata anche la Galleria Wikiarte, realtà artistica bolognese dedicata completamente all’arte contemporanea ed ai suoi protagonisti, che ha deciso di sostenere i corsi di prevenzione ed educazione sulle differenze di genere realizzati da Soccorso Rosa, chiamandoli a creare opere d'arte attraverso le loro emozioni, utilizzando i linguaggi a loro più vicini, senza costrizioni, ma solo con la loro voglia di vivere.

In occasione dello spettacolo, ben 12 quadri – che sono stati realizzati da alcuni alunni di una scuola secondaria di secondo grado – sono stati esposti nel foyer del Teatro Nuovo e sono stati oggetto di un’asta silente, il cui ricavato è stato devoluto a sostegno dei corsi di prevenzione ed educazione.

Al termine dello spettacolo è stato possibile acquistare un bracciale di Ops, ideato apposta contro la violenza di genere per un progetto concreto: IO NON HO PAURA e DI PARI PASSO. Against Women Violence è il bracciale etico creato a sostegno delle attività e progetti contro la violenza di genere e per celebrare il 25 novembre. La campagna Against Women Violence, lanciata da Ops Object Onlus, sosterrà il progetto “Io non ho paura” in favore delle vittime di discriminazioni, stalking, abusi e violenze, soprattutto donne e madri. Io non ho paura è un progetto realizzato da Fare x Bene Onlus in collaborazione con il Centro Soccorso Rosa, ambulatorio di prima accoglienza e di assistenza e consulenza psicologica alle donne vittime di abusi e violenze.

 

 Milano, novembre 2013     Concetta Bonaldi

 

TEATRO PARENTI:      " IL  GIARDINO DELLE  CILIEGIE "

Regia: Francesco Micheli

Attori: Alessio Calciolari, Gianluca Di Lauro , Sax Nicosia, Stefano Orlandi

Date:  23, 24, 25 luglio

Il Giardino dei Ciliegi è una terra di confine, un confine spaziotemporale. Il Giardino dei Ciliegi è crocevia di mondi lontani, irriducibili. Il Giardino dei Ciliegi è una storia che annoda mille vicende irrilevanti intorno a una piccola grande tragedia familiare. Il Giardino dei Ciliegi è una sinfonia in cui ritmi, timbri e armonie lontane convivono in un contrappunto sghembo, sincopato. Il Giardino dei Ciliegi è un testo dove si ride con le lacrime agli occhi. Il Giardino dei Ciliegi è una drag queen.

I ciliegi sono fantasmi, simulacri di un mondo troppo frettolosamente sepolto perché non torni a farci visita con i propri inquietanti spettri.?Le drag queen sono creature  anfibie,icone tra mondi opposti, angeli sgangherati, animali divini, incarnazione contemporanea del mito di Dafne: donne albero che sanguinano e piangono se fai loro del male. Un bosco di fanciulle albero, belle ma legnose, uomini in panni femminili che evocano il bel mondo al tramonto che un tempo affollava quei luoghi.?Vorrei piantare un giardino di ciliegi dove gli alberi hanno radici che sono tacchi a spillo e zatteroni, il tronco è il corpo nodoso di un maschio inguainato in abiti da sera, i rami braccia nerborute malcelate da guanti di raso, le foglie sono unghie laccate come mobili cinesi, i frutti gioielli luccicanti.? Vorrei perdermi in questo giardino nel seguire i richiami di un’infanzia perduta ma non dimenticata.?Vorrei smettere di sentire le voci di un passato tanto bello e ingombrante da soffocarmi come il profumo di un prato in primavera senza che arrivi mai la promessa estate.? Il Giardino dei Ciliegi è tutto questo. E chissà quant’altro.    

Francesco MIcheli

QUANTESCENE:   ANDIAMO! (non si muovono) 

Grande successo di pubblico a  Milano per lo spettacolo messo in scena dalla compagnia  del Laboratorio Teatrale  dell'Associazione Culturale Quantescene.

Con il coordinamento registico di Luca Liberatore ed Emanuela Marconi,tredici attori hanno realizzato una rappresentazione liberamente ispirata ad Aspettando Godot di Samuel Beckett.

Aspettando Godot  appartiene al genere del teatro dell’assurdo, dominato dalla credenza che la vita dell'uomo sia senza senso e senza scopo, e dove l'incomunicabilità e la crisi di identità si rivelano nelle relazioni fra gli esseri umani  Nello spettacolo, i dialoghi dell'autore sono stati arricchiti da un lavoro di ricerca volto a esaltare i sentimenti e gli stati d'animo espressi nel testo originale.

La regia impeccabile e l'energia insuperabile degli interpreti hanno dato vita a un susseguirsi di scene davvero emozionanti, grazie a un ritmo sempre coinvolgente! 

Milano,10 giugno 2013       La redazione

TEATRO SAN BABILA:   " NEMICI COME PRIMA"

Autore: Gianni Clemente

Regia: Ennio Coltorti

Attori:Ennio Coltorti, Pietro De Silva, Daniela D'angelo

Date: dal 7 al 26 maggio 2013

Finché vita non vi separi! Potrebbe essere questo l’incipit di “Nemici come prima”, un’ esilarante commedia che, affrontando con leggerezza grandi temi, cerca di indagare soprattutto su noi stessi.

Nell’anticamera di un reparto di terapia intensiva una donna e un uomo sono in trepida attesa: dietro quella porta è ricoverato il potente “capo famiglia” creatore di una catena di avviatissime macellerie. Un infermiere, cinico e sbrigativo, porta pessime notizie. Poco dopo irrompe trafelata un’altra figlia che da anni non si faceva vedere. Per ultima la giovane badante rumena dell’anziano patriarca, ormai divenuta anch’essa quasi parente. Non resta che aspettare e organizzare, con l’aiuto dell’esperto e (una volta informato dell’identità del ricco patriarca) disponibilissimo infermiere l’inevitabile “dopo”. È anche l’occasione per parlare, ricordare, superare gli antichi dissapori e soprattutto accordarsi sulla spartizione del considerevole patrimonio in arrivo.

Ma il vecchio patriarca, come tutti gli uomini di vecchia generazione, ha la scorza dura e tarda a compiere il grande balzo. Riesplode perciò l’antico livore e le piccolezze umane, fra reciproche accuse e comiche rivendicazioni, non faticano ad avere la meglio sul trascendente.

La lotta quindi si riaccende; assurda e spesso comica (se vista da lontano) come la vita. 

TEATRO MANZONI:    "VITE PRIVATE"

Di:  Noel Coward                   Regia:  Giovanni De Feudis    Attori:C. Tedeschi, B. Boccoli

Date: dal 2 al 22 maggio 2013   

“Vite Private” è una delle più note e riuscite commedie di Noel Co­ward. Scritta nel 1930 segnò l’inizio per il suo autore, dopo una carriera molto travagliata, di una infinita serie di lunghe permanenze nei teatri, che continuano a susseguirsi sino ai giorni nostri in tutto il mondo. Garbati, ma spregiudicati, pigri e insensibili, dotati di un’apparente superficialità e frivolezza, i personaggi di Noel Coward  sono costruiti per mettere  in discussione le usanze sociali e i comportamenti sessuali dell’alta borghesia inglese. Tuttavia la satira di Coward non sfocia mai in un conflitto aperto: bisogna ridere di tutto, con grande senso della misura ed eleganza.

La storia, ambientata nella Francia degli anni Trenta, vede protagonisti Elyot e Amanda che, divorziati da cin­que anni, si sono entrambi recentemente risposati. Durante la loro nuova luna di miele scoprono con orrore non solo di aver casualmente prenotato lo stesso albergo, ma di alloggiare addirittura in camere adiacenti, con il terrazzo in comune. Il loro disappunto iniziale si trasforma inaspettatamente in gioia quando, dopo una lunga serie di comici eventi ed esilaranti colpi di scena, sco­prono di essere ancora perdutamente innamorati e decidono così di fuggire in­sieme a Parigi. Dopo l’entusiasmo per lo straordinario ritorno di fiamma, sia Amanda che Elyot si rendono conto che nessuno dei due è realmente cambiato. Ed ecco riaffiorare i vecchi litigi e le incomprensioni di sem­pre. Che dire? Un’autentica, divertentissima, intensa storia d’amore alla quale, come tutte le più belle storie d’amore, non è mai troppo facile apporre la parola fine. 

TEATRO COCCIA (Novara):   "L'uomo, la bestia, la virtù"

Ieri sera 19 Aprile, al Coccia di Novara, il cartellone  della  stagione di prosa proponeva  uno dei più celebri titoli pirandelliani: L’uomo,la bestia, la virtù. Messo in scena  per la prima volta nel 1919, è una sorta di farsa boccaccesca, in cui il Professor Paolino (l’uomo), ha messo incinta la signora Perella (la virtù), poiché il marito di costei (la Bestia), è quasi sempre lontano e quando rientra a casa non gradisce le grazie della sua sposa. Ma una notte, in occasione di un ritorno a casa della “Bestia”, il Professore con uno stratagemma,-un dolce afrodisiaco per il Capitano e un travestimento provocante della signora- riesce a portare a letto i due coniugi, risolvendo così la difficile situazione e salvando le apparenze e le norme del decoro sociale borghese. Ne L'uomo, la bestia, la virtù , satira pungente del mondo borghese, delle sue ipocrisie, delle sue vuote convenzioni e false virtù, l’umorismo si esaspera sino ad assumere la forma del “grottesco”, in cui la tragedia personale dei protagonisti è rappresentata dalla prospettiva  straniante del “comico”, che li rende ridicoli, ma al tempo stesso rivela in essi la profonda, straziante sofferenza di sentimenti ed emozioni cui la trappola atroce della vita sociale e famigliare non consente riconoscimento alcuno. I ruoli ricoperti dai personaggi e recitati nella “pupazzata” della vita con estremo rigore vengono smascherati nella loro inconsistenza, le "forme" in cui ognuno di noi è imprigionato e in cui viene riconosciuto dagli altri si rivelano in tutta la loro alienante inautenticità. Questi elementi peculiari del testo pirandelliano sono stati resi con notevole efficacia interpretativa dall'allestimento di Enzo Vetrano e Stefano Randisi, del Teatro degli Incamminati, giunto ormai, a cinque anni dalla sua produzione, alla replica n. 229 (!) Le scene, curate da Marc'Antonio Brandolini, sono semplici, ma efficaci: l'azione si svolge in una specie di enorme armadio, collocato sul fondo, dal quale si affacciano di volta in volta i vari personaggi: domestiche antipatiche, vicini di casa, divertenti figure di studenti somari, cui il Professore impartisce improbabili lezioni di Latino, marinai un po’ spacconi. Eccellente l’interpretazione di   Enzo Vetrano, un indimenticabile signor Paolino che, dietro l'apparente fragilità di un uomo sensibile, rivela una lucidità e una straordinaria  determinazione nel conseguire i propri scopi. Validissima è pure Ester Cucinotti nei panni di una signora Perella lacerata dal conflitto morale fra la propria pudicizia  e la necessità di rinunciarvi in una decisiva occasione, per conservare l'immagine di donna onesta. Stefano Randisi recita la parte più grottesca della vicenda, quella dello sciocco  Nonò, figlio dei Perella  noioso e petulante, oggetto costante degli scatti d’umore dell’irascibile padre, il capitano Perella, grossolano e violento, ben interpretato da Giovanni Moschella. Ma un plauso sincero va rivolto a tutta la compagnia, da Margherita Smedile (nella parte delle due governanti scorbutiche di Paolino e dei Perella),ad Antonio Lo Presti (il dottor Nino Pulejo e suo fratello Totò il farmacista) a Giuliano Brunazzi e Luca Fiorino nei panni dei due scolari e dei due marinai..Il pubblico del Coccia ha applaudito a lungo lo spettacolo e ascoltato con partecipe attenzione l’appello rivolto da Vetrano per il sostegno alla cultura teatrale, colpita in Italia da una “politica economica” fatta solo di tagli ottusi nella loro ferocia

  Novara, aprile 2013                                                      Bruno Busca

TEATRO CARCANO:  "MI VOLEVA STREHLER" 

Di Umberto Simonetta e Maurizio Micheli

Attori: Maurizio Micheli

Date: dal 1 al 12 maggio  

La proposta di Mi voleva Strehler nasce dal desiderio di festeggiare insieme al pubblico milanese i trentacinque anni dalla nascita di questo spettacolo ormai di culto, con più di mille repliche al suo attivo: è infatti dal 1978, anno della sua messa in scena al Teatro Gerolamo, protagonista allora come oggi Maurizio Micheli, che mantiene immutate la sua forza comica e satirica.

Un esempio di teatro-cabaret ineguagliato, tanto nella misura (due atti di cinquanta e quaranta minuti l’uno), quanto nella composizione. Lo spettacolo gioca infatti su diversi piani mascherando, dietro un’apparente facilità, una riflessione profonda sull’arte dell’attore. Scritto da Umberto Simonetta e dallo stesso Micheli  e diretto oggi da Luca Sandri, il testo narra, col pretesto di un provino che un attore di cabaret deve sostenere davanti a Giorgio Strehler e che gli aprirà le porte del grande teatro, uno spaccato del teatro italiano a cavallo tra gli anni Sessanta e Settanta. Assistiamo così alla scoperta del “teatro alternativo” e all’impegno politico di ispirazione brechtiana, al racconto de “la prise de l’Odéon” ai tempi del ’68 e alle imitazioni nostrane dei grandi innovatori di quell’epoca: il Living Theater, Grotowski, il Terzo Teatro, rese ancora più comiche dallo stridore, forse solo apparente, con la condizione reale del giovane attore narrante.    

Ci fa piacere trascrivere una breve nota di Simonetta a proposito dei “suoi” attori.

Ho avuto attori bravissimi ma non di grosso richiamo (almeno non lo erano ancora quando recitavano con me, negli anni tra il ’78 e l’83, dopo alcuni di loro lo sono diventati). Ma i teatri si sono riempiti ugualmente e non solo il piccolo “Gerolamo” di Milano che dirigevo in quel periodo. Il pubblico dunque veniva per assistere al lavoro, probabilmente attratto da qualche autorevole recensione, magari da un titolo indovinato, dal parere favorevole di amici che l’avevano già visto o da chissà che altro. Appena si apriva il sipario (quando c’era il sipario) lo spettatore si trovava così a dover fare prima di tutto conoscenza con l’attore in scena: doveva fissarlo, misurarlo, lasciatemi dire annusarlo, decidere se gli era o non gli era simpatico, decidere se gli avrebbe mai concesso l’autorizzazione a farlo ridere o, come direbbero altri, a inoltrargli il messaggio comico. Questa spietata perlustrazione può durare un attimo oppure un secolo ma qualsiasi sia la sua durata per l’attore e per l’autore sarà sempre eterna. Ho avuto la fortuna di avere degli attori che riuscivano a ottenere il lasciapassare con grande celerità: ma ho la solida convinzione di avergli fornito ogni volta il materiale idoneo a facilitargli e di molto il compito. Con grande emozione con grande gioia ho visto il pubblico abbozzare un sorriso, poi sorridere con maggior decisione, ridere poi e sghignazzare infine senza ritegno.

TEATRO  PARENTI:   "TANGO DI LUNA"  

Di: Susanna Beltrami

Costumi:  Daniela Gerini

Con Luciana Savignano, Alejandro Angelica, Matteo Bittante e Fabrizio Calanna, Cristian Cucco

Date:  23 e 24 aprile 2013  

Di notte, sotto la luna, in un posto qualsiasi di questo mondo, nasce il Tango di Luciana. Una grande artista incontra il tango, e il tango incontra la sua vita, i suoi pensieri. Passato, presente e futuro scorrono su tre linee parallele: si rincorrono, si afferrano, si sovrappongono, si lasciano, si riprendono. Accade che uno sguardo viene fuori dalla luna, viene fuori dall’ombra e dal silenzio, dallo spazio, si abbandona nell'abbraccio. Arriva e il tempo si ferma e la luna fa nascere un inizio. Imparando a camminare si comincia a imparare il tango, e ogni passo di Luciana è ogni volta il primo. Sotto le poche luci di una milonga ,vive un mondo a parte, fatto di ombre e di tracce, di scarpe consumate e di gesti meccanici, ripetitivi, di nostalgia e di regole rigide e acquisite. Un cameriere e un maestro sono un tuttuno con questo luogo come se non esistesse vita fuori di li. L’arrivo di Luciana modifica l’equilibrio della milonga, fino a stravolgerlo. “Scusi, è qui che s’impara il Tango?” Il primo incontro è un abbraccio. L’abbraccio tra una donna che continuamente rinnova la sua sfida  e un uomo che ha fissato in uno schema ben definito la sua vita .Sotto la luna i nostri personaggi si scoprono, si sfidano, si svelano, forse si amano. Sotto la luna anche il tango si trasforma e si popola di una gestualità inventata e personale fino ad assumere una forma nuova. Sotto questa luna il tempo è scandito da cinque momenti, cinque lezioni in cui “allieva” e “maestro” si scambiano continuamente i ruoli, finché i loro mondi arrivano a toccarsi davvero. Cinque momenti che sono lontani o vicini nel tempo, poco importa. Perché con un tango si può riassumere una vita intera.

Teatro Coccia (Novara):  “La resistibile ascesa di Arturo Ui” 

In cartellone oggi 17 marzo al Teatro Coccia di Novara, per la stagione della prosa, uno dei migliori (e ancor attualissimi…) drammi di Bertolt Brecht: “La resistibile ascesa di Arturo Ui”,  composto nel 1941, ma rappresentato per la prima volta postumo nel 1958 a Stoccarda.  Arturo Ui è il capo di una banda di gangster che, nella Chicago degli anni Trenta, aspira a imporre il proprio controllo sul racket del mercato locale dei cavolfiori, eliminando rapidamente, uno ad uno, i suoi concorrenti, raggiungendo così in breve il suo scopo. Brecht, con questa vicenda, intende alludere alla rapida ascesa al potere, con metodi criminali, del nazismo hitleriano in Germania, con precise allusioni, dietro i nomi inventati dei vari personaggi, ai più noti esponenti del regime, da Hitler (ovviamente Arturo  Ui) a Joseph Goebbels (Giuseppe Givola) a Goering (Giri) a Roehm (Roma), sino all’episodio dell’Anschluss ai danni dell’Austria, qui alluso dall’assassinio di Dulfeet/Dolfuss.  La regia dello spettacolo, di notevole spessore e interesse, si deve a  Claudio Longhi, che ha il merito di interpretare al meglio la drammaturgia dello straniamento, alla base del maturo teatro brechtiano: in una scena (firmata da Antal Csaba) sobria, pulita, fatta prevalentemente di pile di cassette bianche della verdura, la vicenda si dipana su un registro grottesco e visionario. Lo spettacolo si apre con un prologo in cui gli attori dichiarano esplicitamente di mettere in scena la storia dell’avvento del nazismo in Germania, con un’ambientazione differente e personaggi d’invenzione. Per chiarire al pubblico i fatti reali che fanno da riferimento, ricorrono continuamente a proiezioni di didascalie, proiettate sulla parte superiore della scena, a cartelli e canzoni, in modo che quando si parla di Chicago il pensiero degli spettatori corre subito a Berlino, se invece si cita Cicero, in realtà, ci si riferisce all’Austria, e via discorrendo… Ogni barriera tra palcoscenico e platea è abbattuta: gli attori invadono tutto lo spazio teatrale (anche nell’intervallo), coinvolgono tutti gli spettatori, sfruttando allo stesso tempo la poesia di un cantastorie, la severità di un maestro autorevole che impartisce la sua lezione e la satira pungente di un bravo comico. Arturo Ui è uno straordinario Umberto Orsini, ancora capace di un’intensa espressività, anche corporea, magistralmente adatta a dare vita a quell’impasto di grottesco, abiezione morale, follia e luciferina scaltrezza che è il protagonista (e che fu, nei fatti, Hitler). Intorno a lui ruota un cast di eccellenti attori (e cantanti): su tutti spicca Luca Micheletti, che è anche dramaturg dello spettacolo, interprete efficacissimo di Givola//Goebbels, dalla personalità di nevrotico claudicante, molto espressivo anche nel ruolo di cantante. Ottimo anche, nel giusto dosaggio di umorismo e tragedia l’Ernesto Roma/Ernst Roehm di Lino Guanciale. Ma il nostro apprezzamento va a tutti gli attori, interpreti anche delle parti ‘minori’, che con la loro bravura e professionalità hanno offerto il loro contributo alla perfetta riuscita di uno spettacolo, tra i migliori visti sul palcoscenico novarese negli ultimi tempi. Grande, inevitabilmente, il successo di pubblico, accorso in gran numero al Coccia.

17 marzo 2013     Bruno Busca  

TEATRO MANZONI:   "COLAZIONE DA TIFFANY"

Regia:Piero Maccarinelli

Attori: Francesca Inaudi, Lorenzo Lavia 

Date: dal 26 febbraio al 17 marzo 2013

Si racconta la storia di Holly; chi la racconta è William Parson, scrittore giovane che arriva dall’Alabama a New York, forse un alter ego di Truman Capote. Siamo nel 1957 e lo scrittore incontra Joe Bell, il barista che, segretamente innamorato di Holly, lo invita a ripercorrere la sua storia e a rivedere il suo vecchio appartamento nell’East Side…

William/Fred ritorna e ricorda tutto del 1943, l’anno in cui ha conosciuto per la prima volta Holly.

Holly è una ragazza del Sud che si è trasferita a New York, dove frequenta il bel mondo dell’East Side ma anche personaggi equivoci come il mafioso Sally Tomato che lei visita a Sing Sing o il suo avvocato Mr. O’Shaughnessy. I suoi amici sono personaggi fatui: Mag Wildwood, una fotomodella dell’Arkansas; O.J. Berman, agente di secondo piano di Hollywood; il diplomatico brasiliano Josè Ybarra-Jaegar; Rusty Trawler, miliardario nazista; Middy Munson, ex attrice ora giornalista di gossip; Madame Spanella, cantante lirica pettegola e frustrata. Holly si innamora di Josè, ma a provocare un cortocircuito emotivo è l’arrivo, dal Texas, del suo primo marito, Doc Golightly. Holly vorrebbe sposare Josè di cui è rimasta incinta ma uno scandalo le impedisce di farlo. Perde il bambino che aspettava da Josè e decide, nonostante tutto, di partire da sola per il Brasile dove vuole incontrare i venti miliardari più ricchi di ogni razza e di ogni colore… Da quel momento, dopo aver abbandonato anche il suo gatto, di Holly si perdono le tracce… Joe e Fred si raccontano, nel ’57, che forse lei era in Africa, fotografata da Yunioshi, il giapponese di Harper Bazaar. Solo una lettera spedita da Holly all’editore di Fred ci dice che avrebbe fatto conoscere il suo indirizzo quando l’avesse saputo lei stessa; l’indirizzo non si conoscerà mai e Holly entrerà nel sogno di Fred/William/Truman con grande leggerezza e nell’immaginario collettivo di tutti noi… 

TEATRO MANZONI:   RHITH.MIX  -  lo sport diventa spettacolo

Autore: Barbara Cardinetti

Ginnaste: Fabrizia D’Ottavio, Valentina Giolo, Daniela Masseroni, Vera Santagata, Sheila Verdi,

Special guests Elisa Blanchi, Elisa Santoni, Anzhelika Savrayuk

Coreografie: Barbara Cardinetti        Date: dal 22 al 24 febbraio 2013

Rhyth.mix, una compagnia tutta al femminile, composta da campionesse italiane di ginnastica ritmica, in cui ritmo, sincronismo, bellezza ed eleganza sono estetizzati in una perfetta armonia di tecnica, danza, musica e colori.  

Il corpo come spettacolo di eleganza, la bellezza come sincronismo di forme, la gioia come striscia di colore, la musica come armonia del movimento: tutto questo è Rhyth.mix.  

Il successo della ginnastica ritmica italiana nelle grandi arene sportive di tutto il mondo ha ispirato Barbara Cardinetti e Antonio Gnecchi della Bags Entertainment nella creazione di questo progetto originale e coraggioso: una compagnia che, grazie al talento, l’abilità e la disciplina sportiva, utilizza le potenzialità spettacolari di clavette, funi, palle, nastri e cerchi e le proietta nei tempi e nei ritmi della danza.  

Anche la televisione ha intuito la potenzialità di questo connubio e le ragazze di Rhyth.mix sono state il corpo di ballo per il Fiorello show nel 2009 su Sky e per Scherzi a Parte con Luca e Paolo su Canale 5 ad aprile e maggio di quest’anno.

Rhyth.mix è un mix di generi e tecniche al servizio della spettacolarità del movimento estremo, dell’esaltazione dello stupore che si prova davanti al fondersi del ritmo nella danza e della sincronia nel movimento; è la visione della bellezza.  

Atlete che si muovono armoniose, assecondando le luci del palcoscenico, in un’atmosfera quasi onirica, intensa e suggestiva. Ginnaste che sotto l’abile guida della coreografa Barbara Cardinetti, campionessa italiana di ginnastica ritmica nel 1992, hanno trasformato in puro spettacolo l’eleganza e la femminilità di una disciplina complessa come la ginnastica ritmica.  

TEATRO COCCIA (NOVARA):    "Nipote di Rameau"

E’ approdata in questo fine settimana al Coccia di Novara la lunga tournée del Nipote di Rameau, l’opera scritta dal grande filosofo e scrittore illuminista francese Denis Diderot  nel 1762, di cui l’attore e regista  Silvio Orlando, in collaborazione con Edoardo Erba, ha prodotto una versione teatrale che sta conoscendo un ampio successo in tutt’Italia. In verità il testo di Diderot, pur non essendo stato concepito dall’autore come un testo per il teatro, presenta una struttura immediatamente “teatralizzabile”, in quanto consiste prevalentemente di un lungo dialogo tra due personaggi: un ‘Io’ (nel quale è da identificarsi l’autore stesso) e un ‘Lui’ che è appunto il nipote del musicista Rameau del titolo, anch’egli compositore, ma di scarso successo, ridotto, per campare, alle più ciniche e squallide forme di parassitismo (si tratta di un personaggio realmente vissuto, contemporaneo dell’autore). Ad un primo livello di lettura, Il nipote di Rameau è una satira dell’intellettuale integrato  al sistema (appunto, il nipote di Rameau) e dunque un attacco polemico a quegli intellettuali antilluministi che avevano criticato aspramente Diderot ed i suoi sodali enciclopedisti per l’audacia delle loro teorie e la loro critica del potere. Tuttavia questa intenzione originaria non esaurisce affatto il significato dell’opera, che, nel suo contenuto più profondo e per noi, uomini d’oggi, più coinvolgente, vuole essere una riflessione a tutto campo sui più impegnativi problemi morali dell’uomo e anzitutto sul problema che assillò Diderot lungo tutto il corso della sua attività di pensatore: è possibile per l’uomo una morale fondata su una virtù che non sia repressione e mortificazione degli impulsi naturali, come impone la morale religiosa, predicata dai preti e utile solo a chi detiene il potere? Ed ecco allora che, nonostante Lui sia un personaggio apparentemente negativo, in realtà il corrosivo e persino irritante cinismo con cui denuncia l’ipocrisia di ogni forma di morale stabilita, smascherandone il gretto utilitarismo,  coincide in gran parte con le posizioni dell’autore. Emerge, dalle pieghe del serrato dialogo tra Io e Lui un’inquietante domanda: è davvero l’uomo virtuoso ‘migliore’ di chi ostenta l’assoluta amoralità? Orlando offre, di questa complessa materia, un’interpretazione decisamente convincente, per brio e capacità recitativa a tratti decisamente straordinaria, anche per la  mimica espressiva da grande attore, con cui dà vita ad un personaggio di notevole spessore come Lui. Grazie anche alla soluzione “brechtiana” di alternare le parti dialogate a inserti narrativi in funzione didascalica, lo spettacolo scorre fluido e sempre coinvolgente dinanzi allo spettatore, chiamato a divertirsi alle paradossali battute di Lui, ma anche a riflettere sulla condizione umana e su tematiche di più stretta attualità (frequenti sono le allusioni all’attuale situazione del nostro Paese e in particolare alla discutibile qualità ‘etica’ della nostra classe politica…). Nella sua recita Orlando è ben coadiuvato da Amerigo Fontani (Io) e da Maria Luisa Rondanini, nella parte della cameriera dell’osteria in cui s’immagina si svolga il dialogo. Non brilla per originalità la messa in scena, di cui si fanno apprezzare soprattutto i giochi di luce, efficacemente funzionali al testo. Buono il successo di pubblico, sottolineato da un lungo e caloroso applauso.                                                           

Novara, 10 febbraio 2013                      Bruno Busca

TEATRO PARENTI:       "C come Chanel"

Autore: Valeria Moretti
Regia: Roberto Piana

Attori: Milena Vukotic e David Sebasti
Costumi: Alessandro Lai   Scene: Guido Caodaglio
Produzione Teatro dell'Istante/Stefano Mascagni/Roberto Piana 

Date: dal 5 al 17 febbrario 2013

Dotata di una classe che da sempre la contraddistingue, Milena Vukotic ha attraversato il cinema e il teatro italiani (e non solo), dai primi anni Sessanta fino ad oggi, scelta da registi come Bunuel, Strehler, Zeffirelli e premio Eleonora Duse alla carriera.

L’attrice si confronta oggi con la figura leggendaria di Coco Chanel che ha attraversato quasi un secolo di storia dal dramma della Prima guerra mondiale, agli anni ruggenti al periodo oscuro dell’Occupazione.

Non un racconto biografico, ma un mosaico raffinato, scritto dalla giovane autrice Valeria Moretti e interpretato con David Sebasti, per ricreare l’identità di Gabrielle detta “Coco” e insieme quella di un mondo, del quale Chanel era protagonista, in cui rieccheggiano i nomi di Cocteau, Stravinskij, Picasso

TEATRO PARENTI   "QUI E ORA"

Autore:  Mattia Torre
Regia: Valerio Mastandrea

Attori:Valerio Mastandrea, Valerio Aprea
Scene
:  Paolo Bonfini

Date: dal 23 gennaio al3 febbraio 

Valerio Mastandrea, uno dei nuovi protagonisti del nostro cinema (ricordiamo Romanzo di una strage di Tullio Giordana, La prima cosa bella e Tutta la vita davanti di Virzì) torna in scena con una novità assoluta di Mattia Torre, giovane autore della serie cult Boris e, per il teatro, di 456 andato in scena la scorsa stagione.

Fra grottesco, malinconia e ironia, lo spettacolo comincia con un incidente appena avvenuto in una strada secondaria di un’isolata periferia romana, completamente deserta, senza passanti, né case.

Un incidente spettacolare: a terra, a pochi metri l’uno dall’altro, due uomini sulla quarantina… 

TEATRO DI CHIASSO:      “É STATO COS̔    

Autore: Natalia Giinzburg

Regia: Valerio Binasco

Attori: Sabrina Impacciatore  

Sabrina Impacciatore, diretta da Valerio Binasco, venerdì 11 gennaio alle 20.30 porterà sul palco del Cinema Teatro di Chiasso i sentimenti, le passioni, le speranze di una donna sola destinata a smarrire la propria esistenza. L’attrice romana interpreterà la protagonista di “È stato così”, monologo teatrale tratto dall’omonimo romanzo di Natalia Ginzburg, e racconterà la storia di un amore disperato e geloso, una confessione dettata dalla dolorosa lucidità di una moglie che per anni ha sopportato la relazione extraconiugale del marito.  

La protagonista è un’insegnante di provincia che mette a nudo i sentimenti più intimi, le passioni, le paure e le speranze nel tentativo di non smarrire del tutto la propria esistenza. Una donna sola costretta a ripercorrere dentro di sé il percorso esistenziale che l’ha condotta al tragico omicidio.

“Natalia Ginzburg è per me tra i più importanti scrittori italiani – commenta il regista Valerio Binasco, che dell’autrice ha già messo in scena “Ti ho sposato per allegria” e “L’intervista” -. Il suo scrivere semplice e musicale arriva a toccare corde emotive fortissime, eppure la sua immaginazione poetica non è attratta dall’eccezionalità. È la grandezza della sua poesia a restituire grandezza umana a piccoli personaggi, li consola di qualcosa che si potrebbe anche chiamare il destino. In questo modo le sue storie riguardano tutti noi”.

“È stato così”, pubblicato nel 1947, dopo la morte del marito Leone Ginzburg, torturato e ucciso per motivi politici e razziali nel carcere di Regina Coeli - è un “quasi esordio” per la Ginzburg ; il suo primo libro autografo. Ed è un romanzo dotato di una misteriosa cupa musicalità: “La sua protagonista senza nome - ancora con le parole di Binasco - è capace di attraversare tutta la sua tragedia con voce asciutta e dura e, tuttavia, con un’ironia struggente e magicamente femminile”. Un testo che non richiede effetti speciali, solo la sensibilità di una grande attrice e di un regista che sappia far risuonare quelle corde sottili.  

TEATRO MANZONI:           “La Locandiera”  

Autore: Carlo Goldoni

Regia: Giuseppe Marini

Attori: Nancy Brilli, Fabio Bussotti, Claudio Castrogiovanni, Maximilian Nisi

Scene: Alessandro Chiti    Costumi: Nicoletta Ercole.

Date: dal 8 al 27 gennaio 2013 

Biglietto:  poltronissima € 30,00  -  poltrona € 20,00

Orari:  feriali ore 20,45  -  domenica ore 15,30

Spietata, modernissima e proto-strindberghiana lotta tra i sessi, “La Locandiera”, oltre a sancire il mio esordio registico nel pianeta Goldoni, non ha mancato di esercitare nel tempo, un lungo tempo, proprio come la sua protagonista, una certa misteriosa malia incantatrice. Mistero che apre oggi delle possibili fessure di comprensione (e interpretazione) in quella sorta di trattato, lucido e precisissimo, sull’egotismo o, meglio ancora, sul narcisismo – o battaglia di narcisismi – che da sempre sembra trovare nella sfera amorosa il suo terreno di applicazione privilegiato.

Nel deserto dei sentimenti, fra le macerie del desiderio, sempre più confuso e confusamente recalcitrante al suo soccombere, l’Eros riemerge nell’accezione più odiosa, quantunque comica e divertente nel caso del capolavoro goldoniano, quella che reca il marchio della supremazia e della rivalsa. Nel perverso, quanto sterile, gioco di relazioni pericolose, l’Amore è sostituito dalle sue recite e la finzione si serve dell’Amore stesso come strumento e mai come autentica componente affettiva, fino al punto che il desiderio (maschile) faticosamente ritrovato, viene deriso e sbeffeggiato prima di morire, sacrificato sull’altare di un narcisismo (femminile) che tra calcolo, opportunismo, rivalsa, anche interclassista (ma le cose non andranno affatto meglio tra componenti della stessa classe) procede, costi quel che costi, senz’altro oggetto se non il proprio trionfo.                                                                                                          Giuseppe Marini

TEATRO SAN BABILA:  "CALIFORNIA SUITE"

Autore: Neil Simon

Regia: Massimiliano Frau, Barbara Terrinoni

Attori: Gianfranco D'Angelo

Date: dal 16 ottobre al 4 novembre

In una suite di un albergo di lusso in California, un uomo in preda al panico  cerca di nascondere l’ingombrante oggetto della sua trasgressione coniugale. Marvin (Gianfranco D’Angelo) ha appena trascorso la notte con una prostituta e la moglie Millie (Barbara Terrinoni), ignara, sta arrivando in albergo per andare insieme alla cresima del nipote.

Una girandola di situazioni comiche nei tentativi sempre più maldestri di nascondere la scappatella con una  raffica di battute a ritmo sostenuto.

 Stessa scena, vent’anni dopo: stavolta Marvin,nei panni del padre della sposa, si ritrova ad affrontare quella che potrebbe diventare una tragedia: la figlia (Tania Borro), chiusa nel bagno della stanza d’albergo, non vuole scendere nel salone, dove l’aspetta quello che dovrebbe diventare suo marito (Francesco Jelo). Dopo suppliche e i tentativi più disparati, la situazione sarà risolta con un colpo di scena  

La commedia diverte perché attinge in modo intelligente dalla vita reale, da persone che tutti noi conosciamo e dalle storie di cui abbiamo sentito parlare, grazie alla capacità di Neil Simon di saper cogliere e sottolineare le debolezze e i difetti umani in maniera efficacie, dando loro una connotazione divertente e insieme malinconica

TEATRO DELLA COOPERATIVA:  "INNOCENTE"

Autore:John Grisham

Regia: Mirko D'Urso

Attori: Mirko D'Urso

Date: 10 e 11 ottobre 2012

Per due sole repliche in prima milanese, il 10 e 11 ottobre Mirko D’Urso presenta al Teatro della Cooperativa il suo spettacolo INNOCENTE, di John Grisham, uno spettacolo sulla pena di morte.  

Un uomo solo. Una gabbia. Una confessione.

Dopo aver letto il romanzo di Grisham, per alcuni giorno ho continuato a pensare a Ronald Keith Williamson. Alla sua vita, a quello che aveva subito, essendo stato ingiustamente condannato a morte per l’uccisione di una giovane ragazza e per aver passato 11 anni nel braccio della morte.

Così ho deciso di mettere in scena INNOCENTE.

Nessuno prima d'ora l'ha fatto. Una sfida dunque.

Uno spettacolo duro, violento, volgare. Come lo era a tratti Ron. Non una (scontata) denuncia della pena di morte. Lo spettatore assisterà alla lenta agonia di un uomo. Assisterà alla sua rabbia, alla sua disperazione, alla sua frustrazione. Alla sua rassegnazione, alla sua pazzia e alla sua morte.

Senza poter far nulla, ma essendo “obbligato” ad accettare ciò che sta accadendo davanti ai suoi occhi. Infastidito, disturbato.

Una gabbia. Una tuta arancione. Un uomo. Una finestra.

E dall'altra parte il pubblico che involontariamente e cinicamente diventerà la società, la legge, il boia.  E forse si vergognerà.                                Mirko D‘Urso  

TEATRO SAN BABILA:  CopaRoom  -  “NOTTE SWING A TEATRO”

Un concerto eseguito dalla Swing band italiana “CopaRoom”, studiato per il teatro sulle note dei più famosi brani resi celebri da Frank Sinatra, Dean Martin, Ella Fitzgerald, Mina, Domenico Modugno e molti altri grandi interpreti. Uno show dallʼ atmosfera intramontabile, originale, elegante e con un gusto tutto italiano. Un percorso musicale tra le più celebri canzoni della storia dello Swing internazionale, passando dal Jazz classico e contemporaneo con sfumature Latin, fino ad arrivare a famosi brani Cha Cha, Mambo e persino Rock’n Roll. La musica unita all’ eleganza e allo stile di “Patrizia Pepe” che vestirà la band per il tour teatrale 2012/2013.

I “CopaRoom” prendono il loro nome dal celebre locale all’ interno del “Sands Hotel” di Las Vegas, dove i più grandi interpreti della musica Swing e Jazz offrirono al pubblico le loro migliori performance, divenendo il quartier generale per nomi del calibro di Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr, Ella Fitzgerald e molti altri.  Unica serata: 10 ottobre 2012.

La Swing band “CopaRoom”, con più di centocinquanta concerti all’attivo ed un Portfolio Clienti di prestigio internazionale, è formata da sette riconosciuti artisti di grande esperienza che hanno collaborato con i più noti nomi della musica e dello spettacolo anche a livello internazionale. 

 TEATRO DELLA COOPERATIVA:   "MENEFOTTO"

Autore: Rocco Barbaro

Attore: Rocco Barbaro

Date: dal 4 al 7 ottobre 2012

Da giovedì 4 ottobre al Teatro della Cooperativa debutta lo spettacolo “Menefotto” dell’artista Rocco Barbaro, brillante autore ed interprete, che racconta in tono ironico la sua esperienza di emigrante calabrese alle prese con la stressante realtà milanese, proponendo un cabaret acuto con risvolti satirici, decisamente coinvolgente.  

Il suo umorismo infatti ricorda quello di altri attori dell'area milanese che hanno fatto scuola come Dario Fo, Giorgio Gaber o Paolo Rossi, comici della parola più che del gesto o della mimica, ricavando il proprio successo dall'interpretazione, in diversi stili, di ciò che avviene nella società.

Rocco Barbaro in chiave ironica e con un retrogusto amaro rappresenta il fenomeno dell’emigrazione dei meridionali verso il nord Italia.

Uno spettacolo in parte autobiografico.

Rocco arriva a Milano dove a causa della sua somiglianza con Michele Placido è costretto a fare ”l’attore famoso“, mettendo in luce i classici stereotipi a cui  è inevitabilmente legata l’Italia settentrionale, il tutto sempre filtrato dalla sua ironia fredda e lucida. L'emigrato, nella sua ansia di integrazione, abbraccia ogni teorema, compreso quello per cui a Milano un giornale che esce al pomeriggio con le notizie del mattino si chiama “La Notte”.

Da qui si snodano una fitta serie di divertentissime parodie, dalla Milano miraggio e delusione, che apre all’Europa e chiude all’Alfa, al consumatore stressato dal 3x2 e dalla pubblicità, per giungere agli attori alle prese con il famoso metodo Stanislavskij. Proprio nelle appassionate dediche a Milano, Rocco Barbaro esprime al massimo le sue potenzialità comiche.

“Mio padre mi diceva sempre tu vai alle medie, poi da lì chiedi”.

Il calabrese Barbaro proporrà la sua comicità fulminante, capace di spiazzare il pubblico senza toni urlati, sfruttando solo la sua genialità spontanea.  

TEATRO MANZONI:     "VENGO A PRENDERTI STASERA"

Regia: Diego Abatantuono

Attori: Nini Salerno, Mauro di Francesco

Date: dal 4 al 7 ottobre 2012

Diego Abatantuono, apre la stagione 2012/2013 del Teatro Manzoni di Milano, debuttando con la sua prima regia teatrale in prima nazionale il 4 ottobre con lo spettacolo “Vengo a prenderti stasera”.

I protagonisti della commedia sono due compagni storici di Diego Abatantuono, Nini Salerno e Mauro di Francesco.  

La vicenda narra l’incontro con la morte, la sua, di un attore (Mauro di Francesco) mai arrivato al successo. Nel tentativo di esorcizzarla, mette a nudo tutte le sue paure. La Morte invece (Nini Salerno), attraverso stupefacenti magie, cerca di persuaderlo a sparire subito e a farsi accompagnare nell’inferno dei “comici”, dove già ha collocato illustri predecessori come Totò, John Belushi, Massimo Troisi, Walter Chiari, Stanlio e Ollio, Charlie Chaplin e Vittorio De Sica. Gli equivoci e i contrasti tra i due proseguono sino ad approdare a un clamoroso colpo di scena finale. Tutto molto surreale e all’insegna della più accesa comicità.  

“Vengo a prenderti stasera” è tratto da “La morte dei comici” di Lorenzo Beccati e Valerio Peretti Cucchi e adattato per il palcoscenico da Nini Salerno, Giovanni Bognetti e da un maestro della comicità come Diego Abatantuono, per la prima volta alla regia teatrale.

Scene curate da Gianandrea Gazzola; musiche a cura di Diego Abatantuono, Nini Salerno e Gianandrea Gazzola. Debutto alla produzione anche per Caremoli & Ruggeri.

Commedia brillante, con un testo originale, molto divertente e al quale non mancano però tracce metafisiche, capace di dosare emozioni e risate.

 

Contest MAD VIESTE PRIZE:   aperte  le iscrizioni

Dal 2 all’8 settembre a Vieste (Foggia) si terrà la prima edizione del M.A.D. Vieste Festival, un evento dedicato alla contaminazione tra arti visive e performative ed interamente rivolto all’arte declinata in tutte le sue forme.  

Il festival nasce con l’intento di creare un ambiente giovane, dinamico e aperto alla libera creatività e all’incontro di forme espressive differenti che prevede eventi espositivi, performance, workshop e stage per la crescita creativa e professionale dei partecipanti.  

All’interno del festival si terrà inoltre il M.A.D. VIESTE PRIZE, contest dedicato ad artisti di ogni nazionalità, che si propone di supportare la crescita artistica e professionale di giovani talenti. Il contest è suddiviso in tre macro-categorie: MUSICA, ARTE E DANZA.

Durante la settimana del M.A.D. VIESTE FESTIVAL i partecipanti al concorso avranno la possibilità di farsi conoscere ed esprimere il proprio talento: i finalisti della categoria ARTE esporranno le proprie opere, mentre gli iscritti alle categorie di CANTO e DANZA potranno esibirsi ed essere valutati da una giuria competente.

I vincitori delle tre categorie saranno inoltre premiati con opportunità formative di diversa natura, utili al proprio percorso artistico.  

Le iscrizioni al M.A.D. VIESTE PRIZE sono già aperte e possono essere effettuate online iscrivendosi al sito www.madprize.it. Il bando e la scheda d’adesione possono essere scaricate dal sito internet oppure richiesti all’indirizzo mail info@madprize.it.  

Milano, 22 giugno 2012

MITTELFEST 2012 - Cividale del Friuli  (14 - 22 luglio)

Mittelfest 2012: tradizionale palcoscenico della cultura mitteleuropea. Nel suggestivo scenario di Cividale del Friuli, tra il 14 e il 22 luglio, un viaggio tra prosa, musica e danza articolato quest’anno su sei percorsi. “Risvegli”, che dà anche il titolo alla 21.ma edizione, è dedicato  ai personaggi che hanno determinato svolte epocali nel campo dell’arte; “Le Voci del Sacro”, per ripercorrere le tradizioni musicali legate alla fede; “Palcoscenico Europa”, con protagonisti d’eccezione e il meglio del balletto contemporaneo; “All That Jazz” per l’incontro con la musica che ha cambiato il mondo: tra i protagonisti Brad Mehldau e Stefano Bollani; “Profili dalla Mitteleuropa” porta in scena il pensiero dei più profondi interpreti della nostra cultura, da Pier Paolo Pasolini a Paul Celan, Biagio Marin, Jaroslav Mikolajewski, ... Infine, un focus dedicato alla più creativa ed esoterica tra le capitali europee: con il percorso “PRAGA MAGICA” approda a Cividale il cuore della Mitteleuropa, con lo straordinario teatro nero Image, il Teatro nazionale di Praga, la leggenda eterna del Golem, il Vaclav Havel della Rivoluzione di Velluto, Stepan Rak, Milan Svoboda e molte altre presenze. Tra i numerosi protagonisti di questa edizione, da segnalare ancora Adriana Asti, Michele Riondino, Massimo Ghini, Pierluigi Cappello, Eleonora Abbagnato, Eimuntas Nekrošius, Francesca Archibugi, Franco Cerri, Ziya Azazi, Glauco Venier, il Coro del Patriarcato Ortodosso di Mosca, Virgilio Sieni, e tanti altri.

Milano, 22 giugno 2012

TEATRO LITTA:        " L'UOMO DAL FIORE IN BOCCA "

Autore: Luigi Pirandello

Regia: Antonio Syxty

Attori: Francesco Paolo Cosenza, Niccolò Piramidal

Date: dal 14 al 21 febbraio e  dal 24 febbraio al 4 marzo 2012

Pubblicata nel 1923, L’uomo dal fiore in bocca è una commedia in un solo atto presentata inizialmente da Pirandello con il titolo La morte addosso. Il protagonista, seduto al tavolino di un caffè notturno di un piccolo paesino, racconta ad un anonimo avventore di avere appena scoperto di esser vittima di un “epitelioma”: il suo nome è più dolce di una caramella, e ben si adatterebbe ad un fiore, ma si tratta di un fiore maligno, un tumore che gli è spuntato su un labbro e che lo costringe a pochi mesi di vita. Invece di abbandonarsi allo sconforto, da questo momento egli ha deciso di cambiare il suo comportamento, il suo modo di vedere il mondo, di osservare la propria vita e quella degli altri. Questi momenti saranno gli ultimi che egli potrà godere, e per questo sono divenuti tutti incomparabilmente preziosi ed importanti.

“Il teatro ha ancora la possibilità di custodire un mistero. Nella nostra epoca dove tutti chiediamo una spiegazione a tutto cercando disperatamente una conferma al mondo mediatico, tecnologico e multitasking, il teatro ha ancora il pregio di fermare il tempo. Ciò accade anche nella nostra vita quando un evento drammatico crea una sorta di black-out nello scorrere degli avvenimenti costringendoci a riconsiderare con occhi e sentimenti diversi gli accadimenti della vita stessa. Il compito dell’artista dovrebbe essere quello di creare apparizioni che possano rivelare il mistero assoluto. Per dirla con le parole di Arturo Schwarz - Senza mistero la realtà non esiste. Il mistero è ciò che deve esistere affinché la realtà sia possibile. E per poter ricreare un mondo sospeso fra mistero e realtà  ho chiesto a Guido Buganza – che oltre a essere uno scenografo di grande talento e fama è anche un bravissimo pittore – di immaginare per lo spettacolo qualcosa che fosse più simile a un’installazione d’arte che una scenografia. E allo stesso tempo ho chiesto anche a Fulvio Melli - autore delle luci e delle immagini proiettate - di poter immaginare un ambiente luminoso ‘non teatrale’, quindi anche questo autonomo e auto-significante. L’idea per me era quella di poter situare questo ‘pezzo unico’ di Pirandello in una zona limitrofa alla vita, sospesa fra realtà delle parole e dei fatti e condizione mutante e mutevole della visione attraverso l’arte. In questo rapporto sospeso e ‘straniante’ anche Francesco Paolo Cosenza che è interprete del ‘pezzo unico’ Pirandelliano diventa un visitatore/viaggiatore della propria vita anch’egli sospeso fra ciò che sembrava essere e ciò che è. Una condizione che ci accomuna tutti. Considero questo un tentativo di ‘messa in opera’ più che una ‘messa in scena’”.      Antonio Syxty

 

TEATRO MANZONI:   " BUON COMPLEANNO"

Autore: Enrico Montesano

Regia: Enrico Montesano

Attori: Enrico Montesano, Goffredo Bruno, Luisana Di Fiore

Date: dal 28 febbraio al 4 marzo 2012

Una festa di compleanno con il Teatro. 45 anni di carriera….45 ma non li dimostra!!…. E’ l’occasione per Montesano per ripercorrere la propria storia: dai sogni dei suoi esordi di attore, ai grandi successi del teatro di rivista, ai popolari personaggi comici creati dalla sua fantasia per la tv:  il tutto accompagnato  da un filo di nostalgia per note e accenti del grande teatro classico, da cui la vita e il successo l’hanno tenuto lontano. Ma anche (e questi son forse nuovi “colori” nella sua tavolozza d’attore, e una “novità” nella proposta) l’occasione per affiancare alle più popolari  macchiette e alle canzoni del suo repertorio “classici” assoli di bravura e di eclettismo.

Ogni pacco regalo che gli sarà recapitato in scena, con il suo pungolante bigliettino d’auguri, si trasformerà in  un pretesto per  scenette, monologhi, canzoni e balli. Non mancheranno  incursioni in quel  teatro classico di cui si accennava prima. Una festa che racconta con ironia, e che passa con disinvoltura, dal ricordo alla frecciata satirica al commento mordace sull’attualità. Il tutto con mano lieve, garbo ed eleganza! L’attore racconta e da  grande affabulatore suscita emozioni, rivive e … recita la propria vita agli spettatori….ma anche a se stesso.

Cosa c’è di più intrigante di un attore che recita, da solo, davanti allo specchio, ciò che non ha mai avuto il coraggio di fare in pubblico…ma che muore dalla voglia di fare, e che si diverte a recitare per se stesso! Ecco allora il pubblico, come una candid camera, assistere e carpirne i segreti!

Uno spettacolo di grande varietà di stili e di accenti, in cui Montesano è affiancato da una giovane soubrette e da un’attrice che danno vita ai ruoli femminili nelle varie scorribande teatrali, e da due validi attori che lo supportano. Un quintetto di musicisti la “Non conforming jazz-band” completa l’affiatato ed armonico gruppo.

Divertimento, bravura, sorpresa: questi i tre ingredienti principali di un incontro teatrale con uno dei più grandi show man dello spettacolo italiano. Nella foto: Il Maestro Achille Guzzardella, L'attore Enrico Montesano mattatore della serata e il direttore di Corrierebit.com Agostino Guzzardella

 

TEATRO PARENTI:         " LO SCARFALIETTO "

Autore: Eduardo Scarpetta

Regia: Gedppy Gleijeses

Attori: Geppy Gleijess, Lello Arena, Marianella Bargilli, Gianni Cannavacciuolo

Date: dal 7 al  19 febbraio

Un vero e proprio racconto, a cominciare dalla scena che si apre come un libro, dal quale emergono, "pop up" in costume, i protagonisti della baruffa coniugale e sentimentale raccontata ne “Lo scarfalietto”, opera nata nel 1881 dalla penna di uno dei padri della commedia napoletana, Eduardo Scarpetta. Motivo del contendere, l’uso notturno dello scaldaletto (in dialetto nel titolo) tra Amalia e Felice, novelli sposi pronti ad arrivare, pur di non recedere dalla lite, alle estreme conseguenze del divorzio. Intorno a loro, riuscitissimi ed esilaranti caratteri, da sempre presenti nella commedia dell’arte e proposti con interpretazione accattivante da Geppy Gleijeses, regista e mattatore, e Lello Arena, volto simbolo di Napoli in teatro. Una messa in scena colorata ed elegante. Un omaggio amorevole e generoso alla città del Vesuvio, dove i sentimenti sono esagerati, le soubrette fanno sognare vecchi benestanti e non manca mai il lieto fine. Un’opera intramontabile, capace, dopo 130 anni, di far ridere con gusto, leggerezza e indulgenza. 

TEATRO NUOVO:    " VARIE-ETA' "

Regia: Massimo Lopez

Attori: Massimo Lopez, Giuliano Chiarello, Alessio Schiavio

Date: dal 7 al 19 febbraio 2012

Un viaggio nelle varie - età dello spettacolo che hanno lasciato tracce indelebili nel tempo, rivisitate in un repertorio musicale dove il jazz e lo swing, nel quale Massimo Lopez veste bene le caratteristiche di cantante crooner, si fondono in una gradevolissima sequenza di indimenticabili evergreen americani ed italiani dagli anni ʼ30 ai giorni nostri eseguiti con lʼaccompagnamento della Big Band Jazz Company ed i pregevoli arrangiamenti del Maestro Gabriele Comeglio che da molti anni affianca lʼartista nelle sue scelte musicali. Uno spettacolo scritto a “cinque” mani dai due fratelli Lopez: Massimo ed Alessandro, un binomio indissolubile e collaudato per evidenziare ancora in questa nuova
produzione teatrale le straordinarie doti canore di Massimo Lopez in un nuovo repertorio di canzoni, la simpatia, lʼeleganza e la comicità. Alcune pagine “amarcord” interpretate in estemporanei colpi di scena evocheranno varie - età del cinema, della radio e della televisione. Tra gli ingredienti fondamentali per completare questo Massimo Lopez show non mancheranno divertenti monologhi ed imitazioni, legate anche all'attualità. Quindi uno show vario e brioso fatto anche di interazioni con gli elementi dell'orchestra, il cast ed il pubblico stesso nel quale lʼartista troverà spazi per raccontarsi nelle sue “varie-età”. Massimo Lopez, torna a firmare la regia di un suo spettacolo lasciando lo spazio
necessario ad un pizzico di sogno e imprevedibilità per favorire le sue ottime qualità di improvvisazione scenica.

TEATRO CARCANO:   " LA BOTTEGA DEL CAFFE '"

Autore: Carlo Goldoni

Regia: Giuseppe Emiliani

Attori: Virgilio Zernitz,Michele Di Giacomo, Antonio Salines, Cristina Sarti

Date: da l'8 al 19 febbraio 2012

Andata in scena nel 1750, la commedia si svolge in una piazzetta di Venezia, sulla quale si affacciano tre botteghe: il laboratorio del barbiere, la bisca di Pandolfo e il caffé di Ridolfo. Uomo dabbene, che svolge il suo mestiere con passione ed onestà, Ridolfo si rammarica perché Eugenio, figlio del suo defunto padrone, è schiavo della passione del gioco che lo sta portando inesorabilmente alla rovina. Ma la vera rovina è l’inclinazione al pettegolezzo di Don Marzio, gentiluomo napoletano, il quale rivela subito che Eugenio ha impegnato con lui gli orecchini della moglie Vittoria e che fa segretamente visita a Lisaura, la ballerina protetta dal conte Leandro. Il giovane, alla mercè del biscazziere Pandolfo e dell’infido Leandro, non dà ascolto a nessuno e si occupa da un lato di ottenere i favori della ballerina, dall’altro di offrire protezione a Placida, una pellegrina giunta a Venezia in cerca del marito. Tutti i nodi verranno al pettine quando Eugenio, esaltato da una modesta vincita, offrirà una cena nelle stanze della bisca …

TEATRO NUOVO:   "L'APPARENZA INGANNA"

Autore: Francis Veber

Regia: Tullio Solenghi

Attori: Tullio Solenghi, Maurizio Micheli

Date: dal 17 al 29 gennaio 2012

Contabile diligente e uomo mite senza qualità, François Pignon lavora per un’azienda di produzioni derivanti dal caucciù, preservativi in primis. Sfortunatamente, è stato deciso il suo licenziamento, la qual cosa, unitamente al divorzio dalla bella moglie di cui è ancora innamorato e al fatto che il figlio diciassettenne non lo considera minimamente, lo porta a contemplare il suicidio. Il suo vicino lo ferma in tempo, dando via a una serie di eventi che cambieranno totalmente la sua vita e persino il suo carattere: il primo passo è quello di fingersi gay, in modo da spingere la dirigenza a non procedere al licenziamento per paura di mobilitare la associazioni omosessuali. L’idea per quanto assurda ha successo su tutti i fronti e ribalta completamente le sorti del povero Pignon, in ufficio, nella società e anche nella vita privata.

TEATRO SAN BABILA:     "SPETTRI"

Autore: Ibsen

Regia:Cristina Pezzoli

Attori: Patrizia Milani, Carlo Simoni

Date: dal 10 al 29 gennaio 2012

Come nei grandi miti della tragedia greca, Spettri si mescolano incesto, follia, verità terribili dopo anni di menzogna. L'ambientazione però è quella di un' allucinata campagna norvegese, resa grigia e stagnante, come l'animo dei personaggi, da una pioggia battente. Un luogo in cui il sole e il calore arrivano inutilmente e sempre troppo tardi.
Quello di Ibsen è un realismo che svela l'ipocrisia della morale borghese, fondata sul perbenismo e sulla religiosità di facciata. Questa storia è una denuncia coraggiosa che fece bandire la pièce per molti anni dai palcoscenici norvegesi.
Il capolavoro di Ibsen unisce agli splendori della tragedia greca le concezioni moderne più alte e più ardite del teatro psicologico e del dramma di idee.
Ancora una volta finge di muoversi unicamente entro l'orizzonte della problematica sociale, degli attacchi anticonformistici alla famiglia borghese, alla morale dominante del tempo. Mentre invece, con un gusto clandestino che fu colto quasi subito dai
lettori e dagli spettatori più attenti, l'indagine si allarga nella descrizione impietosa di un'umanità notturna, sinistra, si sposta a un livello più interno, si esprime nello scavo intrepido della psiche umana, dei mostri dell'inconscio individuale.

TEATRO MANZONI:    "DUE DI NOI"

Regia: Leo Muscato

Attori: Lunetta Savino, Eminlio Solfrizzi

Date: dal 10 al 29 gennaio 2012

“Due di noi” è il titolo che racchiude tre atti unici, concepiti per essere recitati da un'unica coppia d'attori, che raccontano di tre emblematiche e paradossali situazioni matrimoniali. Nella prima, un marito e una moglie, entrambi col sistema nervoso logorato da un pargoletto insonne e urlante, tornano in vacanza a Venezia nella stessa camera d'albergo dove avevano trascorso la luna di miele. Il confronto passato/presente è inevitabilmente comico, tenero, con una punta d'amarezza. Nella seconda la comunicazione di coppia è praticamente azzerata: la moglie sopperisce dialogando in modo surreale con il piede del marito, l'unica parte del corpo che ne tradisce qualche sprazzo emotivo, ad onta della sua ostentata e glaciale indifferenza. L'ultima situazione consiste in un vero e proprio virtuosismo drammaturgico e attorale: marito e moglie si ritrovano a dover gestire una cena alla quale hanno invitato, per errore, una coppia di amici da poco separati e il nuovo boyfriend di lei. Qui il meccanismo comico, spinto al limite della farsa, è potenziato dal fatto che gli stessi due attori, grazie ad un diabolico meccanismo di entrate, uscite e travestimenti, si trovano ad interpretare ben cinque ruoli diversi, dando vita ad un vorticoso crescendo di equivoci fino al paradosso finale.
Sono passati ormai quarant'anni da quel felice esordio, ma la freschezza di queste piccole pièces è rimasta intatta, a riprova del loro valore teatrale e del talento dell’autore.