Aleksandar Madzar per la Società dei Concerti

Nel concerto del pianista serbo Aleksandar Madzar organizzato dalla Società dei Concerti sono state eseguite musiche di Berg con la sua Sonata op.1, di Schubert con la Sonata n.22 in la magg. D 959 e dopo il breve intervallo, di Chopin con le Tre Mazurche op.59 e la Sonata n.3 in si min. op.58. È un pianista di primo livello Madzar. L'avevamo ascoltato l'ultima volta a Milano in un programma interamente dedicato a Bach e ci aveva stupito per le qualità coloristiche. La sua compostezza gestuale si riflette pienamente nel suo approccio pianistico discreto, riflessivo e profondo per restituzione sonora. Non è un pianista d'effetto che tende alla spettacolarizzazione dell'evento ma un interprete al quale bisogna andare incontro, per cogliere le raffinatezze interne al suo perfetto equilibrio formale. Il suono asciutto ed il corretto uso del pedale sono stati presenti sin dal primo brano nel variegato ed intelligente programma proposto. La profondità della breve ed intensa Sonata di Alban Berg , composta dal viennese nel primo decennio del Novecento, ha anticipato le meraviglie della penultima Sonata di Schubert, un altro viennese che raramente è accostato al primo. In questo caso la splendida esecuzione di Madzar ha trovato andature mediamente più lente rispetto ad altre esecuzioni importanti, andature che hanno messo in risalto ogni dettaglio nascosto attraverso pregnanti, delicati e raffinati contrasti coloristici. La chiarezza espositiva delle ultime battute del movimento finale della celebre Sonata D 959 è straordinaria in qualit�� estetica. La seconda parte del concerto, dedicato interamente a Chopin ha messo in risalto ancora la personale modalità pianistica del serbo che lontano da esecuzioni più "polacche" dei grandi del passato trova comunque motivo di grande interesse per l'equilibrio formale e la cifra stilistica complessiva. Valide le Tre Mazurche dell'Op.59, ed eccellente per coerenza l'esecuzione della nota Terza Sonata dove l'approccio "razionale" e costruttivo ben articolato e con dinamiche perfettamente in equilibrio nelle parti, ha parzialmente sacrificato una tendenza "improvvisatoria" specifica di molte celebri interpretazioni. Di altissimo livello i bis proposti con l'Aria dalle Goldberg di Bach e un breve ed intenso Beethoven. Applausi fragorosi da un pubblico molto attento. Da ricordare a lungo.

19 maggio 2016 Cesare Guzzardella

Pietro De Maria prossimamente a Vercelli

Ultimo imperdibile appuntamento della sezione cameristica di questo XVIII Viotti Festival, il concerto di sabato 21 maggio (Teatro Civico di Vercelli, ore 21, concerto in abbonamento) rappresenta un vero e proprio inno a quella magia profonda e impalpabile che soltanto il pianoforte sa creare. Quando, naturalmente, alla tastiera si presenti un grande interprete... Ed è senz'altro questo il caso: protagonista del concerto sarà infatti il veneziano Pietro De Maria, tra i più sensibili e versatili solisti del panorama contemporaneo. Una presenza d'eccezione che consente al Viotti Festival di chiudere in grande stile questa prima sezione annuale dedicata alla musica da camera: un “esperimento” che ha incontrato uno straordinario consenso da parte del pubblico e che sicuramente continuerà ad essere un punto fermo delle prossime edizioni. Verranno eseguiti brani di Chopin, Mendelssohn e Schubert (Wanderer Fantasia)

19 maggio dalla redazione

Benjamin Grosvenor per la Società dei Concerti

Ieri sera il pianista londinese Benjamin Grosvenor ha tenuto un recital per la Società dei Concerti in Conservatorio davanti ad un numeroso pubblico anche se lievemente ridotto dalla pioggia milanese. Era la prima volta che questo ventitreenne pianista britannico veniva per un concerto a Milano. Il programma variegato prevedeva musiche di Mendelssohn, Chopin, Ravel e Liszt. Brani virtuosistici che richiedono una tecnica di elevato livello come quella ampliamente dimostrata dal giovane interprete. Siamo rimasti stupefatti della precisa costruzione geometrico-architettonica offerta dal virtuoso. I dettagli sono chiari e non perde una nota il pianista, dimostrando uno studio minuzioso dei particolari. Il raro Mendelssohn ascoltato con due Preludi e Fughe dall'op. 35 ci ha rivelato subito la cifra stilistica dell'interprete ma è soprattutto con Ravel e Liszt che Grosvenor ci ha stupito. Tralasciamo la Sonata n. 2 op. 35 di Chopin - quella della Marcia Funebre- eseguita con indubbia maestria ma lontana sia dall'alta creatività -Sokolov insegna- ma anche dalle migliori interpretazioni rese celebri dai grandi. In Ravel prima con Le Tombeau de Couperin, in Liszt poi con due lavori quali Venezia e Napoli il pianista ha trovato la sua dimensione espressiva con timbriche splendide, equilibrio delle parti perfetto e momenti di grande maestria virtuosistica. Come spesso accade nei pianisti di nuova generazione, l' attitudine alla musica di tardo Ottocento o ancor più del Novecento è decisamente più marcata, mentre raramente si trova una vicinanza con il primo romanticismo. Il punto di forza di questo eccellente pianista va ricercato nella bellezza delle sonorità scrupolosamente evidenziate osservando la tastiera e messe insieme in un gioco di equilibri geometrici ricchi di simmetriche dinamiche. Molto bello il bis concesso con F. Mompou e il suo La fuente y la campana. Da ricordare e riascoltare.

12 maggio 2016 Cesare Guzzardella

Andrea Bacchetti alle Serate Musicali

Ieri sera, in Sala Verdi, il pianista genovese Andrea Bacchetti ha impaginato in modo intelligente il programma pianistico, un impaginato che prevedeva prima Bach e poi, con una brevissima sosta di pochi secondi, Mozart. Bacchetti ha alternato 3 Suite francesi (n.5-2-1) e 2 Suite inglesi (n.5-2) terminando con il celebre Concerto Italiano BWV 971, in continuità, come fosse un unico brano e senza ritornelli. Il risultato complessivo si è rivelato eccellente. In questo geniale compositore, il genovese è uno dei massimi interpreti italiani, probabilmente il migliore. La chiarezza espressiva della componente melodica, l'equilibrio delle parti, i validi contrasti dinamici e la sicurezza con cui esegue brani perfettamente interiorizzati hanno portato ed un'esecuzione di alto livello estetico. Valutazione diversa per Mozart. Bacchetti ha iniziato in modo eccellente proponendo prima la celebre Fantasia in re minore K397 e poi il Rondò in re maggiore K485. Specie nella Fantasia la chiarezza espressiva di ogni componente musicale, i dettagli precisi e la bella sonorità timbrica hanno rivelato un Mozart di rilevante profondità espressiva. La Sonata in si bem. magg.K333 eseguita a conclusione l'abbiamo trovata un po' squilibrata. La scelta di un'esecuzione con andature più lente di quelle utilizzate dai grandi interpreti del passato ha reso eccessive la ripetizione delle parti. Era forse meglio non ripetere i ritornelli per una resa adeguata alle andature. Valide le qualità timbriche. La splendida sintesi discorsiva della prima parte del concerto ha trovato contrasto con l'eccessiva dilatazione della nota Sonata mozartiana. Positivo il bis proposto con un Improvviso (n.2 D 935) di Schubert. Da ricordare.

10 maggio 2016 Cesare Guzzardella

La Camerata Ducale al Teatro Civico di Vercelli

Di notevole interesse, come sempre, il programma del concerto offerto ieri sera, 7 maggio, dalla Camerata Ducale diretta da Guido Rimonda al Civico di Vercelli, programma quasi interamente cambiato rispetto a quello previsto originariamente. Incorniciato dai due grandi nomi del classicismo viennese, F.J. Haydn e Mozart, campeggiava al centro uno dei pochissimi compositori italiani che, in un pieno ‘800 nel nostro Paese dominato in modo pressoché esclusivo dalla musica operistica, osò avventurarsi sul terreno della musica strumentale: Giovanni Bottesini, “il Paganini del contrabbasso”, nonché uno dei più grandi direttori d’orchestra del tempo (a lui l’amico Verdi affidò la prima dell’Aida). E, come sempre, l’intelligente scelta della Camerata, accanto a opere di universale celebrità, come la Sinfonia in Do maggiore K551 n.41 Juppiter di Mozart, proponeva due pagine di rara esecuzione nelle nostre sale da concerto, eppure meritevoli di essere conosciute, vuoi per il loro valore estetico, vuoi per il loro significato storico-musicale .Il brano d’apertura era una sinfonia giovanile di Haydn, composta nel 1764 (non nel 1754, come erroneamente riportato dal programma di sala), la Sinfonia n. 21 in La maggiore, detta “Brukinthal”. Si tratta di una composizione ancora acerba, di un Haydn che va mettendo a punto il suo stile e il nuovo stampo formale del sinfonismo classico viennese, pur conservando ancora legami con la precedente tradizione, come l’Adagio posto come movimento iniziale, secondo l’usanza della barocca ‘sonata da chiesa’. Con una bellissima metafora, presentando questa sinfonia al pubblico, il Maestro Rimonda l’ha definita “un sorriso” di Haydn. In effetti il tono dominante della composizione è una leggerezza talora ammiccante d’ironia, in cui del “gioioso e rustico” che secondo Charpentier è proprio della tonalità di La maggiore, resta il primo ed evapora il secondo, che in Haydn comparirà più tardi. Di questa levità deliziosa, che si richiama certo allo stile c.d. ‘galante’, ma elaborato con originalità dal genio musicale haydniano, l’espressione più soave è proprio l’Adagio iniziale, eseguito benissimo dalla Camerata, con perfetto stacco dei tempi e precisa scelta delle dinamiche. Ma il giudizio si estende naturalmente a tutta l’esecuzione del pezzo, ove ci è parsa particolarmente raffinata la dialettica archi-fiati (assenti i clarinetti, ancora di raro impiego nell’organico orchestrale del tempo), in cui l’impasto oboi-fagotto-corni francesi, sotto la sapiente bacchetta di Rimonda si armonizzava con delicatezza col velluto degli archi. Una sola domanda: l’organico in partitura prevede anche l’impiego del clavicembalo; perché escluderlo? L’impaginato della serata collocava al centro, prima dell’intervallo, un pezzo che, ai tempi, rese celebre il nostro Bottesini, ma che oggi non viene quasi più eseguito: il Gran Duo Concertante per violino, contrabbasso e orchestra in la minore. In realtà questo Gran duo fu scritto da Bottesini nel 1880 per due contrabbassi: la parte del violino si deve ad una trascrizione dell’allora celebre violinista Camillo Sivori, nella quale gli interventi di Bottesini furono minimi, perciò, a essere giusti, l’opera andrebbe attribuita alla coppia Bottesini-Sivori. Ma tant’è. Si tratta di un componimento di carattere rapsodico, in cui l’intera scena è occupata dai due solisti, con limitati interventi dell’orchestra, più che altro spettatrice degli scintillanti virtuosismi del duo Intendiamoci, non è gran musica, ma alcune melodie non sono prive di intensità e di grazia. E’ una composizione in cui appare fin troppo evidente l’influenza del trionfante melodramma italiano, con i suoi cantabili, di stampo soprattutto belliniano, le sue colorature, i suoi vari numeri ad effetto: insomma, un gran duetto tra un basso e un soprano… I due solisti, entrambi giovani, erano Edicson Ruiz, eccellente ‘prodotto’ del venezuelano ‘sistema Abreu’, attualmente, oltre che solista, ‘concertino’ ai Berliner, e la tedesca Veronika Eberle, più che una promessa a livello internazionale. I due giovani solisti hanno incantato il pubblico con la loro eccellenza tecnica, esaltata da pagine davvero ardue per impegno esecutivo: Ruiz sa far cantare come pochi il suo contrabbasso, ma è anche capace di ottenerne gli effetti sonori più straordinari, con passaggi di velocità impressionante, salti di ottava, colpi d’arco e quant’altro, il tutto eseguito con perfezione assoluta. Da parte sua la Eberle esibisce un’arcata dal suono vigoroso ed intenso, che si amalgama ottimamente con il timbro scuro del contrabbasso, ma è anche capace di inerpicarsi, con rara limpidezza di suono, ai più siderali sovracuti. La sua eccellenza tecnica le consente di ricavare dal suo Stradivari “Dragonetti” (1700) un suono suggestivamente chiaroscurato, sempre caldo e avvolgente, che accende nell’ascoltatore il desiderio di sentirla alle prese con opere di ben altro spessore musicale rispetto a questo Duo bottesiniano. Dopo l’intervallo, il gran finale con la Juppiter. Una Camerata arricchita rispetto al suo organico consueto, ha reso al meglio quelli che sono i due caratteri inconfondibili di questo capolavoro assoluto della musica: la solenne monumentalità e la complessità contrappuntistica dell’architettura, animata da un mondo già beethoveniano di contrasti espressivi. Per interpretare al meglio una simile partitura, il compito principale del direttore è quello di guidare l’orchestra a ‘scavare’ all’interno del singolo tema, seguendolo nelle sue variazioni timbriche, agogiche e dinamiche e nella sua evoluzione contrappuntistica. E’ esattamente ciò che ha fatto Rimonda, restituendoci una Juppiter in tutta la ricchezza straordinaria del suo mondo musicale, dando, soprattutto nello stupendo fugato del finale, la sua voce ad ogni gruppo di strumenti, ad ogni riga della partitura .Un lungo applauso del numeroso pubblico ha salutato sia i due bravissimi solisti, sia la conclusione del concerto, uno dei più belli di questa stagione n. 18 del Viottifestival.

8 maggio 2016 Bruno Busca

Il giovane violinista Gennaro Cardaropoli all'Auditorium di Milano

Un concerto tutto dedicato a Čajkovskij quello ascoltato ieri sera in Auditorium con l'Orchestra Sinfonica Verdi diretta da Zhang Xian. Prima il celebre Concerto n.1 in Re maggiore op.35 per violino e orchestra e poi la Sinfonia n.4 in Fa minore op.36. Solista nel concerto un giovane virtuoso, classe 1997, quale Gennaro Cardaropoli. Salernitano, ha già vinto diversi concorsi internazionali dopo un diploma ottenuto all'età di 15 anni. È decisamente un violinista di spessore e lo ha dimostrato rivelando una sicurezza fuori dal comune nell'affrontare un lavoro molto conosciuto e con difficoltà tecniche rilevanti. La precisione di dettaglio, l'ottima cavata e la perfetta intonazione sono solo alcuni degli elementi che caratterizzano l'efficace riuscita interpretativa per una esecuzione ottima anche nella componente orchestrale. Il concerto ha riscosso un meritato successo in una sala al completo. Le qualità eccellenti dell'interprete sono emerse ancor più nel bellissimo bis concesso con Nel cor più non mi sento di Paganini. La chiarezza timbrica emersa nelle virtuosistiche variazioni della nota melodia hanno strappato gli applausi del pubblico costringendo Gennaro all'uscita ripetuta sul palcoscenico. Ben interpretata anche la Sinfonia n.4 eseguita dopo l'intervallo da una energica Xian che ancora una volta ha dimostrato di ben coordinare gli ottimi strumentisti della Sinfonica Verdi. Replica per domenica alle ore 16.00. Da non perdere.

7 maggio 2016 Cesare Guzzardella

Olga Kern per la Società dei Concerti

Doveva venire con il figlio Vladislav, Olga Kern, pianista russa annualmente ospite della Società dei Concerti, accompagnati dalla Südwestdeutsches Kammerorchester diretta da Timo Handschuh. Una febbre alta ha imposto al più giovane pianista di non venire e la brava Kern è stata costretta ad un rapido cambiamento di programma. Dal concerto previsto, quello per due pianoforti K365 di Mozart , siamo passati al celebre Concerto per pianoforte e orchestra in Re magg. Hob XVIII di Haydn, pagina classica nota soprattutto per il folcloristico "Rondo' all'ungherese" ma che trova nel "Un poco Adagio" centrale un momento di autentica valenza musicale. La Südwestdeutsches Kammerorchester aveva anticipato il concerto con l' Ouverture “Don Chisciotte alle nozze di Gamace”di A. Salieri e, dopo l'esecuzione della pianista, ha concluso il concerto con la Sinfonia in re magg. “Veneziana” ancora di Salieri e con la Sinfonia in si bem. magg. KV 139 di Mozart. Valide le esecuzioni orchestrali e la direzione di Handschuh. La protagonista della serata ha invece interpretato il concerto haydniano con grande equilibrio formale eseguendo il movimento centrale con notevole espressività. Ma è nei quattro bis solistici offerti come bis che abbiamo trovato la Kern virtuosistica che conosciamo. Prima con un Preludio di Debussy il n.12 "Feux d'artifice" , poi con uno Studio di Prokofev l'op.4 n.2, quindi una breve pausa romantica con il celebre Traumerei di Schumann e per finire il virtuosistico Volo del calabrone di Korsakov-Rachmaninov .Fragorosi gli applausi dal numeroso pubblico intervenuto.

5 maggio 2016 Ceaare Guzzardella

Il Quartetto Apollo Musagète in Conservatorio

Per la prima volta ospite della Società del Quartetto la formazione d'archi "Quartetto Apollo Musagète" ha tenuto un concerto ieri sera in Sala Verdi. Sono quattro interpreti polacchi giovani e bravissimi rispettivamente Pawel Zalejski e Bartosz Zachlod ai violini, Piotr Szumiel alla viola e Piotr Skweres al violoncello. Vincitori di concorsi internazionali importanti come quello ARD di Monaco di Baviera vinto nel 2008, i quattro musicisti sono specializzati in musica contemporanea ma ieri sera hanno impaginato un programma "classico" dove tra il Quartetto in re maggiore op.18 n.3 di Beethoven e il Quartetto n.15 in sol maggiore D 887 di Schubert hanno eseguito un raro ma splendido quartetto giovanile di Anton Webern denominato Langsamer Satz, dieci muniti di intensa musica tonale dal carattere romantico, lontana da quella che sarà la ricerca compositiva del viennese ma di grande impatto emotivo. Bravissimi questi quattro interpreti, tutti di alto livello tecnico-espressivo. Ci è piaciuta la sobrietà della timbrica che si evidenzia con sonorità raffinate ed intellettuali ricche di sottili e profondi contrasti dinamici. Nei momenti di grande coralità melodica i quattro archi hanno espresso livelli estetici molto alti ma complessivamente tutte e tre le interpretazioni hanno portato a notevoli rilevanze espressive con un punto di maggior rilevo in Webern e nel noto e lungo quartetto di Schubert che ha concluso la serata tra i fragorosi applausi del pubblico e le ripetute uscite in palcoscenico. Speriamo di risentirli presto, magari con ancora con la prestigiosa Società del Quartetto. Da ricordare.

4 maggio 2016 Cesare Guzzardella

APRILE 2016

Lo Spiegel Trio per la Società dei Concerti anticipa la Stagione 2016-17

Il Concerto Straordinario organizzato dalla Società dei Concerti per presentare la Stagione 2016-2017, ha trovato mercoledì scorso sul palcoscenico di Sala Verdi nel Conservatorio di Milano, un trio strumentale molto giovane denominato Spiegel Trio formato da Zlata Chochieva al pianoforte, Ermir Abeshi al violino e Nikolay Shugaev al violoncello. La breve presentazione illustrata dal Presidente Antonio Mormone rivela una stagione ricca di novità dove tra grandissimi nomi, molto conosciuti, troviamo nuove proposte certamente di qualità. Abbiamo quindi ascoltato due brani noti quali il Trio in la minore di M.Ravel e il Trio in la minore op.50 di P.I.Caikovskij. Ottime le interpretazioni con un punto a favore al melodico brano del grande russo dove è emersa tutta la poetica romantica del compositore. Le sinergie espresse dal valido trio con la perfetta armonizzazione pianistica della Chochieva, l'intenso vibrato di Abeshi e la precisione discorsiva del cellista Shugaev, hanno trovato valido riscontro tra la numerosissima platea intervenuta. Un trio già noto in Europa che abbiamo avuto l'occasione di ascoltare grazie all'eccellente organizzazione della Società dei Concerti. Un bis di qualità, anche ripetuto, con un brano di Piazzolla, Decarisimo.

29 aprile 2016 Cesare Guzzardella

Fulvio Luciani e Massimiliano Motterle al M.A.C. di Milano

Continuano i concerti cameristici al M.A.C., spazio gestito dalla Sinfonica Verdi utilizzato sia per concerti che per conferenze. Questa mattina il duo formato dal violinista Fulvio Luciani e dal pianista Massimiliano Motterle è tornato con un programma diversificato che ha intervallato musica contemporanea, con Glass e Messiaen, alla classica di Beethoven . Il brano eseguito come introduzione, la Sonata per violino e pianoforte di Philip Glass è un recente lavoro del compositore americano, data infatti 2008 e riassume, con un linguaggio tonale di non difficile fruizione, l'evoluzione del compositore dal minimalismo storico a certo post-minimalismo vicino al neoclassicismo più recente. Le strutture armoniche hanno ancora evidenti ripetitività funzionali alla ricerca compositiva ma si scorgono, nella profonda sonata ascoltata, riferimenti a certi stilemi settecenteschi. Bravissimi Luciani e Motterle a cogliere in modo limpido e con una restituzione chiara - acustica della sala permettendo - l'essenza della ricerca di Glass, autore ormai entrato nel repertorio di molti eccellenti interpreti di musica classica. Il secondo brano, del 1941 di Olivier Messiaen , è un movimento tratto dal notissimo Quatuor pour la fin du temps, e denominato Louange à l'immortalité de Jesus. È facilmente riconoscibile il linguaggio profondo di questo geniale compositore francese che con apparenti semplici strutture armoniche e molodiche esprime intensamente sentimenti profondi legati, in questo caso, alla sofferenza. L'ultimo brano, la Sonata n.10 in sol maggiore op.96 di Beethoven è tra i più celebri e tra i più eseguiti lavori del genere cameristico. L'ottima interpretazione dell'eccellente duo non è stato aiutata dalla infelice sonorità della sala che pur essendo di eleganza sobria e raffinata, meritava all'origine uno studio acustico ad hoc per l'uso musicale intenso. Eccellente il bis concesso con l'Uccello profeta dalle note Waldszenen op.82 di Robert Schumann. I due bravi interpreti torneranno nel mese di maggio per il sesto appuntamento cameristico.

24 aprile 2016 C.G.

La Camerata Ducale di Guido Rimonda a Vercelli

E’ ormai divenuto uno dei riti più piacevoli, per la mente e per l’animo, nella zona risicola d’Italia, l’appuntamento, grosso modo quindicinale, al Teatro Civico di Vercelli, con la Camerata Ducale e il suo fondatore, direttore e violino solista Guido Rimonda, con il suono intenso e trasparente del suo leggendario Stradivari “Le Noir”, con i programmi, sempre pensati con intelligenza e fine cultura musicale ed eseguiti con sapienza tecnica ed espressiva, in una intesa ormai perfetta stabilitasi tra orchestra e solista in quasi vent’anni di esperienza. Ed è un rito che attira un pubblico numeroso, vario per età e cultura musicale, ma sempre attento, concentrato, emotivamente partecipe, la cui fedele presenza attraverso gli anni è, speriamo, di non poco aiuto a superare le assurde difficoltà burocratico-economiche cui va attualmente incontro questa formazione musicale, che meriterebbe ogni sostegno da parte di chi amministra la città e la regione, e contro cui sta combattendo impavida quella impareggiabile figura di Direttore Artistico che è Cristina Canzani, compagna di lavoro e di vita di G. Rimonda. Appunto ad una di queste rituali serate abbiamo assistito ieri sera, 23 aprile, per ascoltare un programma, ancora una volta, molto stimolante sul piano storico-musicale, oltre, naturalmente, che per la qualità delle composizioni proposte. Un impaginato che metteva a confronto, attraverso il ‘genere’ del concerto per violino e orchestra nel tardo settecento, due civiltà e linguaggi musicali diversi, pur nella reciprocità delle influenze: quello del classicismo viennese di Haydn (Concerto n.4 in sol maggiore per violino e soli archi, Hob.VIIa: 4) e di Mozart (Concerto per violino n.3 in sol maggiore KV 216) e quello della scuola italiana, rappresentata per l’occasione da quel G. B. Viotti, di cui oggi Rimonda è il più valente esecutore e studioso non solo in Italia, ma probabilmente a livello internazionale. Il grande violinista vercellese era presente in programma con una selezione di tre dei suoi pezzi più noti: il primo tempo Allegretto del Concerto n. 25 in la minore, la “Meditazione in preghiera” e infine quel Tema e variazioni in Do maggiore, che, composto nel 1781, presenta il tema della ‘Marsigliese’ , di cui dunque sarebbe il vero autore e di cui, con un autentico plagio, Rouget de Lisle si sarebbe appropriato undici anni dopo (il dibattito tra i musicologi è aperto). Il Concerto n. 4 di Haydn è, in realtà, uno dei tre soli con certezza attribuibili al grande compositore di Rohrau: di non frequente esecuzione nelle nostre sale, è una deliziosa composizione in cui, pur nell’impianto bitematico dell’Allegro-form iniziale, sono ancora presenti tracce del modello vivaldiano della ‘forma a ritornello’, ma inserita nel contesto completamente nuovo di un intenso dialogo solista-orchestra, in particolare nell’Allegro finale. I momenti migliori, che Rimonda rende magistralmente per delicatezza di tocco e impareggiabile trasparenza nel fraseggio, sono nell’Adagio centrale, tutto giocato sul sottile trasformarsi dei profili ritmici e su delicate variazioni di colore affidate ai timbri degli archi e del violino solista, e nel finale che impegna il solista in continui staccati alla corda (i cd. detaché, di cui fu maestro Viotti) e altri ‘balzati’, in un ritmo assai serrato nel dialogo con l’orchestra. Bellissima l’esecuzione del KV 216 di Mozart, in cui la voce inconfondibile del Le Noir incanta il pubblico in alcuni dei passaggi più memorabili del concerto, tra cui ci limitiamo a citare lo straordinario Adagio, di cui l’esecuzione di Rimonda, che tocca una limpidezza espressiva vicina all’estasi , ricorda il giudizio del musicologo Alfred Einstein di una musica che “sembra venire dal cielo”. Con l’Allegretto di Viotti si entra in un altro mondo sonoro, di spumeggiante vivacità ritmica, variata più che sviluppata secondo gli schemi della forma-sonata austro-tedesca, ma con una patina di nobiltà, che giustamente Rimonda sottolineava nella presentazione del pezzo, ricco di difficoltà tecniche, che la cavata sempre sciolta e precisa del solista non faceva neppure avvertire. I due ‘pezzi di baule’ di Rimonda, la patetica e delicata ‘Meditazione in preghiera’ e il Tema con variazioni hanno dato ancora una volta prova della vasta gamma espressiva di cui è capace Rimonda, che svaria con la stessa intensità di penetrazione nello spirito musicale della partitura dal più effuso patetismo alla squillante fanfara. Pur stanchi (il pomeriggio erano stati impegnati nella registrazione del concerto per il terzo canale radiofonico della Rai), Rimonda e la Camerata hanno concesso un bis, un brano dalla colonna sonora del film Schindler’s List, che, proprio nell’esecuzione della Camerata Ducale, la Deutsche Grammophon ha inserito in un recente CD dedicato alla musica da film. Noi ci permettiamo di applaudire a questo brano anche come omaggio all’imminente Festa della Liberazione. Come sempre, grandi applausi di un numeroso pubblico per una appagante serata di musica.

24 aprile 2016 Bruno Busca

Enrico Dindo per il Concerto n.1 Op.107 di Dmitrj Šostakovič al Dal Verme

Il concerto di ieri sera al Dal Verme con l'Orchestra de I Pomeriggi ha trovato anche nel ruolo di direttore il noto violoncellista Enrico Dindo. Impegnato nel Concerto n.1 in mi bem.maggiore op.107 per violoncello e orchestra di Dmitrj Šostakovič , ha diretto poi la Seconda Sinfonia op.36 di Beethoven. Come sempre accade in questa rassegna musicale, la serata è iniziata con l'esecuzione di un breve brano commissionato dall'Orchestra de I Pomeriggi e dedicato ad un racconto tratto da Le Città invisibili di Italo Calvino. Clarice -De alio ordine, il brano di Paolo Longo(1967) ci è apparso ben scritto, dal carattere energico e dall'aspetto introduttivo. La suggestione creata dai numerosi incisi, staccati decisi che intervallano il lavoro, rendono la breve ed intensa composizione adatta a certo cinema di tensione. Applausi anche al compositore salito sul palcoscenico. Il brano di maggior rilievo è stato il concerto del compositore russo. Tra le opere più eseguite della sua copiosa produzione, l'Op.107 ha trovato un Dindo in stato di grazia. L'esecuzione, di altissimo livello espressivo, era curata nei dettagli sia per quanto concerne la parte solistica che in quella orchestrale. Le dinamiche, nei giusti rapporti, hanno sottolineato la varietà discorsiva del lavoro e anche il coinvolgente Larghetto dove la tensione melodica è più rilevante, è stato definito in modo eccellente sia nella timbrica del violoncello, perfetto anche nei difficili sopracuti, che dai colori orchestrali. Un plauso anche all'orchestra de I Pomeriggi. Meno rilevante ma comunque di piacevole ascolto la Sinfonia n.2 in re maggiore op.36 del Maestro di Bonn, con alcuni frangenti di importante tensione emotiva. Applausi fragorosi al termine. Replica domani alle ore 17.00 . Da non perdere.

22 aprile 2016 Cesare Guzzardella

Meritato successo per La Cena delle beffe alla Scala

Il testo teatrale di Sem Benelli portato al successo nel 1909 venne utilizzato da Umberto Giordano per la sua terza opera, "La cena delle beffe", nel 1924, riscuotendo consenso unanime al Teatro alla Scala sotto la direzione di Arturo Toscanini. Opera considerata minore è in realtà un'eccellente prova musicale del verismo italiano dal valore non minore di altri lavori più celebrati e frequentati. Ieri sera abbiamo assistito alla quarta rappresentazione scaligera e siamo usciti soddisfatti per la messinscena di Mario Martone, coadiuvato dalle ottime scenografie di Margherita Palli e dai costumi di Ursula Patzak. Lo spostamento temporale dalla Firenze dei Medici alla Little Italy mafiosa newyorkese degli anni '20 è stata un'ottima trovata di Martone e co. che certamente avrà modo di trovare una giusta esportazione estera. Quest'ultima produzione scaligera, dai primi commenti, sembra essere piaciuta molto e in effetti la qualità del complessivo teatrale con l'ottima direzione orchestrale di Carlo Rizzi ed il convincente cast vocale, piace per la quasi trasposizione cinematografica del lavoro. I rapidi cambiamenti scenografici determinati dall'eccellente macchina scenica scaligera, dove le tre principali scene circolano in verticale in tempi rapidissimi rivelando subito i quattro brevi atti, mettono in risalto tutti i protagonisti: da Giannetto Malespini, nella chiara voce tenorile di Marco Berti a Ginevra nella poco sensuale ma robusta voce del soprano Kristin Lewis, dal baritono Nicola Alaimo, perfetto e scenico Neri Chiaramantesi, al soprano Jessica Nuccio , una bella e brava Lisabetta reinventata nel finale a sorpresa e d'effetto con l'abbondante carneficina di tutti, a Leonardo Caimi ottimo Gabriello, il fratello del "pazzo", a tutti gli altri. Meno di due ore di spettacolo quasi cinematografico sottolineati dalla vera protagonista che risulta essere l'eccellente musica di Giordano con la sua raffinatezza armonica ottimamente interpretata dall'orchestra scaligera. Ultime repliche previste per il 23 e il 28 aprile ed il 4 e 7 maggio . Da non perdere.

21 aprile 2016 Cesare Guzzardella

Musica contemporanea a Vercelli

La Società del Quartetto di Vercelli ha offerto ieri sera, 20 aprile, nella sala della musica del Museo Borgogna un’occasione d’ascolto più unica che rara in questa zona d’Italia tra Sesia e Ticino: un programma interamente dedicato alla musica ‘colta’ del secondo novecento e contemporanea, affidato al grande percussionista Antonio Caggiano e al chitarrista, non meno celebre protagonista della Nuova Musica in Italia, Sergio Sorrentino. Il pubblico ha avuto cosi la possibilità di ascoltare i risultati della ricerca di compositori del calibro di Battistelli, Cage, Reich, Maderna, Alvin Curran (il cui brano Convergent Sounds, in prima esecuzione assoluta, per chitarra elettrica e vibrafono è dedicato proprio al duo Caggiano-Sorrentino), Feldman, Didkovsky, Glass. Come si può notare dall’elenco dei nomi in programma, affiora una certa predilezione per il minimalismo americano, coi suoi fondatori storici, Feldman, Reich, Glass, e i suoi epigoni (la tarda produzione di Curran), accompagnata da una certa propensione per le esperienze più aleatorie della musica postseriale.Il concerto era infatti aperto da un ‘brano’ (la definizione tradizionale va presa con una certa cautela) di G. Battistelli, all’insegna dell’alea più radicale, come testimonia l’assenza di spartito o di qualsiasi indicazione esecutiva: “Il libro celibe per un performer”, con ovvio riferimento alla ‘Macchina celibe’ di Duchamp, con cui, secondo Lyotard, ha veramente inizio l’arte contemporanea. Dunque, una sorta di nuovo inizio della musica. Questo’ libro’ di Battistelli si presenta come un contenitore, da ‘sfogliare’, di materiali vari: una sottile lastra metallica, numerosi fogli di carta di diversa qualità e spessore, corde e metallofoni di piccole dimensioni. L’esecutore, nell’occasione Caggiano, fa ‘suonare’ uno dopo l’altro queste fonti sonore, passando dal semplice rumore del fruscio della carta, oppure del soffio su di essa, fino al tinnulo suono dei metallofoni: una sorta di rito religioso di inaugurazione del concerto, la trasformazione del rumore/suono nel suono più propriamente musicale. Non tutte le composizioni previste dall’impaginato lo sono ab origine per il duo chitarra elettrica-vibrafono, esibitosi ieri sera: alcune sono trascrizioni di partiture concepite per orchestra o altri ensemble strumentali. Tuttavia la nuova timbrica ottenuta da questa coppia di strumenti ha spesso esaltato alcune caratteristiche del pezzo, immergendolo in un mondo sonoro inedito: è il caso di “Dream” di Cage (originariamente concepito per pianoforte e quartetto di viole), in cui il nuovo impasto timbrico accentuava al massimo l’affascinante atmosfera onirico-visionaria, con le sue suggestioni orientaleggianti; o, ancora , è il caso della “Serenata per un satellite” di B. Maderna, capolavoro della musica aleatoria italiana, che prevede un’ampia scelta fra gli strumenti per l’esecuzione, ma non cita la chitarra elettrica e il vibrafono: ebbene, in questa versione le suggestioni di infinito dilatarsi dello spazio/tempo ispirate da questo pezzo stupendo risultano valorizzate dagli echi metallici del vibrafono e dal suono ricco di sfumature della chitarra di Sorrentino. Chitarra elettrica e vibrafono sono poi la coppia strumentale ideale per rendere al meglio il ritmo ipnotico della musica minimalistica, sia nella variante ‘phasing’ di Steve Reich (“Piano Phase”), sia in quella che si esprime in rigorose iterazioni di cellule sonore, propria della fase del minimalismo più ortodosso di Philip Glass, di cui è stato eseguito, a conclusione della serata uno dei brani più celebri, “Music in similar motion”. Molto interessante il pezzo inedito del concerto, quel” Convergent sounds” di Curran, che dava anche il titolo alla serata: è una partitura in cui si riconoscono, stratificate in un assieme sonoro di potente suggestione, le diverse influenze musicali che il compositore, americano di origine, ma italiano di adozione (vive a Roma da quarant’anni) è venuto via via assimilando nel corso della sua lunga carriera, dalla musica di Giacinto Scelsi, cui lo legarono rapporti di amicizia personale, al minimalismo, con qualche vaga reminiscenza di free jazz: ed ecco un brano diviso in due sezioni, la prima dal ritmo rapsodico, errante, onirico, con l’iterazione di cellule sonore dall’andamento contemplativo, e una seconda ritmicamente incalzante, anch’essa peraltro basata sul principio dell’iterazione di frammenti sonori. Bravissimi i due escutori, non solo per l’abilità ‘tecnica’ dell’esecuzione, ma anche e soprattutto per la finezza e profondità espressiva con cui hanno dato voce a musica che andrebbe più spesso eseguita nelle nostre sale da concerto. Veramente degno di lode il Sorrentino esecutore solista di un pezzo di Morton Feldman recentemente scoperto (e quindi in seconda esecuzione europea ieri a Vercelli),” The Possibility of a new work for Electric Guitar”, di cui la chitarra di Sorrentino ha saputo esaltare il ritmo lento, rarefatto in lunghe frasi musicali, sospese sull’orlo del silenzio. Sala piena, pubblico con molte facce giovani ed entusiaste dopo una bellissima serata di Nuova Musica, di cui siamo riconoscenti alla coraggiosa Società del Quartetto. La nostra speranza è che non resti un episodio isolato.

21 aprile 2016 Bruno Busca

Un quartetto molto particolare in Conservatorio per Serate Musicali.

7 aprile 2016 Cesare Guzzardella

Enrico Dindo e Pietro De Maria per Serate Musicali

Il violoncellista Enrico Dindo ed il pianista Pietro De Maria hanno tenuto un concerto per Serate Musicali impaginando un programma che prevedeva musiche di Beethoven, Schumann e Brahms. Del grande tedesco abbiamo ascoltato prima le 7 Variazioni in mi bemolle sul tema " Bei Mannern welche Liebe fuhlen" da "Il Flauto magico" e poi la nota Sonata n.3 in la maggiore op.69; di Schumann Adagio e Allegro in la maggiore op.69 e di Brahms la nota Sonata n.1 in mi minore op.38. Certamente la qualità complessiva è stata di ottimo livello con un maggiore equilibrio complessivo della coppia in Beethoven e in Schumann e con una prevalente componente espressiva di Dindo in Brahms. Due i bis concessi dai due valenti interpreti tra cui uno splendido Cantabile di César Cui.

5 aprile 2016 C.G.

Gianluca Cascioli al Teatro Civico di Vercelli

Di fronte alla perfezione è difficile dire qualcosa: si resta in muta ammirazione. A questo pensavamo ieri sera, sabato 2 aprile, mentre sul palcoscenico del Teatro Civico di Vercelli si spegneva l’ultima nota del concerto solistico del pianista e compositore Gianluca Cascioli, programmato nell’ambito del Viotti festival. Ma, come replicava Adorno a Wittgenstein, di ciò di cui non possiamo parlare dobbiamo parlare. Già qualche osservazione merita il programma, impaginato con rara accortezza su una scelta di composizioni esclusivamente beethoveniane: il giovane pianista torinese ha accompagnato il pubblico, accorso numeroso come sempre da quasi ogni angolo del Piemonte, lungo un percorso tutt’altro che scontato, che partiva dalla non notissima, ma splendida, Fantasia in sol minore op.77, comprendeva le Sei Bagatelle op. 126, il congedo di Beethoven dal ‘suo’ strumento, il pianoforte, e culminava nella monumentale Hammerklavier op.106. Un percorso che puntava dunque con coerenza sul Beethoven più ‘rivoluzionario’, più sperimentale, alla ricerca di una libertà assoluta da schemi e forme convenzionali, quella ricerca culminata nel c.d. terzo stile di cui sono altissima testimonianza l’Hammerklavier e le Bagatelle, ma che evidentemente il genio di Bonn già veniva conducendo da anni, come testimonia la Fantasia op.77, opera di carattere assolutamente rapsodico, nel suo quasi anarchico vagabondare, nello spirito di una wanderung di stampo ormai romantico, nella più assoluta e sconcertante libertà agogica e melodico-armonica, frantumata da frequenti pause, sapientemente valorizzate dall’interpretazione di Cascioli. Un Beethoven geniale anticipatore di gran parte della musica successiva, da Schubert (le Bagatelle) a Brahms (l’op.106) e persino Chopin, con le straordinarie, per l’inizio del XIX secolo, armonie della mano sinistra ben oltre l’intervallo di decima, che appunto il grande polacco riprenderà anche dall’immenso Adagio sostenuto dell’Hammerklavier. L’eccellenza dell’interpretazione di Cascioli ha unito finissima capacità di dare risalto al minimo dettaglio strutturale (e qui si vede bene la sensibilità del Cascioli compositore) e una tensione espressiva che in ogni singola nota scava nella profondità del suono, nei suoi strati armonici, alla ricerca di un mondo sonoro che si fa immediatamente mondo interiore dell’ascoltatore: indimenticabile, a tal riguardo, la quarta Bagatella, in si minore. Cascioli ottiene questi risultati grazie ad una pulizia e precisione di suono di impressionante trasparenza, a rigorose scelte metronomiche e a un uso del pedale di esattezza assoluta, che gli permettono un fraseggio essenziale nell’architettura, con ogni nota al suo posto e nel suo giusto rilievo costruttivo (come nell’esemplare esecuzione della grande fuga finale dell’Hammerklavier) e un controllo perfetto dei registri timbrici, dell’orchestrazione della partitura, che tocca l’apice nell’op.106, in particolare nel terzo tempo, col suo svariare tra mondi sonori tra loro lontani, dal più solenne corale al più intimo notturno. Una caratteristica ulteriore del pianismo del giovane maestro torinese, che ci capita di ascoltare di rado in altri interpreti, è il ricorso a pause di durata talora leggermente superiore al consueto, che contribuiscono a conferire un alone suggestivo e penetrante al tessuto sonoro, quasi separandolo in nuclei di energia musicale che emerge come un’essenza misteriosa dall’abisso del silenzio. Delizioso il bis, sempre da Beethoven, il giovanile Rondò n.2 in Sol Maggiore op.51, ricco di aggraziata e capricciosa fantasia. Interminabili gli applausi per un concerto davvero memorabile: si sono dovute spegnere le luci sul palcoscenico, prima che il pubblico lasciasse il teatro, nella speranza di ricevere da Cascioli il dono di altra musica.

3 aprile 2016 Bruno Busca

Zhang Xian dirige Schumann,Goldmark e Malipiero in Auditorium

E' tornata con l'Orchestra Sinfonica Verdi Zhang Xian per un concerto che prevedeva tre compositori quali Schumann, Goldmark e Malipiero. Il tema della primavera ben si addice alla scelta dell'impaginato e in effetti la Sinfonia n.1 op.38 "La Primavera" di Schumann, Im Fruhling op.36 di Goldmark e la Sinfonia n.1 in quattro tempi come le quattro stagioni di Malipiero hanno in loro le tematiche stagionali che hanno reso unitario questo bel concerto. La direzione della Xian è sempre stata all'altezza con attacchi precisi e svolgimenti efficaci anche nei dettagli e la Sinfonica Verdi ha mostrato ancora una volta la sua capacità di spaziare in ogni compositori dando sempre eccellenti risultati interpretativi. Siamo passati dal 1831 del primo brano, al 1888 del secondo, al 1933 del terzo lavoro e ci siamo accorti di come ci sia un filo conduttore unico in composizioni scritte nell'arco di quasi cento anni. La rara sinfonia di Gian Francesco Malipiero è tipica di un compositore che vuole recuperare gli stilemi del passato creando un linguaggio piuttosto neoclassico tipico del periodo storico in cui è inserita ed è un lavoro importante per il sinfonismo italiano che, non solo con Malipiero, deve trovare una maggiore risposta in termine di esecuzioni. Ottime tutte le interpretazioni. Domani alle ore 16.00 la replica.

2 aprile 2016 Cesare Guzzardella

MARZO 2016

Uto Ughi e Bruno Canino alle Serate Musicali

Il violinista Uto Ughi e il pianista Bruno Canino giovedì scorso hanno tenuto un concerto per Serate Musicali davanti ad una platea molto numerosa. Ad un anno esatto dalla loro ultima venuta in Sala Verdi nel Conservatorio milanese, la coppia di musicisti ha impaginato un programma classico che prevedeva brani di quattro compositori: un poco frequentato brano di Tommaso Antonio Vitali, la Ciaccona in sol minore, una sonata di Beethoven, quella in do minore op.30 n.2 , una sonata di Brahms , quella n.3 in re minore op.108 e al termine ,al posto della prevista Fantasia di Wieniawski dal Faust di Gounod, la più celebre Fantasia sulla Carmen di Bizet di Pablo de Sarasate. L'ottimo vibrato del sonoro violino di Ughi ha trovato equilibrio nelle timbriche chiare e precise del pianoforte di Canino. Abbiamo a volte riscontrato una certa disomogeneità espressiva dovuta non tanto alla cifra musicale del duo che rimane di alto livello estetico con modi stilistici ed interpretativi entrati nella storia, ma a certo carattere "estemporaneo" del violino di Ughi che pur con sentita espressività, specie nella celebre sonata brahmsiana e nella virtuosistica fantasia dalla Carmen, ha visto alcune incertezze iniziali nelle belle variazioni di Vitali. Il bravissimo Ughi dovrebbe sforzarsi di variare un po' i programmi visto che la bellissima Fantasia di Pablo De Sarasate l'aveva proposta come bis nel marzo 2015, come anche il bis concesso con la celebre Ridda dei folletti di Bazzini. Molto bello anche il bis con una Danza Espagnole di Granados. Siamo sempre contenti di ascoltare due interpreti che da quasi mezzo secolo fanno la storia dell'interpretazione italiana. Da ricordare.

28 marzo 2016 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli il pianista Gianluca Cascioli

Sabato 2 aprile 2016 al Teatro Civico di Vercelli, ore 21.00, Gianluca Cascioli terrà un concerto con il seguente programma: musiche di L.v.Beethoven, Fantasia in sol minore op.77, Sei bagatelle op.126, Sonata n.29 op.106, Hammerklavier Info: www.viottifestival.it Associazione Camerata Ducale 011 75.57.91

dalla redazione

18 marzo C.G.

16 marzo 2016 Cesare Guzzardella

Alessandro Trebeschi e Costanza Principe sostituiscono Louis Lortie alle Serate Musicali

Un' indisposizione del pianista canadesa Louis Lortie ha permesso a due giovani promesse del pianismo italiano di esibirsi in Sala Verdi per Serate Musicali. Alessandro Trebeschi e Costanza Principe si sono alternati in un programma vario ed interessante. Il pianista ci ha proposto musiche di Liszt, Mendelssohn, Ravel e Debussy mentre la Principe brani di Schubert e Schumann. Bravi entrambi con Trabucchi che ha mostrato sensibilità di tocco ed equilibrio soprattutto in Ravel eseguendo Jeux d'eau e in Debussy con Reflets dans l'eau e L'isle jeyeuse. La Principe, che si è concessa maggiore spazio con un "concerto nel concerto" dalla durata di oltre sessanta minuti, ha rivelato grinta e sicurezza non disgiunta da raffinata sensibilità sia nei Drei Klavierstücke D946 di Schubert che nella Toccata op.7 e nella Sonata n. 1 in fa maggiore op.11 di Schumann. Entrambi i pianisti hanno concesso un bis. Bravissimo anche Trabucchi col suo bis in Ciaikovskij dalle Stagioni-Giugno. Calorosi applausi da parte di un pubblico poco numeroso ma di qualità.

15 marzo 2016 Cesare Guzzardella

Il pianista Paolo Bordoni allo SpazioTeatro 89

Non poteva concludersi meglio la stagione di concerti cameristici nel piccolo ed accogliente SpazioTeatro 89. Il pianista bergamasco Paolo Bordoni è stato accolto dal numeroso pubblico nell'elegante sala di via Fratelli Zoia 89 a Milano, per un concerto incentrato su Beethoven e su Schubert, musicista quest'ultimo da sempre molto apprezzato ed eseguito dal pianista. Ricordiamo che Bordoni, docente nei Conservatori musicali per decenni, è un pianista relativamente conosciuto dal pubblico che segue la musica classica ma certamente tra i più rinomati interpreti di Schubert, con eccellenti incisioni discografiche e le interpretazioni ascoltate in questa unica occasione hanno reso esplicite le sue qualità. L'impaginazione del pomeriggio musicale prevedeva di Beethoven il Rondò in do maggiore, 7 Variazioni su God save the king e la nota Sonata op.53 "Aurora", quindi di Schubert i rari 12 Valzer op.18 e la celebre "Wanderer Fantasie". A questi si è aggiunto il noto Valse-Caprice n.6 trascritto da Liszt . Valido il Beethoven ascoltato, non sostenuto dallo stato di salute del pianoforte che meritava una migliore accordatura, ma comunque è nell'ottimo Schubert che abbiamo riscontrato il meglio. Di valore i brevi ed eleganti 12 Valzer. Valida la Wanderer e semplicemente splendida l'interpretazione del Valse-Caprice n.6 di Schubert-Liszt espressa con una capacità di esternazioni delle timbriche di altissimo livello. Bordoni al termine ci ha donato un altro capolavoro interpretativo con un bis di raro equilibrio e di autentica profonda espressività : Clair de lune da la Suite Bergamasque di Claude Debussy. Un finale stratosferico per una domenica da ricordare a lungo.

14 marzo 2016 Cesare Guzzardella

Due serate per due diversi violinisti al Dal Verme e in Auditorium

Il concerto di venerdì sera al Teatro Dal Verme per I Pomeriggi Musicali ha rivelato un interessante interprete e direttore quale Stefano Montanari. La sua presenza scenica si fa notare sia per le sue sembianze dark che per le sue evidenti gestualità in controtendenza con le consuetudini tradizionali  della maggior parte degli interpreti. Ma quello che a noi è interessato è stata la qualità del Concerto per Violino e Orchestra n.3 in Sol maggiore K 216 di Mozart e della celebre Settima Sinfonia in La maggiore di Beethoven. Non dimentichiamo anche il brano introduttivo di musica contemporanea commissionato da I Pomeriggi al musicista iraniano Mhedi Khayami: La città infelice, Raissa. Il breve lavoro dalla durata di meno di 7 minuti, diretto minuziosamente da Montanari, ha evidenziato le notevoli capacità musicali di un autore che con pochi elementi melodici ma con timbriche sottili e raffinate ha descritto l'infelicità della città Raissa tratta dal breve racconto di Italo Calvino. Notevoli applausi all'interpretazione e al musicista salito sul palcoscenico. Il seguente brano mozartiano con il celebre concerto ha trovato nel violinista-direttore Montanari un creativo. Traspare da questa ottima esecuzione l'esperienza da solista e di direttore di Montanari nei repertori di musica antica. Interessanti gli evidenti piccoli cambiamenti della scrittura originaria ed efficace il suo modo di dirigere nell'intento di evidenziare la componente più autentica della musica mozartiana allontanandola dalla visione classico-romantica ottocentesca. Di valore quindi l'interpretazione espressa. Valida in molti frangenti, anche la nota sinfonia beethoveniana potenziata negli elementi ritmici e negli accenti, ma non uniforme nell'insieme dei movimenti. Il secondo concerto, quello ascoltato ieri sera in Auditorium con la Sinfonica Verdi, era diretto da Tito Ceccherini e ha visto la presenza sul palcoscenico di un altro virtuoso violinista quale Domenico Nordio. Più tradizionale nella presenza del virtuoso precedente, Nordio ha avuto l'intelligenza di proporre due autentiche rarità del repertorio violinistico con due musicisti purtroppo sempre troppo poco proposti quali Ferruccio Busoni e Gian Francesco Malipiero. I due concerti violinistici erano incastonati tra due lavori orchestrali di un altro grande strumentista italiano quale Ottorino Respighi, certamente tra gli italiani il più eseguito. Il Concerto per Violino e Orchestra in Re maggiore Op.35a di Busoni è opera di fine Ottocento ( 1896-97) e risente l'influsso di Beethoven e Brahms nell'orchestrazione e nello stile di scrittura per violino sebbene nel lavoro si colga già il nuovo secolo. I tre movimenti sono collegati tra loro in modo unitario come in un lungo poema sinfonico dove la parte violinistica, sostenuta in modo impeccabile da Nordio, è l'elemento preminente. Le timbriche del virtuoso sono apparse minuziose nei dettagli e la resa complessiva di genuina classicità. Anche nel Concerto per Violino e Orchestra n.1 di Malipiero la resa complessiva della Sinfonica Verdi e di Nordio è stata ottima. Il primo breve concerto di Malipiero composto nel 1932 riscopre la classicità e recupera la tradizione antica, come avviene spesso tra i musicisti della generazione nata negli anni '80 (Respighi, Malipiero, Casella, ecc.) . L'ottima discorsività della parte violinistica e l'efficace integrazione con le sonorità orchestrali sono già un buon motivo per mantenere questa rarità compositiva nei programmi da concerto. Un bis esclusivo, probabilmente in prima esecuzione italiana, per il solo violino di Nordio con un raffinato brano del compositore-pianista turco Fazil Say intitolato Cleopatra. Le celebri Fontane di Roma (1916) e Pini di Roma (1924) del bolognese Respighi hanno trovato nell'introduzione e nel finale della splendida serata motivo di soddisfazione per il direttore Ceccherini  e per la Sinfonica Verdi. Specie per i più eseguiti Pini, l'esecuzione ci è apparsa di eccellente qualità con visione complessiva del lavoro formalmente ineccepibile e unitaria. Le sonorità di ogni sezione orchestrale erano di indiscutibile valenza estetica ed elegante il gesto direttoriale, efficace anche nel definire ogni tenue dettaglio. Lunghi e fragorosi gli applausi al termine. Oggi alle 17.00 replica al Dal Verme per Montanari e domani alle ore 16.00 replica in Auditorium per Nordio. Concerti da non perdere.

12 marzo 2016 Cesare Guzzardella

Il pianista Perahia per la Società del Quartetto

E' tornato ieri sera in Conservatorio per la Società del Quartetto il pianista newyorkese Murray Perahia. Il suo primo concerto per la storica società avvenne quasi cinquantanni fa nel 1968. Da allora Perahia è salito sul palcoscenico di Sala Verdi almeno un dozzina di volte e con maggiore frequenza in questi ultimi anni. Il classicismo di questo eccellente interprete si è esternato nell'esecuzione di brani di Mozart, di Brahms e di Beethoven. La sua minuziosa ricerca di perfezione timbrica e i perfetti equilibri dinamici sono emersi già dal Rondò in la minore K 511 e quindi nella Sonata in la minore K 330 del salisburghese. All'insegna della luminosità e della perfezione di dettaglio questa prima parte del concerto ha trovato nella sonata mozartiana andamenti piuttosto accelerati ma ben equilibrati. La prima parte della serata è stata completata anche da cinque brani molto noti di Brahms, una Ballata, tre Intermezzi e un Capriccio dalle opere 118, 119 e 116. Andature corrette nell'esecuzioni di questi capolavori romantici di fine '800. La seconda parte del concerto prevedeva l'Op. 106 "Hammerklavier " di Beethoven, certamente tra le più celebri e complesse sonate del Maestro di Bonn. L'interpretazione di Perahia ci è apparsa quella migliore tra i brani proposti. La rapidità espositiva del lavoro ha messo in rilievo l'aspetto più virtuosistico della celebre sonata. Siamo rimasti stupiti della chiarezza dei dettagli nell'Allegro introduttivo e nello Scherzo, che dimostra l'attitudine alla perfezione. L'Adagio sostenuto centrale, sebbene eseguito molto bene, meritava forse una maggiore riflessione interpretativa, mentre la poderosa fuga a tre voci dell'Allegro risoluto nel finale ha ritrovato un pianismo grintoso e determinato. Nessun bis. Un concerto di alto livello nella tradizione classica terminato con fragorosi applausi dal numeroso pubblico intervenuto.

9 marzo 2016 Cesare Guzzardella

Freddy Kempf per le Serate Musicali

Ieri sera il trentottenne pianista londinese Freddy Kempf ha presentato un programma che era incentrato su brani di Beethoven e di Chopin. E' da molti anni che Kempf viene alle Serate Musicali e dobbiamo dire che oltre ad una tecnica virtuosistica di alto livello abbiamo ritrovato un pianista ancora più personale in Chopin . La chiarezza discorsiva della Sonata in Re maggiore n.15 Op. 28 "Pastorale" del musicista tedesco che ha introdotto la serata risponde maggiormente a modalità interpretative entrate nella storia. Kempf tende ha velocizzare alcuni movimenti e ha espresso con ottima chiarezza equilibrati contrasti dinamici. Partendo da due Polacche di Chopin le opere 40 n.2 e 44, il pianista è entrato maggiormente nelle sue migliori qualità estetiche . Specie la Polonaise in Si minore op. 44 ha visto un'interpretazione molto personale, accentuata nell'andatura e con una sintesi discorsiva decisamente accattivante. Il suo Chopin, come anche nella successiva Sonata in Si minore n.3 op.58, esce dallo stile dei grandi interpreti del passato e trova una nuova interessante ed efficace rappresentazione. Il taglio melodico-armonico dato da Kempf con forza effettistica e ricchezza di energia riesce ad essere convincente ed è sorretto da un equilibrio corretto. Chopin di Kempf è certamente una novità interpretativa di questi ultimi anni che rivela grande creatività. Come detto in passato, Kempf eredita dal grande Horowitz il bisogno di dominare la tastiera cercando una timbrica giocata sull’effetto e sui contrasti dinamici sovente molto accentuati, ma quello che più conta con modalità personali. Di grande effetto il brano proposto al termine del programma ufficiale con un Stars and Stripes forever di Sousa/Horowitz funambolico. Un bis ancora di Chopin intimo con un ottimo Studio .Grande successo. Da ricordare.

8 marzo 2016 Cesare Guzzardella

Il duo Dego-Leonardi al Viotti Festival di Vercelli

Il nuovo appuntamento con il vercellese Viotti Festival, ieri sera sabato 5 marzo al Teatro Civico, proponeva un recital di un duo violino-pianoforte che si è venuto affermando in questi ultimi tempi come uno dei più agguerriti in Italia: quello formato dalle due giovani e bravissime Francesca Dego (violino) e Francesca Leonardi (pianoforte). Il programma di sala presentava due capolavori assoluti della letteratura per questa formazione, entrambi “ultimi numeri” di una serie: l’ultima sonata delle dieci beethoveniane per violino e pianoforte, l’op.96 in SOL maggiore e l’ultima delle tre sonate di Brahms per i due strumenti, l’op.108 in re minore. Chiudevano la serata i Tre Capricci di Paganini op.40 per violino e pianoforte di K. Szymanowsky. I punti di forza del duo Dego-Leonardi sono due. Anzitutto la bravura tecnica e interpretativa con cui ciascuna di loro suona il proprio strumento: la cavata della Dego ottiene dal suo Guarneri, già appartenuto a Ruggero Ricci e prima di lui allo stesso Paganini e noto come il “Cannone”, un suono luminoso, denso di plastica energia, perfettamente intonato, con acuti e sovracuti di straordinaria limpidezza e il sovrano dominio di ogni difficoltà esecutiva, come è apparso evidente nel Poco Allegretto finale della sonata di Beethoven, un complesso Rondò con variazioni, ricco di ardui tecnicismi. Non è certo da meno, per perizia interpretativa ed esecutiva, la Leonardi, capace di dare al suo strumento una funzione che non si esaurisce nel ‘semplice’ accompagnamento delle quattro corde, ma conferisce alla tastiera un potente rilievo in un costante dialogo ‘paritario’ col violino: bellissimo il fluttuante tappeto sonoro creato nell’esposizione del primo tema dell’Allegro iniziale della sonata brahmsiana, con l’energico ritmo sincopato e un po’ sghembo tra tempi binari e ternari, in contrasto con l’elegante regolarità della linea melodica del violino. L’altra virtù che distingue Dego e Leonardi è appunto la perfetta integrazione dialogica, l’intesa che sembra sorgere spontanea dalla loro esecuzione, maturata in lunghi anni di collaborazione. Più ancora che nella sonata di Brahms, tale qualità ha dato il meglio di sé nell’op.96 di Beethoven, nella quale le due interpreti hanno realizzato al meglio il risultato raggiunto dalla scrittura matura del Maestro di Bonn, cioè il perfetto amalgama dell’insieme strumentale come un organismo completo, in cui il dialogo tra i due strumenti è valorizzato al massimo. Ne è scaturita una eccellente esecuzione della sonata, con la sua ariosa serenità che può rievocare certi indimenticabili momenti idillici della sinfonia Pastorale. Nell’interpretazione del capolavoro di Brahms gli ascoltatori hanno potuto ammirare la cura raffinata del dettaglio, armonico e timbrico, nel trattare il complesso materiale tematico e melodico, specie nei due tempi estremi: di coinvolgente bellezza, l’ascensione verso i registri sovracuti del violino nella sezione finale dello sviluppo del quarto tempo, scandita dai delicati accordi sincopati del pianoforte, ha fatto vibrare nei nostri animi quel sentimento che si può esprimere solo con il verbo di Dante:” trasumanar”. Non ha aggiunto molto all’ottimo livello esecutivo del concerto il pezzo di Szymanowsky, che cambia completamente la timbrica del capolavoro di Paganini, con esiti non sempre convincenti. I due bis concessi alla fine della serata, una brevissima Bagatella di Busoni (“ I moretti”) e il Cantabile per violino e pianoforte op.17 di Paganini, hanno congedato un pubblico numeroso ed entusiasta.

6 marzo 2016 Bruno Busca

Louis Lortie e Orazio Sciortino su palcoscenico del Dal Verme per I Pomeriggi musicali

Un concerto di grande interesse quello ascoltato ieri sera al Teatro dal Verme per I Pomeriggi Musicali. Il pianista canadese Louis Lortie, da tempo affermato interprete, in qualità anche di direttore ha eseguito musiche di Mozart, Sciortino e Schubert. Il Concerto per pianoforte e orchestra n.22 in Mi bemolle maggiore K 482 del salisburghese lo ha visto al pianoforte e alla direzione per una resa stilistica e interpretativa all'insegna della classicità. Il brano, tra i più eseguiti del repertorio concertistico mozartiano, è stato affrontato con rigore tecnico e in valida sinergia con l'orchestra de I Pomeriggi. Nella parte centrale della serata è salito sul palcoscenico Orazio Sciortino, giovane ed affermato compositore per un suo lavoro ispirato al breve racconto Fedora da "Le città invisibili" di Calvino, scritto per l'orchestra de I Pomeriggi e denominato Notturno a Fedora. La direzione orchestrale di Sciortino stesso ha ancora trovato Lortie al pianoforte. L'intenso Notturno, dalla durata di circa otto minuti, é un breve concerto per pianoforte e orchestra dove le sonorità pianistiche sono al centro di un brano nel quale l'orchestra gioca un ruolo essenziale di sottolineatura e completamento delle raffinate sonorità pianistiche. Sciortino, intervenendo alla presentazione della sua nuova composizione, ha precisato che il brano è una sua prima esperienza per pianoforte e orchestra, pur avendo già composto un nutrito numero di lavori, molti dei quali eseguiti in questi anni a Milano. Il suggestivo lavoro, ancora una volta ci pone di fronte ad un musicista serio e di elevata statura compositiva. Lortie da direttore ha terminato la serata con una valida interpretazione della Sinfonia n.4 in Do minore D 417 "Tragica" di F. Schubert. Sentiti applausi al termine. Replica prevista per domani, sabato alle ore 17.00. Da non perdere.

4 marzo 2016 Cesare Guzzardella

Chen Guang per la Società dei Concerti

È tornato in Conservatorio il pianista cinese Chen Guang per un concerto sinfonico diretto da Jan Willem De Vriend alla testa della Sinfonieorchester Wuppertal. Scoperto alcuni anni or sono dalla Società dei Concerti, Guang ha presentato in Sala Verdi il Concerto n.3 in Do maggiore op.26 di S. Prokof'ev dimostrando ancora una volta - ricordiamo il concerto solistico tenuto nel 2014 dove aveva eseguito del russo la Sonata n.7 - di avere affinità con il repertorio di primo '900. Ha ventidue anni oggi Guang e in fatto di tecnica ed equilibrio formale è certamente sorprendente. Le sonorità percussive di questo importante concerto, come quelle delle celebri sonate, sono emerse unitamente ad una qualità stilistica ricca di chiarezza espressiva e di rigore formale. Si scorge sotto la molteplicità delle note uno studio accurato che con apparente facilità risolve i virtuosismi del grande compositore russo che ricordiamo essere stato anche un talentuoso virtuoso della tastiera. Ottima l'orchestrazione della valida compagine tedesca che ha trovato qualità ed equilibrio in ogni settore, come valide la direzione di De Vriend e le interpretazioni sia del brano introduttivo di Mendelssohn - Meeresstille und glückliche Fahrt. Ouverture in re magg. op.27 - che della più nota Sinfonia in si magg. op.38 di Schumann. Due i bis solistici di Guang: un buon Schubert con il Momento musicale n.3 e un ottimo Scarlatti con una nota energica Sonata. Lunghi e fragorosi gli applausi al termine. Prossimo appuntamento per il 30 marzo con il duo clarinetto e pianoforte formato da Raphael Sévère e Theo Fouchenneret.

3 marzo 2016 Cesare Guzzardella

Il Quartetto di Cremona per Mozart

Ieri in Conservatorio è continuata l'integrale dei 23 quartetti mozartiani con l'eccellente Quartetto di Cremona. La Società del Quartetto ha giustamente messo in rilievo questi capolavori mozartiani proponendo un integrale in ordine cronologico. Ieri è stata la volta dei sei quartetti che il salisburghese ha composto intorno all'età di 17 anni a Vienna, dimostrando in alcuni frangenti uno spessore creativo-musicale di altissimo livello. Si tratta dei Sei Quartetti Viennesi del 1773 e precisamente i K 168-169-170-171- 172-173. Ricordiamo ancora che le eccellenti interpretazioni ascoltate sono opera di Cristiano Gualco e Paolo Andreoli, violini, di Simone Gramaglia, viola, e Giovanni Scaglione, violoncello. L'efficace equilibrio dinamico del gruppo, la chiarezza delle esposizioni melodico-armoniche dei quattro archi hanno determinato in Sala Verdi una esecuzione di elevato prestigio musicale. Il prossimo appuntamento per l'integrale dei 23 Quartetti mozartiani è prevista per il 17 maggio con i quartetti dedicati ad Haydn dove ascolteremo brani del Mozart più maturo. Da non perdere.

2 marzo 2016 Cesare Guzzardella

FEBBRAIO 2016

Kavakos e Pace per Serate Musicali

É un duo cameristico consolidato e di rara qualità quello formato dal violinista greco Leonidas Kavakos e dal pianista riminese Enrico Pace. Nella splendida serata di ieri in Sala Verdi hanno eseguito brani di Debussy, Szymanowski e R. Strauss. La Sonata n.3 in Sol minore del francese ha introdotto il concerto e ha subito evidenziato lo spessore interpretativo del duo giocato su un'intesa eccellente dove il pianista Pace ha un ruolo fondamentale nel sostenere la componente più melodica del violino di Kavakos. L'ottimo equilibrio dinamico di Pace, definito da timbriche precise, secche e luminose, favorite anche da un uso ottimale del pedale di risonanza, ha messo in rilievo le raffinatezze del violinista greco, ancor più nel virtuosistico brano del polacco Szymanowski, Mythes op.30. Il brano in tre movimenti è del 1915 e presenta novità timbriche giocate sull'impiego degli armonici e dei sopracuti generalmente difficili da eseguire. Non per il solista greco che con mirabile chiarezza espressiva ha superato ogni difficoltà tecnica. Eccellente l'interpretazione del duo anche nelle esecuzioni dei successivi brani di Strauss: il Valzer da Der Rosenkavalier op. 59 e la Sonata in Mi bem. maggiore op.18 . Qui il colore morbido di Kavakos ha trovato sostegno nelle determinate timbriche di Pace. Grande il successo in una Sala Verdi con numeroso pubblico e tre i bis concessi tra cui di De Falla, Danse du meunier, e di Sarasate, Romanza andaluza. Da ricordare a lungo.

1 marzo 2016 Cesare Guzzardella

Beatrice Rana e Benedetto Lupo ai Pomeriggi Musicali

Un concerto di qualità quello ascoltato ieri pomeriggio in replica, con due ottimi solisti al pianoforte quali Beatrice Rana e Benedetto Lupo. L'Orchestra de "I Pomeriggi" era diretta da Corrado Rovaris in un programma vario e ben costruito nel quale il francese F.Poulenc e W.A.Mozart sono stati anticipati da un recente brano commissionato da I Pomeriggi al compositore Alberto Cara. Abbiamo trovato estremamente piacevole e immediato nella comprensione ritmico-armonica il brano Ottavia, città sospesa sull'abisso, un lavoro di poco più di cinque minuti ben orchestrato dove si sentono influssi di una tradizione del Novecento americano (Gershwin , Bernstein, ecc.) con presenza di strutture ritmiche dal sapore anche jazzistico. Il brano, ispirato ad un breve racconto di Calvino, è ricco di contenuti musicali lontani nella scrittura dalla Seconda Scuola di Vienna e più vicini alla Neo-tonalità. Dopo l'esecuzione applausi anche al compositore salito sul palcoscenico. Il clou del concerto era rappresentato da uno dei più felici e conosciuti brani di Francis Poulenc, il Concerto per due pianoforti e orchestra in re minore . Brano dal sapore neoclassico, deve molto a Mozart per equilibrio costruttivo, e presenta elegantemente, nello stile francese tipico di questo geniale compositore, una quantità di eccellenti idee melodico-armoniche che rendono le sequenze musicali estremamente varie. Ottima la divisione delle parti pianistiche e significativo il tessuto orchestrale dal carattere molto sinfonico e unitario. Bravissimi i due solisti con Lupo impegnato nella prima parte pianistica e la Rana che lo segue in modo eccellente . La seconda parte del concerto ha avuto come protagonista Mozart con il Concerto per due pianoforti e orchestra n.10 K. 365 e la celebre Sinfonia n.40 K.550 . Di grande equilibrio formale l'interpretazione dei due solisti coadiuvati dalla valida direzione di Rovaris e splendido il bis solistico concesso con il noto L'embarquement pour Cythère per due pianoforti di Poulenc. A conclusione dello splendido pomeriggio, ottima l'interpretazione della Sinfonia n.40 eseguita con energica espressività. Prossimo appuntamento con il pianista canadese Louis Lortie nella veste anche di direttore per un concerto di Mozart ( K482), la Sinfonia "Tragica" di Schubert e come introduzione, "Fedora" di Orazio Sciortino. Da non perdere.

28 febbraio 2016 Cesare Guzzardella

Emilio Aversano alle Serate Musicali

Sono andato venerdì scorso ad ascoltare Emilio Aversano, noto per le sue "maratone" pianistiche, alle Serate Musicali. Devo dire, in tutta sincerità, che non mi è piaciuto per nulla. E dirò anche che alla fine della prima parte del concerto, dopo un Mozart (Fantasia K 397) a mio parere melenso e troppo lento, un Beethoven (Sonata op.31 n.2) che non riuscivo a riconoscere come Beethoven e uno Schubert con un Improvviso ( op.90 n.3)che ho trovato terribilmente insipido, tra gli applausi di un pubblico che evidentemente apprezzava comunque il concerto, sono andato via alquanto irritato. Ho letto gli articoli dei giornali in rete che hanno parlato di lui in questi ultimi anni e tutti i recensori si soffermano forse troppo sulla quantità di musica che l'interprete sforna e poco sulla qualità estetica espressa. La quantità non è necessariamente proporzionale alla qualità. Uno dei più grandi e geniali virtuosi del pianoforte, Arturo Benedetti Michelangeli, centellinava i nuovi brani da proporre perché aveva capito che prima di ogni altra cosa , per esprimere vera arte musicale, - e l'interpretazione pianistica è arte con la A maiuscola - bisogna essere certi di dire qualcosa di originale, con modalità nuove e con profondità di pensiero. Altrimenti è mestiere, è ripetizione di quello che altri hanno già fatto. Da ascoltatore appassionato suggerisco al Maestro Aversano di concentrarsi su poche cose per valorizzarle. Auguri.

28 febbraio 2016 C.G.

Steven Isserlis per Serate Musicali

Il violoncello dell'inglese Steven Isserlis ha accolto un pubblico numeroso in Sala Verdi con un programma che prevedeva soprattutto musiche di J.S.Bach. Tre Suite per violoncello solo, la n.3 in do maggiore, la n.2 in re minore e la n.6 in re maggiore, sono state intervallate da due brevi brani di György Kurtag e precisamente Suovenir de Balatonboglár e Árnyak. Eseguiti senza soluzioni di continuità con le Suite bachiane n.2 e 6, i lavori di Kurtag sono un omaggio di Isserlis al compositore ungherese per i 90 anni dalla nascita. È certamente un ottimo violoncellista Isserlis. Ha eseguito i capolavori del sommo Bach a memoria con fluidità estrema a dimostrazione della completa interiorizzazione di ogni elemento melodico-timbrico e con una personalizzazione accentuata in ogni movimento. Una velocizzazione dell'andatura nella Suite n.3 ha trovato contrapposizione in una maggiore riflessione nella Suite n.2 interpretata con pathos quasi romantico. Di valore tutte le esecuzioni. Lunghi applausi e salita in palcoscenico di Hans Fazzari, pianista e storico organizzatore di Serate Musicali, per un bis per pianoforte e violoncello ottimamente eseguito con un noto lied di Schubert trascritto per cello e dal titolo Litanie. Fragorosi applausi.

23 febbraio 2016 Cesare Guzzardella

Bahrami alle domeniche de "I Pomeriggi"

Le domeniche de " I Pomeriggi", sette matinée musicali al Teatro dal Verme sono state inaugurate da un pianista celebre quale l'iraniano Ramin Bahrami, interprete specializzato in Bach, che ha voluto inaugurare la lodevole Stagione domenicale progettata da Maurizio Salerno con brani del grande sassone. Dirigendo l'Orchestra d'archi de I Pomeriggi e interpretando al pianoforte celebri pagine, a cominciare dalla celebre Aria sulla quarta corda trascritta per pianoforte ed archi, Bahrami ha entusiasmato il numerosissimo pubblico intervenuto per ascoltarlo. Non dimentichiamo la dedica iniziale di Bahrami a due letterati recentemente scomparsi, Umberto Eco e Piero Buscaroli, quest'ultimo attento studioso della musica di Bach. Dopo l'Aria dalla Suite n.3 in Re maggiore, sono stati eseguiti due celebri concerti per pianoforte ed archi quali quello in La maggiore BWV 1055 e quello in Re minore BWV 1052, inframmezzati dai Contrapunctus I-V e XI trascritti per archi da L'Arte della fuga. Questo capolavoro teorico-musicale conclusivo di Bach, si avvale di una molteplicità di trascrizioni per diversificate formazioni strumentali. Bahrami ha eseguito in altre occasioni e anche inciso una lodevole versione pianistica. Le indiscusse qualità delle interpretazioni di Bahrami si fondano su una capacità di personalizzare la musica bachiana attraverso caratteristiche di leggerezza e sintesi discorsiva molto "pianistica", completamente diverse dalle modalità interpretative del grande artista di riferimento, Glenn Gould, spesso elogiato dall'iraniano. Di altrettanto valore estetico le interpretazioni di Bahrami: profondità di pensiero e perfezione discorsiva si fondono per un'esecuzione fluida, ricca di dinamiche sottili e certamente di valore. Intenso il bis pianistico con la nota Aria dalle Variazioni Goldberg. Fragorosi gli applausi al termine. Il 6 marzo alle ore 11.00 l'Ottetto di fiati de I Pomeriggi interpreterà due Serenate di Mozart.

21 febbraio 2016 Cesare Guzzardella

Il violino di Edoardo Zosi per la Società dei Concerti

Da alcuni anni torna in Sala Verdi per le serate organizzate dalla Società dei Concerti la SudwestDeutsche Philharmonie. Ieri sera la compagine tedesca era insieme al giovane violinista italiano Edoardo Zosi per uno tra i più celebri concerti per violino e orchestra, quello di F.Mendelssohn in Mi Min op.64. L'Orchestra diretta da Evan Christ ha mostrato ottima cifra stilistica con un brano d'effetto introduttivo quale il Poema sinfonico n.3 Les Preludes di Franz Liszt. Questo lovoro è ricco d'energia e le sezioni orchestrali danno sfoggio di virtuosismo attraverso timbriche ridondanti ma certamente ben costruite dal grande compositore ungherese. Dopo il poema sinfonico introduttivo la più pacata ma comunque energica espressività di Mendelssohn, con il suo celeberrimo concerto violinistico, è stata evidenziata dalla timbrica solare e molto italiana del violini di Zosi. È stato molto bravo il solista a condurre il concerto con una modalità strumentale nella quale la componente melodica risulta funzionale alla struttura armonica del brano in un rapporto dialettico tra i più coinvolgenti nella storia della concertistica per violino. Il concerto, tra i più eseguiti, è ricco di espressività romantica nelle molteplici sequenze melodiche e trova nell'ultimo movimento tutta la genialità brillante estemporanea di Mendelssohn. Zosi ha centrato il segno con la sua perfetta intonazione e la sua valida proposta interpretativa che evidenzia anche il suo costante studio per raggiungere una perfezione formale di rara fattura. Ottima l'interpretazione anche nelle sezioni orchestrali. Valido il bis solistico di Bach concesso da Zosi. Dopo l'intervallo la bravura dell'orchestra e del suo giovane direttore è emersa con un'ottima lettura della Sinfonia n.5 in Mi min. op.64 di Čaikovskij.

Sabato 5 marzo 2016, alle ore 21.00 presso il Teatro Civico di Vercelli si terrà un concerto della violinista Francesca Dego e della pianista Francesca Leonardi. Il concerto fa parte della diciottesima edizione del Viotti Festival e permette di rispondere nel modo migliore a una domanda che molti spettatori e appassionati si saranno posti: come risponde l'Italia alla marea di solisti d'eccezionale bravura provenienti da un po' tutto il mondo? Bene, la violinista Francesca Dego e la pianista Francesca Leonardi offrono una risposta chiarissima: possiamo davvero essere orgogliosi del nostro Paese. Giovani, brillanti, affermate a livello internazionale, dotate di cristallina, impeccabile musicalità e di un'incantevole presenza scenica, Dego e Leonardi rappresentano oggi una delle punte di diamante del concertismo contemporaneo, e sul palco del Teatro Civico lo dimostreranno grazie anche a un programma di rara intensità e di profonda, straordinaria bellezza dove verranno eseguite anche la Sonata per violino e pianoforte in re minore Op. 108 di Brahms e i 3 Capricci di Paganini Op. 40 di K. Szymanovsky. Da non perdere! http://www.viottifestival.it/

19 febbraio 2016 dalla redazione

Dopo molti anni la Pires in Conservatorio per il "Quartetto"

E' tornata in Conservatorio dopo anni la pianista portoghese Maria Josao Pires. Era venuta di recente al Teatro alla Scala per eseguire il Quarto concerto di Beethoven, ma da solista era da molto tempo che non l'ascoltavamo. Ieri sera nel concerto organizzato dalla Società del Quartetto è arrivata in Sala Verdi con una sua ottima allieva quale la trentenne armena Lilit Grigoryan. Hanno suonato a quattro mani Schubert e da soliste Beethoven. Il programma di particolare interesse accostava i due grandi compositori con una preminenza beethoveniana: del grande tedesco di Bonn, la pianista armena ha eseguito la Sonata n.28 in la maggiore op.101 mentre la Pires, nella seconda parte della serata, la Sonata in do minore op.111, ultima delle 32 sonate. Schubert a quattro mani ha trovato una distribuzione laterale rispetto l'impaginato con il breve Allegro in la minore D 947 eseguito all'inizio a la più nota Fantasia in fa minore D 940 eseguita al termine. Valide tutte le interpretazioni considerando che i capolavori proposti sono tra le ultime composizioni di entrambi i musicisti. La Grigoryan ha rivelato una tecniche perfetta, un'ottima tenuta complessiva e formalmente di gran livello. Si nota però l'ancora giovane età nell'esprimere stati d'animo che nel Beethoven dell'op 101 richiedono una forza espressiva decisamente più matura. Comunque ottima la sua restituzione. L'interprete portoghese con la sua op.111 ha alzato di molto il livello della serata fornendo un' esecuzione di assoluta eccellenza per quel che concerne la penetrazione del contenuto musicale più profondo. La sua interpretazione ci è apparsa scultorea dal punto di vista del segno musicale netto, preciso e formalmente ineccepibile. Dimenticando piccole incertezze che nelle grandi interpretazioni, come quella ascoltata dalla portoghese, non vanno neanche considerate, è emersa nella restituzione musicale una tipologia di pensiero in perfetta sintonia con quello che doveva essere l'universo beethoveniano. L'impatto delle prime note con quegli accordi granitici e robusti e il finale etereo e conclusivo rimarranno nel ricordo di tutti gli appassionati. Notevole anche Schubert, soprattutto con una sorprendente Fantasia ricca di spessore espressivo dove la Pires, al contrario che nell'Allegro D 947, occupava il ruolo di conduttore nella parte destra della tastiera. Bis contemporaneo con un Omaggio a Schubert di G. Kurtag. Applausi fragorosi in una Sala Verdi quasi al completo. Un concerto che soprattutto per la prestazione della Pires, ma anche per le "quattro mani" della Fantasia, si può definire memorabile.

17 febbraio 2016 Cesare Guzzardella

La Kremerata di Kremer e la pianista Julianna Avdeeva per Serate Musicali

È sempre un motivo di soddisfazione poter ascoltare la Kremerata Baltica e il suo fondatore e leader Gidon Kremer. Ieri in una Sala Verdi colma di pubblico l'eccellente formazione baltica ha iniziato il concerto con un brano di Robert Schumann nella felice trascrizione di Fr.Hermann, Bilder aus Osten op.46. La Kremerata, per l'occasione senza direttore e senza leader, ha rivelato ancora una volta tutte le qualità di splendida formazione cameristica. Il secondo brano in programma prevedeva un raro concerto di un altro grande romantico quale F.Mendellsohn: il Concerto per violino e orchestra in re minore. L'opera venne alla luce solo nel 1952 quando fu proposta da Yehudi Menuhin dopo avere ricevuto il manoscritto da un membro della famiglia Mendelssohn. La parte solistica, riservata al violino di Gidon Kremer, è di rilevanza fondamentale e il grande virtuoso di Riga ha trovato il registro musicale corretto per una lettura all'insegna della raffinatezza espressiva. Suoni morbidi con dinamiche ben differenziate erano ben inserite nel contesto orchestrale. Per il bis solistico, con soffuso accompagnamento di pizzicati, Kremer ha proposto un lavoro poetico di un compositore giapponese eseguito con un violino Niccolò Amati del 1669 per l'occasione fornito dal Museo del violino di Cremona e portato a Milano da un suo rappresentante. Questi ha inizialmente introdotto la serata mostrando al pubblico un breve filmato sul museo di Cremona e sulla nuova splendida Sala da concerto e informando sulla iniziata collaborazione tra il Museo di Cremona e Serate Musicali. Splendida l'esecuzione del bis con l'ccellente timbrica di questo antico strumento ad arco. La seconda parte della serata ha avuto come protagonista insieme alla Kremerata anche l'eccellente pianista polacca Julianna Avdeeva per il Quintetto per pianoforte archi e timpani di M. Weinberg, nella versione per pianoforte, timpani ed orchestra d'archi di Kremer e Pushkarev. Il lavoro del musicista polacco, vissuto in Russia e amico di Šostakovič, risente molto l'influenza stilistica del celebre compositore sovietico ma ha anche una sua forte connotazione compositiva giocata su timbriche taglienti, chiare ed espressive dell'orchestra e del pianoforte. Splendida l'interpretazione dall'Avdeeva, pianista che al termine della riuscita serata, ha concesso un bis con un celeberrimo Valzer postumo di Chopin eseguito con intensa espressività. Serata da ricordare.

16 febbraio 2016 Cesare Guzzardella

Il vercellese Viotti Festival con Maria Perrotta

Il vercellese Viotti Festival, con il concerto di ieri sera 13 febbraio al Teatro civico, ha toccato una tappa importante del suo progetto che prevede l’esecuzione integrale dei cinque concerti per pianoforte e orchestra di L. van Beethoven. Inaugurato a gennaio dal terzo concerto, interpretato da F. Gamba, ieri sera il programma affidava il primo in DO op.15 e il quarto in SOL opera 58 alle mani della giovane pianista Maria Perrotta, cosentina d’origine, ma residente da tempo a Parigi, naturalmente accompagnata dalla Camerata Ducale diretta da G. Rimonda. Il recital è stato preceduto da un’ampia ed eccellente introduzione del noto musicologo Attilio Piovano che, coniugando con rara sapienza chiarezza divulgativa e rigore analitico, ha illustrato al folto pubblico storia e caratteristiche musicali dei due brani in programma. Senza troppi giri di parole, diciamo subito che, per noi, quella di ieri sera a Vercelli è stata un’ora e mezza di splendida musica, in cui tutti gli interpreti hanno dato il meglio di sé. Conoscevamo il valore della Perrotta da un’incisione bachiana (Le variazioni Goldberg), che ne mettono in luce la virtù di un suono cristallino, che ha la leggerezza di un volo di farfalla e la nettezza di un diamante inciso con rara perfezione. Sapevamo che successivamente la pianista aveva inciso le tre ultime sonate beethoveniane, che però non siamo ancora riusciti ad ascoltare e ci domandavamo come quel suono, così adatto all’interpretazione bachiana, si sarebbe trasformato per dare voce alla varietà infinita di atmosfere e piani timbrico-dinamici, alla possente energia, che contraddistinguono il mondo musicale di Beethoven, specie in due concerti così diversi, come quelli eseguiti ieri sera. Ebbene: la Perrotta ha dimostrato in questa occasione una matura duttilità di suono e un controllo perfetto dei colori e dei tempi, emersi già chiaramente nell’esecuzione del Concerto n.1, dove il tocco perlato della solista ha reso con la giusta energia i passaggi più brillanti ed estroversi, d’impronta ‘guerresca’, e con un colore suggestivamente morbido quelli più intimistici, a cominciare dall’intensissimo tema iniziale del secondo tempo, ove la ricca ornamentazione di trilli e gruppetti che lo annunzia non è stata sfruttata, come troppe volte ci capita di ascoltare, per una pura esibizione di virtuosismo, ma era intrisa di quella dolcezza nuova che Beethoven introduce tra i vocaboli di un linguaggio ancora mozartiano. Eccellente anche l’interpretazione del Concerto n.4, in cui il banco di prova è il misterioso tempo centrale. Il modo in cui la Perrotta ha letto questa pagina fa giustizia della solita interpretazione che crede di riconoscere in tale movimento la rievocazione del mito di Orfeo, richiamata anche da Piovano nella sua introduzione. Al suono sommesso della dolente melodia con cui il pianoforte risponde al cupo e minaccioso “forte e sempre staccato” degli archi dell’orchestra, la Perrotta fa seguire il crescendo del lungo trillo, con accompagnamento di sestine, suonato con un’ energia di rivolta, che poco ha a che vedere con Orfeo e molto, invece, con il titanismo romantico, che è a nostro modesto avviso la migliore chiave interpretativa del passo. E’ poi nel rondò finale del concerto che la solista ha potuto esibire al meglio la sua tecnica smagliante, sgranando con limpido fraseggio i più ardui passaggi, dal vorticoso flusso di quartine di semicrome del secondo couplet sino alla tempesta di arpeggi della ripresa del primo, capace però di placarsi soavemente nel passaggio che porta alla coda. Una interpretazione esemplare di due grandi pagine pianistiche, ottenuta anche grazie all’eccellente prestazione della Camerata Ducale, diretta da un Rimonda in gran forma, semplicemente perfetto nello stacco dei tempi e nella resa dei valori timbrici e armonici di queste complesse partiture. Un lunghissimo applauso ha meritatamente salutato orchestra, direttore e solista, al termine di un concerto che sarà giustamente trasmesso prossimamente dalla RAI, sul canale di Radio tre.

14 febbraio 2016 Bruno Busca

Un libro di Paolo Viola ed un concerto con Campanella, Laganà e Windsor in Conservatorio

Un evento inconsueto, la pubblicazione di un libro di Paolo Viola dall'originale titolo "L'ascoltatore impertinente", è stata l'occasione per passare un gradevole tardo pomeriggio il giorno 9 u.s. nella Sala Puccini del Conservatorio milanese, in compagnia di valenti musicisti quale Michele Campanella, Ruggero Laganà e il soprano Lorna Windsor. Ho usato il termine "inconsueto" perché Paolo Viola non è un musicologo professionista ma in realtà un ingegnere. Da sempre amante della migliore musica e attento ascoltatore di musica classica e contemporanea, - è sempre presente nelle sale concertistiche milanesi- Viola da alcuni anni è titolare della rubrica musicale della rivista settimanale ArcipelagoMilano. Invito tutti a leggerla sia per gli intelligenti articoli di Viola, sia per le sezioni culturali presenti che riguardano, oltre la musica, architettura, arte, teatro e politica. Scrivono sul giornale, diretto da Luca Beltrami Gadola, professionisti, docenti universitari e in genere ottimi rappresentanti della cultura milanese. Viola e la curatrice Maria Matarrese Righetti hanno estrapolato dalla rivista i migliori articoli usciti dal 2009 al 2015 regalandoci questo volume che invito tutti ad acquistare. È un ascoltatore molto attento Viola, non ha i condizionamenti dei giornalisti musicali "professionisti" che devono stare attenti forse in modo eccessivo a quello che scrivono, e ha contenuti da vero "esperto". Hanno parlato bene tutti gli intervenuti sul palco, come il noto giornalista e conduttore della serata Antonio Lubrano, l'editore Gadola, la curatrice Maria Matarrese Righetti, il pianista e saggista musicale Michele Campanella. Nell'ultima parte dell'incontro, prima del breve ed intenso concerto, è salito sul palcoscenico l'Ing.Viola, con poche e chiare parole in risposta alle domande di Lubrano. Una Sala Puccini stracolma di pubblico ha ascoltato con attenzione anche la parte concertistica: prima Michele Campanella con due intense Sonate di Domenico Scarlatti, la K 270 e la K 515, eseguite splendidamente con luminosa leggerezza e nitore timbrico - fragorosi applausi al Maestro -. e quindi Ruggero Laganà con Quattro fughe dal suo "The Pop Art of the Fugue" (2013-2014) dove il musicista/pianista e clavicembalista ha mostrato tutta l'abilità bachiana nel difficile ed interessante genere della fuga, partendo da un semplice tema di Schubert o di un cantautore moderno. Accompagnando il bravissimo soprano Windsor, sono stati poi eseguiti un lieder di Schubert, "Drei Gsänge" uno di R.Strauss, " Wie sollten wir geheim sie halten " e uno struggente brano di Fabio Vacchi - presente in sala- del 1995 dal titolo Mignon - Über die Sehnsucht su testi di di Goethe. Qui Lorna Windsor è stata eccellente, con un'interpretazione di alto valore estetico. Applausi agli interpreti. Splendida serata.

13 febbraio 2016 Cesare Guzzardella

La Bohème al Coccia di Novara

Chiude i battenti con la Bohème la stagione lirica del Coccia di Novara: ieri sera, 12 febbraio la prima, domani domenica 14 la replica. Si tratta di un allestimento coprodotto dal Ravenna Festival, con i teatri di Ravenna, Piacenza, Vilnius (!) e, ovviamente , il Coccia. L’aspetto sicuramente di maggior interesse di questo allestimento del capolavoro pucciniano è rappresentato dalla messa in scena e dalla regia di Cristina Mazzavillani Muti, consorte del celebre direttore d’orchestra e da anni direttrice del Ravenna Festival, coadiuvata dal suo ottimo staff, di cui sono meritevoli di segnalazione almeno il light designer Vincent Longuemare, vero mago dell’illuminotecnica, e il visual designer David Loom. Com’è tipico dello stile registico della Muti, l’impianto scenografico, anche per questo allestimento, è consistito in suggestive e raffinate proiezioni su fondali neutri, in questa occasione ispirate all’opera del pittore simbolista Odilon Redon, continuamente cangianti, come in un caleidoscopio di colori e di immagini. Questa dominante componente simbolistica è coerente con le note di regia che la Muti fornisce nel programma di sala, che propongono di vedere nella Bohème di Puccini “le atmosfere tipiche del Simbolismo…che ci trascinano direttamente in quelle cupe e claustrofobiche dell’espressionismo, presaghe dell’orrore e del disfacimento che di lì a poco sarebbe seguito”. In effetti i movimenti dei cantanti, accompagnati con grande finezza da quelli delle luci, vedono un crescente incupirsi dell’atmosfera: dalla fresca leggerezza tutta giovanile dei primi due quadri, al fosco clima di tragedia che si disegna alla fine, dove gli ultimi frizzi dei quattro amici si spengono per sempre, raggelati dalla morte di Mimì, che avviene ( e questa ci sembra francamente una scelta un po’ Kitsch) su una lastra tombale ( o tavolo da obitorio ?). Per il resto, sobrietà assoluta: l’attrezzeria di scena si riduce a un tavolo e poche sedie. L’orchestra è la giovanile Cherubini di Ravenna, creatura di Muti, affidata alla bacchetta di Nicola Paszkowski, accompagnata dal coro del Teatro Municipale di Piacenza, diretto da C. Casati e dal novarese Coro Langhi di voci bianche. Tutto dunque all’insegna della giovinezza, anche gli interpreti sul palcoscenico, poco più che ragazzi ai loro esordi nella difficile carriera di cantante d’opera e cui vanno tutta la nostra simpatia e il nostro incoraggiamento, per il loro impegno e il loro sforzo di dare il meglio di sé. Che dirne? Ci asteniamo da ogni giudizio su Benedetta Torre/Mimì, che è voluta andare in scena nonostante le sue precarie condizioni di salute (attacco influenzale), che ne hanno ovviamente compromesso la prestazione: ne ammiriamo comunque la determinazione e lo stoicismo. Fra tutti gli altri interpreti ci sono piaciuti Matteo Falcier/Rodolfo, voce tenorile robusta e ben impostata, di timbro caldo e appassionato, anche se non sempre preciso sulle note, e, soprattutto, Maria Mudryak, una buona Musetta, dalla voce sopranile dotata di un bel colore brunito, di bel fraseggio, efficace negli acuti come nei registri più bassi: potrebbe uscirne in futuro un più che discreto soprano drammatico. Degli altri (Matias Tosi/Marcello, Daniel Giulianini/Schaunard, Luca Dall’Amico/Colline) si può dire che abbiano sbrigato decorosamente le rispettive parti, senza infamia e senza lode. Nel complesso valide la prestazione della Cherubini e la direzione di Paszkowski, che ci è parsa particolarmente efficace nelle scene finali, per la particolare cura del dettaglio timbrico, all’insegna di un suono di spoglia malinconia che ben assecondava la regia; abbiamo però avuto l’impressione che talvolta coprisse un po’ le voci con l’ orchestra e in alcuni momenti lasciasse correre per conto suo qualche interprete. Questa edizione della Bohème è piaciuta molto al pubblico, accorso come sempre numeroso dalla città e dalla provincia e che ha tributato a tutti, cantanti, direttore, regista un caloroso e prolungato applauso.

13 febbraio 2016 Bruno Busca

Maurizio Zanini al Dal Verme con I Pomeriggi Musicali

Ieri sera il concerto interpretato al pianoforte e diretto da Maurizio Zanini ha avuto un doppio motivo d'interesse: la scelta dei brani proposti incentrati sui compositori francesi vissuti a cavallo tra la fine Ottocento e primo Novecento quali Debussy, Fauré e Ravel e la presentazione con valenza didattico-pedagogica del primo brano di Claude Debussy: Children's corner. Non dimentichiamo l'esecuzione del brano contemporaneo, alla presenza della compositrice Chiara Lemut che lo ha anche introdotto, dal titolo Sofronia. Questo lavoro, commissionato dai Pomeriggi, ci è apparso di valida fattura con elementi musicali d'intensa suggestione. È un lavoro a tinte scure, ben scritto che mette in risalto in modo dialettico ogni sezione orchestrale e fa emergere espressiva sostanza musicale. Complimenti alla giovane musicista. Tornando a Debussy, l'eccellente pianista-direttore ha eseguito al pianoforte le sei parti che compongono l'originale lavoro dedicato alla figlia, alternando l'esecuzione di ogni singola parte con la versione orchestrale trascritta in modo mirabile dal francese André Caplet (1878-1925) . Il risultato è stato didatticamente eccellente, anche se si è parzialmente persa l'unità stilistica dei brani. Ho trovato l'esecuzione pianistica di Zanini di primo livello , con movimenti eseguiti in modo pacato e analitico, mettendo in risalto ogni dettaglio timbrico con una prevalenza di pregnante visione razionale piuttosto che di sintesi espressiva. La versione orchestrale, ottimamente diretta da Zanini ed eseguita bene dall'Orchestra - un plauso all'ottimo oboe di Francesco Quaranta- , era in linea con l'interpretazione pianistica e ha messo in risalto tutta la ricchezza timbrica della tavolozza coloristica del grande compositore francese. Spendido il bis solistico di Zanini con il celebre Claire de lune di Debussy. Nella seconda parte due lavori orchestrali con il raro Masque et Bergamasque di Gabriel Fauré ed il più eseguito Le tombeau de Couperin di Maurice Ravel, entrambi ottimamente interpretati. Fragorosi gli applausi da un pubblico ridotto per le feste di carnevale. Domenica alle 17.00 la replica. Da non perdere!

12 febbraio 2016 Cesare Guzzardella

Meritato successo alla Scala per Il Trionfo del Tempo e del Disinganno di Händel

Continuano le repliche scaligere de "Il Trionfo del Tempo e del Disinganno", Oratorio in due parti di George Friedrich Händel su libretto di Benedetto Pamphilij. Il lavoro, più opera che oratorio, è del 1707, scritto da un Händel poco più che ventenne ma con uno spessore compositivo sorprendente per profondità espressiva e complessità formale. L'allestimento di questi giorni al Teatro alla Scala riprende, con qualche piccola variante, la produzione realizzata a Zurigo da Jürgen Flimm nel 2007 per la regia anche di Gudrun Hartmann. La sesta rappresentazione, vista ieri sera in un teatro quasi al completo, lascia pienamente soddisfatto chi scrive e anche il numeroso pubblico rimasto in teatro. È incredibile che una piccola parte di spettatori abbia però lasciato il teatro al finire della prima perdendo un capolavoro. L'allestimento con le scene di Eric Wonder e i costumi di Florence Von Gerkan è decisamente valido e l'ambientazione negli anni '30-'40 del secolo scorso avviene in un elegante ristorante decó francese dalla profonda prospettiva che accoglie oltre i quattro protagonisti una schiera di avventori in secondo piano ma ricchi di significato. La Bellezza, il Piacere, il Disinganno e il Tempo hanno trovato rispettivamente le ottime voci di Martina Jankovà, Lucia Cirillo, Sara Mingardo e Leonardo Cortellazzi, bravi vocalmente e anche attorialmente. Tutti promossi, con punti maggiori per la Mingardo e in molti frangenti per la Jankovà. Pieni voti e lode invece alla strepitosa orchestrazione di Diego Fasolis che ha diretto una compagine barocca con strumenti d'epoca eccellente formata da molti orchestrali scaligeri e alcuni "Barocchisti" della Radiotelevisione Svizzera. Le sonorità sono state raffinate e altamente espressive. Ricordiamo all'organo e al clavicembalo il Maestro Gianluca Capuano. Quando per la realizzazione di un capolavoro tutte le componenti di una rappresentazione - allestimento, direzione, voci, ecc. - sono di qualità i risultati emergono e la scelta del Teatro alla Scala di allestire ogni anno almeno un'opera barocca ha trovato una prima risposta di eccellente riuscita. Ultime repliche per il 12 e 13 febbraio. Assolutamente da non perdere.

11 febbraio 2016 Cesare Guzzardella

Angela Hewitt per Serate Musicali

Torna con una certa frequenza la pianista canadese Angela Hewitt. Ieri in Sala Verdi è venuta per Serate Musicali è ci ha offerto nell'impaginato una carellate di undici Sonate di Domenico Scarlatti intervallate e seguite da Bach con una Partita, la n.2 in do minore è un Beethoven finale con la nota Sonata n.26 op.81a "Les Adieux". Conosciamo bene il suo Bach del quale ha inciso per pianoforte tutte le principali opere. E' il musicista al quale deve la vittoria nel lontano 1985 del Concorso Toronto Bach Piano Competition, dedicato al Sommo tedesco. Conoscevamo parzialmente il suo Beethoven, ma mai l'avevamo ascoltata in Scarlatti, musicista napoletano contemporaneo di Bach -stessa data di nascita -immortalato da storiche interpretazione dei più grandi pianisti quali Horowitz, Giles, Michelangeli, ecc., ecc. Certo la concorrenza è spietata e fare paragoni non è il caso. Comunque lo Scarlatti della Hewitt è più che dignitoso e si ascolta piacevolmente. La pianista ha una scuola di minuziosa precisione e valida compostezza formale . Le timbriche, mai eccessive sono chiare e attente ai dettagli. Ieri dalla sconfinata produzione cembalistica di Sonate, circa 550, ha scelto le Op. K 9-159-87-24-377-96-513-82-109-141-481, alcune note e altre meno, specie quelle nei movimenti più riflessivi. Si rimane forse un po' perplessi per la mancanza di contrasti nelle esposizioni dei brani: alcuni solo bene interpretati, altri con maggiore pathos. Ci è piaciuto maggiormente il suo "storico" Bach della Partita e nel contrastante Beethoven abbiamo trovato momenti di alto spessore interpretativo in un'unità formale-espressiva non entusiasmante. Valido il bis con ancora una Sonata scarlattina tra le più celebri. Successo di pubblico.

9 febbraio 2016 Cesare Guzzardella

Orazio Sciortino pianista a Villa Necchi-Campiglio di Milano

È un musicista completo il pianista-compositore siracusano Orazio Sciortino. Ha composto di recente anche un'opera - La paura - eseguita al Teatro Coccia di Novara. Ieri nella veste di pianista ha interpretato brani di Respighi, Bach, Malipiero e Debussy nei giardini di Villa Necchi-Campiglio. Il programma è risultato particolarmente curato e studiato per mettere in risalto compositori del primo '900 - Debussy, Respighi e Malipiero - in relazione con il sommo Bach e la sua celebre Ciaccona nella rivisitazione di un altro maestro italiano vissuto a cavallo tra Otto-Novecento quale Ferruccio Busoni. Ascoltando l'ancor giovane pianista si sente la sua formazione da compositore: le sue interpretazioni rivelano una profondità che è tipica di chi vuole ricreare la musica. Il brano iniziale del bolognese Respighi, Antiche danze e arie per liuto, sono una trascrizione pianistica di musica presa dal '500 e rielaborata in chiave più moderna. Il periodo lontano di provenienza di queste autentiche danze antiche è proseguito con la celebre Ciaccona dalla Partita n.2 in re minore di Bach, reinventata da Busoni ed inserita nell'impaginato in una naturale evoluzione cronologica. La seconda parte del programma ha visto prima i rari ma efficaci Preludi autunnali di Gian Francesco Malipiero, composizione in quattro parti, e al termine il noto Pour le piano di Claude Debussy. Anche in questi lavori il riferimento al passato risulta evidente con un Malipiero in sintonia con le timbriche dal sapore antico di Debussy. Sciortino, concentrato e meditativo nello svolgimento dei lavori, ha ben sintetizzato gli elementi melodici e armonici dei brani rivelando profondità di pensiero ed espressività, concedendo al termine un bis con ancora il Debussy de "L'Isle joyeuse". Grande successo con la presenza di un numerosissimo pubblico. Fragorosi e meritati gli applausi.

6 febbraio 2016 Cesare Guzzardella

Silvia Chiesa e Maurizio Baglini al Festiva Viotti di Vercelli

Secondo l’intelligente formula che caratterizza questa stagione del vercellese Festival Viotti, che concede ampio spazio alle serate di musica da camera, ieri sera Venerdì 5 febbraio si è tenuto al Teatro Civico un concerto del duo Silvia Chiesa e Maurizio Baglini, monograficamente impaginato su un’ampia antologia della produzione per violoncello e pianoforte di S. Rachmaninov. La coppia, ormai collaudata da una lunga esperienza di collaborazione, ha presentato una vasta scelta di un cd che contiene l’intera produzione del grande compositore russo per questo genere cameristico e che presto verrà messo in vendita dalla Decca, suddividendo il programma in due sezioni, separate dall’intervallo: nella prima sono stati eseguiti brevi brani, alcuni dei quali poco noti, ispirati ad una vena di lirico intimismo, in cui a prevalere è decisamente la voce calda e vellutata del violoncello: dai Due pezzi op. 2 al Prelude op. 23 n. 10 in Sol bem. Maggiore, da Vocalise op.34 n. 14 in mi bem. minore a Le Christ renait (una sorta di Via crucis, ispirata, su scala ridotta e con ben altro organico, all’esempio dell’omonimo capolavoro di Liszt), dall’Andante con sordino, opera pressoché dimenticata e riscoperta da Chiesa e Baglini proprio in occasione dell’incisione del cd, fino alla romanza In the silence of the secret night, versione per violoncello di uno dei gioielli del Rachmaninov “liederistico”, perché originariamente (1890) concepita per voce e pianoforte sul testo di una bellissima lirica del poeta russo tardo-romantico A. Fet (ci perdonino i due bravissimi interpreti, ma noi preferiamo la versione originale). Dopo l’intervallo, il capolavoro di Rachmaninov per violoncello e pianoforte e una delle sue opere in assoluto più belle, la vasta Sonata op.19 in Sol min., una partitura di alto impegno esecutivo, per la densità ‘concertante’ della scrittura riservata ad entrambi gli strumenti, in particolare al pianoforte, cui toccano soluzioni accordali e ritmiche a dir poco impervie. Solisti del calibro di Silvia Chiesa e di Maurizio Baglini non hanno certo bisogno di essere presentati: tecnica agguerrita, fraseggio limpido e raffinato, cura scrupolosa del dettaglio, controllo finissimo dei piani sonori e delle dinamiche, sono qualità che rifulgono tanto sulle quattro corde del Grancino 1697 della Chiesa, quanto sulla tastiera del Fazioli di Baglini. Ma quale ‘lettura’ di Rachmaninov hanno offerto al folto pubblico accorso ieri a Vercelli? Chiesa e Baglini hanno evitato (e ne siamo loro grati) ogni possibile sdilinquimento romantico-sentimentale-strappalacrime, da colonna sonora Kitsch di filmone hollywoodiano (come osservò una volta Bortolotto) cui la musica di Rachmaninov troppe volte si è prestata e si presta. Il lirismo del compositore russo è stato riportato ad una misura di più intenso scavo e ricerca di un suono molto particolare, in cui le indubbie influenze di Chopin e di Liszt, ma anche di Schumann (vedi l’Allegro scherzando della Sonata), vengono rifuse in una sonorità densa, vellutata, avvolgente, vibrante di sfumature cariche di un’allusività suggestiva che risente indubbiamente del clima culturale del tempo, dominato dal Simbolismo e che , se mai, fa di Rachmaninov un compagno di strada, magari meno audacemente innovativo, di uno Skrjabin, piuttosto che un attardato epigono dei Romantici. A questa interpretazione offre ovviamente un apporto determinante il violoncello della Chiesa, semplicemente straordinario nel portare in primo piano quel dettaglio, quella vibrazione, quegli armonici, che ti spalancano innanzi un intero mondo sonoro fatto di dolce malinconia e di sottile mistero. Ma non possiamo dimenticare, naturalmente, la bravura di Baglini nell’accompagnare la solista, nei brani più ‘intimistici’ della prima parte del concerto, con una delicatezza di tocco, che tornisce i temi e le strutture armoniche con adamantina trasparenza, o coglie perfettamente la qualità giusta del suono, come nella serie di secchi e cupi accordi del Christ Renait. Ovviamente il vertice della serata è stato raggiunto con la sonata op. 19, la cui esecuzione ascoltata ieri sera a Vercelli è davvero da antologia. Senza entrare nei dettagli, segnaliamo quello che per noi è stato uno dei momenti espressivamente più intensi dell’esecuzione, il meraviglioso Andante, ove i due interpreti hanno dato vita ad uno straordinario duetto, fatto di un inseguirsi dapprima sereno e via via più intenso, con combinazioni ritmiche irregolari e modulazioni incessanti, arpeggi, dialoghi tra terzine del violoncello e ottave del pianoforte, per spegnersi su opalescenti semicrome al pianoforte: il tutto eseguito con una perfezione e ricchezza di tocco e di arcate davvero di classe sublime. Richiamati più volte dal torrenziale applauso di un pubblico entusiasta, Chiesa e Baglini hanno concesso tre bis: Schumann (per pianoforte solo), Britten e di un minore francese di inizio ‘900 di cui confessiamo che ci è sfuggito il nome. Bellissima serata di musica, di cui siamo ancora una volta debitori alla Camerata ducale e ai suoi due animatori G. Rimonda e C. Canzani, che con vero eroismo (quello dell’intelligenza e delle idee) si stanno battendo contro le durissime difficoltà che ogni giorno in questo Paese congiurano per ostacolare chiunque voglia proporre qualcosa capace di sconfiggere l’avvilente mediocrità che ci soffoca.

6 febbraio 2016 Bruno Busca

Maurizio Baglini e la Nona Sinfonia di Beethoven in Auditorium

Concerto Straordinario quello di ieri sera in Auditorium con un ottimo pianista quale Maurizio Baglini e il Coro della "Verdi" diretto da Erina Gambarini per un titolo celebre, la Sinfonia n.9 in re minore op.125 di Beethoven, nella trascrizione pianistica di Franz Liszt. La nota sinfonia del grande tedesco, articolato affresco sonoro potenziato dalla presenza di quattro voci soliste e dal grande Coro, conserva la sua elevata cifra musicale anche in questa felice trascrizione lisztiana. La possibilità del suo ascolto anche senza la presenza dell'ampia compagine orchestrale, ha trovato nelle mani di Baglini, nel coro e nella qualità delle voci soliste, gli attori di questa eccellente serata che ha portato ad un meritato successo con fragorosi applausi da parte del numeroso pubblico intervenuto. Tutte di spessore le voci soliste con il soprano Cinzia Forte, il mezzosoprano Beatrice Mezzanotte, il tenore Carlo Allemano e il basso Ugo Gagliardi determinanti nell'ultima parte della sinfonia. Il non facile adattamento pianistico del compositore ungherese ha messo in guardia l'intelligenza musicale di Baglini che doveva rendere "sinfoniche" le profondità melodico-armoniche di un capolavoro tra i più eseguiti, naturalmente nella versione orchestrale. Nei limiti del possibile, ha centrato il bersaglio riuscendo grazie alla sua tecnica trascendentale, al misurato tocco delicato ed incisivo nei giusti momenti, e al corretto uso del pedale di risonanza, ad ottenere una eccellente ed esaustiva interpretazione. Con l'ingresso delle voci e del coro nell'ultimo movimento il clima "sinfonico" è risultato accentuato e la resa complessiva ancor più rilevante. Un'esperienza davvero unica che meritava almeno una replica. Bravissimo Baglini anche nei due bis concessi con un Preludio da un Corale di Bach nella trascrizione di Busoni e un soffuso e pregnante Domenico Scarlatti di una celebre Sonata. Da ricordare a lungo.

5 febbraio 2016 Cesare Guzzardella

Lilya Zilberstein e Dan Ettinger in Conservatorio

Ieri sera in Sala Verdi per un concerto della Società dei Concerti abbiamo avuto l'occasione di trovare una valente pianista quale Lilya Zilberstein in un brano per pianoforte ed orchestra di rara esecuzione quale la Burlesque in re minore di Richard Strauss. La Stuttgarter Philharmoniker era diretta dal giovane e determinato direttore Dan Ettinger e il brano del compositore tedesco è stato anticipato e seguito da due lavori sinfonici di W. A. Mozart quali la Sinfonia in sol min. KV 183 e la celebre Sinfonia in sol min. KV 550. Interessante e valida la cifra stilistica del direttore Ettinger che ha diretto i brani mozartiani con energia evidenziando con modernità i movimenti sinfonici e fornendo un valido spessore estetico. L'ingresso dell'eccellente pianista ha mutato il clima musicale in Sala Verdi anche perché la partitura straussiana è di tale complessità e valore da fondere gli stilemi della musica classica mozartiana a quelli del migliore tardo romanticismo. La Burlesque composta nel 1890, è un brano virtuosistico sia pianisticamente che orchestralmente che ci rivela l'essenza compositiva del grande compositore tedesco vissuto a cavallo tra Otto e Novecento in un momento nel quale il virtuosismo orchestrale di un eccellente e celebre direttore d'orchestra quale era Strauss si unisce al virtuosismo strumentale di stampo lisztiano molto in voga all'epoca . La Zilberstein, vincitrice tra l'altro di un Concorso Busoni, è tre le massime virtuose del repertorio romantico e tardo-romantico, e ieri ha mostrato la sua superlativa maestria tecnico-espressiva con un'interpretazione di grande qualità estetica. La sicurezza e la pacatezza ģestuale che ha rivelato nel superare ogni difficile dettaglio del concerto ha trovato nell'ottima direzione di Ettinger e nelle trasparenti ed incisive timbriche orchestrali un valido appoggio. Grande successo e ottimo il bis solistico concesso con un breve ed intenso brano di Godowsky, Alt Wien e bis anche per l'orchestra con l'Ouverture dalle Nozze di Figaro. Da ricordare.

4 febbraio 2016 Cesare Guzzardella

Il pianista Roberto Cappello alle Serate Musicali del Conservatorio milanese

Torna tutti gli anni in Sala Verdi il pianista pugliese Roberto Cappello. L'ultima volta lo avevamo ascoltato con l'Orchestra del Conservatorio di Parma mentre ieri sera ha tenuto per Serate Musicali un concerto solistico impaginando un programma molto interessante in due parti distinte che prevedevano prima Čaikovskij e poi Gershwin. Del russo abbiamo ascoltato Le Stagioni, 12 pezzi caratteristici che rivelano il carattere sia intimista che estroverso del grande compositore. Cappello ha fornito un'interpretazione di ottimo livello porgendo attenzione ad ogni dettaglio e rivelando profondità espressiva specie nei momenti di più intensa emotività come nel sublime "Juin". A completamento della prima parte del programma ufficiale Cappello ha inserito una virtuosistica trascrizione pianistica del celebre Valzer dei fiori noto soprattutto nella versione orchestrale. Qui le difficoltà di scrittura sono state affrontate con sicurezza e la resa pianistica ha avuto una sembianza quasi orchestrale. Cambio di programma dopo l'intervallo con due lavori molto conosciuti e poco frequentati nella versione senza orchestra: Un Americano a Parigi e la Rapsodia in blu. Cappello ama molto la musica del grande compositore americano e certamente anche il jazz, anche se il suo approccio pianistico classico mira ad una perfezione tipica della musica "colta". Il suo approfondimento della sostanza musicale nei due lavori si è rivelato di genuina profondità specie nella celebre Rapsodia in blu eseguita con trasparenza, solidità d'impianto e minuziosa precisione. Molto belli i due bis concessi tra cui ancora Gershwin con The man i love. Da ricordare.

2 febbraio 2016 C.G.

Oleg Caetani e Luca Santaniello per il Concerto Gregoriano di Respighi in Auditorium

È tornato Oleg Caetani alla direzione della Sinfonica Verdi per un concerto che ha trovato nel raro brano di Ottorino Respighi il punto di massima rilevanza del programma sia per la presenza al violino solista di una conoscenza del pubblico della "Verdi" quale il violinista Luca Santaniello, storica spalla dell'orchestra, sia per la presenza dell'ottimo direttore Caetani in un brano italiano di rarissimo ascolto ma di pregnante valenza estetica qual'è il Concerto Gregoriano, composto dal musicista bolognese nel 1921 e appartenente a quello stile anti-romantico e di recupero degli stilemi antichi che rende importante la Scuola italiana di primo Novecento di cui Respighi è tra i massimi esponenti. La fattura del concerto, circa trenta minuti di musica quasi in continuità - i due Andanti riferiti ai due primi movimenti formano un'unica sequenza musicale- è estremamente raffinata e il sistema dei modi antichi privilegia la componente vocale del tessuto orchestrale all'interno del quale il violino  dell'ottimo Santaniello riesce a melodiare con eleganza. Il suo violino, impeccabile anche se non molto voluminoso, emerge nelle bellissime lunghe cadenze solitarie rivelando il valore di questo virtuoso. Convince la direzione di Caetani e la resa della Sinfonica Verdi è, soprattutto in Respighi, di alto livello. Bellissimo il bis di Piazzolla concesso da Santaniello. Ricordiamo anche le valide interpretazioni che hanno preceduto e seguito il lavoro di Respighi: l'Ouverture in Fa maggiore di Čaikovskij e la Sinfonia n.2 in do maggiore op.61 di Schumann. Ricordiamo che nei prossimi giorni l'Orchestra Sinfonica Verdi e Oleg Caetani saranno in tournée in Austria a Salisburgo per una serie di concerti nei quali eseguiranno anche i brani ascoltati ieri pomeriggio. Auguri alla Sinfonica Verdi!

1 febbraio 2016 Cesare Guzzardella

GENNAIO 2016