Giornale  fondato nel 2002                             HOME PAGE    INFORMATIVA PRIVACY COOKIES

REDAZIONE  ARTE MUSICA MODA TEATRO FOTOGRAFIA TURISMO ENOGASTRONOMIA DVD-LIBRI NEWS 

Archivio musica 2018Archivio musica 2017Archivio musica 2016Archivio musica 2015Archivio musica 2014Archivio musica 2013Archivio musica 2012Archivio musica 2011Archivio musica 2010Archivio musica 2009Archivio musica 2008 Archivio musica 2007 Archivio musica 2006 Archivio musica 2005 Archivio musica 2004

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

RECENSIONIDVDLIBRI

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

k

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

k

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

<

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

MARZO 2019

Una serata stellare al Viotti Festival di Vercelli con L. Kavakos ed E. Pace

Talvolta i miracoli si avverano e l’idea pura di perfetta bellezza scende dal suo remoto iperuranio tra noi mortali per assumere le forme reali di un’immagine o di un suono. E’ quanto avvenuto ieri sera, venerdì 22 marzo, al Teatro Civico di Vercelli, nella serata di turno del ciclo cameristico del Viotti Festival, che presentava al pubblico uno dei più grandi violinisti viventi, Leonidas Kavakos e il pianista che da tempo è uno dei suoi accompagnatori preferiti, l’eccellente Enrico Pace. L’impaginato del concerto era di quelli studiati con grande raffinatezza, per palati fini, ma allo stesso tempo capace di catturare l’attenzione e l’interesse di un pubblico più vasto, accorso come sempre numerosissimo ieri sera al teatro vercellese. Introdotto da uno dei capolavori di Brahms, la Sonata n.3 in re min. op.108 per violino e pianoforte, il recital proseguiva con una composizione ignota ai più, La Petite Suite n.2 del greco Nikolaos Skalkottas, allievo di Schonberg e considerato uno dei protagonisti della musica ellenica del primo ‘900 e, dopo l’intervallo, con la Rapsodia n.1 di Bartòk, per chiudere con quella gemma musicale che è la Sonata per violino e pianoforte n.3 in la min. op.25 “Dans le caractère populaire roumain”, del romeno George Enescu, un grande musicista ingiustificatamente poco presente nelle nostre sale da concerto. Dire qualcosa di nuovo sulla straordinaria statura artistica di Kavakos è veramente difficile, ma, partendo dalla nostra personale esperienza di ascolto non esiteremmo a parlare di un vero e proprio fascino incantatorio, quasi magnetico, che il violinista greco esercita, non solo con il suono del suo Stradivari Willemotte 1734, ma persino con la sua figura, impostata a quella “nobile semplicità e calma grandezza” in cui il Winckelmann ravvisava l’inequivocabile manifestarsi di una superiore umanità . Superata questa prima impressione e venendo a parlare più propriamente dello stile interpretativo, in generale, di Kavakos, diremmo che la sua qualità più alta consista nella straordinaria ricchezza di sfumature e di colori espressivi che il suo archetto e le sue dita fanno scaturire dal suo prodigioso Stradivari, già dotato di per sé di un suono bellissimo, di morbidezza tenera e luminosa. Si può dire che quasi ogni tocco di corda, sul violino di Kavakos , assuma un timbro particolare, che, unito ad una capacità più unica che rara di produrre chiaroscuri dinamici e sottili variazioni ritmico-agogiche, dona al fraseggio una emozionante profondità espressiva. A sua volta, la cavata, sempre distesa in una vellutata sonorità che non teme confronti, fa sbalzare dalle quattro corde, anche nella massima tensione dei sovracuti, la forma melodica e armonica del pezzo con una chiarezza e trasparenza ‘architettonica’ di cristallina purezza, nella quale il vibrato appare come una sottile e sobria increspatura sulla superficie di un suono campito con delicata lucidità. A tutto questo si aggiunga l’uso sapiente, talora ieratico, delle pause, nel cui silenzio il suono sembra continuare a espandersi nello spazio-tempo, acquistando ulteriore profondità. E’ chiaro che per accompagnare un simile genio, occorra un pianista di eccellenti risorse, e Kavakos lo ha trovato, appunto, in Enrico Pace. Kavakos e Pace non sono due musicisti che” suonano insieme”, ma “interpretano” insieme, con una sintonia assoluta e totale. Tutte le composizioni proposte ieri sera presentano uno stile concertante, prevedono dunque una parte impegnativa anche per il pianista, che non è certo semplice accompagnatore, ma deuteragonista a pieno titolo, e Pace ha assolto al meglio questo ruolo. Forse perché era la prima volta che lo ascoltavamo, ma il pezzo che più ci ha colpito ieri sera è stata la Sonata di Enescu: è un’opera di estrema complessità strutturale, in cui il carattere “popolare” indicato dal titolo allude non tanto a citazioni testuali di materiale musicale folklorico, quanto allo spirito della musica dei lautari (menestrelli girovaghi) romeni. Nei primi due tempi tale spirito è evocato attraverso le melodie, dal ritmo libero, spesso dispari o con sovrapposizioni di più ritmi, con un continuo avvicendamento di schemi melodici per brevi incisi e frasi, ricchi di cromatismi e, per il violino, di armonici e quarti di tono. Il tutto su un tappeto pianistico di grande densità, fatta di tumultuose successioni di accordi, di note sincopate o doppie, di ritmi sfasati tra le due mani, di tremoli. Una partitura difficile, affascinante, che raggiunge i suoi momenti più alti nelle rarefazioni estreme dei timbri, ai limiti dell’evanescenza, di raccolta malinconia, in cui Kavakos e Pace hanno raggiunto vertici espressivi di potente suggestione. Il terzo tempo della Sonata di Enescu, come la Rapsodia di Bartòk, hanno invece messo in evidenza l’energia e la vitalità di cui sono capaci questi due interpreti, che peraltro hanno evitato il percussivismo esasperato con cui si martella in genere certa musica del grande ungherese, stemperandolo in una più contenuta, ma non meno trascinante, giocosità ritmica. Se del pezzo di Skalkottas,( che pochissime reminiscenze conservava del serialismo dodecafonico del suo maestro Schonberg, caratterizzandosi semmai per vaste zone di ‘tonalità allargata’ o politonali, con schemi armonici alla Hindemith degli anni ’20), Kavakos e Pace hanno scelto una linea interpretativa che puntava tutto, giustamente su sonorità chiare e sull’energia ritmica, non senza qualche barlume d’ironia, il Brahms ascoltato ieri sera ha rapito gli ascoltatori per la varietà dei colori con cui i due interpreti hanno illuminato la possente architettura tematica e contrappuntistica di questo aureo capolavoro: dal cupo e passionale primo tema dell’Allegro iniziale, alla timbrica rarefatta dello strano sviluppo, sempre nel primo tempo, col suo interminabile pedale sulla dominante per la mano sinistra del pianoforte, alla calda effusione delle doppie corde del violino dell’Adagio, alla limpida cantabilità della parte del violino del secondo tema del Finale, ombreggiato dagli accordi bruniti della tastiera. Abbiamo ascoltato un Brahms nell’interpretazione che più amiamo: solidità di struttura e suono morbido e avvolgente. Veramente un concerto, quello di ieri sera, che definire entusiasmante è ancora dire poco, tra i più belli mai ascoltati qui a Vercelli, che pure è città dove, grazie al Viotti Festival, di eccellente musica se ne sente spesso. Lunghissimi applausi di un pubblico quasi in delirio e due bis hanno posto fine a questo concerto che per noi resterà indimenticabile.

23 marzo 2019 Bruno Busca

La Wurttembergische Philharmonie Reutlingen per la Società dei Concerti

La Württembergische Philharmonie Reutlingen diretta da Fawzi Haimor ha tenuto ieri sera un concerto sinfonico nel quale sono stati eseguiti prima il Concerto n.1 in re minore di J.Brahms e poi la rara Sinfonia n.2 di C. Ives. Nel concerto solistico al pianoforte Dejan Lazić, musicista di Zagabria per la prima volta in Conservatorio a Milano. La riproposta in Sala Verdi nell'arco di circa dieci giorni, del noto concerto brahmsiano - recentemente l'avevamo ascoltato con C.L.Minzi al pianoforte- dimostra l'efficacia di un lavoro complesso e di non facile esecuzione che quando fu composto dal musicista ungherese venne giudicato addirittura ineseguibile e quindi trascurato per alcuni decenni. Ora, le nuove generazioni di pianisti particolarmente disponibili ad ogni repertorio, lo mettono spesso nei programmi concertistici. La valida interpretazione ascoltata ieri sera ha rivelato le ottime qualità della compagine orchestrale tedesca in un lavoro dove la parte orchestrale è altrettanto importante che quella solistica per i momenti di grande coralità ed incisività che sostiene. Il giovane interprete croato ha superato con valida resa ogni difficoltà tecnica del brano. Il tocco del pianista è stato improntato ad una eleganza anche raffinata nel gestire la componente melodica piuttosto che ad una risoluzione timbrica maggiormente risoluta e ricca d' impeto come il brano dovrebbe imporre. La scorrevolezza del lavoro nei movimenti laterali e nel largo centrale, è stata ben sostenuta e coadiuvata con energia dall'ottima direzione di Fawzi Haimor per una resa complessiva di ottimo livello. Eccellente il bis solistico di Lazić con la Sonata K 9 di Domenico Scarlatti. Nella seconda parte della serata una rarità di Charles Ives, compositore statunitense vissuto a cavallo degli ultimi due secoli, ci ha portato in un'atmosfera tra neo-classicismo e modernità. La Seconda Sinfonia di Ives, costitutiva di un linguaggio tipicamente americano che ha esportato gli efficaci stilemi europei, ha nella componente degli archi della vasta orchestra, l'elemento rilevante. Le timbriche settecentesche trovano uno stravolgimento con i fiati e le percussioni in momenti di moderna e originale creatività, anticipatoria dello sviluppo musicale del Novecento. Il lavoro, completato a cavallo tra fine Ottocento e primissimo Novecento, è particolarmente rilevante nell' eccellente orchestrazione di un compositore che vedeva la musica collaterale alla sua attività principale di assicuratore. Ives, insieme a Varèse, è da considerarsi tra gli anticipatore del Novecento musicale. Decisamente di valore l'interpretazione della Württembergische Philharmonie Reutlingen e la direzione di Haimor, elegante e stilisticamente rilevante. Bellissimo il bis concesso con una Danza ungheresa (la n.7) di j. Brahms che ha evidenziato ancor più gli splendidi colori dell'orchestra tedesca. Da ricordare.

21 marzo 2019 Cesare Guzzardella

Il Quartetto Emerson per la Società del Quartetto

Dopo alcuni anni di assenza è tornato in Sala Verdi nel Conservatorio milanese, il Quartetto Emerson, affermato gruppo cameristico costituito nel 1976 e vincitore di importanti premi discografici per le molteplici e valide incisioni effettuate in questi decenni di attività. Ieri l'impaginato prevedeva un quartetto di Béla Bartók, il N.3 SZ 85, e uno di Beethoven, il N.15 in la minore Op.132, ultimo dei quartetti del genio di Bonn. Probabilmente la brevità del lavoro dell'ungherese - circa 15 minuti per una successione di quattro movimenti senza soluzione di continuità- ha portato alla decisione di eseguire il concerto rinunciando all' intervallo. Questa scelta è stata utile per un confronto più ravvicinato tra i linguaggi musicali dei due grandi musicisti. Quello essenziale, di sintesi discorsiva e tipicamente novecentesco di Bartók e quello più sviluppato nei suoi contrastati cinque movimenti di Beethoven. Quest'ultimo quartetto, pur essendo degli anni '20 dell'Ottocento, si proietta in un futuro senza tempo e molto vicino a noi. Le qualità espresse dalla formazione quartettistica non si discutono. In entrambi i lavori l'unità d'intenti dei quattro interpreti ha evidenziato un unico perfetto timbro ricco di sfumature sia nelle parti melodiche, esaltate anche singolarmente, che nel complesso armonico controllato in modo preciso nelle dinamiche. Splendidi i due bis con un omaggio a Verdi e un meraviglioso Scherzo dal suo quartetto e ancora Beethoven con lo Scherzo dall'Op.130. Un altro capolavoro. Fragorosi gli applausi al termine. Da ricordare. Ricordiamo ad inizio concerto la presenza sul palcoscenico del nuovo Presidente della storica Società del Quartetto: Ilaria Borletti Buitoni sostituisce, certamente in continuità d'intenti, l'avv. Antonio Magnocavallo recentemente mancato.

20 marzo 2019 Cesare Guzzardella

Lucas Debargue per le Serate Musicali

E' la terza volta che ascolto il pianista francese Lucas Debargue in Consevatorio e devo dire che in Sala Verdi, sin dalla prima volta, mi è piaciuto per la sua eccellente creatività sempre alla ricercà di un nuovo modo d'intendere la musica del passato, con un orecchio rivolto al presente e al futuro. Ieri sera un programma impegnativo prevedeva undici Sonate di Domenico Scarlatti seguite, nella seconda parte, da un Bach con la Toccata in do minore BWV 911 e la celebre ultima sonata di Beethoven, la N.32 in do minore Op.111. Scarlatti è il compositore che mi ha maggiormente convinto nell'interpretazione del francese. Il grande musicista napoletano che ha nella sua produzione per tastiera oltre cinquecento sonate, da la possibilità di ampia scelta agli interpreti. I maggiori pianisti si sono cimentati in passato con una cernita ben definita di sonate poi passate alla storia. Debargue ha voluto proporre, secondo una sua libera accurata successione, molte tra le meno eseguite sonate scarlattiane per un tutt'uno unitario di eccellente composizione, come fosse una grande suite in undici movimenti. L'originalità della modalità stilistica del francese ha portato ad un'interpretazione edulcorata da ogni sapore romantico tipico di alcuni celebri esecuzioni, ma legata a timbriche dai colori tipicamente di primo Settecento con spunti di modernità a volte quasi dal sapore jazzistico. Il tocco preciso di Dabergue accentuato da contrasti dinamici netti in cui passa dal forte al pianissimo in modo spesso brusco, con ampia quantità di note puntate e accentuazioni ritmiche, hanno personalizzato molto l'interpretazione. Di qualità anche la Toccata in do minore bachiana eseguita con modalità simili al suo Scarlatti. L' ultimo lavoro proposto, il maturo Beethoven dell' op.111, è generalmente prerogativa di pianisti maturi consapevoli di affrontare un punto d'arrivo assoluto, che quando si propone è conclusivo del concerto. Anche in questo caso la complessa e articolata opera beethoveniana ha concluso la splendida serata senza bis. Debargue, pur nella valida interpretazione complessiva, ha mostrato grosse potenzialità che a mio avviso vanno approfondite per una futura migliore riorganizzazione del materiale. Alcuni frangenti di alto livello non sono forse ancora sufficienti per definire in modo completo un capolavoro che abbisogna di un'unità interpretativa che non è facile da ottenere ai giovani interpreti. Permane una certa discontinuità tra il forte segno reso con forza nella prima parte della sonata e l'etereo finale ricco di quelle sfumature coloristiche elargite dalla celebre successione di trilli. Il livello complessivo, decisamente alto per un ancor giovane interprete, ci fa sperare per un prossimo ascolto nel quale potremo ancora una volta sbalordirci della sua splendida creatività. Da ricordare.

19 marzo 2019 Cesare Guzzardella

Krassimira Stoyanova alla Scala

Il variegato impaginato che ha presentato il celebre soprano bulgaro Krassimira Stoyanova trovava noti lieder di Schubert, tra cui i celebri Gretchenam Spinnrade- Margherita all'arcolaio- e l'Ave Maria, meno noti i brani di Richard Strauss - ben cinque tra cui Morgen op.27 n.4- e rarità di W. Korngold e M. Musorgskij. L'incisività timbrica della Stayonova, unita ad una evidente volumetrica duttilità interpretativa, insieme alle eccellenti capacità attoriali emerse soprattutto nei corposi lieder di Musorgskij, hanno reso di grande qualità la serata scaligera. Prestigioso il pianoforte del bulgaro Ludvil Angelov, attento a sottolineare ogni momento interpretativo del canto. L'elasticità dinamica della cantante si è rivelata anche nei bis concessi con un omaggio all'Italia, non presente nel programma ufficiale, ma ben reso nello splendido Puccini. Grande successo in una Scala con tanto pubblico che al termine ha tributato alla cantante ed al pianista fragorosi applausi. Da ricordare.

18 marzo 2019 C.G.

Straordianario successo per La Traviata alla Scala con Angel Blue in Violetta

Il soprano californiano Angel Blue di origine afro-americana, ieri sera al Teatro alla Scala ha sostituito Sonya Yoncheva, indisposta, nel ruolo principale di Violetta e sarà ancora sul palcoscenico nelle prossime ultime due rappresentazioni del 14 e 17 marzo. Il successo di Traviata, ( Foto di Brescia e Amisano -Archivio Scala ) con quasi dieci minuti di applausi al termine e un pubblico in piedi, ha sensibilmente commosso in scena la Blue , che ricordiamo essere stata in passato vincitrice di concorsi di bellezza a Hollywood e in California. Anche il veterano Placido Domingo nel ruolo di Giorgio Germont è stato accolto da applausi fragorosi subito dopo l'aria del secondo atto Di Provenza il mar, dimostrando ancora una timbrica di sorprendente efficacia e adeguata al ritrovato ruolo baritonale. E' dal 1990 che torna sul palcoscenico scaligero La Traviata per la riuscita regia di Liliana Cavani con le ottime scenografie di Dante Ferretti, i classici costumi di Gabriella Pescucci, le valide coreografie di Micha Van Hoeche e le adeguate luci di Marco Filibeck, e da allora il teatro è sempre stato al completo. Di rilievo la voce di Francesco Meli in Alfredo Germont e di qualità Caterina Piva in Annina, Chiara isotton in Flora Bervoix e le altre. L'eccellenza del Coro preparato da Bruno Casoni non si discute. Ottima la direzione di Marco Armiliato che ha cercato, riuscendoci, di mettere in risalto la componente vocale attraverso una lettura precisa e discreta nei volumi orchestrali. Una maggiore tensione drammatica avrebbe probabilmente migliorato la comunque equilibrata e valida orchestrazione. Angel Blue, con volumetrica emissione vocale ha trovato frangenti di resa eccellente sia nelle estensioni centrali che alte. Nel terzo atto una considerevole discrezione vocale ha evidenziato anche l'ottima resa attoriale del soprano, ottima con Meli nel celebre Parigi o cara. Da non perdere le ultime rappresentazioni.

13 marzo 2019 Cesare Guzzardella

Un valido Brahms con Carlo Levi Minzi e l'Orchestra rumena di Arad

Per ragioni personali ho potuto assistere solo alla prima parte del concerto diretto da Giorgio Rodolfo Marini con l'Orchestra Filarmonica di Stato di Arad. In programma il Concerto per pianoforte ed orchestra n.1 in Re minore di J. Brahms. Al pianoforte Carlo Levi Minzi. L'interpretazione particolare di Minzi, affermato pianista e noto didatta milanese, ha trovato un andamento rilassato, con movimenti in cui la struttura melodico-armonica è definita in modo analitico con dettagli particolareggiati. Punto di forza nell'inusuale interpretazione di Minzi è la chiarezza coloristica attenta e precisa, con frangenti di eccellente risalto estetico. Certamente una maggiore sintesi discorsiva, più tipica del romanticismo evoluto brahmsiano, avrebbe destato maggiore unità al tutto, anche se nel modo di esprimersi di Minzi, ben coadiuvato dalla brava orchestra rumena e dall'ottima direzione di Marini, la coerenza non manca e la profondità espressiva risulta evidente. Altrettanto in sintonia con il concerto il bis solistico concesso con ancora Brahms e la sua Ballata op.10 n.2. Coerenza e bellezza coloristica le principali caratteristiche. Nella seconda parte della serata la celebre Sinfonia "Patetica" di Čaikovskij, ben eseguita, a detta di amici che hanno potuto ascoltarla.

12 marzo 2019 Cesare Guzzardella

Il duo Rabaglia-Miodini al Conservatorio G. Cantelli di Novara

L’appuntamento con il concerto del sabato pomeriggio alla Sala Olivieri del Conservatorio di Novara, oggi, sabato 9 marzo, era di quelli imperdibili: il violinista Ivan Rabaglia (insegnante presso lo stesso Conservatorio novarese) e il pianista Alberto Miodini, cioè due elementi del prestigioso Trio di Parma, presentavano un programma da far gola a chi ami la musica “forte” per usare unespressione cara al grande Quirino Principe: tre delle più belle e celebri sonate per violino e pianoforte della storia della musica: la K454 in Si bem. Maggiore di Mozart, la Sonata in sol minore di Debussy e infine, a coronare grandiosamente il recital, la “Kreutzer” di Beethoven. Di fronte ad una sala in cui dalle 16,30 non c’era più un posto a sedere libero (il concerto cominciava alle 17), il duo Rabaglia Miodini ha offerto una splendida interpretazione di questi tre gioielli musicali. Anzitutto, ma questa non è certo una sorpresa, visto che i due suonano insieme da quasi trent’anni, è stato perfetto il dialogo tra i due strumenti, componente essenziale di tutte e tre le opere eseguite, in cui la parte del pianoforte non è mai di mero accompagnamento, ma anzi torreggia talvolta allo stesso livello di importanza del violino. Soprattutto Rabaglia e Miodini hanno dato prova, se mai ce ne fosse stato bisogno, di una lucida e profonda capacità di penetrare nelle pieghe e nelle sfumature più sottili delle partiture, illuminandole con una coinvolgente intensità espressiva. Il Santo Serafino 1740 di Rabaglia, di per sé, non ha un timbro particolarmente dolce, eppure è stato di straordinaria dolcezza il suono con cui il solista di Parma ha dato voce all’Andante della sonata mozartiana, particolarmente nella sezione dello sviluppo, dove il si minore cui approdava il complesso svolgimento armonico del movimento pareva provenire da qualche remoto regno di ideale bellezza. Sempre a proposito di questo tempo lento della sonata mozartiana, uno dei vertici della musica cameristica del Salisburghese, è emersa un’altra particolarità interpretativa dei due musicisti parmensi: la capacità di arricchire l’atmosfera espressiva con perfette vibrazioni chiaroscurali, grazie a un gioco mosso e vario del piano dinamico e, talora, anche agogico. E’ stato il caso della splendida e inquietante sonata di Debussy, con le sue sottili venature di angoscia che affiorano talvolta dall’apparenza di movimento e allegria che impronta questo capolavoro del periodo tardo del compositore francese. Anche in questo caso valga da esempio il tempo centrale, Intermède: ci è parsa perfettamente nello spirito di questa inafferrabile musica l’esecuzione del duo emiliano, che dopo la svagata atmosfera fatta di ritmi vagamente spagnoleggianti, da bolero e di un’idea secondaria leggera e brillante, suonata con fraseggio sognante dal violino e dal pianoforte, ripropone nel finale il tema principale del bolero trasfigurandolo in un ‘morendo’ sommesso e misterioso. In generale, per questa sonata debussyana va riconosciuto un particolare apprezzamento, oltre, s’intende a Rabaglia, anche a Miodini, per la finezza con cui ha eseguito i numerosi passaggi accordali del pezzo, dandone di volta in volta colorature diverse, ora lievi e allegre, ora più ombreggiate e inquiete. Che dire, infine, della Kreutzer di Rabaglia e Miodini? Diremmo questo: abbiamo ascoltato una Kreutzer di perfetta quadratura ‘classica’, con fraseggi torniti con precisione e limpidezza senza eguali, anche nelle sezioni di più febbrile tensione drammatica, un limpido dialogo tra gli strumenti, una resa perfetta dei vari piani timbrici della partitura. Proprio per questa dominante classicistica della scelta interpretativa di Rabaglia e Miodini, la parte più riuscita della sonata beethoveniana ci è parso l’Andante con variazioni, stupendamente cesellato con una fluente cantabilità: indimenticabili per aerea levità le serie di quartine di biscrome del violino nella seconda variazione, o la trasparenza con cui Miodini ha fatto cantare la complessa scrittura pianistica a quattro parti reali nella terza variazione. Questa impostazione classicistica ha però messo un po’ ai margini quella componente ‘tellurica’, ai limiti dell’allucinato e del demonico, presente nei due tempi estremi della sonata, in particolare il primo, così suggestivamente descritti dal genio di Tolstoij. Si tratta naturalmente di un nostro personale gusto, che nulla toglie a un giudizio che non può che essere di elogio e di ammirazione per i due interpreti, che hanno regalato al pubblico, come bis, il secondo tempo “Blues” della sonata n. 2 per violino e pianoforte di M. Ravel: bellissima esecuzione anche in questo caso, sospesa fra trasognata fantasia e dolce malinconia. Applausi scroscianti e prolungati da parte del numeroso pubblico, per uno dei più bei concerti in assoluto ascoltati in questa stagione a Novara.

9 marzo 2019 Bruno Busca

Fazil Say e l'Orchestra Sinfonica "G. Verdi" all'Auditorium di l.go Mahler

È la terza volta in brevissimo tempo che il compositore-pianista turco Fazil Say, classe 1970, torna a Milano per interpretare grandi autori ma anche sue composizioni. Prima in Conservatorio da solista, poi alla Scala, accompagnando in febbraio l'eccellente voce di Marianne Crebassa e adesso in Auditorium con la Sinfonica Verdi, in veste anche di direttore. Ci ha abituato soprattutto alla sua musica, una giusta via di mezzo tra oriente ed occidente, con melodie ed armonie particolarmente caratterizzanti il suo linguaggio: tonale, suggestivo, immediato ma non semplice. Anche nel brano ascoltato ieri sera all'Auditorium di l.go Mahler, accompagnato dalla sezione d'Archi della Sinfonica Verdi, la specificità del suo modo di far musica è emersa in modo evidente e con apprezzamento generale dei fedeli ascoltatori. Il brano, denominato Yürüyen Köşk, "Il palazzo che cammina", op.72c, rivela i tipici contrasti della musica di Fazil, dove momenti di dolce melodia, quì introdotta accompagnata da un suggestivo effetto di timbriche ottenute dallo sfregamento delle corde acute dei violini -ad imitazione del cinguettio di uccellini- si alterna a momenti aspri, volumetrici e percussivi dei registri bassi della tastiera. Le varianti armoniche del piacevole lavoro di Say, oltre sedici minuti musicali in un unico movimento, erano dedicate ad Atatürk, generale e uomo politico turco che ebbe il merito di avvicinare la Turchia alle tradizioni più occidentali europee. Un lavoro immediato, ben organizzato e con elementi dissonanti ma ben inseriti nel contesto della riconoscibile tonalità. Applausi meritatissimi. Il brano era incastonato tra i grandi Mozart e Beethoven. Del primo il raro Concerto n.1 per pianoforte ed orchestra K.37, opera interessantissima di un Mozart undicenne ma già maturo, influenzato dallo stile galante del suo tempo con i "Bach figli" d'esempio e soprattutto il più anziano Haydn. Bravissimo Say nel melodiare con semplicità e naturalezza le geniali semplici note mozartiane e ottima la Sinfonica Verdi. Dopo l'intervallo, un originale Concerto n.3 in do minore op.37, celebre brano di Beethoven, ha concluso il programma ufficiale. L'interpretazione, che si potrebbe definire "alla Say", prevedeva un'accentuazione forse eccessiva ma efficace degli elementi melodico-ritmici. La resa, poco beethoveniana, avrà fatto rizzare i capelli ai puristi, specie per quella invenzione e/o improvvisazione della cadenza nell'Allegro con brio iniziale, dove il pianista turco ha inserito molto se stesso e poco Beethoven, dimostrando in questo caso una sorta di primato della creatività del compositore Say. Il pubblico ha apprezzato con fragorosi applausi ed anche con esclamazioni di consenso ad alta voce; alcuni tra il pubblico si sono alzati in piedi in segno di omaggio. Grandissimo successo dunque e un bis tutto di Say con un melodico breve suo lavoro. Ultima replica prevista per domani alle ore 16.00. Da non perdere

9 marzo 2019 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Vercelli terzo appuntamento di GREEN TIES 2019

A Vercelli terzo appuntamento della rassegna GREEN TIES 2019 - 5 concerti aperitivo- . Il prossimo avrà luogo domenica 17 marzo 2019 alle ore 11 presso la Sala Parlamentino, Palazzo dell'Ovest Sesia a Vercelli.Verrà eseguita la prima parte dell' Integrale dei Quartetti di Beethoven. Sul palcoscenico il noto Quartetto Adorno. Da non perdere

9 marzo 2019 dalla redazione

 

Juana Zayas alle Serate Musicali del Conservatorio milanese

Non so quante volte ho ascoltato in Sala Verdi Juana Zayas, pianista cubana naturalizzata statunitense, sempre per Serate Musicali. È una scoperta di Hans Fazzari, storico organizzatore della nota società concertistica, avvenuta alla fine degli anni '90. L'impaginato della pianista, come sempre molto tradizionale e variegato, ha trovato musiche di Haydn, Beethoven e Chopin. Ancora una volta devo dire che la Zayas è un'eccellente pianista immeritatamente misconosciuta ai più. È un peccato vedere una Sala Verdi con solo poche centinaia di ascoltatori quando per le qualità musicali espresse , l'artista meritava una sala al completo. Di grande rilevanza tutti i brani scelti. Partendo da Haydn con le celebri Variazioni in fa minore Hob XVII, eseguite con sorprendente classicità e chiarezza espositiva, siamo arrivati alla celebre Sonata in fa minore Op.57 "Appassionata" di L.v.Beethoven, capolavoro sonatistico dei primi anni dell'800. La decisa ed articolata esecuzione della Zayas si è focalizzata qualitativamente nei movimenti laterali, eseguiti con grande impeto e dettagliata resa coloristica rivelando modalità tipiche della pianista tout court, anche se s'intravede nella gestualità delle mani uno studio costante ed approfondito di ogni dettaglio tecnico superato,per esperienza, con estrema facilità. Dopo il breve intervallo un tutto Chopin, anche nei tre bis concessi, ci ha portato alla consolidata predilezione della Zayas per il grande genio polacco. Prima la nota Fantasia in fa minore op.49 - interessante la scelta di questa tonalità in tutti i brani del programma- quindi il breve Studio n.2 in fa min. Op.25 e poi la Ballata n.4 in fa minore hanno concluso l'impaginato ufficiale. Di qualità la resa musicale sia nei più articolati brani laterali che nello Studio centrale al quali si aggiungono i tre bis. La Fantasia e la Ballata n.4 hanno comuni caratteristiche di articolato sviluppo melodico-armonico reso con grande equilibrio formale ed espressivo dall'interprete. I tre fuori programma erano lo Studio postumo in fa minore, la Mazurka op.17 n.4 e lo Studio op.10 n.12. Questi insieme allo Studio n.2, hanno rivelato corposa sintesi discorsiva, soprattutto riferita ai due celebri Studi- e profonda introspezione espressiva nella mirabile Mazurka e nello Studio postumo. Il livello complessivo ascoltato pone la Zayas tra le migliori pianiste viventi. Da ricordare a lungo.

8 marzo 2019 Cesare Guzzardella

Successo per Chovanščina al Teatro alla Scala

Rinnovato successo di pubblico e interminabili applausi al Teatro alla Scala per Chovanščina nella terza rappresentazione di ieri sera. Ritornata dopo vent'anni nel teatro milanese, sempre per la direzione di Valery Gergiev, l'opera di Modest Musorgskij completata nei finali del secondo e quinto atto prima da Rimskij-Korsakov e, nella recente versione, orchestrata da Dmitrij Šhostakovich, Chovanščina rappresenta la migliore tradizione operistica russa al pari di Boris Godunov. I punti di maggior splendore della riuscita rappresentazione scaligera sono certamente la concertazione di Gergiev che ha mirabilmente forgiato con timbriche di grande espressività le ottime qualità dell'orchestra scaligera e l'inarrivabile parte corale preparata dal solito bravissimo - e qui di più- Bruno Casoni. I momenti corali rimarranno indelebili nella memoria dei presenti in teatro anche per il valido inserimento di questi nella riuscita scenografia di Margherita Palli (prime due foto di Brescia-Amisano-Archivio Scala) Di grande qualità complessiva il cast vocale con omogenee prestazioni dei solisti, tutti all'altezza, tra i quali ricordiamo Mikhail Petrenko, Principe Ivan, Ekaterina Semenchuk, Marfa, Evgenia Muraveva, Emma, Sergey Skorokhodov, Pricipe Andrej, Evgeny Akimov, Golicyn, Maxim Paster, Scrivano, Alexey Markov, Saklovityj, Irina Vashchenko, Susanna, Stanislav Trofimov, Dosifej, ecc. La regia di Mario Martone, apprezzabile nelle intenzioni atemporali in cui inserisce una vicenda che risulta non facilmente inquadrabile nel periodo storico, ha trovato, a mio avviso, forzature rappresentate dalle apparecchiature tecnologiche inserite in un contesto sbagliato. Per il bisogno di attualizzare la vicenda, la presenza di smarphone, pc o macchine da ripresa video che filmano lo sgozzamento di alcuni Strel'cy, risultano inopportuni e troppo contrastanti anche in rapporto con i validi e appropriati costumi curati da Ursula Patzak Un lavoro, a parte questo, che assolutamente merita e di cui auspichiamo la presenza completa di pubblico anche nelle prossime rappresentazioni previste per il 13-19-24-29 marzo. Da non perdere.

7 marzo 2019 Cesare Guzzardella

Il ritorno di Mitsuko Uchida in Conservatorio per la Società del Quartetto

Grande successo in Conservatorio, con pubblico entusiasta al termine della serata, per la pianista nipponica residente a Londra Mitsuko Uchida. Dopo circa dodici anni di assenza da Milano, la Uchida è tornata in Sala Verdi per un tutto Schubert di alto livello interpretativo. Le Sonate D 537, D 840 e D 960 sono state affrontate con una chiarezza d'intenzione evidente mettendo in risalto, in tutte e tre le note composizioni, timbriche decise, sia nelle strutture armoniche più ampie che nelle note isolate delle melodie più nascoste. Alternando situazione di grande impatto sonoro, definite da segni scultorei netti e pregnanti ed altri di sublime rarefazione e riflessione, la Uchida ha trovato un nuovo e profondo modo d'intendere Schubert, lontano da quella discrezione e leggerezza spesso esaltata da altri grandi interpreti. In lei maggiore impeto e un'evidente volumetrica espressività si esprime in un rapporto di dinamiche assolutamente equilibrato se pur molto contrastato nella diversa successione dei movimenti. La bellezza del suono è elemento essenziale nel modo di esprimersi dalla Uchida, ma nello stesso tempo il controllo razionale degli equilibri complessivi è altrettanto importante per definire la bellezza e l'alto valore musicale del mondo pianistico schubertiano. L'impatto iniziale con l'Allegro ma non troppo della Sonata in la minore ha da subito definito la cifra decisa e marcata dell'Uchida nei movimenti laterali in netto contrasto con la ricercata e pacata coloristica delle semplici note declinate nelle stupende armonie dell'Allegretto quasi andantino centrale. Di estrema qualità espressiva anche l'Allegro vivace dove le decise e precise scale discendenti iniziali danno l'avvio ad un articolato movimento ricco di contrasti coloristici. La Sonata in do maggiore D 840 denominata Reliquie ed incompiuta, ha nei soli due movimenti, Moderato ed Andante, un clima completamente diverso: austero, rarefatto e di profonda meditazione. Una discorsività dilatata quella voluta dalla Uchida che si perde in una nebbia di grande valore estetico. Dopo l'intervallo, la Sonata in si bemolle maggiore D 960, capolavoro assoluto della letteratura pianistica, ha concluso l'impaginato previsto nella splendida serata. L'eccellente equilibrio complessivo della corposa ultima sonata è stato sostenuto dall'Uchida con scelte più in linea con le grandi tradizioni interpretative entrate nella storia. Ottimamente equilibrato e normalmente dilatato il Molto moderato iniziale seguito da un Andante sostenuto di struggente bellezza e di rara perfezione nella lenta successione melodica. In netto contrasto i due chiarissimi e perfetti movimenti conclusivi: prima lo Scherzo, un Allegro vivace di una scorrevolezza e delicatezza disarmante e poi un Allegro ma non troppo con quel Sol campanello iniziale che introduce l'ultimo movimento, un finale del mondo sonatistico schubertiano. Bis capolavoro per l'Uchida con un Bach stratosferico per chiarezza coloristica e bellezza. Successo strepitoso per una grande pianista. Da ricordare sempre.

6 marzo 2019 Cesare Guzzardella

Ilya Gringolts e Peter Laul alle Serate Musicali

Da parecchi anni il violinista Ilya Gringolts è ospite regolare di Serate Musicali. Ieri sera un impaginato in parte ricercato, ha alternato musicisti noti ad altri poco eseguiti. Prima Mozart e Dvoràk e poi un raro Korngold. La Sonata in la magg. K.526 del salisburghese ha introdotto il concerto. Un Mozart di grande equilibrio formale che completò la sonata ai tempi del Don Giovanni, nel 1787, nella quale la componente pianistica, resa con maestria e morbida scorrevolezza dall' ottimo Peter Laul, ha ruolo preponderante specie nel Molto allegro iniziale e nel Presto finale. Il movimento centrale, l' Andante, è dominato da momenti di grande espressività emotiva degne del Mozart più profondo. Di rilevanza estetica qui la parte violinistica resa molto bene da Gringolts in ogni frangente. La Sonatina in sol maggiore op.100 ci ha portato ad un Dvoràk legato alla tradizione popolare ceca. Ricca di semplici melodie variate con andamenti di danza tipiche del mondo slavo, la splendida sonata popolare in quattro movimenti è stata resa con perfetta sintonia d'intenti dai due validi strumentisti in un equilibrio formale-espressivo perfettamente unitario. Dopo l'intervallo la Sonata in sol maggiore op.6 dell'austriaco Erich Wolfgang Korngold ( 1897-1957) ha concluso il programma ufficiale. Ricordiamo che Korngold, di origine ebrea lasciò nel 1938 l'Europa per gli Stati Uniti dove divenne celebre autore di colonne sonore - vinse anche due Oscar- e valente compositore di opere liriche. La sua Die tote Stadt verrà data a fine maggio al Teatro alla Scala. La sua Sonata per violino e pianoforte è un lavoro complesso, vario ed eterogeneo, che partendo dal tardo romanticismo ottocentesco trova riferimenti specie in Richard Strauss per l'evoluzione armonica e l'ampliamento dello tavolozza tonale. Composta da un musicista precoce di soli quindici anni, dopo un successo iniziale - anche perchè dedicata ed eseguita dal mitico Artur Schnabel e dal violinista Carl Flesch - la sonata è sparita dalla circolazione. Anche per questo l'idea di riportarla nelle sale da concerto è stata certamente valida. Ottima l'esecuzione dei due interpreti per un lavoro perfettamente equilibrato nelle parti e con momenti di grande virtuosismo reso con chiara sintesi discorsiva sia da Gringolts che da Laul. Bellissimo il bis concesso al termine con un esemplare Stravinskij e il suo Scherzo (1910). Da ricordare.

5 marzo 2019 Cesare Guzzardella

Un importante premio internazionale pianistico dedicato ad Antonio Mormone

Milano in questi ultimi decenni è stata sede di importanti concorsi o premi internazionali pianistici. Tra questi quelli dedicati a Dino Ciani e Umberto Micheli hanno segnato maggiormente il bisogno di ricerca di nuovi talenti del pianoforte. Dopo alcuni anni di pausa sta per nascere un nuovo importante premio internazionale pianistico, quello dedicato ad un personaggio di spicco nell'organizzazione concertistica milanese, mancato alcuni anni orsono, quale Antonio Mormone. Questa mattina infatti, a Palazzo Marino, in Sala Alessi, su iniziativa della pianista e presidente della Fondazione La Società dei Concerti, Enrica Ciccarelli Mormone e alla presenza anche del Sindaco di Milano Giuseppe Sala, dell'Assessore alla cultura Filippo del Corno, del pianista e direttore d'orchestra Matthieu Mantanus, del Sovrintendente alla Scala Alexander Pereira, è stato presentato il Premio Internazionale Antonio Mormone. Come ha esposto Enrica Ciccarelli di fronte al numeroso pubblico intervenuto, il Premio attraverserà una prima fase di selezione dove una prima giuria selezionerà dieci tra i presumibili numerosi pianisti partecipanti. Una seconda giuria, diversa e più numerosa, valuterà i dieci candidati ascoltandoli in performence pubbliche che avverranno in più luoghi e sale da concerto della città. Dopo la seconda fase di selezione rimarranno solo tre solisti, che dopo le esibizioni del 2 e 3 luglio 2020, tenute nella Sala Verdi del Conservatorio, verranno ascoltati e valutati dalla giuria finale presieduta dal celebre pianista russo Evgeny Kissin e da altri importanti musicisti quali Bruno Canino, Alexei Volodin, Olga Kern, Paul Lewis, Menahem Pressler, Ivan Fedele, solo per citarne alcuni. I tre finalisti parteciperanno poi alla serata conclusiva del 5 luglio al Teatro alla Scala. I premi saranno in denaro, in ingaggi per concerti in Italia e all'estero e una produzione discografica importante. Come ricordato dal sovraintendente alla Scala Pereira, alla serata finale i pianisti saranno accompagnati dall'Orchestra dell'Accademia della Scala diretta da un celebre direttore. Tra gli interventi anche quello del Maestro Bruno Canino, membro della giuria finale, e della direttrice del Conservatorio milanese Cristina Frosini. Da seguire con attenzione anche attraverso il sito www.antoniomormone.org

4 marzo 2019 Cesare Guzzardella

I prossimi due concerti al “Cantelli” di Novara

Venerdì 8 marzo (La chitarra) e sabato 9 marzo (I concerti del sabato) si terranno all'Auditorium Fratelli Olivieri alle ore 21.00 i concerti con Leonardo De Marchi, chitarra e chitarra decacorde e per La stagione dei Concerti del Cantelli 2018/2019 sabato alle ore 17.00 musiche di Mozart,Beethoven e Debussy con Alberto Miodini, pianoforte e Ivan Rabaglia, violino. Da non perdere.

3 marzo dalla redazione

Tre allievi del “Cantelli” di Novara vincitori di un prestigioso concorso internazionale

Non è certo la prima volta che accade: da decenni infatti svariati allievi del Conservatorio "G. Cantelli" di Novara si sono affermati in rilevanti e prestigiosi concorsi internazionali (pressoché in tutte le discipline previste dagli ordinamenti). Ora è la volta di ben tre chitarristi premiati in occasione del III Concorso di chitarra “Gaetano Marziali” indetto dall'Accademia musicale Marziali di Seveso (MB) e svoltosi lo scorso 23 febbraio 2019, un vero e proprio en plein, una vistosa tripletta come si direbbe in ambito sportivo ( e si sa che suonare uono strumento è anche una disciplina atletica) che inorgoglisce il Conservatorio stesso ed il suo corpo docente.Nella Categoria H dai 22 ai 25 anni (ovvero la massima categoria) ecco i risultati conseguiti dai 'nostri' tre allievi (appartenenti alle due cattedre di chitarra del Cantelli): Primo premio: FABIO BUSSOLA (triennio seconda annualità) Secondo premio MARCO CALZADUCCA (biennio prima annualità).Terzo premio: MARGHERITA CHIESA (biennio seconda annualità).

3 marzo dalla redazione

Il ‘900 al Conservatorio G. Cantelli di Novara

Tutto incentrato sul ‘900 “storico” l’impaginato proposto dall’odierno concerto pomeridiano del Conservatorio di Novara, in una stagione che vede ormai il ‘tutto esaurito’ della Sala Olivieri come regola, segno di un diffuso e crescente consenso di pubblico intorno ad una istituzione fondamentale della vita musicale della città. Come di consuetudine, il concerto era diviso in due parti nettamente distinte: la prima vedeva l’esecuzione della Sonata per violino e violoncello in la minore M.73 di M. Ravel, affidata ad un duo russo formato dalle due giovani sorelle Alfja e Alja Bakjeva. La seconda parte era interamente dedicata ad un quintetto di fiati, formato, crediamo (non è stato distribuito un programma di sala con notizie biografiche sugli esecutori e in giro per il web non c’è molto sul loro conto) da giovani promesse del Conservatorio novarese. Non ce ne vogliano i giovani, bravissimi del quintetto, ma il ‘pezzo forte’ del pomeriggio è stata senz’altro la Sonata di Ravel, tra le composizioni più singolari del grande compositore francese, ricca com’è di dissonanze, dovute soprattutto a bitonalità dei due strumenti, a settime maggiori con risoluzione armonica alla Webern, a modalismi che talora sconfinavano nell’atonalità. Il tutto espresso in un linguaggio asciutto, essenziale, che in certi momenti poteva persino richiamare alla mente certo Satie. Le due giovani interpreti russe hanno dato di questo complesso gioiello raveliano un’esecuzione davvero avvincente, a cominciare dalla scelta di un suono scabro, metallico, acidulo sugli acuti, con sfruttamento eccellente delle dinamiche, sbalzate con incisivo vigore chiaroscurale da entrambi gli archi, ma, saggiamente, con una voce più energica del violino e una più sommessa del violoncello: è infatti il violino a dominare gran parte di questa partitura, permettendo ad Alfja Bakjeva di mettere in mostra un possesso tecnico dello strumento di tutto rispetto: la sua parte, ricca di salti di ottava, di armonici, di strappate e accelerazioni improvvise era tutt’altro che semplice, ma Alfja se l’è cavata con una agilità di diteggiatura e una precisione di fraseggio degne di ammirazione. Ottima esecuzione, dunque ed entusiastica ovazione del pubblico, strameritata, per le due sorelle della lontana Novosibirsk. Il quintetto di fiati, con Ilaria Torricelli al flauto/ottavino, Kingsley Mandrino all’oboe, Gabriele Mercandelli clarinetto, Tommaso Ruspa corno e Marco Frigerio fagotto, esordiva con la celebre Kleine Kammermusik op. 24 di P. Hindemith, che coincidenza vuole composta nello stesso anno, il 1922, della sonata di Ravel. Nello stile tipico del maturo Hindemith, permette ai cinque fiati di dare voce ad una vasta gamma di soluzioni musicali assai varie, da certa grazia settecentesca a sonorità tardoromantiche, in stimolante contrasto con l’evidente influenza di Stravinsky e, soprattutto nel ‘Vivacissimo’ finale, col singhiozzante sincopato del jazz. Bravissimi i cinque che hanno mostrato un’intesa e un affiatamento di matura professionalità, a dare voce ai diversi registri espressivi della composizione, fornendone un’interpretazione degna di encomio. Una bravura confermata nei due successivi e ultimi pezzi in programma, i Trois pièces brèves di Ibert, dalle geometrie limpide d’impianto tonale e il meno interessante Divertimento op.51 di Willy Hess, incline a certi affettuosi toni bucolici, anch’esso agganciato ferreamente al sistema tonale. Un altro bel concerto di cui essere grati al Conservatorio di Novara, in continua crescita di qualità e intelligente fervore di attività.

2 marzo 2019 Bruno Busca

Prossimamente Sonig Tchakerian e la Camerata Ducale Junior a Vercelli

Sabato 9 marzo 2019 alle ore 21 presso la Basilica di Sant'Andrea di Vercelli la Camerata Ducale Junior e Sonig Tchakerian, maestro concertatore con Leonardo Taio, viola solista terranno un concerto ad Ingresso libero. Da non perdere

2 marzo dalla redazione

La Quinta di Mahler per Chailly con due altre novità alla Scala

Dopo la splendida Terza Sinfonia ascoltata lo scorso anno e l'avvincente Sesta Sinfonia del gennaio di quest'anno, è tornato Riccardo Chailly alla direzione della Filarmonica della Scala con un altro capolavoro di Gustav Mahler, la Sinfonia n.5 in do diesis minore, composta del 1902 a Maiernigg, sulle sponde del lago Wörthersee di Carinzia, in Austria a pochi chilometri dal confine italiano. Probabilmente la più celebre sinfonia mahleriana per via del sempre atteso Adagietto posto come quarto movimento e tanto amato da Luchino Visconti da proporlo nel suo memorabile Morte a Venezia. La Quinta, una delle sinfonie solo strumentali di Mahler, è stata preceduta da due prime esecuzioni italiane, sempre di Mahler: Nicht zu schnell dal Quartetto con pianoforte in la minore nell'orchestrazione di Colin Matthews e Symphonisches Präludium nella ricostruzione di Albrecht Gürsching. Entrambi i lavori con temi melodici dai timbri scuri ed ombreggiati, ben evidenziati e spesso ripetuti -soprattutto nel primo pregnante ed espressivo brano- nell' ottima orchestrazione ben resa da Chailly e dai suoi Filarmonici. Chiari i riferimenti saldamente legati al tardo romanticismo di fine Ottocento. Dopo il breve intervallo la Quinta del compositore e direttore austriaco ha trovato uno Chailly decisamente all'altezza che ha evidenziato il giusto equilibrio nei rapporti volumetrici, timbrici e dinamici dei cinque movimenti che compongono la sinfonia, eseguita con taglio netto e preciso fin dalle prime note della bravissima tromba solista. Il celebre Adagietto, è sottotitolato in partitura Sehr langsam ovvero Molto lento, ed è affidato agli archi accompagnati da un riconoscibile tappeto sonoro dell’arpa. Chailly, di questo sublime momento musicale, ha scelto un'esecuzione relativamente rapida, dalla durata di poco più di otto minuti ( 8.10), se pensiamo che mediamente altri grandi direttori propongono o hanno proposto tempi decisamente più lenti che vanno oltre i dieci, undici o i "quasi e più" di dodici minuti di Karajan e Bernstein. Chailly, assistente in passato di Abbado, ha ridotto ancora di circa trenta secondi la durata dell'Adagietto rispetto a quella del compianto direttore milanese, con una sintesi discorsiva probabilmente non aderente al "Molto lento" richiesto, ma certamente di avvincente equilibrio formale ed espressivo. Un plauso a tutte le sezioni orchestrali ricordando almeno la prima tromba e il primo corno, ottoni chiarissimi e precisi. Nella replica di ieri sera grande il successo di pubblico e numerose le uscite sul palcoscenico per Riccardo Chailly. Questa sera ultima replica. Da non perdere.

2 marzo 2019 Cesare Guzzardella

Prossimamente a Novara

Sabato 2 marzo 2019 alle ore 17, all'Auditorium Fratelli Olivieri per la stagione dei Concerti del Cantelli 2018/2019 Quindicesimo concerto con Sperimentalismi in Ravel e Kammermusik. Un programma per intero intenzionalmente ‘sbilanciato’ sul Novecento, quello del concerto odierno: con una prima parte dedicata al sommo Ravel e volta all’interpretazione di una delle sue pagine in assoluto più avveniristiche; poi ecco una seconda parte di natura cameristica che non mancherà di affascinare e sedurre il nostro fedele pubblico, con la varietà degli stili, delle forme e della scrittura. Questo in dettaglio il programma: Alfia Bakieva, violini Aliya Bakieva, violoncello. M. Rave Sonata (Duo) per violino e violoncello in la minore (M 73).

dalla redazione 1 marzo 2019

 FEBBRAIO 2019

Il duo Faust- Melnikov per la Società del Quartetto

Un concerto all'insegna del classicismo interpretativo quello ascoltato ieri sera in Conservatorio dal duo formato dalla violinista Isabelle Faust e dal pianista Alexander Melnikov. Un duo per un "tutto Beethoven" che prevedeva tre Sonate per violino e pianoforte: la N.4 in la minore op.23, la N.5 in fa maggiore op.24 "Primavera" e la N.10 in sol maggiore op.96. L'equilibrio tra i due interpreti, nelle celebri sonate del grande tedesco, spesso è orientato alla prevalenza della parte pianistica, strumento che Beethoven conosceva molto bene e prediligeva. L'ottima Isabelle Faust ha trovato una linea interpretativa molto interiore esprimendo volumetrie sonore pacate in unione con un pianoforte, per quanto contenuto nei volumi, spesso più voluminoso. Non si discute l'eccellenza di raffinatezza nell'esprimere dettagli in sonorità raccolte che dalla prima fila, dove avevo trovato un posto sentivo molto bene, ma che probabilmente a distanza risultavano poco percettibili. L'ottimo Melnikov è pianista attento, scrupoloso e usa il pedale benissimo per un tessuto melodico-armonico asciutto e chiaro. Il timbro ricercato del bel violino Stradivari "Bella Addormentata -1704" della Faust in alcuni frangenti doveva "osare di più" per far emergere le timbriche sottili se pur raffinate. Di spessore tutte tre le esecuzioni con alcuni momenti finali di grintosa resa espressiva. Successo di pubblico con fragorosi applausi e un valido bis con ancora Beethoven e il finale della Sonata op.12 n.3.

27 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Yevgeny Sudbin per Serate Musicali

Da molti anni il pianista russo, di San Pietroburgo, Yevgeny Sudbin torna in Conservatorio Come già riferito nell'ultima recensione dell'ottobre del 2017, quando impaginò un programma simile a quello ascoltato ieri sera, come spesso accade per questa generazione di pianisti, l'attitudine al repertorio novecentesco, con ottime rese interpretative, supera le pur valide esecuzioni riferite a periodi più lontani, dove il raffronto con pianisti entrati nella storia risulta arduo. Anche ieri infatti di fronte al programma interessante ed articolato proposto per Serate Musicali, con autori diversi quali Scarlatti, Beethoven, Chopin, Camille Saint-Saëns e Scriabin, è soprattutto con il compositore russo che abbiamo trovato un pianista adeguato, interessante e di alto livello. Sia la Sonata n.5 in fa diesis maggiore op.53 - già eseguita nel 2017- che il Notturno per la mano sinistra op.9, che la Mazurca op.25 n.3 sono risultati di ottima qualità. La Sonata, un unico movimenti di circa dodici minuti, di complessa difficoltà, è stata affrontata con sicurezza, disinvoltura e precisione tecnica infallibile. Splendido anche il Notturno per la mano sinistra e la Mazurca che ha anticipato la celebre Danse Macabre del compositore francese, eseguita come ultimo brano del programma ufficiale. Questa è stato rilevante nella perfezione virtuosistica e nella resa espressiva evidenziando ancora una volta le qualità tecniche di alto livello di Sudbin che supportano tutte le esecuzioni. Il bis concesso con un terzo Scarlatti - Sonata K 466- come i primi due iniziali ( K 197 e K 455) è stato ben eseguito. Bene le Sei Bagatelle op.126 di Beethoven e di normale livello la Ballata n.3 di Chopin. Lunghi applausi al termine.

26 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Guido Rimonda la Camerata Ducale prossimamente a Vercelli con il duo Schiavo-Marchegiani

Sabato 2 marzo 2019 alle ore 21 presso il Teatro Civico di Vercelli MASQUERADE. Protagonisti: Guido Rimonda, violino solista e direttore e il Duo Schiavo-Marchegiani, pianoforti. Orchestar Camerata Ducale.

25 febbraio dalla redazione

La giovane pianista Ludovica De Bernardo al Conservatorio Cantelli di Novara

Oggi, sabato 23 febbraio, abbiamo finalmente ascoltato dal vivo nella sala Olivieri del Conservatorio G. Cantelli di Novara,una giovane pianista napoletana, ma con studi al Bonporti di Trento, di cui si comincia a dire un gran bene, in particolare da quando ha vinto il Concorso internazionale Martucci, proprio qui a Novara: stiamo parlando di Ludovica De Bernardo, che, nella seconda parte del concerto, si è esibita nella Toccata in Sol Maggiore BWV 916 di J.S. Bach e nella Sonata per pianoforte n. 2 in sol minore op. 22 di R. Schumann. In effetti l’ascolto non ha smentito la fama: la De Bernardo è pianista di alta perizia tecnica e ormai maturo dominio della tastiera. Il suo suono unisce solida e lucida quadratura del fraseggio e morbidezza raffinata di tocco, di cui ha dato prova già nel primo tempo della sonata schumanniana, in cui ha ottimamente eseguito il vorticoso, febbrile So rasch wie moglich Iil più Presto possibile), non perdendosi una nota, con una energia che aveva del precipitoso (lo diciamo in senso positivo), ma ha anche dato il colore giusto ai due brevi momenti lirici del secondo tema, suonato con una vibrazione patetica appena soffusa e delicatamente fraseggiata. Ma il movimento più difficile, non tanto dal punto di vista tecnico, quanto interpretativo è il secondo, l’Andantino, in cui il pianista è chiamato al miracolo di una sintesi tra due opposti: la densità della strumentazione e la trasparenza del disegno melodico. Anche da questo banco di prova , la brava pianista napoletana esce in modo convincente, forse con tempi un po’ troppo veloci, ma con buon controllo delle dinamiche e degli snodi armonici della partitura. Della Toccata bachiana, che aveva preceduto il capolavoro schumanniano , la De Bernardo ci è piaciuta soprattutto nella fuga finale, meno nell’aggraziato Adagio centrale , la cui delicatezza in stile prettamente italiano ci è parsa un po’ oscurata dalla austera quadratura del fraseggio. Comunque siamo di fronte a una pianista che ha tutti numeri per raggiungere i più prestigiosi traguardi: glielo auguriamo di cuore. La prima parte del concerto vedeva protagonisti due promettenti virgulti del Conservatorio di Novara, il flautista Tommaso Carzaniga e in funzione di accompagnatrice la pianista Cecilia Apostolo, un altro bel frutto di quella fucina di talentuosi giovani che è la classe di Luca Schieppati, che abbiamo riconosciuto tra i presenti al concerto. Il pezzo più significativo dei tre proposti in questa parte del concerto era senz’altro la Sonata per Flauto e pianoforte di Ervin Schuloff, il più famoso tra i numerosi compositori di origine ebraica che caddero vittima della follia nazista: composta nel 1927, si caratterizza per uno stile che, non disdegnando la politonalità, mescola spunti jazzistici e di musica popolare: pezzo delizioso, che ha i suoi vertici nel secondo movimento, uno Scherzo dal ritmo simpaticamente sghembo, col pianoforte che sembra rincorrere, senza mai raggiungerlo, il flauto, e l’Adagio, un’aria che sembra evocare, con struggente malinconia un so che di remoto e misterioso. Un bravo deciso ai due interpreti: Carzaniga è flautista dotato, di ottima tecnica nella gestione del fiato, dal suono di bel colore, delicato e morbido. Ottima partner alla tastiera la Apostolo, che nel primo tempo ha un ruolo di quasi protagonista, con una sorta di moto perpetuo pianistico, eseguito con bel suono, sgranato da un tocco sempre preciso ed energico. Meno significativi, dal punto di vista estetico e storico-musicale, s’intende, non certo da quello ‘tecnico, gli altri due pezzi proposti: la Fantasia per flauto e pianoforte del compositore francese del primo ‘900 G. Hue, un libero alternarsi di passi di un melodismo tardo romantico e altri di più spigliato e scherzoso brio, e i Tre pezzi per flauto solo di un altro francese P. O. Ferroud , contemporaneo di Hue, anche lui legato a soluzioni riconducibili ad un linguaggio tardo ottocentesco. Un bel concerto, quello proposto dal Cantelli, che si conferma sempre più punto di riferimento importante per la Novara dei musicofili e, soprattutto, ottima scuola nella preparazione dei giovani desiderosi di percorrere quella che oggi è la strada assai impervia di una carriera musicale.

23 febbraio 2019 Bruno Busca

A Vercelli Filippo gamba prosegue la sua integrale delle sonate pianistiche di Beethoven

“Qui tocca anche a noi poveri la nostra parte di ricchezza”. Questo verso di Montale ci tornava alla mente uscendo ieri sera, 22/02 dal Teatro Civico di Vercelli, dopo aver ascoltato il concerto del pianista Filippo Gamba, impegnato da un paio di stagioni a eseguire quel monumento ‘aere perennius’ della musica di ogni tempo che sono le trentadue sonate per pianoforte di Beethoven. A noi “poveri” abitanti fra le risaie e i campi tra Vercelli e Novara, per ascoltare buona musica non è sempre necessario andare a Milano o Torino: il “qui” montaliano è per noi non la costa delle Cinque terre, ma Vercelli, da dove s’irradia, tra gennaio e maggio, due volte al mese, la luce di una musica di qualità, spesso altissima, proposta con intelligente programmazione, e scelte raffinate dal Festival Viotti, organizzato dalla Camerata Ducale di Guido. Rimonda e Cristina Canziani. Ieri era il turno della serata cameristica, con protagonista, appunto, il pianista veronese Filippo Gamba, giunto, se non facciamo male i conti, al suo terzo appuntamento con l’integrale delle sonate beethoveniane. Per l’occasione l’impaginato prevedeva un trittico di composizioni che si pongono al vertice del c.d. ‘secondo stile’ del grande di Bonn, tra 1803 e 1805: due celeberrime, la Waldstein-Aurora op.53 in Do maggiore e l?Appassionata op.57 in fa minore. La terza, l’op.54 in Fa maggiore è un gioiello che, stilisticamente lontano, almeno in apparenza, dalle due precedenti, decisamente ‘strana’, nella struttura, non gode della popolarità delle due sorelle maggiori, per quanto, ci assicura il come sempre impeccabile programma di sala a firma di Attilio Piovano, amata da grandi interpreti come Cortot. Intelligentemente, alterando l’ordine cronologico di composizione e la serie dei numeri d’opus, Gamba ha eseguito per prima la sonata op. 54, proprio, pensiamo, a sottolinearne l’enigmatica estraneità al clima musicale che domina le altre due composizioni. Di breve durata, in soli due tempi, si apre. del tutto inusualmente con un Minuetto di incomparabile grazia rococò e si chiude con un ‘moto perpetuum’ di impianto toccatistico. Particolarmente singolare è il Trio del minuetto, una specie di canone su ottave e seste, che giustamente Rattalino definisce ironico, quasi una parodia di un esercizio per lo studio del pianoforte. Ora, come interpretare questa composizione? Nella breve intervista concessa ad Attilio Piovano prima di sedersi al pianoforte, Gamba definisce questa sonata una sorta di sintesi tra l’op. 53 e l’op 57. Il suo tocco, asciutto e distillato con pensoso rigore, disegna l’amabile grazia del Minuetto con limpidezza, ‘asciugando’ l’ornamentazione, alla Carl Philipp Emanuel Bach, cioè l’essenza del rococò, con cui si ripropone il minuetto ad ogni sua ripetizione. Il secondo tempo, come ci ricorda Rosen, reca sulla partitura l’indicazione “dolce” per entrambe le mani: Gamba privilegia piuttosto una lettura di questo tempo come una sorta di anticipazione sperimentale del terzo tempo dell’op.57, pertanto l’espressività sentimentale richiesta dall’autore si avverte poco e ne risulta un pezzo un po’ algido. . In compenso, la precisione e lucidità di tocco dell’interprete puntano molto e con sicura efficacia sui contrasti dinamici e tematici che innervano sottilmente questo singolare tempo, soprattutto nello sviluppo, ricco di cromatismi dei due primi temi. Noi, come donna Prassede, siamo affezionati alle nostre idee e ci piace vedere in quest’op 54 una sorta di addio, un po’ affettuoso, un po’ ironico, di Beethoven a un mondo musicale. Quello del’700 rococò, da cui la sua musica si era congedata per sempre, aprendo strade rivoluzionarie. Gamba, e i più sono con lui, vede piuttosto in quest’opera una linea di continuità sperimentale con i capolavori del secondo stile e ne ha offerto un’interpretazione perfettamente coerente, cui non possiamo che inchinarci. Decisamente bella l’esecuzione della Waldstein, non solo per la perfezione con cui Gamba cesella le note anche nelle zone di più impervia scrittura virtuosistica, ma soprattutto per il suono che riesce a ottenere con un uso raffinato del pedale di risonanza, che forse mai prima Beethoven aveva scandagliato così a fondo nelle sue risorse timbriche.: la misteriosa sonorità dell’Adagio che introduce il Rondò finale, ,l’”impressionismo” ante litteram di alcune battute dello stesso rondò, soprattutto il meraviglioso finale, come un suono remoto di campane nella nebbia, sono state tra le cose più belle che Gamba abbia donato ieri sera al suo pubblico. Il suono asciutto fino all’austerità, proprio di Gamba, lo mette poi nelle condizioni ideali per interpretare al meglio l’attacco dell’Appassionata, che sotto le dita del pianista veronese si sente eseguito come sempre dovrebbe: una sonorità che si affaccia dal silenzio con discrezione, con un timbro quasi secco, insomma un pianissimo che deve rasentare i limiti della sobrietà assoluta e rendere ancora più sorprendente e tragico l’esplodere del seguente fortissimo. In generale, Gamba propone un’Appassionata in cui l’indubbia difficoltà tecnica non si fa mai gratuita esibizione virtuosistica, ma è al servizio della violenta passione che pervade questo capolavoro. Se poi vogliamo indicare i dettagli che più ci hanno colpito in questa esecuzione, per bellezza e finezza interpretativa, segnaleremmo il finale dell’Assai Allegro (Primo Tempo) con un calibratissimo gioco di dinamiche della mano sinistra sull’ottava bassa dal fortissimo al diminuendo, accompagnato da tocchi di pedale che lasciavano vibrare stupendamente il basso; e la prima variazione dell’Adagio centrale, ove la mano sinistra sul grave si scioglie in un cantabile delicatissimo, dal perfetto legato, mentre la destra suona note staccate, creando un contrasto che rapisce i sensi. Trascinato dagli applausi del numeroso pubblico presente, Gamba ha concesso un bis: un Notturno di Chopin in Si maggiore, eseguito con la consueta asciutta sobrietà, senza alcuna concessione a superficiali patetismi, di cui è troppo spesso vittima il poeta polacco del pianoforte.

23 febbraio 2019 Bruno Busca

Jan Lisiecki alle Serate Musicali

Da alcuni anni il pianista canadese, di genitori polacchi, Jan Lisiecki torna nel Conservatorio milanese impaginando programmi nei quali la tradizione europea dell'Ottocento e del primo Novecento è ben rappresentata. Il programma di ieri prevedeva Chopin, Schumann, Ravel e Rachmaninov. Del grande polacco una suddivisione in due momenti musicali, iniziali e finali, ha reso particolare la scaletta del concerto con i due Notturni op.55 introduttivi e il Notturno op.72 e lo Scherzo n.1 Op.20 eseguiti al termine del programma ufficiale. Abbiamo ascoltato più volte Chopin negli impaginati di Lisiecki in questi anni e debbo dire che un salto di qualità si è rilevato soprattutto nei Notturni, interpretati con grande chiarezza espressiva e dosaggio delle timbriche in andamenti molto riflessivi. Lo Scherzo n.1 eseguito come ultimo brano, è stato interessante per l'andamento del tema iniziale - ripreso poi alla fine- eseguito con incredibile rapidità nella chiara sintesi discorsiva. Meno interessante, anche se ben eseguito, lo Schumann dei Nachtstücke op.23, quattro brani di rara esecuzione. Siamo rimasti piacevolmente convinte di Ravel, con la resa eccellente di Gaspard de la Nuit, brano ascoltato anche il giorno prima dall'ottimo Malofeev, ma reso ieri sera con profonda e matura espressività. Splendide le timbriche ottenute dalla tecnica trascendentale del pianista che tra momenti di flebile dosaggio e altri di voluminosa esternazione sonora, ha rimarcato una tavolozza coloristica varia e di esemplare nitore. Certamente la cosa migliore della serata. Validi i Cinq Morceaux de fantasie op.3 di Sergei Rachmaninov specie nel Preludio in do diesis minore e nel Pulcinella in fa diesis minore, i brani più celebri della raccolta. Di valore il pacato bis di Mendelssohn, con Venetian gondola song op.19 n.6. Da ricordare.

22 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Il giovane Alexander Malofeev per la Società dei Concerti

Per la prima volta a Milano in Sala Verdi ma già recente interprete al Teatro alla Scala diretto da Gergiev, il pianista russo Alexander Malofeev, non ancora diciottenne, ha impaginato un concerto incredibilmente virtuosistico che in genere può essere frequentato da pianisti con molta esperienza alle spalle, cosa che a quell'età è raramente possibile. Ma il coraggio dell'interprete, unitamente alla sua fisicità di ragazzo, alto, robusto e con grandi e forti mani, hanno permesso d'affrontare prima un Beethoven maturo come quello della Sonata op.57 "Appassionata", poi un Ravel estremo come quello di Gaspar de la nuit, e, dopo il breve intervallo, un difficile Rachmaninov con la Sonata n.2 op.36 , un Čaikovskij con Dumka op.59 ed infine, di ancor maggiore virtuosismo e ridondanza, la Sonata n.7 Op.83 di Sergej Prokof'ev. Insomma, un programma dei Richter o Gilels in età matura. Siamo certamente rimasti meravigliati della disinvoltura di Alexander nel padroneggiare la tastiera senza un attimo di tentennamento. La forza che ha conferito al primo movimento dell'Appassionata, ha da subito rilevato la sorprendente cifra stilistica di un pianista con idee chiare, idee che hanno bisogno certamente di riflessione e maturazione, ma che nascondono ancora potenziali elevati. Più che Beethoven, ben articolato e chiaro nelle timbriche, che in Ravel, ricco di energia ed equilibrio nelle parti ma mancante forse di una più gentile sintesi discorsiva, ci sono piaciuti i russi: dal complesso Rachmaninov della Sonata n.2, passando per Dumka di Čaikovskij fino ad un musicista a mio avviso più congeniale a Malofeev quale Prokof'ev, e quale Prokof'ev!... quello dello stravolgente Precipitato finale affrontato dal giovane biondo con maestria e potenza . È facile intravedere come l'enorme apporto tecnico del pianista sia elemento determinante e strutturale delle sue esecuzioni. I meno volumetrici movimenti centrali delle Sonate, a cominciare dall'Andante con moto dell' Op.57 di Beethoven fino all'Andante caloroso dell' Op.83 di Prokov'ev abbisognano, a mio avviso, di maggiore maturazione in ambito riflessivo. Lo splendore dei bis concessi, quattro per oltre venti minuti di musica in più, di cui i primi tre  interiori e riflessivi, smentisce in parte quanto detto: sono stati eseguiti ottimamente, calibrando i pesi delle semplici note nei diversi piani in modo mirabile. Sia in Ottobre che in Novembre da Le stagioni op.37 di Čaikovskij ma anche nello strepitoso Andante maestoso dallo Schiaccianoci - bellissima la trascrizione di Pletnev- Malofeev ci ha convinto. Poi, nella percussiva celebre Toccata di Prokof'ev, eseguita come ultimo brano, ci ha fatto venir voglia di vederlo presto di nuovo sul palcoscenico. Applausi fragorosi ed abbondanti da un pubblico entusiasta. Da ricordare.

21 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Due sinfonie di Beethoven al Teatro Coccia di Novara

Ieri sera , 19/02, al Teatro Coccia di Novara, nell’ambito della stagione sinfonica 2019, è stata proposta ai musicofili della città una serata interamente dedicata a Beethoven: due sinfonie, la prima in Do maggiore op.21 e la settima in La maggiore op.92. Sul podio Matteo Beltrami il giovane direttore musicale del teatro novarese, che per la prima volta, per lo meno a Novara, è salito sul podio per dirigere non un’opera, ma musica sinfonica. L’orchestra affidatagli era quella, ottima, dei Virtuosi italiani, in residence a Venezia, con trent’anni esatti di esperienza in gran parte delle più prestigiose sale da concerto d’Italia e d’Europa. Curiosamente, I Virtuosi italiani non hanno un loro direttore stabile, ma ne fa le veci il konzertmeister Alberto Martini, che parrebbe godere di un’autentica venerazione da parte degli altri professori d’orchestra: quando, alla fine del concerto, Beltrami, come d’uso, ha invitato tutti gli orchestrali ad alzarsi, questi sono rimasti immobili ai loro posti, in quanto il direttore aveva commesso ai loro occhi un’imperdonabile dimenticanza, non avendo stretto la mano al loro konzertmeister. Resosi conto della gaffe, Beltrami lo ha abbracciato con effusione e solo allora l’orchestra si è alzata…Prima di entrare nel merito del concerto, citiamo un altro fatto curioso che caratterizza questa stagione sinfonica del Coccia: il concerto è preceduto dall’intervento di una personalità del mondo del giornalismo e della cultura, in genere di chiara fama, che “introduce” la serata musicale con una concione che più o meno dovrebbe avere qualcosa a che fare con le composizioni proposte dal programma. Ieri sera è toccato al noto giornalista della carta stampata e della tv Gianluigi Nuzzi, autore una decina d’anni fa di un libello che fece rumore, “Vaticano spa”. Costui, partendo dal labilissimo pretesto della passione dell’ex papa Benedetto XVI per la musica e il pianoforte, ha intrattenuto il pubblico con considerazioni varie sulla situazione attuale del Vaticano, sulla figura di Ratzinger , papa Francesco etc.etc. La domanda che poniamo ai responsabili del Coccia è: non si potrebbero evitare questi interventi, che nulla hanno a che vedere con una serata musicale? Passiamo senz’altro al concerto. Le due sinfonie eseguite ieri sera si inseriscono in un interessante “progetto Beethoven” che si propone di ricostruire il percorso musicale del grande compositore tedesco attraverso una serie di sue opere sinfoniche e concertistiche. La due sinfonie di ieri costituivano già un esempio di due stagioni molto diverse e dunque di due stili molto diversi del grande di Bonn. La prima sinfonia è ancora sotto la marcata influenza del linguaggio mozartiano-haydniano, ma già spiccano i primi, inconfondibili tratti del Beethoven maturo, in particolare nella vigorosa energia del terzo tempo, ormai “Menuetto” più di nome che di fatto. E qui entra in scena l’interpretazione di Beltrami. Il direttore genovese ha dimostrato una notevole duttilità interpretativa nel valorizzare le diverse sfaccettature di questa sinfonia beethoveniana d’esordio, dando pieno risalto ai momenti settecenteschi della partitura con uno stacco dei tempi e una gestione delle dinamiche improntata ad una sottile grazia e ‘leggerezza’di grande suggestione, che conferivano maggior risalto ai ritmi potenti del Menuetto. Soprattutto, emergeva già dall’esecuzione di questo primo brano la cura meticolosa del colore, dei piani timbrici, che trovava perfetta risposta negli ottimi fiati, soprattutto i legni, dei Virtuosi. Ovviamente, il pezzo forte in programma era la settima. Anche di fronte a questo capolavoro assoluto, Beltrami ha mostrato notevoli qualità direttoriali. Qui vogliamo sottolineare in particolare il colore con cui ha interpretato il celeberrimo Allegretto, un colore tutto particolare, diremmo elegiaco-funebre, che ha toccato vertici di toccante commozione. Un ottimo concerto, insomma, con un bravo direttore e una validissima compagine orchestrale. Grandi applausi per tutti dal non numeroso pubblico presente e un bis, l’ultimo tempo della settima. Serata da ricordare.

20 febbraio 2019 Bruno Busca

Benedetto Lupo per la Società del Quartetto

Il pianista pugliese Benedetto Lupo ha tenuto un recital pianistico in Sala Verdi impaginando un programma di matrice romantica con Schumann e Čaikovskij. Le note Kinderszenen op.15 hanno introdotto il concerto seguite dall'altrettanto celebre Kreisleriana op.16. Dopo l'intervallo una sonata splendida ma di raro ascolto come la Grande sonata in sol maggiore op.37 del russo ha concluso il programma ufficiale. È certamente un ottimo pianista Lupo, noto anche come didatta (tra gli importanti allieve anche Beatrice Rana). Ci è apparso non appariscente ma intimo in Schumann con sonorità introspettive espresse con dinamiche non voluminose ma sottili. Il suo Schumann nelle Kinderszenen è particolarmente vellutato ed abbastanza contrastato nella sequenza dei brevi tredici brani. Più coinvolgente la Kreisleriana ma sempre in un contesto di introversa espressività. Con la Grande sonata op.37 del grande russo, Lupo, a nostro avviso, ha dato il meglio rivelando una maggiore positiva estroversione nelle sonorità dei quattro movimenti che la compongono. Splendido l'equilibrio complessivo e lo stile dal sapore improvvisatorio e corretta la scelta dei tempi con un Finale. Allegro vivace di grande impatto sonoro e timbrico. Interpretazione di alto livello. Bellissimi i due bis concessi con Dicembre dalle Stagioni sempre di Čaikovskij e per ultimo ancora un bel Schumann con il primo dei Pezzi fantastici op.12, A sera. Grande successo di pubblico per un pianista uscito più volte sul palcoscenico visibilmente soddisfatto che speriamo di tornare ad ascoltare presto. Da ricordare.

20 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Maxim Vengerov alle Serate Musicali del Conservatorio

Dopo il memorabile concerto dello scorso anno al Teatro Dal Verme del 10 aprile, le Serate Musicali ieri sera hanno riportato ancora una volta il celebre violinista russo Maxim Vengerov su un palcoscenico milanese, questa volta quello di Sala Verdi in Conservatorio. Nel duo lo scorso anno c'era l'ottima Polina Osetinskaya mentre ieri al pianoforte abbiamo trovato un altro rilevante pianista franco-russo quale Roustem Saitkoulov in un programma decisamente classico che prevedeva nella prima parte Mozart e Schubert e  nella seconda, "tutto Brahms". Anche ieri il posizionamento del violinista a fianco e vicino al pianoforte ha sottolineato, come lo scorso anno, il bisogno di estremo equilibrio delle componenti timbriche dei due strumenti. Il marcato classicismo del duo è emerso subito nel brano introduttivo con la splendida Sonata in si bem.maggiore K.454 del genio di Salisburgo. Misurate, discrete ed eleganti, le timbriche dello Stradivari Kreutzer del 1727 sono state completate con altrettanta raffinatezza dai suoni puliti e dettagliati del pianoforte Steinway di Saitkoulov. Esecuzione ricca di contrasti dinamici quella mozartiana come quella successiva di Franz Schubert nella sublime Fantasia in do maggiore D.934, lavoro di grande equilibrio formale caratterizzato da una serie di splendide variazioni nella parte conclusiva sostenute prevalentemente dal pianoforte e rimarcate con efficace resa dal violino. Un capolavoro di equilibrio e unità stilistica tipica del genio viennese. Nella seconda parte della serata il contrasto stilistico del "tutto Brahms" è iniziato con il celebre Scherzo in do minore della nota Sonata F.A.E. composta in età giovanile  insieme a Robert Schumann e ad Albert Dietrich. Lo stile tipicamente brahmsiano di questo Scherzo è stato rimarcato con incisività dal robusto e voluminoso violino di Vengerov in un equilibrio formale incisivo ma con volumetrie non eccessive anche nella fondamentale parte pianistica. A seguire la Sonata n.2 in la maggiore op.100 ha completato il ciclo iniziato nel concerto dell'aprile 2018. Ottima l'esecuzione dell'eccellente duo. Tre Danze ungheresi, i numeri 1, 2 e 5, hanno concluso e sottolineato virtuosisticamente il programma ufficiale della serata tra applausi fragorosi e ripetuti per ogni danza. Due i bis concessi da Vangerov e Saitkoulov: prima l' Andante, movimento centrale della rara ma eccellente Sonata in re minore op.82 di Edward Elgar e quindi il celebre Blues, Moderato dalla Sonata in Sol di Maurice Ravel, capolavoro di sintesi discorsiva che risente l'influenza d'oltre oceano. Entrambi i brani sono stati interpretati con sorprendente eleganza e raffinatezza in uno stile unitario e complementare dai due interpreti. Applausi fragorosi. Da ricordare.

19 febbraio 2019   Cesare Guzzardella

Il DUO IANUS in Conservatorio

Sono risultati vincitori del Premio del Conservatorio 2018 nella sezione cameristica Simone Moschitz e Antonio Losa rispettivamente sassofonista e pianista del Duo Ianus. Per Musica Maestri! abbiamo riascoltato in Sala Puccini Moschitz in un programma splendido ieri nel tardo pomeriggio, in compagnia dell'ottimo pianista Losa. Il Duo ha eseguito brani di Desenclos, Fitkin, Yoshimatsu, Albright e Piazzolla. Simone Moschitz ha dimostrato ancora una volta di essere particolarmente versatile e di eccellere in ogni frangente con colori morbidi ed espressivi in alternanza a momenti pungenti e pregnanti . I brani scritti benissimo e definiti nei particolari in partitura hanno sapori jazz di grande impatto timbrico. Le volumetrie espresse dai corposi sassofoni usati, unitamente alle timbriche precise e dettagliate del chiarissimo pianoforte di Losa sono state utili per una resa espressiva ottimale. Tra i brani ricordiamo almeno il più noto Fuzzy Bird di Yoshimatsu, Gate di Graham Fitkin, il Prelude, cadence et finale di Alfred Desenclos e la Sonata di William Albright. Successo di pubblico in una Sala Puccini stracolma. Bravissimi!

18 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Prossimamente all' Auditorium Fratelli Olivieri di Novara

Giovedì 21 febbraio 2019 alle ore 21 all'Auditorium Fratelli Olivieri "Il mondo della chitarra 14° edizione" con Aniello Desiderio alla chitarra . Il terzo appuntamento per il cartellone de “Il mondo della chitarra”, succulenta rassegna curata da Fabio Spruzzola, Bruno Giuffredi e Luigi Biscaldi è giunta ormai alla sua 14° edizione: un traguardo di tutto rispetto. Aniello Desiderio, solista di vasta esperienza e dal palmarès ricco di riconoscimenti, propone un programma che mette a confronto la Suite Española del seicentesco G. Sanz (1640-1710) con quella novecentesca scritta a più mani da I. Albeniz, M. Llobett, A. Ruiz Pipó e D. Aguado. Si prosegue poi con il ‘900 di De Falla (Homenaje pour le Tombeau de Debussy, pagina celeberrima e timbricamente fascinosa), quindi con l’Invocación y Danza di Rodrigo, l’indimenticabile e geniale autore del Concierto de Aranjuez; per finire il Rito del Los Orishas del sudamericano Leo Brouwer.

dalla redazione 17 febbraio 2019

Le Nozze di Figaro al Coccia di Novara

Il Teatro Coccia di Novara, nel pieno di una crisi senza precedenti, tra problemi finanziari e beghe insolubili in seno al C.d A., che lo stanno portando verso un commissariamento richiesto dal sindaco, risponde a questa tempestosa situazione confermando di disporre ancora di tutte le risorse per programmare una stagione operistica di più che dignitoso livello. E risponde con un allestimento delle mozartiane Nozze di Figaro, coprodotto della Fondazione Teatro Coccia e della Fondazione Ravenna Festival, e la partecipazione del Festival dei due mondi di Spoleto. Abbiamo assistito alla ‘prima’ andata in scena ieri sera, venerdì 15 febbraio, cui seguirà una seconda rappresentazione, domani, domenica 17 alle h.16. La regia di queste Nozze era quella di Giorgio Ferrara, ripresa per l’occasione da Patrizia Frini. Si tratta di una regia che aderisce senza strane invenzioni al testo e alla musica di questo capolavoro, suggerendone un’interpretazione sospesa fra teatralità e sogno, ben realizzata dalla scenografia di Dante Ferretti e Francesca Lo Schiavo: il palcoscenico, dietro il sipario ‘vero’ esibiva un vistoso e sontuoso sipario ‘finto’ a sottolineare che quello cui gli spettatori/ascoltatori stavano assistendo era recita, teatro, rappresentazione di uno spettacolo che è anche sogno, forse il sogno più bello che l’uomo posa concepire, fatto di luci, ombre, passioni destino, il tutto detto in musica. Questo carattere onirico affiorava dalla scenografia: elegante e sobria a un tempo ,che riproduceva, nei primi tre atti, interni settecenteschi come avvolti in un’aura di sogno, rafforzata nel quarto atto, un ‘notturno’ in cui i personaggi si muovevano come avvolti da un’atmosfera magica e fantastica: insomma l’arte, come la vita che vuole portare sulla scena, è sogno. A eseguire la musica di queste Nozze era chiamata la migliore orchestra giovanile italiana del momento, la Cherubini di Ravenna, mentre sul podio saliva, per la prima volta a Novara, la giovane direttrice tedesca di nascita Erina Yashima, ancora poco nota in Italia, ma con una carriera in fulgida ascesa nel suo Paese natale. Ha diretto bene, guidando con sapienza i cantanti e ricavando dall’orchestra un suono ‘leggero’, limpido, con grande attenzione ai registri timbrici e alle dinamiche, staccando tempi spesso abbastanza lenti, traducendo bene in musica quel clima di sospensione sognante che avvolgeva queste Nozze. Il cast dei cantanti è stato in generale all’altezza di uno spettacolo di buon livello. Simone Del Savio, il giovane baritono interprete del ruolo di Figaro, dispone di buona vocalità, capace di ricordare Nucci, nell’intensità e tornitura del fraseggio. Brillante nell’area medio-bassa, sostiene bene messe di voce e fiati lunghi anche nelle zone acute. Può (e deve) migliorare il cantabile delle arie, che non spiccano per intensità ‘lirica’. Applauditissimo dal pubblico da tutto esaurito di ieri sera, il soprano milanese Lucrezia Drei, un’eccellente Susanna. Già ascoltata recentemente a Novara, è un ottimo soprano lirico-leggero di agilità, di eccellenti colorature, davvero pregevoli nel vibrato, con un bel fraseggio limpido e battagliero che la fa emergere piacevolmente nei numeri d’insieme. A queste virtù musicali, la Drei aggiunge capacità attoriali non comuni, di gaia e trascinante spavalderia, che te la rende simpatica dal suo primo apparire sulla scena, di cui è stata la vera instancabile animatrice. Buone capacità attoriali ha esibito anche il giovane baritono Vittorio Prato,un Almaviva dal timbro chiaro e con un’emissione di voce di buona proiezione e sempre ben controllata, resa fluida dai limitati appoggi di petto, il che gli consente un fraseggio sempre ben tornito ed efficace. Non si può dire che bene anche di Francesca Sassu, perfettamente a suo agio nel ruolo della Contessa, soprano di ottima vocalità, eccellente dizione, ricca nei timbri e di rara sicurezza nei begli acuti, emessi con una tecnica del filato sempre controllatissima : il suo “ Porgi amor” è stato tra i migliori da noi ascoltati di recente. Meno riuscita la prestazione di Aurora Faggioli, un Cherubino con qualche difficoltà di troppo nelle agilità e talora stridulo negli acuti, dando l’impressione di essere un mezzosoprano poco adatto alla grazia della musica mozartiana. Valide, in generale, le numerose parti di fianco, dalla Marcellina di Isabel De Paoli, mezzosoprano tecnicamente sicuro e di vocalità fresca e limpida, al Bartolo di Ion Stancu, al Basilio Di Jorge J. Morata, al Don Curzio di Riccardo Benlodi, per finire con la Barbarina di Leonora Tess, già buona Frasquita nella Carmen della passata stagione del Coccia, dalla voce sopranile bella squillante e di forte proiezione. In generale, dunque, appaganti le Nozze “celebrate” ieri sera al Coccia, un auspicio per una rapida ed intelligente soluzione dei problemi che affliggono questo teatro, che merita di continuare a vivere e a dare alla vita musicale piemontese, e non solo, il suo apprezzabile contributo.

16 febbraio 2019 Bruno Busca

Aleksandar Madzar per la Società dei Concerti

Il pianista serbo Aleksandar Madzar viene da molti anni in Conservatorio. Mi viene subito in mente un eccellente " tutto Bach" di oltre due ore ascoltato qualche anno fa nel quale Madzar rivelava tutta la sua classicità espressiva. Ora con Mozart, Chopin e Ravel ha mostrato un'altra angolazione del suo modo d'intendere la musica. Quello che risalta immediatamente all'ascolto è la chiarezza timbrica evidenziata in ogni compositore eseguito. Il Mozart che ha introdotto il concerto con l'Adagio in si minore k.540, ci è apparso particolarmente meditato e riflessivo e dilatato nella ripetizione del tema, giocato su modalità interpretative probabilmente lontane dal periodo storico di riferimento ma comunque interessanti. Siamo quindi arrivati all'esecuzione delle celebri Quattro Ballate di Chopin. Come detto in passato, Madzar in Chopin mette in rilievo una personale modalità interpretativa giocata sulla bellezza del timbro calibrato e preciso atto a sottolineare l'aspetto analitico, elegante e raffinato della musica del polacco, certamente differente dalle interpretazioni entrate nella storia dove caratteristiche di maggior sintesi discorsiva spesso sono elemento essenziale. La seconda parte del concerto ci è piaciuta maggiormente. Ravel con le deliziose Miroirs e poi con La Valse, è stato perfetto sotto ogni profilo. L'estremo equilibrio dinamico di Madzar e i bellissimi colori esternati hanno elevato questi impareggiabili brani ad un livello decisamente alto. L'equilibrio delle parti ha avuto un ruolo determinante nella straordinaria resa interpretativa. Lunghi applausi e stupendo il bis concesso con una formidabile trascrizione di Mikail Pletnev dell'Andante maestoso dallo Schiaccianoci di Čaikovskij interpretato mirabilmente. Fragorosi applausi al pianista apparso molto soddisfatto. Da ricordare

14 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Il duo Kavakos-Pace per la Società del Quartetto

Da alcuni anni il violinista greco Leonidas Kavakos ed il pianista riminese Enrico Pace formano un duo di affermato successo. Ieri sera in Conservarorio, un impaginato particolarmente interessante ha messo insieme un brano celebre come la Sonata n.3 in Re minore op.108 di J. Brahms ad altri tre di raro ascolto come la Petite suite n.1 e n.2 del greco Nikos Skalkottas (1904-1949) e la Sonata n.3 in la minore op.25 del rumeno George Enescu (1881-1955). Tutti lavori legati ad elementi folcloristici di evidente influenza stilistica. Dei due interpreti abbiamo sempre apprezzato l'esemplare equilibrio di coppia nel gestire questo genere cameristico. Ieri, ancora di più, il preciso tocco del celebre violinista, mai esagerato nei volumi sonori sempre tenuti sotto controllo in un medio livello di forza, era perfettamente in sintonia con lo stile composto, chiaro e dettagliato di Pace, interprete altrettanto vario nelle dinamiche. I brani scelti, sia Brahms che soprattutto quelli meno conosciuti, erano perfetti per evidenziare l'equilibrio di due strumenti utilizzati con pari importanza. Non avevamo certo un violino accompagnato, ma un apporto equilibrato con differenti timbriche in un tutt'uno musicale. La celebre ultima sonata brahmsiana ci è apparsa perfetta nei dettagli e nell' equilibrio dei quattro movimenti che la compone. Anche il celebre Presto agitato finale molto dettagliato ed espressivo. Le due Petite suite del greco Skalkottas - nato a Calcide nell'isola di Eubea- ,eseguite in ordine inverso, sono in realtà brevi avvincenti Sonate che con modalità atonali e dodecafoniche riflettono l'influenza del principale suo maestro di composizione: Arnold Schönberg. Traspare nell'equilibrio delle parti una perfezione formale raffinata ed espressivamente di alto valore. Certamente l'influenza della Seconda Scuola di Vienna è mediata da elementi folclorici di luoghi mediterranei e questi rendono più immediata la comprensione dei due capolavori. Splendido l'ultimo brano del programma ufficiale: un brano di Enescu, compositore, virtuoso di violino ma anche del pianoforte trattato qui con raffinata maestria. La sonata è costruita con momenti timbrici, discreti e nascosti, di memorabile rilievo espressivo. I due splendidi virtuosi hanno raggiunto in questa esecuzione un alto traguardo interpretativo ed il pubblico, con molti giovani in sala, ha risposto tributando al termine interminabili applausi. Due i bis concessi: prima, rimanendo in tema, un bellissimo Bartok dalla Rapsodia n.1 e poi - fuori dal contesto ma splendido- un grande Beethoven con l'Adagio molto espressivo dalla Sonata n.5 op.24. Splendido concerto! Da ricordare a lungo.

13 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Roman Lopatynskyi allo Spazio Teatro 89

Lo Spazio Teatro 89 è luogo di conoscenza di nuovi validi interpreti. Ieri abbiamo avuto l'occasione di ascoltare il pianista ucraino Roman Lopatynskyi, classe 1993, con alle spalle la vittoria di numerosi concorsi internazionali, un ottimo piazzamento al celebre Concorso F. Busoni nel 2015 (Terzo classificato) e il recente Primo premio al Concorso Internazionale Luciano Luciani di Cosenza. Ha veramente impressionato la tecnica completa espressa nell'interessante impaginato proposto nel tardo pomeriggio di ieri in un programma denominato Da Weimar a Parigi, via Mosca e San Pietroburgo. Brani della prima metà del Novecento con Stravinskij e i celebri Tre Movimenti da Petruska (1912), Prokof'ev con i cinque brani di Sarcasmi op.17 (1912-1914), Paul Hindemith con la rara Suite 1922 (1922) e la poco nota ma importante compositrice sovietica Galina Ustvolskaya (1919-2006) e la sua Sonata n.2 (1949). Questo rilevante arco temporale è stato anche inquadrato storicamente nel prezioso intervento del sociologo-storico Giorgio Uberti che in due brevi ma intensi momenti ha stimolato il pubblico presente nel piccolo ed elegante auditorium di via F.lli Zoia 89 con un escursus storico-geografico di avvincente interesse. Lopatynskyi ha mostrato una straordinaria penetrazione musicale nel bellissimo e purtroppo quasi mai eseguito Hindemith proposto come primo brano. Le articolate dinamiche del complesso ritmico della Suite 1922, in pratica una sonata in cinque parti, sono emerse in modo preciso ed estremamente chiaro dalle mani sicure del giovane pianista. Anche nel lavoro successivo, Sarcasmi di Prokof'ev il clima particolarmente dinamico ed irrequieto ha trovato un ottimo interprete che ha scavato con intensa espressività il grande russo. La sintonia con quel circoscritto periodo musicale è continuato con la lettura della Sonata della Ustvolskaya, compositrice allieva di Šostakovic e degna erede di simili cifre compositive. Con un salto indietro nel tempo, il 1912 e con un grande e vario Stravinskij tra neoclassicismo e nuovo secolo, Lopatynskyi ha concluso degnamente il programma ufficiale nella sua precisa sintesi discorsiva degli infiniti momenti della suite. Dopo intensi applausi del pubblico, purtroppo non numeroso ma entusiasta, un brano distensivo come il noto Preludio in Si minore di Bach-Siloti ha concluso l'eccellente tardo pomeriggio musicale. Da ricordare a lungo.

11 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Guido e Giulia Rimonda in concerto a Vercelli

Un vecchio adagio sostiene che “il genio salta una generazione”: da padri “grandi” nascono “piccoli” figli. Per fortuna anche questa regola ammette le sue eccezioni e una di queste è la famiglia Rimonda: Giulia, la figlia di Guido, eccellente violinista nonché fondatore e direttore dell’Orchestra Camerata Ducale e della pianista e straordinaria animatrice dell’Orchestra medesima Cristina Canziani, a soli sedici anni non è più solo‘figlia d’arte’, ma è artista del violino e un’ artista che, se manterrà le promesse, diverrà una delle migliori violiniste italiane della sua generazione. Con un curriculum di studi di prim’ordine (è allieva di suo padre e di Pavel Berman), Giulia Rimonda è stata l’ammirata protagonista, ieri sera, 9/02, al Teatro Civico di Vercelli, della terza serata della stagione della Camerata Ducale: non è stato certo questo il suo primo recital (ha cominciato a suonare in pubblico a cinque anni!), ma quello di ieri sera, e per la difficoltà del pezzo eseguito e per l’”ufficialità” della serata, ha segnato una sorta di consacrazione definitiva di fronte al grande pubblico. Il programma affidava a Giulia Rimonda uno dei più celebri concerti per violino e orchestra della storia della musica: quello di Ciajkovskij. Celeberrimo, ma anche irto di difficoltà tecniche, per la presenza di numerosi passaggi di alto e temibile virtuosismo, che, com’è noto, lo fecero giudicare ‘ineseguibile’ a più di in solista dell’epoca. Il fatto che una sedicenne decida di affrontare il pubblico con un’opera simile è già prova di una virtù indispensabile per la carriera che Giulia Rimonda sta intraprendendo: il coraggio. Il titolo della serata, ispirato a quello di uno dei capolavori della narrativa russa, era “Padre e figlia”: il padre-maestro sul podio, la figlia nel ruolo di solista e si comincia subito benissimo, coi tempi e le dinamiche giuste: delicato e molto espressivo l’attacco orchestrale, fremente il crescendo e infine s’impone il violino. Fin da queste prime note si riconoscono le qualità della giovanissima interprete, che non si limita a eseguire la partitura, ma cerca una ‘voce’, un ‘suono’ personale, che emerge chiaro all’apparire del primo tema: un fraseggio incisivo, tornito con una cavata non esteriormente brillante, ma robusta e limpidamente disegnata, e al tempo stesso, come del resto vuole la migliore tradizione interpretativa, unita, in queste prime battute, a un che di riservato e quasi timoroso di dispiegarsi nel pieno canto trionfale del Re maggiore. Già da un esordio simile comprendiamo di trovarci di fronte a una violinista che sa il fatto suo. Senza scendere in una minuziosa analisi dei dettagli diremo di altre due qualità dello stile interpretativo di Giulia Rimonda che ci hanno sorpreso per la loro precoce maturità in un’adolescente. Anzitutto la sapiente gestione delle dinamiche, particolarmente importante in un’opera come il concerto per violino di Ciajkovskij, che è tutto un saliscendi di fortissimi e di brusche smorzature virate sul piano e il pianissimo, con effetti chiaroscurali di potente suggestione: banco di prova ne è soprattutto la sezione di sviluppo del primo tempo, dove il Verné 1983 della Rimonda ha disegnato in modo diremmo perfetto quelle sottili trame di luce e di ombra che ne sono il motivo essenziale. La seconda osservazione riguarda il possesso, anche in questo caso davvero sorprendente, di una già notevole intensità espressiva: ascoltando il canto dolente del violino, che si leva al suo ingresso nella Canzonetta centrale, si stentava a credere che a eseguirlo fosse una giovane allieva di conservatorio, per quella venatura di pathos sottilmente malinconico che l’archetto dell’interprete riusciva ad infondervi con delicata sensibilità. Insomma, un’interpretazione più che convincente e degna di sincera ammirazione, sorretta da un possesso già completo della tecnica violinistica, che ha consentito a Giulia di superare le più impervie pagine della partitura, con una disinvoltura che traspariva dalla serenità concentrata e imperturbabile del suo volto angelico; doppie corde, armonici, colpi d’arco martellati e picchettati in ritmi travolgenti, strappate violente e rapinosi salti d’ottava, nulla turbava la giovanissima interprete. Impeccabile l’accompagnamento orchestrale con perfetti sincronismi tra strumento solista e le varie sezioni dell’orchestra (ove però ci è parso talora un po’ debole il flauto). Alla fine del concerto, uno tsunami di applausi del gran pubblico presente in sala ha tributato il giusto omaggio a Giulia Rimonda, che ha risposto con un bis, la Sarabanda dalla Partita n. 2 per violino solo di J. S. Bach. In vera serata di grazia, la Camerata Ducale ha eseguito nella seconda parte del concerto, un'altra composizione di Ciajkovskij, La Suite dello Schiaccianoci: Si è trattato di una bellissima esecuzione, guidata da Rimonda (Guido) con leggerezza e grazia mozartiane, capaci di ricreare quell’atmosfera incantevole di favola che è la cifra della meravigliosa musica per balletto del sommo compositore russo. Raramente abbiamo ascoltato numeri come la Danse de la Fée Dragée o la Danse Arabe, suonate con così dolce leggerezza e lo stesso fin troppo celebre Valzer dei fiori è risuonato come trasfigurato da un’aerea levità, in cui l’aspetto puramente “ballabile” che rischia di renderlo volgarotto se prende il sopravvento, si dissolveva nei lievi arabeschi disegnati da una timbrica stupenda, con tutta la sezione fiati in gran spolvero. I due bis concessi dall’orchestra, il Pas de deux, sempre dallo Schiaccianoci e la ripetizione del Trepak-danza russa hanno coronato degnamente una serata di musica destinata ad abitare a lungo la casa dei nostri ricordi.

10 febbraio 2019 Bruno Busca

 

Il nuovo Concerto per violino di Fabio Vacchi in Auditorium con Nordio e Boccadoro

Il concerto ascoltato ieri sera in Auditorium prevedeva oltre a due noti lavori di Mendelssohn quali l'Ouverture da Le Ebridi Op.26 e la Sinfonia n.3 Op.56 "Scozzese", il recente Concerto per violino del compositore bolognese Fabio Vacchi. Il brano, da alcuni mesi revisionato e ribattezzato col titolo Natura naturans, era in prima esecuzione italiana ma già eseguito negli ultimi mesi del 2018 a Budapest ed a New York. Tre classici tempi hanno definito un lavoro dove la componente solistica, sostenuta in modo esemplare da Domenico Nordio, era particolarmente presente e molto pregnante nel marcato segno musicale. Il riferimento al Concerto per violino di Berg, segnalato dallo stesso Vacchi nelle note di sala, risulta evidente in tutta l'atmosfera tardo-romantica ed espressionista di cui il complesso brano è impregnato. A mio avviso l'ottimo concerto di Vacchi trasuda di un linguaggio personale che riflette tutta l'evoluzione del genere concertistico del secolo scorso, con una componente melodica ampliamente rimarcata ed evidenziata dalle scultoree note di Nordio e dalle armonie perfettamente sincronizzate degli ottimi orchestrali della Sinfonica Verdi. Ottima la direzione di Carlo Boccadoro che ha trovato pane per i suoi denti nel contrastato brano dove la componente più intensamente melodica dell' Allegro moderato iniziale e soprattutto dell' Andantino centrale, ha nel terzo ed ultimo movimento, Presto brillante, motivi di contrasto ritmico e dinamico. Il virtuosismo iniziale, sia orchestrale che solistico, nella perfetta integrazione delle componenti musicali, ha avuto timbriche chiare ed espressive nel voluminoso violino di Nordio. Nelle note finali il ritorno all'origine, con una dilatazione musicale di maggior respiro melodico, ha portato il lavoro in linea con le prime battute. I riferimenti a certa musica americana, con ritmiche particolarmente coinvolgenti, sono risultati evidenti nel movimento finale, in contrapposizione al mondo più europeo- soprattutto germanico- dei primi due. Grande successo al termine della riuscita interpretazione con Fabio Vacchi e tutti i protagonisti saliti più volte sul palcoscenico dell'Auditorium. Domenica alle ore 16.00 si replica. Da non perdere!

9 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Prossimo appuntamento a Vercelli

A Vercelli prossimamente il secondo appuntamento della rassegna GREEN TIES 2019 avrà luogo domenica 10 febbraio 2019 alle ore 11 presso la Sala Parlamentino, Palazzo dell'Ovest Sesia a Vercelli. Cristian Lombardi al flauto e Claudio Longobardi alla chitarra. In programma musiche di Carulli, Piazzolla ecc.

8 febbraio 2019 dalla redazione

Marianne Crebassa e Fazil Say alla Scala

Dopo aver ascoltato il pianista turco Fazil Say in Conservatorio qualche sera prima, l'averlo potuto riascoltare presso il Teatro alla Scala nel doppio ruolo di accompagnatore del mezzosoprano Marianne Crebassa e in brani solistici suoi e di autori francesi ha reso ancor più importante la conoscenza di questo compositore-interprete. Domenica scorsa, (scusate il ritardo ma l'influenza mi ha schiantato a letto) un programma soprattutto francese ha unito le ottime timbriche della celebre cantante di Montpellier alla sensibilità del pianista che ha interpretato anche due suoi lavori, il primo, in solitaria, la Sonata per pianoforte op.52 denominata Gezi Park 2, e il secondo con la rilevante e sostenuta voce di Marienne, Gezi Park 3. Nella prima parte della serata le Trois Mélodies di Claude Debussy avevano introdotto il recital mettendo in luce l'ottima timbrica della Crebassa in sinergia con il pianismo di Say molto adeguato al mondo francese di fine Ottocento e di primo Novecento come già recentemente detto. Bene la scelta di alternare brani vocali con brani solo pianistici e valido lo stacco col morbido e profondo Erik Satie del quale Say ha eseguito le celebri Trois Gnossiennes per poi incontrare sempre autonomamente ancora Debussy con due Preludi dal primo libro. Il rientro in scena della Crebassa ci portava sul versante di Ravel con la versione per voce e pianoforte di Shéhérezade e di Vocalise-étude. Esecuzioni di pregnante rilievo espressivo. Ancora vocali i brani che si sono susseguiti prima con Fauré tra cui Cygne sur l'eau e poi con il più raro Henri Duparc. La Sonata di Say, tre parti senza interruzioni, ci ha mostrato ancora una volta l'originale ed eclettico linguaggio di Say, che come detto recentemente, accosta momenti di melodicità tutti europei ad altri di intensa e spesso tagliente espressività utilizzando la tastiera in modo molto completo con effetti amplificanti che rimandano a timbriche dai sapori orchestrali. C'è una visione più ampia nella musica di Say che spesso esce dalla sola dimensione pianistica. Più intimo e decisamente più "orientale" il suo brano Gezi Park 3 eseguito in modo deciso ed espressivo dalla Crebassa. Questo lavoro uscendo dalle modalità più gentili tipiche francesi ha trovato nella strada mediterranea una ragione di rilevante espressività estetica. Bravissimi i due e fragorosi applausi con un bis di splendida classicità: dalle Nozze di Figaro di Mozart un sublime Voi che sapete. Da ricordare!

2 febbraio 2019 Cesare Guzzardella

Prossimamente Padre e figlia al Teatro Civico di Vercelli

Sabato 9 febbraio 2019 alle ore 21 presso il Teatro Civico di Vercelli ci sarà il concerto denominato PADRE E FIGLIA. Protagonisti: Giulia Rimonda, violino solista, l'Orchestra Camerata Ducale e il direttore Guido Rimonda. In programma di Pëtr Il’ič Čajkovskij Concerto per violino e orchestra op. 35 e Suite dallo Schiaccianoci op. 71a

2 febbraio 2019 dalla redazione

 

GENNAIO 2019

Al Teatro Coccia di Novara l' Orchestra del Conservatorio Cantelli

Ieri sera 30/01, sul palcoscenico del Teatro Coccia di Novara, si sono esibiti in concerto gli allievi del locale Conservatorio, intitolato a uno dei più grandi direttori d’orchestra italiani del ‘900, il novarese Guido Cantelli, prematuramente scomparso in un incidente aereo nell’ormai lontano 1956. I giovani concertisti erano guidati, di fronte al pubblico delle grandi occasioni, dal loro docente preparatore, il direttore orchestrale Nicola Paszkowski, che ha proposto un programma impaginato su composizioni di piacevole ascolto, ma tutt’altro che banali: l’Ouverture del mozartiano Idomeneo re di Creta, KV 366, il Concerto per violoncello e orchestra in Do maggiore n.1 Hob VIIb:1 di F. J. Haydn, Le creature di Prometeo op.43 di Beethoven e a chiudere trionfalmente uno dei più celebri poemi sinfonici lisztiani, Les Préludes. Graditissima “ospite” la ventenne violoncellista romana Erica Piccotti, solista nel concerto haydniano. Prima di commentare la serata, ci si consenta un plauso sincero al Cantelli e ai suoi dirigenti e docenti, per la lodevole iniziativa di educare i loro giovani allievi, fin dagli studi di Conservatorio, alla musica d’insieme, in particolare a quella orchestrale, consentendo loro un’esperienza di fondamentale importanza per la loro formazione professionale e dunque per il loro futuro. Dal concerto di ieri sera siamo usciti con due convinzioni. La prima è che questi giovani allievi del Cantelli sono ben preparati, sia sotto il profilo della tecnica individuale nel singolo specifico strumento, sia nell’affiatamento in una formazione orchestrale. Partita un po’ in sordina, con un Idomeneo dal suono piuttosto piatto, cui sfuggivano le complesse sfumature e la densità costruttiva di questa non semplice partitura, sospesa sin dall’inizio fra trionfale fanfara in Re maggiore e dolente profilo motivico gravitante sul Sol minore, la giovane orchestra, trascinata dalla bravissima Piccotti, si è ripresa nel concerto di Haydn, in cui i giovani del Cantelli hanno dato ottima prova di sé: in particolare i i fiati nel primo movimento, capaci di quelle sfumature espressive che la partitura richiede e gli archi nel terzo tempo, ove soprattutto i primi violini hanno sfoggiato suono brillante e ottime dinamiche, nel ritmo travolgente della scrittura. I giovani maestri, sotto l’attenta guida di un Paszkowsky dal gesto autorevole e preciso nello stacco dei tempi e molto attento all’evidenza timbrica dei piani sonori, hanno dato il meglio anche nella composizione beethoveniana e nel poema lisztiano, efficacemente interpretato sia nelle sezioni più solenni, sia in quelle di più disteso lirismo. Qui si sono ben destreggiati gli ottoni, in particolare i corni, dal bel suono romantico, evocativo di misteriose, remote lontananze. Certo, si tratta pur sempre di studenti, che debbono ancora maturare pienamente sul piano tecnico e interpretativo: qualche entrata non sempre puntuale, un suono non sempre pulito (specie tra gli ottoni gravi) si sono sentiti, ma nel complesso i giovani del Cantelli hanno offerto al pubblico una prova che definire dignitosa è forse troppo poco. La seconda convinzione, che è per noi anche una bella scoperta, è che Erica Piccotti è già più di una semplice promessa. Sotto le sue dita, le quattro corde del violoncello Francesco Ruggeri 1692 hanno fornito un’eccellente interpretazione del gioiello di Haydn: In possesso di una tecnica già agguerrita, con cui domina disinvoltamente passaggi difficili, come nei rapidissimi spiccati del finale o nei vari salti di ottava, brusche variazioni dinamiche e agogiche disseminate nella partitura, la Piccotti si distingue per un suono morbido e caldo, capace di un intenso e coinvolgente lirismo nello stupendo adagio centrale. Veramente brava, anche nel bis: un pezzo molto bello per violoncello solo del grande violoncellista e compositore spagnolo del ‘900 Gaspar Cassadò. Dopo il bis richiesto con insistenza da un pubblico tripudiante (il finale de Les Préludes), la giovane orchestra del Cantelli si è congedata, con un arrivederci alla prossima esibizione il 20 maggio prossimo.

31 gennaio 2019 Bruno Busca

Lutto per la Società del Quartetto

La storica Società del Quartetto di Milano è in lutto. L’avvocato Antonio Magnocavallo si è spento Sabato 26 gennaio 2019, dopo una lunga malattia combattuta con coraggio e tenacia. Avrebbe compiuto 82 anni l’11 aprile. Presidente della Società del Quartetto di Milano dal 2006, nei decenni precedenti ne aveva retto le sorti come vice presidente esecutivo. Ne era Socio fin dall’infanzia. Aveva fatto parte del Consiglio direttivo del Quartetto a partire dagli anni Ottanta, significativi per la trasformazione del Quartetto: Magnocavallo( foto di Vico Chamal) si era battuto con tenacia e generosità per riconquistare l’apertura della Società al pubblico, non più ai soli Associati, in continuità con i suoi originari scopi statutari della fondazione nel 1864. “Il Quartetto” amava sostenere “è un privilegio per tutti!” E’ del 2003 la fusione dei Concerti del Quartetto con la Società del Quartetto che da allora è aperta alla città. Il progetto di Antonio Magnocavallo si era attuato.

26 gennaio 2019 dalla redazione

Winterreise coreografato da Angelin Preljocaj alla Scala

È stata un'eccellente idea quella di Angelin Preljocaj di mettere in scena i lieder di Franz Schubert della celebre raccolta Winterreise in questa nuova produzione scaligera. Il "doppio spettacolo"', quello donato dal basso-baritono Thomas Tatzl e del pianista James Vaughan e quello del Corpo di ballo del Teatro alla Scala, ha rivelato un valore aggiunto dall'unione musicale con le movenze intimiste e discrete create ad hoc dal coreografo francese. L'atmosfera cupa, non appariscente e con colori uniformi molto vicini alla visione schubertiana dei 24 lieder ha rivelato l'aspetto più nascosto e sofferente della vita. Non per nulla l'ultimo canto del ciclo, Der Leiermann - L'uomo dell'organetto- con il lento schierarsi di tutti i bravissimi 12 ballerini ( prime due foto di Brescia-Amisano-Archivio Scala), riassume in modo perfetto il clima di profonda autenticità, con tutti i dubbi e le domande senza risposta che questo viaggio d'inverno vuole evidenziare. Valida l' idea di fare entrare in scena l'eccellente Thomas Tatzl passando per il palcoscenico con il primo celebre canto Gute Nacht sino a raggiungere la sua postazione laterale e di farlo tornare nel centro del palcoscenico insieme ai danzatori a circa metà ciclo per poi riprendere la sua posizione fissa. Quest'idea di unione tra due forme d'arte, il canto e la danza ha centrato l'obiettivo con uno spettacolo raffinato che ha però bisogno di un pubblico, come quello che ha assistito ieri sera in Scala, disposto ad intraprendere un percorso introspettivo. Un lavoro di straordinaria autenticità quello di Preljocaj, nato dall'ascolto delle impareggiabili note di Schubert e dai mirabili testi di Wilhelm Müller. Un plauso a tutti i ballerini: Albano, Vassallo, Ballone, Di Clemente, Fiandra, Lunardi, Montefiore, Agostino, Fagetti, Gavazzi, Messina, Lepera, Risso. Assolutamente da vedere.

26 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

Monica Bacelli e il Trio Metamorfosi prossimamente a Vercelli

Lunedì 28 gennaio 2019 alle ore 21 presso il TEATRO CIVICO di Vercelli si terrà un concerto protagonisti il Trio Metamorphosi e il mezzosoprano Monica Bacelli. Verranno eseguiti brani di Haydn e di Beethoven-

dalla redazione 25 gennaio 2019

 

Fazil Say per la Società dei Concerti

E' da molti anni che il pianista turco Fazil Say torna a Milano in Conservatorio impaginando programmi variegati nei quali la sua musica occupa uno spazio preponderante. Say, anche compositore di successo, è molto apprezzato nel suo paese d'origine per le sue sonorità al confine tra oriente ed occidente. Ieri, tra Debussy e Beethoven ha inserito nell'impaginato due suoi lavori, uno di questi, Black Earth, è oramai diventato un classico anche nelle sue serate in Sala Verdi. Ha fatto bene Fazil ha introdurre il concerto con sei Preludi di Claude Debussy, musicista a lui congeniale per sensibilità e per caratteristiche timbriche. L'esecuzione dei Preludi è stata di grande rilievo musicale. Say mostra di riflettere su quello che sta eseguendo e questo si riscontra anche osservando la sua gestualità particolarmente accentuata, significativa e mai gratuita. Le timbriche ottenute, da quelle più delicate, molto presenti nel compositore francese, a quelle più incisive, sono rilevate da un sapiente uso delle pause spesso evidenziate dal suo gesto a conclusione delle frasi. Dopo i Preludi, tutti eccellenti nei rapporti dinamici, l'inizio del suo primo brano ,Yürüen Kösk, ha portato i numerosi ascoltatori di Sala Verdi in un'atmosfera sonora simile, almeno nella parte iniziale del brano. Il recente lavoro di Fazil è un unico movimento articolato in più sequenze contrastanti. Dalle situazioni più melodiche ricche di riferimenti alla cultura classica occidentale di primo Novecento - tutti i francesi e anche gli chansonier- alla tradizione folcloristica dei Bartòk o a certo jazz per il ritmo e gli accenti che ad un certo punto risultano contrastare le linee musicali più intime. Ottimo lavoro! Il breve ma significativo Black Earth lo conosciamo bene, e sottolineamo l'intelligente uso delle note più gravi con effetto percussivo ottenuto toccando la tavola armonica per un risultato timbrico complessivo di grande suggestione che sottolinea la bella linea melodica caratterizzante l'originale lavoro. Dopo l'intervallo, Say ha affrontato con grande personalizzazione una delle pagine più "evolute" di L.v.Beethoven, l'Op.106. La Sonata in Si bem. Maggiore ha una serie innumerevole d'interpretazioni entrate nella storia e naturalmente nell'ascoltare la versione del pianista quarantottenne di Ankara non dobbiamo fare confronti impossibili, ma vedere la sua visione di Beethoven mediata dalla sua sensibilità di compositore. Quello che mi è maggiormente piaciuto nella sua originale reinvenzione è la coerenza legata al suo modo d'intendere la musica, un divenire sonoro trasformabile che è tipico dei pianisti-compositori, quelli più creativi e meno legati alla storia interpretativa. Due i bis concessi: un eccellente Chopin con il celebre Notturno in Do# minore postumo, splendido anche perché differente dal consueto, ed il finale Rondò.Allegro della Sonata Patetica di Beethoven eseguito con energia e passione tutta "alla Say". Grande musicalità per un grande artista!

24 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

Le percussioni di Simone Rubino per la Società del Quartetto

Un concerto inconsueto ma molto interessate quello di ieri sera in Conservatorio organizzato dalla Società del Quartetto. Sul palcoscenico di Sala Verdi il percussionista torinese Simone Rubino ha riempito il grande auditorio con ritmi frenetici ma anche con soffici armonie da quattro diverse postazioni di strumenti a percussione: rullante, set percussivi, vibrafono, marimba e un po' di elettronica si sono alternati per l'esecuzione di brani di sei diversi compositori tra i quali spiccano i più conosciuti Astor Piazzolla con i celebri Libertango, Oblivion e Verano Porteno eseguiti in lodevoli trascrizioni per marimba, e il greco-francese Iannis Xenakis, celebre compositore di musica elettronica e concreta della seconda metà del '900, con esperienze rilevanti nel mondo ritmico percussivo. Suo il brano Rebond B per set di percussioni magistralmente percosse dal giovane interprete. Del compositore torinese Roberto Bocca, abbiamo ascoltato due ottimi brani: Esegesi per vibrafono, sei minuti col quale si avvicina al mondo del jazz, genere che spesso utilizza il vibrafono sia per i potenziali melodici che per quelli ritmici. Rubino ne ha esaltato ogni potenzialità dinamica e ritmica. Nel secondo brano Sintesi per percussioni ed elettronica, il virtuosismo percussivo ha alternato il vibrafono e la marimba in un lavoro che ricorda certe sperimentazioni del rock progressivo anni '70 alla Mike Oldfield. Il concerto era iniziato con un brano particolarmente ridondante ed efficace del giapponese Maki Ishii con Thirteen drums per set percussivo e nel corso del concerto due interessanti lavori per solo rullante, il primo di Alexej Gerassimez, Asventuras, e di Wolfgang Reifeneder, Cross Over, hanno esaltato le qualità percussive di questo splendido percussionista che ha meritato al termine tutti i fragorosi applausi ottenuti da parte di un pubblico non numerosissimo ma certamente intenditore. Particolarmente efficace il bis gestuale concesso nell'ambiente oscurato dove il corpo fermo di Rubino e le sue mani muovevano lentamente e velocemente una bacchetta colorata, rossa fluorescente con movimenti sincroni alla musica concreta preregistrata nobilitata da voci particolarmente suggestive. Eccellente questa perfomance che ha unito in modo intelligente il gesto con il suono-rumore. Applausi sentiti e uscite ripetute di Rubino con volto particolarmente soddisfatto.

23 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

Chailly e la Sesta Sinfonia di Mahler alla Scala

L'ultima replica scaligera della Sesta Sinfonia di Gustav Mahler ascoltata ieri sera ha avuto ancora un meritato successo di pubblico. La Filarmonica della Scala e il suo direttore stabile Riccardo Chailly hanno trovato il giusto equilibrio espressivo in un lavoro, quello del compositore boemo-austriaco, che fortunatamente abbonda ancora di grandi direzioni ed esecuzioni in tutto il mondo. La durata dell'interpretazione , 88 minuti con le brevi pause - circa trenta secondi tra i quattro movimenti - è nella media delle durate più lunghe di questa monumentale Sinfonia in la minore, composta per un organico molto ampio, tipico delle grandi orchestrazioni di fine Ottocento e primo Novecento. Ci è piaciuto molto il taglio interpretativo del direttore milanese, specie nel celebre Allegro moderato finale ricco di contrasti e con momenti qualitativi stravolgenti. Le sezioni orchestrali - splendida quella delle percussioni in generale- hanno trovato una valida intesa anche se le timbriche emerse a volte un po' secche- ma questo dipende anche dal palcoscenico forse relativamente stretto per l'ampia compagine orchestrale- hanno isolato parzialmente i colori orchestrali delle sezioni meno voluminose (archi) con contrasti non sempre eccellenti. Qualche spigolatura del timbro - primo corno- si è notata. Certamente di valore l'interpretazione complessiva. Ricordiamo i prossimi concerti di questa serie sinfonica con una Nona di Bruckner prevista per il 13-14 e 17 febbraio per la direzione di Dohnányi e una Quinta di Mahler per il 28 febbraio e 1-2 marzo sempre col Maestro Chailly. Da ricordare.

20 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

A Vercelli entra nel vivo il 21° Viotti Festival

Dopo i sapidi aperitivi prenatalizi, ieri sera, sabato 19/01, nell’abituale sede del Teatro Civico ha avuto ufficialmente inizio a Vercelli la stagione 2019 del Viotti Festival. E migliore inizio non poteva esserci: a celebrare l’evento, dinanzi ad un Civico vicino al tutto esaurito, quella vera festa della Musica (sì: di quella con la maiuscola!) che sono le composizioni di J. S. Bach, a cominciare dai concerti, sintesi suprema di geometrica razionalità e squisito gioco di timbri, ritmi, linee melodiche: un mondo di ideale perfezione, calato nello stampo storico del concerto grosso barocco. Monograficamente bachiano, dunque, l’esordio del Festival vercellese, impaginato su tre perle dei quasi innumerevoli concerti di J. S. Bach: il BWV 1044 in la minore per flauto, violino, clavicembalo, archi e basso continuo, il BWV 1056 in fa minore per clavicembalo, archi e basso continuo e infine quel capolavoro originalissimo che è il quinto Concerto Brandeburghese, il BWV 1050 in Re maggiore per flauto, violino, clavicembalo, archi e basso continuo. A eseguire il programma gli archi della Camerata Ducale e tre solisti di grande qualità e solida fama: Guido Rimonda al violino, Massimo Mercelli al flauto e quel simpatico hobbit della tastiera che è Ramin Bahrami al pianoforte, in sostituzione del clavicembalo, secondo una prassi ormai generalmente ammessa (con qualche residuale resistenza). La trasparenza del suono, la leggerezza dello stile galante del miglior tardo-barocco, il fraseggio nitido e al tempo stesso come sospinto da una energia propulsiva incessante, l’eleganza affettuosa del dialogo tra ripieno e concertino e dei solisti fra loro; queste le qualità del mondo musicale evocato ieri sera a Vercelli, cui sia gli archi della Ducale (sempre di ottimo livello nel suono e nel fraseggio, nonostante i frequenti cambiamenti nell’organico orchestrale: ad ogni serata si vedono volti nuovi, in genere giovani), sia i tre solisti hanno dato il loro contributo: Rimonda con una cavata aggraziata e dal fraseggio sempre perfettamente tornito e limpido anche nei legati , Mercelli con il timbro cristallino del suo flauto, che spruzzava d’argento il fluido scorrere delle note, Bahrami con un’infaticabile presenza dovuta al doppio ruolo del clavicembalo/pianoforte nel BWV 1044 e nel BWV 1050: basso continuo, ma anche un rilievo strumentale inedito per i tempi, che ha il suo culmine nella straordinaria, lunga cadenza del primo tempo del BWV 1050. A questo punto, qualche osservazione sullo stile esecutivo di Bahrami s’impone: com’è noto il Bach del maestro italo-iraniano ha molti devoti cultori ( ed erano presenti in gran numero anche ieri sera) e molti aspri detrattori. A noi di Bahrami piace la cantabilità, il suono caldo e leggero, tuttavia siamo disposti ad ammettere che non tutto e sempre “funzioni” nelle interpretazioni di Bahrami: la cadenza del BWV 1050 ascoltata ieri non ci ha convinti troppo: il ritmo incalzante, unito ad un uso talora eccessivo del pedale, ha creato un flusso omogeneo e quasi indistinto, al limite della confusione. Così, almeno, a noi è parso. Comunque il pubblico è andato in visibilio, ottenendo due bis: in ordine, il secondo e il terzo tempo del BWV 1050. In generale un’altra di una serie ormai lunga di bellissime serate di musica che la Camerata Ducale ha donato al suo numeroso e affezionato pubblico.

20 gennaio 2019 Bruno Busca

Prossimamente all'Auditorium Fratelli Olivieri di Novara Fulvio Luciani e Massimiliano Motterle

Domenica 27 gennaio 2019 alle ore 17 all'Auditorium Fratelli Olivieri un Concerto insolitamente di domenica per la Giornata della Memoria per la stagione dei Concerti del Cantelli 2018/2019. Decimo concerto con l’esule Castelnuovo-Tedesco con protagonisti: Fulvio Luciani, violino e Massimiliano Motterle, pianoforte. Musiche di Castelnuovo-Tedesco (incluse rielaborazioni da Brahms e Chopin).

dalla redazione 20 gennaio 2019

Uto Ughi e I Filarmonici di Roma alle Serate Musicali

Da anni lontani il violinista bustocco Uto Ughi viene in Sala Verdi. Ieri sera, accompagnato da I Filarmonici di Roma ha impaginato un programma vario ma tipico del suo più frequentato repertorio. L'introduzione solo orchestrale de I Filarmonici, con Antiche Arie e Danze, terza suite di Ottorino Respighi ha evidenziato tutte le splendide qualità coloristiche di questa formazione cameristica, qualità che sono tipiche del modo più italiano d'espressione. Respighi, maestro d'orchestrazione, ha concepito i movimenti di questa Suite per un ritorno alla tradizione antica della musica, con sequenze melodiche mirabili per nitore espressivo. Col Concerto per violino e orchestra BWV 1041 in la min. di J.S.Bach è entrato in scena Ughi per un'esecuzione valida in cui la perfetta integrazione del violino con gli archi ha migliorato l'esecuzione. Con Gaetano Pugnani e il suo celebre Preludio e Allegro nella trascrizione di Fritz Kreisler il violinista ha giocato una delle sue carte vincenti. Il noto brano di Pugnani, musicista vissuto per tutta la seconda parte del '700, è altamente melodico ed acquista in bellezza in questa versione con orchestra d'archi. La seconda parte del concerto, in crescendo qualitativamente, ha visto inizialmente una rarità esecutiva come il Concerto per violino e archi in re minore di Mendelssohn. Il brano, in tre movimenti, è nettamente meno eseguito dalla celebre Op.64 ma certamente interessante e con momenti topici come il delizioso Allegro finale eseguito benissimo. Con Pablo De Sarasate il Maestro Ughi è tornato alla classica riduzione strumentale dalla Carmen di Bizet. De Sarasate con questa formidabile trascrizione delle celebri arie d'opera ha esaltato le qualità dello strumento ad arco e Ughi ha sapientemente sottolineato con speciale virtuosismo i dettagli del brano. Il suo suono, altamente espressivo, ha trovato momenti di lievi carenze d'intonazione che non hanno comunque disturbato la sua classe interpretativa resa tale dalla consolidata esperienza in questo repertorio. Classe riconfermata nei numerosi bis da lui concessi dopo i fragorosi applausi tributati alla fine del programma ufficiale. Prima uno splendido Astor Piazzolla con il meraviglioso Oblivion, quindi la classica e da lui stra-eseguita Ridda dei folletti di Bazzini ed infine, a luci completamente accese, la melodica e profonda Humoresque di Antonìn Dvoràk. Grande successo con fragorosi e meritati applausi e poi l'attesa nel foyer per gli autografi sui Cd. Da ricordare.

18 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

La musica russa di Olga Kern per la Società dei Concerti

Da molti anni la pianista russa, naturalizzata americana, Olga Kern è ospite della Società dei Concerti ed è come sempre attesa dal numeroso pubblico di abbonati e non. Ieri sera un programma interamente russo incentrato su Rachmaninov, ma con altri musicisti di contorno quali Čaikovskij, Skrjabin, e nel fuori programma, Liadov, Mussorgsky, Prokof'ev, Balakirev, Rimsky-Korsakov, ecc., ha messo in risalto il repertorio più riuscito di questa bravissima e bella pianista. La Kern cura molto sia l'estetica del linguaggio musicale, ricco di virtuosismi sottolineati da una solida e collaudata esperienza -specie nei russi-, sia la sua estetica a dimostrazione della quale il cambio dell'abito tra la prima e la seconda parte del concerto è diventata cosa attesa e gradita da tutti i fedeli ascoltatori. Abiti sgargianti ma raffinati e splendidamente indossati da un fisico alto e snello. Il primo, color panna con inserti floreali neri a contrasto, e il secondo: un bel rosso vermiglio che ben si addice alla sua carnagione chiara. I colori dei suoi abiti sono anche i colori della sua musica: timbri forti, a volte viscerali, che trasudano di intensità espressiva non disdegnando momenti di pacato lirismo e di grazia. Ieri nel vario programma dominato da Rachmaninov ma seguito da una decina di brani di altri russi, tra programma e bis, la bionda interprete ha rivelato ancora una volta il suo pianismo completamente interiorizzato, dalle caratteristiche in apparenza improvvisatorie ma legate in modo preciso alla notazione musicale. La Kern è una pianista tout-court: vuole divertirsi suonando e sente come il pubblico la segue quando restituisce in modo intelligente e funzionale la sua formidabile tecnica espressa dalle sue forti e composte mani. Tra i numerosi brani eseguiti segnaliamo certamente la Sonata n.2 op.36 di Rachmaninov di intensa espressività, i celebri Preludi Op.32 n. 5 e12 di estrema delicatezza, il Preludio Op.23.n.5 cavallo di battaglia di grandi pianisti ed eseguito con efficace grinta dalla Kern, validi Cajkovskij con Méditation op.72 n.5 e gli Studi di Scriabin con l'Op.42 n.4 e 5; di grande impatto sonoro Islamey, Fantasia orientale di Balakirev. Notevoli i quattro bis concessi con il delicato e incantevole Music Box op.32 di Anatoly Liadov, il galoppante Gopak di Mussorgsky-Rachmaninov, il celeberrimo e rapidissimo Volo del calabrone di Rimsky-Korsakov e lo Studio n.4 di Prokofiev. Un concertone da ricordare.

17 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

L'Ottavo Concerto per la Stagione dei Concerti del Cantelli a Novara

Sabato 19 gennaio 2019 alle ore 17 presso l' Auditorium Fratelli Olivieri per la stagione dei Concerti del Cantelli 2018/2019 si terrà l'Ottavo concerto con Preziosismi cameristici e l’amalgama delle percussioni. I protagonisti sono Benedetta Ballardini, flauto, Sonia Candellone, pianoforte e violoncello, Davide Broggini e Stefano Ricchiuti, percussioni, Tiziana Ravetti, soprano e Gigliola Granziera, pianoforte. Musiche di Casella, Debussy, Dutilleux, Friedman, Samuels, Knipple, Weill, Poulenc, Bernstein

17 gennaio dalla redazione.

Un quartetto musicale inconsueto ed eccellente

Un programma diversificato e valido quello offerto ieri sera in Conservatorio da Alexander Lonquich et family. Sottotitolato "Convivium", l'impaginato prevedeva brani di sei compositori differenti, con un occhio di riguardo per il '900 e una particolare attenzione per Igor Stravinskij di cui abbiamo ascoltato, in posizione centrale nel programma e con eccellente interpretazione, la celebre Sagra della primavera nella versione per pianoforte a quattro mani con, oltre Lonquich, Cristina Barbuti. Il noto brano, con la pianista nella parte sinistra/bassa della tastira, era stato preceduto da una rarità sempre del grande russo quale i Tre pezzi per Quartetto d'archi nella versione anche questa a quattro mani e ben eseguita dalla coppia -anche nella vita- di pianisti. Altri due strumenti erano in gioco nel concerto organizzato da Serate Musicali: il flauto di Irena Kavcic e il clarinetto di Tommaso Lonquich. Due i lavori proposti di Claude Debussy per clarinetto: il primo, Petite Pièce per clarinetto, ha introdotto la serata, quindi la Prima Rapsodia per clarinetto e pianoforte, con padre e figlio in perfetta sintonia, ha concluso le esecuzioni del celebre francese. Tommaso ha da subito espresso ottime qualità musicali con un dosaggio dinamico efficace e con colori timbrici delicati ed espressivi. Il flauto è entrato in gioco grazie a Camille Saint-Saëns e alla sua Tarantella op.6, brano dal sapore molto rossiniano, eseguito benissimo non solo dalla flautista ma anche dai due Lonquich. Irene Kavcic si è rilevata un'ottima interprete pure nei lavori di André Jolivet con la Sonatina per flauto e clarinetto, brano di mirabile virtuosismo, con Frank Martin e la sua Ballade per flauto e pianoforte e, a conclusione del programma ufficiale, con una rarità contemporanea di certo Guillaume Connesson (1970). Techno-Parade per flauto, clarinetto e pianoforte è un brano spettacolare nella diversificazione ritmica per poche note espressive e accentate in ogni combinazione, sottolineate splendidamente dal flauto, dal clarinetto e dal pianoforte di Lonquich padre. Grande regalo finale dei quattro interpreti con un bis: una rilevante trascrizione per piano a quattro mani, flauto e clarinetto del noto Prelude a l'apres midì d'un faune di Debussy. Bellissimo. Da ricordare a lungo!

15 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

Un violino e un pianoforte per una musica che sconfina

Transiti - Musica che sconfina, è il titolo scelto per il pomeriggio musicale domenicale dello Spazio Teatro89. L'accogliente auditorium di via Fratelli Zoia 89 ha ospitato ieri il duo formato dalla giovanissima violinista Francesca Bonaita e dal pianista Andrea Rebaudengo. Il programma, interessante e diversificato, è stato pensato dai due interpreti e da Luca Schieppati -organizzatore della fortunata rassegna pomeridiana - per essere trasversale ai generi musicali, almeno in quei frangenti dove si riconoscono elementi che hanno caratterizzato la musica popolare del mondo zigano, del blues americano e della musica rock. L'esecuzione di due brani di Maurice Ravel quali la Sonata per violino e pianoforte, dove il secondo movimento e titolato Blues e di Tzigane, celebre brano "zigano" del compositore francese, ci ricorda i primi due riferimenti, mentre per il rock, nella fattispecie del celebre gruppo dei Led Zeppelin e del loro brano Immigrant Song, il riferimento è stato dato da una nuova composizione di Giorgio Colombo Taccani, commissionata per l'occasione da Schieppati per la nuova stagione di concerti e titolato From the land of the ice and snow. Dopo un breve e non evidente riferimento alle celebri grida di Robert Plant, il brano del compositire milanese ha espresso un percorso ben diverso dal mondo rock. A conclusione, di Sergej Prokof'ev sono stati eseguiti Cinque melodie Op.35 bis e la Sonata n.2 Op.94 bis. Ma veniamo ai protagonisti: la milanese Francesca Bonaita, classe 1997, ha rivelato splendide qualità musicali attraverso una lettura intensa ed espressiva di tutti e tre i lavori proposti. L'impaginato, teoricamente di grande difficoltà tecnico-espressiva, si è rivelato non solo alla sua portata, ma ha trovato un'interprete precisa nel tocco, perfetta nell'intonazione con timbro scavato e netto, ed articolata e strutturata nell' organizzazione complessiva delle parti. Coadiuvata dal bravissimo Rebaudengo, pianista di robusta e precisa espressività, Francesca ha risposto al voluminoso pianoforte con altrettanta voluminosità timbrica, per un equilibrio corretto e vario nelle dinamiche e con ottima successione delle scansioni melodico- armoniche. Pregnante di espressività soprattutto nel Blues e in Tzigane di Ravel ed ancora di altrettanto valore nella celebre Sonata n.2 di Prokof'ev. Il brano del compositore milanese Giorgio Colombo Taccani è una sorta di dialogo tra il violino ed il pianoforte nel quale la breve componente tematica melodica del violino, sostenuta ottimamente dalla Bonaita, si ripete più volte nel corso dei circa sei minuti del lavoro. Brevi pause mettono in risalto maggiormente l'intervento solistico sostenuto con sicurezza e compattezza dal valido pianoforte di Rebaudendo. Un lavoro che rimanda, a mio avviso a certe modalità espressioniste alla Berg, con una forte incidenza espressiva personale del mondo compositivo di Giorgio Colombo Taccani. Applausi fragorosi al termine del concerto ai protagonisti e applausi anche al compositore salito sul palcoscenico. Da ricordare.

14 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

Alexandre Tharaud e la Sinfonica Verdi in Haydn, Mozart e Schmidt

Non avevo ancora ascoltato live il pianista francese Alexandre Tharaud e devo dire che insieme all'Orchestra Sinfonica di Milano diretta da Claus Peter Flor, in un programma che prevedeva i celebri Concerti n.11 di Haydn e il K.467 di Mozart, mi è piaciuto assai. Tharaud è un pianista molto conosciuto - spesso in Tv- ed apprezzato in Francia, soprattutto per le sue interpretazioni di Couperin, Rameau, Scarlatti, Bach e dei francesi Satie e Ravel. Ieri sera in un Auditorium con moltissimo pubblico - ma ci attendiamo il pienone per la replica di domenica - ha mostrato sensibilità e raffinatezza nei classicissimi Haydn e Mozart, mettendo in risalto ogni frangente delle due partiture. Il suo tocco deciso, asciutto e dinamicamente vario, con una mano destra sempre in risalto nel definire la linea melodica presente, ha evidenziato in modo magistrale il Poco adagio di Haydn e il celeberrimo Andante di Mozart nei movimenti centrali ed il noto Rondò all'ungherese che conclude il Concerto n.11 in re maggiore del maestro di Rohrau e l'altrettanto Allegro vivace assai del Concerto n.21 in do maggiore del genio di Salisburgo. Insomma un'interpretazione scavata, ricercata, ricca di accenti che ha avuto come corona un meraviglioso bis solistico: la nota Sonata K 141 scarlattiana eseguita con maestria e con sintesi discorsiva estrema. Tharaud stesso mi ha rivelato durante l'intervallo che Scarlatti è un necessario coronamento a Mozart. Applausi interminabili al grande interprete coadiuvato dall'eccellente direzione di Flor. Nella seconda parte della splendida serata, tutta orchestrale, abbiamo ascoltato una rarità del poco eseguito compositore austriaco - nativo però di Bratislava- Franz Schmidt (1874-1939). Vissuto a cavallo di due secoli, Schmidt fu allievo di Anton Bruckner. La personale Sinfonia n.4 in do maggiore, composta nel 1933, riassume le sue indubbie qualità compositive che stilisticamente rappresentano una mediazione tra tardo romanticismo particolarmente cromatico alla Berg e neo-classicismo. Il lavoro in quattro movimenti senza soluzione di continuità ha momenti d'importante lirismo a cominciare dalla tromba solista iniziale e terminale, sino al bellissimo solismo del violoncello e del violino. Ottima l'interpretazione di Claus Peter Flor che ha esaltato i dettagliati colori della bravissima Orchestra Sinfonica Verdi. Da ricordare. Replica, da non perdere, domenica alle ore 16.00.

12 gennaio 2019 Cesare Guzzardella

Succede anche al Conservatorio...

...che si rompa una corda di violoncello mentre si sta suonando un brano di Shostakovich. E' capitato l'11 dicembre 2017 nella sala Verdi del Conservatorio milanese. La scena è stata ripresa e messa su youtube e sta diventando virale anche grazie alla segnalazione di un noto giornale di musica classica britannico, The Strad. Steven Isserlis (Londra, 1958), infatti, proviene proprio da quelle parti, e ha commentato divertito su Twitter "non sapevo di essere filmato e faccio fatica a ricordare l'episodio. La corda G tende a rompersi sempre quando si suona Shostakovich." https://youtu.be/VyGlkLVHYeo

5 gennaio 2019 Alberto Guzzardella

Ancora meritato successo per l'Attila del nuovo anno al Teatro alla Scala

Col nuovo anno al Teatro alla Scala ultime repliche dell' Attila verdiano. Anche ieri sera l'ottima direzione di Riccardo Chailly, la riuscita messinscena per la regia di Davide Livermore, le scene curate da "Giò Forma" con le luci di Antonio Castro, i video D-Wok e i costumi di Gianluca Falaschi, hanno entusiasmato il pubblico presente in un teatro al completo; pubblico che al termine della rappresentazione, per circa dieci minuti ha tributato ripetuti e fragorosi applausi a tutti i protagonisti, compreso naturalmente il Maestro Bruno Casoni e il suo splendido coro. Un successo quindi eccellente per la prima opera in cartellone nella Stagione 2018-19, dovuto soprattutto ad uno straordinario lavoro di gruppo e alle ottime voci soliste a cominciare da quella di Ildar Abdrazakov, Attila re degli Unni . Di questi era stato annunciato, prima dell'inizio, una forte costipazione con raffreddore che a nostro avviso non ha influito sulla sua straordinaria resa vocale. Ricordiamo naturalmente ( prime due foto di Brescia-Amisano-Archivio Scala) anche Saioa Hernández, Odabella, George Petean, Ezio, Fabio Sartori, Foresto, Francesco Pittari, Uldino e Gianluca Buratto, Leone, tutti bravi. Simpatici i corali Auguri tributati al pubblico dal Maestro Chailly e dai solisti. Un inizio d'anno ottimo che speriamo sia di buon auspicio per il prosieguo. Ultime repliche previste per il 5 e l'8 gennaio. Da non perdere. Buon Anno a tutti i lettori!

3 gennaio 2018 Cesare Guzzardella